水墨艺术范文10篇

摘要：主要分析日韩现代广告传播中水墨艺术的设计应用特点、创新形式以及可资借鉴的经验，并就传统与现代相结合、民族性与世界性相统一等问题，探讨传统水墨艺术在中国现代广告传播中的设计应用和未来发展。只有将民族传统文化与现代设计语言完美结合，中国广告才能形成自己的风格，得到国际社会的认可。

关键词：水墨艺术；现代广告；传统文化；民族性；世界性

21世纪的经济全球化以及随之而来的文化全球化现象，日益引起人们的重视。现代广告传播具有经济活动和文化活动的双重特质，不可避免地顺应全球化发展趋势。面对外来文化和现念的冲击，如何保护和利用传统文化，处理好传统与现代、本土与国际、民族性与世界性的对立统一成为各国广告设计界经常要面对的问题。现代广告传播与民族文化关系密切，好的广告设计总要体现出一定的民族文化才易于被当地受众所接纳。民族传统文化由于区域性的限制，如果在广告传播中不加以巧妙设计而只是生搬硬套走形式，光有民族个性，而不具备世界共性，就会造成其他民族传统、其他国家的人们在理解和认识上的障碍。只有将民族性与世界性有机结合，才能使现代广告设计既体现出本民族的个性，又具有获得世界更多民族认可的共性，从而达到有效传播的目的。

相比西方的其它绘画形式，水墨艺术是非常有特色的，除中国之外，在其他东方国家日本、韩国等都有传承和发展。但各国由于历史、政治、经济和文化艺术等方面的差异，水墨艺术在现代广告传播中的设计应用各有特点。与中国同属东方文化体系的日本和韩国，先后在民族性与世界性相融合的现代设计道路上树立起自己鲜明的民族风格，并逐渐被国际社会认可，具有很强的竞争力和影响力，其中的一些经验值得我们学习和借鉴。

一、水墨艺术在日本现代广告传播中的设计应用日本战后在设计上实行“双轨制”，从政府到地方都非常重视本土传统文化的传承和西方现代设计的教育。日本设计师们善于将传统文化的精神底蕴与现代设计的表现形式相融合，许多设计作品凸显出浓郁的民族传统文化特色，同时又富于现代设计的表现特征而被人们喜爱。日本是一个善于学习的民族，在历史上深受中国传统文化艺术的影响。

源自中国传统书法和绘画艺术的日本浮士绘艺术，起初只有黑白两色，类似中国的白描和水墨画，后来发展成简单彩色和多色“锦绘”，又似中国的工笔画和装饰壁画。浮世绘表现手法细腻，以勾线为主，线条流畅、色彩艳丽，具有浓厚的民族风情，被视为日本国粹，对日本乃至西方的艺术发展及现代设计影响深远。在日本现代广告设计作品中，常可以看见传统水墨以及浮世绘艺术的运用和表现，保留着浓厚的日本传统文化特色又有现代创新。

摘要：目的研究水墨元素是否能与广告设计融合并用、相互借鉴、推陈出新。方法分析水墨艺术的审美特性和其艺术表现语言，结合现代广告设计的应用实例，论述水墨元素在广告设计中的传承运用。结论将传统水墨艺术合理运用于现代创意设计中，既能弘扬中华民族的文化精髓，又能推动中国广告设计的发展。

关键词：水墨艺术；创意设计；广告设计；应用

水墨艺术是中国独特的传统文化语言，其主要利用墨色的变化来进行创作。粗细浓淡的墨或深或浅地勾勒出一个点、一条线，笔画之间既有具象的图形，又有抽象的点、线、面。在设计师或画家的点拨之下，都仿佛灵魂附体了，变得活灵活现，上升到了艺术的高度，体现了博大精深的中华民族文化。由于现代多媒体技术的快速发展，设计师们利用新的形式和方法对传统的水墨艺术进行了创新发展，使水墨艺术有了新的生命，产生了奇妙的艺术效果和视觉冲击力。

1水墨之美

气韵生动是水墨的最高境界。传统的水墨用墨的浓淡和笔画的枯润、长短、大小、疏密、虚实来描画对象，其形成的墨点、线和面都形态迥异、语义丰富[1]。点、线、面主要靠笔画来完成，山峰、云雾、水气则主要靠深浅变化不同的墨来完成。线的粗细、点的大小与疏密都应精心考虑、呼应对比、恰到好处。笔画和线条的动静、起伏、枯润等变化使整个作品既生动又有气韵。

1.1布白

1传统水墨动画的视觉意象艺术表达

（1）留白的运用。

中国的水墨画在空间的表现上有着“留白”的传统，利用留白可以形成虚景，增加观看者的想象空间。绘画当中的“留白”，就是说在绘画当中忌构图太满，画面如果太满，就不能给观众通畅的空间来体会绘画的虚实之感，也就没办法营造水墨画的画外之境，限制了意境的传递和画面的诗意表达。其实，所谓的“白”也并非指的是一无所有，而是“计白当黑”，用“白”来衬托主体，正如诗中所说“风韵皆在琴瑟中，情致尽洒留白处”。在绘画中，就画面的布局来说，讲究“实布”与“虚布”的结合，所谓“虚布”就是指无像之象，它和画面构图中的“实布”之间，形成了一种虚实对应的关系，实现了“留白”体现“实”的用意，通常这种表现手法，要相当有经验的画家才能收放自如的运用，在画面中选择合适的“留白”之处，让观赏者在欣赏的同时，营造空灵的体验。留白在水墨动画中是常见的表现手法，在《牧笛》中运用了大量的留白，牧童骑着水牛，走到墨迹边缘，水牛四下张望然后继续前进，然后四肢和大部分身躯都消失，仅剩下水牛的脊背和头部以及牧童，水牛的四周点缀了几条水纹和鱼，让人可以自然感到水牛在水中的游动。

（2）构图方式的表达。

对水墨动画来说，其本身就是传统水墨画的表达，构图和语言同样重要。对动画有了好的选材之后，从构思到画面的布局，让观众理解和接受你的美感，首先最重要的就是构图。水墨画在构图当中，讲究不拘泥固定的时间和空间，大多数是岁创作者的创作需要和内心感受，打破了时空的限制和传统的构图模式，将不同空间中的人和物全部收到需要的画面当中，创作一个画家心中的时空境界。在透视上，也打破了“焦点透视”的束缚，运用新的“散点透视”进行创作，具有极大的自由度和灵活性。这种构图在《牧笛》中运用广泛，影片运用移动的视角进行观察，自由的进行取景和创作，让画面主观的表达创作者的主观情感，让重山的幽远以及瀑布的宏大都能够完美的展现。在片尾的夕阳下，牧童骑在水牛背上，吹着动听的笛声慢慢地消失在田野之间，展现了“牧童归去横牛背，短笛无腔信口吹”的美妙意境，整部影片画面唯美，意境深远。

（3）色彩语言的运用。

随着我国经济政治的崛起，全世界开始流行中国文化，许多奢侈品都会设计带有中国元素的产品，中国民族特色的东西越来越被全世界人民所接受和欢迎。水墨艺术是我国民族特色中比较体现我国古代文人气息和艺术修养的高雅艺术，水墨艺术的焦、浓、重、淡、清有着非常丰富的变化和表现力，艺术性非常强，而且深深的体现了我国的民族特色。在平面设计中吸收水墨艺术元素，让设计带有中国审美特色，形成独特的平面设计产品，因而越来越受到国际上的欢迎。

1水墨艺术元素特性和平面设计表现分析

西方油画主要是写实的，能够真实的画出原物，与西方油画不同的是，水墨画更多的表现意象，能够画出事物中的神韵，颜色上水墨画虽然只有黑白两色，但实际上黑白两色的变化极多，表现力非常强，有丰富的象征意义和精神内涵。水墨画重视写意，重视表达创作者的感情和意象情趣，不在乎外形的表现，在平面设计中可以运用水墨的写意特点，采用水墨中的线条去表现水墨之美。水墨的墨色变化丰富，焦、浓、重、淡、清总是能营造出巨大的空间感和宽广的意境。在平面设计中借用水墨的墨色变化的表现手法，可以让设计表现出水墨的意象基调，增强受众的视觉体验。水墨的留白是水墨的精彩之处，正是因为有留白，才让水墨在写意的表现力更强。平面设计应该增加水墨的留白元素，提高平面设计的意境。总而言之，水墨艺术元素的特性，使得其可以帮助平面设计更具有丰富的表现力和意境，两者的搭配是非常适合的。

2平面设计中运用水墨艺术元素的原因

水墨艺术作为中国的古老文化渊源流长，近年来平面设计中较多的运用这一古老的艺术表现形式，究其原因有如下四个。2.1地域经济发展的本土化回归。以前，我国的设计总是学习西方，西方国家流行什么我们就设计什么，因为我国许多产品都是要出口到国外去的，设计产品的受众大多是国外客户，而以前中国政治经济不够强大，更不要说输出中国文化。为了讨好国外的客户，设计中总是带有西方审美特色元素。而现在，随着我国的强大，中国已经能够输出中古文化，中国民族特色的产品受到世界上广大消费者的喜爱。同时我国国民的购买力大大增强，设计者的受众除了国外客户外，我国本国的人民也成为了重要的客户。设计产品中增加中国特色也就顺利成章了，平面设计也就越来越本土化。而水墨艺术是我国国人非常喜爱的艺术之一，是表现张力非常强的艺术，非常适合增加到平面设计中。2.2平面设计语言的本土化趋势。彰显本国特色的设计越来越受到广大消费者的欢迎。平面设计的本土化需求趋势，让设计者在设计中增加本土特色。而水墨是中国绘画的集大成者，具有中国的审美意象和哲学思想，表现了神秘的东方特色文化。在平面设计中增加水墨艺术元素，增加设计作品本身的美感和表现力，又带有中国民族特色，符合设计潮流的同时，又有创造性。2.3受众因素。由于中国政治经济的强大，中国市场被世界各国所重视。带有中国元素产品也在全世界范围内受到欢迎。而中国元素中水墨艺术带有中国审美特色，拥有东方艺术的美感，具有丰富的表现力，非常适合加入到平面设计中，而且也符合中国人的审美，而外国客户由于对于中国古老文化的向往，对于带有极具中国审美特色的水墨艺术元素的设计也是比较喜欢的。有了受众的需求，设计者自然会考虑增加设计中的水墨元素。2.4设计主体因素。设计者总是在寻求着创新，希望让自己的作品有特色，能够在其他浩瀚的作品中凸显而出。使用西方元素，或者别国的民族特色容易局限于设计主体理解，而我国的民族特色非常丰富，水墨艺术又是其中极具中国审美意象的，我国的设计者对于水墨艺术比较容易理解，并在此基础之上进行具有中国审美特色的创作。

3平面设计中水墨艺术元素的审美意象

一、水墨动画与中国传统文化的关系

中国水墨动画的艺术风格，来自于中国文人脱俗的审美观，中国文人画家的审美观则都受儒家思想的影响。儒家思想强调“中和”“中庸”，而这种思想在绘画上面就是一种平和的创作心态。中国古代水墨画的作品则都呈现出一种和谐、宁静、淡薄的意境，给人一种“胸中脱去尘浊，自然丘壑内营”的艺术境界。水墨动画继承了中国水墨画中的儒家思想，如《山水情》作品中，影片中的一景一物都蕴含着儒家文化的特质，凸显出“天人合一”的思想境界。同时通过巧妙的故事情节，从艺术和道德两方面揭示中国文人身上的气质，展现出中国道家文化的精髓。道家强调无为而治，顺其自然。中国文人的性格狂放不羁或愤世嫉俗，或游憩山林，参禅论道，或仕途坎坷，不得志，所以所画之物表达的多是慵懒疏淡的气象，逍遥自在的心境，清真灵现的景观，以及闲愁无尽的情趣，都与道家思想联系密切。所谓“一切景语皆情语，一切情语皆景语”都是真实的写照。中国水墨动画在运用中国水墨画技法的同时，也把中国的传统文化孕育其中，借助于幻想、想象和象征，反映人们的生活、理想和愿望，净化人心。

二、中国水墨动画的艺术审美特征

近些年来，伴随着中国动画文化产业的高速发展，其形成的影响力度也常常超乎人们的意料，较之其他种类的影视作品，动画影响力更加具有延续性。而这种动画观赏延续性的背后，往往是传统的审美情趣的默化。

（一）虚实相生，素净典雅

中国绘画与西方绘画在审美趣味上有根本的不同，中国的哲学思想是“天人合一、顺乎自然”，中国绘画也受这种思想的影响，多采用散点透视的方法，不受时间和空间的限制：视野开阔豪壮，笔调充满诗意，构图灵活，山水画素净典雅，人物画传神风韵，空间留白，局部渲染，为观赏者留下无限的遐想空间，表现出“虚实相生，无画处皆成妙境”的艺术效果，形成虚虚实实的艺术格调。中国传统水墨动画也采用中国水墨画的技法，运用墨色代替各种颜色，把实景化为虚境，虚实相生。例如中国水墨动画《牧笛》牧童骑牛过河一景，以虚当实，画面大量空白除了水牛和几条游动的小鱼别无他物，就把小溪流的湍急真切的表现了出来。牧童寻牛时展现出的江南的景色，飞流直下的瀑布，用虚表现出水势的浩大，烟波的遥远，用实表现出山的豪迈，引发出人们对自然力量的神秘敬畏与对宇宙空间人生幻想的哲学思叹。

摘要:室内设计的发展是与中国乃至世界的经济、文化、艺术的发展息息相关的。水墨艺术作为中国传统艺术中的重要组成部分，其艺术形式在近些年的室内设计中被广泛借鉴。室内设计由于水墨艺术的添加，整个设计显得更加古典、优雅。现阶段，水墨艺术不应仅是作为一种艺术形式而体现在室内设计中，水墨艺术本身所特涵的传统艺术价值，应该通过室内设计得到更好地传承和发展。

关键词:水墨艺术;文化;传统;室内设计

水墨艺术是中国传统艺术中的精髓部分，在现阶段的室内设计中发挥着其重要的作用。随着人们对生活环境要求的提高，室内设计应该不断继承和创新这种传统艺术，让传统水墨艺术更加贴近人们的生活，推动这一传统艺术往国际化方向发展。

1水墨艺术与室内设计

1．1水墨的含义

水墨是中国特有的一种艺术表现形式，是我国几千年历史文化发展的产物。水墨不仅具有悠久的历史，更是最代表着中国民族特色的艺术表现形式。水墨有广义和狭义之分。广义的水墨范围十分宽广，一定程度上是社会发展的见证者，比如新石器时代的彩陶，中国传统形式简单、内涵丰富的写意画等等，都是广义水墨的范畴;而狭义的水墨，是中国画的一种艺术形式，往往通过墨色的浓、淡、清、重等变化，来表现某个物象，具有独特的审美内涵，另一方面，水墨艺术在进行艺术表达时，比较侧重物象的意境和神韵。

如果从学术的视点探究一种风格范式的形成，必然先从开创这种风格的画家创作轨迹寻找灵感。徐惠泉是能从西方绘画中汲取创作养分，大胆开拓出新的艺术语言，同时又赓续传统水墨精神，坚持民族立场的江苏“新文人画”代表人物。可以说，他的创作是以“中”为“体”，深刻地把握中国画与现代艺术两种体系的共通之处，从而形成了自身独立的绘画风格。时至今日，在油画挪用中国画创作理念、美学思想成为思潮之时，我们可以对徐惠泉艺术语言的油画挪用价值展开具体考察，从而发现其艺术实践的另一种价值。

一、寻求认同的回路：形式、空间与自我

绘画艺术作为视觉艺术的一种，由认同产生的文化自觉，始终成为其构思、创作、欣赏、批评等环节的基础和先决条件。由此，中西方绘画的风格样态最根本的差异在于文化认同的路向。当代画家往往通过形式表征来完成对文化身份的求索。就艺术认同的视角加以归结，徐惠泉的创作可从以下3个维度加以分析：形式认同、空间认同和自我主体的认同。形式认同是产生绘画风格的基础。这种认同决定了画家创作的主题与表现方式。徐惠泉的绘画很早就以水墨重彩人物著称。一方面，苏州自古便是“仕女画”创作的重镇，徐惠泉从历代名作中汲取技法养分，同时又大胆突破古代仕女画所苛求的“笔墨趣味”。20世纪五六十年代，中国人物画在东、西方绘画的冲突与调和中演绎“笔墨”与“造型”融合之路。徐惠泉的绘画擅长以苏州园林为背景，重点描摹深闺女性的生活状态。《远缘》以表情刻画凸显人物细致入微的情感变化，鲜明地体现了传统文人画“隐逸林泉”的审美品格，从而将古装仕女融入当代都市文化的大语境之中，画面反复出现的墨痕褶皱像龟裂的瓷器，既有皴裂线纹美感又起到分割重彩的作用，做到以新技法、新主题、新形象毫无隔膜的书写传统水墨画的人文精神。另外，“重彩”更多地体现了当代艺术的跨界审美经验，为中国画所不多见。徐惠泉的绘画首先建立在他对于民族人物画深厚的实践探索上，其笔墨兼工带写，根据画面需要自由切换，不拘一格。在此之上，他深得西方当代绘画中“综合材料”审美经验的滋养，能将两种文化土壤不同的风格成功表现于一幅绘画之上。乍见徐惠泉的水墨重彩人物创作会有些许不适应，因为从外部形势看，其“挪用”大胆，突破了中、西两种文化空间的风格规定性和范式稳定性，但这种不适应很快会随着观赏者对作品文化空间跨越的自觉感知而消失，转而为作品全新的视觉体验叫绝。空间认同是艺术认同趋于稳定的重要维度，是基于艺术家对民族、国家、地域三种维度的流动性把握，从而对艺术的探究从表征形式走向精神内涵。徐惠泉的水墨重彩人物画形成了独特的空间认同范式：从传统水墨的民族本性出发，一方面，可以看到徐惠泉独具吴门画派俊逸洒脱的画风背后，明清人物诸家及至任伯年的巨大影响，在“工”与“写”，“色”与“墨”的交融中彰显出一种对于本民族文化认同的水墨建构聚合力；另一方面，徐惠泉大胆地进行材料、媒介、审美意象上的实验，《远缘》的局部放大后可见其将水墨、有机颜料、矿物颜料、水溶剂乃至洗涤剂融合运用反复叠加，更将泼墨、泼彩、贴金、敷箔、拓印等技法混搭，多种材料的运用使其水墨重彩人物画厚重而充满质感。从中可见徐惠泉心中蓬勃而出的经验、技能、信仰、价值观等行为因素的“共同体”，由此彰显出两种文化传统在其身上的交汇，形成外向型的创作驱动力。在以上两种认同的基础之上，艺术创作最终指向的是自我意识和主体性的认同，这种认同最终建立起了艺术家的习惯。哲学家杜威认为，艺术创作本质上就是艺术家自我追寻和发展的过程。徐惠泉的艺术一方面是从中国传统人物画进化而来，他进行艺术实验彰显的是瑰丽恣肆、斑斓厚重的艺术品格，色彩的质感、笔墨的空灵在他的画中完美结合；另一方面，徐惠泉的绘画之所以能不断创造辉煌就在于他敢于挑战一切固有的传统，综合材料创造的美学对象一般追求绚烂而多姿,而中国传统人物画多求古朴雅致，徐惠泉将二者巧妙融合，既有墨的“气格”，又有色彩的“率意”。在他长期的艺术探索中始终在异质文化传统之间自由的旅行，在新的主体文化身份寻绎中，完成了对当代人物画创作的文化超越。

二、徐惠泉水墨画的油画挪用路向

“挪用”指不同媒介传统之间的相互迁移，由形式走向文化的纵深。挪用的发生势必要以创作者对原有传统的背离为前提，这为在某一强大传统的场域之内形成新的认同设置了不小障碍。挪用作为艺术模式主要有两种类型：一类是艺术家对于自身文化元素的挪用，一类是他者元素的挪用。西方现代艺术多以自身传统元素为媒介进行挪用，通过对传统的戏谑与消解达到表达某种观念的目的，如格里柯、毕加索、杜尚等西方艺术大师对古典主义范式的重构，以及吴冠中在中国油画界兴起的对水墨元素挪用的探索。对他者元素的挪用虽不乏“立体主义”的成功典范，但也会造成跨文化媒介间的陌生与不适，从而给艺术探索的成功造成很大障碍。正如《视觉艺术的现象学》一书所指出的：单单还原挪用对象的政治或文化语境，从根本上无法增加观者对仅作为“材料”的挪用，从根本上的艺术冲动及体验。[1]从这个角度而言，有论者将徐惠泉水墨艺术对“重彩”的挪用阐释为“材料美学”并不十分确切。笔者认为，徐惠泉水墨人物画对西方媒介材料的挪用并不能简单地从外在意义构建的文化空间性去理解，而应当将这种实验理解为“中国当代艺术”范畴之内的崭新范式。可以说，徐惠泉的创作是一种意识共同体的书写，充满着能动性、偶发性的意识流动和理想状态的恣意表达。由此，我们并不能简单地将这一充满生命情景体验的饱满的创作过程简单地理解成挪用与被挪用的符号连接关系。从此意义上，我们便可以清晰地归结出徐惠泉的创作对当代中国油画“挪用”启示的两种路向。其一，从徐惠泉水墨画挪用“重彩”材料的成功经验出发，可见成功的艺术要以创作者自觉的主体意识为行动基础向着多元认同的世界艺术去努力。其二，徐惠泉对当代艺术材料的挪用并不是单纯的模仿复制，而是充分体现多元文化语境的相得益彰。应当说，徐惠泉的水墨重彩艺术深刻地映射了一种“关系美学”，表现出中国艺术和西方艺术范式的“流动”与“反流动性”趋势，本质上这是一种从地方性叙事、跨民族叙事到全球叙事的发展线索，徐惠泉正是“如是而为”并取得成功的。面对油画这一西方艺术媒介，反观当下的中国油画创作中的“挪用”，一方面，中国画家首先想到了将自身的民族语言运用油画表达，这从陈逸飞、吴冠中、杨飞云的探索来看，应该说取得了许多成功的经验，但是如果将这类风格摆放在西方当代艺术的背景上考察，则可能会发生因为艺术语言的文化差异而导致的认同障碍；另一方面，挪用摄影、装置等其他艺术形式和媒材进行油画加工、转化，或是将西方已有的风格进行驳杂化的“生产”，如此则较少能体现主体的艺术语言，只是单纯在材料或观感上标新立异显然无法达到理想的艺术境界，更无法形成新的价值。地域性艺术如何实现全球化认同？这是一个时代的大命题。徐惠泉的答卷可以说是成功的。首先，徐惠泉熟悉本民族的艺术语言，不仅素养厚重，而且艺术追求清晰而鲜明。在他看来，种种绘画媒介与材料并非是创作的目的，或是简单的视觉手段，而是帮助艺术家实现艺术风格突破，构建“想象共同体”的环节。其次，徐惠泉擅于把握全球与地方，多元与单元、民族与世界的艺术格局关系，能从自身创作的实际出发，游刃有余地进行驾驭，将每一次创作视为实验和创新的契机，并进行大胆的个性表达。以徐惠泉的创作反观当代中国油画创作中的挪用可以得到很多有益的启示。一方面，徐惠泉将“水墨”、“重彩”熔于一炉，美学样态多元而统一，从艺术史而言，体现出多种绘画传统“流动”与“逆流”和谐共生的崭新格局，相对于当前中国油画创作实施挪用的过程中某些单一、机械和程式化的倾向，更加开放而有魄力；另一方面，绘画等视觉艺术最能体现不同文明生态的独特样貌，消除差异、打通区隔、谋求合作是推动艺术发展、创造新范式的必由之路。从这个意义上说徐惠泉的艺术最成功之处在于，面对新媒介和多元的艺术语言，如何融入中国传统人物画的大命题，他没有迷失个性化的自我，而是充分能动的大胆实验，最终找到了协调的表达之道，也为人类艺术共同体建设提供了范式和经验。

作者：王鹭 单位：苏州大学艺术学院副院长

外来油画的引进是中国艺术自身系统面对西方文化冲击时候自我调整的产物。我们了解到中西艺术在各自发展过程中形成独立审美观和自给自足的艺术体系。西方艺术重视对“镜像世界”的描摹，而中国艺术却讲究形神兼备以及意境，这样迥异之美学观表明中西文化之本质差异。可是，从未有人注意此现象与媒介潜在造型手法有密切联系，以下将对此中西媒介潜在造型手法展开论述。中西两大艺术体系是以东西方审美观为基底，要在其之间进行世界性对话似乎有些困难。但根据西方美术史记录，西方现代艺术在寻求一种与东方艺术融合的新型艺术，目的是为了在后工业文明背影下，使西方艺术在精神与形式的语言中得到一种新突破。因此西方艺术对东方哲学与艺术有极大兴趣，比如莫奈之睡莲，画中之朦胧感与诗意美，与东方艺术中的意境有异曲同工之妙；还有后现代西方艺术中观念性是艺术家对于东方哲学与艺术之体悟基础上的那种直接性表现。20世纪中国绘画体系自从社会革命的兴起而被迫接受西方美学体系的渗入，中国传统艺术因而在艺术观念与艺术语言有所调整。但是由于近百年来中西艺术对话这最基本的命题上混沌复混沌，所有艺术家前赴后继地在这基准问题上琢磨来琢磨去，每个人都好像有一套救亡图存的解释。但是真正问题并不在于“西体中用”还是“中体西用”的历史命题上。若我们将东方艺术仅仅模仿或置换西方绘画的造型样式或审美体系，这样的东方艺术最终会沦落成无根的“伪艺术”。自从明朝意大利传教士携油画入中国之后，当时文人画家邹一桂在《小山画谱》中对朗士宁的精细油画表达其不屑，可见当时朗士宁的油画已经融入中国绘画的趣味，但其作品仅仅停留在明暗结构透视等技术层面，未能传达中国绘画最核心的精神层面内容，既顾凯之的传神论以及谢赫的气韵说。因此中西艺术的审美巨大差异似乎还存在着。民国时代有艺术家试图从艺术本体发展的内在逻辑角度来探寻油画艺术语言与中国水墨精神语言的融合途径。徐悲鸿与林凤眠两人为中国当代水墨艺术发展提供两种迥然不同的方向。徐悲鸿用西洋艺术观念改造中国画，而林凤眠用中国传统艺术观念来改造西洋画。林凤眠他的努力为中国当代水墨艺术发展打下良好基础。那么自从林凤眠到赵无级之后，画家应该怎么做呢？自从21世纪当代水墨概念开始流行，前卫艺术水墨逐渐在国内市场迅速走红。接下来是否从自己的艺术语言与思考来回答中国水墨中山水画的古老智慧，真正返回水墨源头，发现水墨之道既“迹”。如今的当代前卫水墨的符号并不是真正的水墨精神。所以笔者多年从事丹培拉绘画实践，试图从丹培拉这西方古老的传统媒介来接近中国传统文化，比起当今水墨画家采用中国传统媒介却远离中国传统文化这种极端方式，可能会好一些，更能让人反思何为水墨精神，希望能够为读者提供一个思考方式吧水墨与丹培拉是中西绘画最基本的媒介，其两种基本特征与造型样式完全不同，其表达方式更不相同。中西绘画应是一个多样性问题，在世界上，以水墨和相对比较薄的淡色为主画在柔软的底子上的绘画和相对稠厚覆盖性颜料在坚硬底子上绘画是两种基本绘画样式。前者以中国传统绘画为代表，后者以西方传统绘画为代表，这样作比较有益于继承与借鉴问题上作正确判断，有益发展民族绘画艺术的基本精神。

丹培拉在意大利语被称为“tempera”的液态媒剂用于混合颜料（《绘画技术指南》希勒文）。《汤普森中世纪绘画材料》中可见，媒剂有两种功能黏合作用控制颜料的视觉特征。第二种主要依赖于媒剂与它和颜料之间的比例，以这种媒剂混合颜料被称之为“调制”。用于这样的目的的东西都可以称之为“丹配拉”甚至包括油，调制颜料的过程有很多可能性。从广义上看“tempera”在15世纪晚期包含所有媒剂，但是随着油媒剂流行，它的界限开始变窄。这样详细的定义有三种术语，即“胶质丹配拉，树脂丹配拉，与鸡蛋丹配拉……在此16世纪之后油媒剂取代丹配拉媒剂，但并未将丹配拉挤出使用领域，整幅图画依旧以丹配拉与水性媒剂完成的（杰担斯《绘画材料》）。总之，丹配拉最初原义并非指某一种媒剂，但丹配拉在西方绘画占据重要的角色，对西方绘画样式起着决定性影响。从文化角度看，中西绘画是出于不同文化背影下的产物，其内在逻辑与发展当然各不相同。与中国水墨材料相比，西方绘画是复杂技术实践的过程，其中主要技术是媒剂的改造与运用，辛尼尼《手册》是丹培拉技术的文献的主要来源。

二、丹培拉与水媒剂特征

水媒剂没有黏合与呈膜作用，更没有厚度，因此丹培拉与丹培拉媒剂在改造与调节颜料的光学或视觉特征上不同之处。没有黏合性的水媒剂对颜料视觉的光学视觉效果十分有限。水媒剂所改变的只有平面结构上的颜料颗粒分布，可表现为色度的深浅，呈现的是中国绘画单一的立面结构，以渗入基底的方式形成水媒剂的基本特征。水媒剂为主的中国水墨与西方乳性或油性媒剂一样也有多层覆盖法，但主要靠胶矾作用，只是胶矾仅仅引起敷色并未增加色层的厚度，所以墨色只融入基底，而层与层之间并无实质性厚度。而丹培拉媒剂本身是黏合剂，同时调和颜料并保留自身体积。当光线透过媒剂到达底子再反射出来，因此在这种过程所发生的效果并不像以水媒剂为主的水墨那样易于想象。

一、水墨艺术的魅力

中国绘画艺术发展源远流长，传统水墨画艺术经过长时间的锤炼，已经成为中国独特的一种艺术形式。水墨艺术分为写实水墨和写意水墨。作为中国特有的绘画方式，它表达了中国传统艺术家的心灵和意境。水墨艺术中最独特的表现手法是“计白当黑”，用简单的画面表达出丰富的意境，但这种意境不是简单的由景抒情，而是表现了画家自己“天人合一”、和谐自然的理想。并且通过中国的水墨艺术形成了独特的透视原理即散点透视，讲求“三远”，即高远、深远、平远。在创作中还重视以虚写实，用简单的构图和简洁的笔墨表达出画家丰富的文化和精神内涵。同时通过虚实变化，以虚求实，达到接受自然，靠近自然，和谐自然的心境。水墨艺术是中国思想文化的特有载体，而且在发展过程中吸收了佛、道文化，是中国文化最好的呈现形式之一。

二、水墨艺术与现代广告设计的共通点

广告设计不是孤立存在的，是艺术的发展与设计的需要相互影响的结果，它的设计方向是根据科学技术发展的程度、艺术的进步以及人的审美观、价值观确定的。中国水墨艺术来源于中国传统书法与绘画艺术，它是一种综合性的表达方式。艺术是相通的，传统的水墨艺术与现代广告设计中有许多共同的地方，这些相同的元素使得传统的水墨艺术可以运用到广告设计中，提升广告设计的价值和表现方式方式。而且，“以水墨画艺术和动画艺术相结合的水墨广告得到了快速的发展”。

1.共有的设计特性

传统的水墨艺术重视笔墨意境，特别注重运用墨和水的浓淡、深浅、层次的搭配来表现不同的景物特色，这种设计性也是平面设计中所推崇的。水墨艺术在绘画技巧上运用笔墨皴法，在构图上也与平面设计有共通性。而且水墨艺术强调笔法多样性的运用，还推崇渐变的笔法特色，通过笔法变化来表达艺术意境的变化。这些表现手法对现代平面设计产生了重要的作用。且水墨艺术中的“以黑当白”，运用黑白两色的颜色运用法，非但没有削弱水墨艺术中的颜色表现力，而且使颜色搭配更有层次感，这些是现代广告设计中需要吸取的方法。此外，传统的水墨艺术主张以景呈情，通过艺术中景物的构图表现一种意境、一种想法和情感，这与现代广告设计中的构思，所传达的理念是相互吻合的。现代社会，随着人们审美能力的提高和艺术的发展，在设计领域出现了各种各样的流派，如晚期现代主义、后现代主义等，如何提高广告设计水平以应对社会的发展、变化成为一个亟需解决的问题。在现代设计中我们需要形成自己的风格吸收传统水墨艺术的设计方法和风格并且转化成符合时代需要的设计。

一、简述传统水墨艺术

(一)水墨艺术的发展演变。唐代诗人王维开创了“破墨山水”，并将水墨运用于山水画创作中，这标志着水墨艺术的诞生。到宋代之后，水墨艺术得到长足发展，北宋水墨画多雄伟壮阔、气势磅礴，南宋水墨画多细腻精致、委婉秀美。元代时期，赵孟頫提出了“书画同源”，并将书法技法运用于水墨画之中，使水墨画呈现出全新的发展趋势。明清时期，水墨写意花鸟画逐步形成，并涌现出了石涛、虚谷、朱耷、徐渭等写意花鸟画家。20世纪以来，水墨艺术呈现出多元化的发展态势，徐悲鸿、林风眠、刘海粟等画家主张“西学东渐”，而齐白石、潘天寿、黄宾虹等人则固守传统，他们均为中国水墨艺术的发展作出了巨大贡献。

(二)水墨艺术的艺术特征。水墨艺术有着“形神兼备”的艺术特征，它不仅有着外在的形式美，还有着内在的神韵美与意境美。水墨艺术以“笔墨”为表现形式，“笔”即笔法，笔法的种类有很多种，如人物画中的“十八描”技法，山水画中的卷云皴、解索皴、披麻皴等皴法，花鸟画中的画干、写藤等技法。水墨画运笔讲究染、揉、拖、垛、搽、勾、摆等技法，有轻重缓急、提顿按挫之别，通过笔法变化能表现飘逸、轻松、洒脱、苍劲等多种韵味。［2］“墨”即墨法，有“五彩”、“六彩”、“七墨”之说，墨法主要有浓墨法、淡墨法、破墨法、冲墨法等，通过墨色变化能表达丰富的情感意蕴。水墨艺术以“气韵生动”为审美追求，以意境美为灵魂，用笔墨描绘生命的律动，通过“象内之象”营造情景交融、虚实相生的审美意境，展现出无尽的艺术魅力。

二、水墨艺术融入平面设计的可行性

(一)水墨艺术与平面设计联系密切。艺术和设计是两种重要的创造性审美活动，都反映了人类形而上的审美追求。水墨艺术与平面设计是姊妹艺术，在创作理念、处理手法、构图形式等方面有许多相通之处。水墨艺术与平面设计均属于视觉艺术，有着相似的语言母体，可以在语言元素上相互借鉴与启发，将孕育于传统文化的水墨艺术融入现代平面设计之中，使平面设计得以承载深厚的文化内涵。平面设计讲究点线面的组合，水墨艺术讲究笔墨的灵动，水墨艺术中的疏与密、动与静、虚实相生、黑白对比等构图法则，“计白当黑”、“知白守黑”、“虚实相生”、“似与不似之间”等审美理念对平面设计有着重要借鉴意义。水墨艺术源于中国传统哲学，它那韵味无穷、灵动天成、超然物外的内在精神散发着永恒的艺术魅力，这正是平面设计追求的主题。

(二)当代平面设计的发展趋势。在文化全球化的背景下，平面设计艺术呈现出多元化的发展趋势，但本土化、民族化仍是平面设计发展的主要趋势。有人说，福田凡雄的作品使人想到了日本，JasonBrooks的作品使人想到美国，靳棣强的作品使人想到中国;建筑大师赖特说过，“土生土长是所有真正的艺术与文化所必要的”，“优秀的设计是应代表自己的思想，代表自己的民族”，因而，我们应将中国元素融入平面设计之中，创造出更多有着中国文化气息的作品。水墨艺术是传统艺术的精华，是最能代表传统文化的艺术形式，将水墨艺术融入平面设计之中，能提升作品的文化品位，使作品更具有民族特色。如设计大师靳棣强就将简洁、空灵的水墨语言运用于平面设计之中，使作品清秀淡雅、稳健有力、意蕴丰富，为中国平面设计的民族化、国际化作出了重要贡献。［3］