钢琴作品艺术风格的分析和探究2篇

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第一篇

一拉威尔其人

莫里斯•拉威尔，1875年出生于法国西部小城西布恩。7岁开始学习钢琴，并表现出一定的艺术天赋。14岁的时候，考入了法国巴黎音乐学院的钢琴预科班，并且学习十分认真刻苦。当他发现自己同学的演奏技术要高出自己很多的时候，他发誓一定要迎头赶上，并且最终收获了高超的钢琴演奏技艺。在钢琴学习的同时，拉威尔对作曲表现出了浓厚的兴趣，曾经尝试创作出了《古风小步舞曲》、《百闻的景色》等，可谓牛刀小试。1897年，拉威尔正式学习作曲，并且孜孜不倦地参加各种形式的音乐比赛，几年中，他一直想要问鼎著名的罗马大奖，但是因为多种原因，却始终没能如愿，但是其在准备比赛期间所创作的很多作品，都受到了普遍的好评。第一次世界大战的爆发，对拉威尔的影响极大，他在战争中看到了人性的无情和残酷，特别是母亲去世之后，他的健康急剧恶化，但是仍然坚持创作出了《库泊兰之墓》、《大圆舞曲》等作品。1932年，拉威尔不幸遭遇车祸，丧失了工作能力，1937年病逝于法国，享年62岁。作为生活在世纪之交的伟大作曲家，其钢琴作品呈现出了鲜明的艺术风格，使他在乐坛上独树一帜。

二拉威尔钢琴创作的艺术风格

1自然和机械的结合

拉威尔早在青年时期就对德彪西十分推崇，并且在创作中受到了德彪西很大的影响。所以他和德彪西一样，也喜欢在作品中对大自然和客观事物进行描绘。例如，《水之嬉戏》中，就将喷泉、瀑布和小溪描绘得淋漓尽致。还有《哈巴涅拉舞曲》中的西班牙景色，《滑稽小夜曲》中唯美的夜景等。或者说拉威尔的钢琴创作，和生活结合得十分紧密，生活中各种常见的情景，都能够在作品中得到充分的展现，也体现出了年轻时期拉威尔对生活的热爱和对美的追求。但是与德彪西不同的是，德彪西对景物和景色的描写，往往都将自己的情感融入其中，类似于中国传统艺术创作中的“托物言志”，但是拉威尔的音乐则是一种纯粹的模仿和表现，几乎看不出情感的色彩，更像是一个写实画家，对所见到的事物进行精心的描摹。例如，德彪西的《水中倒影》和拉威尔的《水中嬉戏》，都是描写水的作品，德彪西并没有予以直接的描绘，而是从光和色的角度进入，来达到对水的感悟和体验。但是拉威尔却是实实在在描写水，包含风平浪静、汹涌澎湃、浪花四溅等多种形态的水。拉威尔更像是一个严谨的机械师一样，把每一个零件，每一个步骤都精心设计，反复推敲，这种形式上的严谨性，甚至超过了古典主义时期的作品。如《古风小步舞曲》中，呈示部突然出现了十六分音符，使之前连贯的旋律骤然被打断，整个乐曲有了一种机械之感，像是人为操纵着乐曲的进行，既有对自然真实的描绘，也有对机械感的鲜明追求，这是拉威尔钢琴作品中鲜明的特征。

2真实和伪装的交织

拉威尔被当时的评论家称为“伪装者”，然而这并不是一个贬义的称呼，反而是对其精湛创作技法的体现。因为他善于在作品中掩饰自己真实的内心世界。一方面，就像是前文中提到的，在对自然景物的描摹中，他几乎从来都不掺杂自己的情感，而是纯粹的描绘。不是像其他浪漫主义时期的作曲家一样，善于在作品中表现自己的情感。另一方面，他还经常对别人的作品进行模仿，让观众误以为自己和被模仿的作品，有着相同的情感基调，从而掩饰住了自己的真实想法。例如，《滑稽小夜曲》和《帕凡舞曲》，模仿了夏布里埃常用的创作手法，《水之嬉戏》则能明显的看到李斯特的影子，同时也在题材上效仿了德彪西，这种模仿使人们看不透拉威尔真实的创作个性。但是从另一个角度来说，再仿真的面具，也难以遮住一个音乐家的真情流露，因为音乐本身就是一门充满情感的艺术。例如，《水之嬉戏》中描写到的喷泉、《钟声》中的玩具钟、《哈巴涅拉舞曲》中那些可以自动跳舞的玩具等，一些观察比较敏锐的音乐评论家，早已发现了拉威尔的喜好倾向，称他为“小玩意的行家”，有着孩子般的天真和单纯。《滑稽小夜曲》中小丑怪诞的性格，《古风小夜曲》中的黑色幽默，都充分证明了这一点，或许也正是这种孩子般的本性，才能使他的钢琴创作与众不同，他的各种伪装，其实是一种通过否定自我来体现自我的最高境界。

3理想和感性的统一

拉威尔的钢琴创作，极少受到外界的影响，而是有着坚定的自我追求。他在创作中对古典主义的各种程式和法则予以了充分的继承，遵循各种传统的作曲法则，喜欢使用奏鸣曲式，整个乐曲的构造十分严谨，因此他也曾经批评过德彪西缺少形式构造的才能，而被斯特拉文斯基称之为“优秀的瑞士钟表匠”。作品中每一个细节都是经过深思熟虑的，包含和弦中音符的数量，休止符的长短等，像是数学公式一样经得住推敲，虽然复杂，但是绝不混乱。他像是一个成竹在胸的机械师，看着自己的钢琴机器沿着设定好的程序，有条不紊地向前运行。但是我们又分明能够从作品中感受到他的感性和本能，或者说其创作在体现出理性和严谨的同时，也体现出了一定的情感色彩。例如，《帕凡舞曲》和《哈巴涅拉舞曲》中，就经常出现几个相距甚远的八度上行旋律，这样的设置就使得曲子有了一种动感的特征，从而更加吸引观众。此外，还有《古风小步舞曲》中浪漫主义颓废和伤感，《小奏鸣曲》中那不易察觉的忧郁，还有该曲第三乐章那种激情和狂野，像是一个被束缚已久的人，突然获得了自由和新生，然后忘情的奔跑。这种理性和感情的结合，显示出了拉威尔在创作中的矛盾一面。这也是其在晚年创作中饱受困扰的原因之一，即不知道自己应该以何种态度来创作作品，除了音乐上的理解和感受之外，更多的是其性格使然。

三拉威尔钢琴作品风格探源

艺术发展有着继承性的普遍规律，这在钢琴艺术身上也不例外，只有追溯拉威尔钢琴创作的风格渊源，才能了解到这种个性特征表现的真正原因。事实上，拉威尔本身就是一位善于吸收和借鉴的集大成者，其中包含对法国传统音乐的继承，同时代的德彪西以及对古典主义的借鉴等。各种因素综合在一起，共同造就了拉威尔钢琴作品的艺术风格。

1德彪西印象主义音乐的影响

虽然德彪西的印象主义追求被称为是“一个人的流派”，但是其影响力是毋庸置疑的，这种对于印象感觉的大胆追求，直接推动了浪漫主义音乐的发展和创新。作为和德彪西同时代、同国家的拉威尔虽然总是强调和德彪西走是截然不同的路子，但是从其作品中可以看出，其还是受到了德彪西不少的影响，当时的一再强调，也只是为了不让自己带上德彪西模仿者的帽子。这种影响在拉威尔早期的作品中就已经开始显现。德彪西早期的创作中，善于从当时的象征主义诗人的诗歌中获得灵感，以此来获得对通感的追求。例如，《贝加莫组曲》就是受到象征主义诗人魏尔伦的诗歌启发创作而成的，其中的《月光》更是魏尔伦的同名诗篇。同时，德彪西还和当时印象派绘画的莫奈等人是至交好友，受到印象派绘画的启发，他善于使用和声的色彩变化来表现出一种朦胧的效果，且每一首作品都有一个模糊性的标题。这些创作理念和追求，都给了拉威尔以很大的启示和借鉴，如他在创作中也经常使用模糊性的标题，为了追求印象性色彩而将和弦的范围扩大，使用三度音程叠置的方式，大量使用九和弦、十一和弦甚至是十三和弦等。同时将一些中古调式、东方的五声音阶等全新元素融入到作品中，表现出了和德彪西相同的对色彩的追求。可以说，德彪西的创作思想和技术，给了拉威尔以很大的影响和启发，但是拉威尔并没有完全跟随，而是始终保持着音乐品格的独立性，使自己的钢琴作品，既有和德彪西表面上的相似性，又有本质上的不同。

2对法国传统音乐的继承

19世纪末，法国的民族音乐协会成立，这个协会旨在充分发展法国的民族音乐，体现出了鲜明的民族性精神。而拉威尔的老师弗雷尔，正是这个协会的领军者，他毕生都致力于法国民族音乐的挖掘、保护和发展，与库普兰、拉莫等前辈音乐家的理念一脉相承。弗雷尔因为民族音乐观十分强烈，所以对一些新的理念和创作技法并不感兴趣，而是满足于当代美学，把自己视为一个历史悠久的合理产物。拉威尔师从弗雷尔，从老师身上学得了严格的古典主义创作法则，为他后来作品中对严谨性的追求产生了重要的影响。而且弗雷尔本身是一个十分谦和的、温文尔雅的绅士，他的作品中在音乐语言方面总是很节制，弱奏的特点十分鲜明，这让年轻时期的拉威尔产生了浓厚的兴趣，也试着向老师一样带上各种面具来进行创作。同时，弗雷尔鲜明的音乐理念追求，并不代表他是一个固执和保守的人，相反他对别人的各种创新是十分支持的，这也让拉威尔在创作中有了坚强的后盾，各种个性探索有了极大的发展空间，可以说弗雷尔对拉威尔的创作影响是十分巨大的，多种风格的体现，都是源于对老师的模仿。另一位法国音乐大师夏布里埃，也对拉威尔的创作有着很大的影响，他的音乐具有典雅、细致的风格，同时又表现出一种讽刺和幽默。而且在技术使用上是纯粹法国式的，是法国利用全音阶创作的第一人。拉威尔对其十分推崇，早年的很多作品都是对其作品的直接模仿。如《幻想的布雷舞曲》、《豪华小步舞曲》等，都有夏布里埃的风格。拉威尔正式继承了法国传统音乐的精髓，所以作品才会体现出如此长久的艺术魅力。

3后期浪漫主义的孕育

拉威尔的创作正值浪漫主义后期，这一时期的浪漫主义音乐已经不再纯粹，而是有了一些新的元素出现，拉威尔则是这种新元素的尝试者，这种尝试表现为一种继承和创新。一方面，他十分推崇肖邦、李斯特等浪漫主义大师和他们的作品。例如，他曾经细致研究了李斯特的《超级练习曲》，并且将其中的技巧进行归类，并在自己的多部作品中使用。作品中经常出现的“刮键”，就是李斯特标志性的技巧。又如肖邦，拉威尔的对肖邦作品中表现出的民族性的钦佩不已，甚至想要代替肖邦，投入到波兰的革命战争中，作品中的情感宣泄，也受到了肖邦的影响。而且拉威尔在充分继承浪漫主义精华质素的同时，还进行了很大程度上的创新，从而形成了自己的音乐个性。例如，浪漫主义音乐中，对音乐形式并不是太重视，而在拉威尔的创作中，音乐形式却有了十分精致的美感特征。浪漫主义音乐中对通感的追求，更是被拉威尔发挥到了极致，他以浪漫主义音乐为母体，并且进行了变异和扩展，从而形成了自己所特有的风格。综上所述，浪漫主义时期之所以被称为是音乐历史上最重要和最伟大的时期，一个关键的原因就在于这是一个百家争鸣和百花齐放的时代，浪漫主义风格虽然是主流，但是并没有一支独大，反而从客观上激发了音乐家们对多种风格探索和追求，而音乐本身也正是在这种探索和追求中得到了发展和丰富。拉威尔作为浪漫主义后期钢琴创作的佼佼者，用自己的创作让钢琴艺术的形式和内涵，有了全新的展现。对于其钢琴作品艺术风格的研究和成因分析，将有助于我们更好的认知和体验其作品，为拉威尔钢琴作品的演奏和教学，打下一个坚实的基础。

本文作者:王娜工作单位:南阳师范学院音乐学院

第二篇

一、钢琴伴奏者必须具备的能力及素养

1.扎实的钢琴演奏技能是基础。要具备良好的钢琴伴奏能力，扎实的钢琴演奏技能是基础。钢琴演奏基本功训练，是钢琴演奏必须掌握的基本演奏方法和基本技巧。钢琴伴奏者应当对基本功的练习加以足够重视，这样才能胜任有技巧难度的艺术歌曲作品的伴奏。我们要用科学的方法练习，讲究练习质量，宁可进度慢一点，也要追求高质量的练习；基本功练习需要勤奋、持之以恒的精神，通过长期的训练，使自己的基本功由量变到质变，取得进步。当我们拥有扎实的基本功和技能，就可以流利而富有感情地伴奏高技巧高难度的艺术歌曲作品，手指在黑白的琴键上轻舞飞扬，演唱者也会随着伴奏将作品演绎得完美。2.深入理解作品是前戏。艺术歌曲是音乐与语言相结合的表演艺术，是人类用以抒发和交流情感的典型艺术形式。钢琴伴奏者对歌曲的理解程度深浅，直接关系到演奏效果的好差。钢琴伴奏不仅是手指的技艺，更重要的是有很强的艺术控制能力，这种能力直接影响演奏技巧的发展、发挥与提高，自始至终引导演奏的全过程。为此，“伴奏者必须体会与了解到钢琴作品中内部的音乐构造和感情基调，对艺术歌曲乐谱和歌词进行认真的研读和准确的解释，为伴奏的再创造提供依据，做到会思考、会领悟，从而透过钢琴音响形式美的外表找到音乐内蕴的穿透力”。演奏一首钢琴作品的过程就是展示乐曲本身的美的过程，如果把这两者结合起来就可以在内心深处为艺术歌曲塑造一个完美的艺术形象。但是，塑造“艺术形象”的前提是先看懂乐谱，读懂乐谱，有效地分析与体会作品。钢琴家亨利•涅高兹说:“学习一首钢琴作品，要像指挥者学谱那样，首要的是要研究整首作品，否则就不能获得完整的印象、完整的形象。”3.演奏与演唱的相互配合是渲染音乐的关键。艺术歌曲的伴奏艺术是一门“合作”的艺术，伴奏者需要与歌唱者一起创造音乐的音响效果，只有二者相互配合、相互倾听，才能协调地发挥二者的优势，才能展现出歌曲的魅力。怎样协调，关系到观众的欣赏质量，也是渲染音乐的关键。因为有了歌唱者的存在，伴奏者在演奏效果上，包括音色、音量的控制不能如演奏独奏乐曲那样子的“我行我素”，而是需要“因地制宜、量体裁衣”，双方应对作品的表现达成共识。两者怎样更好地配合，首先，伴奏者要清楚演唱者的声部和他在艺术歌曲中所要诠释的形象。根据歌曲塑造的各类人物形象，伴奏时应当对症下药。每个声部不是千篇一律的，不同的角色形象在声音上的处理也是不一样的。当然，伴奏者要察言观色，如果角色演唱安静轻柔，则伴奏必须轻而柔；反之，则弹得明朗坚定。再者，伴奏者的音量要与演唱者的音量保持协调统一，在演唱者用不同情绪的时候给予帮衬。人们常说，演唱者是“红花”，伴奏者是“绿叶”。绿叶当然应当衬红花，而有些伴奏者为了更好地衬托演唱者，把自己的音量压得很低，这样是不对的。因为伴奏的音量过小，不能给予演唱者在情绪上的推动，反而会让演唱者找不到“点”。反之，如果伴奏的音量过大，掩盖掉演唱者的音量，就会让音乐模糊不清。所以，任何伴奏音量都要以听到演唱者的音量为主，不要喧宾夺主。

二、艺术歌曲演唱中钢琴伴奏的重要性

1.钢琴伴奏的和声功能及音乐织体体现艺术歌曲的风格特征。艺术歌曲有各种各样的风格特征，和声功能和音乐织体是最基本的因素。艺术歌曲伴奏大都建立在非三度叠置的和弦体系上，以四五度和弦为例，四五度和弦在和声的排列上可密可开，它具有空洞的声音效果，可表现深远、幽深、虚无的意境。相比四五度和弦，对三度关系构成的和声稍作处理，用加入和弦省略音，不同的和弦叠置等方法，也颇有效果。变化和弦的处理，同样能体现艺术歌曲的风格。所谓织体，就是我们通常所讲的“音型”。任何艺术歌曲都是通过一定的织体形式表现的。织体是一首完整歌曲的组成部分，并在一定程度上综合了旋律、节拍、节奏等各种音乐的组织手段，在一定意义上来说，织体是音乐的各个表现要素和基本组织手段相互结合的有机统一体。在艺术歌曲作品中，织体能组织各种音乐元素，从头到尾为表现旋律而服务。柱式和旋织体可以分解旋律的音量，琶音音型能增强旋律的流动感，改变旋律的色泽。伴奏中灵活运用织体，能让作品产生活力和生命力，表现艺术歌曲风格特征，从而完美表现。2.钢琴伴奏音乐的先现与延留能把演唱者带入艺术情景。每一首艺术歌曲都有特定的创作背景和创作意图。为了更充分地表现艺术形象，钢琴伴奏在前奏处的先现就起到表现作品意境、调动演唱者情绪，使音乐形象与音乐主题先现，从而达到感染演唱者和听众的作用。例如黄自的《春思曲》，一开始用潜入的八分音符和弦勾画出春雨潮湿的场景和微寒的心情，继而右手密集的琵琶音可以理解为春风吹动的声音，流动的音型就是微风。在这里，钢琴伴奏以独特的艺术表现力把演唱者带入那幅特定的画景:春雨淅淅沥沥地下着，一女子倚窗而立思念情郎，这就把演唱者带入艺术情景。音乐进行中，和声的复杂程度和音量强度带动演唱者的情绪，流露出深深的思念。音乐再次回到雨滴有规律的音型，思念和失意在雨中被淹没，歌唱旋律不知不觉地从琴声中像溪水一样潺潺向前流淌，带进夜色朦胧的、淡淡的、遥远的幽幽幻觉之中，美不胜收。结尾的织体处理符，延留乐段勾画出深幽古朴的意境，更让人回味。3.优质钢琴伴奏能充分渲染和激发演唱者的情绪，提升演唱水平。通过融入自己的情感，加以高超的演奏技巧，伴奏者和演唱者的熟练配合，最完美地表达艺术歌曲意境，它对演唱者的演唱发挥起着重要的作用，钢琴伴奏可以激发和调动演唱者的情绪，为演唱者成功塑造音乐形象提供帮助。钢琴的音域很广，音色纯净，可以模仿许多动物的声音及很多自然界的声音，可以准确地刻画很多艺术形象。在人物的刻画上，或嗔或怒，或喜或悲；在动物的刻画上，时而如鸟儿在欢叫，时而如老虎在咆哮，刻画自然时，时而像潺潺溪水，时而像荒芜的沙漠。多变的形象刻画赋予了钢琴伴奏独特的魅力，对所有的歌曲几乎都适用。钢琴是可以同时发出多个音的，利用和声效果和变化的伴奏织体，为歌曲创造了相应的气氛，把演唱者的热情带动至顶点，带动情绪，从而使演唱者的水平得到提高。另外，优质钢琴伴奏可以帮助演唱者把握音准、节奏、速度。在现实的演唱过程中，演唱者由于个人演唱水平、音乐素养、心理素质等因素，有可能会出现音准、节奏、速度等把握不好的情况，此时，就能体现出钢琴伴奏矫正音准节奏的作用，让演唱者最大限度地避免这一问题的出现，提升演唱者的演唱水平。节奏是音乐的基础，音乐的脉搏，旋律与节奏、节拍也是不可分割地联系在一起，离开节奏，所有旋律都荡然无存。速度是作曲家表达情感的一种体现方式，它能较直观地体现作曲家所要表达的情感。如：伤感、沉重的歌曲，节奏、速度一般比较缓慢；而激昂、愉悦的歌曲，其节奏和速度则比较欢快。对节奏和速度的准确把握是作为一个优质钢琴伴奏者的前提，再者，对于演唱者的一些临场即兴发挥和临场的变化，应敏感而灵活地调整伴奏速度、力度等。另外，钢琴伴奏者的呼吸，要做到与演唱者的呼吸和气口一致。在弹完前奏，即将要引入歌声的那一瞬间，双方要默契配合，眼神交流。在演唱中，不能只是死板地弹节奏，而要留意演唱者气息的运用，在演唱之前，双方就应当达成共识，在固定的气口，协助演唱者换气，快速地偷气，实现同步，使统一性达到完美。进入高潮后，要与演唱者同时推动音乐的情绪发展，结束时要根据歌曲的情绪，该渐弱时要渐弱，该渐慢时要渐慢。概而言之，钢琴伴奏的作用有四点：演———为演唱者扬长避短；调———为节拍过赶或过拖加以调整；带———渲染、带动演唱者的情绪；推———促进和推动音乐向前发展，这样才能使作品能够得到正确、细腻的诠释。

本文作者:胡凤红工作单位:绍兴艺术学校