艺术设计范文10篇

一、艺术设计学的形成和发展

设计是计划，是寻求解决问题的途径和方法。它既不限于事先构想，更不排斥实践，是人类智慧和技能表现得最为充分的领域；它涉及人类一切有目的的活动。例如造物，从原始到现在，造物的种类和数量不计其数，而在造物活动中，使物蒙受艺术光彩的因素就是“形”。作为一种创造行为，设计就是将某种观念转化为实体（给予特定的形）的过程；也是利用某些物质材料，在特定空间中“创造物体形象”的计划。考察物的造型过程，即可发现：

1.设计（即计划）是造物过程的中心环节。它源于需求，规约制作，决定使用。由此可见，自原始时代人类开始制造工具以来，设计就是人类不可缺少的实践活动。

2.产业革命迅速改变了手工艺者个人从事设计与制作的情况，出现了设计师这个新职业。造型计划也随之从混沌的生产关系中独立出来，这才产生了设计学及其后的发展。设计学是研究产品造型及其环境的学科，旨在总结人类设计活动的经验，以指导设计创作，创造某种体形环境。它的内容包括技术和艺术两个方面。（有人反对用这样的观点来谈问题，但学科细分化却是科学发展的历史事实。分化与综合是有机不可分割的两个方面，没有分子的分化，哪来量子力学的发生和发展？）

3.随着社会经济的发展和对设计的关心逐步加深，设计对象不断扩大。于是，造型计划又有了更细的分化。

其一，造型计划的性质有所不同。若将其按功能性、使用性或相反的无用性、无观赏性的要求进行整理，则造型计划的范围如下表所示。

摘要：艺术设计是一门研究人为事物的学科，其本质是创造出能带给人美感的事物，核心是文化的传承与进步。艺术符号作为一种工具，在艺术设计中有着重要的作用，是进行艺术设计时必不可少的一种元素。本文论述了艺术设计中艺术符号的概念，并从艺术设计的角度介绍了艺术符号在艺术设计中的运用。

关键词：艺术设计；艺术符号；运用

随着人类文明的发展和社会的进步，人们的物质生活已有了长足的进步，所以人们越来越多的关注社会文化和自身的精神建设等上层建筑。同时随着人类科技文明的快速发展，为人们追求更高质量的精神生活提供了技术支撑。现代艺术设计中，对于人性化的重视程度不断提高，理性和感性的兼具是艺术设计者们追求，人与自然的完美有机结合是他们的目标，艺术设计者除了要将作品本身的目的性表达出来之外，往往会通过一些设计技巧和经验来表达自己的价值取向或所处时代的时代感，这时运用一些艺术符号来表达设计者的这些意图无疑是一个很好的选择，因此艺术符号在艺术设计中发挥着越来越大的作用。

一、艺术符号概论

1、艺术符号

不管是过去还是现在，不同的人对符号的认识和理解不尽一致，所以到目前为止关于符号的定义莫衷一是。笔者在参考了符号的一些定义后，认为可以这样来定义艺术符号：艺术符号就是设计者将某一对象与某种事物相联结,使其可以代表一定的事物，当这种联系得到了较多人的认同时，就会在这些人之间形成共识，最终默认了这一对象就是某一事物代表符号。

1概述

作者主要从设计素描的内涵、特点及其与艺术设计的关系三个方面对设计素描进行简要的概述：

1.1设计素描的基本内涵

设计素描是一种新学科，它是传统绘画素描艺术精华与现代艺术学科特点相结合所形成的一门新的艺术造型艺术学科。因此，其在一定程度上继承了二者的优点。设计素描不同与传统造型基础素描，它更加侧重在研究客观对象内在构成关系和外观的整合感的基础上实现主动认识与创造。因此，艺术设计在一定程度上体现了科学与美学、技术与艺术的完美统一。

1.2设计素描的特点

设计素描主要具有实用性和目的性、有机能性、科学性和审美性四大特点。具体如下：其一，实用性和目的性。主要表现在其能够客观地传达对象的视觉信息；其二，有机能性，主要表现在设计素描能够对客观事物的机能特点，对材质、肌理、结构等因素进行深入的了解、把握并适度表现；其三，科学性。设计思考方法符合科学原理、描绘方法遵循科学规律；其四，审美性，艺术美与科学技术美的结合。

一、设计的形而上学思考

（一）对设计含义的反思

关于设计的定义有很多，即设计是人类有意识的活动，是指在进行某项工作之前所制定的方案：“它是一种有目的的造型活动，设计时充分考虑到机能、生产和美感，还要关心到价格；设计既是一门科学，又是一门艺术，是科学技术与艺术的结合。”笔者对设计概念进行总结，认为设计是人类在与自然打交道的过程中，为了方便人的生存（或生活）、帮助人们高效的实践、给予人们某些方面满足的一种创造性实践活动。基于此，笔者认为，既然设计属于实践活动，那么人类在实践活动中就会受到思维、思想的支配，因此我们应该对设计者背后的思维和思想进行反思。

（二）对设计思维过程差异的反思

西方哲学史中有两大哲学思想，即理性主义和经验主义。中国哲学史上则产生了儒家、道家、法家等哲学流派。几乎每个人都会有自己的哲学思想，而且略微不谨慎就能被上述现存的哲学思想所影响到。但无论如何，我们可以肯定，一个设计者首先要认识事物，习得一定的属于自己的法则，然后才有可能进一步进行创造。任何设计师都要面临哲学中出现的问题，例如“如何认识世界？”“能认识什么样的世界？”等。这些问题看似遥远，但试想一下，距离又如此之近，因为设计本身就是一种实践活动。既然属于实践活动，那是否与其对世界的认识程度相关？我们在从事设计工作时，往往会不自觉地受到设计本身的哲学思想的影响。虽然设计者本身可能也没有意识到，但从本体意义上讲，设计者在做实践活动，就需要认知和判断，其中所依据的“经验”或“规则”的形成，也是他的观念和哲学立场，最后这种思想会从他的作品中流露出来。从石器时代的石刻花纹到陶艺图案，这些设计都有设计者对于生存的体验以及对于社会关系的观念。设计思维和一般思维的区别在于，一般性思维是就事论事的思考，始终围绕具体事务的内容和其延续性思考，特点是直接锁定目标，以经验主导展开直接功利性目标，紧紧围绕着目标去考虑现有基础条件是否可行，找到一条最优路径，重在结果。而设计思维的表现是以创意性为特色，在确定目的之后，将会进行大量的搜集材料，在搜集材料和构思的过程中不断形成新的创意。即便是同样的资料，给不同的设计者，得到的结果也很难相同。但是，他们最终都能解决问题。那么，设计师在进行设计实践时的依据是什么？这个依据是理性的还是感性的？笔者认为，正是这些哲学思维的不同，以及个人对感性材料的认识，并主观地形成个人“图式”的差异，导致作品产生的美感有所不同。这个结果可以给我们一些启示，即当我们在训练思维的过程中，以及在进行设计思维教育时，可以从丰富哲学思维、丰富对感性形式理解的角度来进行。这都将作为设计者进行创作活动的基础材料。在此基础之上，才能进一步谈设计方法、设计技术和技巧。

二、设计思维方法的反思

摘要：在我国教育教学事业飞速发展的背景下，艺术设计专业教学模式已无法适应现代艺术教育的新形势，随着我国创新创业教育在各大院校中的深入发展，艺术设计专业也应积极响应国家号召，转变人才培养模式，在教学中，充分融入创新创业教育，为学生良好的职业生涯发展奠定坚实基础。基于此，首先探讨艺术设计专业教学中融合创新创业教育的必要性，总结其双创人才培养要求，并深入分析当前艺术设计专业融合创新创业教育的培养现状，进而在此基础上，从激发学生设计潜能、构建双创课程体系、加强项目课程设置、将创业就业作为课程安排导向四个维度，构建了艺术设计专业的创新创业人才培养模式，希望能够进一步推动艺术设计教学的发展。

关键词：艺术设计；创新创业；课程体系；培养模式

针对“大众创业、万众创新”全新发展战略的要求，中央政府颁布了《有关全面推动大众创业万众创新建议措施》，对于高等院校提出了以创新带动创业，以创业促进就业的具体要求。因此，基于这样的背景，毕业生就业问题受到了全社会的广泛关注，怎样帮助毕业生找到理想的工作，辅助他们成功创业，是相关部门、学校及企业应共同努力解决的重要问题。在当代高校中，特别是职业院校，教师更要重视学生创新创业意识及能力的培养，并将其纳入到人才培养体系中，使其成为专业教学的主要目标。

一、艺术设计专业教学中融合创新创业教育的必要性

艺术设计专业所涉及的领域较广，不同的专业不仅要严格遵循设计的发展规律，同时也要充分体现出自身的独特之处。艺术设计专业在人才培养过程中，同样也要按照具体的规律与准则开展各项工作。各大院校通过传授学生专业基础理论知识及实践技能，培养他们的设计思维，让其具备优秀的创新素养。长时间以来，我国拥有艺术设计专业的院校众多，学校规模较大，但却没有为社会输送真正的所需人才。当前，艺术设计专业在人才培养上存在许多不足之处，首先，大多数企业对于艺术设计专业人才需求强烈，特别缺少的是跨专业、跨领域的创新应用型人才，其次，许多艺术设计专业的毕业生都面临着失业的危机，而导致这种现象最关键的因素，就是当前艺术设计专业的教学所提供的服务无法与社会完美对接，学生的知识结构、设计能力与创新意识等，都无法达到企业的要求［1］。当下，我国正大力提倡“大众创业、万众创新”，以创新推动国家发展。因此，在这样的背景下，各大院校应抓住机遇，采取有效措施，全面革新艺术设计专业教育体系，进而培养符合市场及企业需求的创新创业型设计人才，促进学生的可持续发展。

二、艺术设计专业创新创业人才培养要求

摘要:艺术设计是根据人的需求进行设计的，人有对美的追求，这也就要求在进行艺术设计的过程中要注意对艺术美的深入研究和分析。艺术美是艺术的一种表现形式，而设计艺术美则是一种对艺术的表现手法。艺术美是超脱于现实生活的一种美，其来源在于以生活作为其素材，在人的内心产生的一种心灵的美的表现。艺术美是由艺术家们在进行艺术设计的创作过程中生出来的内心的美。其会随着我们人类内心情感世界的变化而进行变化，是具有自由性质的美的表达。

关键词:艺术设计；艺术美；关联

在艺术家的眼里，艺术设计犹如一颗大树，而艺术美就是其精华之所在。艺术美是艺术设计家们在自己的作品里所获得的辛勤的报酬，其能够体现艺术家们的心灵世界，艺术家们将艺术美融入了艺术设计的作品当中，赋予了艺术设计丰富的意境和精彩的表现形式。一件艺术设计作品只有拥有了艺术美，才能称之为一件好的、优秀的作品，因为艺术美是心灵美，是体现一件作品的最好的表现方式。

1艺术设计的含义

艺术设计在现今当下具有其广泛性，生活中艺术设计的作品已经充斥进了我们的日常生活之中，艺术设计作为大学课堂里一门学科，其拥有非常好的教学意义。艺术设计在于让大众欣赏到艺术设计产品的美感，设计出符合使用的具有针对性的艺术性产品。具有服务于社会的方方面面的特点，其广泛性具有影响人的情绪思维的艺术设计特点。艺术的设计需要设计者们去思考、体会、想象，认真观察我们的周围所处的环境，好以此作为支撑点去进行属于我们自己的艺术设计的创作和创新。

2艺术美的含义

艺术设计的经济价值

艺术设计的价值必须投入到社会经济活动中得以实现，社会经济是基础，艺术设计要为发展社会经济服务。21世纪是一个“知识经济”也是一个“循环经济”时代，所谓的“循环经济”是一种以资源高效率利用和循环利用为核心，以“减量化，再利用、资源化”为原则；以低消耗、低排放，高效率为基本特征，符合可持续发展理念的经济增长模式，其中资源高效利用除物质方面的还有知识方面的资源的整合与利用，而不断地创新设计正是企业可持续发展的重要组成部分，也是新的经济增长方式内容之一。

设计是科学与应用、技术与生活、企业与市场、生产与消费之间的桥梁，是促进经济增长的工具。在当今世界经济中，制造业和服务业占有重要的地位，而在这两个部门的市场竞争中，需要生产、设计和销售三个环节的紧密配合，而设计便是平衡、协调各种制约因素，使消费者与生产者的利益达到一个均衡的整体，将我们生活环境按照美和机能的统一进行造物的活动。市场经济的建立及发展和科学技术水平的巨大进步，提供了批量化生产的可能性和必要性，与之相适应的社会结构也发生了很大的变化。商品的制造者是生产厂家，它们的目的很明确：产品必须具有市场竞争力，对于新商品而言还必须有巨大的市场，不管是设计的还是制造者，驱动他们开发新产品、提高设计质量的最终目的都是经济效益，而实现经济效益的惟一途径，就是市场。

艺术设计发展的原动力在于人们对美的不懈追求。这种追求是自发的、与生俱来的。正是这种对美好事物的向往与追求，成为推动社会经济发展的强大动力。我们说科学技术是生产力，就在于它能推动社会经济的发展。艺术设计能够促进社会经济的发展，主要表现在它不仅满足了人们不断增长的物质需求，也满足了人们的精神需求。艺术设计是把预期目的和观念具体化、实体化的手段，是人们进行经济建设活动的先期过程。它的本质是人们对将要进行的经济建设活动做出艺术化的设想和筹划。总体来看，这种设想和筹划是进步的，发展的，甚至是超前的，从这个角度来说，“艺术设计也是一种生产力”、“设计就是经济效益”的说法明确了艺术设计是一种推动社会发展的动力。

艺术设计作为生产力与市场的关系

科学技术是第一生产力，生产工具的改进和创新，新的劳动对象的发现和利用，新的工艺流程的设计以及生产管理水平的提高等，均须依赖科学技术的发展。生产力的发展是生产力的各个要素相互作用的结果，艺术设计具有科学的属性，作为生产力的内在要素，渗透在生产力的其他要素之中，它的变化必然引发其他要素的变化，从而引起生产力整体的变化，推动生产力水平的提高。

一、工艺美术与艺术设计的内涵

1.工艺美术的内涵。工艺美术在我国的历史非常悠久，产生的最早时期可以追寻到我国的封建社会时期。当时的工匠在生活用品中添加美的艺术，所以人们所使用的陶器以及生活器具中都充斥着工艺美术。他们通过精妙的技艺把美融入到了人们生活的每一处。在当时的经济环境下，同样也存在着各种各样的竞争关系，工匠们为了把作品推销出去，加大了工艺研究的力度，不断地寻求突破。他们对生活器具和生产器具进行了改变，改变了色彩和质地，从而加快工艺美术的发展进程，中国的瓷器就是工艺美术的代表。工艺美术是为了人们的生活服务的。我国的工艺美术也是非常丰富多彩的，是由56个民族的劳动人民创造的并为自己服务的艺术。它根植于生活的沃土之中。其中包括了年画、剪纸、泥塑、玩具、印花布、挑花皮影、石雕、编织、陶器等艺术，这些都是中华文化的瑰宝。2.艺术设计的内涵。相比于工艺美术的历史而言，艺术设计出现的时期则比较晚。工艺美术产生于中国，而对于艺术设计的理念，它最早产生于19世纪的欧洲时代。当时欧洲爆发了“工艺美术”运动，它引起了人们对工业化的思考，同时奠定了艺术设计的基础。当时是英国、法国等欧洲国家的工业化产业迅速发展的时期，这个期间内也不可避免地出现了很多不合格的工业产品。不合格产品的出现，劣质的工艺造成了很多艺术家的不满，从而引起了“工艺美术”运动的爆发。这种运动的爆发使得很多人开始抵制劣质的工艺品以及流水线工艺品，并且开始追求新式的符合社会理念的艺术品。艺术家开始寻找并且建立符合欧洲风格的艺术理念，满足工业化社会的需求。随着这种理念的延续和发展，经过多年的思想转变，从而建立了艺术设计的观念。

二、工艺美术与艺术设计的区别

1.服务的群体不同。随着社会的进步和经济的发展，人们在满足了物质生活的需要之后，对精神生活的要求也越来越高。除了物品的使用价值之外，同时对物品的装饰性美观度的要求也越来越高了。正是因为人们的这些心理需要，工艺美术和艺术设计被广泛地应用到现实社会当中。通过历史的发展我们可以看出，对于器具的使用，它们的外形会维持相当长的一段时间，这是由于当时的社会和文化以及观念造成的。而且在封建社会时期，人们的思想比较禁锢，社会和经济的发展也非常缓慢。虽然一直存在商业活动，但是商业层次和范围以及交流的程度都非常低。人生的生活水平一直处于满足温饱的状态，对于艺术的追求也只存在于统治阶级，这也使得工艺美术发展进程很缓慢。但是艺术设计是为工业革命时期的商业产品服务的，伴随着经济的发展，它的使用范围越来越广，它是为了满足人们的物质生活以及对美好事物的追求，所以它的市场非常广，发展速度也非常快。2.美学价值不同。工艺美术的产生是封建时期的工匠把传统的手工技术与生产的产品相结合，这是当时的人们所掌握的技术与美学的结合，是劳动者智慧的结晶。而艺术设计是工业化革命的产物，是伴随着信息技术的进程而出现的。所以艺术设计融合了科学技术，为了满足人生的精神生活，具有时代性的特点。艺术设计产生于欧洲国家，它是欧洲社会发展的产物，在中国的发展时期还非常短。与欧洲国家相比，我国的艺术设计还比较稚嫩。3.研究的范围不同。在我国对于工艺美术的研究，根据田自秉编写的《中国工艺美术史》就能够了解。这本书的主要内容就是讲我国工艺美术发展历史以及工艺美术应用的范围。对于工艺美术的应用到目前为止一直围绕器、织、雕、染、塑、绘这几点。而对于艺术设计的研究范围，可以从三个方面来讲解。它们分别是视觉传达、环境艺术设计和产品设计。这三个方面的应用范围非常地广，也就是说艺术设计的应用可以在很多方面，这是由于它具有时代特性，并且商品社会的进程已经发展得非常快速，使得艺术设计的研究也更加地深入。4.教育的模式不同。工艺美术是在我国封建时期产生的，它是手工业的代表。工艺美术也具有自己的特性，它的传播是靠家族式途径传播的，途径非常窄，也非常地单一。受封建时期的思想所限制，工艺美术的传播是靠师徒来传授的，是一个师傅把自己的多年的经验和技术，通过手把手的教授，传给自己认可的徒弟。这也使得工艺美术在进行传播的时候没有参考教材，全靠记忆。同时，在封建时期对于技术人们都存在着保守心理，认为这是不能轻易相传的，也是不能外传的。只可以在父子之间，或者家庭之间进行传播。这也造成了对于工艺美术，真正会的人非常少的原因。艺术设计与工艺美术的教育模式相比，它的范围就非常地广，也更加具有现代气息。艺术设计的教育模式通过现代教育进行普及，它的传播途径更加快速。人们可以通过多种方式来学习。人们可以通过科学的理论学习来掌握艺术设计，也可以通过实践进行体会。而且工艺设计充斥在我们生活当中的每一处，如服装、家居、装修等。所以说艺术设计的发展是社会进步的体现。

综上所述，通过对工艺美术和艺术设计的思考可以了解到，它们之间有一定的联系，但是也有很大的区别，它们的服务群体、美学价值、研究范围和教育模式都是不同的。工艺美术是封建社会的产物，也是中国传统艺术的体现，而艺术设计则是思想的转变与社会的需求。

作者:于淼 单位:内蒙古民族大学美术学院

一、艺术设计的概述

1.艺术设计的定义艺术设计与其他艺术学科的服务对象不同，它是一门综合性的独立的学科，艺术设计在进行的过程中涉及到很多的方面，例如政治、社会、文化、经济等，有极强的综合性。艺术设计的目的表现艺术的美感和形式。在进行艺术表现的时候，要注意对艺术美的形象体现，注重对艺术美的使用功能，也就是说，艺术设计是人类社会进步的产物，是精神与物质的结合，艺术来源于生活，也服务于生活。

2.艺术设计的特征艺术设计有两个特点，分别是广泛性和主观性。艺术设计的广泛性表现在：艺术设计是一门综合的艺术学科，有很广泛的研究对象，艺术设计的研究内容涉猎各个方面的因素，例如社会的经济、文化和科技等。所以艺术设计要应用到非常广泛的知识。艺术家要具备非常专业的相关基础才能更好的发展艺术设计，保持艺术作品的生命力。艺术设计的主观性表现在：艺术设计是以人为主体的，人的审美具有非常强烈的主观性。艺术设计是来自于人的思维与实际的生活，是艺术家综合素质的体现，例如艺术家的表现力、感知力、创新和想象能力等。艺术设计中除了对专业的体现，还有对美的感受，所以艺术设计在展现主题和美的过程中是带有主观性的。

二、艺术设计中艺术美的表现手法

1.对比对比就是指将两个具有强烈反差的要素合理搭配，形成鲜明的对比，突出强烈的特殊效果。例如在色彩学中，最经典的搭配是黑白配；在音乐上，通常会用长短音搭配在一起；这些搭配会给人带来特殊的感受，营造出特别的效果和气氛。

2.对称对称是很容易被理解的，特别是在视觉上。例如在建筑设计中，对称设计较为普遍，从心理学上来说，对称能够传达给人稳重的感受，对称美经过历史沉淀逐渐也运用到很多的科学领域中。在对称中，还存在较为特殊的反演形态，由于不存在绝对对称的东西，所以每个艺术想象的对称是相对的，而不对称则是绝对的。这两者的结合就像多与少、美与丑一样会带给人们不同的体验，将不完美和完美结合起来创造特殊的艺术体验。

摘要：本文从艺术与科学的重要结合事件开始分析，提出将艺术与科学的整合设计观念运用到染织艺术设计的思考。艺术与科学究竟在现代设计中扮演着怎样重要的角色？我们又将如何把艺术与科学合理地整合到染织艺术设计之中？这一系列问题的提出与思考，对于拓展现代艺术设计教育具有现实意义。

关键词：艺术；科学；整合；染织艺术设计

1关注：艺术与科学

艺术与大众的生活息息相关，可以说艺术伴随着人类发展的各个阶段。科学是近代的产物，但其发展的速度与影响力却如日中天。历史上将艺术与科学集聚一身的典型代表便是最著名的艺术家兼科学家——达•芬奇。无论是他的绘画艺术作品还是科学观察记录，处处流露出一代天才的伟大创造力。艺术创造形象，可以激发人们的情感，因此人类创造了绘画、音乐、文学、雕塑、影视、戏曲、歌舞等包罗万象的艺术门类；科学研究自然，可以找寻自然发展的规律，因此人类开创了物理、化学、生物、天文、地理等重要的科学领域。艺术与科学看似是两种不同的事物，但却在同时从事着人类史上最具有创造性的工作。但科学不得不面对被更好的成果取代的事实，因此科学具有时效性。而艺术并不以进步为唯一追求，艺术可以从经典中获取无限的精神价值与美的体验。由此可见，科学提供的是至关重要的方法，方法要随着事物的发展和需要而不断变化和更替。艺术则更注重的是结果，艺术若要进步，需要依靠与某种新事物的结合与碰撞，而这一新事物往往与科学又有着必然的联系。以19世纪后半叶以来的现代艺术为例，印象派艺术的形成与发展，正是整合了东方的装饰艺术与科学技术，从而孕育出现代艺术流派。科学技术对其影响主要体现在摄影术与光学两个方面。基于当时这两项重要的科学发明，促使艺术家不得不采用新的眼光去看待与表现世界。科学的进步也在迫使着艺术家去探索一种摄影术所无法仿效的形象塑造。由此也诞生了一种新的艺术形式——现代艺术。在莫奈、塞尚、梵•高等绘画大师的作品中，不拘泥于造型而是侧重情感的表达尤为突出。因此，没有科学的介入，艺术也必将停滞不前。艺术可以历经时代的洗礼却不被淘汰。而当年的摄影技术，发展到今时今日，却在不断地被彩色摄影、录像、3D成像等影像技术所更替与取代。站在艺术与科学之间的现代设计，以美学与实用价值聚焦于一身的领域，一方面需要艺术为其不断地提供情感需求的提升点，另一方面也需要科学站在一旁来监督，防止艺术对其造成的自我封闭与不切实际。

2重视：染织艺术设计中的艺术与科学

染织艺术设计中的艺术是指具备一定的艺术修养以及艺术美学因素，它是一种贮存在一定的审美形式中的东西，有些类似于我们所说的悟性或者品位，主要体现在人们对生活中、自然中美的感知与把握。而这种对美的鉴赏能力，与一个人自身所具备的艺术天分是分不开的。因此，加强染织艺术设计中对美的感受能力和艺术的美学修养是提升设计的第一步。这一步可以通过大量的资料筛选、艺术作品赏析、旅游观光甚至是摄影自拍等多种方式进行长期培养，这种艺术能力应该更具有感性与生活性。当练就了一双艺术之眼和一颗审美之心后，接下来才会运用到灵巧的双手和富有创造力的大脑去勾勒并展示对美的表达。在艺术领域中，绘画能力便体现在艺术家能否将自己看到的和想象出的美，以最完美的效果呈现出来。对此，描绘对象的能力在绘画史上一度成为像文艺复兴三杰等这样优秀的艺术家们都在竞相追求的目标。同样，染织艺术设计中的手绘与设计表达，成为传递设计想法所必备的手头功夫。即经过对自然植物、花卉、动物、风景以及生活故事、人物等造型元素的艺术组织与表达，将染织艺术设计的美学意味提升到现实操作层面的能力。但再好的创意想法和审美品位在实践和输出的过程中，如果不具备传递美的预想效果，都将出现力不从心的设计窘态。因此，染织艺术设计离不开对艺术的表达及其技能的训练，与此同时科学技术的发展为这项要求又带来了高效的提升空间。科学在对美的追求过程中，不断孕育出有关材料、工艺、软件、网络等众多的研究成果，而这些成果和资源正在与染织艺术设计发生着紧密联系。掌握和合理运用这些科学成果可以有效地提升染织艺术设计的创作价值。以电脑技术为例，它为设计带来了高效的工作效率，以往要花一个星期完成的手绘图案，可以通过Photoshop、AI、Coreldraw、Painter等众多的计算机绘图软件在几个小时内迅速完成，并且在绘图、填色、换色、接版、模拟等设计要素方面拥有手绘所无法比拟的优越性。在以工艺设计著称的提花、绣花、针织等纺织产品设计中，依靠专业纺织品设计软件CAD、CAM的操作，更是极大地提升了纺织品意匠工艺的设计效率和准确性，并与后续的机械化批量生产环节建立起有效对接。因此，探索艺术与科学的整合并将其合理地运用在染织艺术设计之中，成为进一步值得关注和思考的重要课题。