服饰设计范文

导语：如何才能写好一篇服饰设计，这就需要搜集整理更多的资料和文献，欢迎阅读由公务员之家整理的十篇范文，供你借鉴。

篇1

玩偶服饰在设计时要考虑其角色定位和其所处的时代背景、社会背景等因素，设计从概念思路到实际制作，直到最后的展示，都要以玩偶的角色和所表达的社会背景为基础，结合玩偶品牌风格和定位，这是设计师从构思创意直到最后制作成服饰实物的综合表现过程。玩偶服饰是玩偶艺术、服饰艺术、制作工艺、服饰历史内涵的综合表现。

古典的工艺美术形式是现代设计的渊源所在，为了创造出具有民族气质和时代精神的玩偶设计作品，设计师们从古典绘画、雕塑、历史和民族传统服饰等艺术形式中汲取了灵感。例如中国传统人物绘画、宗教神仙画卷，从唐代张萱《捣练图》、《虢国夫人游春图》，周昉《执扇仕女图》、《簪花仕女图》中体会到了色彩鲜艳、浓妆淡抹的盛唐服饰，从明代唐寅的《王蜀宫伎图》、《秋风持扇图》和陈洪绶《西厢记》、《仕女画》中可以感受到明代服饰的形式特色[3]。古典传统玩偶是现代玩偶的祖先和演变基础，包括了木偶、泥塑、陶俑、西方古董陶瓷娃娃，这些传统玩偶在造型时对服饰的处理也为现代玩偶服饰造型直接提供了蓝本。民族传统服饰是每个民族宝贵的文化，蕴含着深厚的文化底蕴。许多自由玩偶设计师都从传统服饰中寻找过灵感，学习了其具有鲜明特色的装饰手法，并运用到了自己的玩偶设计中去，这样的玩偶扎根于传统，以民族文化为基础，既是民族的，更是世界的，使这类设计具有强大的生命力和别样的内涵与韵味。例如来自俄罗斯的亚历山德拉•库里诺娃女士的作品亚历山大娃娃中的一款，就把俄罗斯民间传统的形象玩转的炉火纯青（图1）。

玩偶服饰很多时候就是人类现代潮流的缩影。如真人时尚潮流、电影经典形象、明星名人、动漫产业等等，都给予设计师们灵感。这些在社会上引起强烈反响的人物和形象，给人们带来了强大的视觉冲击，甚至渐渐成为了时代的标记。而人类历史上流行过的朋克、嘻哈、嬉皮、英伦、雅痞、中性、波西米亚、巴洛克、后现代风格等都能在玩偶服饰中得到体现。如FR品牌玩偶新款的女娃服饰就受到了AlexanderMcqueen以皮带和毛皮为基本元素，表现暴力美学的诡异哥特风格的时装影响，展现了这款玩偶酷感与优雅的完美结合（图2）。电影是包含了文字、音乐、舞蹈、戏剧、绘画等艺术形式的综合艺术，一部好的电影能让人过目不忘，其中的服饰造型承载着电影的基础，受到了人们的追捧和喜爱。追求经典电影形象，以电影形象为灵感设计玩偶服饰都是人们对优秀电影的热爱和执着的表现。如蒂凡尼的早餐中赫本的经典小黑裙、乱世佳人中费雯丽的绿色丝绒大蓬裙、加勒比海盗中约翰尼德普的海盗形象等等，都被设计师们借鉴，以玩偶服饰的形式再度演绎，并且延续着电影服饰的魅力。名人明星的服饰衣着时时吸引着大众的眼球，从来都走在时尚最前端的明星是最新鲜时尚的体验者，也是设计师们的灵感缪斯。凯特王妃大婚时所穿的由AlexanderMcQueen新任设计师设计的婚纱、造型一向以新颖大胆著称的KatyPerry新专辑的造型、LadyGaga的出位新装、MichaelJackson经典演唱会造型等等，经设计师之手以玩偶与玩偶服饰的形式出现在消费者面前时，让人不得不感叹由名人带动的时尚所带来的强大影响力。动漫人物形象是由设计师们在故事发生背景、表达主题的基础上设计出来的，其服饰或精致繁复充满强烈的视觉冲击力，或简约而不简单、生动，展现着人物性格。近一个世纪以来，动漫业飞速发展，从而衍生出了许多相关行业，其中把动漫人物服饰在玩偶服饰上真实化的cosplay是爱好者与设计师们表达热爱与设计才能的最好途径。

玩偶尺寸一般为真人的1/3、1/4、1/6大小，因此服饰的款式和结构不宜层次太多，应该做到相对简洁，否则容易造成服饰的堆叠、臃肿。由于服饰的面积和体积比较有限，许多在真人服饰中容易遮掩和被忽视的缝合线与工艺细节在玩偶身上会变得特别明显，所以服饰在设计时应当适当减少服装省道和分割线，尽量把多省变为单省，减少过于复杂的设计，以免分割线过多、过于明显，从而影响整体效果，而且也能减少在制作时带来的难度。总之，玩偶服饰的结构应以适当简洁为上，不妨把设计亮点放在图案、刺绣、珠绣等二次设计上。

玩偶由于其尺寸特点，服饰设计时所需的材料就不能完全照搬真人服饰，应该多考虑棉、丝绸、雪纺等轻薄面料，而一些较厚的毛呢布料则不适用于玩偶服饰，否则会造成服装拼接处太厚臃肿而影响最终效果。在服装面料上，应尽量选用纯色或图案较小较集中的面料，纹理粗大、花纹大的面料则不适用。玩偶服饰主要用于观赏把玩，并不需要真人服饰那样具有保护身体、抵御寒冷以及皮肤亲和性和透气性等作用和要求，所以在设计时不需要完全局限于真人所用的布料、辅料，一些更为个性和创意的材料都可以用于玩偶的服饰（图3）。比如报纸、纸巾、垃圾袋这类很难被利用的材料，在玩偶身上都能发挥出独特的魅力。非常规服饰材料具有其各自的艺术语言，相比传统衣料更为生动和玩味，更具有视觉冲击力，给人以新奇感，表现出玩偶作为时尚展示艺术品的独特魅力。

玩偶收藏者是一批内心细腻，对美和艺术有着深切爱好的人群。他们往往对美与艺术有着自己独到的见解和非同一般地热爱，尤其是以艺术个性为卖点的现代玩偶，仿佛通过服饰造型诉说着属于自己的故事，受到了各个年龄层次人群的喜爱。而且每一个系列的玩偶都会带动相应的文化流行，玩偶收藏者被玩偶独特的造型与服饰设计吸引后，往往会去追溯其设计者和背后的文化，这就给人们的身心健康带来了益处，起到了丰富人们的生活、增长见识、陶冶情操、积极创新勇敢追求的作用，玩偶成为了缓解人们精神压力的最好方式之一，也成为了人们娱乐文化生活中不可或缺的重要部分之一。玩偶收藏者购买收藏玩偶不仅仅是为了观赏，更是为了给玩偶更换服饰穿衣打扮，在不断地变换造型的过程中，仿佛身临其境着一场场时装秀，看着一个个小模特们演绎着各种或古典或时尚的造型，给视觉上带来了很大的冲击力，服饰的多变和丰富把玩的乐趣带到了一个新的制高点。

玩偶服饰不仅仅是装饰玩偶及在售卖时吸引消费者的目光，其影响力更波及到了时装界。鲜艳浓烈的色彩搭配、精致华丽的细节、夸张硕大的配饰，这些原先属于玩偶的特质在被消费者喜爱认同之后，渐渐被设计师们运用在真人服饰设计中。在芭比娃娃50周年庆典的时候，ErinFetherston，KoiSuwannagate，ChristianLouboutin等知名品牌的设计师以芭比经典形象为灵感，设计了一系列的服饰品，在多个城市及时装周上举办了主题时装秀。模特们身穿芭比风格的服饰，戴着比例硕大的饰品，化着浓烈而天真的妆容，仿佛就是放大版的芭比娃娃。这些主题时装秀代表着人们对玩偶的热爱和对于美的追求，由玩偶带来的少女情怀在人们内心留下了美好的印象。玩偶服饰造型已成为一种标志和代表着完美、独立、自信女性的一种文化。玩偶的世界展现了女性自我选择、自我实现，寻求身份和“梦想”式的生活方式的理想和愿望[4]。

篇2

关键词：形象设计 服饰搭配 具体方法

进入到信息化时代以后，生活的节奏变得越来越快。人们很难有时间、有精力去深入了解身边的人，很多r候都是凭借第一印象来对一个人进行判断、分析。而服饰搭配对于人们的感官印象影响力极大，因此，服饰成为了人际交往影响因素中最为重要的因素之一。换言之，在当代，人们应重视日常的服饰搭配，以更好地提升自身的外在形象，使自己看上去更有气质，为自身的人际交往奠定良好的基础。

一、形象设计与服装搭配的概念

（一）形象设计的概念

所谓的形象设计，是在综合多种因素的基础上，如造型、身体轮廓、色彩、风格等，来有机地实现实用审美的目标。所以，于某种意义上而言，形象设计是一种融合了多种艺术的设计。作为一种社会的产物，它与社会中的每个人都存在着紧密的关联性。

（二）服饰搭配的概念

服装搭配主要是通过对颜色、款式进行融合，以实现服饰穿着的得体、大方。人们通过对服装进行合理的、恰当的搭配，来提升自身的外在形象气质，让自己装扮得更为高雅、更具魅力。

二、形象设计与服装搭配的关系

其实，在我国古代，人们便已经开始对自己进行形象设计了。而服饰搭配便是人们在进行自身形象设计时所运用的一种方法。而到了现代，人们将形象设计知识应用到了服装设计中，让服装变得更亮丽。因而，就这一角度而言，形象设计与服装搭配之间具有辩证统一的关系。换言之，对于服装而言，其展示是需要形象设计来予以保证的。与此同时，个人的形象设计也需要服饰的搭配来支持。在二者共同地协作下，才能将美充分地展现出来。

三、服饰搭配对形象设计的影响

（一）对人们思想上的影响

人的思想是在不断变化着的，会在外界因素的影响下发生改变。而服饰作品会给人一种感官上的刺激，此时人们的思想、感情都会发生微妙的变化。于某种程度上而言，这种思想上的变化对服装的创作有一定的影响，它会激发出人们的灵感，逐渐地形成自己的设计风格，进而影响到形象的设计。所以，服装搭配是可以在思想上对人们的形象设计带来影响的。

（二）对人们外在形象上的影响

很多时候，人们在讨论服装搭配的同时会不自觉地联系到形象设计。那是因为，在当今社会中，服饰已经成为了人们生活的必需品。人们无法脱离它，反而利用它去对自身的外在形象进行修饰。继而服饰成为了人们整体形象设计中不可或缺的一部分，服装搭配给人们带来了外在形象上的影响。

四、形象设计中的服装搭配方法

（一）服装风格一致原则

所谓服装风格统一原则，是指人们通过对服装的款式、配饰、色彩的运用来提升自身外在感官的视觉效果。在这一过程中，服装的款式、配饰、色彩应保持一致，即风格的统一性，进而以鲜明的风格来将形象设计的总体特征表现出来，且给人以感染力。而将这二者有机地进行协调，则将起到相得益彰的效果。

要想达到这种最为理想的效果，人们在进行形象设计时要结合自身的气质、年龄来对服装进行搭配，注意无论人们的气质如何，在进行服装搭配的过程中，颜色、款式、配饰都要相互统一。例如若是个人气质较为活泼，那么服装的色彩可以鲜艳一些，款式上可以新颖一些。不仅如此，配饰、衣服的材质也要相搭配，如在选择牛仔短款夹克时，则不应搭配真丝围巾。这两种材质体现的是不同的气质特点，即使颜色协调，搭配在一起的整体风格也不相融。

（二）艺术形态一致原则

从某种意义上而言，服装的搭配是一种艺术的体现。而完美的服装艺术搭配对于形象设计有着烘托的作用，反之，则是失败的形象设计。因而，保证服装搭配的艺术形态是非常重要的。而要想将服装搭配以艺术的形态呈现出来，首先要保证其一致性。换言之，即人们在进行个人形象设计时，服装造型的选择首先应是合理的，应结合人们的身型、年龄、脸型、季节等因素进行设计，而饰品的运用要起到烘托整体效果的作用，进而让服装搭配具有艺术气息，为形象设计提供有力的支持。

五、结语

随着时代的不断发展，人们对于美的追求、品位越来越高。因而，原本单一的服装搭配已然无法满足人们形象设计的需求。进而整体设计理念被提出，并逐渐被人们所接受。在这一理念下，服装搭配成为了人们整体形象设计的一部分。人们希望，通过服装色彩、面料、款式、饰品等之间的搭配，整体上提升自身的外在形象，让自己变得更夺目、更绚丽、更优雅。这同时也表明，在当前的形象设计中必须将服装搭配因素考虑进去，完善形象设计。

参考文献：

[1]刘志瑾.形象设计与服饰搭配设计[J].艺术与设计（理论），2010（05）.

[2]蒋湘玉.服饰搭配在人物形象设计中的表现与应用[J].淮海工学院学报（人文社会科学版），2015（08）.

篇3

关键词： 动漫服饰 漫画 动画

动漫服饰，即动漫作品中用以装扮角色的服饰，是动漫角色、玩偶用于塑造本体、美饰形象所必需的物品。动漫服饰一是指动漫作品中的各类服饰，二是指动漫形象影响下产生的服饰品类。它与动漫场景、音乐、故事在作品中具有同等重要的地位，本文将动漫服饰作为一个独立的概念提出。

动漫产业是以创意为动力，以动漫文化为基础的现代文化产业，动漫文化是现代社会物质、技术、文化高度发展的综合产物。尽管史前的石雕造型和洞窟壁画就已出现了动画的雏形，但真正意义上动漫文化的出现却是20世纪初的事，本文所涉及的范围限定在20世纪以后的动漫作品。玩具、服装等通常被视为动漫产业的重要组成部分。因此，在论述动漫服饰之前，对漫画、动画、动漫、服饰的定义要进行界定。

1.漫画、动画

“漫画”一词起源于中国，最早指的是鸟类的别名。北宋时期，“漫画”指的是栖息在黄河边上的琵鹭。直到清初，才与绘画产生一些关联。1925年，丰子恺在《文学周刊》上发表“子恺漫画”，自此，中国开始正式出现“漫画”一词。［1］

现代漫画的完整定义起源于美国连环漫画《黄孩子》，而日本漫画巨匠手治虫先生在其作品《珍宝岛》中首创的电影镜头感的运用，更加区别了中国传统连环画“文配图”的表现方式，凸显了漫画“画面的叙述性”。［2］

动画这一充满神奇色彩、最为时尚和普及的艺术形式，它的源起可上溯到史前的远古洞穴时代，而真正成为一门独立的艺术形式却不过百年。从历史的角度看，动画发展至今百余年，由早期的卡通形式到20世纪20年代欧洲设计味较重的实验动画、30年代美国卡通动画、60年代崛起的日本动画、90年代的计算机动画，不同的发展阶段有着迥异的风格特点。如今更是越来越广泛而深入地进入了社会各个领域，成为人们精神和物质生活中不可缺少的需要，它与人们社会生活、市场关系非常密切。

“动画”顾名思义，是活动的图画，即英文中的“Animation”（意为赋予……以生命），指赋予图画以生命。“动画”一词，源于第二次世界大战前的日本，当时日本把用线条描绘的漫画称为“动画”。二战以后，则把线绘、木偶等形式制作的影片统称为“动画”。“动画”一词其实应该是沿袭自日本人在二战结束以前的称谓。日本人当时称呼以线条描绘（linedrawing）的漫画式的作品为“动画”。战后，日本人则使用外来语拼音来读，统称包含用木偶动画、线绘动画等技巧所制作出来的影片。［3］

“卡通”是英文Cartoon的音译，意思就是漫画和夸张，是对于“非真人电影”的最早叫法，起源于美国，流传于全世界，直到今天还在使用。Cartoon的词义有：（1）壁画、油画、地毯等的草图、底图；（2）漫画、讽刺画、幽默画。卡通其实是被包含在动画的范围里面，如迪斯尼出版的米老鼠与唐老鸭系列，早期日本所出的小甜甜、无敌铁金刚，等等，都是属此范围。“卡通片”其实是一种由多格漫画转化成的动画形式。在当今专业动画工作者的词汇中，“卡通片”已被改称为“角色动画”（Character Animation）了。［2］

动画具有功能性、艺术性、技术性等特征。任何艺术形式都有其功能特征，动画作为艺术的一种形式从诞生之日起就承载着强大的功能，包括娱乐性、商业性和教育性。动画的艺术性有着一种综合的美学特征，它不同于其他艺术形式是一种单一的美学，而是多样的、多变的。它不仅仅具有美术的美学特征，同时兼具着电影的、戏剧歌剧等形态的美学特征。动画的艺术特征表现在四个方面：多元性、假定性、时代性、创造性。动画的视觉要素是以造型要素为基础构成的，它首先是一种造型的审美。从早期简单线条活动漫画，到后来追求逼真的三维立体效果的长片剧情动画，以及其他众多的艺术短篇、实验动画、抽象动画、商业动画、科教动画、动画游戏，等等，造型的审美特征是首位的。［2］

动画影像是被艺术家创造出来的视觉符号的集合，在很大程度上体现的都是动画艺术家丰富的想象力。动画的世界不受现实生活环境的限制，故事能够穿越不同的时空，角色也能够天马行空地创造出来，而这些从现实变化出来的“时空”往往也能为观众产生共鸣。因为观众在欣赏和解读作品的同时，也在充分发挥着自己的理解，延伸着作品的意境与内涵。

2.动漫

“动漫”，就是动画和漫画的一个缩略称谓。专指日本动画和日本漫画或类似风格的作品，在当今业界，日本的动画和漫画已被公认形成了一种独具风格的艺术流派。［4］动画艺术已经渗透到人们日常生活中：卡通饰品、生活用品、包装袋、玩具、服装等。

3.服饰

服饰，有狭义和广义之分。在狭义上，服饰是指衣服上的装饰（如装饰图案、纽扣等）及饰物（如腰带、胸针等），或除包裹躯体的上衣下赏之外的冠帽、鞋履、首饰等，如“服装服饰博览会”；在广义上，服饰是指人类穿戴、装扮自身的一种生活行为，如服饰文化、服饰史。［5］动漫服饰则有特定的内涵，是指根据动漫角色造型的需要而绘制的各种服饰。康保成教授经过研究指出，角色扮演并不是戏剧的特权。除了戏剧角色扮演外，生活中还有自然角色、社会角色、游戏角色、仪式角色等不同的角色扮演，即角色转换，但它们都与戏剧角色扮演有明显的区别。服饰的本质就是装扮，即通过人的穿着而使人产生形象的改变，如因穿晚礼服而使形象变得端庄、美丽，穿军装而变成军人形象，穿白大褂而变成医生形象，等等。［6］

4.动漫服饰

动漫服饰，即动漫作品中用以装扮角色的服饰，是动漫角色、玩偶用于塑造本体、美饰形象所必需的物品，通俗地讲，动漫服饰就是要帮助塑造角色及作品艺术形象，经过一系列的服装打扮、发型修饰、面部妆容、饰品装饰等的艺术装扮，打造成功的动漫形象。动漫服饰一指动漫作品中的各类服饰，一指动漫形象影响下产生的服饰品类。

总之，动漫的本质是角色扮演，动漫故事、音乐、服饰和场景都体现并服务于这个本质；服饰的本质是装扮，二者是相互关联的。角色扮演就是角色转换，即由一种角色形象转换成另一种角色形象；服饰的意义是装扮穿着者，并促使穿着者原有形象的改变，其中自然包括了角色形象的改变。动漫与服饰相关联的产物就是动漫服饰，所以，动漫服饰的本质既体现服饰的特征，又反映动漫的要求，就是通过角色服装造型来实现角色转换。动漫服饰的这个本质，是在动漫创作过程中逐步表现出来的，分析动漫作品中服饰的本质、风格特征及影响，对动漫造型设计和后续产业化价值的实现具有非常重要的意义。

参考文献：

［1］周兰平.动漫的历史［M］.重庆：重庆出版集团，2007，2，29.

［2］薛峰，赵可恒，郁芳.动画发展史［M］.南京：东南大学出版社，2006：1-21，93.

［3］刘小林，钱博弘.动画概论［M］.武汉：武汉理工大学出版社，2004：31，32.

［4］陈奇佳.日本动漫艺术概论［M］.上海：上海交通大学出版社，2006，2.

篇4

如，国外有一款短裤，其款式造型非常普通，但其面料图案被设计为新鲜的肥牛肉，于是其包装设计也极具趣味性地采用了状如超市包装冷鲜肉的形式，将短裤折叠后装入保鲜盒，并覆盖保鲜膜，这样的包装看起来就像一盒逼真的肥牛肉。它被摆放在服装店内的促销台上，引起了喜欢追求新鲜刺激的年轻受众的强烈兴趣，从而使他们趋之若鹜。鲁迅先生曾经说过一句非常有意思的话：“我们对于日用必需的东西以外，必须有一点无用的游戏与享受，生活才觉得有意思。”服饰品包装的趣味性设计是一个特殊的视觉组织结构，它是由常识理性向超常理性的飞跃，是在诸如此类的正常与反常、正经与荒唐、现实与理想、有序与无序、真实与虚假的强烈对照中，在形式与内容的反差中，造成喜剧性意境，带有浓烈的情趣性，具有较高的思想内涵和艺术能量，使之内涵深化，外延扩大，为受众提供了更为广阔的想象天地，满足了他们求新求奇的审美追求。

二、服饰品包装的人性化设计

服饰品包装的人性化设计就是“为人考虑，与人合为一体，成为正是人们所想所需的设计。设计应该有亲切感、有情感、有生命和有利于自然环境，关爱所有的人。它包含人情化设计、个性化设计、人文化设计、绿色设计等内容”。包装的人性化设计已经不是一个新名词了，但服饰品包装的人性化设计还很滞后，如果设计师多关注这方面的内容，多在服饰品包装的人性化设计方面做文章，也不失为服饰品设计的一条创新之路。下面笔者就从不同角度谈一谈这个问题。

1.以人为本的服饰品包装设计

一般鞋子的包装都是采用不透明的纸质的鞋盒，人们在居家收纳整理时经常会为找一双鞋而翻箱倒柜，现在有人发明了透明抽屉式鞋盒，透明的塑料材质使人对里面的鞋子一目了然，而且鞋盒之间有锁扣可以连接，使若干鞋盒可以连为一体，这样人们在取用时只需要抽出其中一层即可，非常方便实用。透明的塑料材质也可以有许多的创意和改良的空间，可供厂家传达相关产品信息。

2.服饰品包装的个性化设计

服饰品包装的个性化设计即更加注重品牌内涵的个性表达，从人与物的关系出发，对人的行为和本质需求进行研究，从而产生特定的设计形式。设计师应明确服饰品包装设计发展方向，努力做到以科技为支撑、以人文为基础，实现有个性、有特点和有品位的服饰品包装设计。设计也是一种文化现象，其透露出个性意识和文化观念。如Society27的鞋子包装一反常态地不使用纸质材质，而采用了木质材料，同时还把品牌标志镂刻其上，这样的鞋盒既彰显了品牌内涵，而且可以作为储物箱使用。

3.服饰品包装的绿色设计

安全和环保是一切设计都应重视的首要元素，服饰品包装设计也不例外。如最近问世的根据从纸制鸡蛋盒包装得到的灵感而设计的鞋盒，其材质以廉价的纸浆为原材料，根据所装鞋子的摆放形状，做出完全吻合其形状的异型鞋盒，不仅节省了空间，而且由于材料可以再生，非常环保。

三、结语

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唐代疆域宽广，政治稳定，经济繁荣，对外开放，促进了多元文化相互融合。这种多民族性与其他西域民族相互交流、相互影响和相互借鉴催生了手工业的不断发展，特别是纺织业中的印染技术得到了空前繁荣。唐代染织工艺，从丝绸之路的开通，西域新颖的染料和配色方式的引进，为唐朝的服饰增加了新的图案和色彩。唐代服饰染料大多数来自古印度及西域地区的植物染料和矿物质。异域染料对唐代服饰的影响是一个渐渐渗透，又互相融合的过程。譬如，红花染料是通过与西域的文化交流而引入，在传入中原后，中原染织技术不成熟，人们常把红花染料调配染成的纺织品为橙色或黄色，而并非红色，常把红花中的黄色素当作珍贵的黄色染料来使用。到了唐代，人们扩大红花染料种植面积，加之不断改进染料配方，将红花中的黄色素和红花素用酸、碱分解提炼处理，便可染成橙色、黄色、水红色、莲红、桃红色、银红、胭脂等多种颜色。外来艳丽自然的黄色调染料郁金、奕华、和黄屑，红色调染料还有苏扔、山石榴等，使唐代服饰染料变得更为丰富，服饰色彩也变得绚丽多彩。据说杨贵妃最爱穿郁金香草染成的黄裙，我们从唐代诗人李商隐的诗句“折腰多舞郁金裙”证明了这一点。再从唐代李白的“移舟木兰卓，行酒石榴裙”，万楚的“眉黛夺将萱草色，红裙妒杀石榴花”等诗句，说明了红裙颜料从植物染料石榴花中提取，由此红裙称之为“石榴裙”。在唐代人们运用天然植物充当服饰染料的方法和技术，表达了人们的服饰外表形态以及人们对色彩审美的变化。绚丽多彩的服饰与人们审美变革有着千丝万缕的联系。中外文化交融促进了唐代服饰丰富多彩。唐代人们受佛教美学的影响颇深，在人们的观念中，形成了万物有情、万物皆有生命之说。正如后代的美学理论家婆罗在《舞论》中解释“:常由常情(固定的情)欢乐而生，以光彩的服装为其灵魂。正如世间凡是清白的，纯洁的，光彩的或美丽的都以‘艳’表示”。艳丽的色调与创新的装饰手法结合，使唐代服饰的色调由古朴色调变为明快艳丽色调，并洋溢着浓厚的异域风情，服色的艳丽华美前所未有。唐代织锦不但色彩繁丽，而且图案典雅华美，我们从唐代图案结构的变化便知，惯用通幅排列和菱格骨架排列，增添了圆形骨架排列表现了图案纹样的多样性，图案构图活泼自由、疏密匀称、丰满圆润。我们从周昉的《簪花仕女图》可以证实。《簪花仕女图》（从图左起)第一位贵妇的服饰，内穿高束曳地红底色长裙，束裙上由圆形骨架排列的宝相花图案，使本来因色彩的艳丽而浓重俗气的画面产生统一的视觉效果，从而达到了“艳而不俗”的色彩美感。第二(左起)位贵妇服饰，内穿白底紫绿色团花纹样高束曳地长裙，外罩红色背中嵌有少许绿色的纱衫，纱衫面料色彩采用大面积朱红色与小面积绿色补色对比，外观十分艳丽。第三(左起)位贵妇，内穿红色高束曳地长裙、外穿白色菱形图长衫，虽有点呆板，但肩上的深紫色披帛，其卷草纹图案由淡红、绿、蓝等色构成，红裙与披帛上以淡红色点缀，色彩浓艳富贵。第四(左起)位侍女，她外穿红色菱形图案的纱衫，内穿圆形莲花图裙衫，腰系白色圆形图案的披帛，趋于简单的搭配，达到了“典雅不俗”的境界。第五(左起)位贵妇，她内穿红底色团花高束曳地长裙，圆形花团锦簇、层次分明，有富丽堂皇之感。第六(左起)位贵妇，头插牡丹，身着红色长裙，裙的下方显现出圆形宝相花纹蔽膝，外披紫褐色纱罩衫，面料颜色深沉，上搭朱红色饰有蓝白卷草纹样披帛，红裙与朱红色披帛互相呼应，增强了装饰效果的节奏感，显现了图案与色彩的妙用。

二、绚丽多彩的唐代服饰成为身份的重要标志

服饰是一种文化现象，但在不同的时代背景下总与政治色彩联系在一起。服色作为一种无声的语言成为我国历朝历代尊卑等级的重要标志，服色在唐代成为社会身份的鲜明符号。就黄色而言，在色谱中，黄色明度最高，作为生命之依的太阳的颜色，同时也是佛教的神圣之色，为袈裟所用。纯净而亮丽的黄色为佛教所推崇，认为其有驱逐邪恶的力量，黄袍加身就成为帝王的专宠。譬如，在唐代高宗时期，认为黄近似于日，日是帝王的象征，禁止官民穿着黄色，把赭黄规定为皇帝常服专用之色。从早期阎立本的《步辇图》便知，画面描绘了贞观十四年(640)吐蕃(今)赞普松赞干布派使者禄东赞入长安见唐太宗的场面。画卷赋色沉着深厚，利用画中唐太宗身着黄袍表明了至尊天子的身份。“贵贱有级，服位有等，……天下见其服而知贵贱”（贾谊《新书•服疑》），以服色辨别身份的等级差别，衣紫、绯者高贵，著青衫者贫贱成为社会定式。由于紫色难得,所以紫衣为贵是西周以来逐渐形成，唐高祖时代，紫色、绯色为高级官员品服，限制他人任意选用。他还规定了大臣们的常服用色，亲王至三品用紫色大团花的绞罗制作，五品以上用朱色小团花绫罗制作，六品用柠檬黄色几何纹绫制作，七品用绿色龟甲、双巨、十花绫制作，九品用青色丝布杂绫制作。从此正式形成了黄、紫、朱、绿、青、黑、白等服饰颜色序列，黄色则成为了封建社会色彩等级的最高标志。虽说白色在服饰颜色序列中排列最后，但唐代首开先河，流行举子着白衣，这与佛教中的善“白”思想观念有着某种必然的联系。佛教的色彩美学有象征性的一面，亦有装饰性与自然性的一面。从《唐六典》记载：天子服有白纱帽，又唐制，新进士皆白袍，故有“袍似烂银文似锦，相将白日上青天”之句。而至唐之后，白色唐锦的使用引人注目，除去做地色之外，还常常用来勾勒纹样的轮廓。白居易用“缭绫缭绫何所似？不似罗绡与纨绮。应似天台山上月明前，四十五尺瀑布泉。中有文章又奇绝，地铺白烟花簇雪。”诗中描绘了“缭绫”的形状和色彩，用“铺烟”、“簇雪”作比，写出了底、花俱白。可见“白”色的作用意味深长。

三、绚丽多彩的唐代服饰给予的启示

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1　色彩选择

蓝色表现出一种平静、理智与纯净，给以人以冷静、智慧、深远的感觉。纯蓝加白是明清色，给人以清淡、明净、聪慧、伶俐、高雅、轻柔的心理感觉［1］。在炎炎夏日里，淡雅的蓝色如同薄荷糖一般，给人增添了许多凉爽，同时让人不禁想起蓝天白云，海天相接，给人一种宽阔无垠的视野，心胸自然一片开阔。

2　主题确定

“蓝之私语“服装以蓝、白色为主色调，选用针织面料为主要面料，主要采用褶皱与蝴蝶结的手法来诠释女性的魅力。蓝与白的拼接，为炎炎夏季增添了一抹清凉和冰爽；褶皱与蝴蝶结的组合，同时也将女性的青春、靓丽与优雅表现得淋漓尽致。

3　样板设计方法

3．1　基础样板法

基础样板法简称基样法，是将我国服装业制版传统使用的比例分配法和国外的原型法相结合，依据我国传统制版技艺习惯而创新应用的一种方法。该方法以衣服的实际胸围为基数，依据国家标准用比例分配法制成基础样板，再以该基础样为依据，变化制定出千姿百态的各种款式服装样板［2］。基样法方便、快捷，被很多中、小型服装企业广泛应用。

3．2　立体裁剪法

本设计采用立体裁剪方法完成服装款式的造型，直接将针织面料覆盖在人台或人体上，通过分割、折叠、抽缩、拉展等技术手法制成预先构思好的服装造型。立体裁剪基本上没有数量公式的计算，完全凭想象和经验在人体模型上进行创作。其手法有单一式，即全立体裁剪；混合式，即立体与平面混合交叉应用；展平式，即采用立体展平的方法［3］。

4　服装规格尺寸及样板设计

4．1　规格尺寸设计

该服装成品规格设计如表1所示。

4．2　规格尺寸计算

样板尺寸计算如下，单位：cm。上衣样板尺寸＝（成品规格＋挽边＋合片缝耗）／（1－回缩率）＝（22＋2．5＋0．5）／（1－2．2％）＝25．6后片样板尺寸＝（成品规格＋挽边＋合片缝耗）／（1－回缩率）＝（10＋2．5＋0．5）／（1－2．2％）＝13．31／2胸宽样板尺寸＝成品规格＋合腰缝耗×2＝40＋0．5×2＝411／2腰宽样板尺寸＝成品规格＋合腰缝耗＝32＋0．5×2＝33腰带长样板尺寸＝成品规格＋合缝缝耗×2＝64＋0．5×2＝65腰带宽样板尺寸＝成品规格＋合腰缝耗×2＝6＋0．5×2＝33下摆宽样板尺寸＝成品规格＋缝耗×2＝10＋0．5＝10．5其中裙摆主要采用立体裁剪法进行裁剪。

4．3　样板图绘制

图1中所示主要部位的成品规格见上表1所示。根据本款服装的特点，将服装样板分解样板如图1所示。

5　缝制工艺流程

该服装采用的缝制工艺流程：合侧缝（三线包缝机）绱腰（三线包缝机）绱下摆荷叶边（三线包缝机）缝装饰花（手工）成品整烫（手工）检验（手工）。

6　服装特点及着装效果

最终设计制作出的服装成品效果如图2所示。一抹长裙是女性难以割舍的选择，并且衣身合体显示出女性的美好曲线。这款服装简洁的白色衣身加上周边的蓝色随意抽花，给白裙设计了亮眼的装饰，并将裙摆设计了人字形改变，彰显其个性。胸前的蝴蝶结装饰设计，以及在后背系有交叉的长丝带，随意打成蝴蝶结，并伴有飘洒丝带，使后背的裙身不显单调与乏味。服装整体重点体现了女性优雅和高贵的气质，并将其表现得淋漓尽致。七分的温和，三分的高雅，温和中体现高雅，高雅中又包含有适度的隐藏，隐藏中还有低调的骄傲，足以体现美丽高雅女人的气质。

7　结语

该服装设计从服装的款式、色彩、面料的质地、面料的纹理及装饰等方面进行设计，从而很好地表达服装的设计主题。从该过程中得出以下结论：

（1）在排料中可采用套裁法来减少耗料量，裁剪时需留出一定余量，避免在缝制过程中由于手误而造成不可挽回的损失。

（2）对于领口及袖口等易拉伸变形的部位，可采用滚边的方式进行处理，既可以增加装饰效果，又能减少边口的拉伸变形，对服装的保型性可以起到良好的作用。同时可以在领口采用抽皱的方法以降低造型对领口平整的要求。

（3）通过样板设计实践发现，用原形法并结合立体裁剪进行样板设计比较灵活、方便。

篇7

关键词：瑶族服饰；文化创意产品；文化内涵

湖南瑶族具有代表性的是平地瑶、过山瑶和花瑶服饰，这些服饰与当地的民俗文化息息相关，服饰元素也是从古老的图腾中演变而来的。作为湖南省重要的非物质文化资源，瑶族服饰文化逐渐消失在人们的视野中。随着时代的变迁，不能再把瑶族服饰文化固定在老旧的思维中，文化创意产品的快速发展正是瑶族服饰文化发展的一个契机。通过对瑶族服饰元素的提取和创意设计，在产品设计中表现出来，不仅能促进瑶族服饰文化的发展，也能推动当地经济的发展。

1瑶族服饰文化发展背景

瑶族服饰发展历史悠久，当地人民的性格特征和对古代图腾的崇拜，赋予了瑶族服饰特有的元素。瑶族的传统织绣工艺发达，并广泛地应用在服饰上，织绣中保留了极具个性化的特征，并具有强烈的民族识别性。瑶族服饰是民族非物质文化遗产，挑花、刺绣和蜡染是服饰的主要制作方式，其是民族艺术中独特的艺术形式，不能让这些美丽的服饰只存在于历史中。让瑶族服饰文化顺应时代的潮流，以创新的方式将特有的服饰元素融入生活中，是我们义不容辞的责任。历史如此悠久的文化地域，美丽的瑶族服饰不能仅仅局限在这片地域，但是这方面的设计产品却远没有表现出其个性和内涵。由于全球联系日益密切，国内文创产品深受国外的影响，再加上传统文化不能带来新鲜感，中国传统文化的发展缓慢。通过对瑶族服饰元素的提取和精神文化的价值分析，对瑶族服饰元素的文化创意产品的设计研究方法是当前快速传播瑶族文化的重要方式。从传统元素入手，将瑶族的传统服饰文化与文化产品相结合，才能促进有地域特色的文化创意产品的发展。将瑶族服饰元素与现代生活结合起来，才能发掘出民族文化向文化创意产品转变的设计方法。

2瑶族文化创意产品的现状与设计思维

中国传统的民族文化融入现代设计中，不仅能提升设计的创新性，还能发扬传统的民族文化。将瑶族服饰元素以创新的方式加入生活用品设计中是一种很好的方式。随着经济的发展，文化创意产品积极地推动着中国经济的发展，并对文化的传播起着重要的作用。但是，如今的设计受到国外文化的冲击，盲目抄袭，没有抓住适合中国特色文化发展的要领。文创产品是传播瑶族服饰文化的重要方式之一，瑶族服饰上的纹样的分布、大小以及样式，体现了瑶族人民对生活的热爱。不同的地域使得瑶族服饰有着不同的特点，从瑶族服饰元素中能看出瑶族的文化韵味和当地人民的生活方式、图腾和。在“盘王节”活动中（如图1），到处都能看到穿着传统民族服饰的瑶族人民，通过这个活动，可以让更多的人了解到瑶族的风俗人情，传承非物质文化遗产。在活动中，政府给每个参加活动的人发放了小礼品，这些小礼品大多都是市面上见得比较多的，如参加证、伞、黄色的围巾等。这些礼品没有当地的特色，质量也参差不齐，大多数人可能在当场就会扔掉，从而造成不必要的浪费。如何设计出有特色和带有当地文化特色的创意产品是设计师门需要思考的问题。这方面可以从瑶族服饰元素入手，将其加入文创产品中，让买家一眼就能看出这个产品很有文化底蕴，能很好地表达当地的文化特色，这样才能更好地传播瑶族服饰文化。瑶族地区的文创产品多以传统手工艺品为主，但是现今的文创产品普遍雷同，缺少创新性，而且这些文创产品并没有实用性。缺乏审美功能和实用功能的结合，就不能算是好的文创产品。设计中针对服饰元素一定要有创新的想法，可以重新组合这些元素来创造出新的纹样，既要有传统元素也要有新颖的内容，才能创造出有价值的文创产品。

3瑶族文化创意产品发展的趋势

瑶族服饰纹样中的元素都有特殊的意义，将它们巧妙地运用在产品中，使每一种造型和颜色都能传达出一定的意义。消费者借助产品来满足自己的物质生活需求的同时，对产品的形态和风格也有要求。人们不自觉地去追求某种象征性的意义来传达生活理念，以此表现出一个个性的自我形象。在传播地域文化的过程中，可以将文创产品作为地域文化创意产业的重要部分，使文创产品具有强大的吸引力，从而推动地域文化的发展。消费者并不想买到没有文化特色以及批量生产的文创产品。没有当地文化特色的文创产品是没有价值的。对于瑶族服饰来说，最重要的就是把瑶族服饰中精美的元素提取出来，将这些元素进行创新整合，实现技术创新和设计创新。良好的视觉设计是高品质的外在表现，是成功吸引消费者的目光和打动消费者内心的关键，也是增强市场竞争力的关键因素。

4结语

拥有文化内涵如此丰富的瑶族服饰，其文化衍生产品也应该有其文化标识。但是现今的文创产业体系，给瑶族文化的传承和发展提出了新的挑战。设计的基础是文化传统，只有认识传统才能发掘其中的力量，适当的借鉴是必要的，但是不能只停留在表面形式上。本文通过对瑶族服饰元素提取运用在文创产品中，分析瑶族服饰文化发展的趋势以丰富瑶族服饰文化的内涵，更好地传播优秀文化。

参考文献：

［1］…李彦.湖南瑶族服饰文化［M］.湖南：湖南美术出版社，2014.

［2］…玉时阶.瑶族文化变迁［M］.北京：民族出版社，2005.

篇8

我们中国的色彩最为突出的应当说是红色，在动漫的角色服饰设计中在红色的应用上应加以重视，“中国红”这一有着中国特色的色彩在中国人的心目中以及在国际上都已经有着特定的地位和内在的含义，它代表着我们血液的颜色，这是从很古远的时候我们的先辈对于红色的理解，从而红色就显得格外的神秘且神圣，成了我们最早对红色的崇拜，这是我们应该重视的原因，而古往今来对红色这一色彩的应用就没有中断过。比如在动漫《哪吒闹海》里面哪吒的形象，他身上的肚兜以及服饰都是结合了中国传统的色彩元素，同时“中国红”也体现在哪吒手上的红彩带以及发髻上的红色装饰上，这些都和谐的与整个身上的服饰相呼应，给我们展现出了一个活泼可爱、机灵、充满激情的形象。还有在动画片《大闹天宫》中孙悟空的形象，在上衣上主要是以黄颜色为主要的色调，红色在下装上得以展现，中间是橙色的腰束，从整体看来在颜色上的变化就是黄、红的逐渐变化的过程，腰带、衣服的镶边、袖口、帽子上的装饰也都是以红为主夹杂其中，这些色彩都是中国的传统色彩，也是中国的脸谱颜色。另外，在动漫《猪猪侠》中，猪猪的服饰也是以红色为主要色调，受到很多人的喜爱。从这可以看出，在我们的动漫作品中，以红为主的色调在服饰设计中的出现概率还是相当高的，这也代表了红色在我们心中的地位。［2］

2中国的传统原色在动漫角色服饰设计里的运用

在我国的《孙子兵法》里曾经对色彩有过相关的描述“色不过五，五色之变不可胜观也”，这里的无色也就是我们传统的原色，就是黄、青、红、白、黑。在动漫中人物的服饰上对于原色的应用，主要是指明度和纯度使用高的几种原色，像我国的动漫作品《骄傲的将军》里面对于将军这一角色的服饰设计上运用的就是以青、黄、红三种原色来设计的，传统的色彩不仅能很好地体现出我们中国戏曲上的一些特色，也在应用上对于我们传统的视觉感官得到了充分的体现。怎样能科学的将中国原色应用到动漫服饰的设计里，这就要对色彩的形状对比加以重视，因为在不相同的色彩形状上愈是集中对我们造成的视觉上的冲击力也就会愈大，反之，越分散对我们的视觉冲击力也就会愈小。在设计过程中色彩的搭配、色彩面积的大小以及在距离上的差距等都是关键性的问题，把这些问题解决好那么设计出的效果就会更加的具有感染力，也才能体现出具有中国特色的传统原色的独特魅力。

3动漫角色服饰设计中的无彩色系

在我国的道家学派中有着阴阳相生相克的这一理念关系，这种关系包括动静、虚实、黑白、聚散等，以此来阐述自然，道家对自然美、黑色这些自然的色彩有着崇高的追求，这就启示着我们对无色系使用的重视，在灯红酒绿的现代都市生活中很多人也对无色系非常喜欢，因为它简单、质朴、沉静。在对动漫角色的服饰设计中的无色系的应用就能显示出人物形象的自然之态以及永恒的美。比如动漫《阿凡提》中的角色服饰设计，就具有地方民族的一些特点，使观众看后有种亲切的感觉。［3］

4结语

篇9

布堆画，又称拨花、撂花、布贴画，是根植于民间的一种具有群体性艺术的民俗种类，是陕北延川民间艺术中的珍品。布堆画起源于劳动人民的日常生活，由妇女们给孩子衣服打补丁演变而来。心灵手巧的陕北姨婆，将补丁剪成适宜装饰的图形，选择宜于搭配的各色布，缝缀上去，既耐磨又美观。渐渐形成了一种装饰新招数，不再局限于补破洞，图案花样也得以丰富。在传统的文化熏陶下，随着妇女们对美的认识领域进一步拓宽，他们竭力构思崇尚生殖繁衍、神灵保佑、吉祥如意的图画，揭示人类产生、生存以及发展变化的奥秘。80年代以后，陕北民间布艺由专业人士进行了整理、开发，使这一传统手工艺得以传承并发扬，并且从传统生活用品的概念中分离出来，形成了专门的艺术门类——布堆画艺术。陕北延川布堆画是陕北地区群众喜闻乐见的一种民间美术。既具有汉画像石的造型、剪纸的手法，又具有刺绣的色彩、浮雕的感觉，堪称陕北民间艺术结出的一朵美丽的奇葩，具有很高的学术研究价值。在经历了时代的锤炼后所形成的独特的审美趋向与文化意识，对服饰设计的发展具有重要引导与借鉴作用。深入研究这门民间艺术，对其文化背景、艺术手法、造型法则、色彩语言、象征寓意等方面，以及其作为一门传统民间美术对于当代服饰设计所具有的影响力等进行深入的分析与探究是十分必要的。

一方面，起步较晚的中国服装行业近年来虽然蓬勃发展，但是由于盲目跟随国外潮流，对外在形式的过多注意，而忽视了服饰设计的内在文化底蕴，造成了中国现代服装设计在表现上的空洞和没有生命力。因此研究传统民间艺术，尤其是具有鲜明地域特征的陕北布堆画艺术来丰富服饰设计的艺术创作，以弥补现代中国服饰设计中文化内涵和民族感的不足具有非常重要的意义。陕北布堆画艺术中蕴含的优秀的民间艺术元素，对当代服饰设计具有重要的引导与借鉴作用。挖掘、利用其艺术元素使之服务于现代时尚设计，够赋予服饰设计以深厚的文化内涵和丰富的视觉形象，有助于我们走出一条适合中国服装设计师自己的具有中国民俗特色的设计之路。通过对陕北布堆画与服饰设计的耦合性研究，分析陕北布堆画的艺术特色，并从当今设计界的流行趋势和风格入手，将陕北布堆画在造型法则、色彩语言、制作工艺、民俗寓意等方面与现代时尚设计进行类比，归纳时尚服饰设计与陕北布堆画艺术之间的契合之处。通过对陕北布堆画艺术的搜集、整理和研究，探寻民间艺术的设计观念、理论与规律，并结合当今时尚设计理念，有助于倡导具有中国民俗特色的设计理念；提取陕北布堆画艺术中的民俗元素，结合当今时尚流行趋势，取其精华、去其糟粕应用到服饰设计中，可以丰富服饰设计的文化内涵和视觉形象。

另一方面，随着经济的迅猛发展，陕北布堆画这一费时费工的手工艺已经渐渐失去了其所依附的经济基础，从人们日常生活中退出，面临消失的危机。民间艺术只有与的生活相结合，才能重新被人们接受。研究陕北布堆画与服饰设计的耦合性，可以丰富服饰设计的文化内涵和视觉形象；同时，通过布堆画在服饰设计中的应用，也带来了布堆画发展的契机，使其融合现代时尚元素，扩充传统布堆画的表现题材及表现形式，结合新的材料，改良布堆画的传统制作工艺，融入现今流行的设计风潮中。通过在现代服饰设计中的应用，可以赋予它们新的形式、新的功用，使其在保留地方民俗特色的同时更具可推广性，使这门民间艺术能够以服饰为载体重新融入到现代生活中，更好的发展下去。

经济一体化的渗透与文化多元性之间的碰撞带给传统民间艺术新的挑战和机遇；同样，提倡和追求本土化的服装设计也具有重要的文化意义和紧迫性。通过对陕北布堆画艺术特色的研究，结合当今时尚流行趋势，去其糟粕取其精华应用到服饰设计中，可以提升我们设计水平的同时赋予当代服饰设计以深厚的文化内涵。同时，通过布堆画在服饰设计中应用，使其重新融入现代生活之中，融合现代时尚元素、扩充表现题材及表现形式，并结合新的材料，改良布堆画的传统制作工艺，使其在保留地方民俗特色的同时兼具可推广性。研究陕北布堆画与服饰设计的耦合性，可以使布堆画这一民间艺术以服饰为载体重新进入人们的视野，为人们所熟知和了解，有助于传统民间艺术的传承和发展，同时，提取陕北布堆画艺术的艺术元素和设计理念，能够为服饰设计提供新鲜的血液，赋予现代服饰设计以新的视觉形象和文化内涵。

本文作者:李苏工作单位:大连工业大学

篇10

1　服饰品爱上涂鸦

服饰往往走在时尚界的前沿，当然不可避免的与“涂鸦”结缘。著名的奢侈品品牌路易威登不仅仅在成衣上出现涂鸦，还出现在其2009年最新的Stephen Spouse系列中，涂鸦字母和涂鸦玫瑰的大花组合出现在其最经典的Keep all、speedy与Never full手袋上，这一系列玫瑰花手提包绝对称得上包袋设计的典范，毫不夸张地说，鲜明艳丽的涂鸦玫瑰在闪亮漆皮上产生的效果，可以美到极致撼动人心的程度(如图1)；此外，涂鸦艺术还大胆地运用在鞋履、配饰甚至珠宝上，饰品整个面貌变得更年轻、更时尚。许多时装大牌也十分垂青涂鸦艺术，例如，普拉达在2008年的春夏会上，将秀台背景用涂鸦的手法表现，呈现自由放纵的街头意象，而模特们也身着手绘涂鸦的时装，拎着由艺术家James iean涂鸦的皮包；D&G在演绎洛可可风格的“华托服”仕女的同时，采用现代派涂鸦艺术创造出全新式的女装，裙摆丰满宽大、花卉图案色彩明丽：克丽丝汀・迪奥(Christian Dior)也推出涂鸦图案的长裤、短外套和皮包、鞋子；一直善于出怪招、常常不循常规的维维安・韦斯特伍德，在其“女巫”系列里，就已经将纽约涂鸦艺术家凯斯哈林(Keith naring)就的作品中的符号语言运用到自己的作品中(图二)。涂鸦艺术与时装大牌的合作可谓举不胜举。

2　服饰品设计领域中涂鸦艺术流行现象分析

涂鸦是街头文化静止的表现形式，视为游走在法律与艺术之间的艺术，但涂鸦的非法性非它的内涵、或者作画的形式，而在于它所选择的地理位置。它既可以是政治的，也可以是人性的，甚至可以没有任何含义。它是绘画者最直接的内心的声音，其色彩明艳，声音铿锵，个性张扬。它是一个城市年轻的标志，激情而躁动，不安而叛逆，虽然许多人不肯认同它，但却不能忽略它们的存在价值。任何事物的存在都有其存在的价值和意义。

2.1　驾驭时尚空间

现代人追求自由与个性的服饰审美心理带来了当代服装革命性的影响，力求打破常规，更新传统设计观念，多方位尝试更多标新立异的设计，极力展现自己的与众不同，使得服饰焕发出无限活力，引起人们对衣着者的关注。涂鸦也是一种艺术设计符码，它不受图形限制，可以自由创作；也不受色彩限制，可以同时选择各种不同的颜色。其创作的空间可以极大限度地发挥设计者的想象力，任何人都可以参与设计。正是这样，它流行在服饰品设计中让消费者爱不释手。例如：个性涂鸦包袋设计，给色彩缤纷的夏日平添了些许复古、个性、时尚的点缀，完美的配合着在工作和生活中扮演不同社会角色的时尚男女的个性美(如图3)。

2.2　释放幽默智慧

科学技术快速发展带来了很多方便，但同时对现代人的要求也越来越高，来自各个方面的压力也越来越大。为了适应社会的发展，让自己在竞争中处于不败之地，更多地学习知识是必须的。所以，现在人的时间越来越有限，生活节奏也越来越快。在忙碌之中，人们渴望能够在愉快的气氛中，快乐地承受现实的压力。于是乎，取材搞笑题材的漫画、蜡笔画、粉笔画，打破四平八稳的对称式等等个性十足的鞋帽、包袋等系列设计，融合波普风格加上手绘的涂鸦画，一推出市场就备受瞩目，甚至鞋带可以交换穿着，不是同一双鞋子也可以配成鸳鸯鞋；或者仅仅用是简单的几笔与颜色搭配，使得朴素的布鞋变得活色生香起来，趣味独特，给繁忙的生活增添丝丝乐趣(如图4)。使服饰品更贴近生活，使生活更多一些随意舒适而少一些约束和规矩。

2.3　追寻童话与梦幻色彩

每个人都拥有自己五彩缤纷的童年，童年是人生最珍贵的东西，是人生的开始，人们常常十分地珍惜它。童年的梦是五颜六色的，像百花齐放般的美好，让人回味，让人忘返，虽然童年早已是过去式但这并不能阻止人们回忆起孩童时的天真与无忧无虑的点点滴滴梦幻。服饰设计师们，掌控了这样的消费心理，把握了流行的动态，创作出一些奇幻、诡异、华美、充满暗示的艺术商品。例如，天才跨界设计师Julie Verhoeven为Mulberry设计了2009年夏最清凉和轻便的全透明塑料手提袋，色彩缤纷的冰淇淋图案带有强烈的后现代涂鸦风格，配合透明包身，充满想像力(如图5)。及时准确地满足消费者“猎奇”的心理需求，也为服饰品增添了商品附加值。印有James Jean插画的2008年PRADA包袋令人记忆犹新，该系列中一些美丽奇幻的括画被大幅度地应用在整个服饰系列中。“会吞噬小女孩的巨花”成为当季最惊悚的主题(如图5)。这个系列的手袋由年轻插画家James Jean操刀绘制的漫画图案印制在丝绸上制成。漫画创意的应用使这一款手袋更贴近春夏的色彩，同时也会吸引更多年轻女性的目光。

3　时代背景下涂鸦艺术与服饰品合理应用的需求

任何事物的流行或盛行定有其时代的背景，受世界经融危机影响，环保材质的应用日益受到设计师们的重视，现代人倡导科学地利用资源的循环原理来减少服装生产过程中所带来的环境污染，如何启用一些可行的设计手法来再造服装生产过程中已废弃的资源，设计并制作出具有时代感的新式样、新外观的饰品应该是设计服装人研究的新目标。而在废弃材质上进行涂鸦的艺术改造，既能既降低能源消耗又能改变旧衣物或饰品的外观，并且使得再次进入商品循环流通链，创造经济实用价值。

由此，涂鸦艺术在现代饰品设计中，演绎着精彩的篇章。它的艺术形式、风格内涵、经济实用价值、创新思维等等方面有着广泛的涉及面和创新点，探究其未来的发展方向或演变趋势是服装业内人士新的聚焦点。

参考文献：

[1]许春梅.《服装时尚领域涂鸦艺术流行现象分析》.消费导刊・理论[J].2009年第3期第70页

[2]许星.《服饰配件艺术》(服装高等教育十五规划教材).[M].中国纺织出版社.2005年10月

[3]杨雅茹.《不要叫我几米――专访心锐漫画黑荔枝赵宇》.时代人物.[J].2008年第6期

[4]黄灿艺，崔丽娜.《浅谈涂鸦艺术对服装时尚领域的影响》.商场现代化[J].第14期

[5]赵辉，刘晓刚.《新锐文化涂鸦走入服装设计领域后的新诠释》.装饰.[J].2007年11期

[6]李慧.《关于涂鸦商业式生存的可能性》.理论观察.[J].2008年第5期

[7]刘元风、胡月.《服装艺术设计》.[M].中国纺织出版社.2006.1