艺术特色范文10篇

摘要：作为中国十大传世名画之一《富春山居图》是元代著名画家黄公望在晚年为其师弟无用禅师所作，不管是在构图方面，还是在笔墨技法方面，亦或是在立意方面都呈现出了鲜明的艺术特色。《富春山居图》这个经典传奇的山水画作品构思巧妙、画面布局别具新意，呈现出了独特的艺术魅力，享有“画中之兰亭”的美誉。通过对《富春山居图》简介及对后世绘画的影响进行分析，找出《富春山居图》中的构图、笔墨技法、意境、诗书画的有机结合等四个方面的艺术创作特色，以期更好的领略和感受《富春山居图》的艺术魅力。

关键词：富春山居图；构图；笔墨技法；艺术特色

黄公望晚年所绘的《富春山居图》这一山水画艺术作品具有别具一格的艺术特色，以致于后来的山水画家难以望其项背，其在当时的绘画艺术领域乃至中国绘画史上都具有较大的影响力，占据着重要的地位。时至今日，《富春山居图》这一传世之作对现代绘画领域仍然具有较大的影响，“画中之兰亭”的美誉足见其影响之大、之深、之高。文章从《富春山居图》这一作品对后世绘画的创作影响出发，对其艺术创作特色进行相关的探索和分析。

一、《富春山居图》简介

黄公望所创作的《富春山居图》这一传世佳作从构思、动笔直至绘制完成大致长达七年，深入的观察、真切的体验以及丰富的素材为其创作《富春山居图》这一作品奠定了坚实的基础，也是其创作成功的关键因素，再借助炉火纯青的笔墨技法，《富春山居图》这一精品力作问世。《富春山居图》这一作品通过对富春江一带初秋景色的描绘，将“山川浑厚、草木华滋”的江南山水风光淋漓尽致的展现了出来，画面用墨淡雅，用笔顿挫转折，山水布局疏密有致、随意宛然天成，人随景移、引人入胜，散发出浓郁的江南文人气息，欣赏此作品，让人回味无穷。明代书画家沈周、董其昌、邹之麟，清代书画家恽寿平等对黄公望所创作的《富春山居图》都有很高的评价，《富春山居图》对后世绘画影响深远，在一定意义上发挥着承前启后的作用。

二、《富春山居图》对后世绘画的影响

《在线挚友》（AFriendontheLine）是美国作家JenningsMichaelBirch的代表作之一。这是一篇歌颂友爱之情的温馨散文，它的内容简约、易懂，然其传递的情感却深沉而动人，其创作技艺也精巧细腻，这一切使文章颇具感染力，给人以绵绵不尽的余韵。本文将着重从构思布局、语言措辞以及写作手法三个方面对该散文的艺术特色进行分析，以期达到交流阅读心得的目的，并帮助读者更好地理解该篇散文的意义与价值。

一、构思布局

《在线挚友》这篇散文的构思布局颇为新颖独特。首先作者引用了一句西班牙谚语“Lifewithoutafriendisdeathwithoutawitness”(Birch1)作为文章的序曲。此处作者巧借谚语拉开其创作的帷幕可谓别出心裁，因为谚语不仅有使文章看上去通俗易懂的作用，而且很好地增强了文章开头的气势，达到了吸引读者注意力和凸显文章中心思想的功效，使文章增色不少。其次，作者巧妙地以打电话的形式展开叙事，使文章发展得自然而流畅，给人一种奇妙的亲切感，仿佛一切就发生在眼前，就这样作者很好地拉近了自己与读者的距离。接着，从第三十九自然段开始，作者以夹叙夹议的方式推动了文章的发展，而该段中“Oftenittakessomesuddenandsadturnofeventstoawakenustothebeautyofaspecialpresenceinourlives”(Birch1)这句话则很恰当地道出了作者在他与阿道尔夫之间的友谊中所感悟到的人生真谛，同时也深刻地表达了文章的中心思想。最具特色的是作者最后以自己回想阿道尔夫在打电话中所说的内容结束文章的创作，从而与文章开头形成呼应，起到了画龙点睛的作用，也给读者带来了回味无穷的感觉。

二、语言措辞

从语言措辞方面讲，该散文也颇具欣赏与研究价值。总的来说，整篇散文句式结构简洁，语言质朴、亲切而温馨，饱含了作者内心真挚的情感，传递的意义深远而耐人寻味。而且作者用词细腻、精巧，很好地表达了作品中人物当时的心理活动和内心的真实感受。首先作者在文章的前几段中巧妙地运用了“snap”、“click”、“slam”三个不同的动词来刻画阿道尔夫挂断电话的场景，从而生动逼真地将阿道尔夫当时的内心世界展现在读者的眼前。在文章的第二自然段、第三自然段以及第七自然段作者分别这样写道:“‘Yougotthewrongnumber!’ahuskymalevoicesnappedbeforethelinewentdead.”“‘Isaidyougotthewrongnumber!’camethevoiceoncemorethephoneclickedinmyear.”“‘Youfigureitout!’thephoneslammeddown.”(Birch1)其中“snap”的意思是“使某物咔嚓断开或挂断”，（Hornby，1659）此处作者使用该词很好地传递了阿道尔夫挂断电话这一动作的迅速与急促的感觉。“click”意思是“使发出短而尖锐的声音”，（Hornby，296）此处它强调声音的清脆和刺耳。通过使用该词，作者恰到好处地刻画了阿道尔夫第二次接到陌生电话时气愤地咔哒一声挂断电话的场景。“slam”的意思是“猛劲一摔，砰的一声关上或挂断某物”，（Hornby，1643）在此处作者巧用“slam”一词绝妙地将阿道尔夫用劲地、气呼呼地摔下电话听筒的样子形象生动地展现在读者眼前。总之，这三个词给人的感觉是：阿道尔夫在连续三次接到陌生电话的情况下，他挂断电话的速度与用力程度是不断递进的，他不耐烦的、气愤的情绪也是不断激化的，作者借此很逼真地刻画了阿道尔夫心理活动的逐步演变过程，也无形中流露了作者自己对当时美国老人孤独、无助、性格古怪的现象以及人与人之间缺乏关爱之情的社会现实的批判。其次，站在阿道尔夫门口，作者写道：“ItappedonAdolph’sdoor.Whentherewasnoanswer,Iknockedharder.”(Birch1)此处作者用了“tap”和“knock”两个不同程度的词来体现“敲门”这一动作。“tap”意思是“用手轻轻地叩门”，（Hornby，1806）由于作者与阿道尔夫此前只是在电话上有过交流，从未谋面，因此作者巧用“tap”体现了他敲门动作的文雅与礼貌，也流露了他内心的迟疑、不确定的感受。毕竟这是他第一次会见阿道尔夫，他不知道接下来会发生什HUIWENXUE么，阿道尔夫会有怎样的感受。然而，第一次敲门后并没有人回应，于是作者又敲了一次。这一次作者用的是“knock”一词，它虽然也是指“敲门”，但它着重强调用较大的力气敲门以期引起主人的注意与应答。从该词的巧妙使用之中我们可以读出作者内心些许的焦虑与担忧之情，或许他在担心自己找错了地方，或许他在担心阿道尔夫是不是发生了什么意外。就这样作者形象地表达了他两次敲门前后内心情绪的微妙变化。最后作者得知阿道尔夫已经离开人世时，作者写道：“Ithankedthepostmanandsteppedintothelate-morningsun;Iwalkedtowardthecar,misty-eyed.”(Birch1)我们可以看到，在文章中形容词出现的次数为数不多，而此处作者动情地使用了“misty-eyed.”这一形容词很好地说明了：他听到这一消息时，不仅眼睛蒙眬了，而且内心也迷茫了、失落了。就这样，作者很深刻地诠释了他痛失挚友后激动的、不知所措的心境。从以上的例子中我们可以很深切地体会到作者措辞的细致与良苦用心。不仅如此，他创作文章时使用的句子简约但却优美，感情真实、自然，读起来暖人心房，意义深刻，耐人寻味。例如，作者在文章的最后回忆起阿道尔夫讲电话的场景，他情不自禁地写道:“‘Adolf’,Iwhispered.‘Ididn’tgetthewrongnumberatall.Igotyou.”(Birch1)这句话虽然较为口语化，但它流露的意义却是无比深厚的，尤其是“Igotyou”,这简短的三个词传神地揭示了作者当时内心深处复杂的情感。这句话表面上的意思是：“阿道尔夫，我找的就是你。”但从深层次上讲，作者其实是想告诉读者他已经从阿道尔夫那里找到了父亲的角色，他也理解了阿道尔夫内心的感受。于是，那种通过电话建立起来的友谊无形间上升为亲情了，而这一切也深刻地阐释了作者对这份情谊的珍视之情。

三、写作手法

当代美国文坛著名的黑人女作家、诺贝尔文学奖获得者托妮•莫里森(ToniMorrison)在半个世纪的文学创作生涯中，相继推出了以《宠儿》(Beloved，1987)、《天堂》(Paradise，1998)为代表的在国内外产生了深远影响的八部长篇小说。莫里森在小说创作中取得的辉煌成就足以说明她是一位具有强烈民族使命感和社会责任感的作家。她的小说具有鲜明的“民族叙事”和“种族话语”的特征。莫里森立足于黑人女性的立场，以独特的女性视角，以新颖的现代艺术手法，营构出了自己独特的艺术世界。她的小说始终把对黑人民族，特别是对黑人女性生存状态的关注作为一以贯之的主题，把对她们前途和命运的思考作为一条鲜明的思想主线，把对她们形象的塑造和刻画作为自己小说创作的主要目标。在她的笔下，众多的黑人女性形象，形成了系列化、多样化和典型化的特点。《宠儿》中的女主人公赛丝就是其中的一个具有独特人生经历和思想性格的艺术典型形象。本文拟集中对赛丝这一艺术典型形象的性格特征、思想内涵及认识价值做一简要的解析。

一、痛苦倔强的灵魂

莫里森小说中的女性人物形象具有系列化的特征，其中有老一代黑人女性形象，如《宠儿》中赛丝的婆母贝彼•萨格斯；更多的是中年黑人女性形象，如《最蓝的眼睛》中佩科拉的母亲波莉，《天堂》中以女修道院院长康索拉塔为代表的女性形象；还有年轻一代的黑人女性形象，如《最蓝的眼睛》中的女主人公佩科拉及其同伴克罗迪娅，《宠儿》中赛丝的女儿丹芙等。这些女性有些不同的人生经历、不同的思想性格，在作者笔下都被刻画得栩栩如生，呼之欲出，而在这一人物形象系列中，称得上艺术典型的则是《宠儿》中的女主人公赛丝。莫里森笔下的赛丝这一黑人女性形象是源于生活，同时又高于生活的艺术典型。所谓源于生活，是指作者塑造这一形象并非是空想杜撰出来的，而是有事实依据和人物原型做基础的。莫里森在成名之前，曾在兰登书屋做高级编辑，担任《黑人之书》(TheBlackBook，1974)的编辑任务，在此期间，她接触到美国黑人长达百年争取平等的斗争史料，并为其中一些“非同反响的妇女”…的故事所深深吸引。其中有一份1851年的剪报记载了一位名叫玛格丽特•加纳(MargaretGarner)的女人，她带着孩子从肯塔基州逃到俄亥俄州的辛辛那提，当追捕她的奴隶主赶到时，她说：“我不能让我的孩子再像我一样生活”，于是就奔向一间木屋，用一把斧头杀死了自己的孩子们。她这样做是因为不让自己的孩子们再度承受她曾遭受过的苦难，“与其那样活着，不如死去”的好。这一令人触目惊心、骇人听闻的故事给作者留下了不可磨灭的记忆，激发了她强烈的创作欲望。赛丝这一艺术形象就是在玛格丽特•加纳这一原型的基础上，经过拓展、充实、艺术升华而塑造出来的。作者通过这一艺术典型的塑造，展示了她的苦难遭遇和不屈的抗争，从而勾画出了小说的主人公赛丝“痛苦而倔强的灵魂”。赛丝生活在民族压迫的环境中，深受种族和性别的双重歧视，奴隶主无情地加于她肉体和精神上的摧残是极其惨烈的。她在“甜蜜之家”被奴隶主“学校教师”残忍地用刀刺划她的背部，留下了累累伤痕，她背上形如“苦樱树”的伤疤像“高低不平的洗衣搓板”，已失去了疼痛的知觉。奴隶主从不把她当人看待，对她精神上的摧残更是无以复加。

双重的歧视，双重的摧残，给她带来了难以忍受的沉重的精神痛苦。在作者笔下，赛丝的这种精神痛苦主要表现在以下三个方面：一是作为女性应有的身份被剥夺而带来的痛苦。我们说，作为一个女性在小时是父母的女儿，成人后为丈夫的妻子，生子之后为孩子的母亲。作为女儿、妻子、母亲这些女性应有的身份应该是人性的一种具体表现，也是天经地义的，然而却被奴隶主所践踏和剥夺。在襁褓中时，赛丝就被狠心的奴隶主剥夺了母亲对她喂养的权利和应得的母爱。童年时，赛丝只见过母亲几次，母亲的模样她模糊不清，其母被奴隶主吊死之后，她完全变成了一个孤苦伶仃的孤儿。赛丝和她的丈夫黑尔，不能过上正常的夫妻生活，平日连起码的眼神交流机会也不多，只有在星期天，才能在阳光下彼此相见，她完全丧失了妻子的身份。塞丝作为母亲抚育子女，这是别人无法替代的责任，也是女性的一种本能，然而“学校教师”的两个侄子却野蛮地抢走了她育子的奶水，对一个女人最神圣的母爱进行疯狂践踏。在奴隶主“学校教师”追捕她的危急关头，出于一种抗争，她被迫以极端的行为杀死了不到两岁的女儿，致使她背上了难以辩解的“凶手”罪名。二是作为母亲丧失了子女而带来的巨大痛苦。中外不少经典作家，在表现女性悲惨生活和精神痛苦方面，大都以人性为切入点，写出了她们的失子之痛。我国伟大的文学家鲁迅，在他的小说集《呐喊》中的《明天》里，写了一个守寡的城市平民单四嫂子的贫苦生活。单四嫂子“靠着自己的一双手纺出棉线来，养活她自己和她三岁的儿子”，这个被称为“粗笨”的女人，在孤寂的生活中和她的宝儿相依为命。然而天公却不作美，宝儿得了难以救治的疾病，多方求医无果而死去，单四嫂子最终陷•入了极度的寂寞、孤独、痛苦的深渊之中而不能自拔。小说含蓄地表明，宝儿是单四嫂子的希望所在，宝儿的死亡意味着她失去了希望的“明天”。人们耳熟能详的《祝福》中的祥林嫂，被卖到贺家坳与贺老六成亲后，生下了儿子阿毛。丈夫因病死亡后，她只得和儿子阿毛相依为命，然而更为凄惨的是阿毛又被山坳里的野狼吃掉。祥林嫂失去了阿毛，她难以倾吐的精神痛苦，只能伴随着“我真傻，真的”的自我悔恨而深深震撼着读者的心灵。塞丝失去女儿的缘由与祥林嫂和单四嫂子相比则又显得格外“另类”。塞丝失子是奴隶主一手造成的，因此她痛苦的精神内涵就显得更为复杂，其中包括她的自我谴责、自我悔恨、自我拷问的强烈的思想感情。塞丝的失子之痛如影随形，使她终生难以消解。三是表现在作为女性在自我救赎中带来的精神痛苦。

我们知道，鲁迅笔下的祥林嫂，也有自我救赎的举动，她怀着对地狱的恐怖，为免除“两个死鬼男人”在“阴司”把她锯成丽半的“罪孽”，用自己“历来积存的工钱”，到“土地庙里去求捐门槛”。她的这种自我救赎蕴含的精神痛苦，只能使人意会而难以用语言倾诉出来。塞丝杀婴之后，也同样有自我救赎的举动，这种救赎伴随着无尽的精神痛苦，比如为了求得心灵上的慰籍，以出卖自己的肉体为代价，让石匠给宠儿立了一块石碑。至于18年后宠儿还阳来到塞丝身边来索爱，这又为她提供了自我救赎的难得机会。塞丝一面在饮食起居方面悉心照顾宠儿，一面又忍受着宠儿向她索取母爱的折磨。为了达到自我救赎的目的，塞丝逆来顺受，忍受折磨，使她陷入心力交瘁，痛苦不堪的境地。作者就是这样，着眼于不同的思想层面，层层深入地揭示出了主人公塞丝痛苦的精神世界，写出了一个女性痛苦的灵魂。作者在塑造塞丝的艺术形象时，在着力表现她痛苦的精神状态的同时，更集中笔墨表现了她那强烈的求生欲望、坚定的生活信念和倔强的抗争精神的主导性格，而这正是塞丝区别于《最蓝的眼睛》中的波莉和《天堂》中的康索拉塔为代表的中年女性的性格的不同之处，从而成为其中独特的“这一个”(黑格尔语)。在这里，作者有意选取了塞丝人生道路上一段不平凡的经历，一路写来，紧扣塞丝的出逃——跋涉——杀婴三个故事的关节点，凸显出了人物的思想性格。塞丝生活的南方奴隶主庄园，并非是所谓的“甜蜜之家“，而是苦难的深渊。奴隶主“学校教师”像牛马一样地驱使她，竭尽对她的肉体和精神加以摧残之能事。在这种环境下，她并非逆来顺受，任人宰割。强烈的求生欲望支配她选择了脱逃，从而表现出了她的胆识和勇气。塞丝踏上逃亡之路，更是她人生道路上的一段惊心动魄的人生苦旅。一个拖着身孕的妇女，孤身一人，跋山涉水，昼伏夜出，披荆斩棘，苦不堪言。然而，雪上加霜的是她又遇到了分娩，陷入了九死一生的绝境，幸得好心白人姑娘的救助，才化险为夷。这段经历把塞丝坚韧不拔的毅力、百折不挠的意志，表现得淋漓尽致。塞丝好不容易来到辛辛那提蓝石路之家，仅与家人团聚28天后，又遭遇到奴隶主的追捕，在生死存亡的紧要关头，不得以杀婴相抗，在此把塞丝的倔强抗争的性格推向了极致。综上所述，我们强烈地感受到，作者笔下的塞丝具有黑人民族传统的思想品格和黑人种族的文化根性，是一个具有独特思想性格内涵的黑人女性艺术的典型。在这里，她与作者笔下的另一个中年女性波莉形成了鲜明的对比。波莉在自人主流文化的侵蚀下，一味地迎合白人的价值观、审美观，倾心追求白人的生活方式，置家庭和儿女而不顾，最终导致性格变异，人性扭曲，完全丧失了黑人民族优秀的传统文化和固有的民族品格，在认识价值和审美价值上，她与塞丝的形象大相径庭，迥然不同。

二、人物形象的思想价值

《冬之旅》是舒伯特根据诗人威廉·缪勒的诗作《冬日旅行》所做的一部声乐套曲，其内容是舒伯特对自己一生经历的总结，从某种意义上来说可以算是一部自传。《晚安》是《冬之旅》的第一首作品，舒伯特按照自己的人生阅历将作品中的主人公刻画成一位失恋的流浪者形象，描绘了该流浪者临行前对曾经的负心人凄凉告别的画面，借此来表达现实的残酷和对往昔的怀念。

一、曲式结构分析

这首作品篇幅不长，短小精悍，尤其是曲式结构非常有特点。笔者认为这首作品的曲式为变奏曲式。曲式结构图式如下：从以上结构图式来看，整首作品共包括三个部分，每一部分节奏相同，且每段之间含有相同的间奏。前奏钢琴的右手声部为音乐的主题动机，第一部分的旋律和前奏的主题动机相同，第二部分与第三部分采用第一部分的主题材料加以变化重复。每一部分都含有丰富的调性变化，和声多次出现导七和弦，加强了音乐的张力。作品的开头和结尾都以钢琴独奏展开，结尾的音乐织体与前奏完全相同，首尾呼应。

二、旋律写作特色

1、平行乐句的运用音乐是时间的艺术，因此音乐作品必须具有方便听众记忆的重复元素。在重复元素中，平行乐句的使用是有效的方式之一。平行乐句是指两个长度一样的对称乐句，一般是用重复的创作手法，在《晚安》这首作品中舒伯特就使用了平行乐句的创作手法。谱例1是《晚安》的开始部分，调性为d小调。这个片断是一个平行乐句。谱例1的第1小节（弱拍不计小节数）至第4小节为第一乐句，第5小节至第8小节为第二乐句，乐句发展的手法为完全重复，这种创作手法的运用加强了听众的记忆。2、频繁的调性转化《晚安》中的调性变化是非常丰富的，有色彩明亮的大调与暗淡的小调之间的对比，也有同名大小调和近关系调之间的相互转换。舒伯特用大调来表现主人公对过去美好生活的怀念，用小调来展现凄凉、残酷的现实世界和主人公忧郁、悲伤的内心世界；用同主音大小调的转换来表达主人公在过去和现实两者中纠结、不安的复杂心情。谱例2是作品的后半部分。从d小调开始，之后四小节转到了两个升号的D大调。D大调和d小调为同名大小调，同名大小调的转化使得音乐色彩的变化更为丰富。可以看出，两个调性的旋律创作从调性音程的角度来说是一致的。谱例2第一行最后一小节中运用到了D大调的重属和弦，其中最后半拍的和弦离调到了三级音上的导七和弦，根据和弦的解决原则，谱例2中第二行第一个和弦应为D大调的三级和弦，但舒伯特却用主和弦代替了三级和弦，以此来阻碍和弦的解决，形成音乐的下三度进行。谱例2第三行第一小节的最后半拍，在钢琴的高音声部中出现了臉c2，这里预示着音乐从D大调转向了G大调，该和弦恰巧为G大调的属七和弦，明确了调性。之后在这一行的最后一个和弦中，钢琴的高音声部又出现了＃c2，预示着调性又从G大调转回了D大调，该和弦恰巧是D大调的属七和弦，再次明确了调性。短短三行谱例，作品的调性变化为：d-D-G-d，在音乐色彩上形成了由暗淡到明亮再到暗淡的变化，进一步呈现了音乐的不稳定性，由此烘托出流浪者内心惆怅、不安的复杂心情。在频繁转调的过程中，舒伯特还将重属和弦和副属和弦运用到了作品的和声创作中。比如谱例2第二行第四小节第一个和弦是重属七和弦的第三转位，该小节的最后半拍是三级音上的导七和弦的第三转位，最后一行第二小节的最后半拍是重属七和弦的第二转位。这些重属和弦也可以简单地理解为离调，增加了音乐的不稳定性。舒伯特通过调性的不断转换，丰富了作品旋律的调性色彩，也进一步呈现出旋律的流动性，波动了听者的情绪。

三、和声创作特点

声乐是人类最古老的艺术形式之一，也是人类最自然的表现思想感情的一种手段。它是人类现实生活的反映，伴随劳动而产生，并随着语言文字的发展而丰富。声乐作为一门表演艺术对歌唱主体而言，它是自己内心的印象、认识、感情、愿望以歌曲为载体的一种表达，一种抒情，一种信息的输出。它是人类表达A身情感的一种方式。而感觉在歌唱和声乐教学中则是认知一切演唱知识的途径，是构成认知歌唱与发声过程的初级阶段。没有感觉，没有直接的经验，就不能获得任何演唱知识。感觉在歌唱与发声中无处不在，无处不有。特别是在发声训练时，往往“谈感觉”、“找感觉”、“感觉好坏”等等。歌唱与发声的感觉既有认知特征，又有调控作用，它对声乐教学是至关重要的。声乐的学习和教学复杂而困难。因为歌唱这个“乐器”是歌者自身，难于进行客观的研究。歌唱的发声技能技巧，也难于用语言描绘，即使语言能描绘清楚，学生也很难理解。“感觉”是人类最初级最直接的理解和认识事物的方法。因此，声乐教师最好描绘歌唱和发声的手段，声乐学生最好的学习方法就是从“感觉”人手。因为“感觉”是人的天性，感觉训练的伟大作用就在于充分利用人的天性来调解和支配自己的肌肉群协调运动。感觉是道“门”，只有打开这道门，就可以轻而易举地走进去，并能够感觉到它的一切。

一、情绪和情感的感觉调控

情绪综合了一个个、一种种激情的感受。如愉快、忧伤、振奋、沮丧、沉思、果断等等。歌唱表演中情绪的感觉应该是兴奋的，激动的，快乐的和美的，也就是说歌唱者在演唱时，要用兴奋的感觉，激动的感觉去唱，或是用快乐的，美的感觉去唱。有了这些情绪感觉，演唱就会沁人心肺，如果没有这些情绪感觉，就不是歌唱表演的艺术。比如，在歌唱与发声时，歌者一定要处于兴奋状态，具有兴奋状态时，精神振奋、信心百倍、胆子大，动力强、注意力指向集中。从生理上看，当我们兴奋时，腔体通畅，七窍出声。从审美来看，兴奋时的面部表情状态具有美感，自觉的排斥“装腔作势”的丑态。从心理来看，兴奋能充分调动神经作用，使歌唱与发声按着神经系统进行条件反射，而把注意从不应该紧张的器官上转移到应该积极运动的器官上，从而使注意力在唇、齿、舌上，在面罩上，在鼻咽腔上不断加强，并能持续下去。歌手的演唱实践和学生的学习实践证明，兴奋不仅能使注意力更加集中，而且还能使声音轻松自如，情感投入。声乐是最具有情感的艺术，在培养人的高尚情感及审美情趣方面，自然起着别的艺术所不可代替的作用。我国最早的一部音乐理论著作《乐记》中就曾说：“凡音乐之起，由人心生也，人心之动，物使之然也。”也就是说：音乐的产生，则是由于人类有能够产生思想，感情的“心”，而人类思想感情的变动，则以是外界事物给予影响的结果，既然音乐是为了表达人们的思想感情而存在，这就从根本上阐明了音乐是以抒情为主要目的的，歌唱艺术当然也就不例外了。声乐的艺术魅力与美感效果，取决于声乐的情感体现。“歌声，感人的歌声给人的记忆是长远的。”歌唱，乃是人类最早的音乐，始终是用来抒发人的思想感情的艺术，是发白内心的声音。所以说，我们在演唱的时候，一定要注意歌曲所要表达的思想感情，用脊梁的情绪去演唱。

二、呼吸的感觉调控

歌唱时的呼吸感觉在演唱中占有很重要的地位。泰特拉齐尼在他的书里，引用了拉姆培提的话说：“获得正确的呼吸方法，是学习歌唱的人们比任何事情都重要的一件事。”汤雪耕在他的《怎样练习歌唱》的一书中说：“正确的呼吸，是歌唱表演艺术中的一个重要因素。从整个歌唱艺术来讲，歌唱呼吸是艺术表现的重要手段，从歌唱发声来讲，歌唱发声是动力。发声的准确、音质的优美和歌唱的表情都与呼吸密切相关。歌唱者的所有毛病，也往往因歌者不善于运用呼吸所造成的。民族传统唱法中说的，善歌者必先调其气，就是说明了歌唱呼吸的重要性。”歌唱的呼吸众说纷坛，但从感觉上去理解、去认识，就会统一在一个基点上。歌唱时的总体感觉就是“漂浮感觉”。犹如充满空气的气球一样身体轻飘飘的，又犹如身体腾空的感觉，或舒适的感觉，沉下去的感觉，扩张的感觉等。呼吸时的状态感觉同歌唱时的状态一样：姿势健美、身体强壮、反应灵活、风度翩翩的姿势感觉，情绪振奋、信心百倍、精神焕发、具有高度责任的心理感觉。歌唱时的呼吸感觉正是我们生活中的“打小哈欠”的感觉和我们睡觉时的呼吸感觉。世界著名的意大利男中音歌唱家基诺．贝基先生在教学中说：“你们躺着睡觉时也要呼吸，这时的呼吸方法是正确的。请记住，歌唱要用躺着时的呼吸方法来呼吸”。虽然在力量支持上和吸气量上与歌唱时的呼吸都相差很远，但呼吸的部位是一样的，都是在上腹部。是一种完全自然的呼吸法。吸气时各种器官的感觉：口腔、鼻腔是开放的感觉，喉咙、器官是打开，畅通无阻的感觉，胸腔与肺是开阔的感觉，小腹与腰肌是膨胀的感觉。用气歌唱是，吸气肌肉群在呼气时用劲来控制呼气使其均匀。也就是要养成气息的控制感觉。所谓气息控制的感觉就是各种器官仍然保持在呼气时的状态，致使空气在意识控制之下均匀使用。从心理角度讲，歌唱时不要主动“用气推声音”、“送气”、“给气”等第。凡有这种心理必然导致“憋气”(是吸进一口气憋住不用，有时憋得脸红脖子粗，浑身发抖)或“泄气”(吸进一口气后，头两个字就几乎全部漏光，甚至每个音都漏气。)现象发生，这是毫无疑问的。因在歌唱时，特别是在起音时，任何想把腹部(包括小腹)或肋间肌肉收缩的企图，都必定会给气流造成一种空气压力，因而它必然导致喉咙收缩，造成歌唱时喉部肌肉紧张。歌唱时的用气绝不是一边长一边收腹，恰恰相反，歌唱用气时，全部呼吸器官(包括横隔膜，小腹)要有一种扩张的，而不是收缩的感觉。这种扩张感觉会使歌唱者处于非常舒适的状态中：(1)防止喉咙关、卡、压等紧张；(2)解除“泄气”、喉音、及一切用力的动作心理；(3)防止提肩、胸僵、伸脖子等错误动作产生；(4)小腹及两肋间肌肉的扩张感觉，能使身体处于轻松灵活之中，并能排除来自任何部位的紧张。歌唱的过程必然以气息贯穿始终，绝不能思想负担过重，以至造成恐惧心理。正确的用气感觉是把全部吸进的气，全部都变成声音流出来。呼气的感觉在于小腹、两肋肌肉、以及横隔膜的收缩，其他呼吸器官还是要保持原来的感觉，这时的呼气作用-~J保持声音丰满圆润，并继续进行；二则排除余气，腾出肺内空间，以便吸进下一H气。正如加西阿说的：“呼气作用就是胸腔和横隔膜压迫充满了空气的肺脏，使气息渐渐地流出体外”。总之，呼吸是表现内容的手段，歌唱呼吸必须与所演唱的歌曲的情绪相吻合。只有从歌曲的内容和音乐表现出发，去运用自己的呼吸，才是歌唱者练习歌唱呼吸的真正目的。

三、共鸣的感觉调控

教育教学语言，是教学艺术一个相当活跃的因子，也是我们每位教师必备的工具。自从选择这一职业，我们从来就没有松懈对它进行美的追求。教学，要进入艺术的境界，有效地育人，它的语言应该是美的语言。这里，笔者采撷几位教师的教育教学语言，看看他们是怎样娴熟运用语言，怎样把语言的表现力与艺术性突显出来的。

1宽容礼让。解除尴尬

这是刚从师范学校毕业的教师遇到的一件事。新学期开学，年轻的女老师来做班主任。班上有一位顽皮的学生，说他顽皮，因为他的恶作剧层出不穷，并以此为乐。同学们暗暗猜测，根据以往的经验，那个顽皮的学生肯定会给老师一个下马威。第二天，同学们来到教室里，眼前全黑，教室的墙壁被涂成了黑色。同学们面面相觑，只有那个男孩一脸的幸灾乐祸。上课铃响了，年轻的女老师迈着轻盈的步伐走进教室，意外的情景让她的脚步停在了门口，心头掠过一丝惊慌和紧张。该怎么办?年轻的女教师把目光投向学生，似乎在说：谁干的?学生都不约而同地把目光盯向那个男孩，男孩一副大无畏的样子。大家都在等着老师气急败坏地冲向校长室，就像以前的那些老师一阵“闪电雷鸣”、“秋风扫落叶”。而这位年轻的老师掠掠头发，从难堪中冷静下来，登上讲台，真诚地说：“我很高兴，我们班有这样一位幽默的同学，这位同学非常聪敏，非常有创造力。这么多年了，没有一个人想到把墙刷成黑色，可是我们这位同学却想到了。我相信，这位同学将来肯定会大有出息!让我们用掌声来表示相信他。”大家一起热烈鼓掌。老师的目光有意无意地飘向那个男孩，男孩的脸发红了。这么多年了，他第一次听到这样的话。当时的心情真是翻江倒海般复杂。第二天，同学们来到教室，发现墙壁又变白了。素质教育不但是提高学生素质，更是提高教师素质。每个孩子本质上都是好孩子，都应受到同等的重视和宽容。墙由黑变白，在老师的宽容和同学的接纳下，孩子的心也有冷漠转向了感动。

2别开生面。智言育人

开学初的一节班会课上，华池一中优秀教师毛德江满含悲痛地对学生说：“同学们，今天我们在这里开一个特殊的追悼会。首先，请全体同学起立，默哀三分钟。”顿时，教室里静悄悄的，学生不知到底发生了什么事，三分钟后，毛老师漫不经心地说：“下面，我来致悼词——它，是我们班集体中的一员，生前鞠躬尽瘁，为集体利益默默奉献。不幸的是昨天中午就永远地闭上眼睛，结束了年仅15天的生命。安息吧!我们永远的好伙伴!”听到这一番特殊的悼词，全班同学面面相觑、窃窃私语。当班长和生活委员将死难者的遗体用简易担架抬进教室时，全班学生哗然大笑。抹眼泪的、抱着肚子的、直不起腰杆的……真是百态丛生。原来，担架上抬的是一堆面目全非的竹扫帚。大家笑完之后，毛老师郑重地宣布：“班集体这位功臣的遗体应该由当事人来埋葬。”七八个早已面红耳赤的男生主动站起来承认了他们抽竹竿大闹天宫的事实。毛老师看了看几个知错的学生宽容地笑着说：“过去的事就让它永远成为过去。从今天起，希望同学们能爱护我们班集体的一切公物。”教师里顿时响起了雷鸣般的掌声。从那以后，班上再也没有一个学生损坏过公物。这位教育有方的教师，他以虚怀若谷的精神包容了成长中的顽劣孩童，又以令人拍案叫绝的睿智语言维护了学生尊严，净化了学生了学生灵魂，使学生思想得到了很大启迪。

3巧设疑点。错言激趣

冯至是20世纪著名的诗人,曾被鲁迅称为“中国最为杰出的抒情诗人”。在漫长的创作过程中,冯至形成了鲜明独特的诗歌风格:《昨日之歌》的浪漫抒情、《北游及其他》的沉郁顿挫以及《十四行集》的哲理沉思。他一半是诗人,一半是哲人:诗人的浪漫感性与哲人的睿智理性在其诗中完美地融合,从而使其诗歌具有了不朽的艺术魅力。

一、“孤独”的诗人情怀

“孤独”是冯至诗中反复出现的一个主题。首先,“孤独”象征着人类生存的冷漠与隔膜状态。冯至在其第一首诗歌《绿衣人》中就已对生存的孤独给予了关注:“在这疮痍满目的时代”,人人都是冷漠孤独的,都可能遭遇不幸。诗人描绘了每个个体都可能面临的被社会隔绝、被人群漠视的悲哀,从而由一种个体的“小孤独”达至人类普遍的“大孤独”。《晚报》则更明确地表达了这种“大孤独”:“我们是同样的悲哀,我们在同样荒凉的轨道”。[1]这种由己及人,由个人而及人类的思想极具哲理意味。诗人还营造了大量孤独无依、漂泊无根的象征性意象,如风雨飘摇的“小船”、灰色城里的“孤云”、走向暗森森巷中的盲者等。这些意象是那个独特时代的产物,既体现了诗人孤独的内心,又传达了人类共同的情感境遇。其次,“孤独”是某种理想主义精神的化身。在著名的《蛇》中,冯至赋予了“孤独”更为形象的外衣,他大胆而奇特的呼喊道:“我的寂寞是一条蛇,静静地没有言语。你万一梦到它时,千万啊,不要悚惧!”如蛇的寂寞,带着冷血动物特有的冰冷、光滑,寂静无声地来到诗人的梦中,渗入诗人的灵魂。而这种深邃、凄冷的孤独感恰恰来自对爱的渴求:“它是我忠实的侣伴,心里害着热烈的乡思,它想那茂密的草原———你头上的、浓郁的乌丝。”正是爱的火热使诗人倍感孤独的冰冷。一冷一热的对比之下,诗人的寂寞就别具意味了。表面上是在描绘对爱情的渴求,实际上是对现实压抑下的理想的热望,这是虚幻梦境中开出的一朵爱之花,梦境的飘渺苍白、花的鲜艳娇丽,赋予这“孤独”以深刻的内涵———理想主义者的执着不屈!在孤独的外衣下,深藏着火热的理想主义激情。诗人还饱含热泪地写下:“他”是我旧日的梦痕,又是我灯下的深愁浅闷;当你把花儿向他抛散时,便代替了我日夜乞求的泪落如雨──(《如果你……》)在黄昏深巷中形影相吊的“孤独者”,是诗人的旧梦,是诗人忧愁情绪的具象,更是诗人自己。他宛如鲁迅笔下“荷戟独彷徨”的斗士,“斯人独憔悴”地走上一条没有鲜花和掌声的路,但却走得果敢坚毅。诗人的眼泪则是对他的最高褒奖。最后,“孤独”是冯至对生命本身的深切感悟。他将“孤独”看作诗人最根本的生命体验和创作源泉:“没有一个诗人的生活不是孤独的,没有一个诗人的面前不是寂寞的……尼采、屈原,是我们人类最孤寂的人中的两个,他们的作品却永久的立在人类的高峰之上,绝非普通一般人所可仰及。”[2](P170-171)这种“天才式的孤独”是诗人所特有的,是其显著于世的根本特质。在这里,“孤独”是不同流合污的高昂姿态,是保持人格独立的有力武器。正如诗人所写的:“南方有一种珍奇的花朵,/经过二十年的寂寞才开一次。———/这时我胸中觉得有一朵花儿隐藏,/它要在这静夜里火一样地开放!”(《南方的夜》)天才的诗篇恰似这“珍奇花朵”,必得在“二十年的寂寞”土壤中孕育而生的,非寂寞无以绚烂,非孤独无以璀璨。冯至笔下的“孤独”,既是个体的情感体验,又是群体的普遍境遇;既是现实的冷漠,又是理想的热切;既是诗人内心的细腻情思,又是每一个天才成就自我的根基。

二、“明心见性”的哲理沉思

从幽婉佳作《昨日之歌》到现实诗篇《北游及其他》再到“沉思的诗”《十四行集》都贯穿着冯至的哲学思考。尤其在《十四行集》中,冯至以一种普遍联系和相对论的观点积极思考、探索并追问生与死、有限与无限、宇宙与人生等哲学命题,他因此被称为“现代诗国里的哲人”。这种哲思是于自然万物的启示中对于生命本质的“明心见性”。

1•转化与更生的生死观对生与死的追问是诗人哲性沉思的焦点,是其对人之生存本质的诗意诠释。诗人多次描写了死亡,如《秋战》中战士的壮烈死亡,《最后之歌》中的母亲之死,《在阴影中》则探索了死亡的神秘。无论是“为了死亡、为了秋天”的战士、“洁白花朵”般的母亲,还是在“地狱深层”里望向光明的“我”,都历经了死亡的洗礼而获得了崭新的生命与灵魂。诗人打破了传统的“死亡”之悲,用一种全新的笔触探寻着生命的真谛:在“死”的背后是对“生”的热切渴望,生死并非截然对立,死中孕育着生。“生和死,是同样的秘密/一个秘密的环他们套在一起/我在这秘密的环中,解也解不开,跑也跑不出去。”(《北游》)冯至的理解十分独特:生与死并非对立,它们本是一体,共同构成了生存的本质,任何人都无法逃脱。《北游》纪录了一场污秽的“地狱之行”:“这真是一个病的地方,到处都是病的声音”。然而黑暗的现实更激起诗人精神的蜕变和灵魂的苏醒:否定腐朽之“死”,呼唤蓬勃与欢腾的“生”!如在《我只有……》中营造了一系列对比的意象:希望与失望、婚筵与坟墓、生产与死亡等,但都指向一个共同的归宿:生命的欢腾!诗人对“生”的力量发出了由衷赞叹。在《十四行集》中,诗人延续其一贯的哲理思索,力图在生与死的转化中发现永恒。他竭力歌颂“生如夏花之绚烂,死如秋月之静美”,死与生一样华美壮丽、一样激荡人心。《我们准备着》诗意地描绘了死亡是每一个生命体的必然归宿,但是生命强力的迸发却能赋予死亡意义,诗中的小昆虫虽然最终死去但却经历了生命的高潮,这正是生命的价值所在。这种生死交融与转换的观点,一定程度上受到了歌德蜕变论的影响。“蛇脱去旧皮才能生长,传说中的凤鸟从自焚中获得新的生命,是歌德惯用的比喻。”[3](P5)在歌德看来,自然界万物都在生长变化,蜕变是一切生命的必经历程。从自然生物的蜕变到人的蜕变,每一次蜕变,都使生命获得新生。蜕变不是自我否定与重复,而是自我更新。这种蜕变的思想在冯至《十四行集》中随处可见:“歌声从我们的身上脱落,/归终剩下了音乐的身躯/化作一脉的青山默默。”(《什么能从我们身上脱落》)诗人把“未来的死亡”比作一段优美的乐曲,“死亡”不是瞬间的凝结和静止,而是不断蜕变的过程,就像“歌声从音乐身上脱落”,最终达到一种永恒的静默,获得宁静的美感。“青山”意象格外动人,山的无限与旷远、坚实与厚重,恰若生命本身的特性。音乐的动态美与青山的静态美共同铸就了“死亡”独特的审美意蕴。又如:“你知道飞蛾为什么扑向火焰,/蛇为什么脱去旧皮才能生长;/万物都在享用你的那句名言,/它道破一切的意义:死和变。”(《歌德》)在这里诗人描绘了一副死亡———蜕变———新生的辉煌图景,落叶谢花、扑火之蛾、蜕皮之蛇,都是自然万物为求新生而进行的变化过程。人的生命亦是如此,死亡并非单纯的生命终结,而是孕育着某种新生,它是生命的辉煌完成,是生命价值的完美体现。生命的本质囊括于宇宙万物的生死荣枯之中,诗人在对自然的静观中“明心见性”,哲理地沉思,诗意地书写。

摘要：剪纸是一门历史悠久的民间艺术，作为中华民族文化的一部分，与传统节日文化相交融，是重要的民间风俗活动之一。皖北地处中原，位于南方与北方的分界线上，皖北剪纸在发展的过程中受到地理因素的影响，形成了粗中有细、刚柔并济、融汇南北的艺术特色，并在与其他文化相交融的过程中，形成自身的地域特色。皖北剪纸用一种直观的表现形式，抒发劳动人民对于现实生活的热爱之情，表达普通大众对于未来的美好愿景。分析皖北剪纸的发展现状、历史成因、艺术风格、题材内容、表现形式等方面呈现不一样的地域特色，总结出其具有融汇南北、虚实结合、兼容并蓄、选材多样的艺术特色。

关键词：皖北剪纸；艺术风格；表现形式；题材内容

剪纸是一种用剪子、刻刀等尖锐的器物在纸上剪刻花式纹样，用以装饰生活的民间艺术。剪纸艺术历史悠久，在纸未发明前，民间妇女就在金箔、皮革、树叶等片状事物上剪刻纹饰图样，这可以视作剪纸艺术的前身。东汉时期，蔡伦改进了造纸术，剪纸艺术由此出现。由于剪纸艺术制作成本低廉、材料可塑性强，从而受到农村妇女的青睐，丰富了民众的闲暇时光。剪纸多创作于普通劳动人民的日常生活之中，与礼俗活动关系密切。其间蕴含了人民群众对于物质生活的向往和精神文化的需求，在艺术审美的基础上，兼具实用价值，是民间重要的文化活动之一。中国幅员辽阔，地区风俗习惯丰富多样，也使得剪纸有了不同的地域特色流派。皖北位于中原地区，东临江苏，北接河南、山东，辖区下包含蚌埠、淮南、阜阳、淮北等六市。独特的地理位置，悠久的历史文化，造就了皖北剪纸融汇南北、刚柔并济、和谐包容的艺术特色。如阜阳剪纸中葛庭友的《祝寿图》，兼具南方剪纸与北方剪纸的特点，粗中有细，虚实结合，粗犷中带着婉约。田浩、李强在《试析中国民间剪纸艺术特色》一文中对中国剪纸区域文化特色、艺术表现形式进行分析，做出了中国剪纸艺术特色与地区风俗习惯、居民性格相关联的论述。［1］于超在《浅析皖北民间剪纸艺术特征及发展嬗变》中从皖北剪纸的形成影响因素分析，得出了皖北剪纸的发展必然要适应当代人的审美需求，符合时代价值取向的结论［2］。当下对皖北剪纸艺术特色的研究主要以浅析皖北地区剪纸的分类、历史成因等内容为主。基于此，本文从皖北剪纸的影响因素、艺术风格、题材内容等方面着手，分析总结皖北剪纸的艺术特色，研究皖北剪纸的产业开发对于区域经济的带动作用，为皖北传统民间艺术的发展提供参考。

一皖北剪纸艺术特色的历史成因

皖北剪纸发展至今已有千年历史，从最初的内容纹饰简单到现在的题材繁杂多样，它的发展离不开皖北地区特有的地域文化的影响。皖北地区地理位置独特，多种文化在此地产生发展、碰撞融合，如老庄文化、楚汉文化。不同文化的交流碰撞造就了皖北剪纸兼容并蓄、博采众长的艺术特色，也使得皖北剪纸能够顺应时代的变迁，符合人们的审美需求。皖北地处淮河流域，南北文化、楚汉文化、老庄文化等各种不同的文化碰撞交融，在此基础上形成了独具特色的皖北文化。这对皖北剪纸的艺术特色的形成和发展有着深刻的影响。（一）南北文化的碰撞交融。中国剪纸主要分为三大派，即北方派、南方派和江浙派。北方派与地区内淳朴、粗犷的民风相联系，以朴素、简练风格为主，例如山西剪纸、陕西剪纸。南方派则更为精细巧妙，例如福建剪纸、佛山剪纸，更注重细节的把控。江浙派则宛若纤细柔美的南方女子，精细中带着婉约、例如扬州剪纸、浙江剪纸。皖北位于南北交界之处，独特的地理位置和历史条件造就了皖北剪纸博采众长，兼具南北艺术特色，粗犷朴素中又包含着婉约精致的艺术特色。（二）农耕文明的盛行。皖北地处江淮平原，地势平坦，农耕文明盛行，农耕文化不仅影响了皖北地区人们的生活方式、民众性格，也影响了地区民俗的艺术特色。皖北剪纸产生于劳动人民的耕作之余，也在一定程度上体现着人们对于土地、劳动的热爱与期望。皖北剪纸作品中很多都与农业劳动有关，如与劳动生活密切相关的“丰衣足食”，与劳作天气相联系的“风调雨顺”等题材，都在一定程度上带有着农耕文化的影子。（三）楚汉文化的影响。皖北地区在先秦时期隶属于楚国地界，地域内受楚文化的影响很深，楚文化追求精神上的自由洒脱，且善于对线条的运用。皖北剪纸很好的继承了楚文化的这一特点，多以点线的结合来勾画图案，且造型多样、洒脱、不拘一格。皖北位于中原地区，毗邻河南，河南又是汉文化的发源地，汉文化中保守朴素的思想也对皖北剪纸的艺术特色形成产生了一定的影响。皖北剪纸同时结合了楚汉文化的发展特点，形成了淳朴中带着洒脱的艺术特色。（四）儒道文化的渗透。儒家文化作为中华文化的正统传承千年，对于中国的影响体现在生活的方方面面，其中就包含了剪纸艺术。同时，皖北地区又是道祖老子的故乡，还有着庄子、陈抟等道学大家，是道学的发源地，道家所讲求的自然、朴素，也同样体现在皖北剪纸的艺术特色之中。剪纸艺术中的“阴阳”“有无”也与道学的思想相一致，而包容、和谐的特点则符合了儒家学派的思想特征，因此，皖北剪纸也是儒道文化互相渗透融合的体现。（五）人口的迁徙。淮河流域在历史上由于洪水多次泛滥，导致人口迁徙频繁，不同地域民族的人们在迁徙定居的基础上所带来的不同文化在此地交融，在融合碰撞的过程中形成了一种新的独立于其他体系的淮河流域文化。［3］皖北地处淮河流域，受到人口迁徙的影响，皖北剪纸艺术在发展传承的过程中，融合了不同地域民族的思维方式和创作方法，独具地方特色。皖北剪纸结合了南北文化、农耕文化、儒道文化、楚汉文化等一批优秀的传统文化，博采众长。在不同文化交融的基础上逐步发展衍变，形成了皖北剪纸独具南北、和谐包容、风格鲜明的艺术特色。

二皖北剪纸的艺术风格

一、抒情化

萧红，一个集小说、散文、戏剧及诗歌等多种文学创作样式的作家，用富有民族精神的文字来向读者传递不一样的萧红内心世界。她的文学成就是多方面的，而其小说成就是所有当中最高的。因为在其小说当中有着浓郁的抒情色彩，也就不难发现她的鲜明的独特的创作个性。我们可以在她任何一部小说当中找到许多抒情性的语言，对于人物的描写、景物描写都注入了作家的思想感情。在萧红的笔下，一切的描写对象都带有浓厚的感情色彩，沉浸在一种诗的氛围之中。之所以会形成这种独特的抒情性风格的原因，首先是受到当时文学风气的影响。就以她的小说的特点、风格而言，应该是属于抒情小说的。这种小说最重要审美特征是“明显地融入诗歌、散文因素，具有鲜明的艺术意境，偏重于表达人的情感美、道德美、弥漫着浓郁的浪漫主义氛围”。抒情小说把“情”放在首位，用它的激情或深情去感染读者，使读者产生共鸣。人物、景物都是为了抒发感情而服务的，它与传统的小说讲究故事情节和人物塑造有明显的不同。在三十年代，抒情小说又经过郁达夫、沈从文等人的进一步的发展，日趋成熟。吸取前人的长处，运用自己善于捕捉细节和色彩变化的特长，用自己带有感情的笔描绘人生，形成自己的“萧红体”小说。《小城三月》的女主人公翠姨是一个并不漂亮但却感情细腻的女人，萧红在小说中，把翠姨的感情悲剧放在一个充满阳光的三月里，使小说充满了浓郁的抒情色彩。在小说的结尾翠姨因为得不到爱而伤心地离开了这个世界。在文章中有这么一些话，“街上有提筐子卖蒲公英的了，也有卖小根蒜的了，更有些孩子们他们按着时节去折了那刚发芽的柳条，正好可以拧成哨子，就含在嘴里满街的吹……”通过她们的快乐来衬托出翠姨的悲哀。又是一个春天，还是那样生机勃勃，可是物是人非啊！把悲哀和抗议融入到这种春天的调子中，使读者在欣赏春天的美景时，又带有一丝的哀愁。也许在哀愁的背后，埋藏的是这位叛逆女性的严重抗议。萧红善于通过文字来表现情绪，使小说的语言带有饱满的情感。如在《呼兰河传》尾声里有几段话：我长到四五岁，祖父就快七十了。我还没长到二十岁，祖父就七八十岁了。祖父一过了八十，祖父就死了。从前那后花园的主人，而今不见了。老主人死了，小主人逃荒去了。那园里的蝴蝶、蚂蚱、蜻蜓，也许还是年年仍旧，也许现在完全荒凉了。小黄瓜、大倭瓜，也许还是年年的种着，也许现在根本没有了……这些文字很好地表现了一种生命体验，我们能够很明显地感受到字里行间所蕴含的丰富的情感。“祖父”多次出现，蕴含着萧红对祖父无限怀恋之情。列举了后花园里的许多景物，表现了她对故乡无限的思念，同时也能让我们感受到她对人生的眷恋和渴望。

二、散文化

小说的基本文学手段是叙事，但萧红的小说常常是通过一些素描的方式来表达对生活场景的创设，通过对生命的深刻而又独特的体悟来感染打动读者。萧红小说的散文化倾向，无论是在其长篇成名作，还是短篇小说以及她的巅峰之作《呼兰河传》，都有极为明显的体现。在《呼兰河传》中，以童稚少女般的心理写了一个解事颇早的小女孩眼里的善与美，“蜻蜓是金的、蚂蚱是绿的、蜂子则是嗡嗡地飞着，满身绒毛，落到一朵花上，胖圆圆的就如一个小毛球似的不动了，在园里边明晃晃的，红的红，绿的绿，新鲜漂亮。”多么生动逼真，趣味横生。就算你不是来自农村，但经过作者的一番论述，就如同在发生自己身边。通俗易懂是作家的写作标准，大到几十岁，小到十来岁，读她的文章就是那么朗朗上口。矛盾在为萧红作序时写道：“有人会觉得《呼兰河传》不是一部小说”，“没有贯穿全书的线索，故事和人物都零零碎碎，都是片段，不是整个的有机体。”正因为有了她小说的独特之处，才使其小说有更长久的生命力。萧红小说的这种散文化的写作笔法，使她的小说更具有抒情的色彩。有人说她是“一个富有诗人气质的小说家和散文家。”读她的小说，你一定不会感到疲劳，更不会把她的小说归结为“小说”，甚至会把它当作散文来欣赏。因为在她的作品当中，你很难发现作为小说应有的那些，比如：情节等，更会误认为是在读一篇散文作品。文字是那么优美，又是那么富有亲和力。对景物和人物的描绘又是那么饱满，借景抒情。她的小说语言也具有散文化的特点，她很少用修辞语很多的长句，比较喜欢用及其朴素的字句把事物描写得生动形象。在她的笔下，一切都是有生命的，有情感的。

三、结语

萧红，一个用自己的短暂的生命却绽放出永恒的光辉的作家，一生坎坷不平的人生道路，但却从来没有向命运屈服。她给中国文坛的天空留下了美丽而又耀眼的一瞬间，她的抒情性小说，开创了属于自己“萧红体”，凭借其小说的独特性，使成为众多作家当中一颗亮丽的风景线，也使其小说流传至今。

摘要：胡戈•沃尔夫是德奥艺术歌曲作曲家，其歌曲作品继承了艺术歌曲传统的创作手法，非常注重歌词的文学性，采用诗与音乐的完美结合；并且注重钢琴伴奏在艺术歌曲中的独立性与重要性；并将复杂的半音和声与简单的自然音和声相结合运用，使艺术歌曲的调性思维更加活跃，伴奏织体更加丰富，形成了其独特的艺术歌曲创作风格。

关键词：沃尔夫;艺术歌曲;音乐风格;创作特点

一、作者及艺术歌曲的介绍

（一）作者介绍

胡戈•沃尔夫(Hugowolf)1860年出生于奥地利从小学习音乐，少年时开始作曲，青年时考入维也纳音乐学院，继续音乐学习。沃尔夫出生于浪漫主义时期，受大革命失败影响，整个社会依然充满了痛苦与黑暗，沃尔夫用音乐表现自己所向往的美好生活，将心中的感情寄托于音乐之中。沃尔夫短暂一生共创作了六部歌集，共275首歌曲。沃尔夫将不同作家的诗作为音乐创作的题材，色彩丰富、戏剧性较强。其创作不仅遵照传统音乐的创作手法，并且拓展思维加以创新型发展，特别重视歌词的韵律与语言重音的结合，从而使音乐融入诗词，表现其真正的内涵。而歌曲形式相对而言较为自由，突破传统的中规中矩以及结构的对称，但歌词总是和音乐紧密配合协创作模式更加新颖，其旋律结合歌词具有抑扬顿挫感，使其带有朗诵般的叙述性。钢琴伴奏具有丰富的织体音型及和声色彩，大量不协和和弦的运用，推动了钢琴伴奏表现力的发展。其独特创作技法为后来艺术歌曲的发展做出了重要贡献。

（二）艺术歌曲的介绍