写意油画范文10篇

摘要：中国当代油画家一方面学习和借鉴西方现代艺术的同时，另一方面也对本土传统文化产生浓厚的兴趣，中国油画也开始趋向于写意的表现形式，在油画表现形式上既受西方现代主义影响同时也传承了中国传统文人画的气质精髓，传统文人画中的美学经验以及绘画技法对当意油画都产生了很大的影响，在发挥油画原有艺术语言与表现力的同时，融入中国的写意精神和笔墨意趣。但同时我们还需面临的一些重要的问题。如：加强对传统文化精髓的研究与理解，深刻领悟意象写意的深层内涵等。中国的“写意”概念并非以工具材料来界定，也不是以作画速度的快慢去体现，更不是简单的样式模仿，它是由“写意性”精神的内涵决定的，只有内在精神才具有实质性价值和意义，才能真正体现民族文化精神。

关键词：文人画写意写意油画

随着当代社会经济文化的不断发展，国际文化交流不断升温，中国当代油画越来越受西方现代绘画观念、思想、风格的影响。油画作品同时也呈现出多种表现形式，多种风格。中国油画家也同时对油画艺术进行了深入的反思，使得中国油画更趋向多元与个性化。“中国油画家一方面学习和借鉴西方现代艺术的同时，另一方面也对本土传统文化产生浓厚的兴趣。于是，表现、抽象和象征成为新的艺术取向，中国油画也开始趋向于写意的表现形式，并成为当代中国油画的一大特色。“中国传统绘画原本就具有表现意味的写意性，使中国油画家在理念与趣味上与西方表现主义产生了某种共鸣。”，中国文化中的意象，既不是单纯客观世界的再现，也不是纯主观的表现，而是主客互渗、物我相融的“意象”，中国传统文人画的“写意”，“写”是一份心情、一种态度、一片坦然，是心灵深处的自然流淌。“写”更是一种功夫、一番感受，并经由一个“写”字，把画家的性情感怀淋漓尽致地表白“。写”还是一种充满着“道”的意识，伴随艺术家主观精神的“意”，使内心情思得于表达。这正是中国传统“写意精神”的实质内涵。

早在1957年，著名油画家董希文在《从中国绘画的表现方法谈到中国油画风》一文中就明确指出：“油画中国风从绘画风格方面讲，应该是我们油画家的最高目标。要使我们的油画赶上世界先进水平，在世界艺术舞台上发出光辉，绝不是仅仅把我们油画画得跟西洋的油画一模一样。即使将来我们的油画形式、技法能够达到欧洲一样的水平，我们也不能以此为满足。我们有我们民族自己的艺术优良传统的继承和发展。中国画家应该有中国画家的气质，自己对生活的想法、看法和表现法。”由此可见，老一辈油画家也早已意识到“油画中国风”的必要性与重要性,然而最能体现“油画中国风”实质内涵的“意象油画”，经过油画家们多年努力的探索与尝试，已经展现了可喜的成果，而且正处于新的发展势头。意象写意油画的出现，在艺术语言、表达样式逐渐模糊的今天，是必然的发展趋势。

中国当意油画既受西方现代主义影响同时也传承了中国传统文人画的气质精髓。如，画面色彩比较单纯。“文人画受道家的影响很大，道家中又数老子庄子的影响最深。道家崇尚自然，因而反映在文人画的精神中也是将“自然”作为绘画的准则。并且老庄对于色彩主张“朴素玄化”，提倡“故素也者，谓其无所与杂也”，“朴素而天下莫能与之争美”。这种观点逐渐成为中国传统绘画的审美要素之一。中国当意油画中，画家作品体现出来的特征也是极其明显的，：“作品基本色调一致，甚至是单色画，造型上也极力简化，形成具有自己独特风格的画面效果和表现形式。

中国传统文人画非常注重通过“虚”和“留白“来体现画家的情怀，主张大象无形，给观者以更大的想象和思维空间，同时也更完整而充分的表现出画面的气韵，以达到”天人合一”的至高境界。南齐谢赫提出了“气韵生动”的观点，并成为历代绘画艺术的要求和作品评论的重要因素之一。空白处是虚，也是实，亦可以是其他的物象，如天空、地面、河水等，观赏者自然会产生联想。由此可见，中国绘画最重空白。空白处并非真空，乃灵气往来生命流动之处。以虚带实，以实带虚，虚中有实，实中有虚，虚实结合，这正是中国美学思想中的核心所在。这里的“气”，包含有宇宙万物本体和生命与艺术家自身元气的综合，“韵”则指的是物象的风姿神貌。“气”和“韵”构成了物象表现的生命力，也是构成画面耐人寻味的重要因素。中国画追求空灵，讲究“虚”和“空”的处理，其理论也是由阴阳观演化而来的。虚空是画面产生“气”的重要元素，这“气”不单指具体物象，也指表现物象之虚空。没有虚空，就不会有灵气流动的迹象，更不可能产生“气韵生动”的生命力。中国当意油画吸收了传统文人画的表现手法，使得作品更具“逸气”，让观者也更荡气回肠。油画画面中的留白处还可以借助油画颜料的特有质地形成肌理。这种肌理感使得画面具有一种很强的张力，成为一种特殊的绘画语言。如画家何多伶近几年的作品，以及青年画家毛焰的作品中我们都能感受到这一点。

中国油画它既是西方画种，又是在中国的思想体系中成长的。中国油画不能单纯学习西方的表现手法，无论是古典的写实主义还是现代的印象、表现，抽象、立体、波普等，都是纯粹西方的，对中国油画的影响是显然的。但中国油画应吸取本土的传统文化，让油画民族化。所谓“油画中国风”是油画家董希文在《从中国绘画的表现方法谈到中国油画风》文中谈到的。他认为：“油画中国风从绘画风格方面讲，应该是我们油画家的最高目标。要使我们的油画赶上世界先进水平，在世界艺术舞台上发出光辉，决不是仅仅把我们油画画得跟西洋画一模一样。即使将来我们的油画形式、技法能够达到欧洲一样的水平，我们也不能以此为满足。我们有我们民族自己的优良传统的继承和发展。中国画家应该有中国画家的气质，自己对生活的想法、看法和表现法。”由此可见，老一辈画家们早已意识到中国油画家必须走中国特色的道路，中国传统绘画具有表现意味和写意性，这方面又和西方表现主义艺术产生了共鸣。写意性是中国传统文化的独特的美学因素，有着悠久的历史与丰富的文化资源。

中国写意油画的进一步构建对于中国写意油画理论和创作主要有两种表现：其一，认为只要掌握了西方油画技巧，中国人画的油画就必然有自己的特点，在绘画实践中往往是被动模仿西方传统油画技巧，有意无意忽略了绘画所承载的民族气魄和文化精神。其二，认为油画中国化、写意油画是嫁接后的折中风格，产生不出“中国版本”的油画。笔者认为对第一种倾向需要我们在油画创作实践中用历史唯物主义和辩证的观点加以反思，而第二种观点则根本就是错误的，因为不同文化的碰撞、交流与融合总有其同质“基因”的激发，这正是文化更新发展的内在根源。同样，在中国传统绘画写意性观念基础上产生和发展的中国写意油画，是中国意象美学观在现代油画中的体现，它既站在传统文化的高起点上，有着广泛的民族基础，又具有一定的世界性，是中国油画昭著于世的必然趋势。所以，我们应该有足够的自信把中国写意油画进一步构建好。为此，作者作了如下思考：

一、民族文化艺术审美对西方油画的扬弃

西方油画在几百年的发展演变中，它的形体、色彩、材质的丰富表现性对视觉产生的强烈冲击力，特别是油画创作所承载的人文精神和独特的审美趣味，是油画语言独特魅力和其艺术生命力所在。所以，中国写意油画的发展及民族化不能脱离对西方油画发展中优秀成分的继承和学习。在研究和掌握西方油画技法与创作规律的基础上，只有从外在形式到艺术精神上真切的把握到油画创作的真谛，才能在写意油画中自如地驾驭油画语言，体现人文精神，使中国油画最终为本民族及世界认同。当然，诸如西方的文化霸权、惟西方独尊之类的东西，以及艺术上一味对西方油画技巧的片面追求，都应该在文化大融合的大背景下得以扬弃。正如吴冠中所指出的“学习和借鉴西方长处则应别具慧眼”，那样亦步亦趋地仿效或“翻版”西方油画，既无必要也无出路，因为好的油画作品既有它与生俱来的优秀品质又有在此基础上创造而体现出的独特审美趣味。

二、民族文化艺术审美的拓展与超越

在民族化写意油画中对传统“元素”（样式、风格、方法、材质）不能只是效仿、利用或仅用油画材质表现传统文化元素的“表层化”，油画的民族化应该是中国文化精神、民族审美心理和地域特征对外来油画艺术内核的转换，也并非是油彩的中国画。写意油画应从中国艺术特殊的思维和表现方式这一原点出发，取得与中国艺术精神的正面链接，经过一个当代视角的过滤、改造、转移和超越，从而发现并获取新的创造元素或“基因”，才能使它们重新“复活”在当代艺术的躯体上，并将中国传统文化精神在中国油画艺术中加以延伸和发展，实现中国油画对民族文化艺术审美的拓展与超越。否则简单地“翻版”的传统，就不能超越自身而进入当代艺术的新视野。

摘要：中国当代油画家一方面学习和借鉴西方现代艺术的同时，另一方面也对本土传统文化产生浓厚的兴趣，中国油画也开始趋向于写意的表现形式，在油画表现形式上既受西方现代主义影响同时也传承了中国传统文人画的气质精髓，传统文人画中的美学经验以及绘画技法对当意油画都产生了很大的影响，在发挥油画原有艺术语言与表现力的同时，融入中国的写意精神和笔墨意趣。但同时我们还需面临的一些重要的问题。如：加强对传统文化精髓的研究与理解，深刻领悟意象写意的深层内涵等。中国的“写意”概念并非以工具材料来界定，也不是以作画速度的快慢去体现，更不是简单的样式模仿，它是由“写意性”精神的内涵决定的，只有内在精神才具有实质性价值和意义，才能真正体现民族文化精神。

关键词：文人画写意写意油画

随着当代社会经济文化的不断发展，国际文化交流不断升温，中国当代油画越来越受西方现代绘画观念、思想、风格的影响。油画作品同时也呈现出多种表现形式，多种风格。中国油画家也同时对油画艺术进行了深入的反思，使得中国油画更趋向多元与个性化。“中国油画家一方面学习和借鉴西方现代艺术的同时，另一方面也对本土传统文化产生浓厚的兴趣。于是，表现、抽象和象征成为新的艺术取向，中国油画也开始趋向于写意的表现形式，并成为当代中国油画的一大特色。“中国传统绘画原本就具有表现意味的写意性，使中国油画家在理念与趣味上与西方表现主义产生了某种共鸣。”［1］，中国文化中的意象，既不是单纯客观世界的再现，也不是纯主观的表现，而是主客互渗、物我相融的“意象”，中国传统文人画的“写意”，“写”是一份心情、一种态度、一片坦然，是心灵深处的自然流淌。“写”更是一种功夫、一番感受，并经由一个“写”字，把画家的性情感怀淋漓尽致地表白“。写”还是一种充满着“道”的意识，伴随艺术家主观精神的“意”，使内心情思得于表达。这正是中国传统“写意精神”的实质内涵。［2］

早在1957年，著名油画家董希文在《从中国绘画的表现方法谈到中国油画风》一文中就明确指出：“油画中国风从绘画风格方面讲，应该是我们油画家的最高目标。要使我们的油画赶上世界先进水平，在世界艺术舞台上发出光辉，绝不是仅仅把我们油画画得跟西洋的油画一模一样。即使将来我们的油画形式、技法能够达到欧洲一样的水平，我们也不能以此为满足。我们有我们民族自己的艺术优良传统的继承和发展。中国画家应该有中国画家的气质，自己对生活的想法、看法和表现法。”由此可见，老一辈油画家也早已意识到“油画中国风”的必要性与重要性,然而最能体现“油画中国风”实质内涵的“意象油画”，经过油画家们多年努力的探索与尝试，已经展现了可喜的成果，而且正处于新的发展势头。意象写意油画的出现，在艺术语言、表达样式逐渐模糊的今天，是必然的发展趋势。

中国当意油画既受西方现代主义影响同时也传承了中国传统文人画的气质精髓。如，画面色彩比较单纯。“文人画受道家的影响很大，道家中又数老子庄子的影响最深。道家崇尚自然，因而反映在文人画的精神中也是将“自然”作为绘画的准则。并且老庄对于色彩主张“朴素玄化”，提倡“故素也者，谓其无所与杂也”，“朴素而天下莫能与之争美”。［3］这种观点逐渐成为中国传统绘画的审美要素之一。中国当意油画中，画家作品体现出来的特征也是极其明显的，：“作品基本色调一致，甚至是单色画，造型上也极力简化，形成具有自己独特风格的画面效果和表现形式。

中国传统文人画非常注重通过“虚”和“留白“来体现画家的情怀，主张大象无形，给观者以更大的想象和思维空间，同时也更完整而充分的表现出画面的气韵，以达到”天人合一”的至高境界。南齐谢赫提出了“气韵生动”的观点，并成为历代绘画艺术的要求和作品评论的重要因素之一。空白处是虚，也是实，亦可以是其他的物象，如天空、地面、河水等，观赏者自然会产生联想。由此可见，中国绘画最重空白。空白处并非真空，乃灵气往来生命流动之处。以虚带实，以实带虚，虚中有实，实中有虚，虚实结合，这正是中国美学思想中的核心所在。这里的“气”，包含有宇宙万物本体和生命与艺术家自身元气的综合，“韵”则指的是物象的风姿神貌。“气”和“韵”构成了物象表现的生命力，也是构成画面耐人寻味的重要因素。中国画追求空灵，讲究“虚”和“空”的处理，其理论也是由阴阳观演化而来的。虚空是画面产生“气”的重要元素，这“气”不单指具体物象，也指表现物象之虚空。没有虚空，就不会有灵气流动的迹象，更不可能产生“气韵生动”的生命力。中国当意油画吸收了传统文人画的表现手法，使得作品更具“逸气”，让观者也更荡气回肠。油画画面中的留白处还可以借助油画颜料的特有质地形成肌理。这种肌理感使得画面具有一种很强的张力，成为一种特殊的绘画语言。如画家何多伶近几年的作品，以及青年画家毛焰的作品中我们都能感受到这一点。

论文关键词：文人画写意写意油画

论文摘要：中国当代油画家一方面学习和借鉴西方现代艺术的同时，另一方面也对本土传统文化产生浓厚的兴趣，中国油画也开始趋向于写意的表现形式，在油画表现形式上既受西方现代主义影响同时也传承了中国传统文人画的气质精髓，传统文人画中的美学经验以及绘画技法对当意油画都产生了很大的影响，在发挥油画原有艺术语言与表现力的同时，融入中国的写意精神和笔墨意趣。但同时我们还需面临的一些重要的问题。如：加强对传统文化精髓的研究与理解，深刻领悟意象写意的深层内涵等。中国的“写意”概念并非以工具材料来界定，也不是以作画速度的快慢去体现，更不是简单的样式模仿，它是由“写意性”精神的内涵决定的，只有内在精神才具有实质性价值和意义，才能真正体现民族文化精神。

随着当代社会经济文化的不断发展，国际文化交流不断升温，中国当代油画越来越受西方现代绘画观念、思想、风格的影响。油画作品同时也呈现出多种表现形式，多种风格。中国油画家也同时对油画艺术进行了深入的反思，使得中国油画更趋向多元与个性化。“中国油画家一方面学习和借鉴西方现代艺术的同时，另一方面也对本土传统文化产生浓厚的兴趣。于是，表现、抽象和象征成为新的艺术取向，中国油画也开始趋向于写意的表现形式，并成为当代中国油画的一大特色。“中国传统绘画原本就具有表现意味的写意性，使中国油画家在理念与趣味上与西方表现主义产生了某种共鸣。”［1］，中国文化中的意象，既不是单纯客观世界的再现，也不是纯主观的表现，而是主客互渗、物我相融的“意象”，中国传统文人画的“写意”，“写”是一份心情、一种态度、一片坦然，是心灵深处的自然流淌。“写”更是一种功夫、一番感受，并经由一个“写”字，把画家的性情感怀淋漓尽致地表白“。写”还是一种充满着“道”的意识，伴随艺术家主观精神的“意”，使内心情思得于表达。这正是中国传统“写意精神”的实质内涵。［2］

早在1957年，著名油画家董希文在《从中国绘画的表现方法谈到中国油画风》一文中就明确指出：“油画中国风从绘画风格方面讲，应该是我们油画家的最高目标。要使我们的油画赶上世界先进水平，在世界艺术舞台上发出光辉，绝不是仅仅把我们油画画得跟西洋的油画一模一样。即使将来我们的油画形式、技法能够达到欧洲一样的水平，我们也不能以此为满足。我们有我们民族自己的艺术优良传统的继承和发展。中国画家应该有中国画家的气质，自己对生活的想法、看法和表现法。”由此可见，老一辈油画家也早已意识到“油画中国风”的必要性与重要性,然而最能体现“油画中国风”实质内涵的“意象油画”，经过油画家们多年努力的探索与尝试，已经展现了可喜的成果，而且正处于新的发展势头。意象写意油画的出现，在艺术语言、表达样式逐渐模糊的今天，是必然的发展趋势。

中国当意油画既受西方现代主义影响同时也传承了中国传统文人画的气质精髓。如，画面色彩比较单纯。“文人画受道家的影响很大，道家中又数老子庄子的影响最深。道家崇尚自然，因而反映在文人画的精神中也是将“自然”作为绘画的准则。并且老庄对于色彩主张“朴素玄化”，提倡“故素也者，谓其无所与杂也”，“朴素而天下莫能与之争美”。［3］这种观点逐渐成为中国传统绘画的审美要素之一。中国当意油画中，画家作品体现出来的特征也是极其明显的，：“作品基本色调一致，甚至是单色画，造型上也极力简化，形成具有自己独特风格的画面效果和表现形式。

中国传统文人画非常注重通过“虚”和“留白“来体现画家的情怀，主张大象无形，给观者以更大的想象和思维空间，同时也更完整而充分的表现出画面的气韵，以达到”天人合一”的至高境界。南齐谢赫提出了“气韵生动”的观点，并成为历代绘画艺术的要求和作品评论的重要因素之一。空白处是虚，也是实，亦可以是其他的物象，如天空、地面、河水等，观赏者自然会产生联想。由此可见，中国绘画最重空白。空白处并非真空，乃灵气往来生命流动之处。以虚带实，以实带虚，虚中有实，实中有虚，虚实结合，这正是中国美学思想中的核心所在。这里的“气”，包含有宇宙万物本体和生命与艺术家自身元气的综合，“韵”则指的是物象的风姿神貌。“气”和“韵”构成了物象表现的生命力，也是构成画面耐人寻味的重要因素。中国画追求空灵，讲究“虚”和“空”的处理，其理论也是由阴阳观演化而来的。虚空是画面产生“气”的重要元素，这“气”不单指具体物象，也指表现物象之虚空。没有虚空，就不会有灵气流动的迹象，更不可能产生“气韵生动”的生命力。中国当意油画吸收了传统文人画的表现手法，使得作品更具“逸气”，让观者也更荡气回肠。油画画面中的留白处还可以借助油画颜料的特有质地形成肌理。这种肌理感使得画面具有一种很强的张力，成为一种特殊的绘画语言。如画家何多伶近几年的作品，以及青年画家毛焰的作品中我们都能感受到这一点。

内容摘要：材料文化的产生，承载并发挥着艺术家个人的想象和创造。综合材料的应用给画面增添了趣味性，增强了画面的表现力，并契合了中国绘画的写意精神。文章探讨了新材料在绘画作品中运用的本质和内涵，阐述了材料文化对当代绘画作品的影响。

关键词：材料文化形式感表现力中国绘画

从古至今，人们对绘画材料的探索从未停止过，近年向更宽泛的材料领域发展，于是材料文化应运而生。所谓材料文化，是对材料的综合运用并形成大的包容性氛围。那么怎样开发和应用新的绘画材料，发挥其质感和物理特性呢？这就需要对传统材料加以改进，同时又能在新的绘画语言中加入绘画者的思想语汇，这无疑是中外艺术家的共同追求。随着工业技术的发展，新型的绘画材料层出不穷，越来越多的当代艺术家在创作中开始尝试应用这些新型的材料，绘画种类因为材料的综合而变得模糊。对综合材料的运用与探索，给以水墨为背景的当代艺术带来了全新的面貌。

一、新材料的运用打破了传统绘画依赖的两个元素

传统绘画依赖的两个元素是笔触平整、画面光洁。在视觉上没有太大的起伏，这是早期绘画的审美取向。平面绘画要有准确的造型、完整的视觉空间、优雅而有层次的色彩。新型画材的运用逐渐向传统绘画观念提出挑战，这种绘画开始把重心从纯粹的手工描绘过渡到对画面制作的关注，从而增强了作品的形式感。艺术作品在形式和维度上都有了新的变化，材料在传统基础上的转变丰富了画面的效果。综合材料的不断更新和应用，不仅仅落在画面制作技术的层面，同时体现了艺术家的观念和对新事物的关注与认识。当代艺术家比较青睐丙烯颜料、厚重油彩、多种肌理材料等，画面的制作更是利用了新兴的三维造型塑造、影像拼贴、喷绘等形式。画面上粗糙的凹凸感增加了画面的厚度，自然肌理条纹是纸质拼贴在画面上的自然过渡，运用胶类能在画面上产生沉重的流淌感，许多裂纹渐变组合给欣赏者带来了全新的感受，这是因为绘画材料本身就是一种形式感很强的绘画元素。综合材料的开发和应用给画面制造了无尽的可能性，绘画作品形式上的突破给视觉带来全新的感受。当代的一些画家因大胆运用综合材料，其绘画作品在语言和样式上都有了新的突破。

二、新材料的不断介入突显了艺术作品的表现力

内容摘要：随着时代的发展，素描意识和感悟受审美倾向、意识观念等的影响而悄悄改变着。在当代中国写实油画观念化背景下的新思想、新观念、新技法，冲击了我国较为单一狭窄的素描意识和体系，在注重绘画精神和绘画思想表达的新时代，素描意识出现了多元化发展的新局面。

关键词：当代艺术油画观念化素描意识多元化

艺术发展到了当代，“观念”这个词经常出现，它表明艺术方式已经发生变化，对于艺术史来说是一种进步。

一、当代艺术的观念化

“观念”这个词汇在当今的运用，应有广义与狭义之分。广义的“观念”使用在一种俗语层面上，通常是表示人们对社会、对文化的看法。如我们常说的观念陈旧、观念更新等；狭义的“观念”是指艺术家以某种思想、意图进入创作的一种当今的艺术思考与创作方式，它是艺术进入20世纪以后，特别是当代艺术的产物。①本文所述主要涉及狭义上的“观念”。

观念艺术的特点是：1.强调思想性与批判性，强调艺术的当下性，这其中既包括了对社会生活、道德的批判，也包括对思想方式与思维方式的反思……2.反对对象化。这里的对象化是指从古典艺术以来的对象中心主义，即以所描绘的故事、情节以及所渲染的情绪为主要对象。3.反形式主义，甚至是反审美。4.崇尚智性因素。观念必须以非日常语言方式呈现，因此进入艺术语言状态。5.摒弃风格。6.反对收藏。②

摘要本文对当前中国写意人物画创作中值得关注的问题进行了分析。

关键词写意挑战超越

一、使命与挑战

市场经济是把双刃剑，一方面，画家以自己的作品进入市场，成为体现价值的收藏热点，成为一种能够流通的特殊商品。画家在这种选择性极强的情势下，努力提高技艺、开掘表现领域，创作符合市场需要的作品，同时传承宏扬中国文化，创作出具有时代烙印的精品，这样一来，绘画艺术方面得以大的发展，其深厚的文化底蕴得以在更多更广的层面上传播。但市场经济同时也是一剂腐蚀剂，它带来的活跃和变数似乎在一夜之间让人觉得无法捉摸，艺术品成了最不可估量的特殊商品，往往一名不文的东西，经过某些魔术师般的手一变，成了让人仰目的天价作品，成了少数高消费的人手里的玩具，身份的象征等等，而真正的文化欣赏价值被抛在了一边。在这样的大背景下，很难不对进行艺术品创作的人加以影响，这些影响表现在很多方面，这里不用作更多的赘述，用社会上的流行语说是“浮燥”、“向钱看”，实际上深层次的原因还有很多。所以，正确地做好中国人物画艺术理论梳理工作，更好地运用实践检验理论、理论指导实践的有效方法，对于迎接即将到来的中国艺术大发展和产业化转型的时代要求是非常有必要的。

中国写意人物画到底表现的是什么，它的精神内涵是什么?它能够得以上至远古的人在原始陶器上的作画开始到各种不同材质和制作手段加入的当代中国人物画赖以生存的本质东西是什么々它的人文关怀本质应该具体体现在哪些方面?它的功能和价值体现是否符合当代中国乃至东方文化发展诉求?它的具体存在理由是什么?它的服务对象和消费对象到底是哪些阶层，和人群?以及正在发生着怎么样的变化?在读图时代的今天和将来，它的状态和地位将是什么样的?——这些大的宏观的抽象问题的提出同历代中国画家的实践活动似乎是脱节的。对于个体的画家而言，他们无须也无暇去考虑这种看起来脱离实际的空洞理论，他们需要的是实践，用大量的实践去探索或者说补充这些理论潜行的基础，而把理论的问题留给了那些艺术理论家去解决。这好像是一种俗成的约定，就像在厨房炒菜的师傅既不想也绝不会去大堂叫卖一样。但是，这些问题直接面对画家、艺术理论家和观众、收藏者等，毋庸置疑的是存在的，无论怎么都是绕不过去的。

问题还是提出了：理论的力量是强大的，无论如何是不应该同艺术实践分开的。随着高校艺术教育井喷似的发展，那些原本很多来自民间的艺术家连同他们的艺术品一起走进了高校的艺术殿堂，我们似乎有了充分的理由相信这种变化是令人欣慰的，像当年留洋的徐悲鸿先生把民间的高手齐白石请进中央美院，以后发生的事情一直成为中国美术界的一大美谈一样。民间艺术家第一次有了和理论家结合的契机，他们社会地位的提高也使他们开始把自己的艺术实践加以总结，这些文字不多但却是一份弥足珍贵的文化遗产。

摘要：中国的油画艺术，它作为西方的舶来品，在中国经历数百年之久，已经开始慢慢融入到中国人的生活当中。在这一过程之中，其在借鉴和吸收西方表现主义诸多流派其精华的同时，也注意到与本民族的文化艺术精神的再造。本文将从其发展过程来研究中国当代表现主义艺术的特征以及对中国油画艺术的本土化影响。

关键词：表现主义绘画；中国油画艺术；表现性特征

绘画中的表现主义，起源于德国，之后在诗歌、戏剧、小说等领域都产生了广泛的影响。二十一世纪初，由于全球化浪潮的影响日趋显著，任何一个地区或角落发生轻微的变化，都会在世界范围内产生巨大的颤动。中国油画艺术自从西方传入以来，经过数百年的演变，开始日趋成熟起来。对于中国当代的表现性油画艺术，其产生与西方的表现主义有着一定的关系，除了受中国传统写意观念的影响，而且在程度上，也正是受西方表现主义观念的影响，才会有中国油画中的表现性因素的形成与发展。

一、西方表现主义艺术的历史追踪

表现主义绘画，它追求的是自我及内心的探索，是新一代的年轻人寻求知识的力量。他们在西方现代哲学中寻找理论上的依据，之后在艺术领域出现了表现主义。表现主义，是指艺术中强调表现艺术家的自我感受和主观情感，形成的一种对形体进行变形乃至怪诞处理的思潮。在艺术观念上，反对艺术的目的性，并且认为主观是唯一的真实，否认客观世界的客观性，用以发泄艺术家们内心激烈的情绪。表现主义是社会文化危机下，人们精神混乱的反应，在动荡不安的社会时代，表现的更为突出和激烈。表现主义艺术在形式上不追求清晰地色彩表现，也不追求准确和稳定地造型，而是以情感上的冲动为契机，突出艺术上色彩的情绪表达。表现主义绘画艺术，对表现对象时更多的是主观上的处理，画面上也不完全遵循科学的客观规律。因此，对于客观物象的塑造是更具表现力的主观情感塑造，而不是传统的再现性。在画面形式上，重视色彩对人的心理上的影响，以表现出色彩的情绪化；构图上，它有意识地增强了构图的抽象性，不再遵循传统绘画中的构图基本原则和表现如传统绘画中的和谐之美。绘画中的表现主义首先发生于1905年的德国，随后在北欧诸国迅速发展起来，并且在诗歌、戏剧和小说等方面都产生了巨大的影响。表现主义一词，最早出现在威廉•沃林格在《狂飙》杂志上发表的一篇文章里，并且和塞尚、梵高等画家联系在一起。1912年在狂飙美术馆举行的“青骑士”画展这个名词再一次出现，此后，便成为德国绘画中反自然主义和浪漫本能倾向的统一称谓。“桥社”和“青骑士”画派是德国表现主义最为有名的两个团体。“桥社”于1905年，创建于德累斯顿，主要成员有恩斯特•路德维希•凯尔希纳、埃米尔•诺尔德、凯斯•凡•东根等；“青骑士”画派，发源于1912年的慕尼黑，主要成员包括瓦西里•康定斯基、弗朗兹•马尔克、奥古斯特•马克等。桥社的艺术家反对传统绘画写实，强调的是对物象进行变形处理，注重个性、主观感受及感情色彩的艺术特点；青骑士画派在绘画形式上则超越了表现，对客观事物的处理更加抽象，对主观情感的表达也更加直接。正如马克所说，这些画家在“创造一种传统，而不是追随一种传统”。表现主义运动虽然最先产生于德国，但是早在北欧一些国家的传统艺术中，就有表现主义因素的存在。比如：早期的日耳曼人蛮族艺术；中世纪产生的哥特艺术；文艺中期有些艺术家的作品中，也存在夸张乃至变形的艺术形象，这些都表现出了强烈的表现主义倾向。此外还有19世纪晚期出现的象征主义，或者具有表现主义倾向的艺术家们，他们多选材情爱的和悲剧的主题来表现自己的主观主义。20世纪40至50年代，抽象表现主义运动，代表画家有威廉•德•库宁、杰克逊•波洛克、罗斯科和纽曼等人。二战后，美国的艺术家们凭借抽象主义进行了自我解放，摆脱了欧洲艺术家们的影响，还产生了一些新的观念。比如波普艺术、偶发艺术、大地艺术、观念艺术以及行为艺术等，这些都是美国在当时成为引领国际艺术思潮的实验基地。但是，在20世纪70年代中期以后，随着毫无节制的艺术创新，艺术与生活的界线日渐模糊，在理论界还出现了“艺术终结”和“绘画死亡了”的声音，这使得当时的艺术一度陷入了迷茫。直到70年代晚期，一些欧洲艺术家试图开始对传统绘画复兴，来摆脱当代艺术所造成的艺术上的虚无感，出现了一系列的新的绘画精神，而正是在这一背景之下德国新表现主义产生了。德国新表现主义与传统的德国表现主义不同，它更加强调政治和社会批判，不再仅仅停留在用笔触和色彩表达艺术家的内心情感，代表画家有乔治•巴塞利兹、马库斯•吕佩尔茨、约尔格•伊门多夫等。

二、中国当代表现性绘画

【摘要】在油画创作过程中，线条是画面中的关键元素，线条的构成会影响画面的构图、主体造型以及绘画作品的艺术风格，是油画创作中不可缺少的艺术元素之一。作者认为，只有把中国画的艺术表现形式与艺术语言融合到西方油画中，才能让中国油画走上创新之路和油画民族化的道路，才能形成真正属于中国的油画艺术。基于此，文章从中西方绘画中的线条表现形式切入，结合林风眠、吴冠中、董希文、刘小东等现当代油画家的作品，分析线条在现当代中国油画创作中的艺术表现。

【关键词】线条;中国油画;艺术表现

线条是绘画中的关键元素。线条是由点集合而成，具有多变性的特点。常见的线条类型分为规则型线条和不规则型线条。线条的表现形式众多，如长、短线条，粗、细线条，以及波浪形、圆形线条等。线条通过这些表现与组合形式来表现物体的外在形态。在绘画作品中，线条的构成会影响画面的构图、主体造型以及绘画作品的艺术风格。自油画传入中国以来，中国的油画创作者就开始尝试将中国画中的线性语言融入其中，使之成为具有中国特色的油画，让中国油画向世界传递中华民族艺术观念与民族情感。本文着重分析线条在现当代中国油画创作中的艺术表现。

一、中西方绘画中的线条表现形式

（一）中国绘画中的线条。中国画指的是中国传统绘画，是用毛笔、国画颜料在宣纸或是绢上作画的一种绘画形式。中国画讲究笔、墨的用法。在艺术表现方面，讲究以线传形、以形写神、以神传韵。由此可见，中国画重视线条在绘画作品中的运用，其可以反映出中国绘画的审美倾向与审美标准。在中国画中，线条与笔墨技法相结合，线条的干、湿、浓、淡等都会影响形体的塑造，且线条的不同表现形式会给人带来不同的情感体验[1]。（二）西方绘画中的线条。广义上讲，西方绘画是以油画为代表，大多指欧洲的传统绘画。油画盛行于欧洲各国，所以其属于欧洲民族性的绘画，承载着欧洲艺术与文化，是欧洲人民表情达意的一种艺术手法。在油画创作过程中，线条是画面中的关键元素，其与油画的生存与发展关系紧密，也是油画创作中不可缺少的艺术元素之一。

二、线条在现当代中国油画创作中的运用

江门素有“全国第一侨乡”称谓。上溯南宋，至清末民初850余年的时间，江门人绵延不断地走向世界各地，择地而居，接受西式文化教育。造就了一批传播异域文化的使者、有成就的中国现代美术家。他们不仅为家乡的经济繁荣做出了贡献，同时也将世界各国的社会历史、思想文化、先进科技带回了祖国。其中就有被孙中山称誉为“东亚画坛第一巨擘”的李铁夫。李铁夫是旧民主主义革命的先驱、是富有正义感和民族气节的爱国者，也是我国具有高深艺术造诣的伟大艺术家、更是侨乡人民的骄子。他是我国接受西方美术教育的第一人。在他的美术创作中体现出了那种充满民族情感、华侨文化特质浓厚色彩。

一、自由平等的民主意识

华侨文化主要特点是吸收了西方文化、文明的精华。在政治上追求民主平等，在我国实现民主革命进程中起着启蒙和推动的作用。《蔡锐廷烈士之死》是作者1946年在76岁高龄的作品。画家马任达先生对此画的评价道：“沧海遗珠《蔡锐廷烈士之死》，那独特的构图，足以独树大纛！”。作者对画幅有着巧妙的安排，一位中年壮士带着手铐脚镣横躺在血泊中，僵冷的躯体占领了大篇幅的位置。背景由纯净的冷色调作铺垫，鲜血汩汩流淌，画面气氛惨烈。作者用象征手法描绘礼帽跌落地上，寓意壮士遇难了。以朴实的语言表达了对革命烈士的缅怀之情。画作场面悲壮、哀伤、具有强大的视觉冲击力，它不仅触动着观众的视觉神经，而且牵引着人们的情绪，跟随感受画家不平静的悲愤心情。作品凝聚了画家一生对生活的思考、生命的感悟、历史回顾和艺术的体验，它将主题与形式达到了高度统一。在国外读书时，提铁夫成绩很好。一个华侨的画家超越西方人，让洋人十分妒嫉，于是设下圈套戏弄他，有意安排一个白人姑娘亲近他、戏弄他待。导致他感情失败心灵受创，终身不娶过着独居的生活。李铁夫有感于民族和民主制度的不平等，更加坚定了他追求民主革命的决心。他后来写了一首诗：“故国方遭劫，男儿志未舒。羞为爱情误，当作铁丈夫。”这些诗反映他的爱国激情和高尚节操。江门侨乡为纪念他对我国民主革命、对华侨文化的突出贡献，特开纪念馆、立雕像以示敬仰。

二、开放兼容的人文意识

江门五邑是中国对外开放最早的沿海城市，华侨接触异域文明在地理上有得天独厚的先天优越条件，它对华侨文化的形成和发展起着重大的作用。华侨文化在发展形成的过程中，在使中华民族母体文化的尊严和价值得以传承发挥的同时，又能吸收其它民族文化的优点和特长以充实发展自己、兼收并蓄为我所用。显示了其文化灵活性和独特的魅力。它具有中华传统文化和域外的海洋文化的多种元素。二十世纪初期的中国，有一批有志改良中国美术现状的年青学者纷纷走出国门，到西方学习美术。李铁夫是以华侨身份的特殊途径最先出国的。他在西方院校研究透视学、解剖学、学习人物或风景写生等等。虚心地学习他国的文化知识，接受正规的教育。他1905年到美国，拜美国名匠——威廉•斯和约翰•萨金特为师，接受西方正统美术训练时间长达九年，基础扎实，成绩优异。这一时期的作品有《音乐家》《老医生》《未完成的老人像》《斗牛士》《大学生》《蓝眼青年》《金发女郎》等。

《音乐家》一画具有李铁夫完美肖像画的典型风格，作者在表现重点人物时，运用古典写实主义传统，将精力花在对人物的形象和性格特征的刻划上。他恰当地处理好油画色彩的冷暖调子、虚实关系，做到主次分明。描绘对象生动，画面庄重、典雅、构图严谨，用笔果断、笔法概括洗练。徐悲鸿曾一见其作品即推崇说：“其肖像油画技巧之高只有在西方才能看到。”李铁夫在学习中发现水彩画与中国水墨写意画最相近似。水彩画讲究光线、明暗和体积的表现，具有淋漓、水色交融、色彩轻快而优雅的特点。他偏爱用水彩画来表现山水风景，以致回国后仍然致力这一画种的研究并创作有大量作品。《瓶菊》是中西文化兼容性很强的一件作品。由于受约翰•萨金特画风的影响，多少带有几分英国水彩画韵味，用色水分饱满、明快、斑斓，笔法洒脱、灵动、注重光色气氛渲染。同时作品又富有中国画审美趣味的特点和内涵，以形写神、形神兼备。更具抽象思维的意味。《瓶菊》美如一个深情的少女，正如林风眠先生说：“美是人间一个深情的淑女……会使人得到他所愿得到的那种温情和安慰”。《瓶菊》在我国美术史上地位很高，可谓是举足轻重的作品，在“中国百年水彩画展”中，被选为展览画册的封面。李铁夫一生没有放弃中国的传统文化，常做诗、写对联、练习书法、画国画。这种文化的“根”性对他一生艺术发展起着至关重要的作用。他的好学精神和浓厚兴趣使他有能力可以立足欧美，成为不分国界的美术大师。李铁夫的艺术实践体现了融会中西文化、兼收并蓄的华侨文化特色。在人文精神层面上，表现出弘扬人的价值、捍卫人的尊严、对命运的关注和对不同文化的包容。