美术设计范文10篇

［摘要］伴随着社会的发展和进步，各种文化之间的有效融合逐渐变成了艺术文化的一种必然发展方向。将民间美术艺术造型与色彩应用于现代美术设计中，可以更好地展现我国传统文化，同时也是对优秀传统文化的一种传承。基于此，阐述了民间美术的艺术特点，研究了现代美术设计中民间美术艺术造型与色彩的应用，以期能够对现代美术设计有所裨益。

［关键词］现代美术；民间美术；艺术造型；色彩

朝代更迭，时展，民间美术艺术经过千余载传承至今，其是各代劳动人民共同努力的结果。新的形势下，网络技术大力发展，各种思想冲击着我们，民间美术艺术也无法独善其身，在这样的环境中民间美术艺术怎样获取良好传承是一个值得深思的问题。民间美术造型和色彩同现代美术的融合是发展的主流方向，有助于传统文化的传承与发扬。

一、民间美术的艺术特点

（一）民间美术的内涵

民间美术源自普通大众的日常生活，是劳动人民所创造且服务于大众的一种艺术表现形式，其充分地展现了我国古代劳动人民的智慧，是民族传统文化中一个十分重要的组成部分，有比较鲜明的民族文化特点，对人们的心理、愿望与道德观念等方面进行了有效表达，传承至今不断发展，演化为民族乡土特色相应的艺术表现形式。民间美术中含有较为丰富的文化内涵，设计师需要对民间美术的造型与色彩加以处理，应用于现代美术作品中，促进中华民族传统文化的有效传承。

教育改革逐渐落实，正向着更深层次开展。随着改革步伐的日益加快，学生的就业压力越来越大。学校教学工作要紧跟时展步伐，不断改革与创新，以寻求更好的发展。美术设计专业作为大学实践性较强的专业之一，存在诸多问题需进一步完善，要结合社会、企业需求进行针对性人才培养，帮助学生在毕业以后能够找到与专业对口的工作。为此，学校要给予美术设计专业学生实践教学高度重视，采用多样化的教学思路、教学方法，将美术设计专业学生培养成综合应用型人才，为社会源源不断地输送合格美术设计人才。本文首先针对美术设计专业教育的重要性进行了阐述，然后分析了当前美术设计专业教育中存在的问题，最后给予了切实可行的教改建议，希望能够为美术设计专业教学效率的提升、学习效果的提高提供参考与借鉴。

一、美术设计专业教育的重要性

（一）有利于挖掘当代学生的创新思维

大学专业逐渐倾向于社会化，为学生更好地融入社会奠定基础。只有针对美术设计专业学生加强基础知识教学，才能够使学生实现专业发展。如今，“创新”是热门话题，美术设计专业教育以学生实践以及动手操作能力培养为主，创新教学方法，深掘学生创新思维，使学生创作视野更加开阔。教育活动开展中，专业教师在经验总结与反思中寻求更好的教学方法，目的就是为了将学生的创新思维挖掘出来，以便其在以后的工作中遇到问题时可以运用所学知识自主解决。

（二）有利于培养学生的审美理念

大学美术设计专业教育除了向学生传授相关的理论知识外，还要将对学生审美理念的培养作为重点。学生年龄、身心发展不够成熟，缺乏社会经验，对于审美标准无法准确把握，专业学习时对于作品设计无法准确取舍。学生审美判断不同，情感反应也不一样，而优秀的美术作品创作来源于生活，体现的是美好之处，是创作者审美理念的反映，能够使欣赏者心情愉快，发挥积极向上的审美教育功能。所以，美术设计专业教育中，教师要精心挑选作品，并组织学生评价，引导学生的审美理念朝着积极向上的方向发展。

一、创新思维在工艺美术设计中的具体特征

一般来说，在工艺美术设计中创新思维的特征主要表现在以下几个方面。

1.形象思维

如何去获得形象思维，设计者就应该将自己投放到生活和自然当中去，在广阔的环境中用心感受和捕捉具有深刻特点和意义的形象事物。在工艺美术设计中，它的特征具体表现为形象性、非逻辑性以及想象性。

2.抽象思维

在很多时候抽象思维也称为逻辑性思维。其内容主要是指通过科学的概念对在发展过程中事物的本质进行动态的反映，通过对其本质作出概括与思维后，再对其部分特征进行提取，从而使其由感性认识的阶段向深层次的理性认识阶段进行过渡。由于抽象思维不仅可以对事物的外部状态作出有效反馈，而且还能够让人对事物进展的动态预见提供更好的依据。在工艺美术设计中，抽象思维的应用往往会收到意想不到的效果。

摘要：我国民间美术艺术文化由来已久，传承到当代留存下许多艺术精髓，其中的艺术造型及色彩在现代美术设计中仍然具有极高的参考价值。伴随着西方设计领域对于我国设计领域的冲击，我国设计行业工作者应当发掘借鉴我国民间美术艺术，将我国历史悠久的民间美术艺术运用到现代美术设计中，古为今用，推陈出新。文章对中国民间美术艺术的意义进行了概述，针对中国民间美术艺术在现代美术设计中的运用形式进行了探究。

关键词：民间美术艺术；现代美术设计；造型设计

现代美术设计作为一种直观视觉设计，其中运用的设计造型及色彩搭配至关重要。通过适当的造型设计以及色彩搭配能够有效提高现代美术设计作品的艺术张力以及艺术感染力。随着现代美术设计者对于我国民间传统美术艺术中造型以及色彩元素的不断发掘再创作，相信未来我国民间美术艺术的魅力也将展现到国际舞台上，实现我国现代美术设计行业整体水平的提升。

1中国民间美术艺术意义概述

从民间艺术的意义层面而言，能够充分彰显我国劳动人民的智慧，也体现了劳动人民对于色彩和美的追求的智慧结晶，蕴含着上千年的中华民族文化内涵。实际上，这种艺术的流传，充分体现未来民间美术文化的传承。对于现代艺术家而言，需要充分考虑民间艺术关于色彩上的优势，不断加强其与现代艺术设计的结合，加强创新力度和民间美术文化的传承。只有这样，才能充分体现民间文化对于现代艺术的价值魅力，融合创新的方式设计出具有较高审美和经济文化价值的优质作品。民间美术通常表现的是人们的日常生活形式的文化传承，而现代美术的设计，与民间艺术的历史文化内涵的积淀息息相关。因此，现代美术的设计，需要在民间艺术的基础上不断融合发展，才能彰显现代艺术的魅力。伴随着西方审美观念对我国设计行业的冲击，中国民间美术艺术在现代美术设计中的运用，能够激发欣赏者的传统文化探索热情，推动民间美术艺术中精华的复兴，中国民间美术艺术的意义不可谓不重大。

2中国民间美术艺术在现代美术设计中的运用形式

艺术和语言一样,是一种表达手段,它应该引起人们的思维设想出一件东西来.铺画纸像舞台,握画笔如指挥捧,弹根根线条似琴弦,脑海里就会像出现具体东西一样。然而艺术唤起人们想象,又不必跟现实完全一样,因为艺术不是现实,我们看到的那些成功的艺术作品都是以神形兼备的具体个性形象来反映生活的,这是作品给人的深刻鲜明强烈印象的真实写照重要原因之一。随着历史变迁,艺术不断更新,舞台美术设计在新的时代中重放异彩。

融合现代科学运用多方位的艺术表现手法,以特殊灯光对舞台画面进行扫描，配以节奏旋律的独特音响,把观众处置在特定的空间和时间中去欣赏和感受,融汇创造综合性的艺术氛围,从而产生强烈的艺术感染力,使观众“如闻其声,如临其境”。在欣赏中情绪为之激荡,心魂为之振动。艺术不像真理那样希望人们信仰,它只希望人们激动,同样，舞台美术设计不一定要像科学论文那样需要充足的参考资料,艺术作品可以凝练和夸张,灵感是最可贵的,创作是自由的,东方有东方的意境,西方有西方的色调,大千世界有形形色色的艺术作品。但是人们对艺术美的欲望和追求是没有止境的,总是向往未来,向往那更美丽更辉煌的艺术佳作。过去很多的革新,那种平面的更换色泽的变移,旧格局、旧观念内的改革,已让人觉得跟不上现代科学和思维的飞速发展。随着科学新技术向各个领域的渗透,音乐出现了电子激光音响,文苑出现了有声有色读物,绘画同样也出现了电脑五彩滨纷的喷绘,所以说舞台美术设计领域在形式上进行新的开拓,可谓势在必然。舞台模型是舞台美术设计的方法和手段,舞台空间的复杂化,要求舞美设计必须借助模型,单纯的平面草图不能达到目的。可以认为,舞台模型的“立体”雕塑式，包含两种意思：一是模型本身实际上存在的三维实体，在造型思维的深度与广度上比二维的绘画更难把握；二是舞台模型作为视觉艺术，是被人的视觉和知觉所感知的各个视觉面的总和。舞台绘画只是平面上表现出立体形象，而舞台模型则要通过造型的所有可视面将模型的实体展现观众眼前。在掌握造型实体与舞台空间上，设计师本身有其自身的难度。

舞台场景空间是立体的雕塑式的方式来表达接近于现实，是真材实料各种金属木料创造出雕塑形体式为主的布景，以质感取代舞台气氛，以形体与空间取代颜色装饰性,运用舞台设计语言,创造出诗意写实主义。所以只有在舞台空间中认识实体才是做舞台模型的正确的立体观念更新，是设计师用这些具有三维特性的材料作为构成元素进行重新创造的结果。旧的画图设计方法,不可能创造出新的艺术形象,也表达不出整个舞台实际的空间效果。舞台美术设计方法是多种多样的,根据剧目及性质可以是草图、正式图、模型。

当然舞台模型的性质,主要是设计过程的推敲之用,是给导演各位参考评估,也可以说是从舞台模型开始,结束时才画正式效果图和最后表达模型,舞台模型是一种高效率的设计手段之一。创作能力和表达能力的提高,不能只靠演讲和讨论的方法,而是靠实际的实践过程中,这是真正行之有效的方法。通过尝试大胆创新从舞台模型艺术中得到启迪,使舞台模型局部,明白坦露,开门见山,空间透视，虚实明暗,使观众欣赏舞台时在另一层面更集中，更直接,极大地增强了“横看成岭侧成峰”，充分发挥材料的可塑性。总而言之,首先要专门培养丰富的感觉,具备感觉能力敏锐,及可视形象的感知能力和思维能力.对空间形体光线明暗和色彩变化的感觉,还有时画面的更重要的感觉能力,如将各种感觉上升到审美和诗意的境界,使画面的感觉能力产生新的情感和立体意义,这样才能使舞台美术创作具有别于审美特征。客观世界存在着各种各样的节奏韵律和结构,生命万象以其充活力的感情形式打动我们的生理感官,通过用心感悟和毕生实践，从中寻找出具有视觉价值和审美价值的东西,既有深刻的思想内涵,又有强烈的艺术感染力，达到认识、审美、观赏的有机统一,也是舞台美术设计孜孜以求的。

使舞台模型通过音乐、灯光、舞美的大胆创新及机械舞台的点缀，大胆地将现代化的科技手段运用于传统的剧种创新，将成为改造镜框式舞台并使之立体化提供了较为理想的舞台装置。舞台技术发展的今天，也使种种的艺术设想有体现的可能。新材料、新光源、器材改革、激光电脑等技术在舞台上引进，给舞台增添千姿百态的缤纷色彩，与创造的空间，综合、张扬、强化舞台艺术的整体魅力。新世纪的舞台美术事业已硕果累累，并在不断发展与创新，已经形成了自己的艺术风格。

舞台美术借助舞台科技上升到新的创作水准和发展阶段，呈现了三大特色：首先是舞台形式的多样化，其二是高科技与舞台美术的互动结合更突出，三是舞台美术的地域化特征日渐鲜明。舞台形式的多样化给人印象深刻，体现在：舞台呈现写实与写意兼具；在手法上兼容了实与虚、再现与表现、具象和抽象、幻觉与非幻觉；舞美在融入戏剧为演出服务的过程里，彰显出造型艺术独立的审美价值存在。

摘要：全球市场化飞速发展的背景下，美术设计专业的设置必须直面这种市场经济带来的冲击，因为教育的目的不是文化知识的传播与整合，更根本的目的是为推动人类社会发展提供其所需的人才。而作为输出口的艺术教育和作为接收口的生产企业、两者之间无可避免地存在着对接关系，如何实现这种对接从而使企业实现产业利益的最大化是美术设计学科设置需要考虑的重要课题，因此对专业学科与企业文化的对接设置具有重要的现实意义和实践意义。

关键词：企业文化；学科设置；设计专业

我国美术设计教育的目的既不是培养艺术家也不单是为了培养和提高全民的审美教育，其终极目的是培养对社会有推动作用的人才，而作为社会发展重要环节的生产企业则为高校艺术教育提供了接收的平台，两者是互利的承接关系。而所谓“企业文化”是指企业生产机构所设定或形成的具有与其生产特点相贴合的价值观、品牌指向、经营模式，它包含了文化、信仰、精神、职业操守及职业道德等于一身的复杂的文化属性。而企业文化是由决策层作为文化导向通过管理手段进行经营的，要实现企业文化的传播就需要在生产、管理等各环节来实现，例如产品设计的风格、宣传方式和管理方式中的人文属性等都是企业文化的核心环节。在企业文化形成的过程中美术设计起着重要的作用，比如艺术修养决定了企业文化品牌的文化深度；产品设计与宣传直接决定了企业市场营销的成败……因此作为为企业文化环节提供此方面专业人才的高校美术设计教育就需要与企业完成对接，这样教育理论才能落地实践，而不仅仅停留在理论层面。在就业压力越来越大的社会背景下，高校美术设计专业通过完成与企业文化的对接，一方面可以更好地实现就业率的提高；另一方面这种方式也符合该专业学科人才培养的要求，因为在工作岗位竞争激烈的今天，艺术院校除了要培养具有高素质、良好品格的人以外更需要培养学生的生存就业技能，这就需要将课堂理论对接到实际工作应用当中，而与企业文化的对接就是最为实际也是最为有效的途径。

首先，作为美术教育工作者我们需要认识到自身的不足才能更好地促使本专业学科与企业文化的对接。美术设计专业教育理念与授课方式相对来说过于封闭与保守，其培养目标与市场发展需求有一定程度上的脱节，那么美术设计专业学科在设置时就必须首要考虑其是否符合生产企业的实际需求，从而重视学科教学模式与市场实际应用的对接。例如将教学内容与企业品牌文化、形象、产品设计、企业精神等相互结合与对接，将其融入学科课题的研究方向与内容当中，本文试图从以下两点探讨两者之间的关系和对接方式：（1）将企业引入教学：即使用与企业联合办学的方式进行教学模式的改变，例如由企业根据自身发展的需要为学校提供资金支持，并设置相应的研究课题，将生产与教学进行实践性的结合。在这一过程中企业可以为课程的讲解提供专门人员与老师共同协同授课，这样就完成了理论与实践的高度结合，从而改变传统封闭式的教学模式，更好地将理论知识转换为实际操作。作为授课方在专业设置时着重结合企业的产业结构、技术与岗位需求进行学科划分与授课，其培养目标是能够承担企业文化项目所需要的、具有实践应用能力的人才，例如在设计专业的学科培养内容上，注重设计与产品开发的市场需求，其授课采用：以课程理论知识为辅助、技术应用为核心目的、教师或技术人员作为实际操作示范教授的模式进行。再例如产品设计专业的授课模式可以通过这种企业项目介入的方式中更能清晰地理解企业品牌文化、产品需求，在此基础上再进行品牌设计。这种方式使学生间接地参与了企业生产，而企业文化通过对教学模式与目标设置的参与和引导也直接地获得了符合企业需求的产品设计。这种授课方式的优势区别于传统纯理论的灌输，更注重学生实际操作能力的培养，将设计理念与方案通过与企业生产的对接实现了产品的成品化，这种模式的对接即有利于学生的就业发展，也有利于企业文化对用人的需求。如果说企业介入教学有难度的情况下，还延伸出了另外一种方式，即企业设置资金奖项，这样既可以增加学生的学习动力，又可以在校园里更好地宣传了自己的企业文化与品牌，间接地培养了潜在的客户与用人需求。例如通过企业提供课题奖金进行课题研究，这种方式在国内国外多个艺术类院校中都有所体现，其效果立竿见影且达到了双赢的教学效果。（2）专业学科的细分化：即结合市场需求将美术设计学科进行更系统更多元的设置划分。传统的美术设计教育在专业的划分上过于笼统，造成了所分专业授课知识内容过于宽泛，缺乏针对性和系统性。要实现其与企业文化的对接在学科的划分上就需要更清晰更多元化，例如将设计专业细划分为：书籍装帧设计、产品设计、服装设计、景观设计等等具有实际指向的学科。这种划分一方面促进了教学系统的科学化同时也在人才培养方向上更清晰化，而企业也从这种转变中间接地获得了具有实践能力的专业人才。那么如何将学科细化以后落地实施就需要一个更为科学有效的教学机制，在中外艺术院校中尤其是外国的艺术院校更多的采取了“工作室”的教学方式，即根据学科带头人的专业特点及成就划分组成工作室，然后结合工作室的学科性质和需求为其提供教学资源的分配。这种工作室教学制度一方面有效分配了学校的教学资源，也使教师的授课、学生的学习变得更系统更科学。另一方面，工作室学科带头人可以更有效地利用这种资源去寻找课题项目，将前文提到的企业文化引入课题教学当中，这样导师授课具有一定的主导性、学生的学习方式更为灵活，而因为工作室专业上的清晰划分也使得企业文化的介入变得更精准和有效。

以上两种对接方式是互为良性发展的关系，改变了传统美术设计专业学科封闭式教学不注重培养学生实际操作能力的弊端，更好地结合企业文化和生产的需求、全面地提升了学生的实践能力，从而使学生在未来的就业上获得了更清晰更多元的就业平台。当然任何教学模式的改进都需要长时间的探索，与企业文化的对接将是高校美术设计专业学科发展的突破口之一，也有效地推动了我国艺术教育的发展。

参考文献

摘要：民间美术艺术家将其独特的造型意识和思维方式与民间美术艺术元素相糅合，形成其风格迥异、形式万千的艺术作品。这些民间美术艺术作品所蕴含的艺术元素是对我国博大精深的传统文化的彰显。将民间美术艺术元素在美术设计中运用，对拓展美术设计的创作思维，增强其艺术创造力、增强艺术效果，丰富文化内涵、美术设计色彩的运用以及审美思想的凸显具有重要的意义。因此，探析民间美术艺术元素在美术设计中的运用具有其十分必要性。笔者从民间美术艺术与美术设计的含义入手，对民间美术艺术元素在美术设计中运用的重要价值进行了深入的分析，最后探析了民间美术艺术元素在美术设计中运用的具体方法。

关键字：民间；美术艺术元素；美术设计；价值；方法

一、民间美术艺术元素与美术设计的相关含义界定

（一）民间美术艺术元素的含义。民间美术艺术元素，指的是对民间美术整体形态构成的各种因素，主要包括文化内涵、色彩元素以及造型元素等方面。民间美术艺术元素是以一种简单的方法，在自然的空间里所制造出来的一种适用的东西，这些民间美术艺术元素是对我国博大精深的传统文化的彰显。民间美术艺术家将其独特的造型意识和思维方式与民间美术艺术元素相糅合，形成其风格迥异、形式万千的艺术作品。民间艺术打破了生活与艺术之间原有的界限，对生活与艺术的自然重叠格外注重，呈现出艺术的民俗化与生活化。（二）美术设计的含义。美术设计主要指的是设计师的一种构想与计划，并且将这种构想与计划通过一定的表现手法与审美理念使其具体化、形象化与视觉化的创作过程。简单来说，就是将设计师脑中的构想转化为现实的实物过程。美术设计所涉及的领域极广，主要包括的内容有：平面设计、广告设计、环艺设计、服装设计、建筑设计以及工业设计等方面。

二、民间美术艺术元素在美术设计中运用的重要价值

（一）民间美术艺术元素在美术设计中运用对拓展美术。设计的创作思维，增强其艺术创造力具有重要的意义。将民间美术艺术元素运用在美术设计中有利于借鉴民间美术艺术元素所蕴含的创作理念，拓展美术设计的创作思维，从而使得美术设计与民间美术艺术元素相糅合，使民间美术艺术元素中的“形”在美术设计中得到了提取，使民间美术艺术元素中的“神”在美术设计中得到了传扬，使民间美术艺术元素中的“意”在美术设计中得到了延伸，从而对增强美术设计中的艺术创造力具有其重要的意义。（二）民间美术艺术元素在美术设计中运用对增强艺术。效果，丰富文化内涵具有重要的意义。民间美术艺术作品在图案绘画上大多具有其象征含义，体现出我国传统文化的博大精深，在创作手法上采用抽象、夸张以及异性同构等技巧，使作品具有极强的艺术美感。因此，将民间美术艺术元素运用在美术设计中有利于激发创作者的创作灵感，丰富其想象力，从而增强美术设计的艺术效果，其次，民间美术艺术作品中所蕴含的文化会延伸到美术设计中，从而丰富其文化内涵。（三）民间美术艺术元素在美术设计中运用对美术设计。色彩的运用以及审美思想的凸显具有重要的意义。色彩运用的异彩纷呈是民间美术艺术作品独具特色的一大特点，将民间美术艺术元素在美术设计中运用，有利于借鉴民间美术艺术作品的色彩运用，丰富美术设计的设计色彩，为当代美术设计增添了多元的创作元素，满足美术设计所需的变化，从而凸显现代美术设计的艺术价值与审美思想。因此，民间美术艺术元素在美术设计中运用对美术设计色彩的运用以及审美思想的凸显具有重要的意义。

内容摘要：中国传统吉祥符号是人类智慧的结晶，传承并发扬它，将其精神元素融入现代烹饪美术设计之中，必定会使烹饪美术设计更具文化性和社会性。将中国传统图形艺术与烹饪吉祥图案的结合，可以分别从传统图形的“形”“意”“势”三个方面来进行分析。

关键词：吉祥美术形意势

中国传统吉祥符号是人类智慧的结晶，传承并发扬它，将其精神元素融入现代烹饪美术设计之中，必定会使烹饪美术设计更具文化性和社会性。

中国传统装饰吉祥图案其实是古代先民希冀生活美满幸福，专门为营造吉祥而创造的装饰艺术造型设计。历代遗存至今的大量造型艺术，绝大多数都是中国祈吉纳祥文化思想的物化形象,蕴藏在中华各民族的博大而丰富多彩的民间艺术之中，成为中华民族思想文化得以传承的源泉。

将传统吉祥图案艺术结合到现代烹饪美术教学设计中，是引导学生掌握具有专业性和艺术性的现代烹饪理念的关键。但这样的一种结合，并不是对传统图形进行纯粹的拷贝或者简单的挪用，教师首先应引导学生认识和了解传统图形，并在此基础上让学生学会逐步挖掘、变化和改造传统图形，让传统图形成为他们进行设计的一个新的创意点和启示点，从而设计出焕发生命力的中国烹饪吉祥图案。而对中国传统图形艺术与烹饪吉祥图案的结合，可以分别从传统图形的“形”“意”“势”三个方面来进行分析与沿用。

“形”的提取与衍生

摘要:民间美术艺术是我国的文化瑰宝，是一笔宝藏，它在历史的长河中源远流长。留下的许多珍贵的艺术品，历来为人所称赞，这也是我国劳动人民几千年来在生产生活中应运而生的产物，是一种文化结晶，彰显了一种有别于其他国家的独特审美，也体现出了华夏儿女艰苦朴实的思想品质。民间美术之所以经久不衰，是因为其独特的造型以及丰富的色彩艺术，给人们的日常生活增加了艺术感。且民间美术艺术经过历史的洗涤，累积了许多经验，对我国的现代美术设计来说是大有帮助的。文章主要从民间美术艺术的造型和色彩两个方面出发，以教师的角度来探究其在现代美术设计中的应用情况。

关键词:艺术色彩;艺术造型;民间美术;现代美术的设计;各个方面的应用

一、前言

艺术源于人们对于世间的美的感受，通过美术的方式来将其展现出来。因而美术艺术产生的主体是人，欣赏的群体也是人。我们中华民族五千年来，历经各个朝代，因而在各个阶段人们对于美的感受也不尽相同，因此民间美术艺术也形成了各种流派，造就现代美术设计百花齐放的现状。这些流传下来的经典作品虽大多数出自于民间劳动人民之手，但其造型和色彩搭配也呈现出了多元化的发展。如今时代进步了，社会也发展起来了，人们对于美也有了更高的追求，因此我国现代美术设计也驶入了快速发展的高速路，但是如何将民间美术中色彩以及丰富的艺术造型有效地融入现代美术设计中是当今美学设计中十分重要的一点。在这个行业中也有许多学者对此发表了观点，但不可置否的是民间美术是中华儿女世世代代流传下来的宝藏，如果我们能够将这些民间艺术元素与现代美术设计进行有效的结合，那么便可以在一定程度上加速我国现代美术设计行业的发展。

二、中国民间美术简介

中国民间美术的体系十分庞大，且分支较广。它是中华民族传统文化的体现，也是几千年来灿烂的民族文化宝库当中不可或缺的一部分。民间美术是劳动人民在劳动的过程中创造出来的，它已经完美地融入各种民俗节日以及我们生活中的各个方面，这些文化已经贯穿到人们的精神世界领域，是劳动人民的艺术创作和智慧的体现。民间美术虽然没有正规的创作地，大多是在农作时所创作出来的作品，然后世代相传流传至今，具有一定的艺术价值，能够充分地表达劳动人们当时内心的信仰以及愿望，我们在欣赏作品时也能够从这些作品出窥探一二，也能够从中反映出人们的当时的生活场景以及习惯等。且民间美术和民俗活动有着密不可分的关系，犹如水之于鱼、苍穹之于雄鹰。民间美术艺术在民俗活动中应运而生，比如:祝寿诞子、红白喜事、婚丧嫁娶、神佛庙会等。除此之外，我们国家的大部分传统节日，例如元宵节、春节、中元节等，其中都蕴含着丰富的民间文化。我国民族众多，少数民族的民间中展现出来的艺术美则更为多样。尽管经过几千年朝代更迭，历史变化，民间艺术始终是最为纯朴的艺术创作来源，它寄托了中华民族老百姓们的精神。如果仅仅从民间艺术造型来看，我们都能够从中捕捉到劳动人民的生活。例如婚嫁时的剪纸、泥塑糖人等，这些民间艺术造型就是文明的体现之处。再深入来看，这些特定的艺术造型还可以反映出当时社会人们的生活情况等。我们可以看到这艺术造型大多数都是来源于人们对于社会和未来的美好期盼。这些艺术造型于在现代美术设计中具有很重要的参考意义。

一、现代舞台美术设计中视觉传达几点思考

1、元素的总体把控不能忽视。舞美设计要想进行完美的视觉传达，就要充分把控色彩、图案、灯光等之间的平衡度，将舞台看成一个视觉盛宴的整体。但是，在舞美设计中，设计师过于局限于点线面之中，忽视色彩、灯光、图案等元素的作用。观众的视觉是随舞台元素而动的，是随着设计师的思路进行观看和感受，若是整体风格不协调，自然不会让观众耳目一新、记忆深刻。2、应用技术不能本末倒置。科学技术给予舞美设计极大地艺术创造空间，也丰富了舞美设计的艺术表现力。在当先的信息科技时代，科学技术极大地改变了观赏习惯。但是，事物总有相反的两面，在舞美设计中，科技泛滥的趋势明显，众多表演不再是演员的主场，而是舞美设计的主场。这种本末倒置的情况，是舞美设计人员急需深思解决的问题。因为，舞台表演是为主题服务的，而不是为舞台设计服务的。

二、现代舞台美术设计中视觉传达的注意要点

1、把控各个元素的平衡度。在舞美设计中，平衡度是各种元素放置舞台恰当位置，是为舞台表演增添光彩的。体现舞美设计的平衡度直接表现是装置艺术的应用问题，装置放在不恰当的位置，会导致舞台整体氛围不同，而影响舞台表演效果[1]。如果将舞美设计看成平面数轴的话，那么各个元素就是在X轴、Y轴的各个数字，只有其在两轴比重均衡，那就代表着设计优美。当然，平衡度不局限于装置，还有灯光设备、LED显示屏等元素，若是灯管设备放置杂乱、LED显示屏摆放不正，必然影响舞台整体的美感。2、重视舞台各元素的对比度。对比度是舞美设计中的色彩、大小、形式等的变化和不同。不同元素之间的对比可以促成不同舞台风格，简单元素的对比通常会显得设计过于简单，而好的舞美设计是充分运用色彩、材质、工艺等，使其营造出一种气氛，以此激发观众的情感反应。人的情感色彩是主观性和情绪化的，与舞美设计的色彩变化一样。所以，在舞美设计中，重视色彩的变化是调动观众情感的重要手段。在舞美设计中，对比度最具明显的就是舞台色彩和灯光变化，一致的舞台色彩会勾起人们的注意力，是人精神集中。如《梦想的声音》以“红”为主体的灯光场景，绚丽而唯美。

三、现代舞台美术设计中视觉传达的具体应用

1、装置艺术的应用。2019年6月1日，著名青年舞蹈家刘岩编创并表演的最新作品《母陀罗》在北京舞蹈学院舞蹈剧场上演，该作品是以多媒体视觉艺术与装置艺术与肢体语言的完美融合。装置艺术是艺术家们根据自身的喜好，将文华实体以组合、改造、选择等形式赋予一定的艺术形态，以此更好地衬托出艺术美感。刘岩将自身作为装置一般，置身于投影之下，在空中、地面配于旋螺丝、气球、荧光棒等装置，使得舞蹈中不同的手印呈现出不同的艺术形态，给人一种肢体美感的享受。再如《跨界歌王》中宋佳表演歌曲《再讲》时，其装置就用到楼梯、救生圈、滑板、路标等，配上LED显示屏，舞台营造成“朝阳下的沙滩”氛围，美轮美奂，给人不一样的视觉享受。2、自然景观的应用。2019年4月28日，世界园艺博览会在中国北京拉开序幕，40分钟舞台表演和3分钟的烟火表演，给人留下深刻印象。整个舞台美轮美奂，舞者仿佛置身于田园之中，根据总导演沙晓岚介绍，该舞台设计依据中国建筑理论借景造景，搭建远中近三个舞台，以花草树木、湖光山色为天然景色，借助网幕的影像作为补充，形成“田园中的舞台、舞台中的田园”的舞台效果。妫汭湖畔设立主表演区，湖中为中景表演区域，湖中小岛青杨洲为远景表演区域，视觉上给人一种由远及近、由高到低的冲击，富有视觉美感和层次。该舞台设计的最大特点就是舞美声光电与自然景观的融合，周遭景色成了舞台的背景，借助威亚技术、影像技术、投影技术等作为补充，构建了可转动的LED屏幕，让舞蹈演员可以与屏幕互动，给人如梦如幻的感觉，如节目《绵长的芬芳》舞蹈演员李祎然化作“飞天”，在空中起舞，借助LED影像变换，仿佛是从丝绸之路走来，让人目瞪口呆、叹为观止。为演出的纵深调度提供视觉补充，还在妫汭湖湖面下设计了水下灯，使得整个舞台和湖面星光律动、璀璨夺目[2]。这种与自然景观融为一体的舞台设计，不仅突出了本次博览会“人与自然和谐共处”《美丽家园》的主题，也突出了舞美设计可以借助自然景观进行视觉传达的。3、悬浮座椅的应用。悬浮座椅的设计，是节目《机智过人》的舞台设计师尚天宝的作品，是把座位悬浮在空中，配上360°全息屏、绚丽多彩的灯光和科幻味的舞台造型，仿佛将任职于浩瀚的宇宙当中，视觉设计打破了常规的落地式观众席的形态，让观众仿佛处于上帝视觉之中，能够精细地观察到整体舞台表演情况。舞台上还设36块透明屏幕（冰屏），呈环形围绕舞台，这种悬浮座椅与冰屏的相互结合舞台视觉设计，使观众在悬浮的空间中避免了视线的遮挡，得到最佳的观赏视角，同时又能从冰屏中获取选手信息、场景信息，让观众完全置身于舞台节目的视觉享受中。4、灯光色彩的应用。舞台灯光在舞台上必须要有足够的照明，满足观众视觉要求，能让观众看清楚舞台，包括布景的颜色、景物和人物的外形，甚至是需要特别突显的细节部分。同时亮度和色彩的分配创造舞台时间，描绘天气和景物，烘托人物心理情绪及创造舞台气氛、情调。灯光色彩是视觉传达的直接感受，应用好灯光色彩只会让舞台节目熠熠生光。第二季的《梦想的声音》自播出以来，其灯光设计的丰富多彩，一度获得外界的好评。舞台上融入能量星球、音乐之门、音梯的新设计，造就出一个梦幻绚烂的舞台。灯光色彩应用到XP-470BSW200台、XP-16RBSW200台、CM-600Z130台等ACME灯光，还有200wLED图案灯(Ares-B2)、600wLED切割灯(Ares-P6)等欧玛灯光，让整个舞台呈现出一种多层变化的科技感，以“红”为主题的灯光场景、激光集锦场景让人印象深刻，故而张靓颖直喊“要给灯光师加鸡腿!”在一定程度上而言，灯光色彩应用得当是表现舞美设计视觉传达的关键。5、服装设计的应用。在舞美设计中，服装设计是不可忽视的元素，不仅要与舞台风格一致，还要符合角色要求，为观众提供服装审美体验。服饰是体现时代地域文化的重要标志，任务身份、性格气质等方面都呈现在服饰装扮上，好的服装设计可以为表演加分。从舞台表演的角度来看，服装设计与主题统一与否，关系到整个舞台的成功与否。服装设计是为舞台主题而生的，不然容易显得突兀，格格不入，缺乏美感。服装设计的承载者是演员，其与舞台上的灯光、装置等形成一体，才能为表演者的表演助力。著名服装设计李锐丁说：“我们要把很多现代观念融入到舞台服装中，时尚的元素、肌理的组合、包括色彩的运用都要和当前时代与现代的流行元素紧密结合，从而更好地集合历史元素，这样才能达到预期效果”。[3]