装饰工艺论文范文10篇

一、前期施工准备

1.必要性

前期施工准备对于装饰面砖来说是极其重要的，装饰面砖对于建筑物来说是一项外部的基本修饰与保护，所以不仅仅具有保护建筑物、增长建筑物寿命的作用，更是在现代社会对审美的基本追求，从而使建筑物看上去更美观、舒适。

2.具体措施

首先在装饰面砖施工之前，“对于装饰面砖的大面积施工，要先进行放大样与样板墙的装饰，以此来确定装饰面砖施工工艺中过具体的操作步骤和注意问题，并进行相应装饰面砖的质量控制。”装饰面砖一般来说都是大面积进行，所以在实际施工操作之前必须先进行样板的模拟实验，以此找出需要遵循的基本步骤和可能出现的问题。其次，在准备进项装饰面砖前，需要搭建基本的吊架，尤其是对于现代的高层建筑物，在搭建吊架的过程中必须严格要求工艺和质量，保证吊架的稳定性和稳固性，确保在施工过程中工人的基本安全。同时根据建筑的外形需要对吊架进行适当的调整与更改，同样在这一过程要确保安全，定期对吊架质量进行核查，杜绝安全隐患。如果墙面有较多灰尘或是杂物，在工程实施前需要进行清洁，针对不同材质的外墙壁，有需要的还需要进行毛化处理等步骤，为后期工程的实施做好基本准备。对于面砖材料的选择也是需要注意的，必须把号质量大关，防止出现磨损、风华较快的现象，否则会给建筑周围安全留下隐患。

二、装饰面砖的施工工艺要求

摘要：美术学本科教育第八学期为学生毕业创作的关键阶段，通常在第七学期末就会涉及毕业创作任务书、选题、开题等前期事项。由于专业特色，美术学毕业创作可选择范围广，所涉内容多，难易度差距大。在毕业创作阶段，面对各种选择可能性与后期落实对应中遇到的问题，学生需要在毕业创作任务之初做出可行性分析并对作品展示、论文撰写等结果进行预估，在开题过程中合理控制难度、安排时间，在确保高质量完成毕业创作任务的同时完成这一阶段其他节点的任务。美术学本科毕业创作选题研究旨在根据自身的专业能力、毕设阶段时间状况、个性、兴趣以及这一时间段内其他事项的规划，研究、探讨出既能体现个人能力专长又能综合呈现最佳面貌的课题方向、课题难度和课题质量，目的在于确保落实完成展出或参展发表，最大化提升毕业创作阶段的效能价值。

关键词：美术学;毕业设计阶段;课题

美术学毕业创作需要呈现美术学专业特色，并区别于纯绘画艺术和应用类设计学。美术学所学课程一般涵盖中小学美术课程涉及的各种绘画类、设计类、雕塑媒材类、史论研究类等课程。毕业设计环节包含作品创作和毕业论文，作品部分公开展出。在毕业创作作品部分，学生通常会在平面视觉类中进行选择，大部分在绘画类中选择自己擅长的形式进行作品创作，少数学生会选择材料与工艺表现类。为凸显专业特色，避免与其他专业重复，院系指导重点建议放在传统美术绘画类。美术学毕业设计环节是学生本科四年能力水平呈现的阶段，是个人学习成效与艺术修养的综合展示。毕业设计阶段从下达任务到选题、开题再到最后的公开展览过程将持续一个学期，学生通过对这一阶段的合理规划、利用，将会获得前所未有的收获，在高质量完成毕业创作的同时，向各层次专家、学弟学妹和社会展现自己的专业风采，收获更多资源信息，为后续的工作、学习打开新天地。为此，合理选题、科学规划乃至落实呈现整个过程都非常重要。

一、绘画类毕业设计课题分析

美术学绘画类毕业设计选择方向有西画类、中国画类、版画类、装饰绘画类，还有插画、绘本等。西画类因使用工具不同包括油画、水粉画、水彩画、色粉画和丙烯画等；进一步细化，油画有人物、风景、静物、主题画、抽象画等，同样的油画材料因画法、题材的区别，难易度、耗时度差别较大。中国画类包含工笔画、写意画和兼工带写以及书法等。中国画类题材内容广泛，有人物、花鸟、山水和陈设等，由于作品尺幅或组成形式的不同，其难易度差异较大。版画类有木板、石板、铜板、丝网、纸板等，使用材料、选择题材与尺幅的不同也会对作品的难易度产生很大的影响。在绘画类课题的选择中，具体类别、兴趣偏好和个人能力是选题时的首要考虑因素，对难易度的选择则需要根据自身专业能力和效率最大化的时间安排确定。难易度涉及创作题材、作品尺幅、绘制方法以及与作品相关的论文撰写等方面。一般来说，无论是油画、中国画还是版画、装饰画、绘本插图，绘画人物的难度系数相比于风景、花鸟、静物而言更高；其中，画面人物的多少、所涉场景的大小和作品尺幅、描绘方式在绘制难度与工作量耗时方面有较大影响。如：以学生运动会为创作题材，可以是一张整开的工笔国画，包含约20名人物，呈现多种项目的课外运动；也可以是分成八张八开的组画，每一张上画3至4名人物，每张表现一种运动项目。八张八开合起来同样是一整开的工作量，但二者难度系数差别较大。一个整开的画面难度比八张八开的画面至少增加一倍，因为所有的人物在同一场景中出现，人物之间的互动、交错、叠压、穿插关系比八开画面要更为复杂，对整张画面整体构图、色彩和表现力方面的把控难度也较八张八开画面更大。因此，在确定创作题材之后，学生需要根据毕业设计阶段个人的能力、时间状况，确定画面尺幅。绘画类不同画种之间基本没有难易高下之分，无论是油画、中国画还是版画、装饰画、插图绘本，其类型本身都是不同形式平面绘画艺术的个体呈现。相对而言，尺幅较小的类型如插画、绘本或书法等灵活度较高，比较适合毕业设计阶段时间较为分散的状况；选择整幅大尺寸画面做毕业创作，则需要长时间连贯进行。

二、工艺与材料制作类毕业课题分析

摘要：中国的传统手工艺种类繁多，包括绳编、剪纸、年画、云锦等，经过几千年历史文化的沉淀流传至今。为了满足将传统文化与现代文化相结合的现代设计理念，该文研究绳编艺术在室内空间中的应用，分析绳编艺术的类型、编织方法以及绳编在室内空间中的艺术表现形式和发展。

关键词：传统手工艺;绳编;室内空间;设计

一、绳编艺术背景研究与现状分析

我国的编织工艺历史悠久，新石器时代已有各种编织工艺。当前社会，绳编艺术在发展过程中面临逐渐失传的问题。因此，在此研究背景下，该文将绳编作为一种艺术元素，探索其在室内设计中的表达形式，让绳编艺术与室内设计相结合，旨在让更多的人了解传统文化。如今，我国室内设计行业飞速发展，从借鉴国外经典案例风格渐渐变成脱离国外设计，具备独特的中国文化风格。目前绳编艺术被大量应用于室内设计，但大多是将其作为陈设品放于室内。这样虽将绳编工艺与室内软装相结合，但整体风格相对生硬，并未获得预期效果。

二、绳编艺术发展及分类

绳编艺术历史悠久，具体可追溯到旧石器时期。在原始社会，为了捕捉猎物，人类利用植物编结渔网与鸟网进行猎食。到了唐宋时期，绳编艺术发展达到了顶峰，当时利用真丝编织的挂毯一度成为皇室贡品。绳编艺术随后在清朝完善，流传至今。现如今，市面上的绳线种类繁多，色彩也多种多样。常见的材质有棉绳、麻绳、五色线、玉线、股线、毛线等，这些线编织成的作品材质和纹理也各有不同。棉绳色彩素雅简单，具有柔韧的特点，材质天然，手感柔软舒适；麻绳色彩是天然的亚麻色，质地较为粗糙，手感较硬，材质天然；五色线的色彩由红、白、黄、黑、青组成，纹理感比较强，大多用于祈福辟邪；玉线的色彩丰富，可自选颜色，质感柔和，常与珠宝搭配；股线有纯色与杂色之分，质感柔软没有光泽，是由多股细线搓拧而成；毛线的色彩丰富，多为染色而成，一般为螺旋状纹理和绒毛质感，适合于编结。总的来说，绳线材质的不同，呈现的艺术效果也不尽相同，绳线的颜色、质感决定了编织艺术的效果和造型。

【摘要】创刊于1958年的《装饰》杂志是我国创刊最早的艺术类学术刊物。在60年的办刊经营中，《装饰》坚持“立足当代、关注本土”的办刊理念，扎根设计领域，注重专业知识，成为我国艺术类学术研究的重要“风向标”。数字化时代，艺术设计领域呈现诸多变革。《装饰》作为传递与记录艺术设计领域变化的重要载体，为设计思想诠释、设计理念和设计成果展示搭建了良好平台。本文通过分析《装饰》杂志“最美追求”的具体实践措施及成效，总结办刊经验，以期为其他艺术类期刊办刊提供借鉴。

【关键词】艺术类期刊；《装饰》；最美追求；设计理念

《装饰》杂志原为中央工艺美术学院学报，1999年11月，中央工艺美术学院并入清华大学，更名为清华大学美术学院，该刊成为由清华大学主办、公开发行的学报。《装饰》杂志生动、客观地反映了我国设计的本土特征，是我国当代艺术设计领域中不可或缺的重要刊物，也是本土设计理论与实践的主要阵地。《装饰》以“装饰”为名，既是装饰设计理论与实践的交流阵地，也反映了办刊者装饰美化大众生活的愿望。该刊以“深化工艺美术、优化设计理论与实践服务”为办刊宗旨，始终以高水准的学术定位和高品格的文化格调为标准，对我国艺术界的发展产生了重要影响。

一、艺术类期刊《装饰》最美追求的实践

作为我国一流的艺术类杂志，《装饰》坚持不懈地追求最美展示效果，这是该杂志的“天然基因”。《装饰》在最美追求时，庄重雅致的设计风格形成了独有的装帧特色。杂志通过探索，构建层次化的美学设计体系，呈现出最美的视觉观赏效果。1．最美追求的设计探索。《装饰》通过最美追求的设计探索，涵盖了艺术设计的所有领域，为我国艺术设计传承与发展提供重要载体。在封面设计上，《装饰》选择强烈的色彩作为对比，结合抽象视觉元素，呈现独特的艺术设计内涵。在封面字体的使用上，从现代设计语言出发，使用创意型美术字体。封面的布局排版也极为考究。在期刊内页中，巧妙地搭配文字与图片，合理转化色彩与空间的设计，立足视觉特点，实现了艺术美学与阅读价值的有效融合。在2018年第1期杂志封面中，使用橙色和黄色作对比，封面中心使用巨大的圆形作为主要图案，将本期特别策划的文章名称陈列其中，以虚实色块作对比，为读者提供联想空间。封面四角使用4个较小的圆形（内涵为：衣食住行）作为具象补充，特别是巧妙地将“面条”与“永”的图案虚实结合，使读者对本期的特别策划“海外汉学（饮食文化与汉字书法）”形成直观了解。通过线条与空间设计布局的巧妙转化，展示了独特的封面艺术。在内容设计中，图片更是比比皆是，几乎每一篇文章都有一张或数张图片作为辅助。在本期“新设计”栏目中，主要介绍了“可打印藻类塑料”“时光碎片”和“Care+Wear病号服”三种设计理念与方案，以“文字+图片”的介绍方式，让读者有效了解这三种新的设计方案，并对设计方案的内涵，形成直观理解与立体化认识。正是从封面到内容、文字等层次化以及细节化的设计探索，使《装饰》呈现细腻、典雅的风格，成为艺术设计领域争相学习的对象。2．《装饰》设计语言的感性之美。感性之美是一种由视觉观赏所引发的心理美感，作为大众广泛欣赏的美学，感性之美能够对大众形成直接的、感性的美学体验。《装饰》杂志在设计中使用富有生命力的民间装饰语言来表达期刊的视觉审美理念，展示杂志质朴、纯粹的感性之美。与很多艺术类期刊不同，《装饰》在进行设计，尤其是封面设计时，立足我国设计潮流，用中国文化中特有的感性思维来展示民族风格与感性之美，读者通过封面的图案、造型，能够直接感受杂志封面所表达的感性美。在《装饰》2018年第4期杂志中，围绕特别策划“设计•扶贫”主题进行封面设计。在主要图案上使用乡间梯田的画面，通过巧妙的艺术化处理，让乡村与设计活动相融合，契合了本期“设计•扶贫”主题，也让读者对设计与扶贫的关系形成“设计作为一种生产力，可精准扶贫”的直观认知。通过使用贴近大众生活的设计语言，让读者感受到最直接、最原始的感性美学。3．《装饰》设计的理性之美。作为艺术类学术期刊，《装饰》在用感性设计语言表达美学的同时，通过巧妙的立意和设计构图诠释了设计美学的理性之美。与其他期刊不同，《装饰》杂志的封面图像通常由多个具象组成，在图像元素的选择上，更青睐于形式感极强的图片。自2002年开始，《装饰》积极学习和借鉴西方设计理念，将几何图形融入设计之中，诠释了理性的美学内涵。几何图形是极其理性的设计语言，积极应用这一图形元素充分契合了《装饰》在理性之美的设计探索与尝试。《装饰》2018年第2期杂志中，由平面与点、实线、虚线所组成的几何图形、对称设计的蝴蝶图案，充分展示了理性之美的设计底蕴。“包装设计”作为本期特别策划主题，封面使用层次感极强的几何图形为底，与封面图片之间形成“三维”构图空间，有效突出“包装设计”的空间美感。

二、艺术类期刊《装饰》的社会效益分析

一、中国室内设计的现状改革开放以来，随着社会的进步，经济的发展和我国的综合国力的提高，人们的物质和精神生活发生了日本论文由整理提供新月异的变化。消费观念和消费方式也都与时俱进，室内装饰成为了消费的一个重要内容。

随着人们对装饰标准与质量的需求不断提高，必然要求住宅建设不断增加科技含量，实现住宅产业的现代化，进而要求其内部设计要打破以往的盒子式设计，使功能空间更加明晰，住宅部件设计向系列化、集约化、智能化、配套化方向发展。中国室内设计发展到现在也已具有一定规模，虽然与发达国家有一定的差距，但它的发展在当下也呈观察思考23现出新的时代特征。

1.多元性。进入21世纪以本论文由整理提供后，随着信息化时代的到来，国际交流的增加，世界已联成一体。室内设计也不例外，各国带有民族性、地域性的优秀设计涌入中国，各种流派、各种不同风格的设计影响着中国的室内设计，每种设计不尽相同，但又相互协调，彰显出个性。而中国的设计师在相互交流中汲取营养，相互渗透，有利于在国内形成一个蓬勃发展的多元化格局。

2.复合性。随着科技的高速发展，新材料的不断出现，新的设计理念的提出，传统设计观念不断受到挑战和突破。技术与艺术，传统与现代，外来文明与本土文化，不同地域的各种设计，形成了不同组合方式的复合性设计。它不是各种形式的任意的拼凑，也不是任何无次序的权宜变通，它是传统与现代，西方与东方的设计观念的融合，是多样本论文由整理提供的设计语言的体现。

3.时效性。新设计替代旧设计，新材料替代旧材料，新理念替代旧理念，中国的室内设计也慢慢跟上时展的步伐，由八九十年代流行的盲目模仿欧式的设计到现在影响深刻的亚设计流派；由最初的“生存意识”进展到现在的“环保意本论文由整理提供识”，中国的室内设计在其中寻找契机，寻找突破，紧跟着时展的需要。随着中国加入WTO，国内的现代化设计与建筑设计已率先打开国门，无形中也将推动室内设计迈向更高的水平。

但是我国的室内设计要走向世界，较国际水平还相差一定的距离。同发达国家的装饰行业相比，我国室内设计行业还不规范，室内设计师的整体水平还不高，带有中华民族特性的室内设计，其个性还不鲜明，还没有形成自己的文化形态等等。

编者按：本论文主要从现代宜兴均陶工艺装饰形式的创新；现代宜兴均陶工艺装饰内容的创新；现代宜兴均陶工艺装饰技法的创新等进行讲述，包括了现代宜兴均陶工艺品的需求定位,从生活需求大器皿向生活装饰艺术品过渡、对于现代宜兴均陶工艺品的艺术内涵的发展,我们主要可以从造型上入手、现代宜兴均陶工艺装饰内容与社会文化的结合、现代宜兴均陶工艺装饰内容与时代生活的结合等，具体资料请见：

摘要:宜兴均陶堆贴装饰工艺是民间艺术中极具代表性和艺术特色的一种堆贴装饰技法。在江南陶都宜兴的民间陶文化艺林中,它与精陶、紫砂、青瓷、彩陶曾繁极一时,史称陶都民间陶艺的“五朵金花”。时至今日,陶都陶瓷业界却成了紫砂陶“一枝独秀”的局面,这是时代生活发展的趋势使然,然而要振兴现代均陶工艺,我们就很有必要深入剖析研究它的装饰工艺手法,而后结合时展的需求进行艺术创新。

关键词:均陶装饰创新

时代在发展,人民生活水平在日益提高,而传统均陶堆贴工艺的受众对象是日常生活器皿,当玻璃、塑料等材质的现代生活器皿占据了人民日常生活需求的主流时,均陶民间工艺生存土壤的日益减少,这是社会环境造成的客观因素。但同样是作为“五朵金花”之一的宜兴紫砂陶却在今日的社会生活中迎来了空前繁荣时期,这就不得不令人思考均陶工艺是否自身存在它的艺术局限性了,只有深究它的内在因素,再结合客观环境因素对其改进创新,那样现代均陶工艺才能得到发展振兴。

宜兴传统均陶工艺中存在的艺术局限性有:缺乏艺术性;缺少文化气息;工艺技法单一。既然了解了它的不足,我们就可以针对这些艺术局限性的不足之处对症下药,从而实现现代宜兴均陶工艺的时代创新发展,最终实现它的艺术振兴之路。

1现代宜兴均陶工艺装饰形式的创新

论文关键词：华服纹样造型裁剪装饰

论文摘要：华服是中华民族文化的服饰符号。为促进华服设计的创新和研究，从纹样、造型、面料、裁剪、装饰及色彩方面分析了华服设计中的传统寓意与现代元素。主要表现在传统纹样与现代造型彰显的东方内敛与西方热情，丝织品与立体裁剪工艺造就的“意”和“形”，传统艺术与奢侈的现代装饰元素表现的民族性和时尚性，传统色彩与时尚流行色彩体现的绚丽多彩。指出华服设计师应恰当地处理传统与现代2个概念的关系，以展现华服的民族精神和现代韵味。

据《左传·定公十年》记载：“中国有礼仪之大，故称夏；有章服之美，谓之华。”“华夏礼服”即为华服，是具有中华民族服饰特征的服装，代表着华夏民族精神的礼服。印度有婀娜摇曳的纱丽，韩国有端庄淡雅的韩服，日本有纹样丰富的和服，而华服正是中华民族文化的凝结和象征。华服并不是历代服饰的简单重现，而是贯通历朝历代服饰之精华，融合国际先进的服饰工艺和技术再创新的艺术品。NE·TIGER设计师及艺术总监张志峰将华服设计提升到了前所未有的高度。“锦绣国色”2008高级华服系列及“国色天香”2009NE·TIGER华服高级定制作品采用具有1600年历史的云锦，辅以中国传统的四大名绣，在设计上汲取汉、藏、苗、傣、彝、纳西等50多个民族的服装艺术元素，兼容并蓄，巧妙地将各个民族的服装文化融会贯通，形成恢宏的华服神韵-z。华服设计中所蕴含的传统工艺和纹样所渗透的文化寓意，与现代革新的纺织材料、制作工艺、时尚的造型共同诠释着其独有的文化象征和现代气息。

华服领域相关的理论和创新研究始终伴随着华服的发展。从相关的研究来看，华服研究的焦点主要集中在华服本身具有的民族文化和精神内涵方面。对华服创新设计也提出了一些新的看法，即华服设计必须融合东西方文化，适应消费市场的需求，注重结构的创新设计以及新型材料的应用，但是对于华服设计如何能够发扬传承文化，并且进行创新性设计的具体实现方面的研究还不够深入。本文从华服设计中蕴含的中国传统寓意和现代元素2方面人手，对传统纹样、面料、艺术形式和色彩与现代的立体造型、裁剪工艺、装饰艺术和流行色彩进行了综合分析。

一、传统纹样与现代造型

1-1传统纹样的装点

编者按：本论文主要从日本传统发饰品是近世江户时代的产物，其历史不算久远等进行讲述，包括了日本发饰品的原材料不算丰富、日本发饰品的审美情趣和形式变化，也可以从一个侧面感受到物品设计中来自社会经济和文化的影响、商品经济繁荣、都市娱乐生活丰富的时代，消费需求的旺盛总能推动手工业极大地发展等，具体资料请见：

论文关键词：日本传统发饰品审美情趣形式表现

论文摘要：成熟于江户时期的"日本发"及其装饰品，有着大陆文明的影子。而岛国特定的自然条件限制、特有的工艺发展方向、传承的民族审美意识和都市文化的繁荣发展，则共同影响了日本传统发饰品的审美情趣和形式表现，表达出其独有的民族个性风味。

日本传统发式的形式变化，主要经历了四个阶段。早先，古代女子的发髻只简单地束于头顶，奈良时代（8世纪）因吸收汉文化也梳高髻、插发饰。其后是平安时代（9世纪－12世纪），即“国风时代”，日本完成汉文化向和文化的过渡，应合民族文化中原始神道的朴素、真实的审美观，贵族女子自然地垂下长发，摒弃任何装饰，显示出高格调的美感。在民间，妇女用简单的线绳将长发结束成各种低垂的样式并一直保持到室町幕府时期。其三是桃山时代至江户初期（16世纪末－17世纪），因商品经济和都市文化的兴起，出现了高而利落、男子气的发髻，改变了垂发的清幽格调，表现出一种乐观向上、青春爽利的新风格。第四阶段是江户中期至后期（17世纪末－19世纪），在现世主义、享乐主义和个性解放的思潮下，大众娱乐形式“歌舞伎”的风行与青楼市井人物的标新立异，推动了发式的不断翻新，其上的装饰品也越来越多，最后形成了现在称为“日本发”的复杂华美的传统发型。

可见，日本传统发饰品是近世江户时代的产物，其历史不算久远。发型共分成四个部分，前额中间隆起的一份称“前发”，面庞两颊打开的部分称“鬓”，发在头上盘卷的部分叫“”，后颈部分叫“”。发饰品主要分栉、笄、簪、布四种，装饰部位各不相同。“栉”就是发梳，一般插于前发和之间。“笄”是一种两边对称的长条形发插物，可以同栉配对，有扁、方和圆头棒槌型（中文的笄与簪同义），通常插在“栉”的后面，和“布”一起用于固定的造型。“布”由宽窄不同的布条结束而成，颜色以红、白居多。“簪”的材料多为金银和龟甲，有一足、两足（中文名钗）和多足，头上为耳挖，足和耳挖之间有一个略宽的平面称为“镜”，是主要的装饰部位。“簪”的品种很多，通常装饰鬓的两侧或者鬓的后方。

日本发饰品的原材料不算丰富，但盛产木、金、银。由于是海岛国家，除了贵重的龟甲、珊瑚，还常用螺钿、水晶、贝、珍珠。其它用来点缀的还有象牙、琥珀、玉、翡翠、绢、铁、玻璃，甚至还有瓷。工艺有打磨、漆绘、漆雕、描金、透雕、镶嵌、浮雕、切雕等。

论文关键词：华服纹样造型裁剪装饰

论文摘要：华服是中华民族文化的服饰符号。为促进华服设计的创新和研究，从纹样、造型、面料、裁剪、装饰及色彩方面分析了华服设计中的传统寓意与现代元素。主要表现在传统纹样与现代造型彰显的东方内敛与西方热情，丝织品与立体裁剪工艺造就的“意”和“形”，传统艺术与奢侈的现代装饰元素表现的民族性和时尚性，传统色彩与时尚流行色彩体现的绚丽多彩。指出华服设计师应恰当地处理传统与现代2个概念的关系，以展现华服的民族精神和现代韵味。

据《左传·定公十年》记载：“中国有礼仪之大，故称夏；有章服之美，谓之华。”“华夏礼服”即为华服，是具有中华民族服饰特征的服装，代表着华夏民族精神的礼服。印度有婀娜摇曳的纱丽，韩国有端庄淡雅的韩服，日本有纹样丰富的和服，而华服正是中华民族文化的凝结和象征。华服并不是历代服饰的简单重现，而是贯通历朝历代服饰之精华，融合国际先进的服饰工艺和技术再创新的艺术品。NE·TIGER设计师及艺术总监张志峰将华服设计提升到了前所未有的高度。“锦绣国色”2008高级华服系列及“国色天香”2009NE·TIGER华服高级定制作品采用具有1600年历史的云锦，辅以中国传统的四大名绣，在设计上汲取汉、藏、苗、傣、彝、纳西等50多个民族的服装艺术元素，兼容并蓄，巧妙地将各个民族的服装文化融会贯通，形成恢宏的华服神韵-z。华服设计中所蕴含的传统工艺和纹样所渗透的文化寓意，与现代革新的纺织材料、制作工艺、时尚的造型共同诠释着其独有的文化象征和现代气息。

华服领域相关的理论和创新研究始终伴随着华服的发展。从相关的研究来看，华服研究的焦点主要集中在华服本身具有的民族文化和精神内涵方面。对华服创新设计也提出了一些新的看法，即华服设计必须融合东西方文化，适应消费市场的需求，注重结构的创新设计以及新型材料的应用，但是对于华服设计如何能够发扬传承文化，并且进行创新性设计的具体实现方面的研究还不够深入。本文从华服设计中蕴含的中国传统寓意和现代元素2方面人手，对传统纹样、面料、艺术形式和色彩与现代的立体造型、裁剪工艺、装饰艺术和流行色彩进行了综合分析。

1传统纹样与现代造型

1-1传统纹样的装点

【摘要】：陶瓷与书法艺术虽是两门独立艺术，论文但两者自古以来就有着深厚的历史渊源，两者具有相通的艺术特征。现代条件下陶瓷与书法艺术亦交相辉映，不同的陶瓷造型可以采用与其风格相协调的书法来加以装饰，使陶瓷艺术获得锦上添花的效果。虽然书法艺术在陶瓷中的运用仅处于辅助地位，但其作用和意义不容忽视，值得从事陶瓷艺术的人们加以关注和应用。

【关键词】：陶瓷，书法，艺术魅力

引言

陶瓷是泥与火的艺术，书法是笔含墨的艺术。艺术都是相通的，陶瓷与书法原本属于独立艺术，然而艺术间不乏契合。陶瓷同书法艺术的契合给欣赏者感觉无疑是锦上添花。对两者成功的驾驭，在于对两门艺术的解读和深掘，而后达到综合艺术的完美和统一。

1陶瓷与书法的历史渊源

中国制陶起源很早。自古相传“神农氏作瓦器”，“昆吾氏作陶”。而汉字起源同样是历史悠久。远在六七千年前的仰韶文化（半坡类型）与四五千年前的大汶口文化以及马家窑文化（马厂类型），陶器上面常见有作为记事的符号，似可视为汉字的滥觞。可见古代陶瓷和文字的起源，从一开始就有着十分密切的关系。春秋战国时期陶器上面多带有篆书雕印文字，陶器上的文字也成为后人研究战国文字和制陶业的宝贵资料。秦兵马俑身上多刻印有工匠的姓名，如“咸阳午”等，字体有的是篆书，有的则近似草隶。三国、两晋时期是青瓷器普及和发展阶段，同时也是陶瓷书法艺术进一步提高与形成典范的过程。唐代楷书、章草、大草、行书等书写体系逐渐完善，这一时期由于饮茶之风盛行。书法装饰便出现在茶壶、酒坛上，有楷、有草，均有大书法家张旭、怀素、颜、柳之风韵。多写名人诗句或“酒”、“茶”文字，酣畅淋漓，圆润遒劲，纯真自然，配以不同的器物造型之上，极具古朴、简约之美感。宋代书法是我国书法发展的一次高峰，书法艺术方面趋于完善和社会文化素质的提高，反映在陶瓷造型中已有“大巧若愚”的自然之韵。陶瓷上的书法装饰在这一时期自然也就成为其明显的特征，且和谐完美地融合在一起，耀州窑用书法装饰的酒具、茶具，其书法亦颇有“苏、黄、米、蔡”之韵。以至元、明、清各代书法装饰陶瓷也成为一种独特的艺术装饰形式和艺术美感，这有其精神上的必然和谐。