轮音训练范文10篇

时间:2024-02-25 10:00:22

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轮音训练

扬琴轮音训练论文

摘要:文章主要论述了学生在学习轮音过程中容易出现的一些错误,并针对这些错误提出相应的训练方法,以期使学生的轮音技巧得到进一步提高。

关键词:轮音指腕配合力度统一高度统一击弦点统一

扬琴是我国主要的民族乐器之一,流传甚广,深受各地区人民和文艺爱好者的欢迎和喜爱。它的高音部音色清脆、悠扬、明朗;中音部音色优美、抒情;低音部音色浑厚、饱满。因此,它不但具备了独奏的条件,同时也适于作为其他乐器的伴奏,在民乐中占有重要的地位。自上世纪50年代以来,随着乐器的改革,扬琴在演奏技巧方面,借鉴和吸收了外来乐器和姐妹乐器的技法,从而发展成许多特殊的演奏手法:如轮音、滑音、颤竹、吟音等多种多样的演奏方法。

轮音也称“轮竹”,是从交替竹加快速度后发展为密集的轮奏,也是扬琴演奏技巧中最常用的一种演奏法,几乎在每首中型以上的乐曲中都可以看到它的身影。凡是聆听扬琴古曲《春江花月夜》的人,经常会为那舒缓、细腻的轮音表现力所折服,正是这种特定的音响塑造了溶溶月色的优美情境而令人陶醉;而听过《将军令》后,又会被其中那雄健而激越的轮音所震撼,使人仿佛感到古代汉营前主帅升帐、兵将列队的威武气派。这正是扬琴演奏艺术中轮音的特殊效果,以及由此而生发出来的独特美感。可见,它对扬琴演奏的成败起着至关重要的作用。

在十几年的教学生涯中,笔者发现很多学生都感到轮音比较难于掌握,在学习中经常会进入这样那样的误区,主要存在以下几个方面的问题:其一,腕、臂紧张,身体僵硬。有的学生学习心切,急于求成,见到老师轮音弹得快,以为只要快就好听,一着急,也顾不上老师有关手腕要放松,手指配合带动的叮咛,就以肘部为支点,抬起手臂直直地敲下去,这样虽然可获得一时的快速,但是敲出来的轮音不均匀,音色、音量不统一,或虚或噪,而且由于手臂僵硬,身体动作也跟着紧张,不能做到放松自如,演奏时便会感到十分疲劳。其二,手腕、手指不能很好地配合。有的学生鉴于认识和理解的偏差盲目模仿,看到教师在弹轮音时中指、无名指、小指飞快地抖动,误以为只要这三个手指配合得好就行,故而忽略了手腕的轴心作用,造成了轮音不均匀、速度提不上去的情形。另外有的学生则只注意到老师手腕在快速轮音时的左右颤动,在其手腕还不够灵活、放松的状态下,就单纯地模仿了这个动作,虽然暂时速度有了,但是琴竹抬不高,动作显得僵硬,或声音发“飘”,或轮音长度不够等,形成无法控制轮音强弱及时值的现象。其三,左、右手用力不均衡,“左低右高”。在扬琴的轮音演奏中,严格要求左右竹在高度、灵活度以及力度上要保持一致,这样敲出来的轮音才能均匀,有美感。可有的学生左手远不如右手来得灵活,平常又对左手练习不够重视,练得不多,故造成在弹轮音时“左低右高”的现象,也就是在击弦时左手手腕抬得低而右手手腕抬得高,这样弹出来的轮音相应的就“左轻右重”,磕磕巴巴的,美感尽失。其四,击弦点不统一。扬琴的高、中、低音区击弦点略有不同:高音区正确的击弦点是在距琴码1cm左右的地方,中音区是1.5cm,低音区则是2cm左右的地方。在这里,扬琴的音色基本能达到高音清亮、中音饱满、低音浓厚。若是过分靠近琴码击弦,则琴声干涩;反之,离琴码过远,则高音虚散、中低音易带杂音。可见,不同的击弦点所发出的声音是不同的。有些学生弹奏时手腕、手臂、手指的状态均很好,配合起来也觉得协调,可是声音却不和谐。这又是为何呢?原来是击弦点不在同一点上,往往是右手偏右、左手偏左,这样敲击出来的声音就较刺耳,这对很好地表现乐曲的内涵及意境无疑是一大障碍。

通过多年的摸索及实践,笔者找到了几种针对学生常犯错误的训练方法。

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扬琴的轮音训练研究论文

内容摘要:文章主要论述了学生在学习轮音过程中容易出现的一些错误,并针对这些错误提出相应的训练方法,以期使学生的轮音技巧得到进一步提高。

关键词:轮音指腕配合力度统一高度统一击弦点统一

扬琴是我国主要的民族乐器之一,流传甚广,深受各地区人民和文艺爱好者的欢迎和喜爱。它的高音部音色清脆、悠扬、明朗;中音部音色优美、抒情;低音部音色浑厚、饱满。因此,它不但具备了独奏的条件,同时也适于作为其他乐器的伴奏,在民乐中占有重要的地位。自上世纪50年代以来,随着乐器的改革,扬琴在演奏技巧方面,借鉴和吸收了外来乐器和姐妹乐器的技法,从而发展成许多特殊的演奏手法:如轮音、滑音、颤竹、吟音等多种多样的演奏方法。

轮音也称“轮竹”,是从交替竹加快速度后发展为密集的轮奏,也是扬琴演奏技巧中最常用的一种演奏法,几乎在每首中型以上的乐曲中都可以看到它的身影。凡是聆听扬琴古曲《春江花月夜》的人,经常会为那舒缓、细腻的轮音表现力所折服,正是这种特定的音响塑造了溶溶月色的优美情境而令人陶醉;而听过《将军令》后,又会被其中那雄健而激越的轮音所震撼,使人仿佛感到古代汉营前主帅升帐、兵将列队的威武气派。这正是扬琴演奏艺术中轮音的特殊效果,以及由此而生发出来的独特美感。可见,它对扬琴演奏的成败起着至关重要的作用。

在十几年的教学生涯中,笔者发现很多学生都感到轮音比较难于掌握,在学习中经常会进入这样那样的误区,主要存在以下几个方面的问题:其一,腕、臂紧张,身体僵硬。有的学生学习心切,急于求成,见到老师轮音弹得快,以为只要快就好听,一着急,也顾不上老师有关手腕要放松,手指配合带动的叮咛,就以肘部为支点,抬起手臂直直地敲下去,这样虽然可获得一时的快速,但是敲出来的轮音不均匀,音色、音量不统一,或虚或噪,而且由于手臂僵硬,身体动作也跟着紧张,不能做到放松自如,演奏时便会感到十分疲劳。其二,手腕、手指不能很好地配合。有的学生鉴于认识和理解的偏差盲目模仿,看到教师在弹轮音时中指、无名指、小指飞快地抖动,误以为只要这三个手指配合得好就行,故而忽略了手腕的轴心作用,造成了轮音不均匀、速度提不上去的情形。另外有的学生则只注意到老师手腕在快速轮音时的左右颤动,在其手腕还不够灵活、放松的状态下,就单纯地模仿了这个动作,虽然暂时速度有了,但是琴竹抬不高,动作显得僵硬,或声音发“飘”,或轮音长度不够等,形成无法控制轮音强弱及时值的现象。其三,左、右手用力不均衡,“左低右高”。在扬琴的轮音演奏中,严格要求左右竹在高度、灵活度以及力度上要保持一致,这样敲出来的轮音才能均匀,有美感。可有的学生左手远不如右手来得灵活,平常又对左手练习不够重视,练得不多,故造成在弹轮音时“左低右高”的现象,也就是在击弦时左手手腕抬得低而右手手腕抬得高,这样弹出来的轮音相应的就“左轻右重”,磕磕巴巴的,美感尽失。其四,击弦点不统一。扬琴的高、中、低音区击弦点略有不同:高音区正确的击弦点是在距琴码1cm左右的地方,中音区是1.5cm,低音区则是2cm左右的地方。在这里,扬琴的音色基本能达到高音清亮、中音饱满、低音浓厚。若是过分靠近琴码击弦,则琴声干涩;反之,离琴码过远,则高音虚散、中低音易带杂音。可见,不同的击弦点所发出的声音是不同的。有些学生弹奏时手腕、手臂、手指的状态均很好,配合起来也觉得协调,可是声音却不和谐。这又是为何呢?原来是击弦点不在同一点上,往往是右手偏右、左手偏左,这样敲击出来的声音就较刺耳,这对很好地表现乐曲的内涵及意境无疑是一大障碍。

通过多年的摸索及实践,笔者找到了几种针对学生常犯错误的训练方法。

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琵琶演奏的中和之美诠释

h摘要:中华民族五千年的文明历史,无数的文化瑰宝渊源流传,为中华民族长盛不衰储蓄了强大的精神力量。而素有单个民族乐器表现力之"王"美称的琵琶,更是以其丰富的演奏技巧、技法,宽广的音域,清脆明亮的音色成为瑰宝中的精品,流传至今已经有近两千年的历史。在琵琶发展的历史长河中,历代琵琶演奏家、作曲家和制作工人们在实践中不断对其进行改进,使其音响富有金石之声,铿锵美妙;其演奏指法表现力强且丰富繁多。由于许多优秀传统乐曲的积累反映了各个时代的生活风貌,它便成了一件能文能武、能古能今、能中能西的乐器。尤其是它典雅而又大气的一面,更能使人产生共鸣,倍感亲切。

关键词:琵琶;乐器

文章将通过作者对琵琶演奏作品的感悟及理解,对其演奏过程中的中和之美作出具体阐述。

1.中和思想

中国人自古就推崇阴阳、天地、自然的和谐之美,音乐当然也不例外。中国传统音乐审美的根本思想之一"和"是中国儒家思想中庸之道的重要体现,在中国传统音乐美学中处于重要地位。《尚书》中曾记载说:"……诗、歌、声、律、音的和谐是一种自然的和谐,它的最终目的是达到神人以和的境界……"。以和为美,以和为贵,推崇阴阳之和、天地之和、自然之和的和谐之美在中国音乐作品中处处透露。

琵琶演奏家刘德海先生正是秉承了儒家思想的精髓,并把中和的思想在琵琶演奏的二度创作中加以运用及发展。他曾经说过:"当前,有些演奏家较多机会接触’前卫’新潮音乐,演奏不谐和的噪音和稀奇古怪的音响,因过分’热衷’而有可能疏远甚至丢掉了乐器最美的’中和’之声,导致耳朵失灵美感失聪。在二级撞击中不能回归到’中和’状态而走偏走斜,这是非常可惜的。"②他主长琵琶演奏应追求"天、地、人"融为一体的最高境界,他提出:"万物对立、统一的’中和思想’,取两极之中,以中为立足点,一分为三,合三为一,在矛盾冲突和缓解的三相(左-中-右)互动中,频繁的回馈信息,从差异中寻找新的美,寻找新的行动。这就是以中为归宿,以中平衡两极的’中和思想’。"③但同时他也认为:"以忠君顺王为归属的’孔孟之道’在二度创作中应修正;缺乏个性的’完美’,无疑对艺术是一种抹杀。""’中和’不同于甘居中,避免冲突的静态式的传统中庸观。现代意义上的’中和’以共存、共荣的宽容姿态纵观全局,别立新宗,抗争求存。"④

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琵琶演奏赏析论文

【论文关键词】:琵琶;乐器

【论文摘要】:中华民族五千年的文明历史,无数的文化瑰宝渊源流传,为中华民族长盛不衰储蓄了强大的精神力量。而素有单个民族乐器表现力之"王"美称的琵琶,更是以其丰富的演奏技巧、技法,宽广的音域,清脆明亮的音色成为瑰宝中的精品,流传至今已经有近两千年的历史。在琵琶发展的历史长河中,历代琵琶演奏家、作曲家和制作工人们在实践中不断对其进行改进,使其音响富有金石之声,铿锵美妙;其演奏指法表现力强且丰富繁多。由于许多优秀传统乐曲的积累反映了各个时代的生活风貌,它便成了一件能文能武、能古能今、能中能西的乐器。尤其是它典雅而又大气的一面,更能使人产生共鸣,倍感亲切。

文章将通过作者对琵琶演奏作品的感悟及理解,对其演奏过程中的中和之美作出具体阐述。

1.中和思想

中国人自古就推崇阴阳、天地、自然的和谐之美,音乐当然也不例外。中国传统音乐审美的根本思想之一"和"是中国儒家思想中庸之道的重要体现,在中国传统音乐美学中处于重要地位。《尚书》中曾记载说:"……诗、歌、声、律、音的和谐是一种自然的和谐,它的最终目的是达到神人以和的境界……"。以和为美,以和为贵,推崇阴阳之和、天地之和、自然之和的和谐之美在中国音乐作品中处处透露。

琵琶演奏家刘德海先生正是秉承了儒家思想的精髓,并把中和的思想在琵琶演奏的二度创作中加以运用及发展。他曾经说过:"当前,有些演奏家较多机会接触’前卫’新潮音乐,演奏不谐和的噪音和稀奇古怪的音响,因过分’热衷’而有可能疏远甚至丢掉了乐器最美的’中和’之声,导致耳朵失灵美感失聪。在二级撞击中不能回归到’中和’状态而走偏走斜,这是非常可惜的。"②他主长琵琶演奏应追求"天、地、人"融为一体的最高境界,他提出:"万物对立、统一的’中和思想’,取两极之中,以中为立足点,一分为三,合三为一,在矛盾冲突和缓解的三相(左-中-右)互动中,频繁的回馈信息,从差异中寻找新的美,寻找新的行动。这就是以中为归宿,以中平衡两极的’中和思想’。"③但同时他也认为:"以忠君顺王为归属的’孔孟之道’在二度创作中应修正;缺乏个性的’完美’,无疑对艺术是一种抹杀。""’中和’不同于甘居中,避免冲突的静态式的传统中庸观。现代意义上的’中和’以共存、共荣的宽容姿态纵观全局,别立新宗,抗争求存。"④

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歌唱艺术与朗诵艺术的相似点研究论文

内容摘要:歌唱和朗诵都是人类用语言交流的形式,在发音状态、语言的运用和表达感情上都有诸多相似之处。通过对歌唱与朗诵相似点的概括,我们可以了解朗诵对学习歌唱的重要作用。

关键词:歌唱与朗诵基本功训练艺术处理

在声乐教学中,我们经常要求学生在歌唱之前要先有感情地朗诵歌词,除了能更好地熟悉和理解歌曲内涵外,更重要的是朗诵能帮助学生练习歌唱基本功,提高发声训练的效果,增强艺术处理的能力。

歌唱是人类用以抒发情感、交流情感的一种自然而普遍的形式,是一门音乐与语言相结合的表演艺术,它通过美好的声音、清晰的语言来表达人们内心丰富的情感。朗诵是口语交际的一种重要形式,是结合各种语言手段来完善地表达作品思想感情的一种语言艺术。朗诵不仅可以提高阅读能力,增强艺术鉴赏,更为重要的是,通过朗诵,可以陶冶性情、开阔胸怀、文明言行、增强理解。二者虽是不同的表达方式,却有着密切的内在关系。歌唱与朗诵都是口语的加工和提高,都是通过人的发音器官发出的声音来表达思想感情。如今的歌唱与朗诵也都是在舞台上与观众较远距离地交流,需要扩大音量、扩展音域、美化音色,做到字正腔圆、有板有眼,才能准确、清晰地表情达意,以此给观众以美的享受。

一、基本功训练方法的相似点

歌唱艺术与朗诵艺术的基本功都要求在声音上达到松弛、清晰、纯正,不能给人以紧张造作、吃力、声嘶力竭的感觉。所以,两者都必须在呼吸、发声、吐字上下工夫。

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琵琶协奏曲《祝福》艺术指导解析

摘要:《祝福》不仅是一首优秀的琵琶协奏曲,也是陕西音乐风格琵琶作品的代表曲目,以这首作品为研究对象,可以为专业音乐教学与艺术指导工作带来更多的经验与思考。文中除了对乐曲结构、演奏技法的分析之外,更多是如何看待这部作品对于特色学科教学所产生的意义与价值,从而展现地方音乐文化的独特魅力。

关键词:祝福;琵琶协奏曲;艺术指导;陕西音乐风格;特色教学

一、《祝福》的创作背景

“奏乐之‘道’,贵乎‘知’音。音符之内,有大乾坤。技法有传统,体裁有常规,构造有思想,风格有灵魂。凡此种种,既维系着作曲家个人的心智、感情、经历、习惯,也关联着特定时代的社会风尚、经济制度、信仰体系和文化诉求。”①音乐创作既是作曲家思想情感的表达,也是时代与文化环境的共同催生。《祝福》是我国著名作曲家赵季平先生于1982年的创作完成的一首琵琶协奏曲,其音乐创作构思源自鲁迅先生同名小说《祝福》。在音乐内容上以原著人物祥林嫂的悲惨命运为叙事主线,通过音乐的语汇刻画出旧社会受压迫的妇女形象。《祝福》的音乐曲调素材来源于秦腔器乐曲牌《祭灵》,其中大量运用陕西戏韵音乐语汇,通过琵琶的右手扫弦、轮指以及左手推、拉、吟、揉、滑等技巧的运用,生动细腻地表现出陕西地方音乐的风格特性。《祝福》作为一首广为流传、脍炙人口的琵琶曲,在当代琵琶音乐创作中具有重要的地位。第一首使用西方奏鸣曲式创作的琵琶曲,是吕绍恩先生于1960年创作的《狼牙山五壮士》,以叙事性的音乐手法,还原了狼牙山五壮士与日本侵略者激烈的战斗场景,由此开启了使用大型曲式体裁进行琵琶作品创作的先河。第一首琵琶协奏曲是吴祖强、刘德海先生于1972年创作的《草原小姐妹》,其重要意义在于首次以协奏曲体裁形式创作琵琶作品,在首演中完成了民族乐器与西方交响乐队的首次合作。《草原小姐妹》中对于蒙古族曲调的娴熟运用,强化了专业作曲家挖掘地方音乐素材的创作意识,为之后的大型体裁民族器乐创作积累了成功的经验。《狼牙山五壮士》与《草原小姐妹》的成功,开启了琵琶艺术现代创作的先河,由专业作曲家主创、使用西方大型曲式体裁、地方音乐素材等为琵琶艺术的发展注入了新的活力。《祝福》在创作中能够汲取《狼牙山五壮士》《草原小姐妹》的经验,使用琵琶与钢琴的协奏曲体裁,音乐创作题材选自优秀文学作品,以祥林嫂的人物命运为叙事主线,不仅提升了音乐的文学内涵,更能引起听众的共鸣。《祝福》这部作品的另一大特色就是挖掘陕西深厚的民间音乐资源,借鉴“秦派民乐”创作经验,使用陕西秦腔音乐素材,将西方作曲技法与琵琶表演艺术完美地结合起来,使《祝福》这首作品成为陕西音乐风格琵琶作品中的优秀代表。

二、《祝福》的音乐结构与演奏分析

《祝福》为再现性复三部曲式结构,由引子—呈示部A—展开部B——再现部A1构成。在全曲开篇的引子部分(第1至23小节),由琵琶扫弦和钢琴持续震音技法演奏,形成了一种听觉上的震撼效果,仿佛是命运的无情敲打,随后由琵琶和钢琴组成了两组级进上、下琶音,为乐曲的情绪发展注入了激荡、悲怆的因素,从而也奠定了整部作品的基调。谱例1谱例2在引子部分的演奏中,要注意钢琴与琵琶声部在音乐情绪上的统一,演奏要干净利落,一气呵成。特别要注意这两个声部在下行级进琶音上的衔接,在节奏与音乐情绪中保持一致。引子之后,乐曲进入呈示部A(第24至231小节),主部主题旋律是抒情的慢板,旋律素材来自秦腔器乐曲牌《祭灵》。在这一乐段的演奏中,琵琶声部大量使用左手推、拉、吟、揉等技法与右手的轮指演奏形成呼应关系,构成了陕西秦腔音乐中的“苦音”音调,营造出一种凄楚、哀怨的情绪。在钢琴声部中,震音与切分音型的演奏起到了情绪点缀与铺垫的作用,要尽可能的对琵琶声部进行情绪的烘托,要注意控制演奏力度的情绪,尽可能的给琵琶声部更多的展现空间。乐曲在61小节后进入新的音乐旋律素材,与主部主题旋律形成了鲜明的对比,琵琶声部大量使用十六分音符,造成紧张、压抑的音乐气氛,钢琴声部在快板的演奏中配合以切分节奏。在这里要注意与琵琶声部在节奏、重音上的严格对位,同时要随着音乐情绪的不断高涨,做好速度与力度的控制。进入107小节之后,主部主题旋律再次出现,再现的主部旋律更加丰满,凸显出和声效果。琵琶声部使用双弦轮指,钢琴声部使用分解和弦构成丰厚的和声织体,增加了乐曲的发展动力。137小节进入呈示部的副部旋律,这一旋律具有陕西音乐“欢音”的特征,带有明显的跳跃性。这一段琵琶声部要演奏的清晰,注意时值节拍的准确与稳定,钢琴声部在十六分音符和切分音的交替中要演奏的流畅自如,形成明快的曲风。插部主题一共出现了两次,不断加强乐曲的发展,将呈示部旋律推向了最后的结束。展开部B(第232至331小节),展开部的主题旋律为抒情的柔板,与呈示部主题一样,琵琶声部大量使用左手推拉与右手轮指,旋律优美富于歌唱性,钢琴声部使用分解和弦进行旋律铺垫。260小节开始音乐情绪快速激烈,琵琶声部使用扫弦配合十六分音符快速弹跳,形成疾风骤雨式的情感宣泄。钢琴声部使用密集的和弦跳进与倒影技法,这一乐段旋律的发展动机与音乐情绪走向完全由钢琴声部承担,要掌握好演奏气息与情绪的分配,一步步烘托起整个乐段的气氛。292小节开始旋律使用了呈示部副部主题素材,整个乐段以琵琶声部的大跳音程快速演奏为主,钢琴声部只在重拍上进行和弦点缀,琵琶与钢琴构成点状旋律的交织,随着琵琶声部使用扫拂级进上行,旋律被推向了高潮,也标志着展开部的结束。332小节开始为琵琶声部的华彩乐段。华彩乐段完全由琵琶演奏,节奏较为自由,轮指与扫拂的组合与琵琶传统武曲的演奏形式具有异曲同工的效果,将音乐情绪由慢渐快,步步向前推进,仿佛是对命运的呐喊。在这一乐段中琵琶声部要保持演奏情绪的承前启后,音乐速度要保持适中,为再现部做好准备。再现部A1(第333至438小节),再现部是对呈示部的变化再现,在篇幅上进行了一定的缩减,呈示部主部主题的最后一次出现是在乐曲的尾声部分,随着旋律的减缓,仿佛是死亡前的哀悼。琵琶声部主题演奏的主题旋律由遥指开始,随后使用轮指与推拉,音乐情绪显得虚弱而凝重,钢琴声部左手使用持续低音,右手使用震音,烘托出萧瑟的气氛,随着钢琴声部逐渐的弱奏使得整个乐曲走向尾声,一切都烟消云散一般。

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说话能力结构管理论文

说话是人们交流思想的主要形式,说话能力则是人人必须具有的处理社会生活的重要能力。说与听紧密联系,二者是互为因果,相互制约的。在语文能力结构中,说与写都属信息的表达,而听与谈则是对信息的吸收。在听说训练中,如能明确说话能力的结构与训练方式,有利于增进训练的自觉性,提高培养说话能力的效率。

一、说话能力的结构

说话是指用语言表情达意,它是一个复杂的心理和生理活动的过程。人们为了表情达意的需要,就将内部言语(思考问题的言语活动),借助于一定的词语、句式,迅速转化为外部语言。外部语言用语音来表达,便是口头语言。可见,说话能力是由以下几种因素构成的:

1.内部言语的能力。

人们在用口语表情达意时,对于说话的内容、目的、方法等都得经过一定的思考,这种思考问题的活动,即内部言语。内部言语精密,口头表达就清楚、严密、有条理;内部言语敏捷,口头表达就流畅、连贯,而没有不必要的停顿。内部言语,即说话时的思维活动,是与说话同步的。

2.快速选词组句的能力。

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交响乐演奏的情感技巧作用论文

摘要:本文以情感的概念为切入点,论述了演奏者情感与交响乐演奏的关系,指出了情感运用对于表现交响乐主题与风格的重要性,并进一步论述了情感运用对于交响乐演奏技巧中的作用,指出演奏者正确的情感运用可以帮助演奏者准确把握节奏、节拍与演奏速度,有助于把握演奏中的音准与发音,提升交响乐演奏技巧的表现力。最后,本文提出了如何正确把握和运用交响乐演奏中的情感。

关键词:情感交响乐演奏技巧作用

交响乐作为一种表现力丰富、对人的精神有极大影响的丰富多样的音乐体裁形式,诸如交响曲、组曲、歌剧序曲、音乐会舞曲、协奏曲等等,在音乐艺术形式中它是具有较高品位的高雅的音乐种类。交响乐的演奏需要用到多种乐器,包括钢琴、竖琴、木管、铜管、弦乐、打击乐等,而每种乐器的使用又都需要一定的演奏技巧,用来表现交响乐作品主题、风格及内涵,但不管演奏者使用哪种乐器,运用何种演奏技巧进行交响乐的演奏,都需要演奏者融入自身的情感,发挥情感在交响乐演奏中的作用。本文探讨了演奏者情感与交响乐演奏的关系,并指出了情感运用对于交响乐演奏技巧的作用以及如何在交响乐演奏中正确运用情感。

一、情感与交响乐演奏的关系

所谓情感,是指人对客观事物的一种特殊的心理反映,是人对客观事物是否符合个人需要、愿望、观点和社会的需求而产生的态度体验,表现为:或激动、热烈;或高兴、喜乐;或悲恸、忧愁;或赞叹、喜爱;或惊恐、愤怒等等。

音乐是情感的产物,是人类特有的一种情感表达方式。音乐通过乐音的组织来表达人类的思想感情,反映现实生活。如同其它音乐艺术一样,交响乐也是情感的产物,没有情感的交响乐是枯燥、空洞和乏味的音乐。对于演奏者来说,演奏者只有充分的把自身的情感融入交响乐作品之中,才能准确的把握好作品的演奏,而交响乐作品的演奏又可以使演奏者的情感得到升华,提升其二度创作能力。

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谈初中生物中考复习策略

摘要:生物中考是我们生物学科的一次大型考试。教师应采取有效的复习方法,来接受这次检阅。首先应认真研读课程标准及考试大纲(或考试说明),做到“以课标定学”和“以考纲定学”,把握备考方向。其次应从思想上高度重视,制定、实施科学周密的复习计划。

关键词:中考复习;效率;复习计划;复习方法

八年级的生物教学,教过的老师都知道,教学的难度相当大,因为只能把教学定位于授新课与复习课之间,一年时间要把两年教学任务完成且要有明显的效果,时间紧!任务重!因此,如何提高八年级生物课教学效率是摆在每一位生物教师面前的问题。下面谈谈我校八年级生物备课组的作法:

1制定一份切实可行的复习计划

计划是行动的先导,因此制定一份切实可行的复习计划是非常必要的。根据教学安排,我组的复习为三个阶段:第一阶段(4月6—5月20日)归纳知识要点,形成知识网络,以课本教材为主,辅以基础训练,再配以近几年的中考试题集锦加以巩固;第二阶段(5月25日—6月10日)进一步夯实基础,完成几份以往几年各县质检卷;第三阶段(6月13日—6月20日)学生查漏补缺,落实知识。教师精心选题,学生做最后三份试题。

2重视教学方法的研究,努力提高课堂效率

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钢琴教学中的音阶练习研究

一、手指弹奏的姿势

在钢琴弹奏中指法弹奏的代名词。指法体现着演奏科学规范、巧妙的运用。演奏者乐感、节奏感综合能动性体现在弹奏的指法上。指法的顺指舒展,扩指自然,穿指流畅,跨指连贯,换指科学,缩指简便,轮指清晰,跳指矫健。多键指准确,和弦在拍点,大跳及时,快而不乱。具备这些条件才算合格。学琴者面前的首要任务就是摆在每一位学琴者面前的课题和任务就是:探寻指法的潜力、体验指法的神气、追求指法的严谨、研究指法的科学、掌握指法的规律,运用指法的奥妙。经过证明:好的指法是最方便进行钢琴演奏的,反过来说,最利于进行钢琴演奏的指法是最正确的指法。养成良好的运指习惯是完成技巧的前提条件。在练习音阶之前,应当熟悉音阶中的每一个音及其指法的运用,如拇指三指和四指在转换时的运用。这一切都应当脱谱熟记,之后再开始练习。特别要注意黑白键交替过程中固定指法的运用,避免拇指上黑键,保证一至三指、一至四指音列进行的顺畅。最普遍的指法时C大调的指法,其余各种调的指法都是在此基础上演变而来的,变化的目的只有一个,即方便钢琴的弹奏。

二、钢琴弹奏的指法技巧

(一)弹奏的均匀

音阶的练习就是在弹奏不均匀中普遍存在的。换句话说,音阶是弹奏最重要的,也就是通过手指弹得不均匀是音阶练习中普遍存在的一个问题。弹奏不均匀,一般有两个方面,一是弹奏的力度,另一个是弹奏的速度。不少人弹音阶,这两方面弹奏的不均匀都兼而有之,提高弹奏的基本功就是要具备手指的独立性。

(二)弹奏的速度

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