音乐表演范文10篇

一、创造性在音乐表演中的地位

对于一首音乐作品来说，它的形成应该由三个环节组成——作曲家的创作、演奏（唱）家的表演、听众的欣赏，这三个环节缺一不可。只有在这三个部分完整的情况下，一首作品才能完整地被人们感知，获得审美上的一种享受。作曲家的创作，毋庸置疑是作品的本源，没有这个环节的完成就根本谈不上后两个环节的存在。而演奏（唱）家的表演处于中间环节，有着重要的作用，他对于能否正确表达音乐思想，能否使作品与听众之间达到情感的共鸣，能否为听者带来美感……都起着承上启下的作用。因此，音乐表演作为“二度创作”有着不可替代的重要地位。科普兰曾经有这么一段话：“如果了解作曲家的作品风格对聆听者来说是重要的话，对演绎者来说更是如此，因为演绎者是音乐的中间人。聆听者更多地听到的是演绎者对作曲家的想法，而不是作曲家。”①所以，对音乐作品的再创造从某种程度上来说比原作品更为重要，因此科普兰还有这样一个观点：“在作完曲之后，可怜的作曲家必须把它交给演绎艺术家，任其摆布——而我们又必须记住，后者是有自己的音乐风格和个性的人。”②英国著名的指挥家亨利·伍德在《论指挥》一书中也说道：“音乐是写下来没有生命的音符，需要通过表演来给予它生命。”③而在表演的过程中，演奏（唱）者作为“执行者”势必将音乐打上自己的“烙印”。音乐表演是赋予音乐作品生命力的创造性行为，它不仅仅是原样地再现，而是通过演奏（唱）者富于创造性、独特的表演，使音乐作品焕发新的光彩。从表演艺术美学的历史来看，表演美学主要有浪漫主义音乐表演、新古典主义音乐表演、原样主义音乐表演、当代音乐表演的综合倾向这几个流派，而钢琴表演也被包含其中。在这几种表演美学的观点中，演奏者对于同一首作品都有着不同的创造性表现，这样表现出的音乐就被打上了自己的或者不同流派的“烙印”。

二、音乐表演中的创造性应该注意的几个问题

音乐表演是由具有主观能动性的人执行的，因此在表演过程中音乐作品必然要被蒙上表演者的个性与创造性。但是，这种个性与创造性的表现并不是没有“度”的随意表现，它必须遵循一定的原则，否则，演奏的音乐就会“面目全非”。笔者认为，在钢琴表演中至少要注意创造性与原作风格、个人风格、情感表现之间的关系，才能使自己的表演更能为作曲家和听众之间做好“桥梁”。

1.创造性与原作风格

任何一首音乐作品都是产生于一定的历史年代，一定的社会环境中。因此，这些作品自一出现就带有了当时历史时代的风格与审美特征，它主要表现于乐谱上，这就是原作的真实性。在音乐表演中首先应处理好的一对关系，就是创造性与原作风格的关系。真正的表演艺术家都努力从历史的角度把握作品的音乐风格，并且力求将这种风格真实、完美地加以再现。他们尽可能地使自己去熟悉、体会作曲者生活的时代环境，努力体验作者当时的心理活动及思想，以便能够真切地表现作品的历史风格。著名的罗马尼亚作曲家、小提琴家埃涅斯库曾经说过：“我觉得我在演奏巴赫的一部奏鸣曲时，不置身于18世纪，那么我恐怕就不能很好地把作品表达出来了。”④在“第二次世界大战”之后，西方盛行的原样主义音乐表演不仅仅要求要严格按照原版乐谱演奏，而且还努力“还原”原来的演奏乐器、方法等等，努力恢复作品的原貌，这也是一种对作品风格的再现。当然，这样的演奏在今天看来也并不是我们大力提倡的，这毕竟是历史中的一个分支。

摘要：现代音乐美学是对音乐美的本质性追求，包含了不同音乐逻辑和音乐形态，对音乐表演艺术有着深刻的启示。本文通过分析音乐美学和音乐表演的内涵和关系，分析了现代音乐美学对音乐表演艺术的启示，对促进我国音乐艺术行业稳定发展提供参考借鉴。

关键词：现代音乐美学；音乐表演艺术；价值研究

在现代音乐美学中主要是对音乐本质美学规律进行深入性的探究，通过现代音乐美学的研究能够使音乐表演者深刻地体会到音乐创作的主要思想情感以及文化背景，深刻挖掘音乐作品背后的思想内涵，并通过表演者熟练的技艺进行全面的彰显音乐作品背后所蕴含的历史特征和思想内涵，让观赏者能够获得丰富的音乐感受，全面地提高音乐表演艺术当前的发展水平。

一、音乐美学和音乐表演的概述

（一）内涵

音乐美学是以音乐发展历史最为主要的研究根基，研究音乐在不同历史时期下所表现出的美学价值，对音乐本质内容进行有效的总结，并且探索音乐发展主要规律，以促进音乐的稳定发展。现代音乐美学研究包含了社会心理学层面，注重对音乐创作活动的深入性分析，并且挖掘背后所蕴含的心理内涵，找出音乐创作背景下心理活动和一般艺术活动之间的关联之处，并且从历史发展角度入手进行音乐社会性问题的深入性探究，做出合理性的判断，以此来使音乐能够焕发出新的活力［1］。音乐美学是通过声乐表演的形式而体现的，音乐能够增强人们的体验度，并且还可以通过音乐来给人们带来好的感官刺激，音乐作为主要的情感载体，使人们能够在聆听过程中感受到背后所蕴含的思想情感，获得精神和心理方面的体验，以此来促进意识形态的有效形成。音乐美学是以音乐本体为主要的研究重点，确定音乐的表现形式和基本的构成，并且还加强对各个组成部分关联度的深入性分析，以此来提高音乐美学的发展水平。在音乐美学发展过程中，从音乐欣赏到音乐的认知属于不同的实践过程，掌握音乐的表演形式以及主要的风格，追溯到音乐创作的心路历程，以此来使音乐本质能够贯穿于不同的音乐实践环节中，提高音乐美学的发展水平。在音乐美学中能够配合着音乐功能给人们带来良好的观赏体验，并且也可以达到心灵净化的效果，这是音乐功能的重要体现形式。音乐美学将不同功能进行了相互的联系以及延伸，以此来促进音乐行业的稳定进步。在音乐表演中属于音乐美的展示和在创造过程，音乐表演通过各种乐器的综合性利用配合着表演者的歌唱，能够使音乐艺术得到充分的展示，并且还可以发挥音乐本身的社会功能。音乐是音乐创作实践社会性的重要环节，通过音乐美学的科学研究能够了解音乐背后所蕴含的历史文化色彩，并且增强对音乐背后文化内涵的深刻共鸣，全面地提高整体的发展水平。

摘要：生活水平的提升，使人们对精神生活的需求愈发多样化。音乐不仅可以给人以精神层面的愉悦，而且可以熏陶人们的精神思想，提高人们的审美品位。在现代社会背景下，音乐事业的发展已经成为关系着人们生活水平的重要方面。从本质上看，现代音乐美学研究就是对音乐的本质与音乐的美学规律进行研究，通过对现代音乐美学进行研究，可以帮助表演者更深刻地体会音乐作品精神。鉴于此，本文深入研究现代音乐美学研究对音乐表演艺术的启示，旨在通过现代音乐美学研究，促进音乐表演艺术水平的提升。

关键词：现代音乐美学；音乐表演；舞台表演

现代音乐美学是对音乐存在价值的一种深入探讨。在现代音乐美学中，不仅比较注重旋律、声音与曲调三者之间的协调性，而且也比较关注音乐表达形式是否合理。音乐表演者利用娴熟的音乐表现技巧与高超的音乐表现能力，以声音、形体等为载体，表达出不同时期音乐作品的时代精神与艺术价值，进而为观众创设一个和谐的情感氛围，给观众美好的视听享受，并且让观众在感受到美感的同时，了解不同作品背后深刻的时代含义，提升人们的审美感知能力，促进音乐事业更好地发展，推动传统音乐作品的传承与发扬。

一、现代音乐美学研究的内涵

音乐美学属于音乐方面的基础性理论学科，研究音乐的本质与内在规律，其内容涵盖面比较广，涉及音乐理论技巧、音乐史等多个方面[1]。而现代音乐美学研究指的是，基于音乐发展历史，对不同是背景下的音乐所展现的美学现状展开研究，总结音乐的本质与发展规律。现代音乐美学研究的范围主要包括社会学与心理学两个层面[2]。其中，心理学研究的范围侧重于研究音乐创作时的心理活动，探索音乐创作历史背景下的心理活动，与其他艺术心理活动的异同，分析情绪与情感；社会学研究则是立足于历史发展这一视角，分析、探讨音乐的社会性问题。现代音乐美学研究，为音乐表演的发展提供了重要的理论基础。

二、现代音乐美学研究与音乐表演的关系

艺术家的风格演绎并不是空洞抽象的存在，同样要落实在音乐作品的表演中，和艺术作品的创作风格水乳交融后才能更臻完善的演绎艺术作品的内涵①。

风格的形成

艺术家表演风格的形成主要由主客观两个因素来决定：客观因素包括时代背景、社会环境、教育背景、家庭环境等，而创作题材中的门类和体裁也会对艺术风格的形成产生影响。如果音乐家在进行音乐的表演时脱离这些客观因素，抛弃作品的题材、体裁等客观对象，任意追求不切实际的表演，就会导致表演的浮夸和媚俗，无法满足观众的审美需求。音乐表演风格中客观因素的研究包含有很多方面，如题材的选择上要注重新颖，主题思想的表达要具有个性并且深入，在表演的过程中还要加入充分的创造性手法，使作品的形象在演绎的过成中更深刻，艺术语言的表达更具独到性。音乐表演中艺术家个人风格的填入可以增加音乐作品的感染力，使欣赏者深入体会作曲家的创作理念从而产生审美情感上的共鸣。如贝多芬的第五交响曲，曲意就是在对“命运”做完美的诠释，在自己失聪的环境中创作出的“命运交响曲”带有贝多芬个人鲜明的创作特征。曲目中的内容始终在围绕着生命的过程而展开，传达出慷慨激昂的生命热情令人深受震撼。肖邦的很多钢琴曲目也都融入了波兰当地民族风情，如《波兰舞曲》、《玛祖卡》，这种融入社会环境、个人经历、时代背景、民族文化的作品更容易被听众所接受①。

而主观因素包括艺术家的思想观念、艺术修养、审美品位、个人气质等，通过一种外在的表现形式来展示表演者的内心世界。音乐作品的表演是一种主观意志的表现，有现实生活中对艺术家创作影响因素的映射，也有艺术家艺术演奏中理想的臆想化身，是一种主客观的高度统一。每一个成功的艺术家的艺术作品内容形式再丰富多彩、千变万化，但作品的风格始终是一样的，就如前文讲的风格的形成可以评定艺术家的成熟和成败。一部艺术作品的成功也要归结于艺术家自身融入作品中的个人思想、情感、审美品位、生活体验及审美标准等不同于他人的个人魅力的彰显。

艺术源于生活而高于生活。艺术作品高于生活是因为艺术家将这两种主客观的因素经过高度统一后再赋予作品深层意蕴。这种深入生活的表演风格使音乐作品在表演的过程中更容易将他的创作意图和听众作很好的审美交流，更能很好地完成音乐作品的创作。在面对同一事物的表达上，源于主客观因素的相互影响，创作出的曲目也会风格各异。正如黑格尔所说的，风格是一个艺术家内在气质的完美体现，通过外在的表现形式展现出有别于他人的特性②。

结语

【摘要】音乐剧是综合性极强的艺术表演形式，它具有戏剧表演、歌舞叙事、各艺术元素高度融合、通俗与娱乐共存的特征。在音乐剧教学中，多学科的互通配合可以更好地呈现与众不同的舞台剧，然而，诸多元素的融合是教学的关键所在，也是教学中的重难点。因此，本文从个人角度出发，谈谈如何在音乐剧教学中实现多学科的融合，更好地促进音乐剧蓬勃发展。

【关键词】音乐剧；多学科；融合；现状

一、融合是音乐剧表演教学的重难点

音乐剧是一门综合艺术，它具有戏剧表演、歌舞叙事、各艺术元素高度融合、通俗与娱乐共存的特征。《crazyforyou》中的一位百老汇演员说，音乐剧对他们来说就是一门艺术，谈不上综合与否，因为现代艺术中有哪一个分支是可以单一出现的呢？对于很多西区和百老汇的知名音乐剧演员来说，歌、舞、说、唱、演是自然出现在他们的表演过程中的，他们从小热爱音乐、舞蹈，希望通过戏剧的方式表达出来。也就是说，很多音乐剧演员是在多元和相对自由的教育背景中成长起来的，所以音乐和舞蹈在戏剧中的表达是自然的，无需任何思维方式的切换。从另一个角度来看，在他们的教育中，音乐歌舞的融合也花了很长的时间才自然地结合在一起。这一点我们很难做到，大多数中国音乐剧演员进入大学，甚至走出大学后才开始这种融合，所以，笔者认为，在中国音乐剧的教学中，融合是最为关键的一步，也是教学的重点和难点所在，音乐剧表演人才应当具备声乐、舞蹈、戏剧这三个学科的专业能力，需要使以上3个学科融合，形成具有综合性的人才培养体系。多学科间的互通和配合教学是使学生将歌、舞、说、唱、演有机结合的关键，能够使其自由适应音乐剧的创作规律，只有适应了才能更加松弛地完成创作任务，使音乐剧的表演特性成为下意识的表演方式[1]。既然融合为重点，那怎样更好地实现融合成为教学中需要思考的问题。我们不能单方面照搬国外的音乐剧演员培养方式，一定要结合中国音乐剧的教育现状。教育以人为本，要因材施教，所以，要深入地思考教学现状。其实，现有的设立音乐剧系或专业的院校已有不少，很多院校也使用了最为先进的音乐剧表演技巧的训练方法，大量聘请优秀的人才执教。但是，为什么在音乐剧的舞台上，理想的音乐剧演员凤毛麟角，其中还有一部分不是专业院校毕业的，这也促使我们对音乐剧教学进行反思[2]。在笔者合作过的演员以及所见到的中国音乐剧的演员中，综合表演能力出色的演员为数不多[3]，由此可见，音乐剧教学实现学科融合并不容易。

二、融合的前提

音乐剧演员要具有扎实的基础，让歌、舞、表演达到信手拈来或者不唱不快，不舞不行的程度，也就是演员有强烈的音乐歌舞的表演欲望，要通过歌舞手段传达人物情感，塑造人物形象，而不是畏唱怕跳，不敢演戏。所以，坚实的音乐剧各项基础创作手段是融合的前提。如演唱基本技巧：发声、视唱练耳、乐理常识、美声和通俗的基本唱法等；舞蹈基本功训练：柔韧、力量、协调性、体能等；戏剧表演元素训练等。这些不仅仅是低年级的基础专业课，而且应该成为贯穿音乐剧表演始终的专业技能，成为音乐剧演员的职业习惯之一。在此基础上尽可能多地接触、熟知各种风格的演唱和舞蹈形式，在风格化的歌舞教学阶段，融合就应该逐步开始，比如运动发声，风格化的舞蹈训练中融入声音的元素，在戏剧元素训练中要将能够提高音乐剧演员特质的部分逐渐加强，比如专注力、想象力、节奏感、爆发力、协调性、幽默感、自我感知力等，要对音乐剧专业的学生实施更有针对性的戏剧表演培养计划，因为他们所要学习的内容远比表演专业的学生多，所以在很多课程的设计上就必须精准而不能一把抓。

摘要

高中音乐是一门“传授有关美的学问的学科”，主要通过发展学生的想象力、创造力和对音乐的感悟，培养起学生具有较丰富的情感、审美情趣和审美观。在教学过程中感受美、获得美、创造美、提高美。而音乐表演是获得这一体验的重要手段。

一、通过表演课堂变得生动了

二、通过表演学生的学习能力得到了提高

三、通过表演学生的学习方式得到了改变

四、通过表演音乐离学生生活更近了

千百年来，二胡作为一种传统乐器，在人们心中演奏的大多是一些传统曲目，比如大家耳熟能详的《二泉映月》、《江河水》等。但是在近些年来，由一些演奏家的推崇，用二胡来演奏流行音乐也成为一种趋势。流行音乐是一种现代文明的产物，内容简单通俗，节奏轻松活泼，贴近生活而又富有时代气息。二胡与流行音乐相结合是一种传统与现代的结合，到目前为止，大多数的流行曲目都能用二胡来演奏。

一、二胡的产生与发展二胡始于唐，在民族音乐史中，它的时间并不长，它最早发源于我国古代北部地区的一个少数民族，叫做奚琴，当时将西方、北方各民族称为胡人，胡琴为西方、北方民族传入乐器的通称。至元朝之后，明清时期，胡琴成为擦弦乐器的通称。到了宋代，又将胡琴取名为“嵇琴”。宋代末学者陈元亮在《事林广记》中这样记载：嵇琴本嵇康所制，故名“嵇琴”。宋代大学者沈括在《补笔谈·乐律》中记载“：熙宁中，宫宴，教坊伶人徐衍奏嵇琴，方进酒而一弦绝，衍更不易琴，只用一弦终其曲。”说明在北宋时代二胡已有很高的演奏水平。

徐衍为皇帝大臣们演奏”嵇琴”时，断了一根弦，仍然能用另一根弦奏完曲。后来沈括在《梦溪笔谈》中又记载“：马尾胡琴随汉东，曲声犹自怨单于。弯弓莫射云中雁，归雁如今不寄出。”《元史·礼乐志》所载“胡琴制如火不思，卷顾龙首，二弦用弓捩之，弓之弦以马尾”，进一步阐述了胡琴的制作原理。到了明清时代胡琴已传遍大江南北，成为民间戏曲伴奏和乐器合奏的主要演奏乐器。到了近代，胡琴才更名为二胡。自从有了刘天华创作和传谱的十几首乐曲之后，二胡才算是有了长足的发展，到现在，形成了各种形式的二胡作品，演奏者可以选择演奏古典型、现代型、传统型、技巧型等各种形式的作品。

二、流行音乐的现状和发展流行音乐，从英译而来的，也叫POP，又叫通俗音乐，是指那些内容通俗，结构短小，形式活泼，情感真挚，被广大群众所喜爱，并广泛传唱与欣赏，流行一时或流传后世的歌曲。这些乐曲和歌曲，植根于大众生活的丰厚土壤之中。因此，又有“大众音乐”之称。外国流行音乐又细分为好多种，在这里我只谈中国的流行音乐。从20世80年代，中国当代的流行音乐已经不像当初那么稚嫩了，从最初的引入模仿到现在的自创、再造，它在渐渐走向成熟。特别是新兴的一大批流行乐手的出现，更好地加速了流行音乐的发展。

三、二者之间的有机融合以前人们都认为，二胡是传统乐曲，只能演奏传统曲目，但是经过一些音乐人的大胆尝试，将二胡运用到了流行音乐作品中，取得了出乎意料的效果。给大家印象最深的莫过于刘德华的《来生缘》，由二胡贯穿于整个乐曲的始终，声声二胡道出了心中的凄凉。在他的演唱会中，专门在中间安排了乐手拉二胡。把二胡运用到流行音乐中最多的不得不说到周杰伦与王力宏。这两位都是乐坛的小天王，在流行音乐中起到举足轻重的作用。周杰伦在他的大多数作品中都运用了大量的民族音乐元素，其中包括二胡、琵琶、古筝等，他创作的《东风破》就是根据琵琶曲《东风破》改编而成，这首作品模仿古调曲风，把民族乐器二胡等加以融入，让人产生一种无限的遐想。全曲采用古词新调的形式，其中二胡被大量运用，效果非常好。

“挥毫泼墨爽精神，花田之下遇美人”，昆曲《花田错》使长期受西方音乐教育的王力宏被中国诗词深深地折服。他将这首昆曲改编成了一首凄美的情歌《花田错》，为了使这首乐曲能够产生出更好的效果，他特意地学习了二胡。在他的演唱会中，他一转身化为拉二胡的，上演了跨越时空的爱情。不单单使用二胡，他还使用了很多别的民族乐器，大量民族乐器的使用，在音乐创作中起到了很好的效果，让人耳目一新，过耳难忘。在2010年新上映的由王力宏自导自演的电影《恋爱通告》中，他与陈汉典合作的一曲《赛马》，让大家看后忍俊不禁，印象深刻。

摘要：社会实践活动是高校音乐表演专业教学的重要组成部分，通过社会实践活动的参与，既可以使学生得到全面锻炼，实现教学目标，也能够充分体现高校服务地方发展的责任。鉴于此，本文从高校音乐表演专业社会实践的必要性谈起，并就如何更好地开展提出了针对性建议。

关键词：音乐表演专业;社会实践;必要性;开展路径

一、高校音乐表演专业社会实践的必要性

（一）音乐表演专业建设的需要。音乐表演专业的教学目标，是培养具有全面音乐理论知识和熟练音乐表演技能的高层次音乐人才，这种“表演性”也是其区别于音乐学、音乐教育等专业的根本所在。而如何才能培养和锻炼学生的实践能力呢？一个有效且必不可少的方式就是各类实践活动的开展，让学生熟悉舞台，熟悉音乐活动组织、开展的流程等，为他们的就业和个人发展打下良好的基础。（二）学生就业和个人发展的需要。受到多种原因的影响，长期以来，高校音乐专业教学一直都存在着“重理论轻实践”的倾向，多数学生都掌握了全面的音乐理论知识，但是没有运用这些知识的意识，运用的机会也少之又少，很多学生一个学年内只有两次登台表演的机会，就是期中和期末两次考试。所以很多学生在毕业后，在演出等相关活动中的表现，很难获得用人单位的满意和青睐。因此，参与社会实践，全面提升实践能力，正是学生就业和个人发展的需要。（三）高校社会服务职能的需要。高校除了教育和科研的职能外，还有社会服务职能，这也是当代社会发展对高校提出的新需要。特别是近年来，在相关部门的倡导和要求下，很多高校和院系都结合自身专业特点，就如何更好地服务地方发展进行了思考，也做出了一系列积极的探索，如搭建服务平台、培育服务团队、获得服务效益等。这种服务并不是单向的，学校和大学生也在这个服务的过程中，体现了学校的价值和功能，锻炼了学生的素质和能力，可谓是一个双赢的结果。（四）地方社会发展的需要。改革开放以来，中国的综合国力不断增强，国际地位日益提高，成为了世界上具有重要影响力的大国。特别是近年来，又将文化的大繁荣、大发展作为了新时期重要的发展目标，音乐文化正是其中的重要组成部分。高校音乐表演专业师生在各类社会实践活动的参与中，满足了活动的用人需要，营造出了浓郁的音乐文化氛围，成为了推动地方文化发展的主力军。

二、高校音乐表演专业社会实践的开展

（一）树立正确认识。多个部门和各项活动的开展，都要以正确的认识为先导。具体来说，首先，作为高校和院系，应认识到社会实践对学生培养、专业建设和学校方展的重要性和意义，明确为什么做、怎样做等根本性问题。特别是自身所具有的服务社会发展的职能，在近年来得到了突出和强调，这对于整个高等教育来说既是一个挑战，更是一次发展机遇。在此基础上，在课程设置、实践设施、师资建设等多个方面有所体现，真正做到乐于、善于参加社会实践活动。其次，作为学生来说，一方面要从长远角度考虑自己的就业和发展，结合市场需要来审视自身不足，对实践能力欠缺这一现状有清醒的认识；另一方面则要树立起社会意识，每一个学生最终都是要走向社会的，也只有走向社会才能适应社会，实现个人与社会的和谐发展。因此要积极参与学校组织的各种社会实践活动，让个人价值得到社会的认可。再次，作为社会部门来说，应认识到专业人才对各类活动展开的重要性，并主动和周边高校建立积极的合作关系，能够有效缓解专业人才数量不足、人才水平有限的瓶颈，推动各项活动更好的开展。通过学校、学生和社会各部门在认识上的统一，才能从本质上保证各类实践活动朝着预定的方向发展，获得多方共赢的效果。（二）建立实践体系。各种社会实践活动的顺利开展，需要以高校师生扎实全面的实践能力为保障，而这恰恰是高校音乐表演专业教学的一个薄弱点所在，无论是学生还是教师，都在实践意识和能力存有不足，因此需要在教学中构建起一个科学完善的实践体系。具体来说，首先是课程体系构建。结合音乐表演专业特点和市场需要来看，可以将所有课程划分为通识课程、专业课程和实践课程三大模块。与以往课程设置不同的是，实践课程成为了一个独立的分支，既包含表演、形体、舞台等方面的校内课程，也包含演出、比赛等校外活动，使实践得到明确和突出。其次是师资体系构建。多数音乐表演专业教师都是科班出身，在理论和技能上能够充分满足教学的需要，但是有一个问题在于，这种科班学习经历使他们在求学期间，也没有接受过系统化的实践训练，所以在实践能力上同样存在不足。对此需要得到广大教师的充分重视，主动提升自身的实践水平，如多参加公益演出、演唱或演奏大赛等，起到积极的榜样和示范作用，而学校也应对教师的各种实践活动予以大力支持，并积极建设校内外实践基地，努力建设一直高水平的双师型师资队伍。再次是评价体系构建。社会实践活动并不是一时的心血来潮，而是在活动质量、效益等方面有着较高的要求，因此实践活动不能流于形式，而是要认真评价。在评价内容上，要结合学生参加社会实践活动的次数、具体表现等，进行量化考核；在评价主体上，要打破教师是唯一评价者的局面，引入更多的评价者，如组织活动的社会部门、学生互评等；在评价方式上，除了量化制以外，还应该增强教师和学生之间的交流与互动，如记录表现、分享心得等。通过实践体系的构建，使学生的实践意识和能力都得到本质上的提升，由此才能在各类社会实践活动中长袖善舞，游刃有余。（三）加强政策保障。高校音乐表演专业社会实践活动的开展，绝不是单方行为，而是需要得到全社会的大力支持，特别是政府部门，更应该充分发挥主导者的作用。要制定以省市政府、文化厅等行政部门为主要保障者的支持政策，各部门应起到积极的组织、协调、引导、服务等职能，各项活动的开展都应该在政府部门的宏观协调下进行。因此在相关政策的制定中，要对高校服务地方的方法和举措予以大力的支持，善于利用高校音乐文化资源带动地方音乐文化发展，并积极提供各种有利条件，加强服务的评估与督导，提高服务的效益和水平。条件成熟时，还可以鼓励高校参加社会文化活动的竞标，真正融入到市场中。如早在2007年，东北师范大学就通过竞标的方式，在诸多竞争者中脱颖而出，获得了开幕式的承办权，学校调动全校的力量，站在为高校、城市和国家争光的高度，圆满完成了演出任务。整个城市的多个部门，在市政府的协调下，对学校予以了多方面的积极帮助，开办了由高校承办洲际赛事开幕式的先河。所以社会实践活动的开展，高校既不是唯一的实施者，也不是唯一的受益者，而是一个全社会共同参与和努力的结果，特别是政府，更要发挥出主导作用，制定出全面的支持和保障政策，作为各项活动开展最坚实的基础。（四）探索多种形式。音乐实践活动是一片大有可为的新天地，每一个音乐表演专业的学生都有机会大显身手，需要学校、活动组织部门等建立起良好的合作机制，积极探索出多样化的活动形式。如建立校外实训基地，学校可以和一些文艺团体等签订协议，定期安排学生进行进行实习，“只有让学生走进企业，了解社会及人们的需求，为学生提供更多的专业实践机会，才能加深学生对课堂所学知识的理解，提升其理论及实践相结合运用的能力。”又如开展公益演出活动，1996年，等十四个部委联合开展了“三下乡”活动，已经成为了高校社会实践的常规性活动，获得了多方面的积极效益，音乐表演专业正是其中的主力军。而在下一步的工作中，则要实现从乡村到城市的扩展，如城市社区。近年来，城市社区音乐活动的开展可谓是如火如荼，由此也产生了大量的人才需要，音乐表演专业的学生正是最佳人选。可以与社区管理部门联合，进行声乐、器乐、理论教学等，也可以定期举办音乐演出。如沈阳音乐学院就与周边社区联合成立了音乐培训机构，所获得的收益一方面作为学生的薪酬，一方面用于各项活动的支出，满足了多方面需要。再如专题活动，很多城市都结合自身特点，积极举办各类文化活动、打造专场演出等，如近年来流行的山水实景音乐演出，需要大量具有音乐、舞蹈相关知识的专业人才，主办方也与地方高校签订了用人协议。可以看出，具体的社会实践形式是多种多样的，需要结合实际情况进行灵活选择。

摘要:音乐离不开表演，音乐表演是在音乐创作基础上的再创造活动。本文根据音乐表演再创造的不同层面，如音乐表演的再创造本质、音乐表演中的理解与表现、音乐表演的再创造表演规律与美学原则、音乐表演的再创造价值与意义等，选取当代音乐表演再创造的相关重要文献进行分析阐释，以期对当代音乐表演的再创造研究进行梳理，探寻其研究的侧重点，并由此提出自己的思考与见解。

关键词:音乐表演研究；再创造；二度创造；理解；美学原则

一、音乐表演的再创造本质

音乐表演是在音乐创作基础上的再创造活动，一般而言，音乐创作（“一度创作”）是创作的第一个过程，音乐表演是第二个创作过程，被称为“再创造”或“二度创作”。那么，音乐表演的本质在于二度创作吗？纵观国内学者的研究，我们从中可以找到一些线索。罗小平在《音乐表演再创造的美学原则》一文提出，二度创作赋予了一度创作生命，并且将作曲家与听众连接。这里的“一度创作”实则就指作曲家的创作，而“二度创作”，即为音乐表演。同时作者认为音乐表演艺术是一种创新的创造，是人类精神世界的创新，它不仅受到一度创作的影响和制约，同时具有较大的再创造可能性，必须充分发挥这种可能性，才能展现和提高作品潜在的审美价值。①张前《论音乐表演创造的美学原则》中也指出，音乐表演在一度创作的基础上进行，要对音乐作品进行正确地传达和再现。音乐表演是赋予音乐作品以活的生命的创作行为，甚至能对原作加以补充，从而为听众提供审美享受。②又如杨古侠的《音乐表演的审美内涵与启示》认为音乐表演是针对作品的再创造，这种再创造是音乐作品精神和生命力的继承。③以上作者的观点都将音乐表演看作“二度创造”或“再创造”，似乎并没有对其本质进行分析。而吴慧娟在《音乐表演的本质在于“二度创造”吗？》中认为“再创造”和“二度创造”两者的本质并不能对等，并且指出“即席演奏”这种表演形式中，所谓的“一度”和“二度”创作实际是叠一的，并无加以区分的必要。④如上所述，音乐表演虽属于“呈现”，但其过程也尤为重要。笔者并不认同《音乐表演的本质在于“二度创造”吗？》一文中对“二度创造”在音乐表演中的使用的否定。笔者认同，“即使是即兴表演，也是构思在前，表演再后”。⑤对音乐表演者来说，“二度创造（作）”具体的定义还要取决于他针对的具体对象是什么，同时“二度”一词在音乐表演的应用范围上也应有广义与狭义之分。

二、音乐表演中的理解与表现

音乐作为声音的艺术，它需要表演者的演绎，这离不开表演者对音乐“文本”的理解与把握。同时，还需平衡表演过程中大脑意识活动中的相关生理、心理问题。首先，同一部作品在从书写到出版的过程中会经历很多变数，甚至会出现多种不同的版本，版本的正确选择直接会影响到音乐表演。因此，如果要让音乐表演忠实于原作，要尽可能找到切实可靠的原版乐谱，其次对作品的理解也离不开对乐谱的分析。杨易禾的《音乐表演艺术中的文本与型号》⑥一文从美学的不同派别对音乐的“文本“与表演者之间的关系加以分析，指出，尽管不同演奏家对音乐的解读和演绎不同，却能发现他们的演奏中的同一性，同时体现出了作品的本质属性。杨易禾还建议音乐表演中要始终围绕作品的“同一性”内核，以此为前提解读作品，从而将这种体验转化为音响。⑦杨燕迪《音乐理解的途径：论“立意”及其实现》一文，在对“音乐理解”的理论界定中指出音乐理解作为实践活动中的一种审美能力，它不仅具有个体差异，并且是音乐表演艺术具有品格的关键。⑧此外，也有通过西方哲学层面的“诠释学”来理解音乐作品的，例如宋莉莉《诠释学与音乐文本的理解》⑨、忻雅芳《解释学与音乐作品的理解》⑩等文献指出从音乐本身的理解出发，重要的不是音乐文本，而是音乐文本背后的问题，其中需要注意对作品的理解，应既具有历史性又具有当代性。所以对音乐文本的诠释不能忘记自身，也不可忽视历史局限性，表演者需要在音乐作品、理解过程和解释者的相互关系中产生审美体验。其次，表演者要通过对音乐的理解加入自己的想象，对音乐有所感受。阎林红《关于音乐感知能力的研究》一文从心理学角度出发，对人体音乐感觉和音乐知觉能力做出分析，并提出音乐知觉是在音乐感觉的基础上形成的，具备音乐感知能力是人们从事音乐活动的基础，这同样适用于音乐表演者。瑏瑡冯效刚《论音乐表演“意象”》一文，提出音乐意象既是音乐想象的产物，也是表演者再创造的内心体验过程，要以多种方式感受、体验作曲家所表达的音乐内涵，通过联想和感知在理解作品的同时融入自身的审美体验，最终以创造性的想象来完成音乐表演。瑏瑢表演者需要投入感情，还需平衡其大脑意识活动中的一些生理与心理问题。例如张前《音乐表演心理的若干问题》瑏瑣、赵娴《谈音乐表演中的直觉和临场心理》瑏瑤和王放歌《论心理机制是音乐表演作为音乐再创造的重要因素》瑏瑥等。这些文章分别从心理学和美学的角度出发，对与音乐表演创造关系密切的几个心理学问题进行了论述，其中包括：音乐表演中的投情、想象、直觉和临场心理。可见，表演者对自身心理变化有清晰的认识和预判是有利于其表演的。总体来看，音乐表演从理解到表演要经过再创造的过程。所以表演者对音乐表演的理解，不要局限于基本的技术与“文本”，还必须把音乐的想象与情感等心理要素结合起来，以达到更好的诠释与表现。

内容摘要：随着社会的飞速发展，当今时代急需培养适应社会全面发展的有用人才，这就给教育工作者提出了更高的要求，既要继承优良传统，又要与时俱进。因此，探索音乐表演的多元化教学，显得尤为重要。只有这样，才能更有效地提高教学质量，密切联系实际，满足社会的发展需求，为社会培养全面发展的合格人才。文章对如何采用多元化教学以及采用多元化教学所产生的实际效果进行了分析和论述。

关键词：音乐表演多元化教学

音乐表演的种类有很多，其中包括声乐、器乐、舞蹈、钢琴等专业的人才培养。多元化教学是指多种渠道、多种形式的教学，在音乐表演中，如舞台演出、教学实践、举办音乐会、参加录音录像，包括欣赏、观看录音录像等，都属于多元化教学范畴。当然舞台的演出形式是多种多样的，仅以器乐演奏形式为例，就有很多种，如独奏、重奏、合奏、伴奏等，这些都属于多元化教学中的一部分，都可以称之为多元化教学。实践证明，在音乐表演专业的教学过程中，在以传统教学为主的基础上与时俱进，对学生有计划地、弹性地采用多元化教学，具有良好的效果。这一教学方式受到学生的普遍认可和欢迎，学生普遍感到受益匪浅。笔者认为科学地采用多元化教学，在科技飞速发展的今天，具有深远的现实意义。

一、多元化教学的几种形式

1.舞台演出

这是音乐表演最主要的表现形式之一，是最终要达到的目的。舞台的演出形式繁多，这里重点例举器乐演奏的舞台形式。器乐演奏的舞台形式包括独奏、重奏、合奏、伴奏。