创作灵感范文10篇

摘要：本文首先论述了绘画创作灵感的源泉，认为灵感来源于生活；来源于文化底蕴；来源于勤奋；来源于独立思考；来源于个性。其次描绘了本人对灵感的一些看法和自身体会。最后论述了绘画的艺术展现以及灵感与艺术展现技法的关联。笔者认为绘画表现技法基本功的深化和积累可以帮助画家发现思想潜意识中的可燃点，从而增加了突发的灵感所诱燃的机率，增加了灵感出现的机会。

关键词：灵感来源创作思维积累展现

1灵感源于生活

画家必须深入生活，随时留心观察自然景色、周围环境、各阶层人物、各民族风情、各种建筑、社会现象、特别是人情世故、风俗习惯、历史渊源等。将这些观察、感受、分析、研究的信息储存在脑海中，形成许多艺术显现，成为日后创作的积淀。伴随着创作思路，逐渐从已有的积累中迅速地搜索出有关信息，并将其范围逐渐缩小，向创作思维靠拢、逼近、诱出若干思想火花，当突然爆发出一个偶然的奇想时，点燃了整个思路而突然贯通，形成灵感。这就是灵感产生的过程，生活中看到的景物，有的当时没有引起我的注意，有的是一时没悟出合适的表现形式。在冥思苦想进行创作的构思时，这些潜藏在脑海深处的东西，在翻阅速写的偶然启示下，会突然爆发出来。如果创作时没有真实甘受，就应该放下画笔去感受生活，等充实后再回到画架前。生活是艺术的源泉，也是灵感的源泉，一切灵感都是生活经验的产物。所以说生活的积累是产生灵感的基础源泉。

2灵感源于文化底蕴

艺术各门类是相通的、交叉的、互动的，文学、诗歌、绘画、音乐、雕塑、舞蹈、建筑都有相互融通和渗透的界面。文学的美和境界有助于提高绘画的品味。诗歌与绘画更是关系密切。唐代大诗人、画家王维的作品既是诗中有画，画中有诗。音乐中的标题音乐如贝多芬的田园交响乐既是音画，以音乐语言表现田园风光。雕塑的表现手法也与绘画有许多相通之处。舞蹈也是一种造型艺术，生动绚丽的舞姿是绘画的丰富素材。叶浅予的画表现舞姿最为传神。建筑艺术中的对称、高耸、曲线、直线的协调、凝重、流畅等要素对绘画都有借鉴价值。作为一个画家，要对文学、诗歌、音乐、舞蹈、建筑等学科都要涉猎，加深研究以拓宽自身的文化底蕴。

摘要：本文首先论述了绘画创作灵感的源泉，认为灵感来源于生活；来源于文化底蕴；来源于勤奋；来源于独立思考；来源于个性。其次描绘了本人对灵感的一些看法和自身体会。最后论述了绘画的艺术展现以及灵感与艺术展现技法的关联。笔者认为绘画表现技法基本功的深化和积累可以帮助画家发现思想潜意识中的可燃点，从而增加了突发的灵感所诱燃的机率，增加了灵感出现的机会。

关键词：灵感来源创作思维积累展现

1灵感源于生活

画家必须深入生活，随时留心观察自然景色、周围环境、各阶层人物、各民族风情、各种建筑、社会现象、特别是人情世故、风俗习惯、历史渊源等。将这些观察、感受、分析、研究的信息储存在脑海中，形成许多艺术显现，成为日后创作的积淀。伴随着创作思路，逐渐从已有的积累中迅速地搜索出有关信息，并将其范围逐渐缩小，向创作思维靠拢、逼近、诱出若干思想火花，当突然爆发出一个偶然的奇想时，点燃了整个思路而突然贯通，形成灵感。这就是灵感产生的过程，生活中看到的景物，有的当时没有引起我的注意，有的是一时没悟出合适的表现形式。在冥思苦想进行创作的构思时，这些潜藏在脑海深处的东西，在翻阅速写的偶然启示下，会突然爆发出来。如果创作时没有真实甘受，就应该放下画笔去感受生活，等充实后再回到画架前。生活是艺术的源泉，也是灵感的源泉，一切灵感都是生活经验的产物。所以说生活的积累是产生灵感的基础源泉。

2灵感源于文化底蕴

艺术各门类是相通的、交叉的、互动的，文学、诗歌、绘画、音乐、雕塑、舞蹈、建筑都有相互融通和渗透的界面。文学的美和境界有助于提高绘画的品味。诗歌与绘画更是关系密切。唐代大诗人、画家王维的作品既是诗中有画，画中有诗。音乐中的标题音乐如贝多芬的田园交响乐既是音画，以音乐语言表现田园风光。雕塑的表现手法也与绘画有许多相通之处。舞蹈也是一种造型艺术，生动绚丽的舞姿是绘画的丰富素材。叶浅予的画表现舞姿最为传神。建筑艺术中的对称、高耸、曲线、直线的协调、凝重、流畅等要素对绘画都有借鉴价值。作为一个画家，要对文学、诗歌、音乐、舞蹈、建筑等学科都要涉猎，加深研究以拓宽自身的文化底蕴。

论文摘要：灵感是人类思维活动中的一种常见的思维现象，它客观而又普遍地存在于人们的生活和思维之中，有着悠久的历史与神秘的气息。本文在简要地介绍了中西方关于灵感的一些认识和特征概述后，分别从生活积累和外物触发的角度探讨了灵感的产生与获得。

论文关键词：灵感；生活的积累；外物的触发

灵感是人类思维活动中的一种常见的思维现象，它客观而又普遍地存在于人们的生活和思维之中，有着悠久的历史与神秘的气息。在西方，早在古希腊时代就有人提出了灵感概念，并试图对其本质和规律予以说明，认为：灵感由“神”和“气息”两个词复合而成的，意即神的灵气。“灵感”一词在英语里写作inspiration，意思是灵气(spirat)的吸人，它的原始意义也是一种降神术。翻阅我国古代众多的关于本体感受的古代文论，可以找到“灵感”这个词，却没有“inspiration”所包含的特定含义。这说明中西关于灵感的理论，虽然有不同的发展轨迹，都有自己独特的概念形态，但大致是相通的。本文试图通过对中西文论中关于“灵感”的言论的比较和分析，浅探“灵感”的产生与获得。

一、西方古典文论视野中的“灵感说”

在古希腊时期，许多人认为一个人如果能创作出优秀的文艺作品，那他准是接受了“神”的启示。“灵感’，在文艺上的原始意义，指创作时一种神性的着魔，即获得神的启示，写出优秀诗篇”。…(纵观整个西方古典文论视野中的“灵感说”，我们可以将之分为两个阶段，即：在西方文艺复兴以前，主要表现出“神启论”的特征，以柏拉图的“迷狂说”为代表，强调“神灵附体”，神秘不可知；近代“灵感说”则主要表现出“天才论”的倾向，理论建构上以康德、歌德、黑格尔为主，强调人的本质力量，注重后天实践的勤奋、经验的积累。作为人类思想的结晶，他们对西方现代一些非理性主义的文艺思想，如尼采的“酒神精神”、叔本华的“天才”说等学说的提出有巨大启示．但两者都未能对“灵感”的产生作出令人信服的解释，存在着诸多不足。前者以柏拉图为例，他的“灵感说”包括三个方面，即：灵感的源泉主要是“神灵凭附”；“灵感”的表现是“迷狂”；“灵感”的获得过程是在“灵魂回忆”真善美的理式世界。这一“灵感说”的“神”不可见不可知，所赐予的对象具有极大的不确定性，其可遇不可求，不仅充满了唯心主义的神秘色彩，而且无益于创作，否定了人的自由自觉的努力。

黑格尔作为现代“灵感理论”的代表，力图从“外在的机缘”与创造者内在的“自觉要求”相结合的高度去揭示灵感的本质及其产生的内在的机制。这是黑格尔较以往的学者高明的地方。但是，黑格尔关于灵感问题的考察，最终还是未能摆脱他的荒谬的“绝对观念”体系的纠缠，因而他在灵感问题上所取得的成就最后还是淹没在他的“绝对观念”的无用的体系之中。

【摘要】本文首先论述了绘画创作灵感的源泉，认为灵感来源于生活；来源于文化底蕴；来源于勤奋；来源于独立思考；来源于个性。其次描绘了本人对灵感的一些看法和自身体会。最后论述了绘画的艺术展现以及灵感与艺术展现技法的关联。笔者认为绘画表现技法基本功的深化和积累可以帮助画家发现思想潜意识中的可燃点，从而增加了突发的灵感所诱燃的机率，增加了灵感出现的机会。

【关键词】灵感来源创作思维积累展现

1灵感源于生活

画家必须深入生活，随时留心观察自然景色、周围环境、各阶层人物、各民族风情、各种建筑、社会现象、特别是人情世故、风俗习惯、历史渊源等。将这些观察、感受、分析、研究的信息储存在脑海中，形成许多艺术显现，成为日后创作的积淀。伴随着创作思路，逐渐从已有的积累中迅速地搜索出有关信息，并将其范围逐渐缩小，向创作思维靠拢、逼近、诱出若干思想火花，当突然爆发出一个偶然的奇想时，点燃了整个思路而突然贯通，形成灵感。这就是灵感产生的过程，生活中看到的景物，有的当时没有引起我的注意，有的是一时没悟出合适的表现形式。在冥思苦想进行创作的构思时，这些潜藏在脑海深处的东西，在翻阅速写的偶然启示下，会突然爆发出来。如果创作时没有真实甘受，就应该放下画笔去感受生活，等充实后再回到画架前。生活是艺术的源泉，也是灵感的源泉，一切灵感都是生活经验的产物。所以说生活的积累是产生灵感的基础源泉。

2灵感源于文化底蕴

艺术各门类是相通的、交叉的、互动的，文学、诗歌、绘画、音乐、雕塑、舞蹈、建筑都有相互融通和渗透的界面。文学的美和境界有助于提高绘画的品味。诗歌与绘画更是关系密切。唐代大诗人、画家王维的作品既是诗中有画，画中有诗。音乐中的标题音乐如贝多芬的田园交响乐既是音画，以音乐语言表现田园风光。雕塑的表现手法也与绘画有许多相通之处。舞蹈也是一种造型艺术，生动绚丽的舞姿是绘画的丰富素材。叶浅予的画表现舞姿最为传神。建筑艺术中的对称、高耸、曲线、直线的协调、凝重、流畅等要素对绘画都有借鉴价值。作为一个画家，要对文学、诗歌、音乐、舞蹈、建筑等学科都要涉猎，加深研究以拓宽自身的文化底蕴。

摘要：本文通过详细解析艺术创作过程中，灵感、思维、以及为了达到创作目的所涉及到的它们之间相互转化过程的关系论，这种关系是结合某种假设的既定公式来实现的，重点阐述艺术创作初期关于研究理论的重要性，证明理论与实践之间如何相互渗透成为概念艺术品的方法类、深度探索型文章。

关键词：艺术创作灵感；假设公式组；思维导向图

一、视觉、灵感与感觉

艺术家通常习惯于通过视觉来扑捉灵感，那么究竟什么是灵感？“灵感即创作思维过程中‘认识’飞跃的心理现象。它是一个人在对某一问题长期孜孜以求、冥思苦想之后，通过某一诱导物的启发，一种新的思路突然接通。某种程度上我们将它归为心理活动范畴。这种心理活动的灵感终归属于认识范畴，它是认识过程中的一种特殊飞跃状态，是由‘局外’信息的突然‘介入’引起认识上由感性到理性的飞跃，灵感需要一定的生活积累，还需要紧张的思维活动与运动的碰撞火花”[1]。灵感是对事物看法这一思维活动，同以往知识积累的汇聚等条件一同聚成的一瞬间的某种思维理念迸发，每个个体关于灵感这个抽象形态的表达，由于个体的存在环境、成长思想、主观意识、思维的轨迹不同都是不一样的，所以，面对同样的情况，所谓得到的灵感表现是迥异的。艺术作品的确是依靠灵感这种创作概念来实现的，且不说我们关于这些创作表现质的褒贬，单看西方教学体系如何说？他们认为创作是带有明确目的的，要做的是学者型艺术家。“创作不靠灵感，靠思维，创作过程可以是冲动的，但是思维一定是清晰的，每一步自己都知道自己在做什么”。[2]因此而言，坚持艺术创作离不开灵感，离不开视觉对灵感的引导，灵感即艺术直觉的范畴，将艺术直觉引导创作的灵感的关系，解释成为是一种曾经积累的经验伴随着思维瞬间活动就更为贴切了。当视觉、灵感交织在一起产生类似化学反应的无规律发散思维时，这种纯属感觉类的活动在我们体内的那种反映，直接表现出人体接受外界传来的、及发自体内组织和器官的刺激之特性，这恰恰就是人脑对事物的个别属性的认识,具有直接性特点。这种视觉、灵感、感觉之间微妙的变化，始终是个体自身心理活动在贯穿着、链接着。是对过去、现在、未来存在的一种认识，这种存在是感官上个人对生活经历的有意识或无意识的体验与阶段性总结。

二、先于思维的“感觉”

马赫[3]把感觉推到人类思维的显赫位置：“感觉是第一性的存在……”感觉是思维的推动力，它涵盖哲学、心理学的研究范围，无论是理性思维还是艺术思维，均源于本体对所接触的事、物的直观感觉，人们利用思维分析出的真理与荒谬，理性与艺术，都来自于感觉。关于理性思维的感觉和艺术思维的感觉，理性是科学性、可靠性、真理性，焦点是真；艺术是情感、感觉不再被怀疑，焦点是美。理性意义上的感觉，是走向一致。一接近事实，那么他就是单一的。真理的趋势就是排除若干个错误的感觉，只保留一个正确的感觉。艺术思维意义上的感觉，是走向多样。允许对一件东西可以有不同的感觉，一千个诗人就有一千个感觉。如果说我们欣赏作品的时候是带着理性的情感去观察，那么就意味着要去思考、去沉思，情感不能沉思，一沉思就不存在了，变得理性了，太认真的去分析作品就无法欣赏艺术。艺术创作中“感知”与思维的公式化关系但是我们在欣赏艺术作品的同时又无法排除理性思维不间断的占据我们的头脑，这种情况下，如何去掌控本能的对艺术作品的感悟和理性思维分析的交织呢？面对一幅作品，我们首先要知道“艺术的创造首先是一种本能，它对自己的目的有充分的认识”。[4]这里的本能，应该理解为一种对事物或是物体感官认识的瞬间灵感出现的那种感觉过程，凡是艺术都根源本能，又体现为一种物质。因此，很多当代艺术都是艺术家们的“需求导致发现，观念产生作品”，这种需求是作者内心、心灵、也可以说是心理需求。

第一篇

谈起艺术创作的方法，实在不是用一两句话能说得清楚。由于每个艺术家的社会背景、生活阅历、世界观、价值观的不同，所以，创作方法也就不尽相同。更是由于各个艺术种类和派别的不同，对于艺术创作的说法也是众说不一。纵观艺术创作发展的历程，各种主义层出不穷，什么现实主义，自然主义，表现主义，结构主义，现代主义，后现代主义……等等，可谓千姿百态。而说到艺术创作，实在是先要弄清楚到底什么是艺术。千百年以来许多艺术家，理论家，思想家不懈探求的一个问题。人类不仅创造了艺术，能够欣赏艺术，还渴求洞察艺术的全部奥秘，揭示艺术的本质，发现和把握艺术发展的规律，从而进行真正的创作和欣赏。艺术是什么，历史上有许多说法，“艺术就是生活的再现”“艺术是美的”，“艺术是有意味的形式”“艺术是灵魂的拯救”等等莫衷一是，大哲学家黑格尔甚至把哲学、宗教和艺术三者称之为“绝对精神”，是一种理念的感性显现，是人类最高精神的体现。美国一位大学校长和苏珊朗格谈到艺术是什么时说的一句话（大意）更是直截了当：“科学是把人们不懂的东西给弄懂，艺术是把人们懂的东西弄得不懂”。

在我看来，这句话实在是点中了要害，这也正是艺术的精妙所在，所以有人也称艺术是玄学，这也恰恰说明了“科学是小智慧，艺术是大智慧”这句话是有一定道理的。科学是解决我们日常生活中的问题，（包括自然和社会）举个简单的例子，我们日常生活中所有的工具都是随着科学的发展越来越简单化、智能化。而人的思想和意识却随着时代的发展越来越复杂。艺术是解决人类灵魂问题的，或者说是要解决精神和意识方面的问题。因而，艺术和科学相比就显得复杂了很多。

艺术的对象是个体，艺术的任务是活的个体的人的灵魂拯救。而要懂得个体的人的灵魂，靠向外观察是不行的，因为每个人给别人看的都是表象是“超我”（佛洛依德认为人的意识分为本我，自我，超我），他们的灵魂是深深埋藏在“第七层面纱”背后的。这就涉及到艺术家如何探索灵魂，也就是如何进行艺术创作的方法问题了。从现实主义创作方法的角度来看，艺术家在进行艺术创作时，首先要彻底深入的了解活的个体的人的灵魂，唯一的途径只有向自身开刀，毫不留情的解剖自己，将自己烧在其中。而后，才能设身处地推己及人，才有可能了解千百万人的灵魂。这也是符合实践出真知的原理的。我们要改造自然，改造社会，必须深入到自然和社会中去，在实践中获得真知；而我们要改造灵魂，当然也要深入到灵魂的深处，这是另一种意义的实践，如果前者叫外部实践，那后者就可叫做心灵实践。在这个心灵实践的过程中，艺术家必须在自身灵魂深处进行。这时的艺术家既是医生，又是患者，既是雕刻家，又是大理石。所以我们常说表演艺术家是三位一体的，兼原材料、创作者、艺术成品于一身。这就是艺术家在创作过程中必须要将自己烧在其中的根本原因。也是艺术创作中一个重要的基本原则，感动自己，才能感动别人。

那种隔靴搔痒，隔岸观火的创作状态是不可能产生好作品的，这也正是艺术创作的基本要求和基本规律。所以，艺术创作就好像患了热病一样，要不断地燃烧自己，拷问自己，首先要向自己的灵魂深处开刀。无数的创作实践证明，艺术家不经过这个灵魂的煎熬、拷打，是很难创作出优秀作品的。所以说真正的艺术家，真正的艺术创作必定是烧在其中，燃烧自己然后才能照亮别人，而绝不可能只是隔岸观火。这样看来，现实主义创作方法在各类创作方法中无疑是首选，或者说是主流。纵观世界上各种艺术样式，无论是电影、电视、戏剧、歌、舞等莫不如此。至于最后呈现的样式也许千姿百态，然而创作过程中艺术家们大概都或多或少地燃烧过自己，向自己的灵魂开过刀吧。

本文作者:许伟久工作单位:江苏常州市锡剧院

歌曲写作的节奏都是依靠学习和掌握音乐理论的基本知识，学习理论知识，以使自己的歌曲创作达到更好的效果，如果没有音乐理论的支撑那么只有自己写的歌知道怎么唱，而别人却无法知道怎么唱你写的歌。因此歌曲最基础最重要的是掌握一个基本的音乐理论知识，从而能够更好地表达出歌曲写作的本人想要表达的音乐创作的内涵，可以让更多的人音乐沟通，了解到自己创作歌曲的心情。因此，对于歌曲写作来说要掌握基本的音乐理论知识是非常重要的，这是必不可少的。

平时多加练习写歌

所谓熟能生巧，在平时要尽量写的歌，多记录歌曲，这样才可以不断创作出水平高的作品，如果只是等待灵感来写作，那么这首歌的质量不会太高，写出的歌给人感觉旋律也不会很好。只有多尝试写作。然后不断修改，提高自我意识。在灵感到来的时候写出的歌曲既富有情感又具有理性的写作思维，从而写出完美的作品。因此多写多练，积累足够的经验，使得歌曲创作发挥到最完美的状态。今天，有很多的写作人使用歌曲谱曲软件，但事实上，歌曲编写使用手写，这样的效果会更好，把想要表达的标记下来，在软件上无法显示这些想法内容，就可以开始在纸上做好记录，可以更直观地表达出写作人的想法和感受，记录完成后可以使用打谱软件旋律标记，这样可以利用软件来谱出创作的歌曲。记打相应的软件。

把握歌曲写作灵感

不要错过任何灵感，在很多写作灵感瞬间到来的时候，有的人未及时记录，造成创作的损失，所以一定不要错过任何灵感崭露头角的机会。当灵感来了，如果附近有笔和纸，可以简单地写下旋律;如果有录音笔的话可以简单地哼唱灵感所带来的旋律。所以歌曲写作不要错过好音乐、好灵感。灵感，往往来源于周围的事物，因此，你想获得更好的音乐灵感，应该注意生活中的细节，作为一个创作者多以情感参与、观察身边的事物，使歌曲写作的作品赋予真实的感觉。

熟孚己经典歌曲旋律

1绘画艺术创作中的素材、灵感与构思

素材是社会和大自然中人或事物的具体形象，是作者进行创作的源泉;而灵感则是艺术生命的闪光点，是一种独特的思维活动，是一种直觉的顿悟，是一种突然发现的心灵奇迹。素材和灵感在绘画创作中缺一不可。例如，山水画是表现画家对山水的气象、色彩、光影等具有特殊的敏感，从而引发起特定的情感而在头脑中形成色彩斑斓的图画。如果画家不到大自然中搜集素材，不了解山水的结构和气势，不被大自然中山水所呈现出的一幅幅或壮观或秀美，或雄浑，或恬淡的景色给打动，又怎么会有在头脑中形成色彩斑斓的图画这种创作灵感呢?山水画是这样，其他人物画、花鸟画也是如此。我们要创作出绘画精品就要到大自然中和社会各阶层中，去搜集素材，寻找灵感。现代知名画家贾又福不就是为此，十年登十九次太行山吗?在家闭门造车，有什么灵感可言，更谈不上有什么好的创作。在有了素材和灵感的基础上进行绘画创作，还要求创作者有一个好的构思，才能创造出一幅完美的作品。构思，顾名思义就是创造者对将要进行的绘画作品中要表达什么意念、思想情感或趣味而在头脑中形成的一种中心思想。也就是说当我们拿起画笔进行绘画之前，首先要考虑到的是这幅画作品的题材，表达什么样的内容和形式，要对其造型特点、色彩关系、意趣与结构的关系，还有构图等一系列的问题都要做到胸有成竹。创作一幅作品，思想上、艺术上的构思正确与否是决定一切的。构思是个纲、纲举目张。形神兼备的艺术形象，成型与构思，展现于笔端，这是关键的一步。构思艺术形象要善于表“情”达“意”展现事物的“内心世界”。例如，人物画是直接表达人物的各种形态，体现人物的内心世界。花鸟画、山水画等，是靠赋“形”写“意”、借“体”发挥，以它形之体，藏人心之魂，婉转地反映社会生活和创作者对于社会生活的态度，这是绘画艺术构思的要领。也就是说创作者通过精巧的艺术构思而赋予绘画作品之精髓、生命、风采、感情，这就如同展现人物的表情和内心一样来展现出作者的思想境界，理想追求，文化素养，从而折射出大千世界社会文化的多彩多姿。

2创作中的艺术欣赏与审美体验

艺术欣赏的提高与丰富的审美体验，是绘画创作中另一条途径。艺术欣赏之说以被称为再创造，是因为它和艺术创作同样，是人类高级的、复杂的、特殊的精神生活。艺术创作不仅生产了艺术品，同时也生产了艺术品的欣赏者;另一方面，欣赏者最终又实现着艺术品的再创造。艺术欣赏的总体程序则有对作品的审美观照，把握物态化意象，转形为和创作者心灵化意象相重合又相移位的再造性心灵意象，在审美心胸经受震荡和净化的过程中，回返自然。这一欣赏过程的完成，也是精神上一次飞升和自我超越过程的完成。因此，艺术欣赏给人带来新的审美体验、审美愉悦和审美快感，艺术欣赏和艺术创作所能达到的审美认识、审美体验和精神状态有着一定的共同性，所以艺术欣赏能力的提高会使自己在创作上更上一个台阶。绘画艺术，通过艺术的特定材料，凝聚着艺术家对自然现实中美的发现，传达其个人独特的审美体验和审美感受，从而唤起创作的欲望。法国十九世纪中叶的农民画家、现实主义巨子米勒，以他对农村生活的热爱和体验，才创作出了《拾穗者》《倚锄男子》等作品再现法国农村田园生活的美丽图画。其作品让人感受到劳动生活的真谛、诗意和艺术家心中淡淡的哀愁。因此，对社会生活，大自然中物象的审美体验丰富程度如何，直接影响着艺术创作的提高。

3结语

绘画艺术创作是一种高层次、复杂的审美心理活动及其实现的过程。由于创作理论及创作类型的不同，在其制约和影响下的创作过程也不同。此外，由于艺术家的先天禀赋、个性气质智能心理结构、人生阅历和文化素质以及才能技巧的不同，其创作出的艺术作品自然会千差万别。

一、产生灵感的心理机制

在艺术的整个创作过程中，灵感起到积极地作用，但它并不是呼之即来挥之即去的，灵感是在各种心理因素的恰当组合为最佳心理状态时产生的。这些心理因素只是处于持续的运动与调整之中，才会忽然出现适合于特定创造要求的恰当的组合。灵感的情况很复杂，它的奥秘也未完全揭开。这种“瞬间的顿悟”到来也是可以培养和追求的，这种培养并不能确定无疑灵感就会出现，只是有助于它出现的一种方式。

二、灵感的来源与培养

杜工部的：“读书破万卷，下笔如有神”。他所说的“下笔如有神”中的“神”就是灵感，而“读书破万卷”是需要下功夫。就他而言，灵感是从功夫中出来的。灵感是在潜意识中的思想突然出现成为意识。在意识中思索的东西应该让它在潜意识中酝酿一些时候才会成熟。它虽然突如其来，却不是毫无准备的。如画家只会出现绘画的灵感，而不会出现戏剧表演的灵感；因为画家只是持续进行了绘画的实践，而未进行戏剧表演。由此我们知道“读书破万卷，下笔如有神”意味着读书只有读透书，再落实到笔下，运用起来才能得心应手，有如神助一般。不过灵感的培养不必限于读书，以下通过三点来分析。

1、明确的创造动机和要求。灵感状态是各种心理因素的协调配合，无论是吟诗作画、编剧谱曲，其灵感模式都需要一种模式的心理因素组合，而任何模式的组合都是各种心理因素根据特定的创造动机与要求不断运动与调整而自然出现的。

2、刻苦持久的创造劳动。俄国画家列宾认为灵感是“顽强的劳动而获得的奖赏”。有了强烈的动机要求就需要体现到行动上，再去进行的实践活动。这个过程中要注意保持思维的灵活性来摆脱僵化的惯性，突破狭隘的范围。

构思是设计的灵魂。人在构思过程中，思想是以模糊的形象出现的，而这一形象在成为具体的形态的过程中，有一个叫“第六感”的东西在影响它，这可称为“灵感”，因此，构思实际上是在想象和灵感的基础上，同设计师以往的经验、知识、技巧结合，并加以提炼、推理，最终塑造出新艺术形象的过程。

设计构思，不仅要考虑本质功能，而且还要考虑视觉美的传达，是设计师全身心投入创造活动的结晶。一个设计师仅有熟练的制作技能，而缺乏设计构思能力，其艺术作品是不会有视觉感召力的，是不会成功的。那么设计的深理何在呢？其实它是在社会、在人生、在人性、在大千世界的千变万化之中的。设计需要灵感，这是谁也否认不了的，对于设计师而言，灵感是一种独特的思维活动，没有灵感也就没有创作。笔者认为，灵感实际上是设计师潜意识的直觉性顿悟，是一种突然发现的心理奇迹，它预示着创造的来临。灵感不是从天而降的，它来源于任何地方，也产生在任何时刻。

灵感来源于自然界的各种形态

从原始社会至今，从人类开始有设计起，自然界的人物、动物、植物、矿物、风景、天文、器物、文字等等便成为设计的对象且被当做主要的造型。在中国古代，除了龙、凤图案外，山、云、水、花、草及孔雀、仙鹤、燕子、鱼、鸳鸯、蝴蝶等等都被用在设计上；在古埃及的设计作品中尤喜使用纸草、莲花等植物和圣甲虫、眼镜蛇等动物图案；在古希腊、罗马的造型与艺术中，也常借用月桂树、常青藤、葡萄等植物。直至今天，不论是哪个艺术流派，自然界的各种形态仍是设计的重要元素并对之加以充分利用。

灵感来源于人类创造的物质和精神文明

伴随着工业化的进程，生产的集约化、组织形式的军事化以及生活方式的标准化，设计的商业性特质越来越浓厚，设计已不再局限于某一国度、某一民族、某一社会阶层之间的模仿现象，而是向更大规模、更广范围、更多速度、更短周期的方向加速发展。设计的灵感来源无限拓展。首先，古今中外的文化艺术，绘画、雕塑、建筑等人类文明的丰富宝藏常常带给设计师无穷的创作灵感。其次，传统文化的深远影响，传统色彩装饰的启示、传统造型艺术的精髓、传统纹样的千变万化都对设计者产生着潜移默化的影响，传统工艺的悠久与精湛是设计者灵感的来源。再次，各种物质材料的性能和肌理的奇异效应，比如说陶瓷、塑料、贝壳、金属、有机玻璃、铝、乙烯、合成树脂等材料，都给现代设计创作带来了新的灵感。