歌唱发声范文10篇

一、歌唱心理状态均衡适度

歌唱状态受心理因素影响。歌唱中心理作用支配着歌唱的整个过程，因而歌唱时要学会把握和掌控良好的歌唱心理，该兴奋积极时要好好调动，不该兴奋积极时要学会在兴奋中沉稳、含蓄。把握良好的心态和歌唱欲望，逐步调整呼吸，运用好发声腔体，让那些能使共鸣腔体有稳定状态的肌肉，那些能使声音通畅美妙而气息流畅的形体动作与声带均衡适度运动，以达到张弛有度、声情并茂的歌唱效果。

1.歌唱前要有心理和思想的准备。歌唱者在歌唱前要做好对作品、作品风格以及情感表现的认知和思想把握，发声前要做好演唱情绪、呼吸调控、音色共鸣的心理暗示和思想准备。一个歌唱者，如果没有做好演唱前的心理调节，势必会造成心中无数、思维混乱或怯场恐慌。而心理的紧张会直接影响歌唱发声糸统运用的失衡，造成演唱状态、气息、音量、音色、语言、情感的不协调或不到位。有的学生平常唱得好好的，可一到考试或到陌生的演出场所，或参加重要演出或初次登台等等，莫名的紧张、心态的失衡让他们失去了应有的风采，因此做好歌唱前的心理和思想准备，是成功演唱的基础。

2.有了心理和思想的准备，还要学会在歌唱中保持适度的情绪。歌唱要求全身心的投入，但又不能情满过度，张扬无绪。因此还要学会“知道怎样唱，往哪里唱”。如演唱歌剧《白毛女》中第一段“恨是高山愁是海，路断星灭我等待，冤魂不散我人不死，雷暴雨翻天我又来……”喜儿所有的悲愤、冤仇似乎要倾泻而出，但演唱者此时必须把握好适度情绪，太悲愤激昂没法进行演唱，没有情绪又不能刻画喜儿这个心怀深仇大恨的人物……如何在情绪激昂的歌唱中把握冷静，如何在宁静安详中爆发激情，如何刻画一个鲜明生动、栩栩如生的人物形象，让观众热泪盈眶、心潮澎湃。这就要求演唱者在情感抒发中，要把握好适度情绪的运用……该表现的情感淋漓尽致，该有的处理准确到位，该运用的声音技巧惟妙惟肖，即“该用的用，不该用的不用”，这是我国著名声乐教育家沈湘先生的经典话语。他告诫声乐学习者，歌唱时要积极而冷静地进行，要兴奋积极也要冷静理智，要细致体会音乐情感和语言风格，要寻找一种均衡和适度。掌握良好的歌唱发声技巧，熟悉演唱作品是建立良好歌唱情绪的关键。对于初学声乐的学生一定要鞭策和鼓励相结合，帮助他们建立自信，帮助他们逐步掌握良好的歌唱发声技巧，帮助他们建立良好的歌唱心理，不要担心太多、顾虑太多，刻苦努力的同时要多听多看多动脑筋，热爱声乐、相信自己，才会拥有声情并茂的歌声。而对于那些已有一定声乐基础的学生来讲，建立良好的歌唱心理素质，克服因考试、登台、音高等原因的恐慌刻不容缓。笔者有这样一个学生，每次在教室里都能很好地完成作品，可是她在上小组课或考试演唱中，表现出的水准就严重失常、失真。如此情形让笔者开始留意她的一切：她的家庭条件很差，让她在同学面前很自卑，以前很少登台的她对舞台有些恐慌，她觉得一上舞台听不见自己的声音，手不知怎么放，气息堵在胸口，歌词好像也记不清楚……了解情况后，笔者便首先在各种场合鼓励她，赞扬她的每一点进步，时时告诉她：不要在意别人的评说，只有坚定信心不断改进和努力，就会更上一层楼，明天才会更美好。没机会登台是许多同学都面临的问题，因此笔者在上课的形式上作了一些改动，将上课的地方时常换到大的教室或音乐厅进行，有意让同学间相互听课，增强舞台体验、增强自信，同学们在学习中逐步就会形成良好的歌唱状态和演唱心理。

二、歌唱身体状态的均衡适度

歌唱是全身心的运动。运动就要讲究和谐、均衡，讲究美感和完整。声乐不同于器乐，声乐是把人体作为乐器来使用。因而对歌唱者要强调身体各器官在歌唱中的协调、适度，要强调自然、舒展、优美的姿态，要强调身体各器官在歌唱中的准确运用。歌唱身体的运动是兴奋紧张与松弛自然的辩证关系，既要积极兴奋又不可紧张僵持；既要放松又不可松垮，“松而不懈、紧而不僵”。身体的放松是歌唱状态的自如和松弛，如打哈欠般叹气打开喉头、自然均匀呼吸、手脚自然松弛，面部表情从容而深情歌唱，并非身体的散漫和萎靡不振；身体的兴奋是歌唱状态的腔体打开，注意力集中，身心积极而有准备地进行。如我们说到吸气这个问题，要求兴奋、放松。即是要求保持打哈欠状，用口鼻轻轻吸，横膈膜打开下坠，腰四周绷紧，协调运动，紧张有度。这样所吸之气才会深而通畅，才会达到歌唱中气息的支持。如果一呼吸就抬高胸、提起双肩，手脚以致全身都僵硬着用力吸，胸不仅憋住，所吸之气也无法在歌唱中自如运用……或是相反的浅浅呼吸，没有腰的支持，没有横膈膜打开下坠，没有腔体的打开等等。如此的呼吸也不是歌唱状态所需要的。歌唱状态若没有身体状态的协调和合理的运动就不会有科学的发声，更不会有美妙悦耳的声音。歌唱是一种运动，运动需要力量的支撑，这就要求歌唱者要知晓歌唱用力的方法，如何做到力为歌用、量用自如、均衡适度、放松歌唱呢？既不可为了放松而虚着唱，或没有气息支持地叫喊，或全身散漫没有一丝美感地傻唱，也不可为了兴奋而喉头着力太多，口腔着力太主动或全身僵硬着进行歌唱……歌唱的用力要恰当、适度，要寻找自己唱起来自在、舒服的感觉，要寻求美妙动听的声音；还要克服主观的意识，不可盲从，不可自以为是，要清醒知晓什么样的声音是该寻求的，什么样的状态是歌唱中需要的，什么样的运动是歌唱状态中必需的，只有既省劲又自如的歌唱才是科学的。

一、综述国内外对本课题的研究动态，说明选题的依据和意义：

歌唱作为一门艺术，它必须经过一定时间的专门训练，以形成一种自觉掌握歌唱规律的能力，并满足专业歌唱在表达思想感情和自如地运用声音技巧的各种需要。

在西欧歌唱艺术长期的历史进程中，很多优秀的声乐大师就对歌唱发声训练提出过权威的见解。如美国维克托.亚历山大.菲尔菲所著的《训练歌声》中就提到了嗓音练习的重要性，并列举了各种嗓音教学法；弗.兰皮尔蒂在《嗓音遗训》中提出了元音发音初论，并以八大法则的形式重述练习歌唱过程中应严格遵循的要点；意大利花腔女高音歌唱家迦丽.库琪在嗓音训练方面的经验之一就是把大部分时间专注于简单的，慢的发声练习中。在国内，李晋媛在《沈湘声乐教学艺术》中就提到了声乐练习曲应有目的，有针对性地对声乐教学目的起到良好的效果;周维民由中央音乐学院的教师喻宜萱、沈湘、郭淑珍及保加利亚著名声乐专家的指导下，依照歌唱医学基本原理，总结了十八字的“发声三字经”，即气息深、音位高、共鸣混、腔体开、喉结稳、下颚松；联想到我国戏曲界对于如何发声的问题也有类似的口诀：“头顶虚空，两肩放松，气走丹田，全凭腰转，唱要栓腰”等等。

根据国内外对歌唱发声的研究动态来看，说明了发声练习是培养歌唱者掌握科学的歌唱方法的重要基础训练之一。它是歌唱者的发声得到进一步的发展与提高，并器官在合乎自然生理规律的状态下，通过科学正确的指导，纠正错误的发声方法和不良习惯，确立正确的发声方法，为歌唱打下良好的基础。

歌唱发声练习的意义，简要地说，就是调整巩固科学的发声状态，把良好的歌唱状态保持到歌唱中去，使学唱歌的人把普通的声带磨练成能发出优美动听、有持久力的、合乎科学方法的及有艺术感染力的声音来，是非常具有现实意义的。

二、研究的基本内容，拟解决的主要问题：

摘要：文章结合民族民间“原生态”唱法及多年声乐教学实践，阐述了民族民间歌唱人才能力的自我培养，着重探讨如何在科学训练中科学发声，培养演唱能力。

关键词：原生态歌唱能力

“能力”，就广义上来讲，是指人做事的本领，在这里特指歌唱能力，就是指我们演唱歌曲的本领。我们知道，任何能力的培养，都不可能是一蹴而就的。对歌唱能力的培养来说，就过程来看，它是一个长期的养成教育的培养过程；就培养的内容而言，它涉及的面非常广，内容也十分丰富；就培养的方法来看，在目前的声乐学科中，可以说是千姿百态；从实际情况来看，不论国家艺术教育的宏观指导，学校教育的理念、培养模式等方面，单从声乐教学“师傅带徒弟”的教学形式上看，经验教学成分比重较大，这就在一定程度上影响了教学的规范性、严谨性、系统性和科学性，导致存在一定的盲目性。一些声乐教师，特别是一些年轻的声乐教育工作者，在声乐训练的初级阶段，常常存在“见子打子”、就事论事的现象。对声乐人才的培养，往往局限于解决训练中出现问题的表面现象上，不能很好地处理当前与未来、当时课堂效果与今后发展前景及内在的必然趋势，时常出现走极端的情况：夸大自己作为一个声乐指导者的作用，或是过分注重每次训练时学习者完成练习的质量和效果的表象。多数时候，这种情况就导致了不能很好地利用声乐教学“循序渐进”的客观规律，统揽声乐人才培养的全过程；不能很好地运用科学、发展和综合的人才培养观，正确处理好现在与将来、声乐初期训练时期、当时课堂效果与未来发展的必然联系，一定程度上违背了声乐教学及人才培养的客观规律，片面追求当时的质量，过分强调每次训练的效果。常常因要求过高，使学习者不能很好地在现有声乐认知和能力的基础上，松弛、自然地完成好每一次声乐训练，从而在一定程度上制约了歌唱能力的培养。

我们认为，在声乐的学习中，无论是进行有效的发声技术训练，还是声乐作品的练唱，都是提高歌唱能力的有效途径，在整个声乐训练的初级阶段中，二者均是培养歌唱意识、歌唱状态，建立歌唱通道、训练人体机能、提高歌唱能力的重要途径。我们应该知道，声乐教学的这种基本模式，是千百年来在总结世界各民族中早已存在的、被现代人称之为“原生态”唱法各流派精髓的基础上发展而来的。因此，声乐学习中要研究这一课题，势必就需要我们再对今天仍然存在于现实生活中的，那些民族民间的“原生态”唱法的各流派进行分析和研究，从中吸取营养。

一、“原生态”唱法与歌唱能力

在声乐人才的培养过程中，如何培养和提高歌者的歌唱能力，就自然成了声乐教学和学习的重要内容。这里，文化知识的学习暂且不论，在专业的学习方面，除了一切与声乐演唱相关知识的学习以外，采用科学的训练方法，对人体机能进行有效的训练，实际上就成了培养和提高歌者歌唱能力的前提和基础性工作。我们认为，无论专业歌手，还是业余歌手，甚至包括民间歌者。只要他们的演唱做到气息畅通、声音流畅，并能坚持长期的练唱，他们的歌唱能力总是会逐渐提高的。不过对于业余歌手，特别是民间歌者来说，这些歌手们的演唱是在长期的生产生活实践中，由于人爱美、追求美的本能而产生的，他们往往是自娱自乐，一般不受外界的影响。因此在他们的歌声中，总是洋溢出表现美、赞美生活、歌唱人间真善美的愉悦心情。很多时候，民间歌者的演唱往往是借助山歌、小调抒发对异性的爱慕，传达爱的真谛，歌唱美好的幸福生活。他们的演唱常常是为了给人们的婚丧嫁娶烘托气氛，营造喜庆氛围或是寄托哀思。总之，他们这些自娱自乐的歌唱，从专业发声技术训练的要求上来看，由于他们基本上是按照自己的意愿，歌唱往往是自觉的行动，所以他们的演唱不像专业训练时那种纯粹为了提高歌唱能力时的练唱一样，有极强的严谨性、规范性、科学性和目的性。专业训练概念中提倡的发声训练、人才培养等观念，往往在他们的演唱中悄无声息地进行着。经过调查分析得知，他们的那些演唱，虽然不如专业训练那样总是需要对歌者进行一整套的、规范的、科学的训练，需要提高歌唱能力的发声练习和作品练唱，并伴随着很多的要求和严格的程序。也正是因为在各个方面都没有专业训练中那样多的要求和目的，所以在他们的演唱行为中，基本上都是他们自觉的行动。而实际上，他们的那些歌唱行为基本上是符合声乐发声技术训练，和声乐人才培养“循序渐进”客观规律的。因此，许多民间歌手都是随着演唱实践活动的不断深入，歌唱机能得到训练，歌唱能力逐渐得到提高。当然，许多民间歌手的成长，并不是完全没有受过前辈们“口传身教”“师傅带徒弟”式的知识和技能的传授。但在他们的成长中，自然的成分和自发的行为总是居于主导的地位。实际上，在声乐人才培养工作中，这样的发声技术训练等方面是值得我们探究和借鉴的。

内容摘要：歌唱有生理学的、物理学的，也有心理学的。感觉是歌唱与发声过程的初级阶段。我们在发声训练时，往往谈“感觉”“找感觉”“感觉好坏”等，感觉对声乐教学是至关重要的。在声乐学习中，“注意”对于学习有十分重要的意义。声乐表演心理素质除具有先天素质外，更主要是集中在后天培养的素质方面。

关键词：歌唱心理学感觉注意

声乐心理问题，在意大利、英国等欧洲国家早已有专家论述。但诸多声乐教育家并不满足生理教学法，分别开始利用物理学中的声学、力学和心理学，进行声乐教学。

当西洋美声唱法传入中国后，绝大部分歌唱家、声乐教育家都以生理教学为主要手段。在浩如烟海的声乐专著中，很少提到心理素质对歌唱技能技巧和情感的支配作用。直到近些年来，才有声乐心理的专著和论文。

在下文中，我们具体地探讨一下歌唱发声心理活动的方法，因为它对于声乐学习的成功与否，起着至关重要的作用。

一、“感觉”是歌唱发声过程的初级阶段

摘要：用“胸有成竹”这一成语，比喻声乐教学对歌唱发声概念的建立，最贴切不过。歌手在歌唱发声前，总想以自己认为“最美的声音”来表现，这先入之见，就是所谓的发声概念。在实际操作中，歌唱发声的胸中之“竹”，比起画家眼中之竹，认知与审美难度要大得多得多，其中原因，下文将详细阐述。

关键词：歌唱发声概念;变迁;声乐教学

纵观我国的声乐教学，从上世纪二十年代至今，其中的变化，可以用翻天覆地来形容。那么，从原来的默默无闻到今天的举世瞩目，我国的声乐教学进程主要受到哪些因素的影响？笔者认为，歌唱发声概念的“变迁”，是最主要的原因之一。发声概念的建立，是获得美好歌声的顶层设计。歌唱发声概念，包括了感性（声音形象的审美）与理性（歌唱发声机能原理的认知）两个方面。在我国的声乐教学进程中，每一个阶段歌唱发声概念的确立，都有其审美特征和技术变化的内在逻辑。本来，歌唱发声概念的“变迁”是渐变而非突变，但为方便表述，笔者把我国（大陆）的声乐教学历程大致划分为四个阶段。

上世纪二十至四十年代，是我国声乐教学的初始阶段。这个时期，官方创办了部分音乐专科学校，在学校进行声乐教学的多为外籍教师。其中，对我国日后的声乐教学影响最大的是俄籍声乐专家苏世林教授。斯义桂、沈湘、高芝兰、温可铮等声乐界大师级的人物均出自他门下。许多现在仍沿用的声乐教学术语，如面罩、共鸣、关闭等，大多从他传入我国声乐界。由于任教的多为外籍教师，这个时期学生们所演唱的作品多为欧洲的艺术歌曲或歌剧咏叹调。当时的学生学习成绩非常优异，但由于办学初期，学术沉淀较薄弱，与当时的国际高水准相比差距较大。笔者认为，还有一个重要的原因，就是与歌唱发声概念比较粗浅有关。在感性认识上，学生只能依赖教师示范，还有听唱片。教师未必都与学生同一声部，难以模仿。就算同一声部，其示范与职业歌唱家音乐会上的演唱还是有距离的。

听唱片亦如此，总有一定程度上的失真。因而，不是身处声乐氛围浓厚的土壤，对当时的学生是一种缺憾。再者，当时缺乏系统理论的指导，仅靠教师通过一些术语对发声原理进行诠释，对歌唱发声整个系统的技术支撑是远远不够的。

第二阶段为上世纪五十年代至七十年代。这一阶段为我国声乐界的教学逐渐走向成熟的阶段。“土洋之争”是之一阶段声乐教学特有的现象。因为学术上的百家齐放、百家争鸣，使得外来文化与本土文化，外来文化的各个流派之间，在歌唱发声概念的审美方面发生了激烈的碰撞。经过碰撞与反思，两种“唱法”均有受益，民唱法，特别是女高音，吸取了洋唱法的“混声”技巧，开始大幅度地扩展音域。洋唱法，开始注重吐字咬字，让外来的发声法结合国语放出异彩！另外，当时师从国外名师的我国声乐界的权威人物，其师承的学派有德国学派、法国学派、俄罗斯学派，也有意大利学派。最终，大家认同了意大利学派的美声唱法在歌唱发声方面的成就最高，也最符合中国人的审美观念。这就是为什么中央电视台在举办全国青年歌手电视大奖赛时，把洋唱法直接归入“美声唱法”的原因。然而，由于当时对外交流很少和种种原因，美声唱法歌唱发声的核心技术与声乐科学界对发声研究的最新成果并未能在全国广为传播。音乐学院教授学生的发声技术，大多沿用十九世纪充满各种主观感觉的概念。

摘要：本文针对目前大多数歌唱学习者在歌唱发声时盲目、顾此失彼的现状，提出了歌唱发声首先要解决两大问题——呼吸和发声，并分别对这两方面问题进行了论述。

关键词：歌唱发声呼吸

在众多的歌唱学习者当中，大多数人由于这样或那样的原因，并没有经过科学而系统的发声训练，因而使之在歌唱发声的练唱中，在深呼吸、发声自然、打开腔体、共鸣、位置、咬字吐字等诸多环节上往往出现顾此失彼、无所适从的情况。与其长期处于概念不清、胡子眉毛一把抓的状态，还不如理清思路，先学习并解决最基础的问题，也就是歌唱基本要素当中的呼吸和发声。只有先把这两个问题基本解决并协调好了，后面的学习工作才能得以顺利进行。

一、呼吸

但凡学习歌唱，首先要接触歌唱呼吸的概念。应选择一种合理的呼吸方法。胸腹式联合呼吸法就是当前被学术界普遍认可的符合生理科学的呼吸方法，为我国民族声乐教学和近代欧洲声乐教学所普遍采用。这种呼吸法是运用胸肋肌肉、腹部肌肉（特别是腹直肌）、横隔膜共同来控制气息的，其突出的优点是全面地调动了人体呼吸器官的综合能动作用。通过训练，能自如地控制歌声的强、弱、高、低。具体可以用快吸慢呼、慢吸慢呼、快吸快呼、慢吸快呼的方法来练习。其次，歌唱发声的吸气最好采用鼻子和嘴同时吸，在吸气的一霎那整个身体有松一下的感觉，意在放松打开吸气的道路，这样就会吸得深。至于到底要吸多深、正确吸入的部位在哪儿，有两种方法可以试试：一是身体放松并且很舒服地坐在椅子角上、两脚着地、两腿自然分开、两胳膊肘放在膝盖上。这时候吸气，腰围、后腰、后背等部位会有向“外”扩张和膨胀的感觉，同时吸的力量也在于此，这就是深呼吸的深度和部位；二是平躺在床上。这时自然放松地吸气，同样会觉得腰围、上腹部有膨胀感，而且比站着吸气的起伏要大得多。此外，吸气讲究“深”而“适度”，不在于“多”。歌唱发声时“吸着唱”、“多带点吸气的感觉唱”，或者想“不断地加气”、“加强打哈欠”的感觉，即想着用吸气的感觉来唱，用上呼与吸的对抗，就不会让刚吸进来的气马上跑掉，有利于呼吸的支持。解决了气息浅和不善于控制气息的问题，那么正确使用歌唱气息的问题就迎刃而解了。

二、发声

【摘要】分析成人声乐教学当中歌唱感觉的重要性，培养歌唱过程当中的音乐感觉，注重运用歌唱发声的感觉训练，研究歌唱感觉训练当中应该注意的问题。通过训练帮助学生建立正确的歌唱感觉，使学生能够掌握到更加科学的发声状态。

【关键词】成人声乐教学;歌唱感觉;音乐感觉;感觉训练

一、歌唱感觉的重要性

在歌唱训练过程当中，最重要的就是具有感觉，在歌唱的技术环节当中，抽像技能是非常需要用感觉来进行控制。世界著名的歌唱家库奇曾说“歌唱成功完全是以感觉为基础的，要靠自己的感觉去摸索。”开展完整的一个歌唱活动，需要将外部感觉和内部感觉进行综合作用，歌唱器官活动和歌唱生理状态都可以通过内部感觉来进行信息的整理，信息通过综合整理可以一起传递的大脑前回区域，通过对信息进行分类汇总。信息汇总之后可以转变成指挥发声器官各部位运动状态，明确整体各个器官的运动状态之后，可以对整体的内部状态进行精准的掌握。外部感觉可以将歌唱者自身的信息向大脑输出，获取指导老师的相关信息和观众的反馈，通过内部所获取的感觉，可以将信息进行汇总，在大脑当中进行综合的处理。声乐教授王福增曾指出：歌唱家的喉头、声带、软腭、舌根、肺等器官，不像手指屈伸那样可以任意控制。歌唱发声是相当复杂的生理活动，大多数与发声生理机能联系的各组神经、肌肉，基本上是半自动的不能随意指挥的。

二、歌唱发声方法的感觉训练

1.“哼鸣”唱法的感觉。歌唱中的“哼鸣”练习中同生活中的“哼鸣”很相似，发出的声音类似于小声哭泣，在头腔中有空振之感，“哼鸣”在整体练习的过程当中，需要协调好气息和整体平衡关系所处的位置，训练的目的是为了可以将喉咙进行适当的放松，确保喉咙达到一个稳定的状态，有利于在唱歌的过程当中对音区进行统一，以便于可以获得音色垂直高位置的音效。在整体训练过程当中，首先要教会学生如何把握最佳的哼的状态，在练习过程当中将这种训练转化为最终的声音，在演唱的过程当中，需要将表达的歌词用“哼鸣”来进行练习，整体的要求要保证动作的幅度比较小，确保声带处于放松的一个状态。最后再用“哼鸣”位置和感觉去歌唱，这样就会获得较好的声音效果。2.“打哈欠”状态的感觉。世界著名的意大利歌唱家吉诺•贝基特别强调用“打哈欠”的方法打开喉咙。他曾经说“我只能用打哈欠的方法教你打开喉咙，你按打哈欠的喉结位置去发音，这是非常简单的途径。”将这种喉咙状态整体运用在歌唱当中，在整体训练当中，既打开了口咽腔又打开了喉咽腔。为了更好营造这种训练状态，需要学生在学习的过程当中，始终保持像打哈欠的状态，但我们必须注意“要防止打哈欠打过头，那样会使声音太靠后。”

[摘要]本文针对目前大多数歌唱学习者在歌唱发声时盲目、顾此失彼的现状，提出了歌唱发声首先要解决两大问题——呼吸和发声，并分别对这两方面问题进行了论述。

[关键词]歌唱发声呼吸

在众多的歌唱学习者当中，大多数人由于这样或那样的原因，并没有经过科学而系统的发声训练，因而使之在歌唱发声的练唱中，在深呼吸、发声自然、打开腔体、共鸣、位置、咬字吐字等诸多环节上往往出现顾此失彼、无所适从的情况。与其长期处于概念不清、胡子眉毛一把抓的状态，还不如理清思路，先学习并解决最基础的问题，也就是歌唱基本要素当中的呼吸和发声。只有先把这两个问题基本解决并协调好了，后面的学习工作才能得以顺利进行。

（一）呼吸

但凡学习歌唱，首先要接触歌唱呼吸的概念。应选择一种合理的呼吸方法。胸腹式联合呼吸法就是当前被学术界普遍认可的符合生理科学的呼吸方法，为我国民族声乐教学和近代欧洲声乐教学所普遍采用。这种呼吸法是运用胸肋肌肉、腹部肌肉（特别是腹直肌）、横隔膜共同来控制气息的，其突出的优点是全面地调动了人体呼吸器官的综合能动作用。通过训练，能自如地控制歌声的强、弱、高、低。具体可以用快吸慢呼、慢吸慢呼、快吸快呼、慢吸快呼的方法来练习。其次，歌唱发声的吸气最好采用鼻子和嘴同时吸，在吸气的一霎那整个身体有松一下的感觉，意在放松打开吸气的道路，这样就会吸得深。至于到底要吸多深、正确吸入的部位在哪儿，有两种方法可以试试：一是身体放松并且很舒服地坐在椅子角上、两脚着地、两腿自然分开、两胳膊肘放在膝盖上。这时候吸气，腰围、后腰、后背等部位会有向“外”扩张和膨胀的感觉，同时吸的力量也在于此，这就是深呼吸的深度和部位；二是平躺在床上。这时自然放松地吸气，同样会觉得腰围、上腹部有膨胀感，而且比站着吸气的起伏要大得多。此外，吸气讲究“深”而“适度”，不在于“多”。歌唱发声时“吸着唱”、“多带点吸气的感觉唱”，或者想“不断地加气”、“加强打哈欠”的感觉，即想着用吸气的感觉来唱，用上呼与吸的对抗，就不会让刚吸进来的气马上跑掉，有利于呼吸的支持。解决了气息浅和不善于控制气息的问题，那么正确使用歌唱气息的问题就迎刃而解了。

（二）发声

关键词：呼吸状态发声状态情绪状态

摘要：人们在歌唱时的状态很多，有呼吸状态、发声状态、情绪状态等等。这些状态对歌唱都有着重要的作用，它们既是相对独立的，又是彼此相互联系的。可以说声乐是以人体为乐器的，人体就好比是一部大机器，机器是由若干个主体、副件及螺丝打所组成的一个整体。其中每个主副件及螺丝打都起看它应有的作用。人体在歌唱时也一样，人体的各个器官在歌唱时的各种状态，都与歌唱有着直接关系，直接影响歌唱时声音的准确性和科学性，所以分析、理解、领会歌唱时的三种状态对歌唱是最为重要的。

人们在歌唱时的状态很多，有呼吸状态、发声状态、情绪状态等等。这些状态对歌唱都有着重要的作用，它们既是相对独立的，又是彼此相互联系的。可以说声乐是以人体为乐器的，人体就好比是一部大机器，机器是由若干个主体、副件及螺丝钉所组成的一个整体。其中每个主副件及螺丝钉都起着它应有的作用。人体在歌唱时也一样，人体的各个器官在歌唱时的各种状态，都与歌唱有着直接关系，直接影响歌唱时声音的准确性和科学性，所以分析、理解、领会歌唱时的三种状态对歌唱是最为重要的。

1歌唱时的呼吸状态

众所周知。呼吸是歌唱的动力，歌唱是发声的源泉。它是保持声音强弱、快慢、长短及各种表情技术的基础。所以开始学习声乐的初学者就必须掌握正确的呼吸。歌唱时的呼吸与生活中的呼吸或者说话时的呼吸，有时相同，有时截然不同。平常呼吸纯为天然的动作，歌唱时，尤其演唱高音或者较难的段落时，呼吸则是高度技术性的，是后天训练的结果，也就是说歌唱时用的呼吸常是一种有意识的强力呼吸。在声乐学习实践中，教师常做出各种呼吸训练的比喻，如象闻花那样、象喘气那样、象叹气伸懒腰那样等等。吐气象吹一支点燃的蜡烛火苗、呈一个角度不变等等。其目的都是为了使声乐学习者掌握和揣摩到正确的吸气和吐气方法。然而这样一来。是不是就能使学生掌握到正确呼吸来歌唱呢，回答是否定的。在实际的学习实践中，以上方法我们都尝试过，固然有一定的作用，但效果并不理想。部分学生总是缺乏良好的呼吸支持，无论是发声还是歌唱，唱1--2小节旋律就气息不够了，有的泄气放气，有时出现了漏气、气浅，有的凹胸憋气。这时无论教师怎么去提示学生要深呼吸，两肋扩张，舒展胸部等，还是无济于事，学生还是找不到要领。通过几年的声乐学习实践，我认识到产生和形成以上不良吸气的原因，是学生没有很好的控制好呼吸时的状态所形成的。不管你怎么吸气，吸多少气，不控制好呼吸时的状态，把气储存好，一张嘴就把气放掉了，就不可能产生良好的正确的呼吸。那么要怎么样才能较好的掌握控制呼吸时的状态来歌唱呢?应该是当学生吸好气以后，提示学生要把整个吸气过程中的各个部位为展开状态即呼吸时的状态。立即控制好，控制时需提示学生调动起呼吸系统周围的肌肉群的力量，特别是腰部，以及腹部的肌肉力量来控制。准确的说，呼吸状态就是用两肋控制，并保持吸气时全身扩张状态。在发声时感觉气息是往嘴里吸进一样，含着气息唱，这时喉咙是打开的，声音是贯通的，气息不会一下子泄掉，也不至于产生凹胸，挤喉咙的现象。在声乐学习中，通过以上理论与实践的检验，加强了对学生呼吸状态的强调与训练，从而使学生从理性转到感性的认识上，最后才能使学生一个个逐步改正不良的呼吸习惯，形成正确的呼吸状态。

在声乐学习中，让学生掌握呼吸的方法很多。但如忽视了掌握控制呼吸状态这一重要知识的学习，最终会事与愿违，无法使你筑起科学的发声大厦。教师只有不失时机重视到学生的呼吸状态的学习与掌握，才能使学生超过声乐学习中这一障碍，使学习的道路通畅顺利。

内容摘要：在声乐表演中音乐内心听觉具有重要意义。文章从心理学的角度，论述了音乐内心听觉对于声乐表演的具体作用，说明了在声乐表演各个方面运用音乐内心听觉指导歌唱的方法。

关键词：音乐内心听觉声乐表演音乐意象

一、音乐内心听觉

“音乐内心听觉”一词已为音乐界所熟知。“作为音乐听觉特有的表现形式，音乐内心听觉是一种不依赖音响，仅凭记忆表象和思维而准确地构成内心音乐意象的能力。”①它是人在音乐活动中音乐音响刺激积淀在内心之后所进行的声音造型能力。音乐内心听觉使音乐意象从记忆或想象中迸发出来，供内心听赏。

如同画家作画前先在头脑中形成作品的构思和布局、戏剧表演者表演角色前在头脑中形成角色形象一样，音乐家们在创作和表演前都要通过音乐内心听觉进行充分的准备。指挥家面对总谱用内心听觉去听和理解音乐，在头脑中再现出完整的音乐音响，不用乐器演奏似乎也“听”到了完整音乐，从而充分地掌握音乐作品，乐队在这样的指挥家的指挥下常常生气勃勃；歌唱家在演唱出台前常静坐，作内心歌唱，在内心听觉的提示下引发声音的想象，以期进入角色，全身心地投入到所要演唱乐曲的规定情景中；弦乐演奏家在演奏过程中，会通过内心音准衡量演奏乐器发出的音响高低，听到某音略有不准就通过迅速微调手指位置来调节音高；作曲家能够将头脑中的音乐以乐谱的形式记载下来，贝多芬在耳聋之后尽管无法聆听音乐音响，仍创作出许多伟大的音乐作品，他就是凭借音乐内心听觉，以他耳聋前在头脑中储存的鲜明稳定的音乐听觉表象为基础，在内心中听到自己谱写作品的丰富音响，以完成音乐创作。要正确地领会理解音乐、从事音乐艺术实践，就必须具有敏锐、精确而系统的音乐内心听觉。

对声音造型的感受和记忆能力是一般音乐专业人员所必需具备的，而对于从事作曲、演唱等声乐活动的人，还必须注意音乐内心听觉的运用。