作品范文10篇

约翰·塞巴斯蒂安·巴赫是人类音乐史上最伟大的音乐家之一。他出生于巴洛克时期，这一时期所创作的几乎所有键盘音乐作品，都是为钢琴的前身——“古钢琴”或“羽管键琴”所作。巴洛克原指一种建筑风格，特点是细致的雕琢，精心的装饰。音乐上也反映这一特点，作品有讲究的装饰音，复杂的声部。我们在演奏巴洛克时期的复调音乐作品时，要把握好纵横两方面的关系。横向的要点是声部清晰、连贯、特征鲜明与自然歌唱。纵向的要点是不协和与协和之间的矛盾、对比和解决。

巴赫无疑是这一时期的佼佼者，他的音乐艺术是世界文化最重要组成部分之一。苏联的音乐学家阿萨菲耶夫说：“巴赫是这样的伟大，他使人感到他不是一个人，而是一个强大的创作实验室，其中锻炼着当时所有音乐上的创作技能、风格、倾向和尝试。”由于他卓有成效的继承和概括了十七世纪以前欧洲各国的音乐体裁形式、具体写作技巧和各国音乐风格等音乐现象，所以创造了永恒的音乐艺术。而巴赫也被人成为“欧洲音乐大师”、“古典大师”。

巴赫的钢琴复调作品非常多，对于他的复调作品，评论家们这样评论：“谁要是不研究巴赫，那么对他的音乐中蕴涵着的那种用来表达我们最深思想和情感的巨大可能性，是不可能理解透彻的。”“没有研究过巴赫，就不能理解欧洲音乐，没有深入的研究过巴赫的复调作品，一个严谨的作曲家、钢琴家就不可能精通他的专业”。

若想演奏好巴赫的作品，关键是掌握好巴赫的作品风格。具体的说，有以下八个方面：

1.巴洛克的速度，相对的缓慢：它是决定风格最重要的因素之一。在弹奏平均律中速度应当和当时乐器(古钢琴等)相吻合，与当时的时期(巴洛克时期)想吻合。十八世纪属于节奏较缓慢的时代，如果我们在钢琴上把这套曲目弹的很快，显然是不合适的。所以平均律的弹奏应当是相对较缓慢的。

2.严谨的节奏，适当的自由：巴赫作品以节奏严谨平稳而著称。由于作品属于巴洛克时期音乐范畴，所以不能允许有类似浪漫派演奏手法常用的自由地、时慢时快的节奏。巴赫作品从开始到结束，都应处于一个基本节奏之中。但严格的说，在巴赫的作品中有严格节拍与自由节拍的两种不同形态。严格的节拍需要自始自终的统一律动。不能忽快忽慢。另一种则是自由而即兴性的部分，这部分音乐因突出其炫技的性质，因此需要适当的自由速度。

闹作品朗诵晚会主持串词及节目表

主持人:首届朗诵乐园闹闹作品朗诵晚会现在开始

开场曲:歌曲:[迎宾曲]演唱者:涟漪

女主持:亲爱的朋友们、尊敬的来宾大家晚上好！在节日的欢快喜悦的今夜,来自天南地北的新朋老友再次欢聚在《朗诵乐园》。今晚,我们这里是高朋满座，灯火辉煌。今夜这里凝结了太多的激情和精彩。今晚我们将借助网络这个大舞台，再次举办一场别开生面的闹闹哥哥个人作品朗诵晚会。

男主持:闹闹的作品曾经让我们欢笑,让我们感动，让我们流泪，让我们祈祷，现在让我们衷心的祝贺他吧。让我们再次感谢他。让我们借此机会剪一段相思的线/系一个相思的结/说一段心灵故事/唱一首心灵的歌。预祝晚会圆满成功。

女主持:今夜我们将穿越时空，欢聚在朗诵乐园，在电波的传递中，在五彩荧屏的闪烁中，分享闹闹作品的精湛,同时用我们真诚的微笑、鲜花、掌声共同构筑一道心灵的友谊桥梁。祝晚会圆满成功！

罗伯特•亚历山大•舒曼（RobertAlexanderSchumann，1810～1856）是德国作曲家、钢琴家、音乐评论家。生于德国萨克逊洲茨维考小镇的一个殷实的书商家庭，并且在贝多芬和舒柏特的音乐熏陶下成长起来的一代人，综合这两个优势其创作思想和实践始终强调音乐情感表现的目的和意义，并且舒曼对读书写诗有莫大的兴趣，并显示出诗人般抒情与幻想的气质。舒曼的创作具有19世纪30～50年代典型的浪漫主义精神，他的创作和评论活动，对德国以至欧洲浪漫主义及民族乐派的音乐家有着深远的影响。接下来主要浅析一下舒曼的钢琴作品的特点。

舒曼是一个双重性格的人，他的双重性格是理解钢琴作品的重要线索，他的双重性格几乎贯穿了所有的钢琴作品。舒曼曾自称自己为“耽于幻想的音乐家”，认为音乐即心灵的表现，感情的流露。舒曼要用音乐写出自己对世间一切事物的体验。他具有浪漫情怀钢琴作品体现于30～40年代，如《阿贝格主题变奏曲》（Op.9，1834～1835），包含一组小品的《蝴蝶》（Op.2，1829～1831），两组《帕格尼尼随想主题音乐会练习曲》（Op.3，1832、Op.10，1833），《大卫同盟曲集》（Op.6，1837），《狂欢节》（Op.9，1834～1835），《童年情景》（Op.15，1838），《克莱斯勒偶记》（Op.16,1838），《C大调幻想曲》（Op.17，1836）等。舒曼的创作涉及交响曲、协奏曲、室内乐，但占舒曼作品很大比例的、有短小乐曲连成的钢琴套曲以及歌曲则集中体现了舒曼的独创性风格。《蝴蝶》、《大卫同盟曲集》、《狂欢节》、《克莱斯勒偶记》等作品，都是将各首形象各异、情绪迅速变换的独立小曲编织在一起，成为舒柏特声乐套曲式的钢琴套曲。下面就综合以上来进一步的浅析一下舒曼的钢琴作品的创作特点。

1.旋律上。舒曼钢琴作品的主要特色，仍在于其深度的个性化的诗意表现，而旋律是呈显其特色的主要媒介。旋律的特点大致有如下几个：①以相同的旋律语法，使用在不同的作品中，而成为特有的笔调。②偏爱以上拍开始的旋律。③绝少使用附加的装饰音。④常以对位手法卡农或赋格处理旋律。这是舒曼孜孜钻研巴哈作品所获得的理念。⑤常以模进手法处理旋律。进而达到转调、简化或扩展的目的。

2.节奏上。舒曼的钢琴作品在节奏上是多变的。他常用“赫米奥拉“（hemiola）节奏型，从而产生了“舒曼风节奏”所特有的飘逸性。这种飘逸性的不安定内涵，明显地是经由重音的拖延所造成，而这种重音的不规律出现，大多来自切分音的大量使用，当节奏重音和拍子重音无法同时落下时，节奏韵律就失去了惯有的重量感，因而呈现出强烈的不安定个性。舒曼惯用的节奏规律，大体有以下几种模式：等节奏、互补节奏、纠缠节奏以不等分节奏相互遇合的旋律与伴奏，在舒曼的钢琴作品中，较常以2：3的形态出现于内敛的乐段。这种节奏或多或少呈显了舒曼在现实与理想的冲突中，潜藏于灵魂深处的自我挣扎。

3.织体上。错综复杂的织体也是舒曼钢琴作品的一大特色。舒曼的钢琴作品之所以让人目不暇接，与他织体创作的丰富多样是分不开的，而他细腻善变的性格也注定了其音乐织体的复杂多变。舒曼钢琴作品的织体厚重，具有交响性，几乎涵盖了浪漫派音乐中织体语言创作的所有类型，了解这些特点并掌握其演奏技巧对演奏19世纪浪漫派作品很有帮助。其实钢琴音乐是舒曼最有创造性的地方。从刚刚讲的舒曼钢琴创作特点来看，也可以把它的特点做一个宽泛的总结：第一，注重心理的刻画，其新颖的语言正来自于心里后动的表达。第二，各种情绪体验是他用钢琴跃汇所有描述的对象瞬间的幻想，主观的情趣、意境的转换这些使人能感受的到。他的钢琴音乐细腻深刻以及多重性格和难以平衡的心理状态又让人难以把握。第三，套曲创作上的标题性构想，第一个将多个独立的钢琴小品组合成不可分割的艺术整体——套曲，如《童年情景》、《狂欢节》等。第四，常用性格变奏手法，注重和声色彩变化。

舒曼音乐丰富的想象力、表达内心细腻情感和幻想的特征是他心灵的表现、感情的流露。这些个性化的语言同样的体现在他的《新事曲》、《幻想曲》、《童年情景》、《林中草地》以及他那著名的《a小调协奏曲》等钢琴作品中。

内容摘要：作品分析对于古琴演奏十分重要，文章以作品分析的重要性、作品分析的主要内容、作品分析示例为三大理论视角，对古琴作品分析进行了系统化的论述。对于提高古琴演奏艺术水平，具有理论启示与演奏实践的双重参照价值。

关键词：古琴作品分析重要性内容示例

古琴又称“瑶琴”“玉琴”，简称“琴”，是我国古老的弹拨乐器。东汉蔡邕所撰的《琴操》中说：“伏羲作琴”；东汉应劭所撰的《风俗通》也有“神农作琴”的记载；《礼记》中则把舜说成是古琴的创始者；《隋书》卷十五载：“琴神农制为五弦，周文王加二弦为七者也。”上述所载，依据的均是古代传说。关于古琴的确切文字记述，是《诗经》中的许多诗篇，如《关睢》：“窈窕淑女，琴瑟友之。”《常棣》：“妻子好合，如鼓琴瑟。”由此可见，古琴至少已有3000余年的历史了。

在漫长的历史发展中，古琴的演奏艺术不断丰富发展，出现了许多著名的演奏家和众多的艺术流派。但是不论哪家哪派，要想演奏好古琴，都十分重视对古琴曲的作品分析。

一、古琴作品分析的重要性

古琴作品分析，是演奏好古琴曲的基础与前提。

黑格尔曾经讲过：“意蕴总是比直接显现的形象更为深远的一种东西，艺术作品应该具有意蕴。”黑格尔认为，任何艺术作品都要通过媒介，如色彩、线条、音响、动作、文字等来表现，通过整体的艺术形象，来“显现出一种内在的生气，情感、灵魂，风骨和精神，这就是我们所说的艺术作品的意蕴”。

在世界艺术发展史上，还有很多艺术家、美学家有着类似的观点。“艺术乃是有意味的形式”这个在世界美学界广为流传的观点，是英国形式主义美学家、当代西方形式主义艺术的理论代言人克莱夫•贝尔在《艺术》一书中提出的。贝尔认为：美术时空“艺术品中必定存在着某种特性：离开它，艺术品就不能作为艺术品而存在；有了它，任何作品至少不会一点价值也没有。这是一种什么性质呢?……可做解释的回答只有一个，那就是‘有意味的形式’。”贝尔强调，这种“形式”是指艺术作品中的线条、色彩等以某种特殊方式组成某种形式或形式间的关系，“意味”就是被激起的人们的审美情感。在中国美学史上，历代的艺术家、美学家对意蕴这一概念也有过大量精辟的论述。很多中国画论、书论都对艺术作品中“形”与“神”的关系作过全面的阐述。“以形写神”是东晋著名画家顾恺之绘画思想的精髓与核心。南朝宋画家宗炳主张“神畅”之说，强调山水画创作是画家借助自然形象以抒写意境的一个过程。南朝齐梁间绘画理论家谢赫，提出中国绘画上的“六法”，这成为后世画家、批评家、鉴赏家们所遵循的原则。南朝齐书法家王僧虔在《笔意赞》中提出“神采”论，称“书之妙道，神采为上，形质次之”。唐代书法家张怀璀把书法艺术分为“神”、“妙”、“能”三品，认为“风骨神气者居上”。中国的文论、诗论中对意蕴这一概念也有许多论述。晚唐诗人、诗论家司空图注重含蓄蕴藉的韵味与清远醇美的意境，提倡“味外之旨”、“韵外之致”，讲究“象外之象，景外之景”，他的《二十四诗品》是唐诗艺术高度发展在理论上的一种反映，对后世的诗歌创作产生了深刻的影响。南宋诗论家严羽立足于诗“吟咏性情”的基本性质，对诗歌的形象思维特征和艺术性进行探讨，主张诗有别才、别趣之说，这也可以说是对司空图美学思想的继承和发展。

唐代文学家陈子昂的代表作《登幽州台歌》，是他随建安王武攸宜出征契丹的时候写的：“前不见古人，后不见来者。念天地之悠悠，独怆然而涕下!”诗人俯仰今古，瞻望未来，深刻地体会到生不逢时、理想无法实现的痛苦和悲哀，也更深刻地体会了古往今来许多仁人志士在困厄境遇中激愤不平的感情。这首短诗中既没有描写人物形象，也没有描绘生活场景，但却能够千古传诵，赢得无数读者的共鸣，主要是由于它具有震撼人心的艺术意蕴。艺术作品中的艺术意蕴有时是含蓄和模糊的，不同的欣赏者解读的含义各不相同。文艺复兴时期伟大的绘画家、雕塑家米开朗基罗-博那罗蒂的四件大理石雕刻《晨》、《暮》、《昼》、《夜》，被保存在意大利佛罗伦萨美蒂奇教堂内。关于这四件雕刻作品的真正含义有许多种说法，各种说法之间存在着很大的分歧。相比之下，或许米开朗基罗的学生、著名美术史家瓦萨里的解释更有说服力。瓦萨里认为，这四件雕刻作品寓意深刻，雕塑构图具有强烈的不稳定感，人物辗转反侧，显得忧心忡忡，似乎是为世事所扰，既象征着光阴的流逝，也代表着受时辰支配的生与死的命运。雕塑体现出的正是米开朗基罗心灵深处真实写照，蕴含着米开朗基罗对人生、对历史、对社会的深刻思索。

获得诺贝尔文学奖的英国现代诗人艾略特于1922年发表的长诗《荒原》，描写了西方现代社会极度的精神危机，被视为象征主义诗歌的里程碑。这首诗以“一位少年英雄寻找圣杯”的宗教传说及大量典故为纬，以“荒原”、“水”、“火”等一系列鲜明的意象为经，编织了一幅第一次世界大战后西方社会生活的画面，表达了西方传统文明遭遇的危机和人们普遍存在的失望情绪。全诗始终采用象征主义表现手法，既没有对客观事物的描绘，甚至也没有主观感情的抒发，只是把诗人的所有感觉和情绪化成意象来贯穿全诗。在诗中，失去宗教信仰的欧洲成了“荒原”，无节制的情绪成了燃烧的“火”，人与人之间尔虞我诈的关系成了“对弈”，社会的丑恶和腐败成了“尸首”，等等。而且，诗中许多意象是被扭曲了的，以此来表现诗人在荒诞社会里的荒诞情绪。这首诗实际上包含着好几个层次，从对西方社会现实的否定，发展到对人类文化和文明价值的怀疑，直到对人类存在意义的诘难。该诗因大量采用典故和象征，而非常晦涩难读。艺术作品中的艺术意蕴是一种“此中有真意，欲辩已忘言”的境界，只有通过对艺术作品的完整领悟和体味才能把握其内在意蕴。人们可以诠释它，却无法穷尽它。歌德的诗剧《浮士德》是德国文学最杰出的作品，也是世界文学不朽的名著，作者花费近6O年时间才将其最终完成。故事取材于德国中世纪的民间传说，以德国和欧洲18世纪到19世纪的社会现实为背景，剧本通过书斋、爱情、宫廷、梦幻等方面的场景，展示了浮士德在学业、感情、仕途、艺术多方面追求不息的历程。这部作品具有非常复杂的思想内涵和艺术意蕴，l0。多年来，世界各国的专家、学者曾经对它进行过多方面的研究，写出了上百部专著和无数篇论文，不断探索和发掘深藏在这部作品中的艺术意蕴。有的从时代特征出发，认为这部作品反映了资产阶级上升时期先进知识分子为美好理想不断追求的进取精神；有的从作者出发，认为浮士德性格上的深刻矛盾恰恰是歌德本人性格矛盾的深刻体现；有的从结构出发，认为浮士德与魔鬼靡菲斯特的形象对比，体现出美与丑、善与恶的对立统一和尖锐斗争；有的从哲学高度来探讨，认为这是一部探索人类前途命运的史诗，在浮士德身上寄托着作者探求人生真谛，探求崇高理想的执著精神。

总之，我们从《浮士德》这部著作可以看到，艺术意蕴往往超越作品自身特定的历史内容，具有更加深刻的精神内涵，需要欣赏者全身心地探究和领悟，它也是作品具有不朽的艺术魅力的根本原因。相对于艺术语言和艺术形象，艺术意蕴并不是在所有的艺术作品中都存在，某些偏重于纪实性或娱乐性的作品，常常就不存在意蕴。艺术语言、艺术形象和艺术意蕴构成了艺术作品的层次，其中每一层次都具有相对独立的意义和自身的审美价值，或者是艺术作品中突出表现的、生动的艺术语言，或者是鲜明的艺术形象，或者是深邃的艺术意蕴。但是，在艺术创作中，只有这三个层次有机地融合为一个整体，才有可能产生真正优秀的艺术作品。

【摘要】钢琴是西洋“乐器之王”，在历史文化的长河中，各国涌现出了具有当时时代特色的钢琴音乐家，其中继承古典传统又带有浪漫气息德国作曲家布格缪勒的作品，严谨中还不失优美和抒情，一直以来受到了人们的喜爱和追捧，故此本文主要以《再会》为出发点，对其艺术特征进行了全面探析，以期为后期的学习奠定良好基础。

【关键词】布格缪勒；钢琴作品；《再会》；艺术特征

一、布格缪勒钢琴作品《再会》的结构特色

根据相关数据调查可知，布格缪勒钢琴作品《再会》采用了钢琴节奏形式中最常见的四四拍，在一定程度上不仅体现了钢琴曲之间的句子关系，通过借助演奏技巧还能充分地表达作品情感，为后期作品情感的发挥营造了良好条件。图1《再会》的结构特色通过上图分析可知，《再会》为带有引子和结尾的单三部曲式，调性从引子部分a和声小调转至B部分的C自然大调，最后在转到a和声小调，其中A部分为主旋律，通常右手为三连音形式的伴奏，在情感方面能带给人无尽的想象，至于B部分则与之相反，其主要是左手转而为三连音伴奏，两者在交互中体现了“Allergomoltoagitato”的表情术语，给人一种严谨中又不失优美和抒情的感觉。

二、布格缪勒钢琴作品《再会》的情感内涵

（一）相聚时的激动。经大量数据分析可知，在当前城市化、工业化建设进程不断加快的产业时代背景下，人们生活在一个高度紧张的社会环境中，音乐作为舒缓人们心情的重要艺术门类，加紧对其的研究是极为重要的，其中布格缪勒钢琴作品《再会》A部分刚开始时，聆听者可感受到作者的快乐激动，而后到第六小节以后，此时再去聆听音乐则有一种紧张的小情绪，能充分体现那种见到老友的激动心情。A部分的主旋律采用的是右手三连音演奏方式，并且在演奏过程中三连音联系不断，在一定程度上不仅给人一种紧张的情绪，将作者惴惴不安的心情表现得淋漓尽致。此外其左手通常为单音，其与右手三连音的首音相呼应，并且在第九小节时，通过属七和弦连接三度音程的表现方式，不仅掀起了另一股小高潮，与此同时还能将作者想要表达的情感酣畅淋漓得表现出来，给作品增添一种其它的艺术魅力。此外通过借助强音演奏，着重突出重点音节，则可有效地将情绪融入到音乐中，提高了作品的感染力。（二）离别时的留念。与A部分不同的是，《再会》中的B部分表现的是一种离别时的场景，即从第十八小节进入，作品由最初的a和声小调开始慢慢转变为C自然大调，此时右手由最初的三连音转换为单音，左手由单音变为三连音，在表演效果方面，这种转换在弹奏时不仅更加具有表现力，同时也显著地提高了作品的艺术魅力，进而为后期人文内涵的熏陶创造了良好条件，同时这种转换方式也充分体现了在离别时两个人的留念情感，因此在弹奏方面，这部分其更加松弛且自然，还具有一定的回忆性。通常来讲，在表情术语方面，B部分术语由“p”到“sf”，有效地增强表现出了一种不愿意与友人分离之情，然后从二十四节到二十五节，曲调由C自然大调重新转变为a和声小调，这种转化也强调了作者内心的依依不舍之情。（三）分别时的思念。在尾声部分，其主要是由第三十四小节第二个音开始到曲子最后部分，通过赏析分析可知光第三十五小节，《再会》找那个就用了两个“sf”，这种应用从某方面来讲不仅表现出了作者在分别时的那种依依不舍、情绪的高涨，此外再通过右手的分解和弦，表现出了相见的尽头就是离别。“p”这种狐妖是在第三十八小节中出现的，而后在《再会》乐章的后半部分，其主要是左右两只手在交替中完成演奏的，这种反复交替不仅体现了作者对于此次相会的无限回味，也是一种对于未来的无限憧憬。

摘要:违禁作品的作者享有著作权，但受到相应的限制，不享有著作权中与作品出版、传播有关的权利，违禁作品所受限制的地域性与期限性决定了其本身价值的潜在性。违禁作品的规制应该从实体和程序两个层面进行完善：从实体上而言，规制的重点在于违禁作品的认定，一是要区分不同类型的违禁作品细化不同的认定标准，二是要提高违禁作品认定者的各种素养；从程序上而言，规制的重点在于针对不同类型的作品设置不同的鉴定程序，严格区分内容违禁的作品与程序违禁的作品。

关键词:违禁作品/著作权/保护/规制

一、引言：一则案例引发的思考

2009年6月5日上午，学者冯崇义在从香港进入广州天河车站海关的例行检查时，被海关工作人员查扣书籍。被查扣的是11本购自香港的学术著作，包括《解构与建设》、《烛尽梦犹虚——助手林牧回忆录》、《与中国政治改革》等。海关的查验记录称所扣留的书籍涉嫌违禁印刷品。冯崇义向海关工作人员解释，这些书均是香港正规出版社的合法出版物，这些书大多是由中国国内学者撰写或编著的中国现代史研究著作，只是因为各种原因在港台地区出版，而且对自己专业研究工作非常重要。2小时后，沟通宣告失败。冯崇义当即追问海关工作人员，谁定的“违禁印刷品”？哪些书籍属“违禁范围”？“海关审查书籍”是否合法？公众从何处知道具体的“违禁”内容？海关工作人员解释：哪些书籍属“违禁范围”，由“有关部门”决定，海关内部掌握。一个半月之后，冯崇义再次来到广州天河车站海关交涉。最终，他要回了4本，但其余7本书仍被查扣。沟通无果后，冯崇义把广州天河车站海关告上广州市中级法院，要求海关撤销收缴决定并公开道歉。此案在10月14日开庭，庭审中双方的争议焦点是：海关扣书行为有无法律依据？海关审查禁书的具体标准到底是什么？有否公布于众？[1]

我国《著作权法》第4条第1款规定：依法禁止出版、传播的作品，不受本法保护。“依法禁止出版、传播的作品”即通常所说的违禁作品，依据该条规定，违禁作品不受著作权法保护，该款所涉及的以下问题仍有待进一步明确：一是违禁作品应该如何判定：“依法禁止出版、传播的作品”中的“依法”如何理解？二是违禁作品应该如何规制：何谓“不受本法保护”，其是否意味着违禁作品作者不享有著作权或者违禁作品应该予以收缴？具体到该案而言，即海关所扣之书是否违禁，由谁依据何种法律，何种标准进行判定？二是如果所扣之书判定为违禁作品，则不受著作权法保护，但其是否意味着该书作者不享有著作权，或者该书书籍应该予以收缴？本文拟结合以上案例对所述问题进行分析与阐述。

二、违禁作品的保护：是否享有著作权

钢琴艺术起源于西方，在进入中国短短的两百余年时间里，尤其是从20世纪初开始，中国的钢琴作曲家不断吸收西方钢琴音乐的形式与技巧，同中国民族文化相互融合创作出具有中国特色的音乐作品，不仅是对古代音乐进行延续，更在传统单音体系上发展出复音思维为特征的艺术表现形式，使我国钢琴艺术得到了不断丰富、繁荣与发展。

一、20世纪初的钢琴作品创作

20世纪初期，中国社会发生了巨大的历史变革，五四新文化运动的开展，使当时爱国进步青年在思想意识上产生了重大转变，在推动中国文化界发展的同时，也促进了中国音乐文化事业进入了一个全新的历史时期，音乐教育和音乐文化活动全面展开，音乐创作开启了新的篇章。此时的音乐家从学堂乐歌时期的师法日本，将目光完全转向了欧秒H音乐，开始尝试用西方先进的音乐理论和作曲技法，突破中国传统以单音体系为主的创作手法，注重和声、旋律、调性布局的运用，与中国独特的古典诗词和韵律伴奏相结合，创作出富有中国特色的钢琴曲。1915年，中国钢琴音乐创作先驱赵元任先生在《科学》杂志上发表了《和平进行曲》，作为我国第一部正式出版的钢琴创作，赵元任在作品中有意识地将欧洲和声与中国民族音调有机地结合起来，迈出了中国钢琴音乐创作的第一步。赵元任的创作具有中国化的特点，作品大多选用徐志摩、胡适、刘半农等创作的新诗，富有生动鲜明时代气息的同时又具有浓郁独特的民族风格。在保持中国传统音乐文化特色的基础上，善于借鉴西方近代多声部音乐的创作手法。同时，他非常注重歌词与歌曲自然妥帖的高度结合，创作的曲调既流畅优美，又能琅琅上口，1926年创作的钢琴伴奏曲《教我如何不想他》就是他最具有代表『生的作品。同时期另一位重要音乐家，现代专业音乐教育的开拓者与奠基者萧友梅先生也陆续发表了《哀悼引》、《新霓裳羽衣舞》、《夜曲》等作品。1916年发表的《哀悼引》是为了纪念黄兴、蔡锷的逝世而创作的，以管弦乐曲的形式创作，以钢琴曲的形式正式，在当时的历史条件下，作品在旋律和声等方面都力求中国化，这点非常难得。《新霓裳羽衣舞》在保留中国化的同时，在和声音调技法上的运用也更为专业。萧友梅将西方音乐中的诗歌、旋律、钢琴三位一体的艺术形式融合于中国民族音乐的创作实践中，对中国后来的钢琴音乐创作有较大影响。值得一提的是，萧友梅还致力于编写音乐教材并在1925年完成《钢琴教科书》，1927年时与蔡元培等人创办中国第一所专业音乐学院——上海国立音乐学院，将中国的钢琴水平提高到一个崭新的高度，开辟了由高等音乐学校来培养音乐专业人才的新道路。2O世纪初是中国钢琴艺术起始阶段，钢琴作为舶来品的音乐艺术，在表现中国风格时必然会经历一个由试探摸索到成熟的尝试过程。这时期的中国钢琴作品创作处在一个学习阶段，创作手法相对较为简单，风格略显平淡，在曲式结构、和声构思和艺术风格上带有明显的模仿西方音乐创作的痕迹，尚不能与中国传统文化完全融合，但仍散发着耀眼的艺术光芒。

二、20世纪3o年代至建国前的钢琴作品创作

20世纪30年代至建国前，中华民族经历了抗日战争与解放战争两个重大的历史时期，中国一直处在动荡不安的局面，时代种体裁的音乐创作之中，这时期音乐家所创作的钢琴作品，在中国化的原则上，将中国传统与民族音乐运用得更加纯熟，并充分发挥西方音乐技法的优势，使这时期钢琴作品大多富有时代精神并得到了新的发展，创作出了一批质量非常高，真正意义上的中国钢琴作品，从而成为中国钢琴音乐创作中一个重要的历史时期。同时，由于上海国立音乐学院的成立，我国的专业音乐教育得到了一定的发展，出现了以黄自、贺绿汀、丁善德为代表的学院派作曲家。30年代美籍俄国著名钢琴作曲家齐尔品来到中国，为中国传统音乐深深吸引，并于1934年委托萧友梅征求有中国风味的钢琴曲。这次比赛的获奖作品包括贺绿汀的《牧童短笛》《摇篮曲》；老志诚的《牧童之乐》《摇篮曲》；俞便民的《小调变奏曲》；江定仙的《摇篮曲》6首作品。其中，贺绿汀的获奖作品《牧童短笛》以简洁、层次分明的创作手法和简约、清新流畅的音乐词汇，将旋律和节奏紧密结合，成功地模仿出了中国民间乐器笛子的特色，犹如一幅意境悠远、清新淡雅的中国水墨画，描绘出宁静美丽的乡村生活。这部作品运用西方的音乐理论，却使之完全融合于中华民族艺术内涵之中，将西方音乐理论与中国本土艺术文化作了完美的结合，是中国近代钢琴作品创作中的重大突破，可以说是我国第一部真正意义上的，完全意义上的中国风格的钢琴作品，极大地推进了中国钢琴音乐的创作发展，具有深远的历史意义。与贺绿汀同在上海国立音乐学院学习，并首演过其作品《牧童短笛》及《摇篮曲》的著名音乐家丁善德在40年代时创作出《春之旅》、《中国民歌主题变奏曲》等具有代表性的钢琴作品。《春之旅》是丁善德正式出版的第一部作品，在西方传统的作曲技法与中国民族音乐相结合的基础上进行了大胆的创新，使之在具有鲜明的民族特征的同时充分显示了独特鲜明的音乐个性。1948年丁善德又根据藏族民歌谱写了具有浓郁中国特色的《中国民歌主题变奏曲》，这些作品都表达作者向往光明和乐观向上的爱国思想，在当时颇具影响力。1946年在鲁迅艺术文学院音乐系任教的瞿维，根据民间舞蹈及戏剧等艺术形式改编创作出的钢琴曲《花鼓》，成为40年代一部重要钢琴曲。这部作品以安徽《凤阳花鼓》为旋律，用锣鼓的节奏贯穿全曲，表现了民间热烈、欢腾的歌舞场面，用钢琴这种西方乐器成功地表现了深厚的中国乡土气息，开拓了钢琴创作的新局面。无论是质量上还是数量上，中国钢琴作品创作都有了空前的发展四m。

三、建国17年间的钢琴作品创作

内容提要：本文主要探讨音乐欣赏者在欣赏音乐的过程中，其感情体验的基本要求，我从欣赏者对音乐作品感情内涵体验的深浅这一角度出发进行论证，得出"准确、深刻和细致地体验音乐作品中的感情内涵，是音乐欣赏中感情体验的基本要求。"这一结论。

关键词：音乐欣赏感情体验基本要求

音乐是一种善于表现和激发感情的艺术，可以说，音乐欣赏的过程就是感情体验的过程，它既是欣赏者对音乐的感情内涵进行体验的过程，同时也是欣赏者自己的感情和音乐中表现的感情相互交融、发生共鸣的过程。无论是对于普通的音乐听众，还是对于音乐的专门家来说，感情体验都是在进行音乐欣赏时不可缺少的一种心理要素。对于音乐的专门家来说，假如在欣赏音乐时只注意技巧、技术手法、结构形式等方面，而在感情上却无动于衷，那么他对音乐的欣赏也只?quot;觇其文而未见其心，见其表而未见其里"，并不能完整地感受与领会音乐的美。一位有经验的英国音乐教育家曾告诫说："不要允许你的批评性的敏捷聪明窒息你的情绪反应。那些专家们经常把他们的注意力局限在技巧上。"①他还说："除非你也重新抓住了激动过贝多芬写这一作品（指Waldstein）钢琴奏鸣曲--引者注）的同样感觉，或是认为你也有这种情感，你才有权利说你欣赏他。"②音乐是一种善于抒情的艺术，音乐中有着丰富而深刻的感情内涵，只有当音乐欣赏者的感情活动与音乐作品蕴涵的感情基本相吻合的时候，才能称之为正确的音乐欣赏。因此，准确、深刻和细致地体验音乐作品中的感情内涵，是音乐欣赏中感情体验的基本要求。对音乐作品感情内涵的体验，首先表现为感性上的直接体验。比如，我们在听到一首乐曲的时候，对这首乐曲所表达的感情（它或是快乐的，或是悲哀的，或是慷慨激昂的、、、、、、等等），凭借自己的感性经验，自然地产生出一种体验。这种伴随着音乐感知而自然产生的感情体验，就是我们所说的感性上的直接体验。

例如，我们听到这样一个音乐主题：

例3快速地

郑路、马洪业：《北京喜讯到边寨》

摘要：作为文学艺术的一种形式，美术作品有着丰富的现实内涵。中国传统美术作品的美学基础，从人与自然、人与社会、人与人三个方面分别研究了中国山水画、农村年画、民间美术作品中蕴含的和谐思想，并发出了以和谐思想为指导、积极开展美术创作的倡议。

关键词：传统美术作品；和谐；美学；因素

一、中国传统美术作品的美学基础

艺术的精髓在于所承载传递的人类文明，艺术的真谛在于求美，而美是和谐。中国艺术的和谐与理性精神是各种美术作品的美学基础。中国文化最高的境界是“和”，对“和”的追求是艺术家通过对中国文化“和”的基本精神的体会并用艺术的形式表现出来的。任何一种艺术创作行为都有着潜在的审美哲学基础，美术创作也不例外。纵观美术发展的历史，无论在奴隶社会、封建社会，还是现代社会，各个时期的哲学思潮都推动着美术的发展，美术作品像镜子一样展现了各个时代的特征，同时美术也会随着历史的发展而更加丰富。美术作品能够以丰富的形象、深刻的内涵反映生动感人的社会生活，折射出作者的哲学观念、审美情趣和伦理道德，反映哲学社会科学等其他领域提出的和谐理念、和谐精神，在很短的时间内影响读者和观众，在潜移默化之中引领和启迪人们的思想，陶冶和激励人们的精神，塑造和培育人们的品格。受古代传统思想的影响，中国美术作品所依存的美学基础很早就有了儒道思想的烙印。以中国山水画为例，山水画诞生的时代正是道家的玄学理论风靡四方的时候。道家的“重心略物”思想奠定了中国山水画甚至整个中国艺术的重表现而略再现的美学观念和基础。这不但体现在绘画上，甚至作诗为文也将天人之间的灵犀相通视为创作的最高境界。因此在中国山水画里没有必要去探究画面所描绘的是哪个地方，试图寻找作者的视角以及作画立足点的做法也都是对中国山水画的误解。因为这不是中国画的特点，中国山水画家讲究的就是要做到心中容纳天地万物，吞吐自如、来去无阻。

美术创作的思维活动过程可以分为三个阶段：

1.从对生活的观察、体验到发现其中的美好现象。