探索意大利美声唱法思考

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【摘要】美声唱法在它产生和发展过程中，逐渐成熟和完善并成为一个科学的声乐体系。美声唱法不仅具有高深的技巧和体现出一种演唱风格，而且具有自身的美学原则和艺术思想。

【关键词】美声唱法;发展过程;技巧;演唱风格;美学原则ExplorestheItalianAmericasoundsingingmethodessence

【Abstract】Thebeautifulsoundtosingthelawtoproduceinitwiththedevelopingprocessin,graduallymatureandisperfectandbecomesascientificvocalmusicsystem.Thebeautifulsoundsingsthelawnotonlytohavetheprofoundskillandtomanifestonekindtosingthestyle,moreoverhasownestheticsprincipleandtheartisticthought.

【Keywords】Thebeautifulsoundsingsthelaw;Developingprocess;Skill;Singsthestyle;Estheticsprinciple意大利美声唱法(BELCANTO)是十六世纪末在欧洲文艺复

新的发源地——意大利的佛罗伦萨(FIRENZE)形成的意大利歌唱学派，并在十七世纪内传播至意大利其他主要音乐中心：威尼斯(VENEZIA)、罗马(ROMA)、那波里(NAPOLI)、后传入米兰(MILANO)。

从古希腊的吟唱史诗及古罗马的颂歌，到中世纪的圣咏和复调合唱，再到十六世纪末的抒情性音乐剧(歌剧)的兴起，歌唱的形式经历了一个从独唱发展到合唱，再发展到比较高级的独唱的过程。尤其是歌剧的产生和发展、推动了声乐艺术的发展。

在美声唱法形成的早期，意大利的大多数声乐曲作者也是声乐教师或演唱者。这是因为当时培养歌手要有在固定歌调上即兴加花的能力，从小就在乐理、复调、和声、对位、视唱、键盘、文化课等方面予以全面的训练。因此，当时的歌手都具备作曲家的学识和艺术修养。他们理解嗓音的天生规律，把不同程度，不同层次的带情感的声音人微言轻他们创作的基础；又深知如何发挥声乐技巧的创作规律，他们的作品旋律既优美动人而又富于歌唱。

美声唱法歌唱艺术的发展是由复调音乐转为单声部旋律的变化而促成的。在复调作品中，旋律线由几个不同的声部唱出，形成一种复合音乐织体；而新的歌唱艺术风格则使某一单声部的旋律线居主导地位，由乐器或乐队伴奏，歌唱家华丽的歌声和高超的技艺特点，就叫美声唱法。十七世纪初的“美声”独唱已不再是那种叙述故事和吟诵诗歌那样的独唱了，它已成为一种新的学派，一种更富有表现力的声乐艺术。器乐的宽广音域和演奏家灵活的技巧，使得美声唱法歌唱家与他们竞争。十八世纪歌唱家发展了嗓音的潜力，把音域扩展到了三个八度。用花腔唱法机能来发展演唱快速经过句、飞速音阶(SCALEVOLATE)以及具有丰满、明亮、带有金属色彩又有致远力，松弛而圆润的音质和充分的共鸣。由于这些特点使美声唱法举世闻名，并在它的发展中，逐步从地区性扩展为国际性，形成一种具有演唱风格，声乐技术，美学原则和教学理论的声乐学派。

“美声唱法”不仅是一种歌唱技巧，一种演唱风格，而且是一定的美学原则和艺术思想的体现。意大利美声学派是具有文艺思想、艺术理想的歌唱学派。是文艺复兴时期人文主义思想在音乐艺术上的表现。以“音乐之中歌词为先，节奏次之，声音居末。”作为美声学派创作、演唱的原则和理论依据。

美声唱法的演唱风格

历代欧美音乐评论家往往着重从“风格”和“学派”即从艺术和技术两个方面来评论歌剧或音乐会演出。通过对“风格”的评论，可以看出演唱者的艺术修养，语音技巧以及对乐曲的理解是否充足、全面；而通过从“学派”角度进行评论，可以看出演唱者是否受过足够的美声学派的严格正规训练。总的来讲，歌唱者若要正确地表现作品内容和作品的风格，则必须对该作品的作者，时代背景，当时的思潮艺术流派，该国语言特征及作品的特点等有充分的理解。创作风格的不同对于演唱风格的影响是最主要的：演唱风格也会对创作风格产生巨大的影响。尽管经历了各种演变，总的说来，美声学派的演唱风格基本上分以下三大类：

1平易、朴素的演唱(Cantospianato)

这是各种演唱风格的基础，适合的作品面最宽，如17世纪意大利古典咏叹调和舒伯特、舒曼、勃拉姆斯等人的艺术歌曲，以及一切抒情性的歌剧咏叹调。2加花的装饰性演唱(cantofiorito)

此种演唱风格又可分三类：

(1)灵活性加花(cantofioritodiagilita)一般说来，这种唱法声音较“浅”，喉器较高，音色如长笛。此种唱法为花腔女高音所应用，以起音干净，声音有弹性和灵活性，高音清脆、轻松见长。

（2）华丽性加花(cantofioritodibravura)是用较丰满的声音演唱。声音有威力，有热情，并富有戏剧性的表现力，在速度不是很快的情况下，可以作华丽，灵活的花腔和装饰性演唱，是花腔演唱中最辉煌的演唱风格。多为全能型女声所用。

（3）点缀性加花(cantofioritodimaniera)以抒情为主，点缀少量装饰性花腔。多为抒情性声部所用。

3朗诵性演唱(cantodeclamat0)

分两大类：

（1）严肃的朗诵性演唱(cantodeclamatodiserioso)常用较丰满的连贯的、富有歌唱性的朗诵式演唱。

（2）诙谐的朗诵性演唱(cantodeclamatodibuffo)在演唱有乐队伴奏的宣叙调时，同严肃的朗诵性演唱风格相同；在演唱用羽键琴和弦伴奏的清唱宣叙调(Recitativosecco)时，则常用近似说话，半说话式的(quasi~parlando)，轻松的声调，偶尔在突出的喜剧效果处才用说白。

美声唱法的技术要求与教学方法

美声唱法需要五年以上的长期训练，因为它的教学原则立足于大量反复试验，不断摸索，它是以特殊发声机能为基础的艺术形式。古意大利美声学派主要是依靠示范与模仿等口传心授的方式进行教学，积累了丰富的经验，十七、十八两个世纪歌唱人才辈出。但是由于当时的科学尚不发达，只能做出一些经验主义的总结，不能从科学理论上解释。但是这种传统的美声学派教学方式，表面看来似乎“不够具体”，“玄妙而不易理解”，但实际上却是很有成效的，意大利至今仍保持这种传统。用示范及启发式语言教学，达到强调气息支持和正确起音、连贯地歌唱的目的。初学时在领会上虽有一定的困难，但是经过较长期的训练，领会到了方法之后，都有很大的好处。用这样的方式训练出来的声音比较自然，能较好地培养声情并茂的良好演唱状态。随着美声教学的成熟，声音训练方面的各种技术也日趋规范，主要表现在以下几个方面：

1歌唱语言：必须首先深入理解歌词，从歌曲内容出发去追求高度的艺术表现。要求歌唱吐字要像说话那样清晰、亲切。但如果真用说话时的发声、吐字去唱歌，就会产生“有字无声”的状态，不能满足歌唱“字正腔圆”的要求。所以要求“像说话”，而不是“真说话”的状态。咬字时要求增大上下臼齿之间的距离，喉咙就会随着打开：子音要靠前，母音相对地说来则要靠后。子音容易破坏声音的连贯性，所以子音要发得迅速而果断，发出后要立即回到母音的发声部位上来，这样才能做到“字正腔圆”。

2正确的音准、节奏：严格训练音准、节奏。特别是十七世纪末以后，盛行即兴演唱高难度的花腔华彩乐段，演唱这些无伴奏的即兴花腔需要很好的听觉和音准、节奏基础。

3正确的呼吸：美声强调呼吸是歌唱的基础，要求“歌唱时保持吸气的状态”，“在气息支持下歌唱”，用胸腹式呼吸方法。要求用调整呼吸状态来调整歌唱状态。

4准确的起音：要求起音轻松、明亮、准确、圆润。起音是良好发声的基础，是调整气息及喉头状态以及集中共鸣的最基本手段。而要完成良好的起音，一定要正确呼吸、喉头稳定、思想集中、心理上作好充分的准备、声门闭全、挡气和呼气通过声门并振动声带这一对矛盾的恰如其分的配合。

5声区的统一：重视中声区训练和在一个音上的渐强渐弱训练歌唱者在没掌握歌唱技巧时，声区的分野是明显的，在声区变换的地方往往会出现破裂音或音色、音量上的不统一。但掌握了发声技巧后，声音就能上下统一，整个音域就像一个声区一样。因此，声区的统一成了声乐教学中的主要内容和教学成败的关键。

6声音的连贯性：美声强调保持音质的一致、声音位置安放不变，音与音的连接讲究平滑均匀，音量渐强渐弱控制自如。在训练声音连贯性的过程中，同时也向学生灌输了对乐曲风格和对“美”的概念的理解。美声(BELCANTO)最重要的就是声音的连贯性(BELLEGATO)，这样的声音使人感到演唱者感情投入，深刻，能牢牢抓住听众。要做到连贯性首先是声区音色要统一；音波(VIBRAT0)要均匀。

7声音的灵活性：重视声音的灵活性和花腔技巧训练。这样有利于发展音域，巩固头声，使声音松弛、解除喉音的挤压，锻炼气息的控制，增强声音的表现力，使声音轻巧、灵活，起音敏捷、准确；更重要的是能延长演唱寿命。

8优美的音质：美声学派十分重视良好的音质，“追求音质，音量自然会有”。美声唱法最可贵的和区别于其他歌唱发声法的最主要的特征，就在于它丰满、明亮、带金属色彩而又有致远力的、松弛而圆润的音质。这种音质含有较多的高泛音，音色明亮：具有充分的共鸣，音质丰满。

美声唱法概念的历史演变

十七世纪美声学派的教学注重中声区的音质，不片面追求高音或音量，强调气息的支持、正确的起音，放松、自然、优美、柔和而连贯的歌唱性。

十八世纪的演唱发展了花腔技巧、扩展了音域，但在声乐理论和教学原则上则仍沿袭传统，无新创见。

十九世纪是声乐发展的新时期，经过多少代人长期探索，不断改进，男高音获得了高音技术“遮盖”唱法。使原先被女高音独占称霸主角的歌坛局面，改变为各声部平分秋色的新局面。

二十世纪随着科学技术的发展，声乐教学、演唱实践和理论研究，在继承十九世纪传统的同时有所发展。由于二十世纪科技发展迅速，为生理声学、物理声学的科学研究提供了条件。生理学家、语音学家，声学专家和医生们对声带的机能及振动方式作了大量的科学研究。尽管他们在研究过程中对某些问题还有分歧，但在下列几点认识上是一致的：

1演唱中低声区时，声带以重机能状态全长振动，振幅较大，声带厚度作波状运动，也就是声带振动时声带较长、宽厚，发出的声音音质较浑厚、雄壮。这就是美声唱法中所谓的胸声。

2在演唱高声区时，声带以轻机能状态边缘振动，振幅较小，也就是声带振动时声带体积(部分振动)、薄(边缘振动)、窄(振幅小又频率高)，发出的声音较高亢、嘹亮，有金属色彩。这就是美声唱法中所谓的头声。

3在唱假声时，声带比唱真声时松弛并有梭形小缝，作轻机能状态运动，假声没有金属色彩的音色。

胸声、头声、假声三种不同的声带机能状态，发出三种不同的音质，胸声和头声同样是声带拉紧的“真声”，区别是：胸声是作重机能状态运动，头声是作轻机能状态运动；头声和假声同样是作轻机能状态运动，区别是头声带拉紧闭严的，假声是声带较松弛有缝隙的状态。这三种状态都可以单独使用，但在教学和演唱中使用的是一种混合状态，即混声。在不同声区、不同音高，混声的比例不同。

4声音的渐强渐弱：十七、十八世纪的声乐教师们很重视在一个单音上抑扬自如的训练(MESSADIVOCE)，尤其是在过渡音及邻近的音上。从现代声乐科学研究来解释实际上也就是声区转换的训练。渐强就是从声带的轻机能状态转换到声带的重机能状态；渐弱就是从声带的重机能状态转换到声带的轻机能状态。

5歌唱时保持吸气状态：实际上所谓歌唱时保持吸气状态有两重意义：一是指呼气时，两肋及腰部四周要保持住吸满气时的状态，不要一呼气就瘪下来。二是指喉头位置不要下降过低或上升过高，：亏要保持在平易地吸气时的适中位置上，不要改变喉头位置和呼气的通道。

6声音“位置”或“焦点”：声音的扩散，把声音拢成了“音柱”。“音柱”的长短、粗细变化实际上是咽管的长短、粗、细和声带的长、短、厚、薄在变化，声带用得长，则音柱直径也就长，音柱就粗；声带用得短，则音柱直径也短，音柱就细。音越高，则舌骨上提和喉头下降的“对拉”力量加多，则咽管就拉成细长，反之则短粗。所谓的“位置，或“焦点”的感觉，实际上就是喉部功能运动反射出来的幻觉。

7共鸣：人体发声声道可分成固定不变的和可变两大部分。声带以下的腔体如气管、支气管和胸腔等在声带振动发声时起一定的共鸣作用，但不能控制和调整。同样，鼻腔、蝶窦、额窦、鼻窦等腔体从理论上讲可能有极微量的共鸣，但也不能调整。因此，具有良好共鸣的声音及母音的雏形是从声带到鼻咽之下的口咽部这段距离形成的。口腔只是对母音的完善和完成起作用，对声音的共鸣起辅助性作用。对共鸣起决定性作用的是咽管。

8演唱中的器官调整：演唱和声乐教学一直围绕控制、调整声带的张力及闭合和声带的轻、重两种机能状态的转换；控制、调整发声声道(即共鸣管)的长、短、粗、细形状和体积，以及喉、咽、舌、口腔、软口盖、柱肌等腔体及肌肉的配合。

美声唱法在它产生和发展过程中，逐渐成熟和完善并成为一个科学的声乐体系，它能在世界声乐史上达到一个光辉的顶峰，依靠的正是那些严格、准确的技术要求和训练，还有那些动人的声乐作品和杰出的歌唱家们炉火纯青的高超技艺。参考文献

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