形体范文10篇

摘要：舞台表演自古以来就深受人们的喜爱，是一种备受推崇的艺术表演形式。随着时代的发展，为了适应人们当前的审美偏好和发展要求，舞台表演艺术必须不断创新，以满足观众的审美需求。形体语言是舞台表演中最重要的艺术语言类型之一。它可以作为一种艺术形式呈现给观众，也可以借助人物动态和形体向观众传达所有的情节内涵、思想感情。因此，形体艺术在整个舞台表演中的作用是非常重要的。文章主要分析了舞台表演中形体艺术的重要作用和其具体表现形式。

关键词：舞台表演；形体艺术；形体语言

形体语言是舞台表演中常见的一种表现形式。它本身借助表演者的形体动作传递更多的情感信息，这种信息也可以在很大程度上弥补表演者情感和故事层次的不足，从而提高舞台表演的生动性，保证人们在欣赏戏剧时获得良好的视觉体验。在形体语言中，一些手势、眼神、形体动力学等内容，由于它们直接产生于人类的社会生产和生活中，具有特定的社会群体意义，能够贴近人们的日常生活，因此更容易被普通人的审美心理所接受。在舞台表演中加入形体语言，可以引起观众的兴趣，从而增强节目内容的生活化倾向，让更多的人能够欣赏到舞台表演的艺术美。形体艺术特征交际性形体艺术主要利用表演者的形体动作和形体的局部形态特征向观众传达信息。同时，人体艺术也为每个人而生。表演者的面部特征和形体形态变化，可以反映不同的情绪，如个人的快乐、愤怒、悲伤或恐慌。在中国传统戏曲表演艺术中，形体艺术是表演者情感刻画和心理活动的主要体现。表演者通过形体艺术的运用，表现出人物的个性特征，从而获得良好的视觉效果。

直观可视性

舞台表演本身就属于一个更加直接的视觉艺术表现，表演者通过艺术表现形式能够直接将情感信息传达出来。舞台表演所具有的直接可视性使表演者利用形体艺术可以传达出更为直接、更加丰富的情感信息，同时，艺术的表现形式也更为丰富多彩，利用形体艺术也使舞台表演能够融入更多的艺术表现。可塑性形体艺术本身有着很好的艺术表现力。表演者可以利用形体的各个部位来达到不同的艺术表现效果，并利用这些形式来表达形体的动作潜能，从而在表演中实现情感的延伸。由此也可以发现，形体艺术本身具有较强的可塑性。要想在表演时呈现出良好的舞台表演效果，表演者必须深入探索表演时形体艺术的可塑性，以更加饱满的状态、完美的形体动作进行舞台表演，在深入运用形体艺术的基础上，展现人物的内心世界、思维和情感，并将舞台表演技术发挥到极致。剧本中人物用言语无法表达的情感和情绪，通过表演者的形体语言充分表达出来，可以使角色的可塑性更强。

舞台表演中形体的艺术性

本文作者：王砾玉单位：上海师范大学谢晋影视艺术学院

目前，高校表演专业的形体教学已经形成了融合古典舞、现代舞、戏曲、瑜伽等古今中外多种艺术之训练精华的、多元的训练模式（表1）。影视戏剧表演是一种再现生活的艺术，比较接近于真实生活。在人物塑造过程中，一般不需要展现腰腿大幅度的动作与姿态，也不需要形成某种特殊的动作风格。现代舞追求自然，讲究个性。借鉴现代舞训练方法，有助于形体表现潜能的开发。现代舞训练并不在乎动作技巧有多难，却注重动作产生的动机、动作的质感、动作的韵律与秩序，注重挖掘身体每一个细致部分的表现力。这种训练模式有利于人体内部动作潜能的开发，有利于身体表现潜能的提高，对表演专业学生的身心具有很大的训练价值。在当今，越来越多的戏剧专家们也发现了现代舞的思维方式与创作手法有助于影视戏剧演员在表演中的创作。现代舞之父——拉班，他的人体运动科学理论也早已被广泛运用于戏剧表演创作当中。演员要使自己的形体动作具有传达人物内心情感的能力，要具有把那些本不属于自己的情感体验和机体感觉，真实地体现在角色人物身上的能力，必须发展自身形体感受力和表现力。①演员的形体训练不仅仅是身体运动技能的训练，还要考虑到身体感觉能力的发展。身体感觉能力是提高形体感受力、控制力的基础。有了良好的身体感觉能力，才能使身体更好地服从创作意志的支配，获得创作自由。瑜伽和普拉提斯是一种身心结合的静力性运动。它们注重呼吸与动作配合，放松身心，关注身体意识，强调控制与平衡。借鉴这种融东西方身心训练于一体的技术训练，可以发展形体感知力。因为它们更纯粹地把注意力放在身体本身，能使人身心交融，保持身体的协调和平衡，同时又能增强肌肉力量和柔韧性，增强身体的敏感性，通过提升身体意识、协调性和耐力来提高运动的质量和效率。笔者曾经在形体教学中借鉴了瑜伽呼吸法和普拉提斯技术的部分体式，来给表演专业的学生进行柔韧性和肌肉控制的尝试性训练。短短1个月的时间里，学生在书面小结中一致认为这两种训练方法简单易学，柔韧性和身体部分肌肉力量明显增强，训练效果立竿见影，尤其是没有任何舞蹈或者体育运动基础的学生感触最深，身体的部分素质能力提高最为明显。学生普遍认为这种关注自己的训练部位，感受训练部位所产生的刺激反应的训练方法，使他们更了解自己的身体，对身体动作有了意识和感觉，不会再像以前那样只会盲目地、依样画葫芦似地模仿教师的示范动作。感觉不但是身体的，也是心理的。因此，形体教学还是内外兼修的过程。只有内心与外在和谐地统一，以形传神，以神活形，形神兼备，才能塑造出真实感人、生动鲜明的艺术形象。如何在形体教学中兼顾技术与心理、内心与外在相辅相成、辩证统一的关系，来自中国古典舞专业和戏曲专业的形体教师，就将中国古典舞中的身韵训练和身段训练借鉴到了表演专业的形体训练中。身韵是从我国传统戏曲中提炼出来的舞蹈训练体系。现代人将身韵中的“形、神、劲、律”之美学特征诠释出了传统人体美学的规律，是从内到外、从形到神、从力度到动律的既矛盾又统一的现象中提炼的法则。②形神兼备、身心并用、内外统一，是身韵训练的标志，也是掌握形体表现的最高境界。无论是中国古典舞身韵还是传统戏曲中“手、眼、身、法、步”的程式规范，它们对演员不仅要形似，还要神似的追求，与影视戏剧表演专业的形体表现力是相符合的。

从实用性到应用性——形表融合、形声融合

艺术多元和综合发展，给表演专业的形体教学带来了很好的契机。许多戏剧界专家以及形体教师们深入挖掘表演与形体之间的关系，并且不断地探寻其他艺术门类给形体教学带来的影响，使得今日表演专业的形体教学内容不断在借鉴中吸取精华，得以丰富。不仅如此，随着现代戏剧的快速发展，新型戏剧的产生，也对形体教学提出了更高的要求。追求夸张、鲜明、多变、写意的形体表现，是当代戏剧表演发展最明显的一个特征。形体教学的观念就不能停留在“用什么就学什么”这样一个实用性的层面上，而是要向着挖掘学生形体表现和形体创作潜能这一方向发展。培养学生自行组织、设计形体动作的创造表现能力，从实用走向应用，这是现代形体教学区别于传统教学的一种新的观念。传统的形体教学借鉴了多种与身体训练有关的教学手段与方法，虽然在提高身体的柔韧性、灵活性、协调性和力度上卓有成效，但是学生在舞台或者银幕前塑造人物时，往往在形体表现方面并未显示出所应取得的效果。表演教师一直希望学生在表演过程中能把所学到的形体技能与表演有机地结合，然而学生总感觉学起来容易，用起来却没那么简单，不能做到学以致用。为此，许多高校表演专业的形体教师进行了大胆的、多样化的教学尝试，把单纯的形体能力训练建立在服务表演专业需要的基础上，培养学生用肢体来表达人物内心情感，刻画人物形象的能力，更注重学生的形体表现意识和创造能力。他们在传统教学模式的基础上增设了形体创作应用这一内容，也改革了传统只有“师徒式”的教学方法，使表演专业的形体课不仅仅是一门训练课，还是一门创作课。目的是通过形体语言创作技巧、动作技能与表演相结合的综合形体表现与创作能力。③据调查，目前北京电影学院、中央戏剧学院以及一些综合性大学等表演系的形体教学大纲中，都将形体训练和形体创作摆到了同等重要的位置，在教学内容和布局中也呈现了训练与创作并举的态势，从形体动作元素的创作到形体小品的编创，将形体创作与表演很好地融合在了一起。台词作为影视戏剧表演的一门基础课，在表演中起到了用有声语言传达人物思想感情，塑造人物形象的重要作用，它和形体构成了表演的两大基石，其本身的性质也决定了其与形体、声音的密切关系。当演员在用声音、语言来传情达意时，离不开手势、步态和面部表情的配合，以达到传递信息的准确性、生动性和形象性。传统的台词和声乐训练课程均采用站立或者坐着相对静止的姿态去训练学生的气息和声音，容易造成学生在练声时只关注自己的声音和气息控制，无意间造成四肢僵硬和身体的紧张，结果越练越不协调。从人的生理和心理角度来看，只有在身心彻底松弛和解放的状态下，人的能量才会被最大释放，这样人的艺术创作状态才会达到最佳境地。正如上世纪上海戏剧学院一位台词专家所说：“作为台词，它永远是行动着的言语，训练一开始就让它在行动中进行。”④由此我们可以看到，形体不仅是表演的辅助课程，对台词、声乐教学也起到促进作用。当有声语言与无声语言能很好地融合在一起时，人的内心情感、语言的节奏以及外在肢体的表现就能达到高度的和谐和统一。既然如此，那么我们的形体教学也可以在实施过程中，融入有声语言，声形结合，提升有声语言和无声语言的表现力。这是值得我们形体教学研究和思考的。

形体教学的缺憾与展望

（一）借鉴中的失误

【摘要】形体语言是除口头语言或书面语言之外，用人的动作、表情、体态等一系列形体特征来表达的一种无声语言，是表达情感、传递信息的重要载体。文章认为，幼儿教师的形体语言影响着幼儿学习活动和生活活动。通过教师形体语言的主要表现形式；教师形体语言的特性；教师形体语言的运用；教师形体语言的注意点来阐述幼儿教师形体语言的重要性。

【关键词】幼儿教师;形体语言

形体语言相较口头语言更能真实的反映人的内心情感世界，可以弥补口头语言无法表达的一些情感特征，对口头语言上有着很大补充、强化作用。幼儿教师在传授幼儿知识、传递信息、交流情感时运用形体语言会更加生动形象。

一、教师形体语言的主要表现形式

1.形象。幼儿对教师的第一印象就是通过着装和体态来获得好感。教师健康协调的身体、自然的教态、优雅的言谈举止、得体的着装都会吸引幼儿的注意。形象美需要外在和内在相结合，是由内而外的散发出气质，体现着个人的素养。教师正确得体的站姿、坐姿、走姿在课堂上也尤为重要。教师的仪表形象潜移默化的影响着每个幼儿，甚至会有幼儿争相去模仿。幼儿的模仿性极强，不懂判别好坏，万一模仿教师不好的形象呢？因此作为一名幼儿园教师要先正自身，做好为人师表的典范。2.表情。幼儿年龄小，喜欢教师多样的面部表情，这样能吸引幼儿的注意力。让活动变得有趣富有灵动性。在师幼交流时，教师时不时的点头微笑，给予幼儿一个肯定的眼神，会给幼儿更多的信心。比起空洞的口头语言“我相信你，你会回答的”更有说服力和表现力。3.肢体。幼儿喜欢和教师肢体之间亲密接触，讲话的距离、拥抱可以拉近师幼之间的距离。这样孩子会感觉到教师对他们的喜爱之情。用一些易懂的肢体手势示意幼儿，其中包括规则的制定。如：在课堂上教师示意幼儿小手要放在大腿上；教师直直的伸出手臂示意喝水、入厕要排队。

二、教师形体语言的特性

一、手势是感情的“无声的语言”

声乐演员站在舞台上演唱,自然离不开手势的表演。因为手势是人类的一种“无声的语言”,它不仅能帮助情感表达渲染气势,而且能够为形体造型。唱戏有唱戏的“架势”,唱歌要不要“架势”呢?应该说又要又不要。声乐演员站在舞台上必须有一种控制力,并且要按歌唱的正确姿势来进行歌唱艺术的表演,因此是需要有一定的“架势”的,但这种“架势”要摆得恰到好处。在歌唱艺术的表演中,应该以歌唱为主,手势动作为辅,不可喧宾夺主,分散观众的注意力。手势动作应该是千姿百态的,根据歌曲的内容需要,灵活自如地做一些手势表演。大体可归纳为“引”“定”“开”“合”“托”“错”几种手势。声乐演员在演唱时手势不能太多,双手动作要求自然、协调,做到随情而动,把手势动作放在有意无意之间。如果为了做动作去故意摆弄手势,动作就显得生硬、做作,失去了手势辅助表演的意义。要把手势动作作为表现感情的一部分,形成辅助歌唱的“无声的语言”,使歌声、手势与感情完全融会在一起。

二、眼睛是心灵的窗户

眼睛是心灵的窗户,人的各种复杂的乃至细微的感情,均能通过眼睛表达出来。不同的眼光、眼神,反映着不同的心态与感情。京剧大师侯喜瑞老先生对舞台表演中眼睛的表现方法有着很精辟的论述:“‘眼是心中苗’虽然是句俗语,但可以说明眼睛对表演的重要性,因为人物的一切感情都要通过它看出来。所以说,手、步、身、口都对了,眼睛不精,不拢神,也没法抓住观众。”侯老先生论述京剧架子花的“眼法”,对于歌唱艺术表演有很重要的参考价值。声乐演员在舞台上表演,要懂得“眼法”的表现力。首先眼睛要有神,用眼神与观众交流,用眼光示意景物的高、低、远、近,用眼睛表达情感,总之,通过眼睛各种“眼法”表演,把歌唱活了,唱出“精、气、神”来,这样才能抓住观众,才能感人。歌唱艺术的核心是情感,艺术的魅力就在于表现情感,换言之,演唱者没有歌曲的情感审美感受,就不能表现美的感情,就没有艺术。“情之相通,美寓其中。”一首歌曲能否达到强烈的震撼人心的艺术效果,当然原因是多方面的,但演唱者是否能准确、深刻地揭示自己的真实情感,可以说是“美寓其中”的基本条件之一。演唱者既要传达感情,又要使别人得到美的感受,这就要求演唱者本人首先被作品中美的情感所震动,要有一种把自己美的情感非表达出来不可的强烈愿望,这样的演唱才能具有美的感染力。

三、面部表情要有“春、夏、秋、冬”之分

古人曰:“凡人声音不等,各有所长。”我国古代卓越的音乐家、诗人和思想家嵇康,在他的《声无哀乐论》中说:“夫喜、怒、哀、乐、爱、憎、惭、惧凡此八者,生民所以接物传情,区别有属、而不可溢者也。”(今译:“大凡喜、怒、哀、乐、爱、憎、惭、惧这八种情绪,是人们用以接触事物传达感情、区别对待各种属类而不可能溢出范围的呀。”)人的种种感情在产生时都会在面部有所表现,这就是表情。情生于内而表于外。感情与表情直接相关,真实的感情和表情的表现是统一的;虚假的感情则表里不一,“皮笑肉不笑”。人的感情不同,体现在面部的表情也应该是各不相同。声乐演员在舞台上表达歌曲中的感情,一定要从面部表情上有所体现,要敢“做戏”、敢表演,是什么感情就要有什么感情,感情不同表情不同,使面部表情有“春、夏、秋、冬”之分。一首好歌得以流传,大都首先激起歌唱者的心弦共鸣,这种共鸣的获得,并不是靠流畅的旋律和华丽的词藻,而是靠真实的情感和对生活的共同体会,演唱者在舞台上的表演就是演唱者的再创作。例如《大森林的早晨》,当演唱这首歌曲时,眼前就要立刻出现晨雾、青山、流水、树木、鲜花、飞鸟等一幅有动有静色彩明丽、像诗一样清新优美的画面。各种表象同样都会清楚地呈现在眼前。声乐演员在舞台上面部表情的表演,要掌握贴切、真实、自然的要领,切不可矫揉造作。要贴切,就要表里如一。因此,根据歌曲内容表达的需要来训练自己的表情是歌唱演员的基本功之一。

篆，是古文字的统称，包括大篆和小篆。大篆，包括甲骨文、金文、籀文、石鼓文、六国古文等。大篆是成熟的文字体系，这不仅表现在甲骨文单字数量之多，而且从发现最早的武丁时期的甲骨文看，就已具备了六书造字法，完全达到了系统的成熟阶段。

大篆的发展过程可分为早期和晚期。早期的古文字师法自然，据物绘形，一字有多种写法，结体上长短大小不拘，用笔潇洒自由，还没有定型化。此期截止于西周末年，属于古文字未定型期。《说文解字叙》：“周宣王太史籀著大篆十五篇，与古文或异”。周宣王时的太史籀对古文字进行了一番整理，从而统一了全国的字体。西周末年的虢季子白盘上的文字可见其端倪，后来的《石鼓文》可为其代表。它的特点是比早期古文字规范、严整，结体极其积聚，形体上较完备，接近小篆，是大篆向小篆过渡时期的书体。此期截止秦朝统一中国，属于古文字初步定型期。至于六国古文的“语言异声，文字异形”，那是因为当时“各国诸侯互相征伐”，各自为政所形成的一些异体字，并不影响古文字初步定型期的确立。

大篆体现了据物绘形的特点，具有强烈的象形性质，近于图画，是汉字之本源的象形文字。大篆是秦以前的通用正体。

小篆又叫秦篆。公元前201年，秦始皇统一中国后，针对以前诸侯割据所形成的“语言异声，文字异形”的混乱局面，采纳了李斯提出的“书同文字”的建议，命李斯等对文字进行整理和改革成为“小篆”。小篆对大篆进行了简化，淘汰了大量的区域性的异体字，使全国文字统一起来。

小篆实行了严格的定型、定位、定音、定义，使汉字发展成为一个严整的、定型化了的科学体系。小篆属于古文字定型期。

小篆结构统一稳定，其中形声字约占80％。仅《说文解字》保留下来的小篆就有单字九千三百五十三字，而“常用字实际上只有三四千个。例如《四书》总共只用了4466个字”。（王力语）远远超出了常用字字数。同时，小篆使汉字书写线条化，偏旁简单化，笔画固定化，字形成纵势规整的长方形，奠定了汉字“方块型字”的基础。

多年来，在舞蹈形体训练和对音乐的把握实践中，深知许多经典之作，出自舞者的身心与间乐完美融合的结果。真乃令人赞叹不已。

众所周知：“音乐是舞蹈的灵魂，旋律是音乐的灵魂”。

音乐被称作是“声音的美妙组合”，也是我们能够容易理解的表述，然而在舞蹈中能够“驾驭音乐而不成为音乐的奴隶”，这是多么的令人向往啊。那么如何来理解音乐就成为打开我们“音乐瓶颈”的唯一方法，因为只有舞蹈动作与音乐的完美结合，才能彰显摩登舞之魅力，否则只能是鹦鹉学舌般的滑稽之舞了。

谈起音乐，首先不能不讨论什么是“音”？音既是声音的总称，是由于物体的振动，使周围的空气产生振动，并向四周传播，形成了一系列的波，这些波引起我们耳膜的震动，使我们才能感受到声音的存在。

自然界中能为我们人的听觉所感受的声音是非常多的，但并不是所有的声音都可以作为音乐的材料。在音乐中所使用的音，是一系列有固定频率或固定音高的音，这一系列的音称为音列，是在长期的音乐实践中发展中形成的。这些音被组成为一个固定的体系，用来表现音乐思想和塑造音乐形象。

音有高低、强弱、长短、音色四种性质。音的高低是由物体在一定时间内的振动次数（频率）决定的。振动次数多音就高，振动次数少音就低。一般人耳能够听到的音频范围约为30-17000赫兹。音的长短是由于振动的延续时间决定的，振动延续时间长音就长，振动延续时间短音就短。音的强弱是由于“振幅”即物体振动范围的幅度大小决定的。振幅大音就强，振幅小音就弱。“音色”是由发音物体所产生的“谐波”决定的，发音物体的性质、形状不同，所产生的“谐波”也不同，因而音色也不同。

内容摘要:声情并茂的表演,必须具备一定的心理素质和扎实的基本功,形式与内容的完美统一,才是艺术表演追求的最高目的。此文着重谈一谈歌唱的舞台形体问题。具备神形兼备的表演,才能给观众带来美好的第一印象,使歌唱有一个好的开端。

关键词:声乐演员舞台形体表演声情并茂神形兼备

声乐演员在舞台上不仅要歌唱,同时又要进行“神形兼备”的舞台艺术表演。如果一个歌唱者站在舞台上从头到尾一动不动地只唱不做动作,这种演唱就显得呆板而缺乏生动感。而美好的歌声与“神形兼备”的舞台艺术表演相结合,就能使歌声更加传神,使表演更加形象化。这是歌声与形象完美统一的结果。

我国京剧,经历了一两百年的发展,形成了许多传统的有着程式化的舞台艺术表演方法,概括为“四功”(唱、念、做、打)“五法”(手、眼、身、步、口)。著名京剧艺术家侯喜瑞说:“‘做’就是说以表演为主。‘表演’不论是哭、笑、惊、喜……都得通过手、眼、身、步、口五法。”侯老先生的话中,我们可以看出,凡属声乐舞台表演艺术总是将演唱与“神形兼备”的表演密切地结合在一起。演唱者的责任是不仅自己具有美妙的情绪感觉,而且更重要的是让大众也具有相同的感觉。因此,声乐演员也有必要研究一下舞台艺术表演方面的问题。

一、手势是感情的“无声的语言”

声乐演员站在舞台上演唱,自然离不开手势的表演。因为手势是人类的一种“无声的语言”,它不仅能帮助情感表达渲染气势,而且能够为形体造型。唱戏有唱戏的“架势”,唱歌要不要“架势”呢?应该说又要又不要。声乐演员站在舞台上必须有一种控制力,并且要按歌唱的正确姿势来进行歌唱艺术的表演,因此是需要有一定的“架势”的,但这种“架势”要摆得恰到好处。在歌唱艺术的表演中,应该以歌唱为主,手势动作为辅,不可喧宾夺主,分散观众的注意力。手势动作应该是千姿百态的,根据歌曲的内容需要,灵活自如地做一些手势表演。大体可归纳为“引”“定”“开”“合”“托”“错”几种手势。声乐演员在演唱时手势不能太多,双手动作要求自然、协调,做到随情而动,把手势动作放在有意无意之间。如果为了做动作去故意摆弄手势,动作就显得生硬、做作,失去了手势辅助表演的意义。要把手势动作作为表现感情的一部分,形成辅助歌唱的“无声的语言”,使歌声、手势与感情完全融会在一起。

本文作者：阎桂兰工作单位：哈尔滨幼儿师范高等专科学校

幼师形体课教学与训练，能够培养学生的内涵和审美意识

从陶治学生的情操来看，通过形体训练课的教育教学，能够提高学生审美能力，培养开朗性格，形成良好的体态和感受美、创造美、体验美、欣赏美的能力，同时提高学生对社会的适应能力，更好的培养了她们的想象力、创造力。形体课教育和训练正是完成这一任务的重要手段之一。它不仅是学生走向健康的基础，更是形成健美体态和形体的一个保障性条件，而且通过音乐伴奏，培养学生的节奏感，使学生感受形体美、姿态美的体验标准。通过所学知识的方法、手段，去创造和发展自身美的同时，通过音乐伴奏、节奏、韵律感的训练，进一步陶冶情操，锻炼坚韧的意志品质，提高学生对美的感知、欣赏、创造能力，更好的掌握形体训练和学习方法。

形体训练能够满足学生的审美愿望

体态健美是新一代青年的愿望，从风霏世界的健美操热及现代舞的潮流可以看出，人们崇拜身体的健美，在体育课中开设形体训练课，进行形体教育和训练，不仅是保证健康的需要，也是时展的需要，更是我国教育目标发展的需要。多年来，我校新生入学后，就在体育课中开设形体训练课，在教学实践中，首先让学生掌握正确的基本姿势，从站、立、行、走开始，注重头、手、腰、腹、腿等部位的正确姿势的培养，先从原地站立逐步进入到行进间，先从徒手动作开始，逐渐过渡到利用器械，先教协调性低的动作，在熟练的基础上增加难度。在学好基本动作的基础上，每个学年选择3-4套套路动作与动作节拍相符合的，并适合学生特点的音乐，在音乐伴奏下进行各种形体动作练习，使学生不断的积累更多的成套的形体训练动作。最后，通过学前儿童健康教育方法的学习，使学生达到自己创编幼儿形体训练表演操的任务。

幼师校本教材及大纲编写原则

摘要：唱歌是指通过抑扬顿挫、有节奏的音调发出美妙的声音，给人们以享受，进而缓解人们心中焦虑感，陶冶情操。由于唱歌表演具有一定的随机性，所以对演唱者的姿势有着一定要求，基于此，本文就对形体艺术在唱歌表演中的合理运用展开探究，以期为唱歌表演提供参考依据。

关键词：形体艺术；唱歌表演；合理运用

唱歌表演不仅要求唱歌者有好嗓子，还需要唱歌者掌握一定的形体艺术动作，为观众营造一个和谐统一的歌曲意境，进而吸引观众注意力，获得更多的称赞。基于此，本文就对形体艺术在唱歌表演中的重要意义进行阐述，并提出具体的应用对策，以期提高唱歌表演质量，满足观众需求。

一、形体艺术在唱歌表演中的重要意义分析

（一）通过形体艺术展现歌唱者心理活动。现阶段，歌手在进行歌唱表演过程中为了将唱歌演唱的更加生动，经常会在唱歌过程中添加一些形体艺术，如，手部动作、舞蹈等等，通过这些动作，将不同风格歌曲的主体表现的淋漓尽致，获得观众掌声。在歌唱表演中融入形体艺术可以将歌唱者的心理活动全面展现出来，具体体现在以下两个方面：一方面，形体艺术是人们情感的动作表达，通过不同的动作表现不同感情，给观众不同的视觉效果。另一方面，演唱者在唱歌表演过程中经常会有自己的感受，在形体艺术中传递自身在演唱歌曲时的感受，从而增加歌曲的魅力，给观众一种视觉审美体验。（二）提高唱歌表演活动的质量。众所周知，唱歌是音乐课程的重要组成部分，具有一定的写实性，作曲家在创作过去过程中，经常是“寄情于歌”，在歌曲中掺杂自身情感，通过歌曲获得自身体验，从而增加作品的内涵，提高歌曲质量。在此种情况下，歌唱者在歌曲演唱过程中融入形体艺术，增加与观众的互动环节，在与观众互动过程中，根据观众反应调整形体边沿，从而提高歌唱表演质量，给观众一场完美的视觉体验。（三）通过形体艺术对歌曲进行二度创作。歌曲演唱就是对歌曲的二次创作，可以将歌曲内容进行丰富，提高观众对歌曲表演的观看欲望，保证歌曲演唱效果。通常情况下，形体艺术是对歌曲的二度创作主要体现在以下两个方面：一方面，歌曲演唱者在歌曲演唱过程中将歌词重新编写，增添歌曲价值、内涵，满足更多观众的需求。另一方面，歌曲演唱者在歌曲演唱过程中增添形体艺术，穿着不同服装、佩戴不同饰品，给观众一场不同的视觉盛宴，保证歌曲演唱效果。

二、形体艺术在唱歌表演中的合理运用分析

摘要：体育舞蹈作为西方集体育与舞蹈于一身的健康娱乐项目，自上世纪引入我国以来，一直受到大众的追捧。本文以我国体育舞蹈专业学校的形体训练课程为对象，通过对我国32个地方的体育舞蹈专业学校在形体训练课的教学计划、培养方案等多个方面进行了深入调查，在研究中结合文献分析法、专家访谈法等方式，提出了其现存的问题和解决策略，并对当下我国体育舞蹈的发展提出了相应的发展建议。

关键词：体育舞蹈形体培训教学

1、体育舞蹈概述

体育舞蹈源于英国，在欧美盛行，是一种融合了体育与美的新型娱乐健身项目，涉及音乐、生理学、美学、心理学、服装学等多个领域，又名社交舞。随着人们生活水平的不断提高，人们对健康与美的追求也不断增强，于是，体育舞蹈凭借自身兼具实用与美感的功能，越来越多的被人们认可。从1986年引入我国，到1991年成为正式比赛项目，再到2002年《全国普通高等学校体育课程教学指导纲要》的颁布，体育舞蹈逐步渗透进大众的生活，尤其是在高校的课程运用方面得到了极大的进展。高校设置体育舞蹈专业，将体育舞蹈在科学研究与教学运用方面都进行了深入的探究，发展速度也十分迅速。当然，由于我国引入体育舞蹈的时间不及西方，故无论是在实践还是理论方面都与世界体育舞蹈强国有很大的差距。体育舞蹈作为一项兼具流行与古典、艺术与美学于一体的健康娱乐项目，其功能性在当下得到了极大的发挥。也是基于这样的特点，体育舞蹈在当初引入国内时就没能系统科学的运用到教学活动；不仅如此，由于是交叉学科，很多高校的任课老师都并非专业的体育舞蹈老师，故在授课过程中并不能系统一致的进行教学；此外，高校对体育舞蹈的重视程度也直接影响了其在该课程上课时的安排。以上种种原因都直接影响着我国体育舞蹈事业的发展，因此，如何根据当下高校体育舞蹈的发展情况进行争对性的改善，是值得思考的问题。第一，对形体教学的研究，即在教学目标和内容上应多下功夫，找出当下高校体育舞蹈课程中存在的问题，结合其他高校的数据，分析出有效的解决方案。第二，对各高校的体育舞蹈课程设置进行调查汇总，找到课程的受用者的认可度和兴趣，从而针对性的提出解决策略。当然，体育舞蹈课程的改进与革新都应坚持理论与实践相结合，内容多样化和设置科学合理化的原则。只有科学有效的训练，才能在自然的状态下实现产出最大化。

2、我国当下体育舞蹈专业学校形体训练课程现状分析

2.1、我国体育舞蹈的发展现状