艺术处理范文10篇

摘要：歌唱艺术的艺术感染力最终要靠演唱来体现。它最能直接的反应社会现实，表现生活，表达人的思想情感。歌唱者把音符和文字符号变成声音的过程，是一个艺术再创造的过程，也就是我们常说的“二度创作”。一首好的、甚至经典的歌唱的歌词和音乐终归只是停留在纸面上的，必须通过歌唱者把它唱活才能使听众充分感受。因此，作为一名歌唱者应该从各个方面来丰富自己，提高自己的文化艺术素质，认真的分析和处理好作品，在忠实原作的基础上，大胆的进行再创造，这对于我们每个歌唱者来说都要提出更高、更新的要求。

关键词：声乐艺术创造内涵情感声与情

世界上一切优秀的歌唱家的演唱之所以能使广大的听众为之倾倒，受到公众的热烈欢迎和喜爱，除了他们具有良好的嗓音和高超的技巧外，最重要的是他们的歌声准确生动的表达了歌唱的内容和真实的情感，引起了观众内心的共鸣，给予了听众享受和情绪的感染。毫无疑问，正确的发声方法和全面的歌唱技巧是一个成功歌唱者的必不可少的条件，因为没有正确的发声方法和唱歌技巧也就没有了艺术表现手段。就好像我们过河必须要有桥梁或渡船一样。但仅仅如此是远远不够的。德国著名女高音歌唱家汉姆波尔说过：“如果有人问我歌唱艺术的含义是什么？我不会从声音技巧的角度去说明。我要说的乃是感动听众的才能。如果歌唱者仅仅是把音给唱出来，那么充其量只不过是一位技工匠人而已。”怎么才具备“感动观众的才能”呢？这就要取决于对歌唱的艺术处理，作为一个歌者在歌曲的二度创作过程中应注意以下几个环节。

一、内涵的理解

所谓内涵，主要是指作品的内在含义即思想感情。理解作品的内涵，是演唱的基础。拿到一首歌，先不要急于唱谱，而应该将歌词反复朗诵几遍，理解歌词表达的内容。把握歌词所蕴含的情感基调，是悲是喜，是痛苦还是欢乐，细细体味情感发展变化的脉络及深刻的内涵。以便从中了解主人公所处的时代背景，特定环境和思想感情。

歌唱艺术是歌唱者把自己对歌词和音乐的理解，用优美的歌声传达出来。要准确深刻的表现好歌唱的内涵，首先必须认真研究歌曲的音乐和歌词。音乐是歌唱的灵魂，在熟读乐谱的过程中，要反复体悟音乐的感情特征，领略歌曲音乐的旋律美，理解歌曲音乐的意境，一首歌曲或长或短，都凝聚着作曲家的强烈感情，作曲家写作的歌谱看来是无声的，静止的，但是在歌谱之中却记录着复杂的艺术技巧，作曲家的深情厚谊也蕴藏在每个音符之中，歌唱者就是要在歌曲的文学（歌词）语言造型和音乐旋律起伏中，发掘出这些丰富的情感因素，掌握歌曲的风格基调，引发我们心中的想象，发展自己的音乐思维，激起内心的歌唱热情，使自己的歌声充分抒发内心的情思，从而艺术的表现出完整的音乐形象。对作品的理解越深，感受越深，在演唱时的表达则越纯真，越完美。李耀伦先生所译的《外国音乐参考资料》曾载有世界著名指挥家小泽征尔先生的一段话：“总谱上的标志是忧伤，但是几分忧伤？哪种忧伤呢？内在的，暗淡的，或者仅仅是愁眉不展的？作曲家没有说明，我只有自己去作判断。”有造诣的艺术家总是以认真的研读作品，仔细琢磨，反复推敲作者的原始情感为出发点，从而达到对作品的准确传达和提高再现。一个演员或者歌唱者文学修养的深浅，会直接影响他对作品内涵的理解。不少学唱歌的人，往往单纯从声乐技巧来谈歌唱表现，因此平时的接触面比较窄，不看小说不看画，不读诗文不听音乐，甚至于连报纸也不常看，视野不开阔，知识不丰富，这样的学唱是唱不出感情来的。要知道对作品内涵有无深刻的理解，结果是大不一样的，因为只有在理解作品的基础上，才可能做到真情的表达。

摘要：歌唱艺术的艺术感染力最终要靠演唱来体现。它最能直接的反应社会现实，表现生活，表达人的思想情感。歌唱者把音符和文字符号变成声音的过程，是一个艺术再创造的过程，也就是我们常说的“二度创作”。一首好的、甚至经典的歌唱的歌词和音乐终归只是停留在纸面上的，必须通过歌唱者把它唱活才能使听众充分感受。因此，作为一名歌唱者应该从各个方面来丰富自己，提高自己的文化艺术素质，认真的分析和处理好作品，在忠实原作的基础上，大胆的进行再创造，这对于我们每个歌唱者来说都要提出更高、更新的要求。

关键词：声乐艺术创造内涵情感声与情

世界上一切优秀的歌唱家的演唱之所以能使广大的听众为之倾倒，受到公众的热烈欢迎和喜爱，除了他们具有良好的嗓音和高超的技巧外，最重要的是他们的歌声准确生动的表达了歌唱的内容和真实的情感，引起了观众内心的共鸣，给予了听众享受和情绪的感染。毫无疑问，正确的发声方法和全面的歌唱技巧是一个成功歌唱者的必不可少的条件，因为没有正确的发声方法和唱歌技巧也就没有了艺术表现手段。就好像我们过河必须要有桥梁或渡船一样。但仅仅如此是远远不够的。德国著名女高音歌唱家汉姆波尔说过：“如果有人问我歌唱艺术的含义是什么？我不会从声音技巧的角度去说明。我要说的乃是感动听众的才能。如果歌唱者仅仅是把音给唱出来，那么充其量只不过是一位技工匠人而已。”怎么才具备“感动观众的才能”呢？这就要取决于对歌唱的艺术处理，作为一个歌者在歌曲的二度创作过程中应注意以下几个环节。

一、内涵的理解

所谓内涵，主要是指作品的内在含义即思想感情。理解作品的内涵，是演唱的基础。拿到一首歌，先不要急于唱谱，而应该将歌词反复朗诵几遍，理解歌词表达的内容。把握歌词所蕴含的情感基调，是悲是喜，是痛苦还是欢乐，细细体味情感发展变化的脉络及深刻的内涵。以便从中了解主人公所处的时代背景，特定环境和思想感情。

歌唱艺术是歌唱者把自己对歌词和音乐的理解，用优美的歌声传达出来。要准确深刻的表现好歌唱的内涵，首先必须认真研究歌曲的音乐和歌词。音乐是歌唱的灵魂，在熟读乐谱的过程中，要反复体悟音乐的感情特征，领略歌曲音乐的旋律美，理解歌曲音乐的意境，一首歌曲或长或短，都凝聚着作曲家的强烈感情，作曲家写作的歌谱看来是无声的，静止的，但是在歌谱之中却记录着复杂的艺术技巧，作曲家的深情厚谊也蕴藏在每个音符之中，歌唱者就是要在歌曲的文学（歌词）语言造型和音乐旋律起伏中，发掘出这些丰富的情感因素，掌握歌曲的风格基调，引发我们心中的想象，发展自己的音乐思维，激起内心的歌唱热情，使自己的歌声充分抒发内心的情思，从而艺术的表现出完整的音乐形象。对作品的理解越深，感受越深，在演唱时的表达则越纯真，越完美。李耀伦先生所译的《外国音乐参考资料》曾载有世界著名指挥家小泽征尔先生的一段话：“总谱上的标志是忧伤，但是几分忧伤？哪种忧伤呢？内在的，暗淡的，或者仅仅是愁眉不展的？作曲家没有说明，我只有自己去作判断。”有造诣的艺术家总是以认真的研读作品，仔细琢磨，反复推敲作者的原始情感为出发点，从而达到对作品的准确传达和提高再现。一个演员或者歌唱者文学修养的深浅，会直接影响他对作品内涵的理解。不少学唱歌的人，往往单纯从声乐技巧来谈歌唱表现，因此平时的接触面比较窄，不看小说不看画，不读诗文不听音乐，甚至于连报纸也不常看，视野不开阔，知识不丰富，这样的学唱是唱不出感情来的。要知道对作品内涵有无深刻的理解，结果是大不一样的，因为只有在理解作品的基础上，才可能做到真情的表达。

摘要：歌曲的艺术表现与处理，在声乐教学的重要环节，它关系到培养的学生是否“会”唱歌。文章将对声乐教学中关系到歌曲艺术表现与处理的几个环节加以论述。

关键词：声乐艺术表现培养

声乐教学是一门技术性与实践性很强的学科。而声乐作品的艺术表现与处理又是声乐艺术的灵魂和生命，它的实现是靠演唱者对作品正确的理解、准确的表现（二度创作），使其音响化和形象化，其效果应使听众在享受声乐艺术的同时也受到艺术美的感染。另外，歌唱是一种声音艺术，它的旋律不能只停留在乐谱上。

我们在听多数学生的演唱时，总感到没有美感，其关键原因就是学生对作品的理解不够，没有把作品的内涵表现出来。因此，在声乐教学中注意培养学生表现与处理作品的能力，是声乐教学中的重要环节。笔者认为，要培养这种能力，以下几点是必不可少的。

一、熟悉作品

首先熟读歌词。在声乐作品中，音乐与语言的关系，是歌唱艺术区别于其他音乐艺术的显著特点。声乐是通过语言来表达歌曲的思想内容，它比别的音乐形式更能直接地与听众产生交流和共鸣。因此，在教学中，首先要求学生朗读歌词，掌握其语法特点、辙韵等，最好要求学生背唱。因为只有充分熟悉歌词，学生才会把精力放在歌曲的情感表现和声音的塑造方面。

【摘要】歌唱艺术的艺术感染力最终要靠演唱来体现。它最能直接的反应社会现实，表现生活，表达人的思想情感。歌唱者把音符和文字符号变成声音的过程，是一个艺术再创造的过程，也就是我们常说的“二度创作”。一首好的、甚至经典的歌唱的歌词和音乐终归只是停留在纸面上的，必须通过歌唱者把它唱活才能使听众充分感受。因此，作为一名歌唱者应该从各个方面来丰富自己，提高自己的文化艺术素质，认真的分析和处理好作品，在忠实原作的基础上，大胆的进行再创造，这对于我们每个歌唱者来说都要提出更高、更新的要求。

【关键词】声乐艺术创造内涵情感声与情

世界上一切优秀的歌唱家的演唱之所以能使广大的听众为之倾倒，受到公众的热烈欢迎和喜爱，除了他们具有良好的嗓音和高超的技巧外，最重要的是他们的歌声准确生动的表达了歌唱的内容和真实的情感，引起了观众内心的共鸣，给予了听众享受和情绪的感染。毫无疑问，正确的发声方法和全面的歌唱技巧是一个成功歌唱者的必不可少的条件，因为没有正确的发声方法和唱歌技巧也就没有了艺术表现手段。就好像我们过河必须要有桥梁或渡船一样。但仅仅如此是远远不够的。德国著名女高音歌唱家汉姆波尔说过：“如果有人问我歌唱艺术的含义是什么？我不会从声音技巧的角度去说明。我要说的乃是感动听众的才能。如果歌唱者仅仅是把音给唱出来，那么充其量只不过是一位技工匠人而已。”怎么才具备“感动观众的才能”呢？这就要取决于对歌唱的艺术处理，作为一个歌者在歌曲的二度创作过程中应注意以下几个环节。

一、内涵的理解

所谓内涵，主要是指作品的内在含义即思想感情。理解作品的内涵，是演唱的基础。拿到一首歌，先不要急于唱谱，而应该将歌词反复朗诵几遍，理解歌词表达的内容。把握歌词所蕴含的情感基调，是悲是喜，是痛苦还是欢乐，细细体味情感发展变化的脉络及深刻的内涵。以便从中了解主人公所处的时代背景，特定环境和思想感情。

歌唱艺术是歌唱者把自己对歌词和音乐的理解，用优美的歌声传达出来。要准确深刻的表现好歌唱的内涵，首先必须认真研究歌曲的音乐和歌词。音乐是歌唱的灵魂，在熟读乐谱的过程中，要反复体悟音乐的感情特征，领略歌曲音乐的旋律美，理解歌曲音乐的意境，一首歌曲或长或短，都凝聚着作曲家的强烈感情，作曲家写作的歌谱看来是无声的，静止的，但是在歌谱之中却记录着复杂的艺术技巧，作曲家的深情厚谊也蕴藏在每个音符之中，歌唱者就是要在歌曲的文学（歌词）语言造型和音乐旋律起伏中，发掘出这些丰富的情感因素，掌握歌曲的风格基调，引发我们心中的想象，发展自己的音乐思维，激起内心的歌唱热情，使自己的歌声充分抒发内心的情思，从而艺术的表现出完整的音乐形象。对作品的理解越深，感受越深，在演唱时的表达则越纯真，越完美。李耀伦先生所译的《外国音乐参考资料》曾载有世界著名指挥家小泽征尔先生的一段话：“总谱上的标志是忧伤，但是几分忧伤？哪种忧伤呢？内在的，暗淡的，或者仅仅是愁眉不展的？作曲家没有说明，我只有自己去作判断。”有造诣的艺术家总是以认真的研读作品，仔细琢磨，反复推敲作者的原始情感为出发点，从而达到对作品的准确传达和提高再现。一个演员或者歌唱者文学修养的深浅，会直接影响他对作品内涵的理解。不少学唱歌的人，往往单纯从声乐技巧来谈歌唱表现，因此平时的接触面比较窄，不看小说不看画，不读诗文不听音乐，甚至于连报纸也不常看，视野不开阔，知识不丰富，这样的学唱是唱不出感情来的。要知道对作品内涵有无深刻的理解，结果是大不一样的，因为只有在理解作品的基础上，才可能做到真情的表达。

一、内涵的理解

所谓内涵，主要是指作品的内在含义即思想感情。理解作品的内涵，是演唱的基础。拿到一首歌，先不要急于唱谱，而应该将歌词反复朗诵几遍，理解歌词表达的内容。把握歌词所蕴含的情感基调，是悲是喜，是痛苦还是欢乐，细细体味情感发展变化的脉络及深刻的内涵。以便从中了解主人公所处的时代背景，特定环境和思想感情。

歌唱艺术是歌唱者把自己对歌词和音乐的理解，用优美的歌声传达出来。要准确深刻的表现好歌唱的内涵，首先必须认真研究歌曲的音乐和歌词。音乐是歌唱的灵魂，在熟读乐谱的过程中，要反复体悟音乐的感情特征，领略歌曲音乐的旋律美，理解歌曲音乐的意境，一首歌曲或长或短，都凝聚着作曲家的强烈感情，作曲家写作的歌谱看来是无声的，静止的，但是在歌谱之中却记录着复杂的艺术技巧，作曲家的深情厚谊也蕴藏在每个音符之中，歌唱者就是要在歌曲的文学（歌词）语言造型和音乐旋律起伏中，发掘出这些丰富的情感因素，掌握歌曲的风格基调，引发我们心中的想象，发展自己的音乐思维，激起内心的歌唱热情，使自己的歌声充分抒发内心的情思，从而艺术的表现出完整的音乐形象。对作品的理解越深，感受越深，在演唱时的表达则越纯真，越完美。李耀伦先生所译的《外国音乐参考资料》曾载有世界著名指挥家小泽征尔先生的一段话：“总谱上的标志是忧伤，但是几分忧伤？哪种忧伤呢？内在的，暗淡的，或者仅仅是愁眉不展的？作曲家没有说明，我只有自己去作判断。”有造诣的艺术家总是以认真的研读作品，仔细琢磨，反复推敲作者的原始情感为出发点，从而达到对作品的准确传达和提高再现。一个演员或者歌唱者文学修养的深浅，会直接影响他对作品内涵的理解。不少学唱歌的人，往往单纯从声乐技巧来谈歌唱表现，因此平时的接触面比较窄，不看小说不看画，不读诗文不听音乐，甚至于连报纸也不常看，视野不开阔，知识不丰富，这样的学唱是唱不出感情来的。要知道对作品内涵有无深刻的理解，结果是大不一样的，因为只有在理解作品的基础上，才可能做到真情的表达。

二、情感基调的把握

演唱一首歌唱，首先必须对作品进行深入，细致的分析，了解作品创作的时代背景，分析作者在歌中为我们演唱所提示的表现意图，正确的把握作品的基本思想，然后运用各种表现手法处理歌唱。设身处地的体现人物思想感情，对准确表达歌唱的内容是十分重要的。比如，对印尼歌曲《宝贝》的演唱，有的歌唱者能设身处地分析，体现出对歌唱的感情，准确表达了一个年轻妻子怀念前线打游击的丈夫的纯真感情，并表达对革命战争一定能取得胜利的信念，同时也刻画了母亲对孩子深沉的爱抚。然而有些歌唱者脱离具体的规定情景与情感表现，一味卖弄柔情，婉转，妩媚的所谓声音技巧，以至歪曲了歌曲的思想意义与歌唱主人公的健康情绪。同样，像演唱《军港之夜》这首歌曲时，也有类似情况，如果不能准确把握海军战士的思想境界，去追求柔情蜜意，梦境缭绕，就会把一首健康的战士抒情歌曲唱成情调不好的海军战士摇篮曲，极大的歪曲了主人公的形象。可见了，“情”——感情不准，“调”——曲调也随之被歪曲了，而曲调主题就自然不可能得到准确地表达。

有了对歌唱的真情实感后，就应该对歌唱处理有一个全面的总体设想，这里包括整个歌唱的速度、力度、音量、音色、伴奏等问题。当然这些设想不是盲目的或是随心所欲的，歌唱的结构、曲体、调式旋律的起伏发展，直到节奏、和声等给演唱者以艺术表现的总启示，它们可以指引歌者内在情绪的走向，找到全曲的高潮及歌曲的层次。在演唱中特别要把握好艺术的对比性，如一首歌的叙述性和歌唱性的区别，一首歌曲中强弱、轻重的变化，其中最关键的是要找到歌唱的高点（高潮处）和低点。一般来说要突出高点，一定要把低点放低，一定要有铺垫的过程，否则一个劲儿地强或一个劲儿地弱是达不到艺术效果的。处理歌曲时，画龙点睛的部分往往是一些重点句、字。重点的词句要在咬字吐字上、感情上予以强调，要一句一句地，甚至在一个经过音上深下功夫，反复练唱，认真寻味，找到最适合的表现手法。也就是说演唱者必须按照自己的总体设计反复演唱攻克难关，直到自己的处理化为真情的体现。

摘要：歌曲的艺术表现与处理，在声乐教学的重要环节，它关系到培养的学生是否“会”唱歌。文章将对声乐教学中关系到歌曲艺术表现与处理的几个环节加以论述。

关键词：声乐艺术表现培养

声乐教学是一门技术性与实践性很强的学科。而声乐作品的艺术表现与处理又是声乐艺术的灵魂和生命，它的实现是靠演唱者对作品正确的理解、准确的表现（二度创作），使其音响化和形象化，其效果应使听众在享受声乐艺术的同时也受到艺术美的感染。另外，歌唱是一种声音艺术，它的旋律不能只停留在乐谱上。我们在听多数学生的演唱时，总感到没有美感，其关键原因就是学生对作品的理解不够，没有把作品的内涵表现出来。因此，在声乐教学中注意培养学生表现与处理作品的能力，是声乐教学中的重要环节。笔者认为，要培养这种能力，以下几点是必不可少的。

一、熟悉作品

首先熟读歌词。在声乐作品中，音乐与语言的关系，是歌唱艺术区别于其他音乐艺术的显著特点。声乐是通过语言来表达歌曲的思想内容，它比别的音乐形式更能直接地与听众产生交流和共鸣。因此，在教学中，首先要求学生朗读歌词，掌握其语法特点、辙韵等，最好要求学生背唱。因为只有充分熟悉歌词，学生才会把精力放在歌曲的情感表现和声音的塑造方面。

其次熟悉曲谱。节奏是音乐的支柱，乐感的核心。在掌握歌曲的节奏时，要做到准确稳定且有动感，充满活力。因此，要求学生必须注意各种节拍的特点。另外，歌曲之所以动人心弦，重要原因之一就是它有高亢低沉、激越委婉的旋律线。歌曲的旋律线一般分为上行、下行、平行三种，有时还互为结合地出现在歌曲中。

一、中国古诗词艺术歌曲的语言特点

（一）中国古诗词中“诗词格律”的特点。中国古诗词蕴含着丰富的韵律美和对仗美，朗读起来朗朗上口，虽然语言简练但却言短意长，耐人寻味。诗词格律是中国古典诗词中最主要的特征之一，在形式上，较为注重诗句之间的工整与诗句之间的韵律。中国古诗词的朗诵讲究“抑扬顿挫”，如同古代的“摇头诗”，就是在朗读诗词中，为了把字说得更加清楚，每一个字读的时值都得摇头一圈，有特定节奏般，育出其浓郁的古典韵味和丰富的文化蕴涵。中国古典诗词在朗诵时多多少少会呈现出一些吟唱的特点，比如许多中国古典诗词在朗诵时常常采用句尾拖长的方式，而古诗词歌曲中也常采用一字一音与句末尾字的拖腔处理方法。中国古典诗词的对仗和押韵不仅构成了形式之美，更方便吟诵或记忆，同时也增加了诗词的和谐之美、韵律之美。这种独特的韵律就像一首首优美的歌曲，使中华传统文化散发出更加迷人的魅力。（二）古诗词艺术歌曲中诗词与音乐的结合。从古至今，诗、乐本为一体，乐中有诗，诗中有乐，音乐不仅赋予文字更多情感，而且更丰富了诗词的意境，触动人的七情六欲，直戳人的内心。早在先秦时期，就专门设有管理乐舞演唱教学与练习的机构——乐府。初汉时期，早先的乐府并没有被沿用，直到汉武帝时期才重建乐府，名为汉乐府。汉乐府的职责就是采集民间一些文人诗词或民间歌谣，并重新为它们编曲配乐。音乐家将古诗词与音乐完美地结合在一起，不仅赋予了古诗词新的生命力，又使音乐更加富有文化内涵。古诗词艺术歌曲通过声乐作品的形式展示出来，打破了原有的古诗词形式，使观众产生更深刻、更强烈的情感共鸣。以唐代诗人张继所作的七言绝句《枫桥夜泊》为例，短短的四句诗被作曲家黎英海扩展成时长为3分钟的音乐，谱成一首意境幽静的古诗词艺术歌曲。该首声乐作品为升c小调，全曲多处采用一字多音的创作手法，在谱曲时有意运用十六分音符、三十二分音符，并擅长使用连音线与延长的创作技巧，使作品在演唱时突出诗歌吟诵的特点。作品多处使用装饰音，营造出朦胧的忧伤、失落、惆怅之感。作曲家在为这首诗配曲时，充分考虑了语言与音乐的关系，加重了重音并且充分运用了长音的效果，每一句的末尾都一个下行旋律，增加了几分古风古韵的气息，给人以无限遐想。

二、古诗词艺术歌曲之“字”正腔圆

一切歌唱技法都要围绕语言这一歌唱第一要素来训练，没有语言的演唱是空洞的，歌唱者应从文字入手，正确地掌握咬字吐字的方法。是否能准确地诠释一首声乐作品主要在于歌唱者的吐字行腔，在演唱过程中要求歌唱者将咬字吐字与行腔运腔紧密完美地结合在一起。下文就以《枫桥夜泊》为例，研究古诗词艺术歌曲的咬字、行腔与归韵。（一）古诗词艺术歌曲中的“咬字”。歌唱实践中，吐字行腔中最常见的问题就是字头咬不清楚，常常会出现有声无字的现象，在解决时要把字分解成声、韵两部分，明确体会声母的着力点。例如“sh”“t”“j”“f”“h”“d”等声母都比较难咬。中国古诗词艺术歌曲的大部分是抒情为主，并且加有较多装饰音，因此在演唱的过程中难度也随之增加。演唱中，每一字每一句之间既要“干脆”又要“拖泥带水”，此番理解看似矛盾，但在实践中却能体会得到，“干脆”是每一个字要念的清楚干脆，字头要有劲，咬完后立马松开，在旋律的时值中慢慢控制音调力度，找到合适的拍点与下句相接，记住，是相接而不是断接，而搭起两句桥梁的不是声音而是气息，这就是声断气不断，也就是上文所说的“拖泥带水”，这样的方法能赋予歌曲生命。字头是一个字的声母部分，切记不能咬得含糊不清，同时也不能用力过猛，只有通过嘴部各个器官的相互配合，才能清楚地咬住字头。在演唱作品《枫桥夜泊》时，为了更好地表现出歌曲的韵味，就要尽可能的把字头咬得快而清晰。例如歌词“姑苏城外寒山寺”中的“姑苏”两字对演唱的要求就较为丰富，首先，“姑”字的字头要做弱进处理，值得注意的是弱进时一定不要把字头咬得拖泥带水。“苏”字的字头强出，完成两个滑音装饰音，再弱收。看似简单的两字，演唱起来却格外不易，不仅一字多音，在这样较高的音区要求演唱者在咬完这两个字的字头之后马上松开，这正是在考验演唱者“唇”、“齿”、“舌”三者之间的配合和控制咬字吐字的能力。（二）古诗词艺术歌曲中的“行腔”。咬准字头之后，紧接着要松开字头并将字腹中的韵母发送出来。歌唱训练中经常出现字腹变形的毛病，也就是对字音延长时值应该怎样保持发音不变缺乏训练，因为字在歌曲中出现一般比生活语言中发音时间长，应该注意保持母音的口型状态。在演唱字腹中的韵母时，必须做到口型不变。如果在演唱过程中稍有不注意，就会出现“走韵”的现象，导致听众无法准确理解歌词的内涵。由此可见，在歌唱中韵母发音的重要性。在演唱中国古诗词艺术歌曲时，字腹要吐的圆而长，如上图中的“月yu－e”“落lu－o”“霜shu－ang”，演唱时要把韵母当中的“u”延长，“霜”字的口型要充分打开，来突出古典诗词的韵味。如果字腹中韵母还没咬完就急着归韵，会导致字与字之间脱节，直接破坏整首歌的意境。（三）古诗词艺术歌曲中的“归韵”。“咬字”、“吐字”和“归韵”这三个部分是完整地处理声乐作品语言问题的关键，而“归韵”往往最容易被忽略。在演唱时，无论字腹要演唱多少拍，都必须将该字进行归韵，来给观众一个咬字结束的感觉，同时也为引出下一个字作铺垫。在歌曲的咬字吐字中，碰到一字多音的情况要特别注意字尾的归韵。很多歌唱者由于只顾音的演唱而忽略了字的归韵。例如《枫桥夜泊》中的最后一个“船”字，在演唱此类字的归韵时，要将舌尖处于上齿背，发出an音，特别需要注意的是，an要区别于开口音a和后鼻音ang。故在演唱音节较多的字时，要特别注意字的归韵，否则观众无法理解歌词内容，最后造成词不达意的后果。

三、中国古诗词之望“字”揣情

（一）古诗词艺术歌曲中的“以字传情”古诗词艺术歌曲语言中语气的改变会直接引起情绪的变化，而这种情绪的变化又将影响到演唱情感的表达。在歌曲演唱前，歌唱者应根据作品的风格与情感的需要，同时根据歌唱语言中语气的差异，来达到以字传情的目的。《乐记》开头就写道：“凡音之起，由人心生也，人心之动，物使之然也，感于物而动，故形于声....”1。所以在演唱中，必须加上内心的情感，这样作品的情感才能更加真实的表达出来。在表达作品情感时，演唱者要做到用“字”来传递音乐作品的思想内容，因为“字”是“情感”的载体。古诗词艺术歌曲亦是如此，在演唱不容易被听众理解的歌词时，更要求歌唱者准确把握咬字吐字的方法。只有听众准确地理解歌词内容，才能更好地、直接地与听众产生共鸣与交流，从而增加音乐作品的感染力。（二）古诗词艺术歌曲中的“声情并茂”中国古诗词艺术歌曲对咬字、吐字及发音有着很高的要求，在拿到一首古诗词艺术歌曲时，首先映入眼帘的应该是词作者的诗词，作为一名歌唱者在了解诗词背景以及诗词大意的同时，怎样把书面文字情感用声音表达出来就是能否完美地演绎这首作品的关键所在。例如：中国古诗词艺术歌曲《如梦令》中，“常记溪亭日暮，沉醉不知归路”2表达了作者李清照心底的欢愉和流连忘返的情致。所以在咬字吐字时，不要刻意的把字头咬的很重，但要清晰。本首歌第一个“常”字，是一个开口音，很多歌唱者习惯性地把“常”字咬到很重，反而失去了诗词优雅别致的美。由此可见，中国古诗词艺术歌曲中的“字”与“情”是相辅相成，不可分割的。只有做到“情”中有“字”，“字”中有“情”，才能引起观众的共鸣，打动听众的内心。在演唱中国古诗词艺术歌曲时，要把字分成咬、吐、收三个部分，但决不意味着把这个字割裂开来演唱。一定要保持字的完整性和字与字之间的自然过渡与衔接，把“头、腹、尾”这三部分紧密结合起来，完成正确地咬字吐字。对于中国古诗词艺术歌曲咬字吐字方面，还需要更多学者一起去仔细地探究、学习。

摘要：《鸟儿在风中歌唱》作为中国现代艺术歌曲，属于花腔女高音作品，需要极强的演唱技巧与情感表达能力，更需要准确把握歌曲本身的艺术特点及音乐特性，笔者分析《鸟儿》是为了能更好的演唱此作品，同是能掌握更多艺术歌曲的特点，让声乐教学更加科学性。

关键词：艺术歌曲；演出技巧；情感表达

一、艺术歌曲

艺术歌曲最先在德国起源，代表人物为舒伯特，是19世纪浪漫主义时期一种重要的音乐艺术形式，多是由当时的诗歌词和音乐综合而成，其题材选用现实生活为主，优美的人声和流畅旋律为主要音乐要素，使得艺术歌曲区别于歌剧的戏剧张力特点，艺术歌曲更多地是舒缓柔和，侧重表现人物的内心世界，作曲技法和音乐表现手法非常复杂，要求演唱和钢琴伴奏比重一样，带有较强的欣赏性与表现性。艺术歌曲作为声乐的又一个体系，在中国音乐发展中也留下深深足迹，细腻的情感表达，诗意般的语言构造，独特的民族音乐融入，因此在唱法上不光局限于美声唱法，更多地是要结合科学的方法演唱本国音乐调性特色的艺术歌曲，也为教学和演唱带来更多思考与可能性。

二、创作背景

《鸟儿》作曲：刘聪，作词：樊孝斌，刘聪为当代中国著名作曲家，他的作品大都是扎根中国传统音乐，将本土音乐特色发挥到极致，创作的《鸟儿》同样也具备了中国特性的艺术作品，是时展与民族特性结合的歌曲。《鸟儿》作词是以拟人方式进行，用鸟儿的形象展现环境破坏给鸟儿造成的悲剧，从作品中表现出现实意义，对于环境保护具有强烈呼吁，这样的艺术作品与时代背景挂钩，高速发展的中国，必然对于环境有了大量的破坏，词曲作者通过这样的方式发出呐喊，呼吁大家保护环境，爱护动物，维护我们共同的家园。刘聪的音乐曲式融入了地方民族音乐特色与地方戏曲音乐，取材较为丰富，因此音乐性和艺术性更为复杂，演唱表达的歌曲需要充分了解他的歌曲特点，刘聪的艺术歌曲在和声上就有明显的不同，区别于西方传统的音乐形式，具有浓厚的中国曲式特点，在《鸟儿》中刘聪注重于调性复杂，重叠，游移，模糊，歌曲布局也从简单到复杂，逐渐加深层次感，使伴奏与唱段完美结合，将传统音乐技法向现代作曲手法发展过渡。

摘要：钢琴教学是艺术教育的核心组成部分，作为艺术课程要做好“艺术”处理，持续发挥钢琴教学的价值，则要以民族化发展为核心。钢琴教学的民族文化内涵创新，是依据钢琴专业学生音乐素养的培养需求、钢琴艺术内容的创新需求以及传承和发扬民族文化的需求，实现钢琴教学的民族文化内涵的挖掘，通过课程体系、教学形式与作品呈现的创新，突出钢琴教学的价值，建立保障机制，为我国艺术教育创新发展提供助力。

关键词：艺术课程;钢琴教学;创新思路

中国的文化底蕴深厚，拥有丰富的文化资源，如何将钢琴乐器这种舶来品赋予民族文化内涵，成为新时期艺术课程的根本方向。本研究将关注焦点集中在艺术课程的民族内涵挖掘视角，对钢琴艺术教育进行全面创新，从课堂教学切入，优化钢琴教学环境，推动艺术课程革新。

一、钢琴教学现状分析

近年来，围绕钢琴教学的民族内涵的探索在持续深入，钢琴作品题材、演奏技法以及音乐色彩的地域化，都表明我国在钢琴民族内涵探索上所取得的成绩。如何将艺术课程与民族内涵的融合经验运用到钢琴教学当中，则需要对钢琴教学的现状系统分析，把握研究的侧重点和关键点，对现存问题具体明确。1.课程体系不健全。在钢琴教学实践中，课程体系是其中的一个重要环节，完整的课程框架，直接关系到钢琴教学的民族内涵挖掘效果。从当前的实际情况看，目前钢琴教学的课程体系中，以中国钢琴发展为核心的课程并不多，学生在钢琴课程体系中所能够接触到的学习内容，很难从中深刻感知民族文化的内涵。课程体系的构建是一个系统过程，钢琴教学艺术课程对民族内涵挖掘的重视程度不高，一定程度上影响了钢琴教学的内涵诠释与价值展现。2.教学形式单一。教师形式是指在开展钢琴教学过程中，教师针对学生个体所采取的教学方式和方法。从实际情况出发，发现当前钢琴教学的形式单一。具体表现为钢琴教学理论知识的传授和钢琴实践的演示，通过作品赏析和技法教学，达成钢琴教学模式。这种教学模式看似打造了一个理论+实践的课堂教学框架，但其中所涉及到的教学形式依旧较为单一，从学生的体验角度看，钢琴学习的体感和感受并不理想。3.教学内容的本民族作品引入不足。教学内容是钢琴教学的核心构成要素，围绕钢琴教学的经典作品的选择，关系到教学有效性。但现阶段的钢琴教学，从实际情况来看所展现出的效果并不理想，主要是以民族类题材的钢琴作品并未成为教学的主要内容，在传统的教学框架与实践中，依旧采取的是传统的钢琴教学内容，以国外的作品为主，学生参与其中很难感受到民族文化内涵的核心内容与价值，造成问题的出现，严重影响学习积极性和对中国钢琴音乐作品的深度感知，钢琴教学实践效果大打折扣。4.保障机制不健全。保障机制，关系到钢琴教学的有序开展。从钢琴教学实践中，由于对民族文化内涵的感知和理解不足，造成问题的出现，严重影响学生的参与积极性，限制了教学价值。从钢琴教学的角度来看，氛围环境的创设和师资力量的优化，都是保证教学有效性的根本条件，只有保障基础得到重视，才能够在融合发展视角下推动钢琴教学的创新发展。

二、钢琴教学中民族文化内涵“艺术”处理必要性研究

摘要：音乐需要通过表演来欣赏，表演过程中就会存在演奏者的情感。情感是一项具有创造性的活动，一次好的演奏，它不仅要求演奏者的物理技术过硬，还要求演奏者的情感处理到位。音乐情感似乎是一座桥梁，连接着音乐作品与欣赏者，在演奏中，演奏者不能仅仅只靠技术传送感情，应该进行更深层次的方式进行表达：技术应与想象相结合。最大程度的还原作者写作时的心情与背景。在音乐艺术中，音乐离不开情感，情感也离不开音乐，两者相互依赖。掌握两者之间的关系，这对于提升演奏者的情感体现能力将有很大的帮助。

关键词：情感；基本要求；细致；二次创作

一、音乐艺术与情感的关系

（一）情感是音乐艺术的基础。音乐是最早出现的一种艺术形式，很早以前，人类的祖先就会哼出甚至是不成调的旋律，到了奴隶社会、封建社会，音乐艺术的发展规模日渐庞大，速度也相当之快，到了当今社会，音乐存在于我们的日常生活中。古时候，君王用音乐来进行娱乐，现代，人们无论开心悲伤，很多时候都会选择听音乐。音乐是建立在情感之上的，每一首音乐都有自己的情感，例如王建中改编的《翻身道情》，该曲的情感建立在农民翻身做主的兴奋喜悦之上，故该曲全曲都在为这个情感进行。（二）音乐艺术使情感得到升华。音乐艺术中，情感与其两者密不可分，情感是基础，有了情感才会有乐曲产生，但音乐艺术与情感相辅相成，缺一不可。音乐艺术中具有独特的音乐形象，所塑造音乐形象就与音乐艺术形象密不可分，音乐艺术使得情感更深度的进行表达，将情感从个人情绪升华为一种艺术，让其被更为广泛的人群所接触并得到感触，使得乐曲与作者所需要表达的情感精华得到流传。《翻身道情》这一首乐曲，表面只是表达了农民在经历了长时间的压迫下翻身做主的喜悦兴奋之情，还深层的表达了新旧时代的更替，这是更为广泛的感触，将作者个人情感升华上升到了时代特色。

二、在音乐艺术中对情感处理的基本要求

（一）营造相应的音乐形象。音乐形象来自于乐曲的中心，全曲将会围绕一个或多个音乐形象进行展开，是否能够营造出相应的音乐形象显然是处理好情感的首要问题。《翻身道情》全曲节奏规整，多以和弦爆发气氛，显然该曲应营造喜悦欢腾热闹的气氛，中间段有与热闹喜悦相反的部分，两者进行了对比。故该乐曲的音乐形象应以喜悦为主，忧伤柔美为辅。（二）熟练能动地传达情感。如何能够把握情感程度恰到好处，这就需要演奏者能够熟练的演奏乐曲，并且在原有基础上进行二次创作。二次创作是在作者原有的感情基础上加入自己的情感体验以及对乐曲的自身的看法和了解。如何能动的传达感情离不开想象。李斯特，钢琴之王，他的作品所带有的灵动感是无与伦比的，例如他的《旅行岁月》中的《奥伯曼山谷》，人们虽然能够从标题上得到大致内容，但还是有许多细节可以从音乐响起时或得想象。有了想象的音乐，将会给音乐带来一些内涵，使演奏时更加投入，并把情绪尽可能最大程度表现出来。演奏时若没有想想则会表现得非常空洞无力。在《翻身道情》中，演奏者若不能将自己代入进乐曲的场景，则容易变得生硬，甚至不知道该乐曲到底在表达什么，在西方乐器上演奏中国的曲子这本身就有一定的技术难度，因为要用西方乐器来模仿中国乐曲的音响效果及感觉。当了解乐曲背后的故事时就能很好的搭建想象的框架，再依次填满乐曲间的一些细节，在用钢琴表现出唢呐，锣，鼓甚至是集市上热闹的嘈杂声，会议背景声等都需要演奏者的场景想象。因此应在作者原有的情感记号上，加入自己对该曲的理解与想象，并且调整到合适的速度，将作者原有情感与演奏者的新的二次创作情感结合，从而达到能动的传递情感。