演奏技巧范文10篇

【摘要】在钢琴的教学中，演奏技巧是十分重要的一个方面。作为钢琴教学的构成部分，掌握钢琴演奏技巧，可以帮助学生形成正确的演奏习惯、熟练演奏钢琴曲目、领悟钢琴弹奏的精髓，增强学生的音乐表达能力。在钢琴教学中，注重钢琴的演奏技巧，能够有效培养学生正确的弹奏习惯，提高钢琴教学的质量。

【关键词】钢琴教学；演奏技巧；弹奏方法

在钢琴的教学中，钢琴演奏技巧的运用有助于学生快速掌握钢琴弹奏技法，培养学生正确的弹奏习惯，提高钢琴教学的质量。同时，学生熟练运用钢琴演奏技巧有助于学生熟练弹奏乐曲，在弹奏中领悟到乐曲的精髓，提高学生的审美能力和音乐鉴赏能力。

一、演奏技巧在钢琴教学中的重要性

(一)钢琴演奏技巧。钢琴演奏技巧包含触键、演奏姿势、力度、节奏等。其中触键在这些演奏技巧中最为重要，它对音色的影响也是最大的。触键的技巧主要有连奏法、断奏法、琶音、24个大小调音阶、远距离大跳、双音颤音、和弦等，这些演奏技巧通常分为三个阶段进行教学。第一阶段，身体放松训练。钢琴的演奏在身体放纵状态下，弹奏出的作品才会更具有活力和感染力。因此，身体放松训练在钢琴教学中是第一步。在这一阶段，教师要指导学生采用正确的身姿和手型，锻炼学生手指指尖的敏感度、手指的独立性以及手指与手指之间的配合度。第二阶段，不同演奏技巧的专项反复训练。在这一阶段，教师要组织学生练习踏板训练、弹奏力度训练、节奏、分句等专项练习，让学生在这些大量的专项练习中掌握不同的触键方式，掌握不同曲目的弹奏方式，把握在演奏中指尖与琴键的关系。第三阶段，听觉和音感的训练。首先教师要指导学生去感受钢琴演奏中的自由和严格限制之间的节奏关系，训练学生的节奏感，通过指尖的技巧去体现节奏的律动。(二)演奏技巧训练在钢琴教学中的重要作用。演奏技巧的训练是提高钢琴演奏能力的必经之路。有了娴熟的演奏技巧作为支撑，才能够将优美的钢琴旋律通过指尖表达出来；通过娴熟的演奏技巧，才能使得钢琴的演奏具有情感，富有感染力。在钢琴的教学中，教师要根据学生的情况来针对性地制定学习计划和学习目标，要让学生认识到演奏技巧的掌握对钢琴学习的重要性。演奏技巧的教学主要从以下几个方面进行：1.基础弹奏技巧的训练。钢琴弹奏的方式主要有跳音奏法、非连音奏法、连音奏法。学生的钢琴弹奏水平由弹奏技巧决定，教会学生使用正确的弹奏方法可以有效提高钢琴教学的教学质量。教师在对学生演奏技巧的教学上，要注意锻炼学生五个手指的独立性，避免在弹奏过程中，上一个音键还未没有放开，就开始下一个音键的弹奏。针对这个问题，教师应从训练学生手指独立性和调节弹奏力量训练入手，让学生掌握弹奏过程中的力量转移。教师要教会学生运用手臂的力量去控制手指之间的移动，在掌握弹奏技巧的基础上，根据钢琴的音色变化，一个音弹奏完后，先运用手臂控制手指键底保持轻微的重量，再过渡到下一音色；在非连音弹奏中，教师需要教学生掌握好手臂、手指、指段的位置和姿势的运用技巧，根据非连音弹奏的发力点，不断练习；在跳音演奏技巧方面，音色的不同对弹奏要求也不同，教师要教会学生根据实际音色需求，灵活应用手臂、手腕、手指等部位的力量将跳音弹奏出来。2.音阶弹奏方法的训练。如果手指、手臂姿势的训练是基本功，那么音阶的弹奏则是钢琴弹奏技巧教学的核心。有质感的音阶表达可以使弹奏的乐曲更加顺畅并富有情感。在音阶弹奏训练中，教师要注意锻炼学生弹奏乐曲的连贯性，让上、下行弹奏切断保持自然和紧密。在钢琴弹奏的指法中，拇指较其他四指更加灵活，能够进行四个方位的活动。因此，在进行大串音乐弹奏时，拇指弹奏结束后，食指弹奏下一个节拍时，拇指应该做好弹奏下一键的准备，把拇指绕到食指后面，这样弹奏出来的乐曲会更加的自然、平稳。针对这些演奏技巧教师应该引导学生进行重复训练，让学生养成弹奏习惯。3.乐感与节奏感的培养。钢琴的弹奏中，乐感和节奏感的培养意义重大。节奏感的培养，需要教师引导学生在钢琴学习中养成数拍子的习惯。教学中，教师可以运用节拍器，锻炼学生在钢琴乐曲弹奏中对节奏感的体会，在长期的锻炼中，大部分学生可以形成良好的节奏感。音乐感的培养，则需要教师引导学生能够清楚地认识乐曲的节奏、拍子，在弹奏中，使弹奏速度与拍子保持一致，用心有感情地进行乐曲的弹奏。

二、演奏技巧在钢琴教学中的应用

近一个世纪以来,在严肃音乐领域中,出现了大量具有现代派意识的专业二胡作品,并且在此类作品中二胡演奏技巧也开始获得多重性的发展。期间整理出版的古典乐曲、传统乐曲、创作乐曲、移植乐曲及国外名曲层出不穷,受到群众的爱戴和亲睐。新世纪中国二胡艺术的当下发展也一直是民族音乐学家、民乐作曲家和二胡专家共同关注的话题。

1继承传统,以本为源二胡演奏技巧在20世纪的发展,大致可分为四个阶段:

(1)20年代至40年代;(2)50年代至60年代初;

(3)60年代后期至70年代末;

(4)80年代至世纪末。

20世纪初,周少梅在发展二胡演奏艺术诸方面作出了开创性的贡献。“周少梅三把头胡琴”的名称,来源于他敢于在二胡上突破旧时手指限于在上把位活动的传统,创新运用了手指在上、中、下三个把位内换把的演奏技法。国乐大师刘天华将二胡演奏引入高等专业教育,正式确立二胡为独奏乐器,并创作了《月夜》、《闲居吟》、《光明行》等十大二胡名曲和47首二胡练习曲。

任何高水准的艺术演奏都是“音”与“情”的完美融合，“音”是演奏技术的外在体现，而“情”则是对作品内在情感意境的真切把握，二者如同人体的骨架与血肉，相互依存、互为基础。与其他任何的艺术演奏一样，二胡演奏同样是由“音”与“情”的高度结合来体现艺术的审美情感的。当前，在部分青年二胡学习者中存在一种不正确的倾向，即过分偏重对技术难度的追求，而忽视了对音乐内在情感把握，二胡的艺术表现魅力与他们的技术不成正比。纵观海内外的优秀二胡演奏家，他们无不重视二胡演奏中技术与情感的高度统一，以达到揭示作品思想内涵、提升二胡演奏艺术魅力的目的。

一、娴熟过硬的演奏技术是完成二胡艺术演奏的前提

1.娴熟的演奏技术是成功完成作品演奏的基础二胡演奏离不开对音准、揉弦、换把及各种弓法技巧的准确掌握，但二胡演奏的每一种技巧都不是孤立地存在的，各种技巧在演奏中应根据作品的需要，有机地结合，才能准确生动地表现音乐内容。如：《病中吟》《闲居吟》《光明行》等乐曲的演奏中需要有大量的颤音、滑音、顿弓、颤弓等技巧，我们在实际演奏过程中一定要认真研究他们的分寸，比如颤音的轻重快慢、滑音的不同方式及不同音程、顿弓及颤弓的双手配合分寸、左指触弦面的大小等，使相同技巧在不同乐曲及不同情绪中合理地变化，恰如其分地表现作品的内涵。

2.先进的演奏技术是提升二胡艺术表现力的前提现代二胡学派的创始人刘天华先生十分重视二胡演奏技术的创新，如：《光明行》中的转调及大段的颤弓、《独弦操》中的一弦格、《空山鸟语》中的左手轮指及模拟鸟鸣的滑音等在二胡上都是首次被运用。这种创新对于当时技巧贫乏、表现力低下的二胡演奏来说，无疑是一次大大的革命，对现代二胡演奏艺术的发展的起了开拓性的作用。建国以后，二胡的演奏技术得到了极大的发展。刘文金创作的《豫北叙事曲》《三门峡畅想曲》率先将快速跳把、自然跳弓、频繁的转调等二胡的高难技巧应用于演奏之中；陈耀星创作的《战马奔腾》中模仿马蹄声的大击弓、模仿人喊马嘶的半音阶模进以及模仿骏马嘶鸣的双弦颤指和飞弓等新技法等极大地提高了二胡艺术表现力。

3.多变的演奏手法是提高二胡艺术感染力的保障以弓法为例，在实际演奏中，演奏者可以将相同的弓法通过细微的变化，使不同情绪、不同风格的旋律表现的更加充分、更加准确。如颤弓：《二泉映月》中的颤弓旋律既要表现微波荡漾的意境，又要刻画出作者内心深处的不平静。因此，开始用快频率和小幅度的颤动，运弓部位靠近弓尖，这样演奏出的颤弓音色细腻，随着旋律的渐强再逐渐加大运弓范围，同时配合配合旋律适当突出音头，这种随音乐的起伏而变化的颤弓才能比较准确地表现作者借景抒情的心情。而《三门峡畅想曲》中的颤弓旋律则要表现强烈激昂的情绪，因此在渐强旋律的推动下，一开始就要使用大幅度、快频率的运弓，以加强乐曲的艺术表现力。

二、真切到位的情感意境是提升二胡艺术魅力的保障

在众多的乐器中，小提琴以其优雅的造型、极具魅力的音色、丰富多彩的表现手段以及演奏难度极大，被冠以“乐器皇后”的美称。很多初学者认为小提琴难就难在拉不准，拉不快，或者是快而不清楚，无法掌握高难度演奏技巧，而多忽略了小提琴的另一个演奏难点，即如何发出优美的，具有艺术表现力和感染力的音色。那么，如何才能发出这种声音呢？这就是本文所要论述的重点。

一、建立正确的音色概念

要想获得正确的发音，首先就要建立正确的音色概念。音色可以分为差的、好的（正确的）、有艺术表现力的。而我们的最终理想就是要发出有艺术表现力的音色。这三个层次的音色既是不同的概念，又密切相关，后者是前者的更高层次。差的音色是指：初学者由于各方面都还不够协调，而发出粗燥或虚浮的声音。正确的音色指：让琴弦充分振动，发出穿透力强的声音，这种声音泛音多，明亮而有宽度，纯净而不粗燥，是一种圆润的、美的声音。

关于音色，首先要培养正确音色的辨别能力。著名的匈牙利小提琴教育家卡尔·弗莱什说过：音色的调配永远应该是乐曲解释在音“诗”的不同内容启发下，内心自然产生的一种强烈的需要的结果。学生运用正确的方法反复练习，能拉出好的音色。但这种声音的艺术表现力还不够，还无法根据不同的作品风格、不同的曲情乐意和演奏者的个人感受及独特的个人风格而变化。

二、怎样演奏出正确的音色

在音色训练的最初阶段，首先应使学生认识演奏中最常用的基本音色，并掌握控制这种声音的能力。接下来应该对两极音色有所认识和掌握，即极端紧张和极端松弛的音色。极端音色运用的范围不是很广泛，但其运弓难度都非常大，对它们的专项训练可以非常奏效地提高音色控制能力。总的来说，好的音色取决于技术方面和情感方面。下面就这两个方面进行探讨：

一、乐章演奏分析

奏鸣曲第一乐章的形式非常独特，而且幻想的意境用非常巧妙的形式表现出来。暴风雨来临前的激动心情逐渐地展开，每个层次的进展与冲突都非常清新、风趣，主题以d小调的属音开始，兼有缓板和琶音，以最后一个a音起开始数拍子。广板充满沉思、恳求、召唤秘藏在心中的感觉，慢板深刻而且不安定。从快板开始踩踏板，逐渐增强，造成一种激动的气氛。在这里旋律音给人感觉像是坚定的命令，雄壮又单纯而且如雷鸣般。41小节副主题在a小调上出现，这个乐句很活跃，充满了激动。第55小节起和弦一定要弹得坚强有力并且充满英雄般的气魄。69小节起左手八分音符的经过句，从弱音开始之后渐强，到75小节激动起来，这个发展过程一定要演绎出来。从97小节开始的展开部是呈式部的继续和发展，旋律有特别形象的对比性和冲突，它加强了主题的戏剧性，因此成为全乐章高潮的中心部分。从147小节开始的再现部是展开部的发展，它慢慢地向优美的歌唱发展，将主题歌唱化，使人欣赏时有一种新的效果。最后的1O小节使用踏板，好像是从远处响起的雷鸣，然后逐渐地慢下来，渐渐地远去，给人留下的是一种悲哀和深刻的印象。

第二乐章非常浪漫，每个音符都充满了诗情画意，能将人带入音乐的世界里，尽情叙述的音乐，可以使人联想起暴风雨过后的那种宁静以及对人生和大自然的种种幻想。在第一乐章里心情是激动和复杂的，而在此却是庄严、安静、幸福的沉思，不受干扰地体验周围世界，并享受其中的乐趣。乐章的另一个特点是；主题在高音域频繁地结束，这在慢板乐章比较少见，这种手法的确体现出一种深切的感情。第31小节开始出现感人的、简朴的旋律也就是F大调的副主题出现了，到了43小节是再现部，这里和声比较丰富，演绎上与呈示部弹法一样。第51小节的左手分散和弦不可干扰到主题。尽可轻而柔地演奏，节奏一定要准确无误。第55小节起至“f”之前的分散和弦是渐强与渐快速度到此为止是真正的徐缓乐章，其内容很有深度，旋律非常丰富，同时为了使和弦的音响更具效果，应很好地使用踏板。

第三乐章是奏鸣曲式。这个末乐章是快板，是非常优美的终曲，由连绵不断的快速16分音符组成。自始至终充满了温柔与爱的性质，这乐章的美是一种“虚幻无常”的美，它展示出贝多芬所追求的梦的世界。第三乐章无论在伴奏音型里或是在主导旋律中，都有连绵不断的16分音符的律动性进行，表达出优美的明暗变化，舒展出精彩的钢琴独奏技巧。它的节奏十分严格统一，力度变化非常详尽细致。必须控制并掌握好每一层次在力度、音色、乐句起伏等方面的细微变化，否则这个乐章就很容易显得单调。乐章的主题由一个弱起小节开始，所以大拇指上的音不可太重，这一句要弹得温柔。右手每句的结尾8分音符断音时好像是要离开键一样的轻轻结束就可以了，也就是句尾结合演奏方法来收。左手尽可能地圆滑演奏，整齐流畅的音要让人听起来有“马蹄嘀嗒声”的感觉。24小节半音的速度要十分准确，不能任意增加速度。3O小节起是连接段，49小节的弱奏要特别演示出来。55小节的8度，须单独练习，是手臂保持松弛和自然状态，尽量用手腕弹奏。81小节的左手很重要，声部的进行需要突出。83小节分解的八度也是旋律。91小节左手的和弦要饱满而且干脆，慢慢进入展开部。庞大的展开部巧妙地运用明暗色彩层次，这些色彩的丰富是通过变换调性来达到的。贝多芬为了不使它单调，运用各种方法，使乐曲在16分符运动之间，都能吸引听众的注意力。演奏时的状态也非常重要，用心去听自己所弹出的每个音，是否经过了思考，使感情的状态进入到音乐中。像95至98小节可以想象成是木管，长笛和单簧管的独奏部分。118小节主导的声部转移到了右手上，因此要清楚地听见这个变化。第215小节是再现部的开始，在这里贝多芬也运用了离调等复杂方法，但在演奏上的重点与呈示部基本相同。从323小节尾声，弹奏时要使紧张度逐渐提高，每一个“sf”要渐强。381小节以后的三小节之间，要充分的把减七和弦的效果弹出来，使乐曲产生出紧张感。最后要用弱奏结束全曲。这样的结尾不容易处理，需全身心地控制，每个音要均匀，而且节奏不变，不做渐慢，要让它自然地静悄悄消失。由于奏鸣曲曲式的严谨性，我们要学会发现每个乐句的技术特点与音乐相结合。

二、启示

《暴风雨》的演奏速度与技巧，内容与形式可以说是无懈可击的，他的演奏理论与实践留给我们许多有益启示。（1）总的原则，独奏音乐(以及以弦乐四重奏为代表的室内乐)应该比大型合奏音乐(如交响曲等)在节奏处理上享有更大的自由，这一点对于古典时期的音乐非常重要。（2）不能机械地理解速度标记，因为它可能只对乐曲最前的几个小节有效。贝多芬的速度标记往往指的是该乐章中最快的片刻，意思是不要超过这个速度极限(如果是这样，那么作品106中貌似奇怪的速度标记就是完全正确的)。（3）贝多芬明确要求，一次够格的独奏表演，应该在节奏步履上有复杂而微妙的变化调整。确实，只有这样，音乐在时间中的真实行进才会获得生气和生机。从某种意义上说，这种局部的节奏弹性伸缩是否自如，是否丰富，是否妥贴，是一位演奏家是否具备“乐感”、某次演奏是否具有艺术质量的一个关键性指标。（4）贝多芬同时也非常明确，上述的节奏与速度调整不能过分，“仅仅只被最敏感的耳朵察觉”。罗森深刻地指出，“贝多芬希望，无论步履节奏出于表情的驱动如何变化，而且，更为重要的是，理解速度的变化，必须始终要将其置于一个大范围的、控制性的节奏观念之下。”

[论文关键词]《暴风雨》演奏分析技术性速度与技巧

[论文摘要]贝多芬的艺术气质在他的钢琴奏鸣曲中得到升华与表现，特别是在奏鸣曲《暴风雨》中，演奏的技术性与音乐性、内容与形式的完美结合，标志着贝多芬一生音乐成就的高峰，他的演奏速度与技巧留给我们许多有益的启示。

贝多芬是伟大的音乐家，他的艺术气质在他的钢琴奏鸣曲中得到升华。在奏鸣曲的演奏中，只有做到技术性与音乐性的结合，才能使内容和形式达到无比和谐，真正演绎出艺术的灵魂。《暴风雨》奏鸣曲是贝多芬在音乐中直接表达思想的最突出的例证之一。罗曼•罗兰非常准确地把这首奏鸣曲的形象与贝多芬一生转折阶段相联系，它所表现出的热情确实达到了暴风雨的程度。“暴风雨”奏鸣曲在速度、节奏和主题处理上也用了一些新鲜的手法，琶音的形式运用较多，基本贯穿在奏鸣曲各个乐章之中。在《暴风雨》的演奏中，奏鸣曲的技术性与音乐性真正做到了最完美的结合。

一、乐章演奏分析

奏鸣曲第一乐章的形式非常独特，而且幻想的意境用非常巧妙的形式表现出来。暴风雨来临前的激动心情逐渐地展开，每个层次的进展与冲突都非常清新、风趣，主题以d小调的属音开始，兼有缓板和琶音，以最后一个a音起开始数拍子。广板充满沉思、恳求、召唤秘藏在心中的感觉，慢板深刻而且不安定。从快板开始踩踏板，逐渐增强，造成一种激动的气氛。在这里旋律音给人感觉像是坚定的命令，雄壮又单纯而且如雷鸣般。41小节副主题在a小调上出现，这个乐句很活跃，充满了激动。第55小节起和弦一定要弹得坚强有力并且充满英雄般的气魄。69小节起左手八分音符的经过句，从弱音开始之后渐强，到75小节激动起来，这个发展过程一定要演绎出来。从97小节开始的展开部是呈式部的继续和发展，旋律有特别形象的对比性和冲突，它加强了主题的戏剧性，因此成为全乐章高潮的中心部分。从147小节开始的再现部是展开部的发展，它慢慢地向优美的歌唱发展，将主题歌唱化，使人欣赏时有一种新的效果。最后的1O小节使用踏板，好像是从远处响起的雷鸣，然后逐渐地慢下来，渐渐地远去，给人留下的是一种悲哀和深刻的印象。

第二乐章非常浪漫，每个音符都充满了诗情画意，能将人带入音乐的世界里，尽情叙述的音乐，可以使人联想起暴风雨过后的那种宁静以及对人生和大自然的种种幻想。在第一乐章里心情是激动和复杂的，而在此却是庄严、安静、幸福的沉思，不受干扰地体验周围世界，并享受其中的乐趣。乐章的另一个特点是；主题在高音域频繁地结束，这在慢板乐章比较少见，这种手法的确体现出一种深切的感情。第31小节开始出现感人的、简朴的旋律也就是F大调的副主题出现了，到了43小节是再现部，这里和声比较丰富，演绎上与呈示部弹法一样。第51小节的左手分散和弦不可干扰到主题。尽可轻而柔地演奏，节奏一定要准确无误。第55小节起至“f”之前的分散和弦是渐强与渐快速度到此为止是真正的徐缓乐章，其内容很有深度，旋律非常丰富，同时为了使和弦的音响更具效果，应很好地使用踏板。

摘要：手腕技巧是钢琴演奏中很重要的领域，是演奏钢琴最前哨最直接最敏感的部位之一.手腕的工作不仅对手指本身的积极运动有意义，而且对于把手腕传递给琴键也有意义。一个手腕的工作不正确，可能破坏整个的演奏技巧，手腕的控制能力，是重中之重，基础之基础。本文主要针对手腕技巧展开探讨分析。

关键词：钢琴演奏手腕技巧

在弹奏每一组音或每一个乐句时，需要来自手腕的重量补充，重量补充的多少，都是由乐曲的内容和风格所决定，它要随着乐句力度色彩的变化而变化。伴随着旋律的变化，重量补充越敏锐，演奏就越能丰满而鲜明。音乐中由于力度的变化是连续不断的，通常需要提供重量补充的就是把较大的乐句或片段以腕为轴自上而下统一起来进行弹奏，而不要将重量淤塞于手腕、手腕的某个部位，手腕的重量或多或少都能通过手指而全部送入琴键，弹奏出或丰满淳厚或清新悦耳的声音。

手腕在弹奏中的状态和作用是多种多样的，其动作方式以上下和左右两种为主。其中有些是手腕独立完成的，比如力度较小的跳音、断奏的双音、和弦等.有些是以腕关节为主、控制手部的上下左右动作，比如较强的跳音和断奏双音、和弦等，以及左右移动的音阶、琶音、音程较大的震音等。还有一些是和手臂结合起来的动作，这一动作方式多存在于较近距离、较快速度地在琴键上移动手位，是以手腕为主，带动手臂的弧线运动。

一、手腕要有弹性

弹性可从两个方面来认识，一方面是对手部上下动作的控制，即在手腕持平、前臂稳固不动的状态下，灵巧自如地抬起手掌、随后又自然地将高出手腕的手掌和手指向下弹去，这其中就包括手腕的弹性。比如手腕非连奏，即利用手腕灵巧的上下运动、运用手的自然重量、奏出比肘部非连奏灵活、富有弹性的柔和声音。

摘要：通过钢琴丰富的音色表现力和音色特点，阐述如何表现、如何改变音色的方法，分析改变音色的演奏技巧。

关键词：钢琴音色表现力演奏技巧

音色是由发音体的性质、形态以及其产生泛音数目的不同而呈现出的不同声音，即音的色彩和特征。优美的音色是音乐表演者必须持续不断追求的目标。只有演奏出优美的音色才能打动听众的心，实现音乐感人肺腑之功能。著名钢琴教育家涅高兹说“钢琴的艺术也是声音的艺术，通过弹奏音色的变化产生的音响可以表现出愤怒的狂号、疾风骤雨、雄伟悲壮、奔腾豪放、果断刚烈等强烈的情感，也可以表达低声倾诉、喃喃细语、安慰、爱抚、叹息、抽泣、甜蜜、微笑、幸福、爱情等内心的复杂情感，也可以表达空谷回声、黄昏钟声、高山流水、粼粼水波等大自然的奇观美景以及阳光、月色、云彩、微风等看得见摸不着的物体。总之，所有称之为音乐的东西都可以在钢琴上弹奏出来，而音色的变化使音乐的表现具有广阔的想象空间和表现范围。

一、钢琴独特的音色美

在辽阔的音乐世界，乐器的品种类别数以千百，但人们却对钢琴情有独钟，那是因为钢琴本身所具有的独特性能和审美价值。钢琴的气势宏大，没有哪件乐器可以与之相比。它既有辽亮辉煌的音响，又有绚丽多彩极具丰富的音色。钢琴音域广达6-7个八度，力度变化从最弱到最强，体现了大幅度、多层次音响特征，其丰富的表现力可以与一个交响乐队媲美。通过弹奏等技术处理又可以使音乐变化多彩……钢琴这种乐器在笔者的印象中是最理智的，弹奏时脑海里总是浮现各种更感性的、更具体的声音形象，包括人声和世界上所有乐器所表现出来的各种各样的色彩。因此钢琴演奏者不需要任何人的帮助，一个人就可以单独在钢琴上塑造出绝对完整的形象，创造出某种完整和完美的钢琴作品。

钢琴有它独特的音色美，有它的“自我”，无法与其他东西混淆。我们应当了解并喜爱钢琴独特的“自我”，从而彻底理解它、掌握它。音色美给人以官能上的快感，这种源于物理属性的生理反应，是一种初级的灵感。但从键盘上流淌出来的音乐,却蕴涵着丰富的音乐美的内涵，这种有旋律、和声、调式、调性、肢体、曲式、速度、力度等音乐表现要素交织在一起所构成的音响美，不仅给人以情绪的感染和精神的愉悦，而且还具有一定的启迪智慧、完善品格的效应。只有当你在钢琴上弹出不可能的东西时，你才能弹出钢琴上一切可能表现的东西。心理学家认为，概念、想象、愿望是可以跑在实际的东西前面的。贝多芬耳聋后创作了他听不见的钢琴音响并且预示了钢琴在数十年后的发展。作曲家的创作精神为钢琴音响探索出了新的规律，而钢琴就逐渐地适应了这些规律。

【论文关键词】：竹笛演奏;音准;音准观念

【论文摘要】：竹笛演奏音准至关重要，是音乐表现的前提和重要保证。竹笛的音准问题是演奏者时常易出现的问题，也是较难解决的问题。文章主要从竹笛的发声原理、影响竹笛音准的因素、树立音准观念、提高听觉能力以及演奏方法等方面来阐述如何正确而有效解决竹笛演奏中的音准问题。

音准是乐器学习者最感棘手的问题之一。因受竹笛本身结构、演奏者个人听觉或练习方法等因素的影响，所以，在竹笛演奏时音准成为较难解决的问题，通过科学有效的训练方法，可以把竹笛的音准解决好。

一、发声原理

要解决竹笛的音准问题，首先要了解竹笛的发声原理，从中找到影响竹笛音准的几个因素。

笛子的笛身一般为竹制，用浙江余杭一带的白竹，江西、安徽一带的紫竹做的笛子音色为上品。白竹做的笛子发音清晰、明快；紫竹做的笛子发音柔和、圆润。但并非所有的白竹或紫竹都能做出好的笛子，选料的好坏也直接关系到竹笛的音准。笛子属于木管乐器家族中的吹孔膜鸣乐器类。笛膜（演奏时贴于膜孔处的一个小薄片）一般用嫩芦苇杆中的内膜制成。它是典型的中国民族乐器，表现力十分丰富，可演奏出连音断音、颤音和滑音等色彩性音符；还可以表达不同的情绪；无论演奏舒缓、平和的旋律，还是演奏急促、跳跃的旋律，其独到之处都可从中领略。此外，笛子还擅长模仿大自然中的各种声音，把听众带入鸟语花香或高山流水的意境之中。

一、乐章演奏分析

奏鸣曲第一乐章的形式非常独特，而且幻想的意境用非常巧妙的形式表现出来。暴风雨来临前的激动心情逐渐地展开，每个层次的进展与冲突都非常清新、风趣，主题以d小调的属音开始，兼有缓板和琶音，以最后一个a音起开始数拍子。广板充满沉思、恳求、召唤秘藏在心中的感觉，慢板深刻而且不安定。从快板开始踩踏板，逐渐增强，造成一种激动的气氛。在这里旋律音给人感觉像是坚定的命令，雄壮又单纯而且如雷鸣般。41小节副主题在a小调上出现，这个乐句很活跃，充满了激动。第55小节起和弦一定要弹得坚强有力并且充满英雄般的气魄。69小节起左手八分音符的经过句，从弱音开始之后渐强，到75小节激动起来，这个发展过程一定要演绎出来。从97小节开始的展开部是呈式部的继续和发展，旋律有特别形象的对比性和冲突，它加强了主题的戏剧性，因此成为全乐章高潮的中心部分。从147小节开始的再现部是展开部的发展，它慢慢地向优美的歌唱发展，将主题歌唱化，使人欣赏时有一种新的效果。最后的1O小节使用踏板，好像是从远处响起的雷鸣，然后逐渐地慢下来，渐渐地远去，给人留下的是一种悲哀和深刻的印象。

第二乐章非常浪漫，每个音符都充满了诗情画意，能将人带入音乐的世界里，尽情叙述的音乐，可以使人联想起暴风雨过后的那种宁静以及对人生和大自然的种种幻想。在第一乐章里心情是激动和复杂的，而在此却是庄严、安静、幸福的沉思，不受干扰地体验周围世界，并享受其中的乐趣。乐章的另一个特点是；主题在高音域频繁地结束，这在慢板乐章比较少见，这种手法的确体现出一种深切的感情。第31小节开始出现感人的、简朴的旋律也就是F大调的副主题出现了，到了43小节是再现部，这里和声比较丰富，演绎上与呈示部弹法一样。第51小节的左手分散和弦不可干扰到主题。尽可轻而柔地演奏，节奏一定要准确无误。第55小节起至“f”之前的分散和弦是渐强与渐快速度到此为止是真正的徐缓乐章，其内容很有深度，旋律非常丰富，同时为了使和弦的音响更具效果，应很好地使用踏板。

第三乐章是奏鸣曲式。这个末乐章是快板，是非常优美的终曲，由连绵不断的快速16分音符组成。自始至终充满了温柔与爱的性质，这乐章的美是一种“虚幻无常”的美，它展示出贝多芬所追求的梦的世界。第三乐章无论在伴奏音型里或是在主导旋律中，都有连绵不断的16分音符的律动性进行，表达出优美的明暗变化，舒展出精彩的钢琴独奏技巧。它的节奏十分严格统一，力度变化非常详尽细致。必须控制并掌握好每一层次在力度、音色、乐句起伏等方面的细微变化，否则这个乐章就很容易显得单调。乐章的主题由一个弱起小节开始，所以大拇指上的音不可太重，这一句要弹得温柔。右手每句的结尾8分音符断音时好像是要离开键一样的轻轻结束就可以了，也就是句尾结合演奏方法来收。左手尽可能地圆滑演奏，整齐流畅的音要让人听起来有“马蹄嘀嗒声”的感觉。24小节半音的速度要十分准确，不能任意增加速度。3O小节起是连接段，49小节的弱奏要特别演示出来。55小节的8度，须单独练习，是手臂保持松弛和自然状态，尽量用手腕弹奏。81小节的左手很重要，声部的进行需要突出。83小节分解的八度也是旋律。91小节左手的和弦要饱满而且干脆，慢慢进入展开部。庞大的展开部巧妙地运用明暗色彩层次，这些色彩的丰富是通过变换调性来达到的。贝多芬为了不使它单调，运用各种方法，使乐曲在16分符运动之间，都能吸引听众的注意力。演奏时的状态也非常重要，用心去听自己所弹出的每个音，是否经过了思考，使感情的状态进入到音乐中。像95至98小节可以想象成是木管，长笛和单簧管的独奏部分。118小节主导的声部转移到了右手上，因此要清楚地听见这个变化。第215小节是再现部的开始，在这里贝多芬也运用了离调等复杂方法，但在演奏上的重点与呈示部基本相同。从323小节尾声，弹奏时要使紧张度逐渐提高，每一个“sf”要渐强。381小节以后的三小节之间，要充分的把减七和弦的效果弹出来，使乐曲产生出紧张感。最后要用弱奏结束全曲。这样的结尾不容易处理，需全身心地控制，每个音要均匀，而且节奏不变，不做渐慢，要让它自然地静悄悄消失。由于奏鸣曲曲式的严谨性，我们要学会发现每个乐句的技术特点与音乐相结合。

二、启示

《暴风雨》的演奏速度与技巧，内容与形式可以说是无懈可击的，他的演奏理论与实践留给我们许多有益启示。（1）总的原则，独奏音乐(以及以弦乐四重奏为代表的室内乐)应该比大型合奏音乐(如交响曲等)在节奏处理上享有更大的自由，这一点对于古典时期的音乐非常重要。（2）不能机械地理解速度标记，因为它可能只对乐曲最前的几个小节有效。贝多芬的速度标记往往指的是该乐章中最快的片刻，意思是不要超过这个速度极限(如果是这样，那么作品106中貌似奇怪的速度标记就是完全正确的)。（3）贝多芬明确要求，一次够格的独奏表演，应该在节奏步履上有复杂而微妙的变化调整。确实，只有这样，音乐在时间中的真实行进才会获得生气和生机。从某种意义上说，这种局部的节奏弹性伸缩是否自如，是否丰富，是否妥贴，是一位演奏家是否具备“乐感”、某次演奏是否具有艺术质量的一个关键性指标。（4）贝多芬同时也非常明确，上述的节奏与速度调整不能过分，“仅仅只被最敏感的耳朵察觉”。罗森深刻地指出，“贝多芬希望，无论步履节奏出于表情的驱动如何变化，而且，更为重要的是，理解速度的变化，必须始终要将其置于一个大范围的、控制性的节奏观念之下。”