水彩艺术范文10篇

一、水彩的审美趋势

水彩艺术的发展受时代变迁的影响。艺术往往表现的是当今社会的潮流，反映着不同时代背景的精神面貌。一般来说，东方的水彩艺术所体现的艺术精神，多缘于艺术家对大自然万物的亲身体验，而西方的水彩艺术大都追求完美逼真的艺术效果，注重再现生活中的真实场景，使人如身临其境。这种审美心理特质存在于每个人的身上，而这种心理特质与画家有着密切的联系，所以艺术的直觉心理是艺术审美心理的基础。

二、心理因素

画家的心理因素始终影响和支配着其掌握的水彩绘画技巧以及艺术情感的发生和发展。对水彩艺术的审美活动是一种高级行为，是心理意识的外在生理反应。水彩艺术是人的视觉艺术，水彩绘画的创作离不开感觉、知觉、意识、想象、情绪、情感以及思维方式等重要心理因素。因此，笔者从以下几个方面分析心理因素对水彩艺术的作用。

1．感觉与知觉对水彩艺术的作用

感觉是刺激物作用于感觉器官，经过神经系统的信息加工所产生的对该事物的个别属性的反映。正如列宁所说：“感觉是运动着的物质的映象。不通过感觉，我们就不知道任何实物的任何形式，也不知道运动的任何形式。”水彩艺术的创作更注重感觉的运用，用水色的流畅感抒发自己的感觉。知觉是人对感觉信息的组织和解释的过程，是人对直接作用于感觉器官的事物的整体反映。水彩绘画讲究整体性，统一的绘画语言、统一的色调都可以通过人的感官被感知。

艺术是在不断地求新求变的过程中发展起来的。作为水彩画家，除了要把握水彩的特性，体现透明、湿润、轻快的特点；遵循自身的材质优势，发挥透、薄、亮、流、韵等特点，通晓和掌握水彩画常规的各种技法之外，还要努力借鉴其他画种的各种观念和技法。如中国画的大写意的奔放，岩画壁画的浑厚古朴，油画厚重、表现力强、色彩丰富的特长，以及版画的层次分明、黑白有序的优点，以最大限度地扩展水彩画的表现力。

不然，都是陈陈相因“标准”水彩画的老面孔，水彩画也将失去它的生命力。那些卓有成就的水彩画家无一不是这方面的先行者和典范。他们既有对水彩本体语言的准确把握，又有扎实的绘画基本功；既有着深厚的文化底蕴和艺术修养，又能够很好地吸收借鉴，将有利于表现自己情感、观念、意味的各种技艺集于一身，从而形成了自己独特的艺术风格，并推动着水彩画不断向前发展。水彩画大师程及对于中西文化都有极高造诣，又能将其融会贯通，他把中国传统绘画的笔墨意蕴与天人合一的感悟方式，有机地融合到水彩画中，形成了既有色彩造型，又充满东方情蕴的绘画风格。他把中国文化的气质、精神、格调融入了西方绘画，开辟了寓中于西的一代新风。早在20世纪50年代，程及就以中国的毛笔在宣纸上画水彩画了。他的画一改传统西洋水彩的风格，多以长卷、立轴的样式出现，偶尔也有正方形的构图，画面不再强调西洋绘画传统的光色效应、明暗塑造、光影处理，而是追求平光下的质朴的美。一种稳重的、非常经得起推敲的、内蕴又非常深刻耐看的艺术风格与艺术样式，开创了东方意韵、东方情趣的水彩天地。

堪称中国当代水彩艺术大师的王肇民，一生致力于中国水彩画的探索与实践，他把国画的笔法、油画的色彩、素描的基础、诗的境界熔于一炉，创造了大量具有民族风格和时代气息的水彩作品。他的作品有鲜明的、独特的风貌，到晚年更见于干湿并用的笔墨气势，色彩也日臻完善与纯熟，达到淡雅与出奇的浓艳。他立足于现实，把古代的、中国的、外国的各种艺术流派，从内容到形式，乃至工具与材料放在一起作同类比较，以辨明中国的民族风格的特点。王肇民崇尚自然美的创造，在“形是一切”的原则下进行创作，“物当人画”，赋静物以生命；“人当物画”，表现人的品德，风景画又创造出静穆精深的意境。他的水彩画艺术风格别开生面，在水彩艺术的领域里拓展出一种新的境界。

著名水彩画家王维新原本是搞版画的，他把中国画的写意和速写之线直接引入了水彩画，速写性的写意成为他水彩画作品的主要艺术特点。在作画时他不拘泥于细节得失，而是格外看重形象的鲜活和整体的气韵生动，对景对物写生以速写的笔韵抓取瞬息即逝的生动形象，然后随类赋彩，赋予轻快的情感色彩。由于这类线条的直觉性很强，所以情感色彩很浓，因而极富生命力，形成了他自己的“形随线至，线寓于形神的格调”。在用色上，王维新也有独特的创造，大胆地使用墨甚至是生宣纸画水彩。他直接用墨扫描，营造画面肌理，进而以墨入色，冲淡色的浓艳，泛出高贵、雅丽、质朴的本真，清新而又厚重，并透着一种苍茫感。

起步于国画，成熟于油画，后又专攻水彩的陶世虎，一方面极力保持水彩画本体语言亮丽、透畅的纯真性；一方面又最大限度地融入油画结实、丰厚的语言，充分运用中国画神韵笔法之灵趣。三画种要素有机地和谐交融，嫁接重构，成就了他鲜明的细而不腻、凝重又透明的个性风格。首先他能打破水彩画技法的固有程式，将油画中国画一切有益于水彩的技法优势，通晓吸纳，为己所用。比如他在极力保持水彩透明纯真的基础上，将油画浑厚的造型、边线空间的处理、隐藏与暴露的对比、微妙的色彩音响、宽域的色阶幅度以及从暗部画起的法则充分地运用于水彩中。再如他以古典主义油画提白罩染的技法中提炼出枯笔“飞白”留空罩染的方法。他同时吸收中国画“骨法用笔”的技艺，皴擦勾染，强弱迅缓，并运用枯笔的曲折、顿挫、起落的变化来表现物象的质感。在感悟沿用国画大师黄宾虹的七墨后，以虚透密集的原理，反复渲染叠加，仍能保持水彩的透明性，同时也增强了画面的厚实与含蓄。正因为在技法上重构组合，通纳融合，艺术表现的领域大大拓宽，水彩画本体语言得到了进一步拓展。怀斯，这位美国水彩画巨匠，他把蛋彩画技法带进了水彩艺术。首先他带来的是蛋彩画的细腻画风，以及多层罩染的方法。他刻画的人物细腻而深刻，怀斯的水彩肖像作品，在深刻性方面，达到了前所未有的境界。

他水彩画中人物塑造之深刻，面部影调转换之微妙，不能不令人惊叹。怀斯在他的人物、人体和风景作品中，展示了丰富的水彩技法，影响了美国的几代水彩画家。水彩艺术是一门基础性学科，又是一个国际性画种，它介于东西方绘画的中间地带，对各画种的艺术表现力有很大的兼容性和交融渗透性。就所有画种的绘画材料和工具来说，要数水彩画的品种最多。目前我国水彩画采用的纸、笔和颜料有着丰富的种类，画家们尽可以根据自己创作的需要去选择、去尝试，大胆采用其他各种媒介，去追求和创造能够表达内心感受的完美形式。借鉴是艺术创作的重要途径，正确的借鉴可以提供丰富的审美经验和形式，深切感知绘画语言的运用方式。对于水彩艺术而言，中国画特别是水墨画的传统是它的一大源流，水彩艺术与我国传统文化飘逸空灵的审美趣味相得益彰。因此中国画的意境气韵、骨法用笔、水法墨法都可借鉴吸收，并努力把它变成自然地、准确地反映自己内心体验和文化认识的富于感性的有机艺术语言。

内容摘要：20世纪80年代以来，我国水彩艺术教育呈现出一个新的发展阶段。在21世纪的新时期，许多高等美术院校开设了水彩专业或水彩课程，水彩艺术教育在高校美术教学中的地位愈来愈重要，进入了一个更为广阔的发展空间。

关键词：水彩画高校水彩艺术教育

新时期我国高校水彩艺术教育的发展状况

20世纪五六十年代是建国以来中国水彩画发展的第一个繁荣阶段。80年代以来，我国水彩画艺术进入第二个发展高峰。此间关于水彩画的展览不断，各种水彩画论著、杂志也不断出版问世，涌现出了许多优秀水彩画家，为水彩艺术在高等美术院校的推广与普及奠定了师资基础。

80年代以广州美院美术师范系的水彩画师资力量最为雄厚，起步也最早。其美术师范系（后改名美术教育系）1981年创办之始，就规定学生到三四年级以学习水彩画为主，而且毕业时每人要完成一幅主题性水彩画创作。1987年广州美院又率先开始招收水彩专业硕士研究生，更是首开水彩画硕士教育的先河。进入90年代以来，湖北美院、湖南师大等高等美术院校也相继开办了水彩专业，湖北美院自1998年以来也开始招收水彩画硕士研究生。在进入21世纪的新时期，我国水彩艺术教育处于新中国成立以来最为昌盛的发展阶段。水彩画现今已经成为广州美院、湖北美院、湖南师大、青岛大学等美术院校的重点学科或特色课程，更多的美术院校开始招收水彩画硕士研究生，水彩艺术教育在高校美术教学中的地位显得愈来愈重要。在进入21世纪的新时期，我国水彩画已成为一门独立的、有影响的画种，在大、中、小学中的美术地位也愈来愈重要。

中国水彩画艺委会为当前水彩画事业的繁荣做出了巨大的贡献，尤其新的第三届艺委会成员主要是近年在水彩画展中屡获大奖的中青年画家组成，他们大都直接在美术高校从事水彩教育事业或相关的行业（出版社、美协），是各地水彩艺术的学术带头人。在中国水彩画艺委会的领导下，近年来各种形式的水彩画展览活动层出不穷，既有力地促进了我国水彩画事业的繁荣，扩大了水彩艺术的影响力，更推动、普及了我国水彩艺术教育的发展。

1水彩艺术的色彩

什么是水彩，众所周知的是，水彩是通过以水为媒介进行色彩调配下的绘画艺术，艺术的表现力要求水彩艺术的内涵必须是丰富的，必须是内涵一定的艺术价值的，从中我们可以找到很多相关的艺术信息和艺术内容。色彩的表达在水彩艺术的冠词影响下，主要指的是水与彩的关系。通常情况下，学界对于水彩的演技一直沿用常规手段来完成，即水彩的内容主要是由于吸收了自然颜色的角度，水的作用只是一种利用，是通过借用水的特性来展现色的明暗，实际上我们在近几年的研究当中更加注重的是水的重要性，而不是色，色很好表达，但是水的把握却需要通过不同的途径来完成，这就是水彩中色彩的特殊内涵和意义。我们需要从传统的研究思维模式中剥离出来，真正的从传统的内容中把握住主要特征，用新的思维和方式方法来决定水彩的主要内容。那么水是我们最为重要的选择，也是唯一的一个新的出发点，我们通过实践中发现，实际上真正地对水进行全方位的把握能够更加真实的体现色彩的内容，颜色的提取很容易，颜色的浓淡也很容易，但是这些都离不开水的作用，我们说水彩实际上就是这样一个主要内容，那么，水彩艺术的色彩能够为我们开启什么样的主题，我们认为，这样的色彩实际上包含着三组重要的关系，即水、颜料和画纸。这三个重要的相互形成了制约的三组重要关系，水与画纸的关系是画纸决定了水的多少，水根据画纸进行有效的使用，颜料和画纸的关系在于画纸决定颜料的厚薄，颜料根据画纸的吸收能力进行有效的调配，水与颜料的关系是水决定了颜料的深浅，颜料根据水的使用来摆布内容和空间。

2水彩艺术中的三组重要关系

当我们将水彩艺术的构成分为了水、颜料和画纸三种元素，实际上还包括画笔，这里我们为了简要表述而略过。水与颜料是一组深浅关系；颜料和画纸是一种薄厚关系；水与画纸是一种浓淡关系。三组重要关系的形成源自于对最终目的的服务，即艺术创作。三组关系的重要作用在于构建了一组完整的分析框架，在合理有效的范围内划定了水彩艺术创作的内涵。即把握关系，产生技巧，营造氛围，创作艺术。在这三组重要的量化关系中，我们可以详细分析水彩艺术的内容。深浅关系，要求我们把握好度，水是水彩画的应用媒介，利用水的透明性和光亮性能够加强水彩的效果，把握深浅关系就是把握水的使用，如何弱化或者强化颜料的深浅，如何提高或者减少颜料的轻重，只有这样，才能够达到层次分明的理想效果；薄厚关系实际上是一组真正的材料选取问题，选取材料的内容在于如何将利用画纸的选材，有的画纸粗糙吸水，有的画纸细腻防水，是用画布还是用画纸，是根据艺术创作的需求来不断来完成的，这就是我们选取艺术内容的重要方面和重要结点；浓淡关系实际上是一种合并融合的问题，是我们要通过什么样的方法，来发挥出水的效果，或者说是水的作用。真正意义上的水彩艺术就是在玩水，非常细腻的摆布水的存在，看不到水的颜色，却能够感受到水的存在，这就是水彩艺术的重要内容。水是水彩画的灵魂，水彩画是水的艺术。水彩画创作中的光是水的体现，是水的透明性、渗透性等特性在颜色中的体现，光给水彩画带来了动感明亮的属性，让水彩画让人眼前一亮。研究水彩画创作中的光就是在研究水彩画创作中对水的使用。光的产生依靠于水这种媒介对颜料的属性的提升。作为水彩专业的学习或者爱好者，我们都知道，如果水彩画中的颜色能够离开水而单独进行创作，那么我们也就不需要称其为水彩了。颜料的特性是比较浓重，颜色比较正，我们不能要求颜色的色差差距太大，所以我们保持的是颜料的本色。通过三组框架的分析和对水的认识，我们才能够更加深入地去分析水彩艺术的色彩与表现技法。

3水彩艺术的表现技法

首先，我们要研究的是水彩艺术在深浅关系上的表现技法，通过框架中的内容，我们可以合理的摆布关键内容，即在同等重要的地位的三组内涵关系上，水彩艺术明显能够更加深入地体现出深浅关系的内容。比如水与颜料的融合过程，我们将其融合的部分加入更多的水，从而稀释了颜色，颜色变浅；我们使用较为吸水的画纸，能够让水彩的颜色铺的更开，光晕更完整。水彩艺术的表现技法就体现在水的添加上和颜料的调配上。这就是我们通过深浅关系来分析问题的实质。其次，我们要研究的是水彩艺术在薄厚关系上的表现技法，通过框架中的内容，我们可以非常合理的进行处理，薄厚关系上，比如颜料和画纸，如果画纸的材料面较为光洁，且画纸不易吸收水分，我们则需要将水与颜料的比例调匀，着色的过程要采用更为重要的稀释过程，采用干笔技法，这样才能够保障水彩艺术表现技法的厚重性，才能够随心所欲的调试颜料的薄厚，一方面不会造成水晕扩大，一方面也不会致使颜色过重。水彩艺术的表现技法就体现在下笔的过程中，能够不断地提高水彩画的艺术感觉，水彩画的表现技巧是必不可少的，同样，探讨水彩艺术的表现技法，在整个水彩艺术的发展当中也同样是值得我们继续探究和关注的，深浅、薄厚、浓淡三组关系框架下的表现技法理论需要不断地与实践相融合，找到更多的契合点，以支持水彩艺术表现技法的发生和发展。

一、广东水彩艺术发展的沿承关系

广东地处南方，本土众多的河道和漫长的海岸线等自然条件为航运提供了诸多的便利，通过河运和海运展开的贸易和文化交流显得方便和直接，故岭南文化因地缘的关系在一开始便染上了海洋文化的底色。观察早期广东地区美术家的活动路线时可以发现，他们的求艺之途很少折返内陆求助于中原文化的敦教，而是顺海寻找启蒙，或是沿东北海岸线路东渡到日本（如高剑父、谭华牧等），或是顺南太平洋环绕半球至当时的法国或是美国（如李铁夫、余本、冯钢百等），其中广东画家李铁夫先生是我国第一个远赴英美学习水彩画并取得极高成就的水彩画家。他的艺术汲取了欧洲现实主义的优秀传统，在水彩方面更是受到英国水彩画的滋养，还直接受到威廉切斯和萨金特等水彩大师的熏陶和教诲。李铁夫的作品有着印象派绘画那种明亮的阳光和流动的大气，并且以痛快淋漓的笔触表现出宏大的气概。广东也是中国水彩的创始之地，李铁夫影响着广东乃至中国几代水彩画家。历史上的广东水彩画真正的蓬勃发展期在20世纪50至60年代，涌现出如阳太阳、王肇民、黄笃维、罗宗海、吴谷芳等一批专门从事水彩画创作的油画家。在这些画家的影响和大力推行之下，广州美术学院（原中南美专）逐步把水彩画的创作、教学、研究定位为学院架构中的重点部分，为水彩画创作队伍输送了一批高质量的优秀人才，这一时期由于前苏联水彩画风格的传入，广东水彩创作整体受其影响比较深，呈现出一种明快、清新的特点。

在前辈们的指引下，20世纪80至90年代的广东出现了较为活跃的水彩画家，如胡钜湛、钟安之、陈秀莪、周易、吴正斌等，他们以精湛的技法、深刻的现实主义思想成为了一代水彩名家。可能因他们是在广州美术学院工作的缘故，多年从事第一线的教学工作，故此也影响了一批青年画家、一批追随者。他们在坚持着学院教学规范和评价标准的同时，更注重一种基础性和相对固定的模式化操作。但是，他们对艺术本体的思考和对美术史发展的判断还不具备王肇民先生的深度，所以他们并没有形成一种更为有力度和冲击力的思想体系，其影响力与辐射力不如王肇民。

然而，80至90年代这一时段，正是王肇民艺术的辉煌时期，这一时期王肇民的艺术风格特点鲜明，树立起了另一种水彩审美理念，形成了特有的“王氏画风”，因此影响了一大批的追随者，出现了视觉更为开阔、思维更为活跃的中青年水彩画家，如黄中羊、李涛、叶献民、苏家芬、黄增炎、龙虎、廖剑华、杨培江、肖庆书、李燕翔、李凯煌、陈海宁、陈朝生、许以冠等。这些画家绘画风格比较前卫，技法、风格呈现出多样化，他们之中一些人身上或多或少留有“王氏画风”的痕迹，整个师承和风格衍变的脉络是比较明确的。

二、王肇民的绘画风格特点

王肇民打破了传统水彩艺术的审美观念，使之树立起另一种新的水彩艺术审美旗帜。王肇民的水彩画没有一般水彩画那种水色淋漓的灵巧样式，却有着油画般的视觉冲击力和厚重感，特别是人物的表现具有雕塑的意味，用色极为单纯，水分的控制与水彩画的传统技法相反。

水彩是一门讲究如何用水和用色的艺术，着重关注画面的意境、气韵，强调书写灵性，寓情于景、寓情于物、寓情于人。建筑作为人们日常生活和社会活动的载体及文化和艺术的重要表现形式与水彩的结合往往会表现出别样的情趣之美。

1灵动之美

水彩是一门讲究如何用水和用色的艺术，水彩画借水作画，以水载色，以水溶色，以水渍色，以水充色，通过水色的相互交融获得独特的韵味，在审美传承和绘画理念中形成鲜明的特征。在笔浸彩润的作用中，形成水意的趣味，在色彩的概括和用笔的洒脱中形成特有的轻快、朦胧与抒情的审美特征。水彩艺术中最为迷人之处，就在于它的语言独特、优美、清秀、灵动、技法丰富。正是这种淋漓的水味和欢快的透明感、律动感所形成的如诗如歌的意境，成为有别于其它艺术形式而赖以独立存在的基点。建筑存在形式的丰富多样决定了水彩画者造型语言的千变万化。水彩艺术从一开始形成直到现在始终与我们生活中的建筑保持着密切的联系。建筑伴随天气、光影等因素的虚实变幻、藏露隐现，都在水彩艺术中体现得淋漓尽致；水与彩在工具和材质的作用下相互交织、流淌、渗透、浸润，形成了水彩艺术特有的不可名状、浑然天成、亦真亦幻、神奇美妙。因此，建筑题材的水彩画往往更具灵动性之美感。

2精神之美

建筑水彩艺术，是以建筑为主要题材的绘画表现艺术。长期以来水彩与建筑就一直保持着某种特殊的血脉关系。建筑师用水彩诠释设计的构想，完成建筑的预想草图；艺术家用水彩表现建筑的形式美，赞美建筑的文化和精神。画者的气质修养不同，对建筑的情感和表达也就千差万别，从而形成丰富多彩的艺术形式和风格。优秀的建筑本身就是精美的艺术，它不仅以其尺度、比例、结构、色彩、装饰以及变幻的光影效果等形象因素引起人们感观上的审美体验，而且通过形象传达着某种精神内涵。

3情怀之美

摘要：20世纪以来，水彩画艺术在我国得到快速发展，在中国美术展览中已作为一个独立展区。随着艺术的多元化发展，水彩画创作的材料、技法、观念等都在不断地更新，探索新时期水彩画艺术语言的特征和艺术发展趋势，已成为当代水彩画艺术创作的重要课题。首先，从水彩颜料、水彩纸、水彩笔、水彩媒介等角度探讨了水彩画材质的艺术表现性，其次，论述了水彩的特点和我国当代水彩画的艺术观念，分析了我国水彩画发展的中国韵味，接着，从媒介发展、技法、艺术形式等角度，探讨了我国当代水彩画的艺术本体语言，最后，阐述和分析了我国水彩画艺术的当代形态及未来发展趋势。

关键词：水彩画；材质；艺术语言

水彩画由于工具、颜料的特性、技法与其他画种不同，形成自己独特的审美价值和审美趣味。各画种的媒介和材质融合，由此产生特殊的艺术语言就是水彩画当下探索的主要依据。正确理解一个画种的概念不是单纯地以绘画的表现力来加以区分的，而是主要依据在特殊的思维方式下表现出的一种独一无二的具有审美价值的特性，即一种绘画艺术的新格调，一种独特的“味”。水彩画创作亦是如此。水彩画艺术的发展，可以借鉴其他画种的表现方式或形式技巧，但最根本的一条就是要有自己的艺术语言。

一、水彩画材质的艺术表现性

（一）水彩颜料的艺术表现性。水彩分为透明水彩和不透明水彩。透明水彩给人一种轻快润泽的美感。有些人认为透明水彩的趣味性所在是由于情绪的启发使其具有快感和不可预知性，就像消防员救火，瞬间感和紧迫感交融于一体。不透明水彩又可以分为广告颜料（丙烯）和塑胶颜料（水粉）。不透明水彩不受水分的限制，与油画的直接画法较为相似，可以涂改和增厚是它的优点，其不足是颜色没有透明水彩那么鲜艳明亮，画面缺少酣畅淋漓的意境美。一般情况下作画，透明性水彩画创作更要严谨，其环境要求更为严格，如温度、平衡度、材质等都必须有所讲究。而不透明水彩在画布、画板及墙壁上都可以创作绘制。其中最为重要的区分是：透明水彩在描绘亮部时大部分是留白，不使用白色颜料，而不透明水彩在调和色彩当中可以混合白色，甚至在亮部上直接涂抹白色。（二）水彩纸的艺术表现性。水彩纸的种类有很多，一般分为国产和进口。中国水彩纸大多产于保定，但随着经济的发展，现在的保定水彩纸大不如以前所产的老保定水彩纸，直至近些年康颂公司收购了保定水彩纸造纸产权，将沿用老保定的生产技术，现这款老保定水彩纸在市面上已更名为保虹。进口的水彩纸相对于国产水彩纸，其品牌和型号较多，但其价格是国产水彩纸的几十倍。其实进口的水彩纸也分等级，由于产地和公司不一样，大致也分为一至三等级，其中法国阿诗水彩纸属于一线水彩纸品牌行列，二线品牌水彩纸有英国霍多夫、德国哈斯勒姆、法国枫丹叶等，三线品牌如梦法尔、巴比松等，一般适合初学者练习或者创作草稿。水彩纸规格分为粗中细，手工毛边纸和压缩纸，其吸水性也各异。粗面纸在作画时画面显出均整的明调。大面积的单色渲染在凸凹不平的纸面上发挥得淋漓尽致，画面也不至于干涸得太快。粗纹也称为“理想”的水彩纸，两面白净、纹理均衡，没有任何刮擦和褶皱，材质厚度300克以上，含棉量高和吸水性强。一般太薄的水彩纸上色后高低不平，容易水色淤积，影响刻画深入，甚至在画完后也难以平整，不利于装裱和展示。但吸水性强的纸，水色不易渗化，难以达到水韵意境，而光滑的纸颜色难以渗透，并且颜料附着在表面，容易产生沉淀。所以画水彩画时一定要利用纸质的特点，才能充分发挥水彩画的特别之处。例如平时画水彩，北方景色，为了突现场景的沧桑感，可以用放置过几年的粗纹水彩纸，因为其材质经过氧化而变得泛黄，加上粗纹颗粒较大，容易留下笔触画痕。南方景色，为了表达明亮清澈的感觉，可以选择更白一点的压缩型号的水彩纸作画。同样品牌里面的克度大小也会在创作取舍，如为了表达年代感和质感会选择克度较高、纹理较粗的型号，需要刻画深入会选择中粗纹理300克左右，类似于光感、水迹效果选择细纹纹理。（三）水彩笔的艺术表现性。画笔是水彩画工具中最为重要的一种，一般画水彩会选用羊毛材质的水彩笔，吸水性强，也富有弹性。一些国画中的毛笔也是画水彩非常好的工具，如“一品玉舒”的毛笔吸水性好并且容易刻画细节，中国许多水彩画家都喜欢用。水彩笔在选用其笔头的型号时宁大勿小，良好的笔头可以含蓄大量的水，但同样也分平头、圆头、扇形头等。并且大的画笔可以快速地渲染。落笔要大胆和快捷，运笔要果断才不至于由于迟疑不决而画出琐碎或断断续续的笔触。另外，水彩画笔也有貂毛、牛毛、羊毫及猪鬃或尼龙等制成，其中貂毛水彩笔价格最贵。在作画过程中，各种形状的画笔会画出不同的效果与趣味。在水彩画笔的选用上，一方面，考虑艺术家的绘画习惯和风格，另一方面，看题材表现和形式技法。如写意风格的就用大笔头吸水性强的圆头笔和排刷，表现写实风格，就要选择一些像尖头笔和钩线笔之类鬃毛比较硬的画笔。当然还有一些艺术家会根据自己的表现和喜爱自己做水彩笔，如利用牙刷、刀片、小木棍、丝瓜囊等工具进行作画。（四）水彩媒介化学成分的艺术表现性。水彩颜料的成分大多是从动物骨骼、植物精华、矿产宝石各类物质摄取而制成，除此之外，也有化学合成的广告颜料，色系多为透明性，除少量粉色系颗粒较大。颜料中含有胶质和甘油，可以增加绘画时颜色的附着力和色泽的稳定性。一般可以根据颜料的含胶量判断颜料的档次。所谓专业水彩媒介很少，更多的是将其他画种中的调和剂引入水彩画绘制中。坦培拉是用于创作材料性绘画的重要手段之一，其原因快、好的实用原则。干燥后色层坚固，与水结合，油面和釉面分离，光泽收敛，类似于包浆而不是漆膜。丙烯调和液，更多的时候为了增添光泽，但是按照比例加水调和，减弱其色泽度，即可达到绘画朦胧的效果。笔者经过多年的尝试也产生了一种新的水彩技法：先是将鸡蛋打碎，使蛋白和淡黄分开，然后只取蛋白，将水彩颜料匹配鸡蛋白加水后按照不同比例调和。蛋白在水彩创作中达到百分之十时，画面开始出现朦胧粘稠的效果，鸡蛋白的分量达到百分之五十时，不仅画面效果写实，而且避开了水彩塑造中的水分过不易深入细化的环节。笔者曾尝试过将鸡蛋白升华到百分之八十，其创作的手法类似于古典油画的手法，不过那样的话就失去了水彩画那种韵味和清雅的画面。因此笔者认为这种技法最适合按照1:1的比例进行对比调和，再进行作画。

二、水彩的特点与水彩画的艺术观念

摘要：“水彩画”顾名思义，就是以水为媒介调和颜料作画的表现方式。就其本身而言具有两个基本特征：一是颜料本身具有的透明性；二是绘画过程中水的流动性。水彩材质的特性导致水彩艺术的特殊性。水色的结合、透明性质、随机性及肌理都是值得研究的课题。水融色的干湿浓淡变化以及在纸上的渗透效果使水彩画具有很强的表现力，并形成奇妙的变奏关系，产生了透明酣畅、淋漓清新、幻想与造化的视觉效果，与自然把持了和谐的灵动之美，构成了水彩画的个性特征，产生独特的不可替代的特殊性。

关键词：水彩画特殊性水色结合透明随机与肌理

有人认为：绘画主要是表达他的艺术性、审美意志和相关的个人关照世界的方式。从这个角度看，无所谓艺术家用何种媒介材料来表达其意图。他可以选择任何一种或多种是以的媒材随心所欲地宣泄。是指绘画这种平面型的艺术渐渐与空间的雕塑、装置或与实践性的影像、电子媒介相结合。艺术越来越没有清晰的分界，一切只为意图服务，但各画种分类依旧存在。

既然有分类，相应的各画种的媒介材料，并由此产生的特殊的艺术语言就是他们存在的主要的依据。正确理解一个画种的概念既不是单纯地以不同的工具来加以区分的，而是主要依据在通过特殊的思维方式下，运用能体现媒材性能的操作方式，表现出一种独一无二的具有审美价值的特性即一种绘画艺术的新格调，一种独特的“味”。其中对媒材的挖掘、开拓、利用也都是根据这一艺术格调的要求来进行的。由此可以看出作为各画种的固有特征的重要性。水彩绘画亦是如此。水彩的发展过程中，可以借鉴其他画种的表现方式或形式技巧，但最根本的一条就是不能丧失自己的固有特征。在历届全国水彩、粉画展中不乏优秀的作品，有的追求油画的厚重，有的追求挂画的韵味，但都是在水彩的本身的基础上，有“度”的借鉴。第六届全国水彩、粉画展中的金奖作品《天使餐厅》给遗失在使人眼花缭乱的水彩样式中的画者以极大的启示。这幅作品充分的体现了水彩的特色：透明、水分、清灵等等，是对当下轻视水彩特征现象的纠正。它让我们思考我们究竟在用什么作画？水彩在绘画中的独立价值是什么？水彩的固有特征是我们不断研究、探索的对象，对其的把握也应是画家最关键的创作能力之一。

一、水彩材料的特质

任何画种的材料和媒介，限定它的绘画特性，并由此外化出特定的艺术效果，这也是支撑其存在和发展的基点。

摘要：“水彩画”顾名思义，就是以水为媒介调和颜料作画的表现方式。就其本身而言具有两个基本特征：一是颜料本身具有的透明性；二是绘画过程中水的流动性。水彩材质的特性导致水彩艺术的特殊性。水色的结合、透明性质、随机性及肌理都是值得研究的课题。水融色的干湿浓淡变化以及在纸上的渗透效果使水彩画具有很强的表现力，并形成奇妙的变奏关系，产生了透明酣畅、淋漓清新、幻想与造化的视觉效果，与自然把持了和谐的灵动之美，构成了水彩画的个性特征，产生独特的不可替代的特殊性。

关键词：水彩画特殊性水色结合透明随机与肌理

有人认为：绘画主要是表达他的艺术性、审美意志和相关的个人关照世界的方式。从这个角度看，无所谓艺术家用何种媒介材料来表达其意图。他可以选择任何一种或多种是以的媒材随心所欲地宣泄。是指绘画这种平面型的艺术渐渐与空间的雕塑、装置或与实践性的影像、电子媒介相结合。艺术越来越没有清晰的分界，一切只为意图服务，但各画种分类依旧存在。

既然有分类，相应的各画种的媒介材料，并由此产生的特殊的艺术语言就是他们存在的主要的依据。正确理解一个画种的概念既不是单纯地以不同的工具来加以区分的，而是主要依据在通过特殊的思维方式下，运用能体现媒材性能的操作方式，表现出一种独一无二的具有审美价值的特性即一种绘画艺术的新格调，一种独特的“味”。其中对媒材的挖掘、开拓、利用也都是根据这一艺术格调的要求来进行的。由此可以看出作为各画种的固有特征的重要性。水彩绘画亦是如此。水彩的发展过程中，可以借鉴其他画种的表现方式或形式技巧，但最根本的一条就是不能丧失自己的固有特征。在历届全国水彩、粉画展中不乏优秀的作品，有的追求油画的厚重，有的追求挂画的韵味，但都是在水彩的本身的基础上，有“度”的借鉴。第六届全国水彩、粉画展中的金奖作品《天使餐厅》给遗失在使人眼花缭乱的水彩样式中的画者以极大的启示。这幅作品充分的体现了水彩的特色：透明、水分、清灵等等，是对当下轻视水彩特征现象的纠正。它让我们思考我们究竟在用什么作画？水彩在绘画中的独立价值是什么？水彩的固有特征是我们不断研究、探索的对象，对其的把握也应是画家最关键的创作能力之一。

一、水彩材料的特质

任何画种的材料和媒介，限定它的绘画特性，并由此外化出特定的艺术效果，这也是支撑其存在和发展的基点。

内容摘要：水彩画创作要在真正意义上振兴，需要大家正确认识水彩画的发展史，改变思想观念。在此基础上，水彩画创作还要注重创造性思维的培养，因为创造性思维是衡量画家艺术修养和各个方面能力的重要环节。

关键词：水彩画发展史创作创造性思维

水彩画在中国的历史不长，到目前为止也不过百余年时间，但由于该画种与中国含蓄潇洒的审美心理相吻合而很快落地生根。中国水彩画至今经历了几代画家的艰辛探索与努力，从而获得了现在多方并存、繁荣发展的局面。从目前中国水彩画创作作品展示的内容和画家创作心态来看，在艺术观念和创作行为上有四个方面的倾向：一是继承英国水彩画传统基础上不断拓展与创新。二是汲取中华艺术的精华，在创作的作品中有较强的民族文化意识和中国水墨画的表现形式。三是注重艺术本身的探究，作品内容和作品表达形式与手段有现代前卫的艺术创作倾向。四是纯粹的自我意识或浮躁的狂热创作倾向。近二十年中国水彩画的创作发展很快，但有许多画家把注意力放在了对水彩画单纯技法的研究上，沉迷于对水彩画技法所特有的明快、轻柔和流畅的玩味上，导致了水彩画创作中存在不理想的状况。多年来，中国水彩艺术作品是以小品形式出现的，很少有思想深刻、艺术感染力强的力作出现。久而久之，不少水彩画家也就自认为水彩画创作是以静物、风景和人物写生为主，谈及创作也是相对意义上的创作。由于这种思维的存在,导致了一些奇怪现象,其一，认为水彩画不适合创作，不适合表现思想深刻的大型作品；其二，创作就是抄照片；其三，使越来越多的水彩画的初学者，陷入到技法的框框中，热衷于表现效果的处理。水彩画创作要摆脱这些奇怪现象，从真正意义上的振兴，笔者认为要注意以下两个方面：一是正确认识水彩画的发展史,改变思想观念;二是注重创造性思维的培养。

一、正确认识水彩画的发展史

西洋近代水彩画始于16世纪。从德国绘画巨匠丢勒起，他善用水彩铺底，以水粉描绘的方法画动物、植物、风景；鲁本斯运用明暗法画水彩速写；伦勃朗在素描上画淡彩；18世纪和19世纪的法国画家德拉克洛瓦、西班牙的戈雅，也都用水彩画工具材料作过诗意浓郁的风景或肖像画等等。对这一时期的大师们从事水彩画的状态和作品作分析，就不难看出：（一）画水彩是业余性的，花费时间少；（二）画面内容多是速写性的风景、静物、肖像等，没有主题性创作，是为油画创作而作的草图；（三）用水彩画工具材料，表现油画创作所要的模拟效果；（四）画幅小；（五）轻视水彩画语言，重视油画语言，因此水彩画也未能在这一时期成为一个独立画种。

到19世纪，水彩画在英国成为一个真正独立的画种，得力于一批水彩画家的努力。他们认识到了水彩与众不同的艺术效果，同时在创作中对工具材料更新，形成了一套水彩画创作技法，使得水彩画得到了前所未有的发展，涌现出了如泰纳、康斯泰勃尔、波宁顿等等—大批著名的水彩画家。但水彩画始终未能与油画平起平坐，当时的画家偏爱油画的审美价值和版画的经济价值而对水彩画存有偏见。这对水彩画的发展产生了消极的影响，以致在19世纪以后，虽然英国画水彩画的画家增多，但专注于画水彩画的画家却不多。许多画家从事油画、版画、壁画创作，兼画水彩画，难免会影响水彩画的艺术质量，表现为题材狭小，以风景为主，缺乏主题性创作，未能认识和发挥水彩画的社会作用。