舞台艺术范文10篇

国家舞台艺术精品工程开展至今已经进入第五个年头了，这个重点文化项目在政府的精心培育下成长、壮大，50部精品剧目孕育而生。我们如何赋予这些“精品”以生命力，如何实现其社会价值、艺术价值和经济价值，进而达到社会效益和经济效益的共赢？我以为，在市场经济条件下政府对精品的扶持应从原来的输血机能向造血机能转变，要围绕市场做文章。如若忽视艺术产品与市场营销之间的联系，将会有碍精品文化的最终确立。

一、开发多元推广渠道

如何让精品根植于人民大众的土壤中，使民族优秀文化品牌真真正正地成为中国的文化符号？开发多元的推广渠道是传承和发展舞台艺术的需要。

我建议设立电视精品展播栏目，有组织、有计划地对剧目进行展演前的宣传和展演后与观众交流的宣传，这是一部作品走向成功的一个关键环节。目前50部剧目已形成了一定的规模，能否在央视及各省市电视台设立“国家舞台艺术精品”的专栏节目，进行每周或每天一部精品展播，带领观众一同赏析精品、解读精品。

应该下大力使精品走近寻常百姓。开展多种形式的展演活动如“精品”进校园、进企业、进农村、进军营、进机关、进社区，通过“精品”的大型展演和座谈会，拉近“精品”与观众的距离，从而赢得观众，赢得市场。

另外，拍摄舞台艺术片是一个非常好的传播载体，通过数字电影使广大观众感受舞台精品的艺术魅力。

【摘要】戏剧舞台艺术语言是指在戏剧舞台表演中，表演者进行人物形象塑造时所使用的各类艺术方法。本文针对戏剧舞台艺术语言的运用技巧进行剖析，结合戏剧舞台艺术语言在塑造角色形象及潜台词中的应用分析，以期提高表演者人物塑造能力，推动戏剧行业的良性发展。

【关键词】戏剧舞台；艺术语言；潜台词

戏剧作为传统舞台表演艺术之一，其艺术语言技巧是增加戏剧感染力和表现力的重要手段。表演者在接到剧本时，如何根据人物特点进行艺术语言的二度创作，对于提高戏剧舞台语言魅力、提高戏剧舞台表演水准都有着重要意义。

一、戏剧舞台艺术语言运用技巧

（一）重音技巧。重音是在表演过程中，挑选出某段或某句台词中的关键词，对其进行重点强调，并利用不同的强调方法，增加所塑造角色的灵动性，使舞台表演更具吸引力[1]。例如，在戏剧《审头刺汤》“谯楼上打罢了初更尽”选段中，表演者在演唱“谯楼上打罢了初更尽”这一台词时，需要明确“谯楼”“打”“初更”是该台词中重点强调部分，表演者需要对此进行加重音处理。在该台词中，虽然有三个需要加重音的词语，但是三个词语之间也有最高点音和相对高点音，“打”在该句中相比其他两个词语，应作为最高点音，其他两词作为相对高点音。在演唱过程中，表演者采用散板、摇板等板式进行关键词强调，以渲染表演氛围。重音在戏剧舞台艺术语言中可以起到突出人物个性的作用，是戏剧表演的点睛之笔。（二）停顿技巧。停顿是在表演过程中表演者有意制造出的说话间歇。在戏剧舞台表演过程中，表演者会根据剧情将台词进行设计，在特定情境中制造停顿，以起到推动剧情走向、升华人物角色的作用。例如，俄罗斯著名短篇小说作家契诃夫所创作的《樱桃园》第二幕中特罗菲莫夫与安尼雅之间的对话。特罗菲莫夫：“瓦丽娜害怕我们会相爱，她整天盯着我们……”安妮雅：“你的话说的多好！（停顿）今天……”特罗菲莫夫：“美丽的地方有的是。（停顿）”在表演者的对话过程中，出现了数次停顿，表示两人正在幻想告别旧生活后，如何迎接美好的未来。在戏剧舞台表演过程中，采用停顿技巧，可以推动整体抒情调子的走向。使观众更容易理解作者所表达的中心思想，提高了戏剧表演的感染力。（三）气息技巧。在戏剧舞台表演过程中，气息技巧的运用是表演者表现剧中人物状态和人物心理活动的重要手段[2]。例如，京剧《赵氏孤儿》白虎大堂这一段戏中，在“在白虎（啊）大堂（呃）奉了命”这一句中，“啊”虽然作为语气词，但是在表演过程中，表演者需要以装饰性滑音进行重点强调，通过音节的转变，使“啊”字赋予了更多的含义，表现出此时主人公在白虎堂受命后的无奈和愤恨。（四）语调技巧。语调是展现声音色彩的主要方式。表演者通过语调变化，将台词描绘的场景与人物的心理进行具象化展示。例如，《花木兰》主要讲述木兰代父出征的故事。木兰在代父从军的过程中，性格从女子娇弱向男子坚毅的方向转变，在凯旋时更是与男子性格没有区别。表演者在对《花木兰》各选段进行演绎时，需要充分把握花木兰在此阶段内心的变化情况，以此决定人物此时的说话语调，观众在观看过程中，逐渐感受到人物的性格变化，使得后续剧情发展更容易被观众接受。

二、戏剧舞台艺术语言的应用

摘要:舞台艺术和戏剧舞台的艺术创作二者之间是一种相辅相成、相互成就的关系。戏剧舞台的艺术创作过程离不开舞台技术的支持，而单单的舞台技术如果没有实际的应用舞台也显得毫无用处。随着经济的不断发展使得人们的文化消费观念也逐步发生变化，戏剧也越来越多的得到了大众的追捧和喜爱。本篇文章就舞台技术在戏剧舞台艺术创作过程当中的创新应用方式。

关键词:舞台技术；戏剧；舞台艺术创作；舞台布景

随着国民经济的健康向上发展，人们的生活水平紧跟时代步伐也呈现出不断上涨的趋势，对于文化的消费也在不断的发生转变。而戏剧本身作为我国传统文化的重要组成部分之一，属于我国重要的非物质文化遗产的一种，单单戏剧本身又可以分为多种类型，这些种类主要包括京剧、豫剧、黄梅戏等，伴随着地理区位的不同，这些戏剧也相应的呈现出多元化的特征。随着历史的不断变迁戏剧也沉淀出我国的一些历史文化，因此戏剧被誉为我国的文化“国粹”。而在戏剧舞台的创作方面，相应的舞台技术不断的先进化就造就的我国的戏剧舞台创作过程当中呈现出多元的表现形式，这就为相关的戏剧听众在进行戏剧舞台观赏时大大增加了视觉以及感觉上的深度体验。

1舞台技术在戏剧舞台艺术创作中的创新

1.1舞台布景在戏剧舞台艺术创作中的创新。舞台布景本身就处于舞台技术当中的核心地位，因为通过相应的舞台布景观众可以清楚的明白所要进行的戏剧表演故事发生的故事背景、故事环境以及故事地点等等诸如此类的一些关键信息，这些关键信息对于观影者而言来深入的理解故事情节是有十分重要的作用的。因为戏剧表演者不会对故事的背景进行交代，表演者所要交代的是人物之间的关系以及二者之间的感情线。因此对于舞台布景技术的创新在戏剧表演创新的过程当中的所起作用是十分关键的作用，同时，舞台布景如果布置合理恰当的化就能够起到很好的烘托戏剧的作用，从而为观众传达出戏剧中蕴含的深刻的现实意义。由此我们可知，要想实现戏剧舞台上的创新首要问题是就解决戏剧舞台在实际布景上的创新，戏剧舞台布景是戏剧表演的大地。而随着科学技术水平的不断发展，多媒体技术也越来越多的运用到传统的戏剧舞台创作的过程当中，为舞台布景的创新发展带来了更大的发挥空间，以此同时将这些新型的多媒体技术应用于传统戏剧舞台创作当中，还能够促进戏剧舞台表演向现代化水平不断的进行转变。除此之外，与传统戏剧舞台表演布景方式不同的是，这种利用新型多媒体技术的创新戏剧舞台布景方式，通过有效利用先进的技术手段，使得戏剧表演呈现出虚实结合的舞台效果，通过这种舞台效果则可以更加准确地向观影者传达戏剧表演信息，从而使得观众身临其境的同时增强观众的观影体验感。与此同时，通过利用这种新型多媒体技术，还能够有效的扩大戏剧表演的类别。举例而言，传统的戏剧表演舞台上由于道具设备的简陋使得神话类的戏剧极少有机会被尝试，而通过利用新型舞台布景方式则可以有效的突破时间与空间上的壁垒，从而使得戏剧演员们在这类表演上有了较大的发挥空间，扩大了戏剧表演类型的同时也增加的戏剧表演的观影人群范围。1.23D全息舞台投影技术在戏剧舞台艺术创作中的创新。所谓”戏剧影像”，就是通过高清录制技术完整录制现场表演，再转移到荧幕上进行放映。如果目的是让更多的人观看到演出，扩大舞台戏剧艺术的传播，不需全息投影，Live的形式就可以达到。不过说到将3D全息直接用在舞台之上作为辅助为表演添彩，但不能偏离舞台和戏剧的根本。去年，钻研莎士比亚戏剧的英国皇家莎士比亚剧团排的莎翁逝世四百周年收官剧目《暴风雨》就是个例子。该剧由皇莎艺术总监格里高利•道兰导演，他选择与英特尔技术团队和专做动作捕捉的“艺美智工作室”合作，并第一次在古典戏剧中运用了实时数码动效，通过动作捕捉+3D实时投影在戏剧舞台上做到了虚拟与现实的共演。为什么选择为《暴风雨》这样一部经典的莎剧作为高科技+戏剧的实验样本？这也是莎士比亚的创作本身要求的。《暴风雨》是莎士比亚完整完成的最后一部作品，讲述荒岛之上被手足背叛的魔法师普洛斯彼罗的故事，被称为传奇剧。剧作家将对戏剧形式的创新与实验推到了又一个高度，在戏剧表演的特效与布景还十分局限的17世纪初，如何在舞台表现《暴风雨》中以魔法召唤出的海难、能飞舞能匿形的精灵爱丽儿和长相怪异的女巫之子卡列班无疑是很大的挑战。但与四百年前不同，这种极具想象力和魔幻色彩的剧本给了当今的高科技施展拳脚的空间。现代舞台影像技术可以让爱丽儿分身飞舞、化为海浪与火焰，让演员们超出身体形态的表演界限，从而从感官上全面还原岛上的万千神奇与“非凡间的音乐”，以3D投射于舞台之上与真人共演。当然，与电影特效不同，舞台的“现场”特性要求特效不NG，无后期，对各方的配合要求颇高。不同领域的专家们通力合作，通过两年的努力，技术与工具的痕迹消失，自然融合为舞台上的艺术。更要紧的是，最重要的是炫酷的高科技并没有喧宾夺主，这版《暴风雨》也丝毫没有舍弃莎士比亚本身的语言和现场表演的魅力。主演西蒙•拉塞尔•比尔时隔20年重回RSC舞台，塑造了比特技还要惊艳的普洛斯彼罗。他的告别独白在黑暗中的一束聚光灯下完成，剥离了所有特效。热闹结束，精灵隐去，舞台最终还给了演员和台词本身。就像《卫报》剧场评论员Michael•Billington所说，这场炸裂的3D炫技是一场给人惊喜的实验，但并不代表科技应用将成为舞台艺术的未来发展趋势，因为毕竟我们在剧场中寻找的是情感共鸣，剧本的深度与演员的真诚总是比科技更打动人心。1.3舞台灯光在戏剧舞台艺术创作中的创新。灯光对于一场戏剧表演的作用也是十分重要的，通过对灯光进行合理的控制可以更加清楚的展现出舞台情景，在最大程度上给观影者带来跌宕起伏的观影感受，从而加深了观众对于故事情节的理解以及对故事主人公间的感同深受。而在实际对戏剧的舞台灯光进行调控的过程当中，我们往往要注意舞台灯光之间的变换速度以及相对应的切换时间，同时还要对于戏剧舞台灯光上的一些细节点注重严格的把控，例如在对戏剧舞台的灯光色彩、灯光持续的时间、以及灯光的一些角度等等这些细节问题我们都应该予以注意。通过对戏剧舞台的灯光调配出最佳的亮色点、感染点的时候，就能够对于戏剧舞台表演者的表演起到更好的烘托作用。举例而言，在对戏剧表演者的演员进行打面光时，相关技术人员可以通过利用灯光不断变换色彩以及对灯光的明暗进行不断的调整，这样就能够达到无限放大戏剧中人物内心那种丰富复杂的人物情感，这样就能够达到通过利用灯光来推动剧情的整个发展趋势。1.4舞台音响在戏剧舞台艺术创作中的创新。在戏剧舞台的创作表演过程当中，在戏剧舞台创作过程当中音响的作用也是极为明显的。我们之所以把戏剧舞台音响称之为戏剧舞台创作过程中的重要因素，这主要是因为通过对戏剧舞台音响恰到好处的利用，（主要体现在戏剧舞台表演通过音响的“虚”“实”结合）来达到观影着身临其境的效果，从而使得观影者热爱并“沉迷”于戏剧表演。而在实际的戏剧舞台表演的过程当中,实”主要是指通过有效利用音响来模拟现实生活中的各种声音，并将这些声音“复制”到实际的戏剧表演舞台上，通过这种方式来实现以假乱真的效果，从而达到我们想要的真实化戏剧舞台表演艺术的效果。而这里的“虚”主要是指通过对舞台音响的有效利用，将现实生活中的声音更加升华，这里主要是指通过戏剧舞台的音效表达将现实生活中的发出的实际声音在舞台表演上变得更加音乐化。通过“虚”“实”结合这两种表达方式的利用，将戏剧舞台人物的内心情感呈现给观影者，从而提升观影者更为真切的观影感受。

2结束语

本文作者：卢正文

舞台艺术文化的历史渊源与发展形式

舞台艺术文化与影视艺术文化[屏幕（银幕）视听艺术]有着千丝万缕的关系，主要体现在：1.从宏观上看，舞台艺术文化包括了文学[诗]、音乐、绘画、雕塑、建筑、舞蹈、戏剧，以及后来出现的电影、电视、广播。[5]2.从微观上看，舞台艺术文化现在仅仅指在舞台上演出，再辅配灯光、烟雾、音响等，而不同于屏幕（银幕）视听艺术———电影、电视、微电影、MV、VCR等等的文艺作品。例如歌剧、舞剧、话剧、戏曲、皮影戏、木偶戏等等。3.舞台艺术文化与现在的屏幕（银幕）视听艺术既有联系又各有区别。（1）联系体现在：例如最早用电影手段来表现的舞台剧《定军山》（京剧•谭鑫培•1905）和《天仙配》（黄梅戏•严凤英演出•1955年）、《贵妃醉酒》（京剧•梅兰芳•1956），以后陆续出现的《梁山伯与祝英台》（越剧•袁雪芬，瑞•1958）、《杨门女将》（中国京剧院演出•杨秋玲，晶华演出•1960）、《刘三姐》（歌剧•黄婉秋•1961）、《阿诗玛》（舞剧•杨丽坤，斯尔等•1964）、《白蛇传》（京剧•李柄淑•1980）、《丝路花雨》（舞剧•贺燕云，风云演出•1981）等等，还有生活中我们常看到的其他形式多样的电影、电视戏曲片《半把剪刀》（越剧）、《西厢记》（黄梅戏）系列。充分利用电影手段甚或更有优势的媒介，例如电视、网络视频、VOD(VideoOnDemand)交互式电视点播系统来展播、录播传统与现代、当代的舞台艺术剧，无疑会为舞台艺术文化的发展注入一个后劲推动力！（2）区别表现在：非舞台艺术是指随着科技的发展，过去的舞台艺术走到了今天而演变成了现在一种全新表现形式的视听艺术。例如我国2003年从加拿大娱乐影视技术公司IMAXCorporation引进的IMAX3D电影与我国2011年左右自行研发的“中国巨幕”等等；而现在的舞台艺术文化则指由于其本身秉承的顾有特点和规律，在时展与变迁中己凸显出不适应的局限性，虽然也随着时代的发展走到了今天，但仍保留着传统的舞台艺术在舞台上逞现出来的艺术特点与规律———“三一律”在戏曲、话剧、音乐剧、舞剧中就较为明显。

我国文化发展的丰厚资源与令人担忧的舞台艺术发展的窘状

中国地域广大，文化渊源深厚，文化艺术发展呈百花争艳之势。由于还存在经济发展、管理制度、招贤纳才、地域差异等等情况，导致流传到现在能演的剧目仅仅大约有一万多个，各剧种也只剩下367种。存活力较强的剧种实在是少之又少，排在全国前列耳熟能详的也就只有京剧、昆曲、豫剧、越剧、黄梅戏、评剧。尽管这样，这六个剧种的现状也不是乐观。京剧———作为国粹京剧在中国文化史上占据着一个特殊的位置。然而，随着社会的发展，信息化时代的进一步加快，京剧这种传统的文艺及信息传播方式，已逐渐被其他娱乐形式所取代。[6]目前我国京剧艺术不甚景气，正处于低谷中徘徊。[7]昆曲———“百戏之祖”称谓的昆曲有着六百多年的历史。1956年，浙江昆剧团根据传统昆曲改编的《十五贯》（陈静执笔）获得了巨大成功，被认为“救活了”濒临死亡的昆剧。[8]可是由南到北昆曲院团屈指可数，现在只有上海昆剧团、江苏省昆剧团、苏州昆剧院、浙江昆剧团（1994年浙江昆剧团和浙江京剧团两团合并组建了新的浙江京昆艺术剧院）、湖南昆剧团、北方昆剧院这六家院团。豫剧———豫剧是河南第一大剧种，曾被香港媒体与京剧作比较形容为“农村姑娘”（京剧是城市小姐）。根据2009年7月份北京科技大学大学生组成的“戏水长流”豫剧调查团当时在河南郑州、开封，进行为期两周的豫剧调查得知，豫剧团总体的生存状况不容乐观，发展前景不明朗，偏于不好。[9]越剧———越剧发源于浙江嵊州,一直以肖悠婉丽的声腔，真切动人的表演，极具江南地方色彩而为人喜爱，于1906发端至今已有103年的历史。曾经在上海翻开了辉煌一页，并进一步风靡大江南北，虽然随着戏曲艺术的发展而历经盛衰沉浮实现了向现代艺术的嬗变,但与蓬勃兴盛的影视艺术相比而看其传承与创新仍面临着新的考验，难摆脱“有名无实”的尴尬。黄梅戏———新时期以来，经济体制的改革,西方文艺思潮的涌入，多元文化格局的形成与冲击，使无论是创作主体还是接受主体的观念都发生了巨大改变。就黄梅戏艺术而言，这一时期是躁动和探索的时期。[10]与其他戏曲剧种一样也遭遇转型期的发展瓶颈，面临严峻的生存危机。评剧———有着“中国传统艺术精华”之誉的评剧是我国北方地区流行很广的一种地方戏,从在河北滦县发源到现在已有一百余年的历史了。其唱腔通俗、优美、余韵无穷,人民群众喜闻乐见,影响相当广泛。[11]但进入二十一世纪后，原以城市演出市场为主阵地的评剧已逐渐失去城市市场，高端演出场所已看不到评剧的身影。在这种情况下，从业人员的荣誉感逐年下降，收入也呈滑坡趋势，人才日渐凋零。[12]还有其它一些正处于岌岌可危的地方剧种，例如有着天下第一团之称的浙江宁波的甬剧等等……

分析与对比：舞台艺术与影视艺术的差异，以及受众喜好

摘要:羌族是一个古老而具有神秘感的民族,其“释比唱经”又是羌族口传文学中更为神秘的艺术形式,但这样具有双重神秘感的非物质文化遗产正面临文化冲击、遗漏传承等现实困境;释比,作为这项艺术的核心人才,也面临高龄传承、无人为继的局面面对古老艺术形式的凋零,将其搬上现代舞台,通过新艺术形式对古老文化进行重新演绎,在保留其文化特征和精髓的前提下,发挥现代舞台艺术的传播优势,为非遗文化的传承贡献力量,值得我们深入探讨

关键词:羌族;口传文学:释比唱经;舞台艺术

“释比唱经”是羌族口传文学的一个分支,主要在四川省阿坝等地区流行,入选了2006年我国首批非物质文化遗产名录,引起了社会各界关注但由于“释比唱经”作为羌族口传文学之一,受语言局限、无本传承等客观条件的限制,传承人较少,且传播度也较低窄运用现代艺术平台将其传播出去,可以让人深入了解“释比唱经”这一原生态艺术

一、“释比唱经”的传承困境

“羌人顶天顶,羌人多来顶顶又顶”这是“释比唱经”中较为常用的唱词,到访过阿坝地区的很多人都曾听过这种原生态文化传承形式,是西羌地区的文化标志之一(一)“释比唱经”的主角作为羌族民间文学、口传文学的一个重要分支,“释比唱经”起源于古羌族早期的宗教祭祀和主流文化生活直至现代,“释比唱经”中仍然保存了大量的宗教祭祀与政治文化色彩它是羌族哲学、神话、民族史诗、民间文学的传承,保留了大量的古代羌语资料“释比唱经”主要是通过作为羌族祭祀的释比以演唱经文的方式,对重大事件进行祭祀与传承,对日常生活进行记录,以使羌族文化得到流传①由于“释比唱经”的主要传承人是释比,在运用舞台艺术来呈现“释比唱经”时,释比当然就成为剧目的核心角色,成为整个舞台的核心那么,释比在“释比唱经”乃至整个羌族口传文化中扮演什么样的角色呢?释比是羌族文化与知识的集大成者,也称为“许”“比”“释古”等②由于“释比唱经”起源于古羌时代,是远古先民对于自然和社会的认知,后经历史演变逐渐丰富起来,可以说释比在继承“释比唱经”这门技艺的同时,实际上继承的是羌族古老的文化与历史,是羌族原始文化与宗教文化的传播者,是一部羌族的“活历史”那么在舞台艺术作品中,释比无疑是整个剧目的主角,也是整个剧目传播效果的保障因此,无论是在“释比唱经”中、在整个羌族文化中、在现代化的舞台表现形式中,释比都是极其关键的角色(二)“释比唱经”的传承困境“释比唱经”的传承主要是指释比的传承释比在传承过程中需要经过严格的挑选,由于羌族的以口传文学为主的文化传承形式,属于有经无书的情况,因此需要超常记忆力的人才能胜任,同时还需要拜师学艺,短则三年,长则九年,出师者屈指可数可以说,释比的传承培养是一个艰难的过程释比在唱经时不仅仅要表达经文意思,更需要符合羌族唱经的韵律,与音乐歌曲、戏曲演唱皆有所不同也就是说,专业演员未必能够代演释比的角色,而真正的释比又缺乏舞台表演经验从演员角度来看,“释比唱经”的舞台艺术呈现存在一定的难度此外,“释比唱经”在当前的传承中也存在一定的困难:一是仅靠口头传播,继承人无法全盘复制人的记忆力是有限的,基于“释比唱经”有经无书的传承方式,完全依靠传承者的记忆力去一段、一句地复制,很难达到全盘复制的效果,且传承者具有个体差异,直接影响了传承效果二是释比文化愈久弥旧,传承中难免有变异现象和遗漏之憾事同样考虑到“释比唱经”有经无书的传承方式,在传承过程中极度考验传承者的记忆力,这样就使得一些篇章或唱词在传承过程中、在传承自己的记忆中发生变异或遗漏的情况三是时代变迁和现代文化的撞击,使释比传承可能后继无人由于现代文明的冲击,有本传承的形式已经成为当前文化传承的主体形式,且由于传承内容较多、传承文化也需要不断发展、融入新的知识范畴,很多羌族青年不愿意再传承释比文化,而更愿意接受新的文明形式,使得释比传承面临后继无人的窘境四是释比文化的传播者年事渐高,相继离世,没有传承下来的经典及绝活相继失传,成为永远的谜和遗憾特别是在经历了汶川大地震后,“释比唱经”的传承几近中断利用舞台艺术的现代传播形式,可以最大限度地解决“释比唱经”的文化传承问题,但仍然存在艺术创作融合的问题

二、“释比唱经”艺术呈现

[摘要]中国电影比世界电影的起步本来已晚了至少10年，这期间又由于一些政治、历史和经济的原因，使中国电影与西方电影至今在技术条件和艺术观念等方面仍存有不小的距离。中国电影要达到世界电影先进水平，除了借鉴西方先进电影技术、理念的之外，还应该从浩瀚的中国舞台艺术形式资源中挖掘出一些有价值的东西，为当代中国电影注入更多的养分和活力。

[关键词]电影；舞台艺术；关系

电影和戏剧都属于综合艺术，即它们都吸取了文学、绘画、音乐、舞蹈等各门艺术的长处，获得了多种手段和方式的艺术表现力，从而形成了自己独特的审美特征，将时间艺术和空间艺术、视觉艺术与听觉艺术、再现艺术与表现艺术、造型艺术与表演艺术的特点融汇到一起，具有更加强烈的艺术感染力。至今才有110年历史的电影，已完成任何一种艺术形式从稚嫩走向成熟的全过程。从起初被排斥在高雅艺术之外的市井“杂耍”，到现在已具备较系统和完善的理论体系，并在西方尤其美国取得较高的学术地位，电影发展之快，是世界上任何一种艺术都无法与之匹敌和媲美的。

我国早期的电影美学观便是“影戏”理论。这一理论延续了几十年，直到1979年，白景晨在《电影艺术参考资料》第一期上发表了《丢掉戏剧拐杖》一文，对电影本质及其语言创新的探讨才正式拉开帷幕。接着，张暖忻、李陀《谈电影语言的现代化》也对戏剧化的电影模式及其观念提出了尖锐的批评。这两篇文章的发表，使得电影与戏剧的关系问题受到电影理论界的广泛关注，并引发了一场长达数年的理论争鸣。虽然讨论最终并未产生定论，但双方都意识到一个最基本问题，那就是，电影的产生是从戏剧中得到启示与影响，电影与戏剧的关系密不可分;但另一方面，电影与戏剧又有着本质的区别，不应在戏剧原则中束缚自己的手脚，而应发挥电影艺术本身的特征。

一、中国电影与传统舞台艺术形式的历史渊源

电影在中国首次放映的时间一般认为是1896年，这正是卢米埃尔兄弟在巴黎成功放映自己拍摄的电影(1895年12月28日)的第二年。至于中国首次摄制本国影片的日期，在《中国电影发展史》中是这样叙述的:“1905年，开设在北京琉璃厂集市的‘丰泰’照相馆的照相师任景丰，把由著名京剧演员谭鑫培主演的京剧《定军山》中的片断，拍成了影片。这部短片是我国最早的一部戏曲片，也是中国人自己摄制的第一部影片。我国第一次尝试摄制电影，便与传统的民族戏剧形式结合起来这是很有意义的。中国电影的诞生不仅与戏剧结合，而且也与文学结合，《定军山》是中国古典小说《三国演义》中的一个片断。中国人第一次看到电影，就形象地冠之为“西洋影戏”的称谓和中国首次拍摄电影就和中国的戏曲以及文学结下不解之缘的历史事实。

一．现状

我们不妨先通过以下数据对观众群体做一个分析。目前舞台艺术演出的观众上座率及构成情况：（见表1）从观众的基本构成看，老年化的态势日趋明显。2000年第六届中国艺术节时，观众自发性到剧场看戏，自己掏钱买票看戏，剧场一时间热闹非凡，而今这样的景象已经一去不复返了。现在每每开展一次活动，主办单位及剧团都为组织观众煞费苦心，很可能上座率低、观众老年化这种趋势在未来几年会继续下滑。

（一）宣传手段落后低效。目前政府及活动主办单位组织展演主要采用的宣传模式有：1．主流媒体的整版广告。主流媒体是政府的喉舌，传递着党的声音，在以往的重大活动中也确实起到了积极的作用，如江苏的《新华日报》等。但这类媒体普通家庭订阅甚少，即便是党政机关干部也大多难得翻阅，致使宣传的渠道“被阻塞”，很少见到观众是因为阅读了这类媒体广告后而自发前来购票的。2．网络媒体的滚动消息。按理说，网络的快捷是符合当代人的生活习惯及要求的，但在网络上所做的宣传，却又因为宣传者对舞台艺术的一知半解而使效果“打折”，上网的大多数年轻观众则很难从中受到吸引，提起兴趣。3．印制传统节目册。花花绿绿的节目册价格不菲，观众进场后人手一册，但却只能起到介绍剧情、剧团、主创人员等作用，实际上对精品剧目难以产生积极有效的推广作用，无法吸引更多的观众走进剧场。我们不难看到这样的情形：每次重大的艺术展演后，媒体上会出现一番热议：戏真好，以前怎么不知道啊？什么时候再来南京啊？什么时候、什么地方还有这样的演出啊？怎样才能买到票啊？

（二）文化消费指数偏低。据一家权威调查机构的调查数据表明，现在艺术类大学生每年的文化消费大致为：（见表2）艺术类大学生是文化消费的主要群体，他们今后未必都是艺术从业者，但大部分都应该是艺术欣赏者。现如今一个艺术类大学生一年的开支约为5万元，（含学费、生活费、文化消费及旅游消费等），从上表可以清楚地看出，艺术类大学生第一年的文化消费约占总消费的25%左右。第二年—-第四年约占15%。而艺术类大学生大多从大二开始就已经有一定的收入，如奖学金、家教、钢琴陪练、演出服租赁、演出经纪、视频、音频剪辑等，收入在3000-5000元/月不等。倘若连对这一群体都没能培养起文化消费的习惯，更难谈及普通观众了。我们曾在剧场进行调研，问起不愿进剧场的原因，学生们的回答，一是认为演出本身不够吸引人，二是演出门票太贵不值得去看。

二．对策

究其原因，大致可以归纳为以下两点，一是对舞台艺术演出的消费引导不够，二是宣传手段的不能与时俱进。我们不妨对现状进行深入的分析，同时讨论如何采取措施，努力改变这种状况。

音乐表演顾名思义是表演的艺术，且是有生命、有律动的艺术，其本质是音乐的二度创作，理所当然离不开舞台艺术实践，舞台艺术实践是音乐表演中摆在第一位的。学习音乐表演应该懂得如何将台下的功夫在舞台上完整地展现给观众，也就是将掌握的技巧与近乎心灵的表演协调起来，带给观众愉悦的感受。正因如此，舞台艺术实践在音乐表演艺术中也就显得尤为重要，应当引起高度重视。这多元化且复杂的艺术，在舞台艺术实践中需要注意诸多方面。

首先，现如今高校中音乐表演专业的学生平日的练多集中在琴房，然而琴房与舞台有着很大的不同，日积月累，逐渐形成一种固定的空间感，即空间狭小，当遇到专业考试或者演出时，登上舞台，空间增大，很多表演就变得不那么成熟、完整了，严重者甚至会流露出六神无主的状态，随之而来的还有音乐旋律的脱节、技巧的不到位等等状况。这些都是因为缺乏舞台艺术实践，舞台经验不多引起的，所以多进行舞台艺术实践是非常重要的。

其次，演出服装的问题也不容小视。经常在音乐会过后能听到表演者对演出服的抱怨，诸如服装太紧、太勒又或太松等各种各样的问题，以至于使其表演时需要过多担心服装的问题，不能专注于音乐，但这是音乐表演前就应该注意到的。比如说演出之前的走台是很有必要的，有的演员不重视走台，这样一来，演出服是否合适也就很难在正式表演前发现。这也是舞台艺术实践中应该注意的，其直接影响到音乐表演的圆满程度。再次，与观众进行适度的感情交流也是舞台艺术实践中重要的部分。舞台经验丰富的表演艺术家都是重视与观众之间的互动的。当然在音乐表演中更多的是沉浸在音乐中，诠释好作曲家的意图，但是上、下场脚步的大小、频率，脸上是否洋溢着充满创作热情的表情等等却是音乐之外带给观众的感受，也是与观众交流的最好时机，需要良好的对待。这些都是舞台艺术实践重要的内容。最后，表演者和伴奏之间的默契无疑也是至关重要的。

不论是在琴房练习还是上本专业课时，很多高校中还未能实现同时配有专业的伴奏人员，故而更多的是对专业技术进行训练、纠正以及解决等。所以当学生上台进行艺术实践时，和伴奏之间也常常会出现不少的配合不好问题。常常有人在台下练得很好，可在台上却因与伴奏不够默契而互相牵制，导致音乐诠释不当，旋律线条中断等等。

音乐是时间的艺术，在短暂的瞬间就能绽放美好，对于学习或从事音乐表演的人来说，把握每次舞台艺术实践的机会是尤为重要的。只有重视舞台艺术实践，理解其必要性，提高自身的舞台控制力，才能在登台时不断的完善，才能真正的传达音乐、表演音乐。

摘要：随着多媒体技术不断的创新突破，其应用也越来越广泛。在2018年“塞罕长歌”的话剧演出中，有多达三个板块的开头都有使用到多媒体技术，从视觉、听觉与舞台效果的相结合，都直击到观众的内心，让观众更能体会剧中的内容和故事发展。基于此，本文将深入研究多媒体技术与舞台艺术的发展，通过阐述多媒体技术在舞台艺术中的作用，以此对媒体技术在舞台艺术中的发展趋势做出全面的分析。

关键词：多媒体技术；舞台艺术；发展

多媒体技术在舞台表演中的应用只有短短二十年左右，随着计算机信息化时代的到来，多媒体技术不断取得重大突破。2015年，儿童剧“三只小猪”里面有很多图片的展示，但舞台太大，坐在后排的孩子难以看清图片都画着什么，也正是运用到了多媒体的艺术，让话剧和技术相结合，让孩子更清晰、更直观的得到了图片的认知和对剧情的了解。

一、多媒体技术的基本概念

多媒体技术实质上是一种电脑应用技术，主要作用在于借助于计算机将图像、声音、文本等通过信息化的综合处理，以此建立起更加清晰的逻辑关系和人机交互作用。正是得利于多媒体技术的发展，用户能够通过各类感官有效和计算机进行信息交互，其隶属于计算机技术的产物之一，而我们平时所接触的电视、电影等均不属于多媒体技术的范畴。近年来多媒体技术不断在优化加强，加上国家一直倡导信息社会的建立，因此多媒体技术在我们生活中已经渐渐融入进来，在很多娱乐活动场所都有涉及。

二、多媒体技术在舞台艺术中的作用

摘要：茶歌艺术作为一种源自茶文化的音乐艺术，该艺术中所具体诠释的人文色彩和艺术内涵，都是当前我们了解茶歌艺术，认知茶文化的关键所在。对于声乐舞台艺术来说，其作为现代艺术的生动、综合呈现，该艺术对当前茶歌艺术传承与创新发展有着重要推动力，本文拟从茶歌艺术的特点内涵分析入手，结合声乐舞台艺术的价值特点理解，通过分析茶歌艺术与声乐舞台艺术之间的融合可行性理解，从而探究茶歌艺术与声乐舞台艺术融合机制与创新体系。

关键词：茶歌艺术；声乐舞台艺术；融合机制；创新体系；精神理念

从茶歌艺术传承背景看，其缺乏科学完善的传承体系，因此，其亟待融入新元素，充实传承力量。如果能够将茶歌艺术与声乐舞台艺术相融合，其将在发挥两种艺术价值力的同时，根本上实现其发展创新。因此，茶歌艺术的丰富情感内涵就为声乐舞台艺术表演过程中的内涵融入与精神诠释注入了“新力量”。

1茶歌艺术的特点内涵分析

想要真正意义上理解茶歌艺术，就必须对茶歌艺术的形成背景和价值特征形成清晰认知，尤其是茶歌作为一种生活性艺术形式，其在表现过程中，具有自身独特气息。对于茶歌艺术来说，其在形成过程中，通常与采茶活动等生产实践之间有着重要关联。因此，茶歌不仅仅是一种演唱艺术，同时也是一种艺术实践。结合声乐舞台艺术的价值特点看，将该艺术与茶歌艺术相融合，其将在丰富艺术表现形式的同时，也为茶歌艺术的创新发展奠定了重要基础。茶歌艺术作为一种源自大众生活的艺术形式，该艺术是大众诠释和表达感情的艺术形式，因此，无论是具体的演唱，还是客观意义上的演奏表达，其都融入了多样化的情感内涵。不管是茶歌艺术的唱奏或者聆听，其整体内涵之中，都包容了大众自身的情感认知与价值理解。对于茶歌艺术来说，情感表达是其“灵魂”。因此，如果想要真正理解茶歌艺术，就必须对茶歌中所包含的情感思维形成直接有效感知，特别是理解茶歌中所具有的茶文化思维。对于茶歌艺术来说，其作为茶文化体系的生动表现与诠释，因此，在茶歌的情感展现中，合理的动作表达与舞台表演，能够使茶歌艺术更为形象生动，并且让听众在倾听茶歌的同时，结合必要的表演实践，实现精神理解与情绪表达上的共鸣，从而实现茶歌艺术效果最佳展现的同时，切实体会茶歌艺术中所包含的美学理念和人文内涵。

2声乐舞台艺术的价值特点理解