歌曲范文10篇

学界对歌剧的历史性与戏剧性、艺术歌曲的文学性与思想性、民歌的地域性、群众歌曲的大众性等研究者较多，但对儿童歌曲涉及较少。当下流传较多的儿歌，多融合了童谣、经典儿歌、三字经、古诗等作品，有的还编配成精美的动画，深受儿童和家长的喜爱。不可否认，这些形式对儿童歌曲的传播有着较大贡献，但作品质量良莠不齐，甚至还掺杂着成年人的流行歌曲。虽然各种儿童歌曲集大多内容丰富，但这些歌曲并没有取代《小苹果》《两只蝴蝶》等流行歌曲。笔者认为，一方面是由于书中只提供乐谱，这对于不识谱的人来说学唱较为困难，而流行歌曲却时常响遍街头巷尾，随处可听。另一方面，这些书中的歌曲很少有音频和伴奏，而流行歌曲的伴奏却可以从网络上轻松下载。因此，儿童歌曲亟待改良。基于笔者多年对艺术歌曲这一体裁的研究，现提出儿童艺术歌曲这一新体裁，并据此创作了十余首作品，配合钢琴伴奏并将其编纂成《新学堂乐歌》一书，由华夏文化出版社出版，希望对推动儿童歌曲创作的发展起到一定的作用。

一、新体裁名称来源

艺术歌曲是由诗歌、人声、钢琴相结合的一种独立的歌曲种类，因奥地利浪漫派作曲家弗朗茨•泽拉菲库斯•彼得•舒伯特的作品风格而得名。其结合了优美旋律和人声两大音乐元素，具有很强的感染力、表现力和欣赏性。艺术歌曲这一名词在中国可追溯到1919年前后，一批爱国知识分子从国外留学归国，带回欧洲艺术歌曲这一全新的艺术形式，并得到国内文化界人士的欣赏与喜爱，成为当时新文化运动组成部分中的一道亮丽的风景线。经李叔同、黄自等一批文人、学者、音乐家的共同努力，艺术歌曲于上世纪40年代初达到了一个推广与创作的鼎盛时期。更可贵的是，他们把西洋的创作技法与中国的民族风格、民族语言、民族音调等本土化元素相结合，创作出例如《教我如何不想她》《花非花》等具有永恒价值的艺术歌曲作品。儿童艺术歌曲可以算是艺术歌曲门类下的衍生物，笔者借用这一体裁为儿童创作歌曲。我国知名作曲家、音乐教育家陈田鹤（1911-1955年），一生创作了27首儿童歌曲，多采用音乐理论家廖辅叔（1907-2002年）的歌词，也有些歌词由文学家赵元任、陶行知、韦瀚章等人创作。其中，绝大部分作品编写了钢琴伴奏，不单是和声的跟随，更多是与儿童演唱形成互动，成为演唱的伙伴。笔者认为，其为儿童艺术歌曲的原型。

二、儿童艺术歌曲与艺术歌曲的区别

（一）音域。成人创作的艺术歌曲（以下简称艺术歌曲），因要表现美声唱法以及演唱者的个人声音魅力，音域一般比较宽，常见十一二度，甚至更宽。但儿童的声带及歌唱方法都较为稚嫩，歌曲的音域要窄一些，一般控制在一个八度为宜。当然，一些经过正规声乐训练的年龄稍大的儿童已经掌握了一定的歌唱技巧，音域也可适当地扩展，但十度或十一度已是极限。（二）结构。艺术歌曲的曲式结构一般比较复杂，常见的有分节歌、通体分节歌等，篇幅比较长。而儿童歌曲的音乐结构应较为短小，以单乐段为宜。即使是大于单乐段的结构，其内部结构规模也相对较小。通常用两个或四个小节构成一个乐句，乐句等长，四个乐句形成方整结构，这与中国古诗有异曲同工之妙，具有中国传统文化起承转合的韵味。针对较大年龄儿童的歌曲，也可以采用两段体，或者带有再现的两段体结构，这样歌曲的内容比较容易展开，能够叙述一个比较完整的故事。如歌曲《村居》，整首歌曲共八小节（谱例1），篇幅短小，结构紧凑，只有上下两个乐句，没有重复，却完整表现了整首古诗的内容。（三）旋律特点。艺术歌曲的旋律动机相对复杂，旋律线起伏较大，为了表现歌词内容，又极富戏剧性，矛盾冲突激烈。但儿童艺术歌曲为了让儿童易学易背，旋律要尽量简单，节奏接近口语，多使用重复，既可以旋律重复，也可节奏重复。在旋律创作方面可多采用五声音阶，五声调式的音程关系更易被低幼龄儿童接受，也便于儿童日后对传统音乐文化的理解。（四）歌词。传统观念认为，艺术歌曲的歌词源于诗歌。从当前的一些作品中可以看出，艺术歌曲的概念已被人们扩展并突破了，只要是旋律优美、格调高雅并有成谱钢琴伴奏的歌曲，无论歌词是否为诗歌，都可以归属为艺术歌曲。外国艺术歌曲的歌词多为叙事，同时具有很强的思想性。中国艺术歌曲借物抒情比较普遍，多以歌颂祖国，思念家乡、父母等为题材。笔者认为，儿童艺术歌曲的歌词也应具有诗的特征，但是在选择和创作时，要从儿童的视角出发，贴近儿童的生活，符合儿童的心理特点，要有童真、童趣、童心。歌词的形式还要具有“韵美”的特质，一首好的歌词必定是一首好诗，语言精炼，主题集中，即使脱离了音乐，仍然是一首独立存在的文学作品，仍具有很高的艺术价值。当下的儿童歌曲歌词中说教意味较浓，需要将“美”和“教”相结合，借助于优美、生动、富于儿童情趣的形象，表达高尚的情调。知名词作家金波曾说“要赋予儿童歌词以诗的品格”。因此，无论从体裁、结构还是内容、意义上，古诗和儿童诗都是不错的选择。（五）钢琴伴奏。相对于艺术歌曲，儿童艺术歌曲的钢琴伴奏部分似乎更为重要。第一，伴奏部分是旋律的依托，儿童需要依据伴奏把握曲调和音准。因此，儿童艺术歌曲的伴奏要“旋律化”，不能完全使用不带旋律的伴奏手段，可以有旋律与无旋律交替使用。第二，风格要儿童化，简洁、明了、精致，活动的低音尽量不要在较低的音区，要巧妙运用钢琴各音区的音色来表现歌曲中的音乐形象。伴奏织体不能像成人艺术歌曲那样丰富，尽量选择柱式和弦、半分解和弦与分解和弦。三种织体可以单独使用，也可以根据乐曲的段落交替使用。如果是两段体的歌曲，可以使用不同的织体来区分情感，烘托不同的气氛。第三，不忘民族化。和声的民族化最重要，用二音或四音代替三音，从而改变和弦的三度排列；用平行四、五度代替主、属、下属的进行；少用大小七、减七等色彩强烈的和弦。织体方面，不建议使用低音加和弦式的形式，因为这种织体适合用来表现气势恢宏的类似于进行曲的歌曲。建议多用短琶音，以及变化的旋律模仿，与旋律相互映衬，犹如一问一答般地充实整首歌曲。《绝句》的伴奏中几乎没有柱式三和弦的出现，完全用二、三度音程叠加（谱例2）。音区基本高于旋律部分，多用跳音及舞蹈性节奏。伴奏与旋律你来我往，生动地表现出两只黄鹂鸟在枝头嬉戏的场面。

三、儿童艺术歌曲的意义

本文作者：张贵单位：广东嘉应学院音乐学院

由《春天》《九月》《入睡之时》《在夕阳中》4首歌组成，女高音声部演唱，交响乐队伴奏。《春天》完成于1948年7月，《九月》完成于1948年5月，《入睡之时》完成于1948年9月，《在夕阳中》完成于1948年8月，4首歌曲的顺序虽然与作者实际完成的时间相同，但整个主题的构思是在同一时段内进行，作品中的歌曲顺序是后来学者们的安排。《最后四首歌》创作于1946—1948年间，作曲家历经了漫长而又骚动的职业生涯，正值人生苦闷与晚年之秋。诗人艾辛多夫的同名诗歌《在夕阳中》所描写的一对老人家面对近在眼前的死亡所表现的沉思与作曲家的个人处境形成强烈的共鸣，引发了作曲家的创作灵感。这是一部极具价值的音乐文献，作曲家的创作风格和写作手法在以往德、奥艺术歌曲的基础上有了新的发展，可以说这部作品完美地表达了作者对事物终结、生命即将消亡的哲理性思考。《最后四首歌》于1950年5月22日在皇家阿尔伯特音乐厅进行了首次演出，担任这首歌曲独唱的是弗拉格施塔特•魏尔海姆，富特文格勒指挥爱乐乐团伴奏。《最后四首歌》每首歌曲中至少都有一个“主导动机”穿插在声乐和乐队的声部中，其中由一个忐忑不安情绪的主导动机，把前三首歌曲联系在一起，第四首歌是套曲的高潮和总结，通过前三个阶段后，逐步地描绘出一个美满而又静止与安息的意境；同时，套曲在4首乐曲的结束处，都运用了施特劳斯最宠爱的法国号的独奏旋律作为结束，使整部套曲在创作上既有统一又有对比。《最后四首歌》的调式、音色自然和谐，极富意象描绘功能；音乐织体和谐统一、清澈透明，表现了四季的更始复新、爱情、沉睡与死亡；管弦乐配器安排周密细致，特别是弦乐为女高音声部提供了明晰的背景又与之有机融合在一起；为每首歌曲伴奏的管弦乐以缥缈不定、起伏错落的经过句为背景，伴随着节奏的徐缓急驰与对比，同整部作品一道，在夕阳的余晖中、在怀旧的冥思中、在庄严的诀别中逐步消退。《最后四首歌》曲式结构非常自由，两段歌词也会时常连接在一起，乐队间奏时常在段落的中间部分穿插。歌曲乐句的长度也有长有短，长短分布的情况也极不规则和极不均衡。从宏观上来看，《最后四首歌》的序奏部分是第一首《春天》，第二首与第三首歌《九月》《入睡之时》是两个相对来说比较抒情性的段落，第四首《在夕阳中》则是终曲。因此，演唱者在演唱时尤其要注意作品情感的整体性与一致性。

1.《春天》：选自海曼•赫瑟诗歌，Andante（行板），套曲的前奏曲。歌词大意如下：在那阴暗潮湿的地方，我会经常这样梦想着，你就是那些丛林与晴空的微风，你就是那些花朵的芬芳与娇艳，是那雀鸟般的歌声。在灿烂的盛装中，你彰显出了自己。在明亮的光辉的照耀下，你竟然奇迹般地来到我面前。我已经认出了那就是你，并在不断地温柔地向我招手。这时我的四肢都不由自主地激动地颤抖。那是因为我知道幸福就要来临。这首《春天》一直贯穿着一种忧郁与不安的情绪和沉思与暗淡的音响，所唤起的是对春天的怀念。但是，听起来却没有春天的气息，可以理解为作曲家暮年对春即将离去的感受。全曲开头部分的调中心不稳定，没有调号标记。统一的和声基础为c小调的主和弦与降a小调的主和弦组成的琶音音型，通过这一推动力的音型，给全曲奠定了比较坚实的基础，歌者演唱时可以自由地、潇洒地纵情歌唱。歌曲第一、四行诗的最后一个字总共长5小节，作曲家在处理旋律与歌词之间的关系上突破了传统的处理方式，引导我们从整体的音响与声部线条中去思考。歌曲中采用的主导动机多次变型，调性复杂、变化音较多。这是一首调性相对来说比较复杂，需要变化的音节比较多的现代艺术歌曲，所以歌唱者在演唱这首歌之前，一定要相当熟悉这首歌的旋律，充分感受旋律的方向，使其成为一个完整的整体。再一个就是要严格按照节拍朗诵歌词，发音一定要正确，这些都是歌唱前必须要做到的、不可缺少的预习工作。这首歌在演唱时可以较为自由地发挥想象，演唱者要从传统的对称、呼应等关系中解脱出来。歌曲的最后，歌声在悠扬的威尼斯船歌的伴奏下要与宽广的音程一道，和着圆号的响应完美地结束全曲。

2.《九月》：选自海曼•赫瑟诗歌，套曲的抒情乐章。歌词大意如下：雨水是无情的，它冰冷地洒落在娇艳的花朵上，就连花园都在悲伤。夏天的明媚阳光也在不由自主地战栗，非常安静地走到了尽头。金黄色的叶子无力地低着它的头，就这样从高大的洋槐树上无奈地落下。夏日带着惊奇的笑容，在那将近毁灭的梦境中一点一点地耗尽自己。但它仍然逗留在玫瑰花丛中，慢慢地逝去。双眼也慢慢地闭上了，因为它太乏了。《九月》将诗中金色树叶的下落与滴雨渲染得栩栩如生，而晚夏后虚弱的微笑、“闭上了双眼”的描写等都是对生命逐渐消失的一种象征，也是留给人们一种“一切即将终结”的印象。演唱者在演唱时一定要注意对歌中情绪的表达，注意在较为稳定的调性中平静地歌唱，力求突出女声部的歌唱性与抒情性特点。《九月》1—4小节乐队部分中的装饰音，高声部中由三个音组成的和弦组，都是歌曲中最重要的主导动机或音型组，以此贯穿全曲而引申到《入睡之时》中，这样的效果是不仅旋律优美动听而且具有戏剧性。乐曲最末的圆号独奏部分是全曲最高潮的部分，曲中主导动机最后由一支安慰性的独奏圆号封住这朦胧的气氛，求得与整部套曲的和谐与统一。

3.《入睡之时》：选自海曼•赫瑟诗歌，套曲的抒情乐章。《入睡之时》这首歌词的形象鲜明、诗意浓厚。作曲家借描写孩童的天真暗示历经坎坷的自己，渴望、期待着卸掉所有的重担去寻得安歇。歌声在一声疲惫的叹息中进入，刻画的是一种精神恍惚的状态；随后小提琴独奏将人们带到临睡时刻，用动人心弦的旋律来替代灵魂在太空中自由飞翔的情景，这是全曲情感最浓郁的部位，也是全曲的高潮。歌者演唱时要唱出心灵随着令人神往的歌声而放飞的情景，唱出让人感到片刻的安息、无比的满足又不得不回到现实生活中的矛盾心理。这里的心理表达，要运用稍有变化的音色，唱出矛盾的戏剧性，同时也要借助第二段与第三段歌之间的小提琴独奏段落的抒情力量，唱出独奏之后最为激动人心的高潮乐段。要注意旋律部位从降a与降g推至最高点降b的过程，这样的旋律我们称为模进，它与下面声部的和声充分地结合在一起，构成了全曲极为辉煌的高潮。所以，演唱、演奏时更要注意用歌声与乐声互为表达，艺术地再现歌曲的抒情性与交响性情景。

4.《在夕阳中》：sehrlangsam（很缓慢地），套曲的终曲。歌词大意如下：这里我们曾经经过了人生的苦难及幸福，我们携手在此幸福地生活。在这一片祥和安静的土地上，让我们做暂时的停留吧！倾斜的山谷环绕着我们，气氛变得更为暗淡。有两只百灵鸟却执着地向渐渐变黑的天上飞翔。让它们快乐地唱吧、自由地飞吧，虽然睡眠的时候即将到来了。在这孤独的路途中，千万不要迷失了方向。啊！前面更有充满宁静的平安，在那夕阳渐沉的红光中我们漫游后的心何等疲惫，难道这就是死亡吗？作曲家通过《春天》《九月》到《入睡之时》3首歌三种不同情绪的转换，《在夕阳中》把人们带入了另一个充满幻觉的世界。艾辛多夫诗中对人生的疲惫与困惑之情，在施特劳斯的笔下通过他50多年的思考作出了回答。在歌中，他运用青年时代作曲家的交响诗《死与净化》中的主题并与歌曲结合，表明了对人生的态度。希望能够“从尘世中得到解脱，得到净化”，并向世人告别，体现了其作品高度的艺术性和深刻的哲学性。20小节的前奏体现了歌曲的交响性特点，前4小节展示的主导动机和《死与净化》动机一直交织于乐声和歌声之中。《死与净化》将歌曲寓意为“死亡”，是表现人性从美好走向净化的过程，而歌曲结尾运用的传统完全终止式K四六一V一1，也暗示了事物、生命的完美终结。

同志们：

在全市积极开展“新创廉政歌曲大家唱”活动，是今年省纪委和市纪委倡导的一项重要反腐倡廉宣传教育活动。市纪委驻市建设局纪检组高度重视这项工作，组织市建设局、市规划局、市环保局、市城管局、市人防办和市住房公积金管理中心6个单位，结合我市今年纪律教育学习月活动，开展本次廉政歌曲合唱比赛，用歌声来抒发爱党爱民情怀，弘扬廉洁自律正气，展现新时代党员干部风貌。市建设局纪检组组织这样的寓教于乐的活动，既活跃了大家的生活，又能有效宣传为民服务、廉洁从政的教育主题，是一个很好宣传教育活动，我代表市纪委对纪检组开展这次合唱比赛活动给予肯定和支持。

今天在座的各单位领导也都很重视这项活动，积极响应市纪委的号召，大力支持和配合纪检组开展本次活动，组织本系统党员干部认真学唱和练习，掀起了学唱廉政歌曲的热潮。有的单位在本局系统率先开展了合唱比赛，有的单位参加了市里的合唱比赛，不少单位领导班子还带头学唱，并且亲自带队参加比赛，体现出良好的党性党风和高度的组织纪律性。希望各单位继续发扬这种精神，利用各种形式营造良好的反腐倡廉氛围，把我市的党风廉政建设和反腐败工作进一步推向纵深。

最后，预祝比赛圆满成功，预祝各参赛单位取得好成绩！

【摘要】舒曼（1810-1856）是一位伟大的音乐家、作曲家，在艺术领域而言，他是站在浪漫主义这一方的，也是浪漫主义一位杰出的代表，同时他还是一名评论家，有着很高的音乐评论水平，他也是舒伯特的一位典型门徒，继承着舒伯特的特点并加以放大，对诗和音乐都有着自己独到的见解，并可以将二者很好地结合在一起，他的创作可谓是层次更高、领域更广。

【关键词】艺术歌曲；影响因素；创作特点；美学思想；艺术价值

一、影响舒曼艺术歌曲创作的因素

（一）时代背景前辈铺垫的影响

舒曼生活于一个关键时期，这个关键时期就是浪漫主义走向兴盛和古典主义走向衰落，在这个风口上，舒曼等许多艺术家开始了富有浪漫情怀的创作，以体现民风民情，用浪漫的手法来歌颂自然，歌颂感性思想，反对理性。甚至到后来，舒曼把一切积极因素都用到音乐中，使得浪漫主义达到一个新的高度。

（二）艺术歌曲发展历程的影响

中国是一个具有悠久历史的文明古国，孕育了八千年的音乐文明，在的历史长河中，流淌着无数优秀的璀灿文化，其中民间歌曲就是一颗闪亮的明珠，闪耀着与众不同的光芒。民间歌曲表达一种无以言表的深刻情感，那种只可意会，不能言传的感情，只有民歌才能诠释的淋漓尽致。在民间歌曲的众多组成部分当中，号子、山歌、小调是最基础、最典型、最重要的组成部分之一，它以俭朴生动的艺术形式，丰富淳朴的表现内容，活跃在人民的生产，生活当中。

在现实生活当中，我们会发现许多人在使用“民间歌曲”与“民族歌曲”，某种民族歌曲和某些地区的民间歌曲等名词时，经常会出现含糊不清或混淆的现象，像“维族歌曲”与“新疆歌曲”，“信天游”与”山歌”，在大多数人的印象当中都是同一个意思，但是如果从专业的角度来分析，这种叫法是不专业和不正确的。那么，什么是民间歌曲，它又和民族歌曲有什么区别呢？

一、中国民间歌曲的起源

民间歌曲是一切音乐艺术的基础，因为民间歌曲源自中国原始乐舞，原始乐舞是最古老的歌、舞、乐三者结合的形式，民间歌曲含有原始乐舞的遗留成份。原始社会是一个漫长的历史发展过程，原是人们在生产劳动中通过模拟动作来进行狩猎，游牧，战争以及爱情，逐渐形成了原始乐舞的雏形。

民间歌曲伴随着人类劳动而来，自古就有“三人操牛尾，投足以歌八阙”之说，这便是反映原始社会的人们生产、生活的歌舞。民间歌曲从原始艺术萌芽发展而来，是人类物质文明与精神生活的反映。自古历代皇帝与王公贵族们经常通过采风把民间歌曲加工改编为宫廷歌曲，使得民间歌曲这种艺术表现形式愈发的完美和成熟起来，《诗经》、《楚辞》无一不是民间歌曲的总集。各种民间音乐艺术多直接或间接地来自民歌，包括歌舞，说唱，戏曲，器乐乃至其他艺术门类等，无不从民间歌曲中汲取营养和素材。随着社会的不断发展和人民群众对精神文化生活需求的日益增长，民间歌曲被越来越多的人所认识和接触，像：敬酒歌，哭嫁歌，洗衣歌，打硪歌和采茶歌┈┈等等，它们那淳朴的表现风格，热情生动的表现形式，吸引着广大人民群众的喜爱。是当之无愧的音乐艺术之基础。

二、民间歌曲的概念

一、艺术歌曲兴起的历史背景

十八世纪中后期，出现了以钢琴作为伴奏、诗歌作为歌词的艺术歌曲，这一音乐形式得到了初步发展，其中以早期的德奥柏林乐派为代表。艺术歌曲在德国称为lied。艺术歌曲总的特点是:代表人物有克劳泽、巴赫、赖夏特、策尔特等人。其特点为：风格保守，音乐采用对位手法，在歌曲方面强调艺术情感表达，音乐更加生动，但感情的表达多于歌词本身的内涵，这就使得艺术歌曲发展缓慢。十九世纪艺术歌曲成为作曲家创作的重要体裁，反映了浪漫主义音乐时期的特点：强调个体主观感，情感表现；音乐上更加自由。代表人物有：舒伯特、舒曼、勃拉姆斯、沃尔夫、贝多芬等人，他们的音乐特点大都表现为:古典与浪漫主义相融合,注重内涵和音乐性的结合；创作构思精细,并有大量的艺术歌曲声乐套曲形式出现,艺术价值高；诗词的意境与音乐结构表现形成完美的整体,伴奏部分的精妙创作在音乐中起到关键的作用。当然，德奥的艺术歌曲的发展也影响到了周边的国家，如法国艺术歌曲也传承了德奥艺术歌曲的特点，在法国，艺术歌曲通常被称为chanson。歌词大都也采用著名诗人的诗词体系为创作基础，表现出法国的名族优雅高贵的特点，歌曲注重旋律色彩的变化，音乐线条流畅动人，扣人心弦。演唱中要注意不能脱离高贵优雅的风格，对于音量的控制都是非常巧妙地，声音过强或过弱都是与法国艺术歌曲风格不相符合，音色要求内敛精致，平静中突出音乐纯净高贵之美。在俄罗斯，艺术歌曲被称为pom鄄ahc。俄罗斯早期艺术歌曲的产生与特点风格往往带有革命的色彩，坚韧刚劲的艺术风格在作品中常常体现。俄罗斯著名的民族主义音乐家格林卡，在他的艺术歌曲创作中，他将专业的作曲创作技法与传统的民间音乐相结合，创作出了具有浓郁民族特色的俄罗斯艺术歌曲，代表作品有《我记得那美妙的一瞬间》等等，除了格林卡之外，如肖斯塔科维奇、普罗科菲耶夫、拉赫玛尼诺夫、斯克里亚宾、米亚斯科夫斯基、哈恰图良等等，其中，被称为是“苏维埃交响乐之父”的米亚斯科夫斯基所创作的声乐套曲《6首A•勃劳克诗词》和《三首素描》，更是彰显了俄罗斯艺术歌曲的魅力。

二、对于艺术歌曲的演唱体会

在实际的学习和演唱中需要注意对各国艺术歌曲进行对比，针对各国的艺术歌曲要有层次、有特点地进行学习，不能混淆，千篇一律。随着文化的传播与拓展，艺术歌曲这种体裁形式不仅是在欧美广受欢迎，现在在全世界范围内传播开来，影响着当代音乐家们的创作思想和人们的审美情趣。笔者2009年在日本留学的时候，许多世界级的音乐家和日本著名歌唱家会举行专场的艺术歌曲音乐会，记得笔者的老师横滨大学教授，也是日本一线的著名音乐家之一的河野克典先生演唱的舒伯特声乐艺术歌曲套曲《冬之旅》，广岛伊丽莎白音乐大学教授小野村和弦先生演唱的舒曼艺术歌曲套曲《诗人之恋》，这几部声乐套曲难度极大，对于演唱者是极大的考验，他们的成功演出受到了极大的好评和人们的喜爱。的确，艺术歌曲不但考验着一位歌唱家的演唱功底，还体现了音乐家们对艺术生活，人生感悟的诠释，也展现了自己的人格魅力与修养。更加反映了日本民众对艺术歌曲有着普遍和广泛的的认知程度。在演唱艺术歌曲的声音运用方面，首先应以美声唱法为基础，在掌握科学的发声法的前提下，才能进行声音、音色、气息的控制与情感的结合。其次是培养学生进行各国历史文化知识的学习，文学、历史、戏剧、美学的学习都对陶冶自身情操和审美品味有所帮助，提高丰富自身人生阅历，有助于在歌唱中勾画出歌曲的意境，由于外国艺术歌曲要求精细，大多是以一种精致的歌曲小品展现在我们的眼前，要求演唱者有极高的文化内涵，以及对音乐结构、旋律、和声、曲式的分析能力。要求演唱声音内敛、含蓄、平稳中带有自身阅历和文化底蕴的体现，平静中表现出声音的张力。正是由于艺术歌曲这种短小而又细腻的音乐体裁表现形式，它将诗词与音乐、钢琴伴奏与人声高度融合，达到了心灵与音乐的结合，以最直接、最简便的方式深入人心。使得这种音乐体裁从开始出现直到今天，世界上的许多作曲家都在为之付出心血，不同音乐历史时期、不同国家的作曲家都各自作出了非常突出的贡献，为我们留下了许多珍贵的经典之作。使它广为流传，经久不衰，在音乐领域中占据了非常重要的地位。

作者：程果单位：四川文化艺术学院音乐舞蹈系日本伊丽莎白音乐大学

摘要：古诗词艺术歌曲是当代中国声乐作品的重要组成部分，它将古诗、音乐、人声有机地结合起来，从而以声乐作品的形式呈现出来，在尽显古诗本身语言美、韵律美的同时，也让音乐具有了很深的文化内涵。本文以《枫桥夜泊》为例简述了古诗词歌曲的艺术处理技巧。

关键词：古诗词歌曲；改编；枫桥夜泊

古诗词艺术歌曲具有悠久的历史和文化渊源。“诗言志，歌咏言，声依永，律和声”“诗者，志之所之也，在心为志，发言为诗。情动于中而形于言，言之不足故嗟叹之，嗟叹之不足故咏歌之。”等历史记载即为生动地说明。《尚书•尧典》：“诗言志，歌咏言，声依咏，率律和声。”《诗经》中风、雅、颂无不是以乐歌的形式呈现出来，此外与楚辞并称诗歌史上的两座丰碑。“诗为乐心，声为乐体”，古诗与歌曲历来有着密切、不可分割的文化血缘。在中国古典文化体系中，诗与乐历来是文人借以言志的重要载体，它在发挥着世人教化意义的基础之上，还起到了文化传播的作用，为文化传承打下了坚实的基础。同时，诗就是歌，即声诗，古诗词吟往往是诗人进行诗词赏析、抒情、创作的必要形式。《孔颖达疏》对“吟”进行了充分地解释：“动声曰吟，长言曰咏，做诗必歌，故言吟咏情性也。”可以说，吟诗与品诗在功能和意义上是对等的。吟诗有三品：其一，品物境；其二，品情境；其三，品意境。这三者是由浅入深、层层推进的关系。从历史发展的角度来看，声诗具有很强的历史性，从原始歌谣、诗经、词曲，声诗的发展逐渐呈现出民间性和艺术性的双重性质，日益成为人们日常审美和文化学习的重要的内容。中国古诗词艺术歌曲便是诗与歌完美集合的产物。这些是在词曲作家的精雕细琢下成为艺术的精品，它不仅是音乐艺术的精华，更是对中华博大精深文化的传承。古诗词艺术歌曲是当代中国声乐作品的重要组成部分，同时也是西方艺术歌曲形式作用下，中国古典诗词内容与形式的革新，从而创造了新的音乐形式。古诗、音乐、人声的有机结合向我们展示了古诗本身特有的审美价值和艺术特色，对于音乐本身的传承和创新有着无比重要的促进意义。表现了中国古诗词特有的意蕴。早在二十世纪初就有许多作曲家根据古诗创作出许多耳熟能详的艺术歌曲，例如,《梅花引》《春江花月夜》《阳关三叠》等，这些作品至今仍具有较高的欣赏、教学以及演唱价值。《枫桥夜泊》就是其中最具代表性的古诗词艺术歌曲。

一、《枫桥夜泊》的艺术特色

中国古诗词艺术歌曲《枫桥夜泊》的歌词来源于唐代诗人张继在名落孙山时夜晚泛舟湖上有感而发的同名诗篇，后经著名作曲家黎海英、顾淡如将其改编为声乐曲目。这首歌曲最大限度地秉承了中国式优美舒缓的旋律性和古典诗词本身的含蓄风格，从此歌曲的旋律性上来看，整个歌曲过程都是在雅乐七声调式的基础上呈现出来的，此外在高潮以后的部分采取了六声调式，并且结合了部分西方作曲技法，使《枫桥夜泊》音乐语言本身有很强的色彩性和动态性。在此部作品中，离调手法被得以大量使用，从而制造出音响上的不稳定性，为实现作品主题的表达埋下了伏笔，与歌曲内容———作者不定的思绪、跳跃闪动的渔火、似有似无的钟声形成了有力的对接，这在中国作品中是很少用到的。“鱼咬尾”式的旋律是这首诗词的一大特色。“鱼咬尾”，又称衔尾式、接龙式，指每相邻两句诗词的结束音和第一个音在结构上的统一性。这种结构其实生动地体现出诗句本身的内在联系性和关联性，从而在旋律和内容上形成了一股合力，实现情感、情绪、精神上层层推进的关系。

二、歌曲《枫桥夜泊》的艺术处理

摘要：艺术歌曲是一种由诗歌与音乐结合而成的音乐体裁，起源于18世纪末19世纪初的浪漫主义时期，因浪漫主义音乐大师舒伯特作品而得名。本文以中国近代艺术歌曲为研究对象，从中国近代艺术歌曲的发展历程入手，从歌曲结构、作品内涵及其他方面扼要分析探讨了中国近代艺术歌曲的艺术特征，期寄弘扬中国艺术歌曲文化，推动中国艺术歌曲的创作、创新。

关键词：中国近代艺术歌曲；艺术特征；歌曲结构

在18世纪末19世纪初，以舒伯特为代表的音乐大师创作了一系列浪漫、抒情风格的歌曲，从此艺术歌曲名声鹊起，并在全世界范围内广泛流传。在19世纪20年代初，艺术歌曲传入中国，一些音乐爱好者结合中国传统文化创作了独具中国民族特色的艺术歌曲，由此拉开中国近代艺术歌曲的发展序幕。中国近代艺术歌曲文化底蕴深厚，旋律优美，感情细腻，有着独特的艺术特征。但是，绝大多数的国人对中国近代艺术歌曲不甚了解，有必要开展中国近代艺术歌曲特征研究，这对中国音乐文化发展有着重大意义。

一、中国近代艺术歌曲的发展历程

中国近代艺术歌曲的诞生取决于当时的时代需求，是在“五四”运动的引导下兴起的，而其发展得益于当时留学于日本、欧洲学习音乐的留学生。这些具有先进思想和音乐知识的留学生归国后，积极投身于中国新音乐创作和新音乐文化建设中，为中国近代艺术歌曲发展做出了突出贡献。“五四”运动后，民主、科学、爱国等思想在中国大地上迅速崛起，中国知识分子把握住时代脉搏，在文化界掀起了探索新知、传播新思想的浪潮，戏剧、诗歌等领域都开始了变革，一大批风格自然、朴实、清新的诗歌涌现出来，为中国近代艺术歌曲创作提供了许多优秀歌词。一些从日本、欧洲留学归国的音乐学习者，如青主、萧友梅等人，基于这些优秀的诗歌，利用西方音乐理论和作曲技巧创造了一些兼具中国韵味和西方音乐特征的艺术歌曲，以反映时代进步精神。这些歌曲的曲式结构、和声处理等方面都打破了中国歌曲创作的传统形式模，确立了中国近代艺术歌曲的形式。抗日战争全面爆发后，聂耳、冼星海等音乐家在这个战火纷飞的背景下创作了许多带有革命精神的红色革命歌曲，极大地鼓舞了根据地军民抗日斗志。新中国成立后，国内成立一些音乐专业院校，学院派音乐创作者越来越多，艺术歌曲作品的艺术表现力、技巧难度等都有所增强。改革开放至今，中国近代艺术歌曲空前繁荣发展，大量优秀作品涌现出来，如《天鹅之歌》、《送上我心头的思念》等，创作风格、音乐艺术等方面都有大胆的创新，歌曲更加完善。

二、中国近代艺术歌曲的艺术特征

摘要：古诗词艺术歌曲是中国艺术歌曲中独有的一种体裁，也是现在声乐教学中不可或缺的一部分。本文以由美籍华人周易谱曲的《钗头凤》为例，对创作背景、旋律创作及演唱技巧三方面进行了分析。

关键词：古诗词艺术歌曲；《钗头凤》；演唱技巧

一、艺术歌曲的起源

艺术歌曲是声乐曲中不可或缺的一种音乐体裁，这一体裁据史料研究大概起源于18世纪末至19世纪初的欧洲，并很快形成的相对严格的、固定的一种风格。狭义的艺术歌曲要求歌曲的唱词必须为著名诗人、文学家的诗词，例如：门德尔松的艺术歌曲《乘着歌声的翅膀》唱词就选自著名诗人海涅的同名诗。所以说，艺术歌曲有着明显不同于宗教歌曲、民间歌曲、叙事歌曲等的特点。中国艺术歌曲的雏形应为早期的“学堂乐歌”。“学堂乐歌”大多选用外国音乐的曲调然后填上中国的词而来，例如：李叔同创作的《送别》等。随后中国的新文化运动、新中国的成立以及后来的改革开放，艺术歌曲这一体裁越来越受到国人，特别是文人，学者的欣赏与喜爱，艺术歌曲创作空前繁荣。

二、古诗词艺术歌曲

古诗词是中国文学的特殊文体，其具有特殊的格式及韵律。古诗词艺术歌曲顾名思义，即为以中国的古诗词为歌词所创作的艺术歌曲。中国古诗词是几千年来中华民族众多文人墨客的结晶，后又借鉴欧洲的作曲技巧，中西合璧，将中国古诗词的美与西方艺术歌曲的音乐美完美的集合，并成为声乐教学必不可少的歌曲体裁。

摘要：人与人交谈，要给对方的不是“字”，而是“情”；演唱者要给观众的不是“歌词”而是“感情”。美妙动人的歌声来自情真意切的情感表达。

关键词：歌曲艺术表现处理

引言

高尔基曾在论文学艺术创作时说过：“重要的不在于你说的是什么，而在于你如何说。”这句话同样适用于歌曲的艺术创作。当我们拿到一首声乐作品时，首先要做的事就是熟悉作品，而这首作品只是停留在纸面上的死的东西．它必须通过歌唱者的演唱才能使听众充分体会和感受，有的演唱者能做到声情并茂并通过美妙的声音把歌曲的思想内容表达得淋漓尽致：而有的呢，虽然他的声音也很美妙，但他只是照本宣科。一字一音的完成谱面上的东西，没有赋予作品情感色彩，以至于演唱时神情呆板，手足无措、毫无热情：有的甚至矫揉造作。失去了歌唱的意义。虽然我们在唱歌时，毫无疑问对声音的发声方法和技巧是要有一定要求的，但更重要的是对情感的表达。德国著名女高音歌唱家汉姆波尔说过：“如果有人问我歌唱艺术的含义是什么?我不会从声音技巧的角度去说明。我要说的乃是感动听众的才能。如果歌唱者仅仅是指声音唱出来，那么充其量只不过是一位技工匠而已。”由此可以看出感情表达的重要性。因此歌唱者只有从各方面丰富自己．提高自己的文化修养和音乐素质。很合理的对作品进行二度创作、三度创作、四度创作……。这样你的歌声才能真正打动和感染听众。本论文就试着从下面几个方面浅谈如何提高歌曲的艺术表现及其处理的基本方法。

1、歌曲内涵的理解

内涵是指作品的内在含义，即这首歌曲所要想表达的思想和情感。理解作品的内涵是演唱歌曲的基础。歌曲是作曲家的艺术结晶，其中渗透着他们的心血、意图和感情。由于作曲家作品的特殊性，他不可能像画家、雕塑家和文学家那样可直接就和观众见面，而且一目了然，而音乐作品必须通过表演者的再创作，把纸面上的音符变成美妙的声音，让歌唱者真实、朴素、美好的歌唱向听众传达歌曲的思想感情，所以当我们拿到一首歌曲时必须首先对歌曲作者的生平、时代背景、创作特点、风格流派、以及有关地区的民俗、民情有所了解，才能很好的掌握作品。“如果对此一无所知。或知之甚微。这就无法理解作品，更达不到艺术表现的境界，只能是唱音符，唱一个一个的字音，就不可能把自己从事的表演专业发展到更高的水平。”这是我国著名声乐教育家喻宜宣教授说过的一句话。声乐家沈湘教授也告诫我们：“不要把时间单放在发声练习上，要知道提高了综合修养，声音上也会提高，如果有了认识，即使走弯路也不会太远。”一首歌或长或短，都是凝聚着作曲家和作词家强烈的感情，这就需要我们歌唱者认真去发掘和领会。