歌唱气质范文10篇

摘要：歌唱气质是歌唱者在演唱过程中表现出的相当稳定的个性特点和风格特点。独具个性特色的歌唱气质能给人们留下深刻美好的印象,是一个歌唱者成功的关键所在。缺乏歌唱气质的歌唱者只是一个歌唱机器,而不是艺术家。在音乐教学中,教师应从提高学生的文学修养入手提高对歌唱语言的理解和把握;通过旋律特点的理解提高对音乐的演绎;让学生认识到歌唱的职业特点,提高艺术的审美水平也是形成具有个性的歌唱气质的关键因素。

关键词：歌唱气质歌唱语言音乐演绎艺术审美

一、什么是歌唱气质

查阅字典，对气质的解释是这样的：气质是指人的相当稳定的个性特点，是高级神经活动在人的行动上的表现，也指一个人的风格特点。这主要是指不同的人在生活中以气质给人留下的不同印象。特定到歌唱气质，应该是一个歌唱者在歌唱中表现出的相当稳定的个性特点和风格特点。比如：当前活跃在舞台上的歌唱家，一提起某人的名字，其歌唱形象、声音特点和演唱风格便立刻在我们大脑中浮现。这就是歌唱者有个性的歌唱气质在观众心中留下的深刻印象。歌唱气质的形成是一个歌唱者成熟的表现。而歌唱气质的形成非一朝一夕或唱几首歌就能练就的，它是歌唱者在长期的艺术追求、艺术审美和艺术实践中经过摸索、千锤百炼而逐步形成的个人演唱特点。

二、歌唱气质的重要性

在音乐学习和演唱的过程中，我们常见这样的情况:一些学生从学校毕业时，音质、音色、共鸣已达到一定程度。论技巧，对许多难度较大的艺术歌曲、歌剧选曲都能胜任，我们认为他们已具备较好的演唱功底，但其艺术表现及演唱时的整体美感却难以激动人心，他们也为自己倾尽全力地演唱却得不到观众发自内心的称赞而苦恼。类似的情况在历届全国歌手大奖赛中更屡见不鲜:能够参加比赛的歌手，从声音和演唱技巧方面没有太大差距，选手能否巧妙地运用声音，能否正确把握作品，感染观众，整体歌唱气质如何是取胜的关键所在。在2004年中央电视台举办的全国声乐比赛中，众多的歌手唱得都很完整，但却没给人留下特殊的印象。但民族唱法选手王丽达的出现却让我们眼前一亮：她演唱的歌曲音域不是最高，歌曲结构也比较简单，但她以对声音恰到好处的运用，充沛的感情表达，淋漓尽致的现场发挥，以异常感人的整体形象打动了评委，感染了观众，最后获得银奖的佳绩，也使全国观众认识了她。由此可见，歌唱者的声音条件、歌唱技巧相近，但一个懂得用思想、用感情、具有极好歌唱气质的歌唱者会使自己的歌唱形象熠熠生辉，并能触及人们的灵魂、品德、性情，是一种深沉而又持久的力量。这是成为歌唱家、艺术家的必备素质。在声乐教学的初级阶段，教师就应充分认识到培养学生整体歌唱气质的重要性，把培养学生的歌唱气质同训练学生的声音技巧结合起来，使学生在漫长的声乐学习过程中追求、体验作品中存在的美，传达作品的美感，逐渐形成自己的歌唱气质，成为一个有思想、有修养、让观众不能遗忘的歌唱者。

摘要：歌唱气质是歌唱者在演唱过程中表现出的相当稳定的个性特点和风格特点。独具个性特色的歌唱气质能给人们留下深刻美好的印象,是一个歌唱者成功的关键所在。缺乏歌唱气质的歌唱者只是一个歌唱机器,而不是艺术家。在音乐教学中,教师应从提高学生的文学修养入手提高对歌唱语言的理解和把握;通过旋律特点的理解提高对音乐的演绎;让学生认识到歌唱的职业特点,提高艺术的审美水平也是形成具有个性的歌唱气质的关键因素。

关键词：歌唱气质歌唱语言音乐演绎艺术审美

一、什么是歌唱气质

查阅字典，对气质的解释是这样的：气质是指人的相当稳定的个性特点，是高级神经活动在人的行动上的表现，也指一个人的风格特点。这主要是指不同的人在生活中以气质给人留下的不同印象。特定到歌唱气质，应该是一个歌唱者在歌唱中表现出的相当稳定的个性特点和风格特点。比如：当前活跃在舞台上的歌唱家，一提起某人的名字，其歌唱形象、声音特点和演唱风格便立刻在我们大脑中浮现。这就是歌唱者有个性的歌唱气质在观众心中留下的深刻印象。歌唱气质的形成是一个歌唱者成熟的表现。而歌唱气质的形成非一朝一夕或唱几首歌就能练就的，它是歌唱者在长期的艺术追求、艺术审美和艺术实践中经过摸索、千锤百炼而逐步形成的个人演唱特点。

二、歌唱气质的重要性

在音乐学习和演唱的过程中，我们常见这样的情况:一些学生从学校毕业时，音质、音色、共鸣已达到一定程度。论技巧，对许多难度较大的艺术歌曲、歌剧选曲都能胜任，我们认为他们已具备较好的演唱功底，但其艺术表现及演唱时的整体美感却难以激动人心，他们也为自己倾尽全力地演唱却得不到观众发自内心的称赞而苦恼。类似的情况在历届全国歌手大奖赛中更屡见不鲜:能够参加比赛的歌手，从声音和演唱技巧方面没有太大差距，选手能否巧妙地运用声音，能否正确把握作品，感染观众，整体歌唱气质如何是取胜的关键所在。在2004年中央电视台举办的全国声乐比赛中，众多的歌手唱得都很完整，但却没给人留下特殊的印象。但民族唱法选手王丽达的出现却让我们眼前一亮：她演唱的歌曲音域不是最高，歌曲结构也比较简单，但她以对声音恰到好处的运用，充沛的感情表达，淋漓尽致的现场发挥，以异常感人的整体形象打动了评委，感染了观众，最后获得银奖的佳绩，也使全国观众认识了她。由此可见，歌唱者的声音条件、歌唱技巧相近，但一个懂得用思想、用感情、具有极好歌唱气质的歌唱者会使自己的歌唱形象熠熠生辉，并能触及人们的灵魂、品德、性情，是一种深沉而又持久的力量。这是成为歌唱家、艺术家的必备素质。在声乐教学的初级阶段，教师就应充分认识到培养学生整体歌唱气质的重要性，把培养学生的歌唱气质同训练学生的声音技巧结合起来，使学生在漫长的声乐学习过程中追求、体验作品中存在的美，传达作品的美感，逐渐形成自己的歌唱气质，成为一个有思想、有修养、让观众不能遗忘的歌唱者。

［摘要］歌唱是受心理活动支配的，良好歌唱心理是歌唱者能否唱好的关键。作者从多年的声乐教学和艺术实践中总结出几种有效的心理培养方法:加强歌唱积极性的培养;加强艺术实践锻炼，提高临场心理素质;根据歌唱者的不同气质类型，因材施教。把心理学方法应用到声乐技能课教学中，给传统教学拓宽了思路，增加了新的教学手段，帮助教师提高教学效率。

［关键词］歌唱心理;教学;培养方法

人的任何一个动作都是在意识支配下完成的。从这个意义上讲，歌唱活动是受心理活动支配的。只有建立在生理和心理相互作用的基础上，才能有效地对歌唱发声的生理机能进行调节和控制。加强对学生歌唱心理的培养，能够使学生多方位多角度地学习，为传统的声乐教学增加新手段，从而提高教学效率。

一、加强歌唱积极性的培养

声乐学习过程是艰苦的，因为人声这个“管乐器”在我们体内，无法看到和触摸，这在客观上给我们的学习增加了难度。著名声乐教育家周小燕在《声乐基础》这本书里这样写道:“在歌唱中歌唱者既是＇乐器＇，又是＇演奏者＇。所以，歌唱训练就面临着两项任务，制造乐器和演奏乐器。”从这个角度讲，声乐学习要比器乐学习复杂得多。要使歌唱者如愿掌握歌唱技能，教学双方都需要付出艰苦的努力。声乐学习者要不断地学习，付出很多努力，才能掌握正确的歌唱方法，因此积极向上的学习态度是首要的。从教师角度讲，一定要做到以下几点。

1．语气平和，鼓励为主

摘要：歌唱艺术是用人声创造出带有语言的音乐，语言音乐化的艺术体现奠定了歌唱艺术的特殊性质，歌唱艺术的口语美体现了音乐作品在文学性表现上的差异。歌唱艺术中的词曲并茂、和谐统一是曲调的美学理想和创作追求，旋律与歌词有赖于歌唱中的声腔体现，当歌唱被赋予声腔美，才能够真正传达出听觉的美感，在表演的过程中同时还包含了体态的造型美。

关键词：歌唱艺术；语言美；曲调美；声腔美；形体美

一、歌唱艺术的语言美

（一）歌唱语言的口语美。语言音乐化的艺术体现奠定了歌唱艺术的特殊性质，歌唱艺术的口语美体现了音乐作品在文学性表现上的差异，它与日常的生活口语不同，在歌唱的过程中是要经过文学语言的提炼加工，形成音乐文学的艺术规律。讲究通俗与质朴的统一，运用方言和俗语，表现出不同音乐作品风格的韵味。追求本色与典雅相结合，注重扬长避短，取其精华。（二）歌唱语言的凝练美。歌唱艺术中的语言的凝练美，充分展现出现实生活的多多彩，同时抒发强烈的思情感。在歌唱艺术中语言的凝练是需要在艺术实践中不断的探索，通过以字斟句的方式，去高度形象地描绘生活。在歌唱艺术中，语言的凝练美源于诗化语言，其结果是要精粹，惜墨如见。歌唱艺术凝练美的核心在于凝意、凝神。（三）歌唱语言的形象美。歌唱艺术语言的文学性，一般是通过形象来塑造体现的。在形象的表现上，歌唱艺术语言的形象与文学形象所要求的生动性、概括性、审美情感的属性等元素是相统一的。其中人象、景象、物象概况了语言形象的表现对象。具象、抽象、意象表现出对现实感性的只管反映。（四）歌唱语言的诗情美。歌唱艺术的抒情性，在于抒情的诗化性。诗词具有表现本质的特性，诗思与情思属于艺术思维范畴，它不仅能激起作曲家的创作激情，还能挖掘他们的创作灵感，诗思蕴含着情思，又抒发情思，一切情思均可化为情词。诗情贵在真，只有情真才能动心，才能感人。

二、歌唱艺术的曲调美

（一）曲调的旋律美。歌唱艺术曲调美的美丽，主要是取决于旋律美。音乐善于表达人的情感，旋律承担着准确表达音乐情感内涵的任务。在抒情的旋律中，表现出丰富多姿的情思，同时还体现出一定的艺术风格，具有时代的鲜明的音调色彩，塑造出完美的艺术形象。（二）曲调的节奏美。歌唱艺术中，节奏成为旋律构成骨架，它是曲调美的重要构成要素。其中节奏的力度性可以很好的现实出音乐作品的强弱变化，不同的拍子代表不同的节奏律动特点，同时在力度变化中进行艺术的合理调节，创造出丰富多彩的节奏序列。节奏的速度性体现出歌唱艺术音速快慢的有机性。节奏的密度性体现出歌唱艺术在同一时间内所表现出的音值长短的机构性。（三）曲调的和声美。曲调的和声美在于，它与不同声部的配合，以此来烘托、协调突出旋律美的表现色彩，它可以让歌唱艺术的音量调节、音色变化、音域等要素表现出更加宽广的音响艺术天地。曲调和声的主体性是和声美所体现的特征之一，它作为位置作为旋律基调，始终未主旋律服务，有时也体现出多层主体或平行主体。和声的织体性是曲调的一种艺术表现形式，旋律的线性织体是歌唱艺术中音乐形象的整体构建。歌唱艺术的和声织体突出主体的同时，还要求所有声部能构成协调音响的艺术效果。多声部的音乐作品是依据织体的有机协调来构建音响的立体形象。歌唱艺术和声具有对比性，在音乐作品中会出现多种音响效果的交织，产生音响的对比，有了和声的对比性，才能产生更为丰富的色调、增强音乐性。和声的对比表现在不同声部音域或声区方面，也表现在声部的音色或音质方面，还表现在力度的对比上。

声乐与器乐是音乐作品的两大部类,二者共同构成了音乐表演艺术。由于在史前与史后初期,乐音多以感情语言形式出现,以致长时期内,声乐一直是主要音乐,人声就是最早的乐器［1］。虽然声乐与语言具有共同特性,即音高、音强、音长、音色、音量与节奏,均由声带发出,用于表达意义与感情,但是在声乐中,更加重视感情表现与声音的充实、悦耳,从而更具美感。即使到了中世纪,乐器与器乐在许多地方因含世俗因素太多而受教会排斥,正式的、主流的音乐艺术仍然是声乐［2］。文艺复兴以后,纯器乐和由器乐伴奏的歌唱、戏剧得到了很大发展。然而声乐因其简便而富于感染力,始终受到人们关注与喜爱,著名歌手往往比著名乐手受到更广泛的欢迎。即使在现代,在各国,包括我国的民间、社区,以及中小学音乐活动中,声乐教育也始终是音乐教育的主要内容。有许多人用唱歌来表现自己,表达自己的情感,丰富自己的业余生活,甚至参与歌手选秀活动。

声乐教育是有关声乐的知识、技巧、修养与审美趣味的传承过程,涉及到相关的科学知识、发声技术、表演艺术与艺术欣赏。目前声乐教育中所传递的科学知识主要是物理(声)学与生理学知识。虽然有的声乐教师曾在音乐师范系学习过教育心理学,并能在教学中加以运用,但由于声乐专业出身的教师通常不懂心理学,而师范出身的教师单方面的心理知识运用又不同于必要的心理学知识的传授,而且教育心理学毕竟不是声乐心理学,所以,声乐教育迄今缺乏专业心理学的支持。不比美术教育、体育教育,已分别建立了支持专业教育的艺术心理学、运动心理学。

对声乐心理的重视不足与研究不够,使得当前无论在专业院校还是在义务教育、社区活动中,声乐教育都存在着重技巧轻理论、重生理因素而忽视心理因素的倾向。这种倾向虽是声乐历史上形成的,在过去具有合理性,今天却已成为阻碍声乐教育进一步发展的门槛。由于以上原因,笔者认为有必要倡导研究声乐教育中的心理因素。本文拟通过讨论声乐教育创新以心理学为导向,以及心理因素在专业教学中的作用,来论证引入心理学对声乐教育创新的重要性与可能性。

一、声乐教育创新方向的选择

心理学是研究心理现象的一门科学,它通过描述心理事实,揭示心理规律,来指导实践应用。对心理现象的研究,古已有之,但心理学作为独立的科学,是在19世纪中叶,由德国感官神经生理学发展所促进的,并以冯特1879年出版的《生理心理学纲要》为标志。心理学的诞生史告诉我们:在生理科学充分发展基础上,才有可能与必要发展心理科学。事实上,体育教育由以运动生理学为基础,进而引入运动心理学,以解决竞技决胜中起着关键作用的运动员心理素质问题,便是明证。其原因在于人的行为虽然靠肌肉与器官完成,肌肉与器官功能的发挥却受到高级神经活动控制,而心理因素则会对高级神经活动生理产生重要影响。正如一台复杂的机床,其工作部件的运动要受到传动系统与控制系统的制约,在机床工作部件精度趋近极限的条件下,进一步提高加工精度与效率的途径就是引入数控装置或实施电脑控制。

心理学发展历史虽短,却被视为21世纪的领航学科。在美国,心理学会是仅次于物理学会的全国第二大学会,下设40多个分支学会。心理学的研究范围已涉及人类社会活动的各个方面。其中应用心理学的迅速发展与高度分化,即心理学向专门领域的渗透,已是现代心理学发展的重要特征之一。另一方面,当代许多专门领域的发展、创新活动,多以心理学为导向,以引入与应用心理学知识作为其共同特征。

一、吴雁泽简介

吴雁泽，我国著名男高音歌唱家，四十多年来从事中国声乐演唱和研究工作，并身体力行地走出了一条科学的具有中国民族气质、特点的歌唱道路，被誉为“歌唱诗人”、“歌坛上的长青树”。1984年被文化部授予“民族音乐艺术家”称号。

1992年他被文化部调回北京担任中国歌剧院院长。他还是中国音乐家协会常务理事、中国少数民族声乐学会副会长，现任中国文联副主席、中国音乐家协会副主席、全国政协委员。

二十世纪八十年代以来，吴雁泽曾在国内刊物上，1991年出版了《我的歌唱技术、技艺的形成》声乐专著；他有着润柔的音质、宽广的音域，气息饱满而深长，善于演唱不同风格的歌曲；他的演唱韵味浓厚、技巧精湛、咬字准确。1995年11月荣获中国唱片总公司颂发的第三届“金唱片”奖。

吴雁泽先生的歌声所表达的思想性、艺术性、科学性、时代性具有典型的中国民族气质，是我国民族文化中的瑰宝，我们当今有责任继承老一辈艺术家的艺术精华，弘扬民族文化，振兴发展我们中华民族的声乐艺术。

二、吴雁泽精湛的歌唱技艺

摘要:声乐教学对于唱歌技巧的锻炼和演唱者个性化风格的形成非常重要，在教学过程中应当区别于基础训练和唱歌风格的形成，让二者相辅相成。只有精湛的唱歌技巧，才能够有唱歌风格的完美展现，唱歌技巧的不同运用又会展现出不同的风格。唱歌风格的形成影响因素较多，嗓音条件和演唱技巧对于唱歌风格形成有着直接的影响，演唱者应当根据自身的条件来开展科学的训练，一方面做好音乐基础练习，同时也要逐渐形成自身的个性化风格。

关键词:声乐教学;唱歌技巧;个性化风格

唱歌的风格是一个演唱者演唱内容及表演形式的一种独特体现，通过表演能够从表演者身上反映出具有个人思想及精神气质的内部特征印记，展现出具有时代和民族精神的风格特点。唱歌的个性化风格的形成，会受到成长经历、思想、性格特点等各种内在主观因素的影响，也包含了多种外在客观因素的刺激。不同时期的作品、唱歌的技巧和演唱者自身的内在条件等都直接影响到最终唱歌风格的形成。每一位演唱者都应该形成独具特色的个性化风格，在声乐教学过程中，教师应当重视演唱的基础教学以外，还应该重视学生的演唱风格的形成，因材施教。

一、不同唱歌技巧的唱歌风格形成

(一)嗓音条件对唱歌风格形成的影响。每一个人嗓音生理构造都或多或少有一定的差异，这些差异性的构造形成了不同的声部，特殊的嗓音音质和声部会形成演唱者独有的辨识度。抒情类的歌唱风格优美流畅，音色让人感受到一种温暖和阳光的感觉，声色的连贯性及表现出来的艺术性线条使得类似歌唱风格极具抒情性。例如《艺术家的生涯》中的高音鲁道夫，声音明亮醇厚，富有磁性，在《江姐》中的江雪琴等艺术人物角色同样展现的是抒情性歌唱风格。抒情类风格的演唱者，必须要对演唱内容中的人物角色进行定位，并对整个剧情要有一个深入的认知和思考，要了解故事中起承转合的情绪变化，将整个人的情绪代入其中。演唱者要能够准确揣摩出角色的内心情感世界，根据演唱的不同阶段对应转变自己的性格特征，在充分了解了作品的创作背景情况下，了解作品的中心思想，要营造出诗意般的哲学意境。在气息上面，要保证和声音的协调平衡，强化高位置唱歌的感觉，要通过气息来控制声音的情绪、虚实等。元音在发音时一定要做到位，要利用头腔共鸣进行声音的修饰，保证语言清晰圆润，实现统一的音色。戏剧性唱歌风格的演唱家需要洪亮宽厚的声音，更易于塑造戏剧冲突性强烈的角色，能够通过饱满、结实以及向量的男高音带给观众或听众以非常强烈的感染力，例如意大利歌唱家卡鲁索，西班牙歌唱家多明戈等。女高音的声音则表现为铿锵有力，有着十足的张力，例如瑞典的尼尔松以及美国的普莱斯等。戏剧性风格唱歌的技巧同样需要做好气息的支持，但是由于演唱者自身的口腔共鸣大，因而较难寻找到高位置歌唱的感觉，因而在声乐教学过程中，要更多引导学生进行科学发声，避免发生喊唱。与之相对应的花腔类歌唱风格则表现在声音的纤细、灵巧上面，歌唱家会有着非常宽广的音域，因而可以拥有变化丰富的音色。抒情类的花腔女高音给人少女气息十足的感觉，声音轻盈透亮，例如《唐帕斯库勒》中的诺丽娜。戏剧性花腔则需要稳定的超高音技巧，能够全面诠释剧中的人物形象和内心情感，可以增强人物的欣赏性，例如我国的歌唱家吴碧霞等。轻型的抒情男高音拥有穿透力强大的而各省，在表现上与花腔类唱歌风格类似，共鸣位置相对靠前一点，演唱时刚柔并济。声乐教师在进行花腔类唱歌风格的教学时，需要让学生遵循于渐进的原则，要让学生实现对气息的自由控制，强化气息的沉稳状态。(二)演唱技巧与唱歌风格的相互关系。演唱技巧对应的唱歌风格不同体现在发声、共鸣、呼吸和语言等各个方面，从微观角度来看，每一名演唱者的演唱技巧和风格都是不尽相同的。从宏观角度来看，不同的演唱者由于自身的审美情趣和成长经历、地域语言等各方面不同的影响，也会对演唱风格产生一定的影响，产生不同的歌唱流派。即便是同一个国家之中，也会因为地域的差异和不同的时间呈现出不同的风格流派，例如中国的传统戏曲唱法中的四大旦角流派。西洋的美声唱法始于十七世纪的意大利，因为意大利语特殊的单次母音收尾方式，所以在发音上就会展现出非常强的旋律性，非常具有唱歌性。美声唱法注重的是让演唱的时候尽可能满足于人声的生理机制和自然规律，通过科学系统的训练方法能够让歌唱趋于完美，讲求的是声区统一，音域宽广。美声唱法的气息讲求的是艺术性和技术性的统一，要将气息运用地恰到好处才能够保证歌唱的顺利进行。而只有做好气息和发声的配合，才能够做到声音的力度与色彩的自由变化，实现低音区向高音区的贯通。例如《为艺术，为爱情》中的歌剧人物托斯卡在向上帝凄楚倾诉时的情绪表达，就必须要依靠气息来实现控制和变化。美声唱法是将声音和功名进行了完美的结合，其精髓在于将真声和假声进行混合运用，保证真声和假声的混合比例保持不变，用真声来弥补假声的“虚”，用假声突破真声音域的“窄”，通过声音来表达丰富而自由的情感，可以突破音域的限制随心所欲歌唱。当前我国将戏曲、民族民间唱法以及曲艺都称之为民族唱法，并具体划分为基于传统戏曲、民间唱法延伸而来的唱法以及结合西洋唱法融合的民族唱法这两类。中国民族唱法可以追溯的历史非常久远，从古老的《弹歌》到后来的《诗经》《楚辞》，历经秦汉的专业化，直至唐朝时期发展至高潮，后来的每一个朝代都迎来了中国民族声乐艺术的新高潮。随着的爆发，西洋美声唱法传入中国后，为中国的传统民族唱法注入了新的发展动力和血液，大量具有民族风格的歌曲、歌剧等相继问世，例如《白毛女》《夫妻识字》等。中国传统民族唱法保持了中国传统戏曲的精华，借鉴于西洋美声唱法的发声技巧，在提升演唱者歌唱能力的同时，也丰富了情感表达，形成了自己独具特色的风格特征。相较于西洋美声唱法，中国传统民族唱法的音色在各个音区都是明朗的，在跨越音区的时候音色变化较小，共鸣的调节力度更小。由此可以形成圆润、清亮和甜美的声音。虽然民族唱法以及美声唱法都需要演唱者要在深呼吸的作用下来进行演唱，但是二者在吞吐量上面是有一定的区别的。相较于西洋美声唱法，民族唱法之中对于气息的输出量相对较小，发出的声音也纤细、高亢。

二、基于演唱技巧的唱歌风格形成

摘要:针对声乐教育的重要性与面临的问题,提出声乐教育有创新的必要。以先进性、合理性、功效性等创新方向选择准则,明确了当前声乐教育创新方向应是在现代生物学基础上引入与应用当代心理学知识。通过声乐教育发展历史分析,探讨了现今声乐教育中模仿教学方式与机理教学法的内容与利弊,指出我国声乐研究虽仍以声乐技术为主,却已有必要关注歌唱心理问题。论证了声乐教育以现代心理学取代生理学而占据主导地位,使声乐教学法理论实现重大创新的意义,提出在声乐教学研究中引入一般心理因素对于声乐教育创新的促进作用。

关键词:声乐教育;心理学;教育创新

Abstract:Facingtheimportanceandproblemsfoundinvocalmusicteaching,innovationisnecessarytoexplore.Withtheadvanceable,rationalorfunctionalorientationtakenastheguidelinestobechosenfortheinnovation,whatshallbesuretodoatpresentistointroduceandapplythecontemporarypsychologicalknowledgebasedonup-to-datebiology.Discussesthehistoricaldevelopmentofvocalmusiceducation,theeffectandadvantages/disadvantagesoftheprevailingdemonstration/memoriterteaching.Althoughourvocalmusicteachingisemphasizingthevocalskilltraining,itisnecessarytopayattentiontothepsychologicaltraininginsinging.Illustratestheoreticallysignificanceoftheinnovationwithwhichthemodernpsychologywillplayaleadingroleinvocalmusicteachinginsteadofphysiology.Furthermore,thestimulatingeffectofintroducingnormalpsychologicalfactorsontheinnovationofvocalmusicteachingispresented.

Keywords:vocalmusiceducation;psychology;educationalinnovation

声乐与器乐是音乐作品的两大部类,二者共同构成了音乐表演艺术。由于在史前与史后初期,乐音多以感情语言形式出现,以致长时期内,声乐一直是主要音乐,人声就是最早的乐器［1］。虽然声乐与语言具有共同特性,即音高、音强、音长、音色、音量与节奏,均由声带发出,用于表达意义与感情,但是在声乐中,更加重视感情表现与声音的充实、悦耳,从而更具美感。即使到了中世纪,乐器与器乐在许多地方因含世俗因素太多而受教会排斥,正式的、主流的音乐艺术仍然是声乐［2］。文艺复兴以后,纯器乐和由器乐伴奏的歌唱、戏剧得到了很大发展。然而声乐因其简便而富于感染力,始终受到人们关注与喜爱,著名歌手往往比著名乐手受到更广泛的欢迎。即使在现代,在各国,包括我国的民间、社区,以及中小学音乐活动中,声乐教育也始终是音乐教育的主要内容。有许多人用唱歌来表现自己,表达自己的情感,丰富自己的业余生活,甚至参与歌手选秀活动。

声乐教育是有关声乐的知识、技巧、修养与审美趣味的传承过程,涉及到相关的科学知识、发声技术、表演艺术与艺术欣赏。目前声乐教育中所传递的科学知识主要是物理(声)学与生理学知识。虽然有的声乐教师曾在音乐师范系学习过教育心理学,并能在教学中加以运用,但由于声乐专业出身的教师通常不懂心理学,而师范出身的教师单方面的心理知识运用又不同于必要的心理学知识的传授,而且教育心理学毕竟不是声乐心理学,所以,声乐教育迄今缺乏专业心理学的支持。不比美术教育、体育教育,已分别建立了支持专业教育的艺术心理学、运动心理学。

一、共鸣运用方面

在高校当中，很多民族声乐的学习者在演唱带有戏曲风格的作品时，普遍存在着这样的现象:学生的嗓音条件非常好，声音很规范，音色也很漂亮，但是在歌曲的板眼和咬字上面更趋于歌唱化。比方说在演唱诗词《卜算子•咏梅》前面散板的部分，学生们通常就表现得不够好，体现不出戏曲当中板眼的表现。这就好比在戏曲的演唱当中，伴奏的琴师常常会随着戏曲演员的演唱给出看似较为明显的呼吸和准备的气口，从而体现出散板中的板眼和韵律。对于这段散板的演唱，大多数歌者很容易不顾及戏曲板眼的表达，而更像是唱一首散拍子的歌曲。在演唱带有戏曲元素的民族声乐作品时，对于歌者声音的要求不同于完全的歌唱状态所发出的声音，唱这种风格的作品对于演唱者声音的要求和演唱方法也有所不同，即从头腔所发出声音的“高位置”的共鸣点要比丹田气息的“支撑点”表现得更为明确，因为这样会使演唱者在舞台上的声音更加“集中”，这里所说的“集中”的声音是一种听起来较普通的歌唱，更为圆润、饱满和明亮的“集中”的声音，而不是通常说的由于气息的“浅”而造成的“尖”的声音，这是通过借鉴京剧的发声方法所形成的“集中”的声音。因为在戏曲当中讲究只有气沉丹田，才能做到“上虚下实”，使得演唱者的胸腔通畅，达到“前虚后实”，所谓“上身松弛，蓄势待发，脚下生根，稳扎稳移”，也就是说只有上身保持放松的状态，才能够使声音有根，身姿灵活。正如很多国外的歌唱家所认为的:京剧的发声方法会使得歌者的声音在较深气息的支持下获得更高的位置与更加饱满的共鸣与穿透力，同时也可避免歌者的演唱带有过多的口腔的声音。

二、咬字吐字方面

歌唱中的咬字与戏曲的咬字方法是有区别的。这与戏曲的韵腔和肢体运动的韵律是相关的。很多从未接触过戏曲的声乐学生在演唱带有戏曲元素的作品时，肢体的动作常会在情绪激动时呈现出“开放”的状态，而事实上，戏曲中肢体的运动轨迹恰是遵循“以圆为美”的审美要求，这种通过“圆”所呈现出的戏曲的美是通过演唱者“手、眼、身、步”的协调配合与综合呈现所体现出来的。这通常体现为眼随手走，硬中含柔，腰部用力，眼睛要注视着最终所指向的目标，而此时手臂和手指的动作也不能是孤立的，而是将目光与手部协调配合，做到心到—手到—眼到，这样才会使整体的表演看上去相得益彰。这也就是说，声乐学生在学习和接触戏曲时，不能只学习戏曲的唱腔，还应着重学习戏曲的神韵和身韵。因为，对于没有接触过戏曲的声乐演唱者来讲，是无法找到戏曲韵腔当中所含有的那种独有气质的。而当声乐学生在学习过一些戏曲表演的知识后，对于戏曲有一定了解和体悟之后，再去演唱含有戏曲元素的歌曲时，即使有一些不足之处，但是只要声乐老师能够恰当地给予一些画龙点睛的启发和引导，学生是很容易达到好的表演效果的。同时，在演唱时还要借鉴戏曲演唱的归韵方式来咬字，不能完全用歌唱的咬字方式来演唱。在演唱“风雨送春归，飞雪迎春到”这两句时，要把握紧打慢唱的板眼，才能把歌曲中所包含的那种对于未来的展望与希冀，以雄浑大气的气质表达出来;从而呈现出诗中时空季节的交替转换，映射出梅花不畏严寒的崇高革命精神，抒发对于未来的无限希望。所以，依照以上的美学思想，歌者此处的演唱，可将声音的线条尽量拖长，以展现出雄浑大气。在技术方面，要尽量做到将气息吸到“深处”，吸气后将气息控制在腰腹之间，但不可僵硬，演唱时要保持腰部四周的弹性与韧性。同时，在音色上要带有戏曲的润腔，形体上呈现出戏曲的身韵。所以，此处不能像歌唱中的“行板”那样去表达，失去了作品的神韵。也就是说，在演唱带有戏曲元素的作品时，要用戏曲的语言表达方式去演绎作品，才能体现出作品的内涵和风格。在平时的学习和训练中，也要将带有戏曲念白的咬字、吐字和发声方式运用到作品的演唱当中，而不能用自然说话的状态或是美声唱法的带有饱满腔体共鸣的声音去演唱此类作品。

三、审美体验方面

对于歌者来讲，每一次演唱都是一次身心参与的亲历行为过程。在歌者每一次身心亲历的过程中，通过声音、体态、表情和气质等因素所传递出的信息所营造出的音乐氛围，将现场的听众带入审美世界。而每一部音乐作品都有属于自身的民族特性、时代印记和创作者的思想体现，这就要求表演者在作品呈现的过程中必须要遵从作品的民族性、世代性和作曲家的风格，同时也要忠实并准确把握作品的内涵和情感。譬如，当歌者准备演唱那首根据诗词创作的歌曲《卜算子•咏梅》时，首先，要了解作为诗人所具有的是何种气质，同时又要尽可能地去体悟作为伟人所怀有的开阔旷达的胸襟和浪漫主义的革命情怀;另外，要详细了解这首诗词创作的历史及时代背景:20世纪50年代末“”运动受挫以及接下来的三年经济困难，使得中华民族和全国人民面临严峻的考验。在这危难时刻，抒写《卜算子•咏梅》以诗言志，鼓舞广大人民群众要怀有“威武不能屈”且敢于蔑视困难、敢于战胜困难的乐观主义精神。当歌者在演唱这首作品之前，认真地了解并将歌曲中的内容与自身精神体验与感悟相结合，并将其内化为自己的审美对象，从而达到物我同一后，再通过艺术与技术相结合的手段在舞台上呈现，表演的效果就会符合观众对于音乐的审美要求，满足观众的审美需要。当然，从通常情况来看，歌者在舞台上的呈现是综合的，即通常是个人体验要与艺术交流兼顾。

内容摘要：分析了中国声乐艺术的形成及特点，在此基础上，对民族民间型，戏曲曲艺型，民族传统型，现代民族型，混合型和美声型进行比较研究，提出多种类型的融合、交叉是中国声乐艺术未来发展方向的观点。

关键词：民族唱法歌唱风格艺术特征

一、引言

在世界音乐发展中，中国声乐艺术经历了漫长的演唱、教学实践，特别是近百年来的实践，已形成了自己独特、多样的音乐艺术风格类型。根据其艺术特征概括起来主要有：民族民间型、戏曲曲艺型、民族传统型、现代民族型、混合型和美声型等。分析各种类型的形成及特点，探索它们之间的联系，不仅有利于各种唱法的融合、交叉，而且对于促进中国声乐艺术的发展并使其在世界音乐领域占有一席之地都有十分重要的意义。

中国声乐艺术是一个广义的概念，它不仅包括中国歌坛上的美声唱法、民族唱法和通俗唱法，也包括戏剧、曲艺舞台上的戏曲唱法与曲艺唱法。即凡具有中国风格、运用中国语言与音乐语汇表达中国人情感的歌唱方法通称为中国声乐艺术。中国的民族音乐宝库中积累了丰富的财富，包括传统声乐理论、教学方法、演唱技艺和文献资料等等。20世纪特别是改革开放以来，随着欧洲传统唱法(美声)在中国的传播，各音乐艺术院校借鉴外来的优秀教学法，培养了一批批高水平的歌唱人才，建立了新的歌唱体系。

中国声乐艺术发展史上曾出现几次的纷争。20世纪50年代中期就产生了激烈的“土、洋”之争。学西洋唱法的人认为民族唱法“不科学”，“直着嗓子喊”；搞民族声乐的人则认为洋唱法是“打摆子，含橄榄，洋腔洋调听不懂”。直至70年代末、80年代初，由于流行音乐的涌入才告一段落。改革开放之后，频繁的对外文化交流，电视机、录音机等音响设备的普及，尤其是港台流行音乐大量涌入，引起青年人的“共鸣”，流行音乐充斥大街小巷，在坚决取缔“黄色音乐，靡靡之音”无疾而终之后，只得“加以正确引导”而让其存在。其后，音乐界又展开了严肃音乐与流行音乐的争论。歌坛内部分人认为：“流行歌曲是狂喊乱叫，不能登大雅之堂，根本不能叫唱。”而歌星们则认为：“只要有群众喜欢就是好的，你思想跟不上趟。”这种对峙的局面维持了一个时期，流行音乐一度占领了大半音乐阵地。直到90年代，在极力扶持严肃音乐、弘扬民族文化的政府行为下，三者才得以平衡。近年来，音乐界大胆创新，使不同唱法携起手来、相互合作，体现了歌坛的民主气氛和包容性。笔者认为：各种风格互有短长，兼收并蓄，海纳百川，才是中国声乐艺术未来发展之路。