油画写生的情感传达综述

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论文摘要：本文细致阐述了油画写生情感的传达，深人剖析了油画写生当中的各种因素之间的相互联系与统一。并对写生要通过对自然的深刻了解、仔细观察和真切体验，对自然的投人与热爱才能传其精神，进而真切的共鸣与交融，使作品在自然、画家与欣赏者之问架起沟通情感的桥梁，这一重要关系做出了分析。

论文关键词：油画写生色彩语言构图选择

写生是艺术创造的重要组成部分，它本身也是一种独立的艺术形式，它以自然为表现对象，这里指的表现对象的范围是很广泛的，可以是室外的景物，也可以是室内某些东西，人物等等。通过写生可以使画家很快地抓住事物变化中最美好的瞬间，把最美好的东西呈现在画面上。画画和做别的事情一样，一样会遇到一系列的问题，比如说在油画写生中的构图与色彩等问题。色彩会随着各种因素的变化而变化，也会随着地域的不同而变化，比如说色彩是有其民族性的，各个民族也有它们自己的色调，这个很容易体会得到，我们曾千里迢迢去过雪域高原，戈壁沙漠，黄土高原，我们可以强烈地感觉到它们本民族特有的颜色。青藏高原的五彩经帆，洁白雪山，还有纯净天空，已经成为了藏族特有的代表颜色。江南水乡的那种清新绿色，还有那种冲淡了的乡间建筑，也成了水乡独特的色彩感觉。下面我们就分别来谈一下色彩和构图及对象。

一、写生中的色彩

油画是色彩的语言，所以能很快谙熟色彩的规律。油画写生是要面对自然，在画面上描绘出来的要有强烈的主观感受，要有生动的艺术境界，决不能客观自然的翻版。艺术中感受非常重要，它的表现形式有两种：“渐悟”与“顿悟”。顿悟是建立在渐悟的基础上的，没有长期的生活体验和艺术积累，没有逐渐的渐悟的过程，是不能可出现奇迹般的“顿悟”与“突破”的。色彩作为绘画表现的因素之一，在正确的运用下，能够明确地表现一定的构思。加强主题的感染力，强烈的影响观者的情绪。

色彩有一般的规律，而具体运用则奇妙无穷，色彩也常常随人的感受，审美，爱好或修养而不同。有的人不愿正面来接触这个问题。在历史上也有不少的艺术大师开始时也许色彩运用得并不好，后来才成名成家的。苏里柯夫早年用色相当生硬，很不讲究，看不出后来的那种色彩倾向。德拉克洛瓦是到各地旅行写生，并在生活中随时的不断观察研究，后来才发挥出他的色彩天才。塞尚在分析他画面上的冷暖色彩对比和中间色层的推移来表现形体，久而久之塞尚形成了他独特的色彩风格。色彩从生活中来，而自然本身是美好的，变化丰富的，也是和谐的。不美的颜色在光线，空气等种种因素的影响下也可能成为和谐而美的。自然中很多现象启发我们用色，培养对色彩的美感。只是表现不好才把它弄糟了。即使对色彩很在经验的人，一旦不在接触自然，那么他的绘画很快就没有了生机。要在自然和生活中研究色彩。只有认真地研究对象，才能更好地搞自己的绘画。

关于颜色调配这样的问题，可能画得出来，但不一定能说得明白。还是应该探索色彩的基本规律。用色是一个非常个人化的主观性领域，可能不应该从规律和理论的角度来讨论它。然而，要想画的好，就应该懂得一些色彩知识，它们是如何表现的，又是如何互相影响和联系的。当你混合颜色或是将两种颜色并列着画在一起时，它们如何相互影响，在不同的光线下颜色又是如何改变的为什么会褪色，颜色如何可以来重现外形、轮廓、视角和情绪，某几种颜色的混合能够产生怎样的视觉效果以及这些视觉效果对人们的心理的影响如果想让色彩做出需要的事，那么所有的这些都很重要，都是要了解的。还有，对色彩的感受是主要的，但画画也不是只凭感觉就行了，还应该认识色彩的规律。只有熟悉规律之后，才能运用自如。画面上一个因素不好，就会影响整个画面。绘画，应找对比关系，因为这样才有绘画性。提香的色调很热烈，但我们应该注意他的冷色块在画面中所形成的对比。莫奈的《巴黎圣母院》色彩变化很明亮的黄色，和暗面的蓝紫色形成的微妙的对比，把阳光描绘得十分生动，符合自然规律。印象派后期的一部分写实绘画中，色彩的冷暖对比在近代的绘画中更是有力的一种表现因素。色彩的冷暖并不是绝对的，冷色在某些画中有时会有暖的感觉，暖色在画面中某些因素的影响下还可能会产生冷的感觉这是由于色彩在整个色调中互相作用的结果。因此绘画上应注意整体，并且用比较的方法对待客观事物中复杂的关系是非常重要的。色彩运用是否合适，必须从整体来看，凡是用色合乎整体，通常就是很协调的。色彩固然要求丰富，但要分主次，有的能起到支配作用，而有的就只是从属作用。这样有助于表达内容的主次强弱，使观者在看画的过程中加深印象时用色不当，效果就适得其反了。另外，色彩的明暗鲜灰都可以帮助一幅画起引导作用。

绘画的形和色如果只停留在表面的准确是不够的，应该进一步地去发现形与色的美，色彩有它自己的感情和象征。动人的艺术常常能把人们心理上的一些抽象的东西，如爽朗，阴郁，豪放，纯洁等等，达芬奇表现了智慧的深沉、米开朗基罗表现了力量和生命、马蒂斯的画面使人感到明快，成功的画家的色彩都是有他们自己的风格，但画家去认识与表现这些规律性的东西，并非是一样的，他们各自的着眼点与观察方法也是不同的。从美术史上看，各家有各家的气质，例如乔托爱用珍贵高雅的蓝色作宗教画的装饰底色，衬托前面的人物显得画面更加明快。波提切利的金黄色调更加强了画面的神秘感和梦幻般的仙境的感觉。安格尔用色单纯，其典雅优美如同他的素描。凡高鲜明的运动色彩，既表现了法国南部的特点，又表达了他内心的热情，和他对生命的热爱。亨利卢梭的造型和色彩都给人一种天真的快感。色彩不仅是表面地展现现实生活，它还要表现人们对现实生活的态度，表现画家的个性。

二、写生中的构图

构图对于一幅画来说，就好像一座建筑的地基。如果没有这个坚实的基础，整幅画可能就散架了。即使最简单的主题也需要构图，这样才能有效地利用画面的局限，更重要的是，这样才能有效地强调作品背后的信息。马蒂斯曾说“构图是一种装饰性的艺术，它通过组织艺术家手边各种各样的元素表现艺术家的感情。”构图最重要的一个目的，就是达到视觉的平衡。换句话说，就要小心地处理眼前这些构成图案的元素，它们是线条、形状、颜色、色调和质地。艺术家和艺术批评家提出了很多关于这种平衡的理论。古希腊的哲学家柏拉图曾经简要地说过什么是好的构图：“构图就是在统一中发现并表现变化。”

换言之，一幅画的内容要丰富，这样才能让观赏的人感兴趣，但是这种丰富又必须有限制有组织，以避免产生混乱和不和谐。严格的对称使画面显得平衡，但是很平淡。而一个不对称的构图一方面保持了视觉的平衡，另一方面构造了运动的张力和匀称的画面。可以把不对称的构图比作天平，一边放上很小但是很重的砝码，就可以平衡另一边一堆很大但很轻的东西。匀称和谐画面就好像一首旋律一致的乐曲，不同的元素相互联系起来，同时使构图代有一种特别的情绪。一幅画应该有一个主要的因素，一个能够吸引观者注意的焦点。所以，当考虑构图的时候，首先就应该想到强调什么?怎样去强调它?当我们看任何一幅美术作品时，我们会本能地寻找一种贯穿画面的视觉通道，使我们能够看懂整幅构图。如果这种幅画中的元素不是以一种另人愉快的和谐匀称的方式联系起来的，那么我们会失去兴趣，因为这会给我们支离破碎的感觉。构图是绘画很重要的一方面，构图如果过度依赖数学和几何学的原理，虽然能使画面达到很好的要求，但是这样的画面过于安全和有规律。正如塞尚曾经说过的：“当我开始构思时，所有的原则都消失了。”一幅画之所以让人记忆犹新，是因为它有另人惊讶的个性在里面。所以应该由你的创造性的本能来决定什么时候应该遵守原则，什么时侯应该打破他们。所谓绘画的原则，事实上只应当被年作是构造出正确答案的一个大概的方针。随着经验的积累你会发现好的构图很大程度上取决于观察、本能和直觉。在写生中构图的应用就显得更重要了，因为它直接体现画面是否生动，在写生之前，要果断地确定好构图，千万不要改了又改，要用颜色来确定构图。不仅仅把它看做是一些占据了一定空间的物体，还要考虑它是一个形，一块颜色。

三、写生对象的选择

其实没有必要去寻找“入画”的景色；有一些最伟大的绘画作品画就是最简单的日常生活的场景。从最熟悉的地方开始，尽力从中发现那些能够唤起你感情回应的东西。当你偶然发现一些让你激动不已的东西时，马上就应把它画下来，至少画一幅速写。不要错过它，想着可能在角落那边还有更绿的草地。第一眼看到的感觉是独特的，而且，常常是这样，当你再次返回那里的时候，那种原来让你激动不已的东西，可能你就感觉不到了。所有的事情都不是绝对的，找到了感兴趣的景物，但是可能会遇到很多隐患，光线的飞快变化，琢磨不定的天气等等。这些麻烦很可能会直接影响作画的心情，但是与自然直接接触的愉悦相比，这些麻烦还算什么呢?能感受到人自然中的气氛，这样作品自然也会随之受益的。

综上所述，真正伟大的艺术作品来源于艺术家内心与自然的交融，创作也好，写生也好，道理都是一样，都要从自己的内心出发，抒发自己的真实情感，要尊重自然热爱自然，艺术的动力来源于真诚的内心感动，也来源与无悔的热忱追求。无论搞什么样的艺术都真诚的用心对待，这样的作品才是优秀的，才是真正能震撼人心的。