论舞蹈的音乐与舞者心灵的融合剖析

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“音乐是舞蹈的灵魂”这句话可谓人人皆知，然而“旋律是音乐的灵魂”就不是那么“家喻户晓”了。

纵观世界大师的比赛以及表演，不难看出其对音乐的把握，以及在技法的处理上都有着鲜明的特点，由此诠释出的舞蹈意境各有特色，这就是舞者的风格。是舞者对音乐的理解与感知的意境不同，造就出了许许多多的经典，让人赞叹不已真可谓“顶礼膜拜”，这不但是来自音乐的魅力，更是舞者的身心与音乐完美融合的结果。

作为一个优秀的摩登舞选手，如果没有良好的音乐素养，将直接影响到临场的技术发挥，也影响到裁判与观众的直接印象，可见音乐在舞蹈中的地位和作用是丝毫不容忽视的。

因此可以说：音乐是选手展示技术与技巧的时间与空间，它规定了动作套路的长度，它确定了全套动作的风格基调，它蕴涵着编舞者的美学理念。

选手们的每套动作都可以说是一个作品，这个作品是由音乐与动作共同组成的。舞蹈选手就是这件作品的主要实现者，因为目前的各种比赛，音乐资料都是未知的，这对于选手来说更具有挑战性，为了烘托音乐的气氛，选手们必须依据不同的音乐意境，调整动作的内在表现形式以适应不同的音乐风格。如华尔兹的音乐就有不同的风格：“抒情型”、“忧伤型”、“辉煌型”、“缠绵型”以及“欢快型”等等。

尽管我们不是专门从事音乐工作的作曲家、指挥家、演奏家、歌唱家，而我们却是用肢体动作及表情诠释音乐的“舞蹈”家，因此提升我们的音乐素质能力是极为关键的，也是不容忽视的重要问题。

说起音乐我可以说是一个“乐”盲，既不会作曲又不会歌唱，时至今日也是如此。从舞九年、学习九年、感知九年、理解九年，今天我仅就我在这九年的感知与体验，所总结出的点滴经验或者说是体会更为确切，在此谈点个人的一些看法，期望着与您探讨！

学会对比、提出疑问，是舞者在学习与训练过程中，应引起高度重视的问题，有了“对比”的思想意识，就会让我们在“对比后”产生疑问，有了疑问才会去寻求答案。

疑问之一：交谊舞曲“慢三”与摩登舞中的“华尔兹”它们的区别何在？

疑问之二：相同的音乐为何不同的舞者所表现出不同外观,有的“匆匆忙忙”，有的“沉稳有序”？

疑问之三：同一舞者、同一套路，为何在不同的音乐中所表现出的舞蹈意境与风格不同？

疑问之四：比赛与表演有何不同？

凡此种种的疑问不胜枚举，在我九年的摩登舞学习与训练中，无时无刻不在为如此众多的疑问寻求着答案，今天在此整理出来与朋友们分享吧。

任何一首音乐都是一部美妙的作品，如何深刻的理解音乐的内涵，关键在于要根据音乐作品提供的全部信息，充分调动我们头脑的想象力，听懂音乐的语言，让音乐在头脑中活起来、动起来。

虽然音乐不是图画，但它用声音给我们描绘了大自然的景色，或是高山流水、鸟鸣幽谷，或是暴风骤雨、电闪雷鸣。

虽然音乐不是文学，但它用声音再现了生活的悲欢，或是欢庆胜利、心潮澎湃，或是肝肠寸断、生离死别。

用美学的术语说，音乐作品中包含有：优美、崇高、和谐、冲突、滑稽、幽默、悲剧性、喜剧性等内容。若我们能够对音乐的理解达到了美学的高度，才是想象力发挥到最佳状态的时刻，此时的创造力与表现力才有坚实的艺术基础。

音乐被称作是“声音的美妙组合”，也是我们能够容易理解的表述，然而在舞蹈中能够“驾驭音乐而不成为音乐的奴隶”，这是多么的令人向往啊。那么如何来理解音乐就成为打开我们“音乐瓶颈”的唯一方法，因为只有舞蹈动作与音乐的完美结合，才能彰显摩登舞之魅力，否则只能是鹦鹉学舌般的滑稽之舞了。

谈起音乐，首先不能不讨论什么是“音”？音既是声音的总称，是由于物体的振动，使周围的空气产生振动，并向四周传播，形成了一系列的波，这些波引起我们耳膜的震动，使我们才能感受到声音的存在。

自然界中能为我们人的听觉所感受的声音是非常多的，但并不是所有的声音都可以作为音乐的材料。在音乐中所使用的音，是一系列有固定频率或固定音高的音，这一系列的音称为音列，是在长期的音乐实践中发展中形成的。这些音被组成为一个固定的体系，用来表现音乐思想和塑造音乐形象。

音有高低、强弱、长短、音色四种性质。音的高低是由物体在一定时间内的振动次数（频率）决定的。振动次数多音就高，振动次数少音就低。一般人耳能够听到的音频范围约为30-17000赫兹。音的长短是由于振动的延续时间决定的，振动延续时间长音就长，振动延续时间短音就短。音的强弱是由于“振幅”即物体振动范围的幅度大小决定的。振幅大音就强，振幅小音就弱。“音色”是由发音物体所产生的“谐波”决定的，发音物体的性质、形状不同，所产生的“谐波”也不同，因而音色也不同。

声音的这四种性质，在音乐表现中都是非常重要的。但音的高低和长短更为重要。以《生日快乐》这首歌的旋律为例，不管用人声演唱或用乐器演奏，小声演唱（奏）还是大声演唱（奏），虽然音的强弱和音色都有了变化，但是仍然很容易辨认出这支旋律就是《生日快乐》。但是，假如将这首歌的音高或音值（长短）加以改变，则音乐形象即受到破坏，人们再也听不出这是原来的旋律了。

音的振动状态有规则的也有不规则的，据此“音”被分为“乐音”与“噪音”两类，音乐中所使用的主要是“乐音”，也就是振动状态规则的音；但“噪音”也是音乐表现中不可缺少的组成部分。

知道了“音”的性质以后，下面谈谈构成音乐的几个要素，既“节奏”、“旋律”、“和声”和“音色”。这四种要素是作曲家创作的素材，听音乐的人如果不能在一定程度上对其“节奏”、“旋律”、“和声”及“音色”有相当的认识，要想对音乐内容得出比较完整的概念，几乎是不可能的。

一、节奏与节拍

节奏和节拍是音乐构成中的重要因素，在音乐表现中具有重大意义。节奏与节拍在音乐中永远是同时并存的，不可分离的。它们以音的长短、强弱及其相互关系的固定性和准确性来组织音乐，带重音和不带重音的同样时间片断，按照一定的次序循环重复叫做“节拍”。

例如列队行进中整齐的步伐，就充分体现了这点。假定左脚带重音，右脚不带重音，左－右－左－右就是强－弱－强－弱，这就是节拍。

节奏的含意有两种：广义地说：一切协调、平衡、律动都可称为节奏；狭义地说：节奏是音的长短关系。列队行进中变化着的鼓点体现了音的长短关系，如“嘣－嘣－嘣嘣嘣”，这就是节奏。在音乐作品中，具有典型意义的节奏，叫“节奏型”。

例如交谊舞中的快三步（相当于古典音乐中的维也纳圆舞曲）其节奏型是“蓬、嚓、嚓、蓬、嚓、嚓”，用音乐术语说是属于6/8拍子（读作八六拍）。若是在歌唱中则被认为是四三拍音乐，因此就目前很多舞者甚至是教师，依然以为是四三拍音乐，人为的跳成了1、2、3，1、2、3.而不是123456.两小节为一整体，这就是对音乐无知的结果。

下面谈“拍子”问题，用来构成“节拍”的每一时间片断，叫做一个“单位拍”。为了构成“节拍”而使用的“重音”，叫做“节拍重音”，有“重音”的“单位拍”叫做“强拍”，无重音的“单位拍”叫做“弱拍”。由于“单位拍”的“数目”和“重音”的位置不同，“拍子”分为几类。

每小节有两拍或三拍的拍子叫“单拍子”。“单拍子”的特点是只有“强拍”和“弱拍”。如2/2、2/4、3/4、3/8等都是“单拍子”。用同样的“单拍子”，即两拍子或三拍子合成序列。

不只有一个“重拍”的“拍子”，叫“复拍子”。在“复拍子”中，有几个“单拍子”就有几个“重拍”，每个“单拍子”的第一拍都是“重拍”。在“复拍子”中，第一个“重拍”叫“强拍”，其它“重拍”叫“次强拍”。常用“复拍子”有4/4、6/8、9/8、12/8等。

在音乐中，各种拍子都有它所特有的表现作用，是别种拍子所不能代替的，如进行曲总是用两拍子，圆舞曲总是用三拍子，两者绝对不能互换。此外，复杂的拍子往往会给音乐赋予特殊的活力，像爵士乐、摇滚乐就是这样的例子。

二、旋律

旋律是音乐的灵魂，是音乐的基础，它体现音乐的全部思想或主要思想。文学家写一本小说，用文字叙述了小说的情节，这个情节比较容易记住，这一方面是由它叙述了现实生活中的事情，另一方面是由于人们可以回过头来重新回忆这个情节。

音乐所描述的内容从本质说来总是比较抽象的（某些标题音乐例外），音乐的“情节”只能依靠旋律表达出来，因此旋律在音乐中似乎相当于情节在小说中的地位。

旋律是听众的向导也是舞者进行舞蹈的前导。因此舞者在接触一支舞曲的旋律时，必须能够把它辨认出来，而且以后还要自始至终追随它的行踪，这是对所有舞者的起码要求。如果你听音乐时既不能辨认旋律，又不能追踪旋律，那么你就没有必要听下去了，更没有必要舞蹈了，因为你只不过是模糊地感到音乐的存在而已，谈不上用你的身体去诠释音乐了。

旋律是什么？简单地说，不同的音高和不同时值的“单音”的连续进行就构成“旋律”，严格地说，“旋律”是用“调式关系”和“节奏、节拍关系”组合起来的，具有独立性的许多音的单声部进行。旋律将所有的音乐基本要素（这里指的是调式、音高、节奏节拍、强弱等）有机地结合在一起，成为完整的不要分的统一体。

旋律离开了其它各种音乐要素是不可想象的，因为旋律的表现为“感人”正是通过音乐的各种要素作用和相互作用来实现的。旋律可分为声乐器乐旋律两种，声乐旋律是供人声演唱的，一般说音域比较狭窄，富于歌唱性是它的最大特点。器乐旋律是供乐器演奏的，它比声乐旋律音域较宽，速度和力度的变化比较大，富于节奏性和技巧性。

旋律进行的方式，大致可以分为下列四种：

1、级进。即旋律按照音阶式进行，可以是上行（12345），也可以是下行（54321）。

2、跳进。旋律进行时作三度以上的跳跃称为跳进（135或531）。

3、同音反复。相同音连续出现（1155665，4433221）。

4、模进，即不同高度的重复（123，456，654，321）。此外，旋律还可以通过某些手段，使之变化发展，从而扩大了旋律的范围，丰富了旋律的内容。

旋律是连续不断地引导听者，自始至终听完一首乐曲的一根线索，作为舞者在听音乐时必须紧紧捉住这根线索，特别是舞曲音乐的前奏部分，更是我们要加以关注的。然而大多数舞蹈音乐的旋律，或多或少都包含了一些精心设计的次要素材用以烘托意境，不要让音乐的旋律被伴随它的次要素材所淹没，要在头脑中把旋律从环绕的一切素材中分出来，必须能够听到旋律。

说了这么多，也不知您是否对音乐有了一些初步的理解，作为以身体动作为载体，以音乐为灵魂的舞蹈来说缺一不可。那么如何简单的说明呢？我仅就以下几点进行简单的介绍，以方便您的眼前所需吧。

在前文所说的“节奏是音的长短关系”，“在音乐作品中，具有典型意义的节奏，叫“节奏型”。由此不难理解，在摩登舞曲中“音乐的节奏”，是区分舞种特点的唯一要素。

如华尔兹舞的节奏是“彭、嚓、嚓”（既强、弱、弱），探戈舞的节奏是“蹦、蹦、蹦蹦蹦”（既强、弱、强、弱），维也纳华尔兹舞的节奏是“强、弱、弱、次强、弱、弱”，狐步舞的节奏是“强、弱、次强、弱”，快步舞的节奏是“强、弱、强、弱”。

因此作为一名选手或者是一名教师，能够深刻的领会摩登舞的音乐是极为重要的，在比赛中您若是能够很清晰的区分，这几个舞种的典型节奏以及他们的时值是十分不要的。

说起时值即是每个音乐小结的时长，也就是说您一旦确定了舞种的音乐之后，您的注意力就应随之转移到音乐的时值上，以便您能够很好的把握音乐的快慢，这对于您能够很好的诠释音乐的意境是很有帮助的。

下面我仅就华尔兹舞曲特性的把握上，谈点自己的体会，用以说明其节奏、节拍、旋律在舞蹈的过程中是如何处理的，旨在给您带来思考或者是借鉴。

作为选手，当我们步入舞池或进入赛场，能够让我们的心境平和下来的关键是理解音乐，倘若您对华尔兹音乐没有很好的理解，对其不同意境的乐曲没有把握的心境下，您的心态必然会随之紧张或波动，严重的情况下甚至都会影响到技术的发挥。因此理解音乐、把握音乐、诠释音乐是我们必须完成的工作，也是在平时的训练中需要刻意的加以训练的内容。学习英文需要练习听力，学习舞蹈也是如此，若不能很好的理解舞蹈的音乐，就不可能很好的把握音乐，更谈不上诠释音乐了。

我们知道了舞蹈音乐是由“节拍”、“节奏”、“旋律”组成的，其“旋律”决定了音乐的主题思想，也是舞者需要用心的去理解和诠释的主题，更是舞者与音乐能否完美融合的关键所在，“节奏”决定了舞曲的“品格”与“快、慢”，“节拍”告诉了我们此音乐的“轻重缓急”。以上种种都是围绕着一个目标，那就是听懂音乐、理解音乐、把握音乐、诠释音乐，只有这样的选手才会在舞蹈中得以达到艺术的升华，而不会成为“音乐的奴隶”，更不会在音乐节拍的引领下“慌慌张张”、“匆匆忙忙”。

纵观舞蹈的赛场，有多少舞者在“音乐节拍”的催促下“疲于奔命”，如此情况可以说是“司空见惯”了，更有甚者对其自己在舞蹈中没有合上音乐，还美其名曰什么“这是在跳旋律”，听到的与看到的真的让我为之汗颜。

不知道朋友们是否想过，当我们在编排舞蹈的套路时，都精心设计了开始步（我称之为前导步），有的人用一小节音乐，有的人用两小节音乐，原因何在呢？以笔者之用意（我就是这么理解的也是这么运用的）：

首先，作为选手进入舞池之后，我所关心的不是什么舞种（因为都已经知晓了），而是极为关心舞曲的快慢，这就要求我们必须在“前导步”（一或二小结音乐之内）准确判定舞曲的快慢，这时您的思想要完全集中在音乐的“节奏”上，也就是说要迅速的依据“节拍”的“时值”，得出舞曲的快慢的结论。

一般说来任何一只舞曲都是有前奏的，以华尔兹舞曲为例，前奏音乐都会很明显的提示你“强拍”的，作为选手只要您合上了第一个“强迫”之后，您的注意力就必须迅速的转移到“节奏”的快慢上，由此在前导步阶段就会找到身体与音乐融合的感觉了。

其次，有了对音乐快慢的感受的同时，您的思想就应该迅速的体会本舞曲的主题思想，或者说是感受其“旋律”，旋律是音乐的灵魂，是音乐的思想。可能是“娓娓道来”的叙事诗，也可能是“柔肠寸断”的感人故事，亦或是“缠绵委婉”的爱情故事。凡此种种，都是您在“前导步”的过程中极力要完成的工作，只有您理解了音乐的思想，您的思想才会得以升华，您才有可能把自己的身心融入的美妙的音乐里，用你的心、你的情、用你心底的本能与之产生的共鸣去舞蹈，舞出你的思想、舞出你的情绪、舞出你来自心灵的亮丽阳光……

最后，“节拍”组成了“节奏”，而“节奏”告诉了我们音乐的快慢，“旋律”给予了我们舞蹈的意境或者说给了我们“灵魂”。在技术上“旋律”让我们知道了“升降起伏”、“回旋摆荡”，更让我们明晰了“由高到低、由低到高”的运动“时值”，由此您是否明白了我要说的话语用意？

语言的局限真的让人苦恼，口口相传的舞蹈教学更让人迷茫，这就是现实，企盼用语言文字给以明确的说明实难不易，特别是艺术的东西更加的如此，也许真的是自己表达能力所限吧。

再说点吧，总感觉没有说明白。简单来说舞曲是由节奏与旋律组成的，这里用节拍来说更好理解。很多人都以为我们在跳舞时是在跳节拍，其实节拍只是告诉了我们的“节奏”和“时值”，也就是说告诉了我们是什么“风格的音乐”而以。并不是让我们去踏着“节拍”去舞蹈，不然岂不成了“走步”？或者说是在做“广播体操”？在套路中也不是那么的对应呀，三拍四步、三拍五步等等，与音乐的“节拍”真的有关系吗？答案是否定的，虽不能够说是毫无关系，但至少可以说是关系不大。那些用脚在匆匆忙忙中踏着拍子的选手，其无韵律可谈的舞蹈就是典型的例证，仅此就可以说明了，这些说法会引起您的思考呢？

歌手用其“喉咙”伴着音乐唱歌，我们是用身体合着音乐在舞蹈。什么是舞蹈？简言之就是“手舞足蹈”，作为摩登舞者的我们显然是不可以用手来舞动的，取而代之的是我们的“上半身”或者说是我们的“框架”，用框架而舞，既是用身体而舞。“蹈”则是有走、跳、依前人而循或者说是循规蹈矩的意思。既然如此，我们在舞蹈中的腿和脚只是起到承载我们身体的作用，以满足我们身体“舞动”的需要，仅此而已。在华尔兹舞中，旋转、摆荡等等都是其舞蹈的特性，您的腿和脚只要满足了您的“舞动”的需要，就可以说是完成其主要的使命，当然了人体的美是个整体的美，是不可能被人为割裂的，其装饰功能与“平衡”画面的功能也是不可或缺的。

说到此，我表达的中心含义就是：用我们的身体去舞蹈，放弃那些什么所谓的“踩上拍子”的说教吧，因为您的舞步不是与拍子能够吻合的，您的舞蹈只能够与旋律吻合。您的“腿和脚”都是为移动你的“框架”（身体的上半身）而服务的，绝不可以本末倒置呀！因此我在写本文的过程中，才真切的感受到音乐对于我们舞者来说是多么的重要，本以为此话题很简单，可是一旦进入写作之后，方感觉是如此的宽泛与博大，至此用了几天的时间去寻找语言、组织语言，至此也是如此的粗浅，还望您能够给予理解和鼓励。