艺术设计学范文10篇

一、艺术设计学的形成和发展

设计是计划，是寻求解决问题的途径和方法。它既不限于事先构想，更不排斥实践，是人类智慧和技能表现得最为充分的领域；它涉及人类一切有目的的活动。例如造物，从原始到现在，造物的种类和数量不计其数，而在造物活动中，使物蒙受艺术光彩的因素就是“形”。作为一种创造行为，设计就是将某种观念转化为实体（给予特定的形）的过程；也是利用某些物质材料，在特定空间中“创造物体形象”的计划。考察物的造型过程，即可发现：

1.设计（即计划）是造物过程的中心环节。它源于需求，规约制作，决定使用。由此可见，自原始时代人类开始制造工具以来，设计就是人类不可缺少的实践活动。

2.产业革命迅速改变了手工艺者个人从事设计与制作的情况，出现了设计师这个新职业。造型计划也随之从混沌的生产关系中独立出来，这才产生了设计学及其后的发展。设计学是研究产品造型及其环境的学科，旨在总结人类设计活动的经验，以指导设计创作，创造某种体形环境。它的内容包括技术和艺术两个方面。（有人反对用这样的观点来谈问题，但学科细分化却是科学发展的历史事实。分化与综合是有机不可分割的两个方面，没有分子的分化，哪来量子力学的发生和发展？）

3.随着社会经济的发展和对设计的关心逐步加深，设计对象不断扩大。于是，造型计划又有了更细的分化。

其一，造型计划的性质有所不同。若将其按功能性、使用性或相反的无用性、无观赏性的要求进行整理，则造型计划的范围如下表所示。

1研究背景

自从沃尔特•格罗披乌斯于1919年在德国成立包豪斯学校作为现代设计教育诞生的标志以来，正规的设计教育在西方已发展了近100a。包豪斯学校从一开始就将艺术因素纳入整个设计教育体系中，将艺术与技术作为一个不可分割的有机体[1]。在这个近百年的历史中，欧美设计院校的办学理念、课程设置及教学方法等都有了飞跃性进步，这种进步主要体现在以学分制为前提，强调提高设计专业学生的综合素质，体现设计的学科交叉性，同时采用理论教学与工作室制度相结合的方式，发展和完善了包豪斯学校的“双轨制”教学。中国的设计教育历程与德国有关。德意志帝国于1918年11月宣布战败，其后成立了魏玛共和国，为了复苏国力，致力于发展经济和教育。1919年4月1日，共和国允许格氏在魏玛成立了包豪斯，而就在那天，我国出席巴黎和会的中国代表抗议英美法三国会议把德国在山东的特权全部转让给日本。以此为导火索，不久，就在北京爆发了“五四”爱国运动。这之后，随着新文化运动对民主和科学的传播，以及新式学堂的建立和留学风气的日盛，现代设计的概念也开始传入我国。中国的设计教育经历了“图案”——“工艺美术”——“工业设计”——“艺术设计”的过程。在这一发展进程中，我国的设计教育研究也一直是在不断的争论研讨中发展的，而真正的现代设计教育开始于20世纪80年代初。直到1998年7月，根据教育部颁布的《普通高等学校本科专业目录》，才开始将“艺术设计”定为本科专业的名称，在此之前的1997年6月将“设计艺术学”定位为博士、硕士学位和培养研究生学科的名称。近几年来，很多高校还开设了与艺术设计实践性专业相左的、以偏重艺术设计理论学习的“艺术设计学”专业。由于名称文字上的近似，人们对艺术设计、艺术设计学和设计艺术学三者的概念还较为模糊，常常混淆，没有认识到三者实质上的区别和联系，没有分清三者到底是怎样的辨证关系，这就不可避免地在招生、教学、实习过程中出现专业与学科属性认识上的错误和偏颇。因此，有必要对三者进行深入研究，以明确三者各自的专业与学科特点，使我国的设计教育层次更分明、目标更明确。

2三者概念

2.1艺术设计

当下在各大学招生目录中的“艺术设计”是指一门专业，它主要包括了视觉传达、环境艺术、陶瓷艺术、服装设计等专业方向。目前，国内对惯称的所谓“艺术设计”的解释主要有两种说法：一种是沿袭国际标准，因为在国外相类似的院校大多都采用“artanddesign（艺术与设计）”的方式命名，在中国省略了其中的“and”，简化为“艺术设计”，应该算是中式英语翻译的结果；另一种是根据中国国情，设计教育者们在充分理解了现代设计的产生背景和原理后结合中文语境所命名的产物，是对“设计”的“国情本土化”解释。而所谓“国情本土化”是为了防止人们还停留在“工艺美术”的概念上，对“设计”的定义缺少全面理解。虽然1998年前我国已经有了“工业设计”这个概念，但还是不能很明了地向世人表达现代设计的意味。最终，人们在“设计”前面加注了“艺术”二字，使人们更容易接受这一概念，“艺术设计”一词当中“艺术”只是定语，它本身成了对“设计”的装饰，言下之意就是侧重在设计上。这样情境下的艺术设计成为了解释和传达西方design的复合词，基本上反映了设计教育发源地包豪斯学校的思想[2]。因此，就艺术设计专业开设目标上来说，需要培养出能够适应社会经济发展，满足社会与市场需求的人才，他们不仅应当是具有良好的科学文化素养、敏锐的设计审美眼光、创新的创造思维能力和熟练掌握艺术设计专业技术的综合素质人才，而且还应当是了解艺术设计专业发展前沿和动态，能在视觉传达、环境艺术、陶瓷艺术或服装设计等行业从事设计实践的应用型的高级专门人才。

2.2艺术设计学

【摘要】学院教学是艺术设计教育的普遍模式，在艺术设计专业发展中起着重要的学科基础建设和专业人才培养作用。造型基础是艺术设计教学的重要一环。在学院教育的历史上，先后存在着传统美术学院模式、与包豪斯相关联的现代模式和当代实验教学模式。文章就艺术设计专业基础课的教学模式进行分析，探讨新时期艺术设计专业的教学和创新培养的改革。

【关键词】学院教育;艺术设计;教学模式;创新素质培养

学院教学是目前国内外艺术设计教育的普遍模式，在艺术设计专业发展中起着重要的学科基础建设和专业人才培养作用。对于当代艺术设计学科来说，它的内在的生命力来自于创新能力的培养和形成，现代学院教学也都围绕着这个目的而展开。在这样的发展背景下，目前国内在艺术设计教学方面，存在着不同的声音和争论，而争论的焦点之一就是艺术设计专业是否还需要传统造型基础方面的训练？如果需要的话，怎么训练才更加符合现代艺术设计人才培养的需要？这个问题在今天仍需结合艺术设计的学科发展和教学的要求，全面、辩证地对待。过于简单的处理方法不仅无助于学科的发展和设计人才的培养，甚至可能形成教学链条的断裂和教学内容的空洞化。因此，有必要从并不遥远的源头简要梳理一下学院教育的历史和现代艺术设计学科的产生、发展，探讨一下当代艺术设计与创作中创新思维的形成机制，并期望对于目前艺术设计教学和创新培养的改革有所启示。

一、传统的美术学院教学模式

20世纪上半叶，在西学东渐的时代潮流之中，我国逐步引进了来自于西方传统的学院教育。西方最早的艺术学院，是16世纪下半叶由克拉奇兄弟在意大利创办的波伦亚学院。而瓦萨里于1562年在佛罗伦萨创办的迪塞诺学院,则是早期最知名的一所美术学院。瓦萨里既是一位艺术家,也是知名的艺术史家。他强调美术学院的权威性,注重经营而不是教育。因此，20世纪英国艺术史家佩夫斯纳说：“瓦萨里的学院是用一个新的行会把艺术家从原先隶属的老行会中解脱出来”①。西方传统的艺术学院模式都以基本技能为主要培养和教学内容，包括此后产生广泛影响的法国法兰西学院和皇家美术学院等。这些学院都是综合性的美术学院，强调绘画、雕塑、手工制作等基本训练，主要培养传统的艺术人才，同时也是设计人才。早期的传统艺术学院并没有专门的艺术设计专业，艺术设计与传统艺术融合生长，许多艺术巨匠同时也是设计大师，比如达•芬奇、米开朗琪罗等人，均是造型艺术的多面巨匠，同时也是领时代之风骚的设计大师，西方早期传统的艺术（美术）学院的目标大多是培养此类的复合型人才。西方早期的美术学院课程设置主要是以素描、色彩、雕塑等造型艺术和各种艺用材料的制作为主要训练内容。这样的格局也是近现代一直到改革开放初期国内大多数美术学院的造型艺术和设计（工艺美术）教学基础课的基本构成范式。基于这样的传统，西方的学院主义教育也成为艺术和设计赖以生存和缓慢发展的重要基础，而培养出来的人才也通常是“通才”。然而往往事与愿违，这样的模式同时也存在着一些局限，特别是对于权威和规范的过分强调，导致了陈陈相因的程式化的产生。“学院”（Academy）一词原本含有正规、不走邪路的意思。在学院派看来就是重视传统，向传统学习，因而后来的学院派在一定程度上都有反对改革、陷入僵化和教条主义的倾向。这种倾向往往不利于培养具有较强创造性思维能力的现代艺术和设计人才。19世纪末，英国工艺美术运动的发起人、杰出的设计师威廉•莫里斯就对于当时美术学院和高雅艺术脱离大众的僵化现象极为不满，他亲自学习挂毯编织工艺，甚至认为中世纪时期的行会要好过于美术学院。他说：“最优秀的艺术家依然是工匠，而最卑微的工匠也是一名艺术家”②。作为一位历史上知名的工艺美术大师，莫里斯的观点在一定程度上反映了传统美术学院教学模式的弊端。

二、与包豪斯相联系的现代艺术设计

一、西部农林院校艺术设计专业办学优势

（一）具有丰富的地域文化我国西部地区土地辽阔、物产丰富，是少数民族文化集萃与汉民族文化互相交融之地。在西部地区，不仅拥有丰富的民间美术，还形成了悠远古朴的黄土高原文化、充满异域色彩的伊斯兰文化、热情奔放的北方草原文化、东西合璧之美的西域文化、凝重神秘的藏文化、古色古香的巴蜀文化和具有人性化欢乐的滇黔文化七大文化圈。这其中，不乏许多与农林和艺术关系十分紧密的文化，为艺术设计提供了广阔的研究和应用领域。

（二）具有传统强势学科西部农林院校具有农、林、动等传统强势学科，这些学科由于办学历史悠久，基础理论扎实，科研成果丰硕，成为了学校科研水平的代表和带动相关产业发展的支柱型学科，同时也是一所学校综合竞争力的体现。艺术设计专业若与这些强势学科共谋发展，将是一个双赢的局面。

（三）具有难得的发展机遇西部大开发战略的实施加快了改革和经济发展的步伐，也为西部艺术设计专业提供了难得的发展机遇。加速西部地区农林院校艺术设计教育的改革和发展，不仅对西部地区人才培养具有重要意义，还能对该地区经济发展和社会发展起到巨大的推动作用。

二、西部农林院校艺术设计专业办学新思路

西部农林院校艺术设计专业在地域、师资、软硬件设施等方面与东部沿海城市存在较大差距，在办学思路上照搬东部发达城市高校或艺术专业院校均不具优势且缺乏市场竞争力，且这些发达城市高校和艺术专业院校在办学模式上已相对成熟并各具特色，要在这些院校现有的办学模式上寻找突破口非常不易。据不完全统计，目前国内开办艺术设计专业的院校有1000多所，西部农林院校艺术设计专业想要占有一席之地，寻找新的特色办学思路势在必行。

翻开建筑史和工艺美术史，我们会发现这样一种现象:建筑学这一有着悠久历史的专业学科与许许多多的艺术设计门类如:纺织品、工业产品、家具设计等，存在着某种不容忽视的紧密联系。文艺复兴巨匠米开朗琪罗、达·芬奇、拉菲尔，以及其后的贝尔尼尼等，历史上的许多艺术家都曾涉足建筑设计领域，并有很高的建树。即便是在近现代，马克斯·比尔(建筑师、设计师、画家、雕塑家)创建的“乌尔蒙设计学院”(，950年)、格罗皮乌斯的“包豪斯学校”，都不仅在建筑设计，还在多方面的其它艺术设计领域开展了广泛的研究和创作活动。二十世纪西方，几乎所有的艺术设计运动(如:欧洲的艺术与手工艺运动、现代运动、后现代主义等)，建筑学在其中都起着某种举足轻重的作用，“建筑学为设计提供的思想家遍及20世纪”【1]。引导现代西方艺术设计新思潮的许多团体如意大利的“Arehizoom联合会”、“超级工作事”、“全球工具”、英国的“Arehigram”、“NATO(今日叙事体建筑)”、美国的“构成运动”、“后现代主义”··，…都开端于建筑设计思想的新变化，但又都不只局限于建筑设计，并迅速涉及到了艺术设计的各个门类。仅举一例:意大利的“Archiz。。m”这一激进设计运动首先是由建筑师们发动的，“正确的为他们自己设计”是他们的口号，但这一团体并非只限于建筑设计，他们对服装和纺织物表面装饰构成以及日用品的探索性研究，同样引人注目。在意大利，不知是由于教育体制的使然，还是因为取得了某种成功经验后的选择，几乎所有的设计师们都受过建筑方面的训练。其实不仅在意大利，在整个世界范围内，有着建筑学教育背景的设计师们从大到汽车、家具、日用品、服装，小到字母字体设计都作出过显著贡献，例不胜举(但是，在我们国内这种现象却很少见，建筑师们、受过建筑学教育的人们几乎绝少涉足其它的艺术设计门类)。仅仅用“建筑学”与“艺术设计”同属“设计”范畴，紧密相连、互通，似乎还难以全面解释这种有普遍性的现象，因为这种“互通”似乎常是单向性的:搞服装设计、产品设计的设计师们极少向建筑设计领域涉足。那么我们不禁要问:建筑学之于我们常说的工艺美术类的艺术设计到底意味着什么?建筑学对艺术设计的作用及影响是在那些方面?或建筑学是如何与艺术设计“相通”的?疑问的产生是必然的，探讨这些问题则无疑还是有必要的，尤其对于国内的设计界现状而言。

‘建筑学具有历史造成的强势地位:在今天，认为建筑学也是一种艺术设计，仅在概念上也许并不存在异议。但如果在学科设置上把建筑学置于一个从属于艺术设计的分支地位上，争议就必然产生了，这是有原因的。这不仅是因为建筑学在历史上、在今天早已是一个各方面完备且自成体系的专门技艺，而且因为人类社会历史的发展赋予了建筑学某种高于艺术设计其它门类的强势地位:

1.在人类历史上直到今天，无论是对帝王或对贵族，甚至对平民而言，建筑工程都是一件大事，不论建筑物是用来供奉祀祠还是炫耀、居住，相较其它的艺术设计门类，建筑都必需涉及到大量的财力、人力、物力、技术并需要投人大量的精力，而且建筑物相较于其它设计物品时间更长，影响力更大，就这一点而言，对建筑术(建筑学)的重视是必然的。

2.人对建筑的感受源于人的基本生存机能，即建筑不仅是满足了人的某些使用要求，同时是提供了某种生存环境—而人对环境的判断、感知能力是生物生存根本的机能之一，建筑的艺术性和审美可能正是建基于此。

3.普遍的人类艺术史与艺术理论研究对建筑学也有偏重。传统艺术史与理论每在提到“art’’艺术一词时，它都是包指绘画、雕塑、建筑三者，这一点今天也仍然被人们广泛接受。瓦萨利在其《艺术家传略》中，最先将以上三者以同一步调展开论述，而且他第一次从中归纳出了一条共同的标准:三者都是“artofdesign”“设计的艺术”(或“结构艺术”)以及我们今天认为理所当然的东西—视觉艺术的内在统一性，他还认为建筑这种非模仿性艺术要比再现性艺术处于更优越的地位12】。由此，就造就了建筑学成为艺术设计门类的总领这样一个地位。早在14世纪，在其它艺术设计门类中如陶瓷、纺织领域，设计者已经比制造者更加引人注意，但他们在理论上、在社会中从未能取得象建筑师那样的地位，“艺术设计”则更是一个近现代才出现的学科概念。

4、建筑学是艺术与科学的联系纽带。把“建筑学”与绘画、雕塑并列是有一定的思想背景的。从柏拉图在其《理想国》中排斥艺术开始，人们总是视纯艺术(绘画、雕塑等)会有一种过分放纵的可能性，而建筑却与他们不尽相同，建筑术不仅切合“art”艺术的原义(技巧、技艺)，而且它还是一种被当时人们倾慕的实用技术。文艺复兴时期艺术家对建筑的涉足，源于一种追寻科学的冲动，也隐含着通过这种“涉足”提高自身地位的要求(画家在文艺复兴前地位不高)。对建筑学本身的理论研究更提供了这种科学性的“佐证”:建筑与数学的关系，建筑与人、与宇宙万物的关系，比例，尺度，风格变化的规律……今天的人们对这些“佐证”的科学性当然已有了与前人大不相同的认识，但这种影响仍在，我们今天也仍在讲:对比、变化、比例、构图、主从关系等等。这些“科学理论”对艺术设计其它门类的影响是显而易见的，在所有与艺术设计有关的门类中，建筑学方面的理论是最丰富、系统、全面的，对艺术设计其它门类产生的辐射作用是显著和必然的。

当今社会艺术设计对社会生活的干预和影响越来越深，设计通过形态语言的表达，色彩的呈现，材料质感、表面肌理等体现方式呈现出作品的，风度、内涵、气质、品味等，寄托感情，达到形意相通。艺术设计的创造是一个多层面综合性的，对人们有直观性影响，社会越来越重视艺术设计对人类影响的综合思考，人们开始关注设计行为的社会责任，其中伦理学主题在设计艺术中的价值思考尤为代表性。

1艺术设计伦理

艺术设计创造以实用为根本，配合审美的境界达到艺术之名，而美不仅限于形式美，要有其内涵和气韵，最重要的是要有道德之美。设计创造的过程中伦理的境界包括我们自身的以人为本的实用性，同时也包含了我们的自然和环境，还有大众的平等性和情感需求。艺术设计伦理学是以道德为基础，其任务是运用一定的伦理学观念与发展规律，基于人因和特定条件与环境，正确设置行为准则与社会规范，通过物质的人工设计，从道德观念上求得人类社会的共同生存、平等、进步、秩序和安全，给予人类社会容易接受的造物实体，并促进个社会道德教育。设计论理学中提出，设计是为广大人民群众服务，不是为某些特权专享的；设计不单单是为健康的人们服务，还必须为弱势的群体服务；设计应该严肃的考虑资源和环境问题，提倡和谐的、可持续性的发展。设计伦理学其实质就是强调设计的社会责任。

2艺术设计与人

艺术设计是随着人类文明的进步产生的，它满足人们对物质的需求和情感的体验。它以实用性为基础，同时也要满足人们的审美需求。艺术设计的创造者和接受者都是人，以为人中心，人性化的考量为出发点，是设计作品优良的标准。设计中的材料，形式，颜色和功能的体现都要与心理，情感和道德体现相呼应。具有实用价值的同时，也要具有精神价值，给与人心灵上的抚慰，要有良好的、积极的心理暗示，使美好的事物，存在于微妙的感情联系中，让人们能得以精神上的享受。艺术设计要有公平性和平等性，没有种族，和国别的歧视，艺术设计是为全人类服务的，不仅仅服务于健康的大众群体，同时也要满足弱势群体的需求，对于，老年人和残疾人应该给与更多的重视和帮助。现今国际上规定无障碍设计应该遵循以下原则：平等性原则，安全性原则，易识别性原则和易操作性原则等。这些原则都体现了设计的适应性，让设计的精神关怀，关照到每一个人，这也是社会责任的体现，让设计师和其设计作品更具伦理的情操和道德的美。

3艺术设计与环境

一、传统的美术学院教学模式

20世纪上半叶，在西学东渐的时代潮流之中，我国逐步引进了来自于西方传统的学院教育。西方最早的艺术学院，是16世纪下半叶由克拉奇兄弟在意大利创办的波伦亚学院。而瓦萨里于1562年在佛罗伦萨创办的迪塞诺学院,则是早期最知名的一所美术学院。瓦萨里既是一位艺术家,也是知名的艺术史家。他强调美术学院的权威性,注重经营而不是教育。因此，20世纪英国艺术史家佩夫斯纳说：“瓦萨里的学院是用一个新的行会把艺术家从原先隶属的老行会中解脱出来”①。西方传统的艺术学院模式都以基本技能为主要培养和教学内容，包括此后产生广泛影响的法国法兰西学院和皇家美术学院等。这些学院都是综合性的美术学院，强调绘画、雕塑、手工制作等基本训练，主要培养传统的艺术人才，同时也是设计人才。早期的传统艺术学院并没有专门的艺术设计专业，艺术设计与传统艺术融合生长，许多艺术巨匠同时也是设计大师，比如达•芬奇、米开朗琪罗等人，均是造型艺术的多面巨匠，同时也是领时代之风骚的设计大师，西方早期传统的艺术（美术）学院的目标大多是培养此类的复合型人才。西方早期的美术学院课程设置主要是以素描、色彩、雕塑等造型艺术和各种艺用材料的制作为主要训练内容。这样的格局也是近现代一直到改革开放初期国内大多数美术学院的造型艺术和设计（工艺美术）教学基础课的基本构成范式。基于这样的传统，西方的学院主义教育也成为艺术和设计赖以生存和缓慢发展的重要基础，而培养出来的人才也通常是“通才”。然而往往事与愿违，这样的模式同时也存在着一些局限，特别是对于权威和规范的过分强调，导致了陈陈相因的程式化的产生。“学院”（Academy）一词原本含有正规、不走邪路的意思。在学院派看来就是重视传统，向传统学习，因而后来的学院派在一定程度上都有反对改革、陷入僵化和教条主义的倾向。这种倾向往往不利于培养具有较强创造性思维能力的现代艺术和设计人才。19世纪末，英国工艺美术运动的发起人、杰出的设计师威廉•莫里斯就对于当时美术学院和高雅艺术脱离大众的僵化现象极为不满，他亲自学习挂毯编织工艺，甚至认为中世纪时期的行会要好过于美术学院。他说：“最优秀的艺术家依然是工匠，而最卑微的工匠也是一名艺术家”②。作为一位历史上知名的工艺美术大师，莫里斯的观点在一定程度上反映了传统美术学院教学模式的弊端。

二、与包豪斯相联系的现代艺术设计学院教学模式

现代艺术设计教育史上，20世纪早期的包豪斯学院对后世产生了深远的影响。包豪斯的教育理念不是培养懂技术的艺术人才，也不是培养懂艺术的技术人才，而是培养有创造力和设计观念的人。包豪斯比上述的早期学院更能体现现代艺术设计教育的本质，也就是创新精神的培养和训练。这样的理念在“二战”后从包豪斯走出来，“从20世纪30年代之后的半个世纪，包豪斯的影响随着包豪斯人的著述、演讲、教育等活动在美国广泛传播……还有哈佛、麻省理工，无不肯定自己与包豪斯的血脉关系”③。包豪斯模式逐渐成为世界多数国家和地区艺术设计学院教育的普遍模式。自上世纪80年代以来，以“包豪斯主义”为代表的西方现代艺术设计教育思想也逐渐影响到我国。在这种新“西学东渐”的现代文化艺术风潮的浸染之下，我国的艺术设计教育逐渐由上世纪80年代之前的以工艺美术为核心的传统学院教学模式，朝着更加注重创新意识、创新思维训练的现代艺术设计教学模式转化。自80年代中期始，特别是到了90年代已经风靡一时。由于南方沿海地区是改革开放的前沿阵地，这样的转化到了90年代，全国多所知名艺术设计类院校的教学已经有了明晰的对比：北方院校相对较为重视传统底蕴，而南方特别是沿海一些院校的设计教学则更加新颖，更加注重创新思维的训练。这样的分野在90年代中期前后相隔不久举行的两次大规模的校庆展览上得到了一定的反映——1996年11月1日于中国美术馆举行的中央工艺美术学院建校40周年校庆展和1994年的广州美术学院建校40周年展览。进入新世纪以后，中国艺术设计专业教学的这种南北分野逐渐融合，传统的工艺美术与现代设计逐渐演化为两个相互关联的专业方向。在课程的设置上，包豪斯及其影响之下的艺术设计学院的基础课教学模式有了很大的改变。包豪斯产生于现代主义艺术，康定斯基、克利等人既是现代艺术史上知名的艺术大师，也是包豪斯学院的教师，教授学生现代主义绘画、雕塑等课程。与包豪斯相联系的现代艺术设计教育也形成了经典意义的课程：平面构成、色彩构成和立体构成。随着时间的推移，在其不断发展并占领世界各国艺术设计学院成为核心的教育模式的同时，“包豪斯主义”的现代模式与传统的学院主义模式相似，也逐渐呈现出某种新的教条主义弊端，特别是在没有与之相适应的文化艺术发展传统的社会中，情况更是如此。类似于“三大构成”等由包豪斯体系发展而来的一些经典课程和具体教学内容在国内许多院校的实际教学中被不断地固化和神圣化，其中的一些教学内容因为沿用日久，缺乏创新，使得这类优秀的包豪斯体系传统课程某种程度上正在丧失其引领潮流的地位，已经偏离了包豪斯的基本精神。

三、当代实验教学模式

当代实验教学模式是与当代社会的文化艺术发展相适应的艺术设计教学模式。任何一种体系，存在、实践太久必然会出现逐渐陈旧及理论僵化问题，这也是几百年来学院主义所面临的普遍问题。因为从艺术及设计的最新探索成果到总结成为比较系统的理论体系，再到形成行之有效的教学体系，都需要一定的时间。在发展速度大大加快的今天，往往等这一系列程序实现的时候，其整个体系可能已经有些过时了，这是传统艺术与设计学院普遍存在的问题，而在当代实验模式这种新的教育模式下，传统学院模式的弊端则可能会得到纠正，形成较为良好的创新教育机制。德国实验教育学家威廉•奥古斯特•拉伊在《实验教育学论》中认为实验“是当代教育的标志”，是新的研究方法④。正如包豪斯模式是在现代主义艺术的影响之下产生的模式一样，当代实验模式则是在当代实验艺术的影响之下产生的新的教学模式。在这种模式下，无论是课程的设置，还是课堂教学模式，与以往相比都有着明显的区别。总的来说，当代实验教学模式大致具有以下特征：一是当代实验教学模式强调实验性。教师在课程教学中大量借鉴当代艺术的形式，注重学生在同样一个课题之下的不同思路的实验，强调过程性，相对排斥唯目的主义，并根据当代艺术设计的发展潮流及时吸纳最新的血液，通过学习当代艺术课程、组织教学观摩、参加高水平的设计比赛和展览，及时微调教学方法和教学内容，做到教学与最新的设计实践相结合。二是当代实验教学模式强调与其他学科的跨界和各种媒材的应用。在教学内容的设置上，不再强调某一方面课程内容的绝对权威性，而是多方面吸纳和借鉴其他学科的最新成果，成为当代设计教学内容的重要来源，使学生能够广开思路，训练学生的创造力。依据专业特征，综合材料设计与制作成为各个专业普遍开设的课程，传统的绘画、雕塑、三维综合材料设计制作等造型课程得到保留，但在材料的应用方面，更加注重多种材料的综合和新材料的开发利用。三是当代实验教学模式的评价标准具有多元性的特征。当代艺术区别于现代艺术以前的精英主义一元化标准，在评价方式上更加强调多元文化的自觉和艺术语言的实验性。由当代艺术水到渠成发展而来的当代艺术设计的实验教学模式，在学习评价体系上，必然要依据学生的个性特征以及文化背景等各方面因素来评价学生的学习状况。四是当代实验教学模式的核心是创新素质的培养。创新思维的训练和素质的培养是当代实验教学模式的最重要的核心。创新并不是为了创新而创新，而是当代艺术设计发展的实际要求，千人一面和相互雷同的产品设计是当代设计最致命的毒药，是在何种情况之下都应该绝对避免的后果。

一、概述

远程教育是利用现代信息技术组织教学的教育形态,在教育对象和教学模式上具有明显的开放性特征。远程教育的蓬勃发展促进了开放教育理念的成熟和完善,开放教育的先进理念又有效地推动了远程教育的发展。当前,教育日益跨出国门,走向世界,在国际开放教育理念的影响下,远程教育的开放性特征更加明显。在这种背景下,国际远程教育理事会认为入学政策不同程度的开放成为了远程教育最值得骄傲的贡献,于是开放和远程教育这个名词就应运而生了。在我国则称之为远程开放教育。目前,远程开放教育被多数远程教育实践者和理论研究者所接受,它不仅使得师生在时空分离状态下的教育得以实现,使学生的学习不受时空限制,而且将创造出一种能提供真正开放的教育系统的途径。我国近现代的远程开放教育则先后经历了函授教育、广播电视教育和现代远程教育三个发展阶段。

二、目前艺术设计专业存在的问题

近年来由于普通高校扩大招生,艺术设计从业人员的数量较十年前有所增加。目前的设计从业人员中除了原有的老一辈设计人员外,多数为美术设计院校的本、专科毕业生,此外,还有一批没有经过专业教育的从事设计行业的人群,他们有的是通过职业培训后从事艺术设计工作的,有的则是从设计相关行业中转行过来的。现在我们的设计教育主要停留在实务型人才培养上,后两种人才十分紧缺。我们在对艺术设计专业的教学体系和知识结构重新调整的同时也需要大力发展远程教育,通过在远程教育中建立科学的课程体系与教学模式来对己就业人员进行继续教育,全面培养设计行业的人才。结合艺术设计专业的特点,合理的开发和利用现代教学媒体是远程艺术设计教育发展的必要条件。

三、艺术设计教学在远程开放教育模式下的变革

1.建设具备远程教育特色的艺术设计新型教学模式。在远程教育中发展艺术设计教育要避免将普通教育中的教学内容简单套用为远程教育形式的现象。构建艺术设计远程教学模式必须突显其特色,发挥其长处,我们设计教育要与远程教育相融合,必须要充分考虑远程教育学习者和教学方式的特点,构建出科学合理的教学模式。在实施教学的过程中要将远程教育在教学资源、教学环节、教学方式上的多样性、先进性表现出来,补充我们当前普通高校艺术设计教学中教学方式灵活性和教学内容在广度与宽度上的不足。

【摘要】“学科互涉”教学模式旨在培养学生的集成思维，提高学生艺术设计的创新能力。在艺术设计史论系列课程的“学科互涉”教学模式中，艺术设计史论课程与理工课程、人文社科课程之间互生互补，构建一种学科生态群；在教学方法上，该模式采用现象追问法、项目教学法和实地考察法。文章分析了艺术设计史论课程与理工、人文学科之间的关系，并提出了几种设计史论系列课程“学科互涉”教学方法。

【关键词】艺术设计;教学;学科互涉

学科互涉是指整合不同学科的原理、概念与方法等，使接受者对复杂的知识体系有综合性的理解，包含有学科互涉知识、学科互涉研究、学科互涉教育和学科互涉理论等①。在艺术设计的“学科互涉”教学模式中，设计史论系列课程与自然科学知识体系、人文社科知识体系之间互涉参证，设计史论系列课程内部互补共生，设计史论知识与设计实践相结合。

一、艺术设计史论课程与理工、人文学科之间的互涉

艺术设计作为一门独立的学科，虽源自于传统的美术学，但其发展过程没有离开科技理性精神的浸润。例如，德国包豪斯学院在吸取工艺美术运动、新艺术运动的经验教训之后，才意识到艺术必须与技术相结合，其教员伊顿采用科学的方式研究造型形式中规律性的元素，建立了以几何学为基础的设计形式课程体系。二战后的乌尔姆设计学院继承发展了包豪斯精神，将工业设计建立于科学技术的基础之上，将图形、色彩计划、图表、电子显示终端等全新视觉系统纳入了教改计划，开创了设计系统化、模数化、多学科交叉化的发展路径。美国工业设计师亨利•德雷福斯正是借鉴了工程学原理，为艺术设计开创了人机工程学，实现了人——机——环境的科学匹配。丹麦设计师保罗•汉宁森设计的PH灯，运用光学的反射原理，为丹麦“没有时间限制的风格”作了最好的注脚。美国工业设计师雷蒙德•罗维运用空气动力学原理，将流线型设计广泛运用于机车、建筑和日常生活家具上。这些例证说明，艺术设计的发展离不开科技知识的渗入与支持。艺术设计在产业化社会的背景下，必须贴近产业的本质属性，以行业的需求为导向，以经济效益的实现为目标。这就要求艺术设计史论课程必须从现代的经济学与管理学等学科中摄入相关教学内容，探讨艺术设计品牌化的经营方式与组织形式。与之相应，在教学方法上就必须借鉴相关学科的概念原理与方法论，区分定性研究与定量研究，采用质性评价与量化评价相结合的方法，使设计史论的教学从原有的封闭与单一转向更为应用与综合。其实，学科互涉模式在20世纪下半叶的意大利经济复苏中就已初见端倪并发挥作用。这种教育机制将职业设计师、大企业和小作坊相结合：设计师提供创意图纸或模型，大企业领导公司品牌，小作坊生产专业部件；将传统艺术与现代科技融为一体，将产品的研发制造与市场营销相结合，形成了一套融研究、设计、开发、制造、营销为一体的现代产业链条。这种产业系统实际上是将设计学、美学、科技和人类关系学融为一体，大大拓展了原有的艺术设计学知识体系。又如在当今全球文化创意产业竞争的背景下，我国台湾地区的云门舞集、台北故宫博物院的文化创意开发计划就充分利用了科技、材料和工艺新发展的态势，创造了一条根植于传统文化，集经济、环保与可持续发展于一体的发展路径。艺术设计作为一种人文学科还应从中外哲学、美学以及各民族艺术形式中吸取营养，在异质文化的比较中取长补短或归纳出普世的艺术设计原则。具体到设计教学中，教师应该做到“古今打通，中西沟通”，从中外文化、中西美学中摄入相关教学内容，以弥补设计史论课程自身的知识罅隙，加固加深学生对设计史论知识的理解。比如对宋代建筑尺度的理解，就不能脱离对朱程理学、民族文化心态以及宋代政治的讲述；对“过白”建筑艺术的讲解，就要将圣马克广场西拱门的布局与天坛祈年殿的设计相对比；对世界三大建筑体系的讲解，就不能脱离这些民族的哲学、文化与地理环境等。

二、艺术设计史论系列课程内部的生态组合关系

一、平面艺术设计实践教学的内容

1.实践教学与社会发展的接轨。实践教学的主要目的是适应社会平面设计的发展，将社会对平面艺术设计的需求运用到课堂实践中，不仅为课堂增加了知识，更重要的是贴近学生的设计发展。在教师的指导下，促进学生平面艺术设计实践能力的提高，或者教师可承接校外相关企业的设计业务，让学生感受平面艺术设计实践的整体流程，形成完善的实践体系，培养学生对平面艺术设计整体感的理解。

2.实践教学与各项学科的作用。平面艺术设计实践教学是以多项学科为基础的，实践中需要结合各项学科的内涵，实现平面艺术设计全面的发展。教师在进行图文编排的教学实践时，需要培养学生实践过程中的分析能力，体会图文编排设计中的逻辑、主次以及群组变化等内容，结合图文编排的实践需要，提前对学生进行其他学科知识的着重讲解，提取其他学科的精华知识，提高学生实践创造的能力。

3.实践教学与理论知识的互换应用。平面艺术设计中实践与理论的互换应用主要是指通过实践将学生的创新思想以实物的形式表现出来。但是通过近几年平面艺术设计教学的发展来看，部分学生的思维和视角非常独特，但是其动手能力比较低，而部分学生动手能力强，但是其思维欠缺独特性。因此为提高学生实践教学的综合能力，可采取团队的形式，促进学生之间的相互学习，将学生创意以最大化的方式表现。例如包装设计，此部分平面艺术设计对“整体与部分的关系”要求非常高，不仅要表现包装设计的秩序性，更要体现包装设计的与众不同，教师可将比较系统的设计让学生以团队的形式完成，集思广益，取长补短，共同提高学生的实践水平。综上所述，提高平面艺术设计中的教学实践能力，需加强实践教学内容建设的力度，在保障教学水平的基础上，提高学生的设计能力和实践能力。

二、平面艺术设计实践教学的意义

平面艺术设计本身即是要求比较高的专业学科，因此只有通过有效的实践教学，才可将平面艺术设计中的知识运用到实际，而且实践教学是平面艺术设计发展的必然趋势，所以其存在特殊的意义：实践教学对学生而言提高了其平面艺术设计的实践能力，对教师而言丰富了课堂教学方法，对学校而言拉近了其与社会的距离，因此平面艺术设计实践教学是具有一定时代价值的。平面艺术设计实践教学是新形势、新课堂发展的必然趋势，同时平面艺术设计教学也是多种学科相互作用的结果，因此传统的平面艺术设计教学已经不能满足社会对设计人才的需求。与此同时，平面艺术设计中以实践为主的教学方式被挖掘，通过不断提升学生设计的实践能力，促使学生更加适应平面艺术设计在社会中的动态发展。