踏板技巧范文10篇

摘要：钢琴踏板的使用是钢琴弹奏方法中一项不可缺少的内容，它的合理运用也是一件比较困难的事，因为这方面可提供演奏者遵循的规律几乎无法制定。在许多情况下，踏板的运用可有可无。长期以来，在钢琴作品中许多使用踏板的地方，钢琴艺术家始终有着不同的处理方法。

关键词：钢琴踏板技巧

钢琴音乐的发展如同其他器乐的发展一样，随着音乐创作水平和演奏技术、技巧的不断提高，音乐表现力越来越丰富，音乐组织的对比手段也越来越多样。然而，作为传统表现手段之一的踏板的合理运用，往往不被一些演奏者所重视。踏板是任何钢琴演奏中极具个性的部分，没有演奏者会用完全相同的踏板法，而同一个演奏也不会在演奏中用完全相同的踏板法。往往两位艺术家会在同一段落用截然不同的踏板法，然而每个人在演奏当时都能同样具有说明力。这种灵活性可由许多因素来解释，如速度、力度、声音、奏法、声部的平衡、作品的风格和时代、音乐厅、乐器等可变因素，甚至还包括演奏者当时的情绪，有时也常会影响踏板法的选择和使用。

现在，国内外经常举行大型或小型的钢琴比赛，在这类比赛中，赛手们都将谱子弹得很准确、完整。面对这种情况，进一步区分优劣的标准之一就是踏板的运用。在演奏中踏板运用不好，就意味着你的演奏没有灵魂，没有血肉，更没有了竞争。针对国内外音乐评判的标准越来越高，大家都认识到，音乐不仅仅是简单音符的串联，只有提高音乐表现的综合能力，才能让自己演奏的音乐成为真正的可以欣赏的音乐。所以，踏板使用得好坏，直接影响弹奏声音、色彩和风格。

一、踏板的历史

在踏板的发展史上，先是有用于控制移开止音器的装置，又后改变为用膝部控制。直到1783年，英国人布伦德伍德发明了用脚控制止音器的装置，以后又经过了乐器制造家们一系列的改进。不过，脚踩踏板的出现，可以认为是始自1783年的布伦德伍德。

摘要：钢琴踏板的使用是钢琴弹奏方法中一项不可缺少的内容，它的合理运用也是一件比较困难的事，因为这方面可提供演奏者遵循的规律几乎无法制定。在许多情况下，踏板的运用可有可无。长期以来，在钢琴作品中许多使用踏板的地方，钢琴艺术家始终有着不同的处理方法。

关键词：钢琴踏板技巧

钢琴音乐的发展如同其他器乐的发展一样，随着音乐创作水平和演奏技术、技巧的不断提高，音乐表现力越来越丰富，音乐组织的对比手段也越来越多样。然而，作为传统表现手段之一的踏板的合理运用，往往不被一些演奏者所重视。踏板是任何钢琴演奏中极具个性的部分，没有演奏者会用完全相同的踏板法，而同一个演奏也不会在演奏中用完全相同的踏板法。往往两位艺术家会在同一段落用截然不同的踏板法，然而每个人在演奏当时都能同样具有说明力。这种灵活性可由许多因素来解释，如速度、力度、声音、奏法、声部的平衡、作品的风格和时代、音乐厅、乐器等可变因素，甚至还包括演奏者当时的情绪，有时也常会影响踏板法的选择和使用。

现在，国内外经常举行大型或小型的钢琴比赛，在这类比赛中，赛手们都将谱子弹得很准确、完整。面对这种情况，进一步区分优劣的标准之一就是踏板的运用。在演奏中踏板运用不好，就意味着你的演奏没有灵魂，没有血肉，更没有了竞争。针对国内外音乐评判的标准越来越高，大家都认识到，音乐不仅仅是简单音符的串联，只有提高音乐表现的综合能力，才能让自己演奏的音乐成为真正的可以欣赏的音乐。所以，踏板使用得好坏，直接影响弹奏声音、色彩和风格。

一、踏板的历史

在踏板的发展史上，先是有用于控制移开止音器的装置，又后改变为用膝部控制。直到1783年，英国人布伦德伍德发明了用脚控制止音器的装置，以后又经过了乐器制造家们一系列的改进。不过，脚踩踏板的出现，可以认为是始自1783年的布伦德伍德。

钢琴是一件色彩可塑性很强、魅力无穷的乐器，具有宽广的音域，丰富的音色，大幅度的音量和能同时演奏出多重音响的特性，它就像一个可以独自指挥与演奏的管弦乐队。而音色是音乐表现力的重要手段，追求优美而富于变化的音色艺术是每个演奏家梦寐以求的。如何在钢琴上获得理想的音色艺术，这对教与学的双方都是至关重要的问题。而理想的音色是指经过严格的训练，掌握高超的弹奏技巧，并在理解作品风格的基础上弹奏出来的良好的声音效果。每位出色的钢琴演奏者都能以美妙而独特的声音打动听众，使听众发生兴趣、产生共鸣，受到美的感染和震撼。当我们欣赏钢琴曲——舒曼的《梦幻曲》与李斯特的《匈牙利狂想曲第三首》时，所获得的感受是截然不同的。前者幽雅静谧。后者激越铿锵：前者使人迷茫遐思，后者令人慷慨激昂。不同情绪的音乐对人的感染如此之强烈，作用如此之悬殊，实非语言所能表达!这里除去演奏的速度、力度等因素之外，产生这两种不同音乐效果的另一种重要因素便是钢琴演奏者对于钢琴音色的处理和运用。所以说音色是钢琴描绘意境、渲染情绪、揭示音乐内涵、塑造形象的重要途径，是检验弹奏者的理解和表达能力、色彩感觉、艺术造诣的重要标准。

那么，在钢琴演奏中如何获得理想的音色，文章从以下几个方面予以探讨。

一、把握和分析作品的演奏风格。深刻领略作品内涵

弹奏一部作品首先要了解作品产生的时代背景，了解作品的演奏风格。克劳迪奥，阿劳说过：“每个作曲家所需的音质都不相同。艺术家对每个作曲家要求的音质要处理正确。……声音是为解释曲子服务的。”良好的音色能够拨动人们的心弦，唤起潜藏于心中的某种情愫。多样的音色在体现钢琴音乐作品风格与特色方面，在展示不同音乐流派与不同钢琴艺术特征方面具有十分重要的意义。了解作品的风格。必须了解中、外音乐史，了解音乐发展史中各个时期各种流派、以及各个作曲家的创作背景、创作风格、创作思想的特点等等。

在外国音乐发展史中，巴罗克时期与古典乐派钢琴音乐结构严谨、典雅清秀、音色要求晶莹透亮、明澈清纯。其代表人物巴赫的作品被誉为音乐史上旧约全书的48首《平均律钢琴曲集》中的前奏曲与赋格，要求主题突出。对其不同声部、不同手指弹奏的声音应做到既变化又统一。声部间你追我赶、错落有致，以形成不同旋律线条的流动与整体的和谐。莫扎特的20首钢琴奏鸣曲要求声音颗粒均匀、干净明丽、象纯净的水晶、清澈的泉水。以表现其自然流畅、轻松典雅的气质特点。而弹奏贝多芬的作品——被誉为音乐史上新约全书的32首钢琴鸣曲时，音色应明亮辉煌、气势磅礴，因为他的作品具有交响化，有庞大的交响乐队效果。浪漫乐派钢琴音乐情真意切、起伏连绵，音色要求丰富多彩、层次精细。如肖邦的作品《夜曲》等要求声音柔和绵长、优美生动、以展示其细致入微、幽雅圣洁的艺术韵味。而李斯特的作品如《匈牙利狂想曲》则要求声音辉煌雄浑、坚实明亮，以渲染其恢宏的气势，倾泻其澎湃的激情。印象乐派钢琴音乐特点注重意境的描绘、丰富而迅速的色彩变幻和音色对比。如德彪西的作品《月光》要求声音迷离中不失圆润，轻淡中不失柔和，以呈现寂静的夜晚如银的明月，整首乐曲要弹得朦朦胧胧。若隐若现，仿佛进入到梦幻世界。现代乐派钢琴音乐大多数节奏多变、和声复杂、奏法独特，音色要求或尖锐生硬、或暗淡模糊。巴托克的作品《野蛮的快板》则将钢琴作为打击乐器使用，只有狂暴猛烈的敲击方可达到作品本身的风格与情绪的要求。

中国钢琴音乐自解放初期以来涌现出了许多优秀的作曲家和钢琴作品，其中不少成功之作系由民族器乐曲改编而来。弹奏时模仿民族乐器的独特音色，表现中国音乐的民族神韵成为弹奏者必须着力注意的问题。弹奏储望华根据华彦钧的二胡曲改编的钢琴曲《二泉映月》，要想到二胡的连绵柔和、曲调的幽柔、凄怨、愤懑。如泣如诉；弹奏王建中根据民间唢呐曲改编的钢琴曲《百鸟朝凤》，则要想到唢呐的粗犷嘹亮、热烈欢快。弹奏运用民间音调改编或创作的钢琴曲，必须展示东方音乐的民族特色与地方风味。如我国早期的钢琴作品瞿维的《花鼓》，丁善德的儿童组曲中的《节日舞》，弹奏时要联想到敲锣打鼓、载歌载舞的热烈场面；贺渌汀的《牧童短笛》，则应充分展示竹笛那明亮圆润、怡然自得的歌唱。

一、手型及触键问题

手型及触键在钢琴教学中常常纠结着每位教师，我们常见到国内教师这样要求初学者，让其手型作成弧状，弧度做到好像手心可以握住一个鸡蛋一样，手指站立在琴键上，触键手指从根部高高抬起，有力地敲下去，这样的声音就会有“颗粒感”，“穿透力”。其他不弹琴的手指则应放在琴键上，不应离开琴键。有的孩子的无名指抬起时会带起中指或小指，这时老师就会帮忙按住孩子的这两个手指，让其练习无名指。实际上这是个极大的误区。从运动学和力学的角度看这样的做法也非常不科学。任何运动都应从每个关节，每个肌肉群放松开始，再紧张，再放松，也就是放松—紧张—放松—结束。从这样的循环看，放松多于紧张。如果是紧张多于放松，就形成了僵硬，死板。长期练习有时会照成运动伤害。因此，即使是在学习的一开始，也不应该为学生规定某种一成不变的手的姿势。这会在许多年内影响学生自然的和自由的弹奏”正确的手型及触键的关键在于自然、放松。涅高兹学派讲究手指一关节的发力，首先是手腕、小臂以及大臂的全方位放松，而触键的力度和控制完全来自于手指一关节，但掌关节必须灵活积极，而手指一关节则是全部手指技巧的支撑点，下键的时候掌关节连接手指并不是快速敲击下去，而是有个缓冲的力量，这使音色大大的提高，达到歌唱、连贯的音色效果，当今很多青年的俄罗斯钢琴演奏家都是以这个为基础演奏肖邦、舒曼等作品，音乐清晰、音色变幻多端都离不开放松。而以戈登威泽流派，伊贡拇诺夫，费因贝格领衔的俄罗斯钢琴流派，则属于俄罗斯传统流派，这几个人的触键特性，讲究以大臂为基础，通过大臂的力量，放松直接传送到手指上。

二、踏板问题

在国内，一些教师对于踏板的认识理解，和如何正确使用踏板存一些问题，常给初学者带来演奏方面的困惑。我们常会听到他们的演奏效果不是声音干瘪就是浑浊不清。这样的情况完全是教师的一知半解或没有传达出正确的信息造成的。

1、右踏板的用法约瑟夫·班诺维茨在《钢琴踏板法指导》一书中介绍了右踏板的几种用法，包括连音踏板法，手指踏板法，旋律性材料的踏板使用法，伴奏音型的踏板使用法等，其中连音踏板法最为普遍。但这只是理论如果不经过实际体验，在练琴时不认真体会，再多的理论也只是纸上谈兵，一知半解。比如最普通的连音踏板法，我们的教师大多只是在学习者的曲谱上标注那些踩下踏板的地方而什么地方踩，何时放开却匆匆略过。我们常听到老师说“声音不清晰”、“声音太脏”、“不干净”，其实都是踏板运用不当。在使用连音踏板时我们应注意下面几点:(1)弹奏并用踏板抓住第一个和弦。(2)接着当弹奏下一个和弦时抬起踏板。(3)听新的和弦的声音，在锤子重新打击琴弦的一刹那，制音器应该已经制止了原来的和声的声音。(4)当手指继续按住琴键时，重新踩下踏板。再仔细听，要肯定没有以前的和声被留在新换的踏板中。(5)每个新的和弦重复以上的过程。

2、左踏板的用法左踏板往往被称作unaeorda，sord旧。(弱音器)或减弱声音的踏板。它的作用不仅是帮助演奏者弹得更弱，也是为了增加声音的柔和，并除掉音质中任何敲击的成分。我们应该始终把左踏板当做一个增加音色和改变音质而的设计踏板，而不是一个为帮助弹的更弱而使用的拐棍，这样我们就会更加接近钢琴家的这个可贵的工具的一个艺术性的运用。左踏板如果称作“移动”踏板会更适合的多，因为那确实就是它在三角钢琴的功能。在大多数钢琴上，把左踏板完全踩下去会把锤子过远地送向右侧，因为虽然在大部分音上打击了两根而不是三根弦，尤其在高音区，可能会产生一些细弱的声音。

摘要：通过钢琴丰富的音色表现力和音色特点，阐述如何表现、如何改变音色的方法，分析改变音色的演奏技巧。

关键词：钢琴音色表现力演奏技巧

音色是由发音体的性质、形态以及其产生泛音数目的不同而呈现出的不同声音，即音的色彩和特征。优美的音色是音乐表演者必须持续不断追求的目标。只有演奏出优美的音色才能打动听众的心，实现音乐感人肺腑之功能。著名钢琴教育家涅高兹说“钢琴的艺术也是声音的艺术，通过弹奏音色的变化产生的音响可以表现出愤怒的狂号、疾风骤雨、雄伟悲壮、奔腾豪放、果断刚烈等强烈的情感，也可以表达低声倾诉、喃喃细语、安慰、爱抚、叹息、抽泣、甜蜜、微笑、幸福、爱情等内心的复杂情感，也可以表达空谷回声、黄昏钟声、高山流水、粼粼水波等大自然的奇观美景以及阳光、月色、云彩、微风等看得见摸不着的物体。总之，所有称之为音乐的东西都可以在钢琴上弹奏出来，而音色的变化使音乐的表现具有广阔的想象空间和表现范围。

一、钢琴独特的音色美

在辽阔的音乐世界，乐器的品种类别数以千百，但人们却对钢琴情有独钟，那是因为钢琴本身所具有的独特性能和审美价值。钢琴的气势宏大，没有哪件乐器可以与之相比。它既有辽亮辉煌的音响，又有绚丽多彩极具丰富的音色。钢琴音域广达6-7个八度，力度变化从最弱到最强，体现了大幅度、多层次音响特征，其丰富的表现力可以与一个交响乐队媲美。通过弹奏等技术处理又可以使音乐变化多彩……钢琴这种乐器在笔者的印象中是最理智的，弹奏时脑海里总是浮现各种更感性的、更具体的声音形象，包括人声和世界上所有乐器所表现出来的各种各样的色彩。因此钢琴演奏者不需要任何人的帮助，一个人就可以单独在钢琴上塑造出绝对完整的形象，创造出某种完整和完美的钢琴作品。

钢琴有它独特的音色美，有它的“自我”，无法与其他东西混淆。我们应当了解并喜爱钢琴独特的“自我”，从而彻底理解它、掌握它。音色美给人以官能上的快感，这种源于物理属性的生理反应，是一种初级的灵感。但从键盘上流淌出来的音乐,却蕴涵着丰富的音乐美的内涵，这种有旋律、和声、调式、调性、肢体、曲式、速度、力度等音乐表现要素交织在一起所构成的音响美，不仅给人以情绪的感染和精神的愉悦，而且还具有一定的启迪智慧、完善品格的效应。只有当你在钢琴上弹出不可能的东西时，你才能弹出钢琴上一切可能表现的东西。心理学家认为，概念、想象、愿望是可以跑在实际的东西前面的。贝多芬耳聋后创作了他听不见的钢琴音响并且预示了钢琴在数十年后的发展。作曲家的创作精神为钢琴音响探索出了新的规律，而钢琴就逐渐地适应了这些规律。

摘要：通过钢琴丰富的音色表现力和音色特点，阐述如何表现、如何改变音色的方法，分析改变音色的演奏技巧。

关键词：钢琴音色表现力演奏技巧

音色是由发音体的性质、形态以及其产生泛音数目的不同而呈现出的不同声音，即音的色彩和特征。优美的音色是音乐表演者必须持续不断追求的目标。只有演奏出优美的音色才能打动听众的心，实现音乐感人肺腑之功能。著名钢琴教育家涅高兹说“钢琴的艺术也是声音的艺术，通过弹奏音色的变化产生的音响可以表现出愤怒的狂号、疾风骤雨、雄伟悲壮、奔腾豪放、果断刚烈等强烈的情感，也可以表达低声倾诉、喃喃细语、安慰、爱抚、叹息、抽泣、甜蜜、微笑、幸福、爱情等内心的复杂情感，也可以表达空谷回声、黄昏钟声、高山流水、粼粼水波等大自然的奇观美景以及阳光、月色、云彩、微风等看得见摸不着的物体。总之，所有称之为音乐的东西都可以在钢琴上弹奏出来，而音色的变化使音乐的表现具有广阔的想象空间和表现范围。

一、钢琴独特的音色美

在辽阔的音乐世界，乐器的品种类别数以千百，但人们却对钢琴情有独钟，那是因为钢琴本身所具有的独特性能和审美价值。钢琴的气势宏大，没有哪件乐器可以与之相比。它既有辽亮辉煌的音响，又有绚丽多彩极具丰富的音色。钢琴音域广达6-7个八度，力度变化从最弱到最强，体现了大幅度、多层次音响特征，其丰富的表现力可以与一个交响乐队媲美。通过弹奏等技术处理又可以使音乐变化多彩……钢琴这种乐器在笔者的印象中是最理智的，弹奏时脑海里总是浮现各种更感性的、更具体的声音形象，包括人声和世界上所有乐器所表现出来的各种各样的色彩。因此钢琴演奏者不需要任何人的帮助，一个人就可以单独在钢琴上塑造出绝对完整的形象，创造出某种完整和完美的钢琴作品。

钢琴有它独特的音色美，有它的“自我”，无法与其他东西混淆。我们应当了解并喜爱钢琴独特的“自我”，从而彻底理解它、掌握它。音色美给人以官能上的快感，这种源于物理属性的生理反应，是一种初级的灵感。但从键盘上流淌出来的音乐,却蕴涵着丰富的音乐美的内涵，这种有旋律、和声、调式、调性、肢体、曲式、速度、力度等音乐表现要素交织在一起所构成的音响美，不仅给人以情绪的感染和精神的愉悦，而且还具有一定的启迪智慧、完善品格的效应。只有当你在钢琴上弹出不可能的东西时，你才能弹出钢琴上一切可能表现的东西。心理学家认为，概念、想象、愿望是可以跑在实际的东西前面的。贝多芬耳聋后创作了他听不见的钢琴音响并且预示了钢琴在数十年后的发展。作曲家的创作精神为钢琴音响探索出了新的规律，而钢琴就逐渐地适应了这些规律。

一、良好音色的获得与重量的运用直接有关

不同的重量运用产生不同的音色。演奏钢琴的最终目的是为了表现音乐，而力量的合理运用是良好声音的基础和保证，是钢琴表现音乐的重要手段。自然重量首先是手臂的重量，进而是身体部分对重量的补充和结合。手指和整个手的重量要根据乐曲力度变化的要求来调整。重量的调节必然建立在重量能全部自如放下的基础上。我们如能更多地注意让手在自然平稳、几乎保持不动的情况下做到完全放松，使它支持在手指上，就像支持在支撑物上一样，这样弹琴时，掌关节略为拱起，承担手放松时的全部自然重量。这时，掌关节和腕关节之间的肌肉得到发展，因而也就使手指得到可能有的独立性。

二、正确的触键方法是音色获得的必须保证

良好音色的获得与手指尖的触键方法直接有关。钢琴的触键方法直接影响着钢琴的弹奏音色，与其相关的因素包括：手的形状、距离键盘的高度和角度、触键的力度与速度等。其中手的形状应该服从音乐的需要，当为追求特定音色与风格时，除常用的手掌拱起手形外，还要用到手掌平铺的手形。距离键盘的高度和角度、触键的力度与速度是触键方法的主要内容，必须依据乐曲的风格要求不断调整：如果想得到雄厚灿烂的声音，手指应该离键面高些，同时手指立起角度近90度，触键力度强、速度快些。如果想得到微弱柔和的声音，则手指应离键面低些，触键力度小些，速度慢些。

要弹得声音动听，必要的先决条件是从肩部到指尖(包括手臂、手腕和手在内)全部放松，而手指却应当是随时准备好的，如同士兵随时准备出发一样。音色的决定性关键是指尖的触键，而其余的部分:手、手腕、手臂、肩、背部都是“后方”，后方应当很好地组织起来，以便“一切为了前线”。十指是演奏钢琴最直接最敏感的部位。因此，十指的力量、灵敏、速度，千变万化的触键方式，以及控制能力是基础之基础。

三、演奏者的动作和力度

钢琴教学是一项长期的练习过程，需要不断进行机械式的手指训练，而传统的钢琴课都是采取“一对一”的教学模式进行单人弹奏练习，长此以往，这样的教学难免让学生感到乏味。因此，教师需要在教学中加入四手联弹的教学内容，以此来优化教学模式。四手联弹属于钢琴二重奏的一种演奏形式，要求演奏者不仅要具有一定的弹奏水平，还需要两位演奏者进行密切交流与配合。钢琴教学中加入四手联弹内容，有助于激发学生的学习潜力，还能在配合中提升学生的合作意识，在音乐教学中培养出全面型的钢琴演奏人才。

1钢琴教学中四手联弹的重要性

1.1有助于提升学生兴趣。传统的钢琴教学由于练习上的枯燥单调，没有充分调动学生的学习积极性，无法有效激发出学生主动学习的能力，使得教学效率不高。四手联弹则通过两人演奏，增强了音乐表现力和感染力，也带动了学生学习钢琴的热情。四手联弹的练习还可以活跃课堂气氛，让学生在轻松欢快的学习环境中取得进步。1.2有助于提升学生合作意识。合作意识是学生将来步入社会所不可或缺的道德素养，而钢琴教学往往采取的是一对一的形式，无法提升学生的合作意识。四手联弹的训练可以让学生在演奏中理解合作精神，同时培养了学生的默契度。四手联弹中，两位演奏者必须熟悉对方声部，协调节奏统一，注意主次间轮换和音量的控制才能使曲子的整体效果和谐美妙。所以，学生在四手联弹的合作中要掌握好音乐分寸，淡化个人表现而注重协作配合，以便把握乐曲整体效果。四手联弹所呈现出的演奏水平取决于两位演奏者的合作默契。因此，学生要进行反复的合作练习，深刻理解乐曲所表达的情感，在细节方面加强沟通，明确分工，才能将感情融入乐曲之中，发挥音乐感染力。1.3有助于提升学生的听觉意识。听觉意识是影响四手联弹的重要因素。四手联弹中，学生除了演奏自己声部外，还要听清对方的声部，这也就要求了学生的听觉能力需要达到一定水平。四手联弹的演奏形式在音响效果方面要具有恢宏气势，音乐织体方面要求复杂精致。两位演奏者应当充分了解两个声部的肢体语言，把握好和声和节奏的变化，彼此对乐曲的理解达成一致，做到演奏乐曲上的和谐统一。教师可以帮助学生选择勃拉姆斯的《匈牙利舞曲第五号》、约翰•施特劳斯的《拉德斯基进行曲》等四手联弹训练乐曲，让学生便于感受其中的节奏、力度、速度，提升对乐曲的认识理解，从而提升学生的演奏水平。在四手联弹的训练中，两位演奏者不能只关注自己的声部，还需注意对方声部以便调整自己的部分，达到声部的协调统一，而敏锐的听觉能力是双方默契的桥梁，只要其中一人没有认真倾听，也就破坏了乐曲的整体韵味。因此，四手联弹可以有效提升学生的听觉意识，让彼此在合作中共同得到提高。1.4有助于提升学生的节奏把握能力。四手联弹需要两位演奏者在同一架钢琴共同弹奏乐曲，这就要求了学生不断练习熟悉曲子，然而对于初学者来说，掌控节奏是很有难度的。两位演奏者在四指连弹训练中要认真倾听，认真完成自己负责的声部，才能将伴奏与旋律完全融合为一体。节奏作为影响乐曲和谐度和完整度的关键因素，决定着乐曲的演奏效果，而学生通过四手联弹的训练，有助于提升对节奏的把握能力，同时还调动着学生的主动学习能力。

2钢琴教学中四手联弹的训练内容

四手联弹在钢琴的演奏形式中有其独特性，可以完全发挥出钢琴键盘的作用，同时这种演奏形式还需要两位演奏者具有良好的独奏水平，以此保障演奏的圆满完成。而四手联弹的具体训练内容主要分为合奏技巧和踏板运用两个部分，通过这两部分来提升学生的音乐素养及演奏水平。2.1合奏技巧。2.1.1开头音合奏。在开头音合奏中，如果两个声部同时开始就需要两名演奏者进行明确分工，选择一方演奏主旋律作为主奏者，另一方则为合奏者，主奏者应设计一些动作指令与合奏者沟通，动作设计要简单易懂，以便于合奏者理解，使得双方能在合奏中充分交流，在日常的训练中提升默契。如果弹奏第一声部或第二声部先开始的乐曲时，该声部的演奏者要先给另一个声部的演奏者做手势指示，这个过程中音乐是很重要的，第二声部一定要紧跟着第一声部的音乐节奏。如第一声部演奏者弹奏节奏是6/8拍，节奏像是水面行船般的摇晃，第二声部演奏者也要紧跟这种节奏，身体可以跟随节奏轻轻摇摆，在第二声部的前几拍就需做好准备，这样就能与第一声部演奏者产生自然的合奏效果。2.1.2终止的合奏。作为乐曲的结尾，终止也相当重要。如果在乐曲的结尾部分，没踩踏板的一方要将手提前抬起，以防出现踏板抬起后余音延留的状况，影响合奏的最终效果。踩踏板一方则需特别注意另一方的动作，有些乐曲的终止带有延长音，两位演奏者要多加练习熟悉。2.2踏板运用。踏板是钢琴演奏的灵魂，踏板运用可以丰富音乐的表现力，而在四手联弹中，踏板运用也是重要的组成部分之一。所以，教师给学生进行四手联弹训练时，要重点指导学生对踏板的运用，四手联弹的踏板运用相较于独奏的踏板运用来说，更加困难复杂，需要一个人为两人的合奏踩踏板，因而四手联弹的踏板运用要求学生打好独奏踏板的基础，以免在联弹踏板时出现状况破坏乐曲的意境。在踏板运用开始之前就要选好踩踏板的学生。一般情况下，踩踏板的任务都是由左边的副奏演奏者担任，这是由于位置所决定的，但是副奏演奏者踩踏板也存在着问题，四手联弹的曲目中大多都是主奏部分主导着旋律，需要踏板的配合，若由副奏控制踏板主奏就难以把握乐曲的主题走向，所以控制踏板的任务应根据具体情况来进行分配。值得注意的是，在训练初期两位演奏者要尽量避免使用踏板，因为踏板的应用不当很容易干扰听觉，造成乐曲的混乱。两位演奏者应当在熟悉声部之后再学习踏板运用，才能更好地发挥出踏板的作用。

3结语

摘要：西方艺术具有漫长的发展史，从巴洛克时代起，音乐艺术尤其是健盘音乐进入了全盛发展时期。海顿、莫扎特开创了古典时期，这也是后人划分古典主义的标志，我们通常把1750年一1830年定义为古典主义时期。本文阐述了古典音乐艺术奏鸣曲理论，在古典奏鸣曲发展的脉络、乐谱版本、曲式结构、触健、装饰音的弹奏及踏板等几个方面作了较为详尽地研究，旨在培养音乐人的弹奏技巧、文化修养和音乐内涵。

关键词：古典奏鸣曲钢琴音乐理论

一、古典奏鸣曲发展的脉络

1.巴洛克及古典前期的键盘奏鸣曲。在音乐史上，最早被称作“奏鸣曲”的钢琴作品应该是巴洛克时期伟大的古钢琴家DemenicoScarlatti，他的作品多半是为古钢琴教学而写作，却为古典奏鸣曲形式的形成，尤其是对后来钢琴演奏技巧的发展起到了巨大作用。其实他的奏鸣曲原来并不称为奏鸣曲，但因它具备了早期古奏鸣曲式的某些特点，故被称为“奏鸣曲”；至1750年，J-S-Bach离开人世，巴洛克时代结束，音乐创作风格便开始由严肃复杂、深奥理性的复调音乐转向清新精致、典雅愉悦的主调音乐过渡时期，钢琴音乐也开始从严格的多声部复调对位向主调旋律和声转变。这一时期是辉煌的维也纳古典时期的前奏，众多音乐家为古典奏鸣曲的发展和完善做出了突出的贡献，其中最重要的就是J"S-Bach的后代子孙，其中又以其次子C"P-E-Bach在钢琴奏鸣曲方面取得的成就最高，他对古典奏鸣曲式的形成起到了重要的作用，首次证实了奏鸣曲式表现性格发展和情绪变化的可能性，他将Scarlatti的古奏鸣曲式加以发展丰富，在18世纪中叶的作曲家中，C-P-E-Bach被公认为古典奏鸣曲的真正奠基者。

2.海顿的古钢琴奏鸣曲创作。(JosephHaydn)，1732年一1809年，维也纳古典乐派的第一位代表人物，是C-P-E-Bach的直接继承者，他开创和发展了奏鸣曲式，创作了62首古钢琴奏鸣曲。早期的奏鸣曲为前19首(1700年一1767年)，基本上都是一种嬉戏曲，以小型、轻快的形式出现，适用于小孩子或初学者，后来才发展成奏鸣曲；中期作品(1768年一1780年)，这一时期的作品比较成熟，有深度，不象莫扎特那样具有歌唱性，但他具有乐队的思维以及天生的幽默感，作品具有明朗乐观、充满活力和风趣幽默感、亲切感，至1771年创作(HobxvI：20)c小调奏鸣曲，才开始真正为钢琴而写作(之前都为古钢琴而作)，用得较多的为(HobxvI：2023.2731.34.37)；晚期作品(1780年一1809年)，最后五首((HobxvI：48-52)写作于1789-1794年，是一组出色的终极作品，每一首都有明显的个性特点，曲式变化较多，是他创作经验的一种展示，充满诗意和想象力。

正因为海顿奏鸣曲的整体风格是明朗和欢快的，缺乏强烈的矛盾冲突和深刻的思想内容，长期以来他的钢琴奏鸣曲在钢琴艺术史上的地位都没有得到应有的重视，直到近二、三十年才越来越受到人们的重视，人们开始重新认识到它的艺术价值，他的奏鸣曲虽然没有太多深刻的内涵，也没有深邃的对人生世界的哲学化思考，更没有对理想和真理不懈追求的伟大精神，但却是对真实的人世间现实的感受和体会，朴实而亲切，在漫长的钢琴艺术史中，他是伟大的贝多芬的前奏，也是从C"P"E-Bach到贝多芬的过渡。

摘要：约翰·塞巴斯蒂安·巴赫是人类音乐史上最伟大的音乐家之一。生活于巴洛克时期的巴赫一生中创作了大量的优秀作品，尤其是他的钢琴复调作品，是我们学习钢琴中始终都要研究的课题。“巴赫是这样的伟大，他使人感到他不是一个人，而是一个强大的创作实验室，其中锻炼着当时所有音乐上的创作技能、风格、倾向和尝试”。本文着重分析了弹好巴赫复调作品的八个方面，即速度、节奏、线条、声部、触键、力度变化、装饰音、踏板。

关键词：巴赫复调钢琴风格

约翰·塞巴斯蒂安·巴赫是人类音乐史上最伟大的音乐家之一。他出生于巴洛克时期，这一时期所创作的几乎所有键盘音乐作品，都是为钢琴的前身——“古钢琴”或“羽管键琴”所作。巴洛克原指一种建筑风格，特点是细致的雕琢，精心的装饰。音乐上也反映这一特点，作品有讲究的装饰音，复杂的声部。我们在演奏巴洛克时期的复调音乐作品时，要把握好纵横两方面的关系。横向的要点是声部清晰、连贯、特征鲜明与自然歌唱。纵向的要点是不协和与协和之间的矛盾、对比和解决。

巴赫无疑是这一时期的佼佼者，他的音乐艺术是世界文化最重要组成部分之一。苏联的音乐学家阿萨菲耶夫说：“巴赫是这样的伟大，他使人感到他不是一个人，而是一个强大的创作实验室，其中锻炼着当时所有音乐上的创作技能、风格、倾向和尝试。”由于他卓有成效的继承和概括了十七世纪以前欧洲各国的音乐体裁形式、具体写作技巧和各国音乐风格等音乐现象，所以创造了永恒的音乐艺术。而巴赫也被人成为“欧洲音乐大师”、“古典大师”。

巴赫的钢琴复调作品非常多。对于他的复调作品，评论家们这样评论：“谁要是不研究巴赫，那么对他的音乐中蕴涵着的那种用来表达我们最深思想和情感的巨大可能性，是不可能理解透彻的。”“没有研究过巴赫，就不能理解欧洲音乐，没有深入的研究过巴赫的复调作品，一个严谨的作曲家、钢琴家就不可能精通他的专业”。

若想演奏好巴赫的作品，关键是掌握好巴赫的作品风格。具体的说，有以下八个方面：