现代绘画范文

导语：如何才能写好一篇现代绘画，这就需要搜集整理更多的资料和文献，欢迎阅读由公务员之家整理的十篇范文，供你借鉴。

篇1

关键词：发展 装饰画创作 新语境

        随着科技文明的进步和发展，人类审美意识的不断增强，装饰画越来越多地进入了人们的生活，作为一种文化的存在，一种独具风格的艺术表现形式，将被更广泛地应用。

        美学意识随着现代生活的演进，愈来愈深地渗入人们的生活空间。人们对美的追求也体现在衣、食、住、行各方面，特别是当今现代人的生活环境、现代人的生活节奏比任何时候都需要艺术的调节和平衡。装饰画作为一门独立的艺术形式，由于它雅俗共赏，人们在心理容易接受，再加上装饰画可制等工艺特点，使其便于流通，经济实惠，已成为人们生活中不可缺少的部分。不同环境的装饰画创作有不同的特点。

        一 居住空间的装饰画

        装饰画起着活化空间和渲染气氛的作用，结合环境和照明设计，成为室内装饰的亮点。在居室的玄关、走廊、房间出入口所对的墙面等处，挂上装饰画或摆上艺术品，再配上照明，就能创造出别致的气氛。家里有许多不同的空间，起居室、卧室、餐厅、厨房，都需要画的点缀。

        1．客厅的装饰画

        客厅在人们的现代生活中无疑是每个家庭的生活中心，并且是家庭聚会、宾客来访的主要场所。因此，客厅内的装饰画应该以装饰为主要目的，而且是客厅的重点装饰物，有时还可以作为客厅的一个视觉焦点或重要组成部分。客厅装饰画能从整体上反映主人的爱好、审美意识、审美情趣，体现主人的文化要求。

        2．走廊的装饰画

        走廊很适合布置成艺术走廊，可以同时挂几幅作品。画框的款式规格应一致，单幅控制在50cm×60cm 左右，并等距平行悬挂，形成连贯的整体，既美观又利于欣赏，如每幅上方有射灯照明效果会更好。

        3．餐厅的装饰画

        餐厅是进餐的场所，追求安静、舒适、怡人的餐饮环境，是每个成员的理想目标。因此，在色彩与形象方面，家庭主人就要花费一番心思。而绿色和白色，经常成为餐厅的主调色，易于造成清爽、新鲜、平和、美观、令人心旷神怡的气氛。

        4．卧室的装饰画

        通过装饰画的色彩、造型、形象以及艺术处理等等，从而立体显现出舒畅、恬静、轻松、亲切的美的意境——与人接触的部分可以有柔软舒适的触感，即便在人不易接触、抚摸的地方，也要让人感到温馨而富有情调。

        二 公共环境装饰画

        公共环境范围极广，凡是能为大众提供各种服务的场所都是，而且功能也是五花八门，并且每一个公共场所，由于其自身的特点所形成的个性，就汇总成公共环境的总体风貌，如：会议室、候车厅、宾馆、商场等等。 

        1．会议室的装饰画

        会议室不管是国家事业单位还是企业，都是用于参政议政的场所。不同的会议室环境，也不管它的大、中、小，都能体现出一个单位的实力、文化品位、层次等精神理念，体现出集体智慧和集体的力量。

        2．候车厅的装饰画

        车站，人流量大，每天都有数不尽的旅客。在这种场合下，使用什么风格的装饰画，让人们在旅行过程中得到美感，体会一个社会的现代化文明是有要求的。从画的形式到内容常以本地风土人情和城市风貌为题材，让旅客感受到地区的文化性，同时表现高速发展的科技文明和未来远景，也是候车厅装饰画的极好选材。

  3．商场的装饰画

        作为公共环境的商场，怎样使用好装饰画，也是商战中的一种特殊武器。一般是根据商场的总体布局以及局部要求来布置，如强烈的、柔和的色彩都是在不知不觉中吸引顾客在舒适的购物环境中产生购买的欲望。

        4．纪念馆的装饰画

        纪念场馆一般指博物馆，主题广场、公园、陈列室等场所，因为有其特定的主题，所以装饰画的使用便必须具备解说或者昭示的目的。其构成方式和作品风格往往是泼辣大胆，具有强烈的视觉效果，以达到游人认知、感动的目的。

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一、光线

一直以来，光线就是画家常用的表现技巧，肩负着展现画家创作意图与主观精神的使命。尤其在西方现代绘画中画家对光线的运用更是开创了新的视觉表现，其与空间、色彩、体积、时间等共同组成了西方现代绘画中不可或缺的审美因素，为画作增添了别样的味道。在西方现代绘画作品中，画家主要通过对光的研究探索出光在艺术创造中的效果运用。如运用各种不同的几何体的周期性结构、纬线叠积或色彩排列，以及不同的艺术手段，使其产生波纹形效果和色彩的扩散，同时配以强度分离、对比、连续或交叉，增大或减少色彩和色调的互相干扰，使画面的诸多构成要素（色彩、形状、明暗、肌理等）产生一种独特的视觉效果，给观者一种闪烁或是运动的假象，引导观者深入探究作品，而这正是现代绘画的魅力所在。

二、线条

线条作为一种重要的绘画因素，产生的较为偶然。它可以是火山喷发四溅的线条，可以是地壳板块倾轧造成的褶皱，也可以是有大地的肌肤，给画作的美提供了更多可能。在西方现代绘画艺术中，线条不再是形式化的线条，而是成为了画家手殊的表现手段，更多的是指向内在，旨在借由线条的张力、方向和视觉作用唤起的主观精神，给观者以视觉感官刺激，将观者指向一种“不可见”的遐想，最大限度地丰富绘画语言的可能性。比如，保罗•塞尚的《静物》，为了进一步强化平面张力，画家有意识地将桌布下的桌边线在不知不觉中错开，或者把一角拉大，而画作中酒杯的边线也未封闭，和桌面连在一起，加上同面积、体积的对比，既强化它们又强化自己，在无形之中增强了画面的力度。这种多样化的线条表达方式，开拓了现代绘画的实践，丰富了绘画的无限的可能性，为广大绘画爱好者的实践提供了参考。

三、意象

在西方，意象是感官意识的记忆，是外部世界通过感官而被感知和意识的结果，主要包括心理学上的表象、心象、映象或语言学上的喻象、象征、想象及其产物，意象被引入现代绘画艺术后，有效帮助画家将意识中的物象充足地显现了出来，而且还深入到潜意识层面，在某种程度上支持了主观自由的表现形式，激发了画家的创作思维，为他们开拓了更加广阔的艺术道路。以奥地利画家科柯施卡的作品《玩耍的儿童》为例，这是一幅描绘儿童玩耍的作品，从表面来看，这幅作品中的孩童并没有古典主义画作中那么美丽、可爱，细节之处也有所不及，但却惊人的逼真。因为画家在创作这幅作品时，一直在用怜悯、同情的眼光观察儿童，并用画笔很敏锐地抓住他们的向往及梦想，意象化地对孩童笨拙的行为和身体发育的不平衡表现了出来，这种看似不正确的绘画手法，却高度概括，反而使他的作品更加真实和令人信服，在传递更多审美信息的同时，也成功地输出了更多的情感信息。

四、形式语言

回顾历史，西方画家的传统绘画审美观念主要以科学作为参照手段，追求对自然物的“摹仿”“再现”，但却忽略了绘画本身存在的价值。直到19世纪，现代画家们呼吁寻找到一种“真实的世界”，才逐步转变为对绘画本身形成方式的追求，不再是一味地模仿自然，同时将绘画本身作为最终目的，把摹仿世界的意识转变为创造世界的意识。可以说，在现代绘画艺术中，画家更注重形式语言构成方式的探索与追求，一方面体现着画家对外界的体验，另一方面又是画家内心的自我观照。比如，同样是画苹果，古典主义画家追求的是照相般的真实，而现代主义画家多强调绘画的纯粹性，更加注重画作的形式结构，在他们看来，苹果的真实感并不重要，那些无关紧要的枝节问题应尽量简化、概括，秩序化的图像和明晰性、坚实感更加重要，因为他们认为对这种形式语言的驾驭能力，远比对物象本身的认知重要。

五、东方元素

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【论文摘要】：艺术表现的外延和内涵虽然已经被拓展到一个相当广泛的艺术领域，但那些一味"反传统"的现代画家，在艺术实践中无论怎样标新立异，偏向所谓求新求变的极端，最终还是不能与传统的绘画或者其他传统工艺决裂的。

人类的历史有很大一部分也可以称做是一个设计的历史，而艺术设计在现代绘画的基础上，可算做是一种延伸。艺术设计运用创造性思维，从整体和具体细处都属于形象思维和逻辑思维的结合。对总体的安排和结构的处理运用逻辑思维为主，对造型和表面装饰的处理运用形象思维为主，二者不可截然分开，而是相互交替进行。

在文化发展过程中，绘画与艺术设计对其影响深远的感触莫过于平面设计人员。设计者不但要具备绘画的基本造型技能与审美意识，在商业文化产业的运用中也需要特殊的理解和创造性。

一、共性与共同面对的问题

现代绘画与平面设计同样都是个性的表露。回顾绘画的发展史就会发现，无论中国还是西方，每一位杰出的大师都曾经创造过极端个性化的作品，他们的作品都具有自己的典型特征。画家、设计师们，尤其是现代派的一些大师，他们在创作时可以完全不用考虑其作品的社会性。在某种意义上说，作品的生命力，正表现在个性化上，通过作者对美的形式法则的特殊理解而存在着。任何一个伟大的画家、设计师，都会有自己独特的审美个性，创作者必须把自己个人的主观意志潜能释放出来，最大限度地表现自我。

然而，现代绘画与现代艺术设计设计在这个飞速的时代所产生的弊端主要是因为早已经历过绘画造型的鼎盛期，而期更能突破前人的思路，求得更开阔的道路而采取个性化的创新手法上。当今是一个信息高度发达的世界，要反映这一时代特征，是设计工作者的主题。架上绘画现状低迷，而西方的艺术设计手法又繁复多样。各种不同类型的艺术样式结合，多样化表现艺术性主题。而很多艺术品只考虑创新，增添怪异手段，而缺少了考虑审美的方向性问题。

二、差异与调和问题

设计与绘画最大的区别是否依赖商品。设计作为商品具有包装价值和使用价值本身就是为市场服务的。设计的最终价值来源于客户的满意，商品价值的实现，市场需求的满足。设计师必须揣摩客户的心理使方案得到通过，；另一方面，客户可能对市场的把握、了解远胜过设计师，设计师缴尽脑汁的创意想法最终还是依附于客户的评审。设计也依附市场这根指挥棒。而绘画的本质是实现对美的追求。绘画与设计在文化产业发展中的运用，不仅仅体现在"个性化"与"依附性"方面，还体现在对形式美的规律追求的差异性上。

三、设计借绘画所用

绘画对美感的追求还表现在材质，肌理和表现手法上。现代绘画综合材料的运用表现在扑朔迷离的肌理运用上。绘画也用混沌含蓄的有限笔墨表达意境，这些手法在设计中也偶尔能见到，只是借用绘画的表现手法或借助绘画元素来完成设计的段落而已。例如有的设计作品从表面上是追求绘画中的空灵和气韵，更深刻的是用图形元素溶入到现代设计原理的图形构造中去了。这种类似绘画的空灵美，只是设计的手段而不是目的。现代主义设计主要从意识形态出发，将之放置到现代主义运动中的大背景中去。现代主义的运动产生的影响使之不断发展。而设计活动的自身特质和发展变化规律，也影响到我们对其它相关设计活动的理解。设计中的技术和艺术都影响着设计史的发展。设计中的技术与艺术两者互不可缺，两者完美结合可以造就优秀的设计，而反之却造成失败的作品。

技艺的完美结合成就了手工业时代艺术设计的辉煌。新艺术运动打破了维多利亚时期的矫饰风格向大胆创新的方向发展。"新艺术"也同样在艺术和技艺方面找平衡点，保持传统艺术的精髓。现代艺术设计中的客观化也得益于绘画，这种趋势始于塞尚，发展于立体派和抽象主义。而艺术观点的要旨是结构是一切事物的根本。塞尚认为什么外部条件和结构都不能改变事物的结构，而艺术家必须把事物纳入这个秩序中来，使事物成为结构中的有序。他尝试用结构的观点去认识和概括一切对象。立体主义的现代运动也受益于此思潮。他们将几何方式推向及至也屏弃了空间透视，强调理性规律在真实中的表现力。画家自身的绘画语言具有的抽象张力创造了新的世界。

现代艺术设计遵循理性主义，用几何形体和简约抽象的色彩概括客观对象，成为大机器生产的必然和最佳选择。在两者结合的基础上，诞生了现代主义设计。荷兰"风格派"和俄国构成主义。严格遵循几何式样，追求那种来自于机械的严谨与精确。努力寻求与工业化时代相适应的艺术语言和设计语言。从荷兰"风格派"和俄国构成主义设计中我们能看到，技术和艺术达到了最佳的结合，同时，也正因为这种最佳结合，现代主义设计成为二十世纪上半叶最稳定、最具影响力的设计风格，以至在后期发展为风靡全球的"国际主义"风格。"国际主义"风格的形成就可以看做是国家大工业化形成的衍生形态。设计与绘画艺术的平衡也是动态的，而技术的发展和日趋成熟也促成了艺术多元化的发展。

作为设计史上最重要的、最具影响力的设计活动，现代主义设计的形成的内因和外因，它的确切定义、面貌特征、持续时间和波及范围等等，都极其复杂，而现代艺术本身、现代绘画艺术与现代艺术设计的互动关系中也有许许多多细致的问题等待我们的分析整理。设计中技术与绘画艺术是互为的关系，它们互相渗透和吸收对方的精髓。现代艺术中的客观化趋势与现代主义设计的联系，现代主义产生的内在动因，这些都可以让我们对现代绘画与设计之间发现更多千丝万缕的联系。

中国传统绘画艺术在自然物的描绘中往往融入了一种图形化的抽象符号语言。而现代艺术设计不同于架上绘画，它是需要一目了然，简洁明了概括性极强的。现代设计运用多元手法突出重点，将不同比例、时间空间所寸的元素相结合，运用象征予人启迪。构思超载现实，构图概括，形象夸张鲜明，醒目地渲染主旨事物，赋予画面更广意义。而中国传统绘画中的空灵之感，以无形表达有形也在设计中被极好的利用。现代平面艺术设计大师也以意念为先，用形得神韵；不断创新；灵活取用为创意原则，和中国山水画的表达方式类似。多中国传统文化的精髓与西方的现念相得益彰。更有作品运用了中国的水墨技法和现代电子技术特殊的肌理效果，具有很强的视觉冲击力和文化感染力。中国传统艺术讲究的衡和内在的节律，强调变化中的均衡，也符合艺术上形式美的规律。中国传统艺术讲究的衡和内在的节律，强调变化中的均衡，也符合艺术上形式美的规律。在我国的艺术设计作品中，动与静、疏与密、虚实相生、纵横曲直、黑白对比、重叠交错等传统构图法则中也屡见不鲜。现代招贴艺术设计也大量的运用了古代或现代的民间工艺。概括多变的形式之美具有长久的生命力从而也给现代艺术设计提供了丰厚的养分来源。而复杂到单纯，丰富到简练的提炼过程，也是我们从传统绘画中走出所造就的。

四、设计规则蕴含着动态生命的整体表现

多元与凝聚、东方与西方、过去与未来、传统与现代都不要独舍一端，明白融合的要义，才能产生出更具涵义的艺术张力。反观历史，艺术设计与架上绘画直到今天仍然相互影响与交融共进。从架上绘画之象征到设计中意念的传达，从空间处理到图形设计的空间感与虚拟性，和建筑设计里的含蓄意寓。设计与绘画在冲撞与交融中得以更好的发展。

参考文献

[1]王受之.《世界现代设计史》,中国青年出版社,2002.

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【摘要】今天，我们面对不断发展的现实世界，以及国外的各种艺术思潮对中国传统艺术带来的冲击，新思想、新观念的不断涌现。如何认识传统绘画造型艺术与现代艺术设计的关系，成为当下设计应认真研究的课题。如果完全背离传统艺术形式，一味模仿西方的现代艺术，惟西方现代艺术马首是瞻，简单地挪用西方现代艺术形式，将使我们的艺术丧失民族的个性。

【关键词】传统绘画艺术现代艺术设计

从我国文化发展的历史经验来看，一个国家、一个民族文化的发展，要立于不败之地，就要勇于吸收，敢于继承，善于交融。无论是从我国早期华夏文化的形成直至达到两汉文化的高峰，还是盛唐文化受到西域、印度文化的影响而发扬光大，无不表明，只有勇于吸收，才能发展，只有敢于继承、善于交融才能最终真正成为自己文化的主人。在艺术设计方面我们也还是应该“立足中华、面向世界”，既要尊重民族艺术的独特性，体现中华民族的审美心理，又要反映现代人的内在精神追求。在艺术设计中，我们也要“寻根”，寻找我们中华民族传统文化中为其他民族所不及的思维优势和独特风采。艺术始终要讲内在的延续，一种艺术形式的产生及被容纳，需要特定的历史文化背景，其中包括一个民族的生活方式、习俗、伦理道德、审美习惯等，构成潜在的深层文化结构，深锁于民族的心理和精神之中，调节和制约着民族文化的发展和外来文化的介入。在中国设计者的作品中，时时流露出传统绘画造型艺术潜移默化的影响。分析这些影响，肯定某些积极的因素，将会有助于发展中国艺术设计。下面就从这个角度进行一定的剖析。

远在原始社会，我们的祖先就已在生活中孕育了绘画的胚胎，从已由仰韶文化为代表的新石器时期所产生的彩陶艺术所描绘的鱼纹、人面纹及花叶纹等装饰图形，至明清时期的文人绘画，我们会发现从原始社会的图形符号一直到封建社会晚期的各类绘画艺术，总有一些永恒的主题，而在这些主题之中，“形”的表现往往是中国历史艺术家借以传情达意的一种外在形式，也就是古代画论所说的“以形传神”、“借物咏志”。中国画艺术家在表现某一种自然物象时，更多地是注重与“形”所蕴涵地精神意义，而不是对自然物象作物理形态的外形模写。正因如此，中国传统绘画艺术在自然物象的描绘中往往融入了更多的“理性”色彩，将自然物象之形抽象为一种图式化的符号语言。

现代艺术设计它不同于架上油画或版画，它要求一目了然，简洁明确，集中概括的设计已逐渐成为主流。为了达到这个目的，现代艺术设计往往采取一系列假定手法，突出重点，删去次要的细节、细部，甚至背景，并可以把各个不同的比例，把在不同时间、空间发生的活动组合在一起。并运用象征手法，启发人们的联想。因此，它的构思要能超载现实，构图要概括集中，形象要简练夸张，要以强烈鲜明的色彩为手法，突出醒目地表达所要宣传的事物，赋予画面更广泛的含义并使人们在有限的画面中能联想到更广阔的生活，感受到新的意义。在这些方面，中国绘画讲究构思上的“以一当十”、“以少用多”，构图上“计白当黑”等审美追求能为平面设计师提供大量的营养。这已经在我国艺术设计中得到充分体现。如香港著名平面设计大师靳埭强，创作了大量文化招贴。他认为，美的原则有三条：立意——意念先行，以形取神：创新——承先启后，破旧立新；活用——适身合用，灵活生动。这实际上强调的也是老庄的哲学思想，也是中国山水画的表现意境。他的许多作品都无一例外地体现了中国传统文化的精髓，并融合西方现代设计的理念，其招贴设计《自在》系列运用了中国的水墨画技法，又融合了现代技术的特殊肌理效果。“水—生命—文化”招贴图形作品，更构筑了一幅在中国特定大文化场景下的具有视觉冲击力的现代平面图形设计作品。2008年的深奥标志也可以说是一个很好的范例，整个标志造型没有对传统造型的直接借用，而是运用了中国特有的介于似与不似之间的写意手法，恰到好处的传递出“中国结”和“运动员”两个意象。中国传统艺术讲究均衡和内在的节律，我国篆刻艺术中有所谓“疏可走马、密不透风”的布局法则，强调变化中的均衡，这既符合科学上相对的原理，也符合艺术上形式美的规律。在我国的艺术设计作品中，动与静、疏与密、多样统一、宾主呼应、虚实相生、纵横曲直、黑白对比、重叠交错等传统构图法则中也屡见不鲜。此外，远古的铜器纹样、画像石、金石篆刻等，特别是中国画，巧妙的运了用白底的匠心。民间剪纸和兰花布粗犷豪放的黑白关系、明代木刻插图的疏密聚散、都可以在现代招贴艺术的构图中得到印证。西方传统艺术，基于几何学空间观念，从模拟生活现象入手，借以展示作者的创作思想。中国艺术家则以“不似之似”、“脱形写神”为艺术追求的胜境。这些师法自然，来源于生活但又经过千锤百炼，概括而又多变的“程式”是一种经过高度提炼的美的精华，是沉淀了内容要求的形式之美。正因为如此，它才具有无穷的生命力。艺术家随着时代的要求，赋予它新的活力，常用而常新，这种程式化的处理在我国招贴画的装饰性形象处理上，也常得到应用，显示了夺目的光彩。齐白石曾提出“作画妙在似与不似之间”的著名论断，我们的一些招贴画，就“似与不似”的观点来考察，很多形象显然不是生活的简单模仿，而是由复杂到单纯，由繁杂到简洁的可贵提升。靳埭强招贴作品“金、木、水、火、土”招贴图形设计，也充分显示了这种文化精神，萦绕着极其强烈的现代主义设计的精神光环。陈幼坚包装设计作品“奇礼”，靳埭强包装设计作品“双妹花露水”。设计者对中国的文化传统有深刻的理解，对中国传统观念在设计中的应用挥洒自如。由于艺术设计的特征，决定了装饰色彩在设计画面上所起到的作用。装饰色彩具有一定的主观性，宋代苏轼曾画朱竹，有人责难他，难道有红色的竹子吗？他反问：难道有黑色的竹子么？意思是既然大家对“墨竹”习以为常，为什么不允许画朱竹呢？这说明传统美学观中对色彩的主观想象是允许的，而且是必要的。但这种主观想象不等于主观臆造，装饰色彩同样来源于生活实践，同样需要从客观事物中吸取营养。这正是包装画面所刻意追求的。“意足不求颜色似”说明了这种关系。人们常从彩蝶、霓虹、彩霞等自然色彩受到启发而创造出色彩绚丽的装饰效果。装饰色彩的主观性使某些联想，将自然景色“拟人化”。传统中国画中也经常把荷花画得红艳艳得，荷叶只用淋漓得水墨，面对这些形象，人们自然会觉得所画的水墨叶子是绿色的。在艺术设计作品上，常常也有这样的例证，一张蓝色的画面，上面画几束灿烂的焰火，这块蓝色自然会被人接受为深邃的蓝天。同样是蓝色的底色，画上几块白色的三角帆影，这块蓝色又会被人们视为无边的海洋。一张绿色的画纸上画一对嬉戏的小羊，这绿色就成了如茵的草坪。正因为只是单纯的底色，空间更大了，给人的联想更多了。

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1.发展历程

中华民族拥有着上下五千年的光辉历史文明，中华民族在历史的长河中早已形成了自己独特艺术特性和认知方式，形成了只属于中国人自己的民族心理和文化结构。在中国古代天人合一是古代人认知事物的方式，通过把真实的自然现象和文化现象相对比，产生艺术创作的空间。在天人合一的基准上，图案和文字等一些传统的符号，逐渐构建成了古代中国人民交流的上具，也成为了物质社会和精神社会的根本儿素。物我合一也被使用在中国传统绘画艺术中，也就是说艺术的中心、内涵和方式展现必定和自然物质相一致。

2.精神内涵

华夏儿女在和自然抗争中，形成了自己的独特艺术情感，绘画艺术在这个过程中一也逐渐的得到了发展，绘画的方式一也越来越看重个人感受和内在心理的意象表述，用一定形式上的艺术方式表现人类的情感和心理感受。道家、儒家墨家思想传播一也影响到绘画艺术的形式，古今传承的思想，创造了中国视觉艺术的意象思维模式。中国传统绘画基于意在笔先、外师造化，中得心源、似与不似之问等，并且加入了人类的生活思想，生活意境，让人们产生了对生活的想象和生活的寄托。中国绘画艺术重视的是意境，可以说意境是中国绘画的精髓所在，它是人类心理和物质的结合。

二、中国传统绘画对现代绘画艺术的影响作用

1.对意境的追求

中国的绘画艺术借助自然意境、意向、气息、神韵来表现出方式的写意和精神的内容。古人对笔墨的依赖和追求，组成了中国传统的思想，那对笔墨的热爱最终发展为中国传统绘画变现神韵的精神支柱。笔墨在中国传统绘画中占有着独特的地位，在整个中华艺术的发展中有着极其重要的作用。笔墨二字很难准确解释的词语，简单的来说就是指使用毛笔水墨在宣纸上画出一些圆形、粗细的线条、刚柔、疏密、急缓融合在浓淡、干湿、涨、渍、破等，同时还包括画家对中国绘画的感受和对艺术境界的认知和理解，以及画家通过这些笔墨墙养出来的气质、内自和情感心理等，画家这些内心的种种因素都影响着作品的最终风格。水墨和色彩构成了中国传统绘画艺术，它强调流利自然的手法，不受限制，讲究意境。中国传统绘画是中国古老文化中的重要构成部分，笔墨艺术和中国传统文化精神两者相互联系，共同影响着中华人民的精神世界。

2.与现代技术的结合

我国的现代绘画吸收传统绘画和西方绘画的精华，可谓是取其精华，去其糟粕，而且在此基础上不断的创新。我们对现代绘画的理解要秉持着两个观点，第一，我们要突破时间、空间的限制，把它和它的时代相结合，从时代的角度看待绘画艺术，因为每一个时代都有它的现代绘画第二点现代绘画都有着独特的风格和形式，例如绘画受到新媒体、新理念的影响，改变着现代绘画的面貌。

现代绘画为了彰显时代特征，多借用现代社会人总的精神特征。当代画家为了展示社会的真实特征，走进自然，贴近人民生活，通过人们精神和意识走进时代的文化环境中，作品只有用现代人的审美观念和时代精神相融合，才能展现出活力和创造力，只有符合现代人的创新观念，作品才能成为一种文化标志。

纵观历史文化、艺术的发展，每一样文化和艺术的发展，都不会是孤单影只的，都是伴随着社会背景的演变而进展的。现代绘画艺术的大繁荣，促使了一批新的年轻的画家的诞生，他们善于使用客观的真实手法来画出社会中的多样主体，使现代绘画艺术更加的具有多样化和多变化的特点。从思维和感情上紧跟时代的脚步，让现代绘画在中国文化上更加的突出，更具时代精神。

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关键词：艺术设计; 绘画; 关系

人类的历史有很大一部分也可以称做是一个设计的历史，而艺术设计在现代绘画的基础上，可算做是一种延伸。艺术设计运用创造性思维，从整体和具体细处都属于形象思维和逻辑思维的结合。对总体的安排和结构的处理运用逻辑思维为主，对造型和表面装饰的处理运用形象思维为主，二者不可截然分开，而是相互交替进行。

在文化发展过程中，绘画与艺术设计对其影响深远的感触莫过于平面设计人员。设计者不但要具备绘画的基本造型技能与审美意识，在商业文化产业的运用中也需要特殊的理解和创造性。

一、共性与共同面对的问题

现代绘画与平面设计同样都是个性的表露。回顾绘画的发展史就会发现，无论中国还是西方，每一位杰出的大师都曾经创造过极端个性化的作品，他们的作品都具有自己的典型特征。画家、设计师们，尤其是现代派的一些大师，他们在创作时可以完全不用考虑其作品的社会性。在某种意义上说，作品的生命力，正表现在个性化上，通过作者对美的形式法则的特殊理解而存在着。任何一个伟大的画家、设计师，都会有自己独特的审美个性，创作者必须把自己个人的主观意志潜能释放出来，最大限度地表现自我。

然而，现代绘画与现代艺术设计设计在这个飞速的时代所产生的弊端主要是因为早已经历过绘画造型的鼎盛期，而期更能突破前人的思路，求得更开阔的道路而采取个性化的创新手法上。当今是一个信息高度发达的世界，要反映这一时代特征，是设计工作者的主题。架上绘画现状低迷，而西方的艺术设计手法又繁复多样。各种不同类型的艺术样式结合，多样化表现艺术性主题。而很多艺术品只考虑创新，增添怪异手段，而缺少了考虑审美的方向性问题。

二、差异与调和问题

设计与绘画最大的区别是否依赖商品。设计作为商品具有包装价值和使用价值本身就是为市场服务的。设计的最终价值来源于客户的满意，商品价值的实现，市场需求的满足。设计师必须揣摩客户的心理使方案得到通过，；另一方面，客户可能对市场的把握、了解远胜过设计师，设计师缴尽脑汁的创意想法最终还是依附于客户的评审。设计也依附市场这根指挥棒。而绘画的本质是实现对美的追求。绘画与设计在文化产业发展中的运用，不仅仅体现在"个性化"与"依附性"方面，还体现在对形式美的规律追求的差异性上。

三、设计借绘画所用

绘画对美感的追求还表现在材质，肌理和表现手法上。现代绘画综合材料的运用表现在扑朔迷离的肌理运用上。绘画也用混沌含蓄的有限笔墨表达意境，这些手法在设计中也偶尔能见到，只是借用绘画的表现手法或借助绘画元素来完成设计的段落而已。例如有的设计作品从表面上是追求绘画中的空灵和气韵，更深刻的是用图形元素溶入到现代设计原理的图形构造中去了。这种类似绘画的空灵美，只是设计的手段而不是目的。现代主义设计主要从意识形态出发，将之放置到现代主义运动中的大背景中去。现代主义的运动产生的影响使之不断发展。而设计活动的自身特质和发展变化规律，也影响到我们对其它相关设计活动的理解。设计中的技术和艺术都影响着设计史的发展。设计中的技术与艺术两者互不可缺，两者完美结合可以造就优秀的设计，而反之却造成失败的作品。

技艺的完美结合成就了手工业时代艺术设计的辉煌。新艺术运动打破了维多利亚时期的矫饰风格向大胆创新的方向发展。 "新艺术"也同样在艺术和技艺方面找平衡点，保持传统艺术的精髓。现代艺术设计中的客观化也得益于绘画，这种趋势始于塞尚，发展于立体派和抽象主义。而艺术观点的要旨是结构是一切事物的根本。塞尚认为什么外部条件和结构都不能改变事物的结构，而艺术家必须把事物纳入这个秩序中来，使事物成为结构中的有序。他尝试用结构的观点去认识和概括一切对象。立体主义的现代运动也受益于此思潮。他们将几何方式推向及至也屏弃了空间透视，强调理性规律在真实中的表现力。画家自身的绘画语言具有的抽象张力创造了新的世界。

现代艺术设计遵循理性主义，用几何形体和简约抽象的色彩概括客观对象，成为大机器生产的必然和最佳选择。在两者结合的基础上，诞生了现代主义设计。荷兰"风格派"和俄国构成主义。严格遵循几何式样，追求那种来自于机械的严谨与精确。努力寻求与工业化时代相适应的艺术语言和设计语言。从荷兰"风格派"和俄国构成主义设计中我们能看到，技术和艺术达到了最佳的结合， 同时，也正因为这种最佳结合，现代主义设计成为二十世纪上半叶最稳定、最具影响力的设计风格，以至在后期发展为风靡全球的"国际主义"风格。 "国际主义"风格的形成就可以看做是国家大工业化形成的衍生形态。设计与绘画艺术的平衡也是动态的，而技术的发展和日趋成熟也促成了艺术多元化的发展。

作为设计史上最重要的、最具影响力的设计活动，现代主义设计的形成的内因和外因，它的确切定义、面貌特征、持续时间和波及范围等等，都极其复杂，而现代艺术本身、现代绘画艺术与现代艺术设计的互动关系中也有许许多多细致的问题等待我们的分析整理。设计中技术与绘画艺术是互为的关系，它们互相渗透和吸收对方的精髓。现代艺术中的客观化趋势与现代主义设计的联系，现代主义产生的内在动因，这些都可以让我们对现代绘画与设计之间发现更多千丝万缕的联系。

中国传统绘画艺术在自然物的描绘中往往融入了一种图形化的抽象符号语言。而现代艺术设计不同于架上绘画，它是需要一目了然，简洁明了概括性极强的。现代设计运用多元手法突出重点，将不同比例、时间空间所寸的元素相结合，运用象征予人启迪。构思超载现实，构图概括，形象夸张鲜明，醒目地渲染主旨事物，赋予画面更广意义。而中国传统绘画中的空灵之感，以无形表达有形也在设计中被极好的利用。现代平面艺术设计大师也以意念为先，用形得神韵；不断创新；灵活取用为创意原则，和中国山水画的表达方式类似。多中国传统文化的精髓与西方的现念相得益彰。更有作品运用了中国的水墨技法和现代电子技术特殊的肌理效果，具有很强的视觉冲击力和文化感染力。中国传统艺术讲究的衡和内在的节律，强调变化中的均衡，也符合艺术上形式美的规律。中国传统艺术讲究的衡和内在的节律，强调变化中的均衡，也符合艺术上形式美的规律。在我国的艺术设计作品中，动与静、疏与密、虚实相生、纵横曲直、黑白对比、重叠交错等传统构图法则中也屡见不鲜。现代招贴艺术设计也大量的运用了古代或现代的民间工艺。概括多变的形式之美具有长久的生命力从而也给现代艺术设计提供了丰厚的养分来源。而复杂到单纯，丰富到简练的提炼过程，也是我们从传统绘画中走出所造就的。

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关键词：现代绘画；艺术形式；服装设计

19世纪末是整个西方历史上最大胆、最富冒险精神的时代。现代绘画在这个时期初露端倪．绘画史上出现了一个空前的裂变繁衍的阶段，这种裂变对艺术史所造成的分割，大于文艺复兴以来上所有风格的变迁；各种艺术思潮在这个时期萌芽、蔓延，未来主义、立体主义、表现主义以及与艺术传统彻底决裂的达达主义和超现实主义等艺术流派交相辉映，绘画到达了一个空前的激荡人心的高度。同时，现代服装开始从服装的普通含义中脱蛹，在法国巴黎——当时世界艺术家的活动中心．开始出现了高级时装店，标志着服装进人了一个新的纪元，这无疑是与当时的现代艺术活动有着紧密的联系的。20世纪初，在英美出现的POP艺术等更为新潮的艺术现象，在这些艺术思想和表象里已经宣告20世纪现代美术不同方向的特征成熟起来．与此同时，现代时装的概念也被C·F·沃斯的设计轰动初步定义。

绘画与时装虽不是一回事，但两者之间的联系已经历了很长的时间，而现在则愈发地深人和复杂，现代绘画的一颦一笑都影响着服装设计师的灵感动机。艺术家们将自己全新的艺术观念通过全新的艺术语言表达出来，推向社会，这些来源于现代绘画的艺术观念溶人欧美国家的各个社会阶层，并在社会道德方面、生活方式乃至言行举止都有着深刻的烙痕．服装在此方面更是有着明显的追随、呼应。

服装是人们生活状态中不可缺少的一种基本状态，作为人们生存的一个基本前提之一．它具有实用性、科学性和艺术性，因而服装本身是一门造型艺术．是区别于绘画、雕塑等造型艺术类别的一门新的艺术。同时，它与这些艺术类别又有着千丝万缕的联系．它包括其他艺术的各种特征甚至美学原理．如比例、节奏、平衡、对比等．因而服装设计本身就是一种艺术创作活动。

每年在巴黎时装节会上的新艺术服装样式．就是从立体派、黑人雕刻、古埃及美术等艺术形式中汲取营养．其特征是多采用直线的、几何纹样的形式，新艺术样式本是来源于巴黎的装饰美术博览会．脱离新美术的趣味和装饰过多的倾向而产生的。它把艺术和产业融合在一起，深受大众的青睐，它给服装带来的影响．使女性们脱掉紧身胸衣，开始穿着机能实用的筒状服装；追求由于身体活动而展开现服装魅力；强调衣服的动感．这无疑是现代画艺术对服装所带来的一种积极的影响。但是．绘画毕竟是以画面表现为目的，而服装则是通过服装表现人．过份注意绘画的表现方式．往往会赞成喧宾夺主，追求形式的新奇也应有节制、分寸，如超出限度，就有可能流于怪诞，如崩克(Punk)服装．着装的颜色令人毛骨悚然，有给人以不快之感的攻击性。

抽象广义绘画一度是现代绘画的主流，它的色彩及构图、造型都给服装以巨大的影响．毕加索、马蒂斯、布拉克、蒙德里安等现代绘画大师还曾亲自参予过戏剧服装设计。他们的绘画作品也给时装设计师们以启迪，曾是他们设计时装的灵感源泉．如法国Y·S罗朗设计的蒙德里安式套装。另外，POP艺术也给罗朗以创作的灵感而发表了著名的一系列POP艺术之唇、之躯等裙装。

现代绘画的创作精神、技法、原则更是对服装有着巨大的影响与指导。这些技法在时装设计中屡用不鲜。最典型的莫如超现实主义对服装的影响了超现实主义(Surrealisn)的哲学定义是纯精神的、不受正规意识支配的行动。另一种解释是指摆脱理性的控制和审美及道德上的偏见，结合象征主义、浪漫主义思想。用夸张和反常的语言形式来追求神奇的艺术效果它在服装领域里的影响相当广泛，如曾经出现了西欧的E·夏帕瑞丽(Schiaparelli)及其影响下的K·拉加菲尔德，Y·S·罗朗等设计大师，他们都曾熟练地运用超现实主义的精神和技法设计作品倒置设计——将人们固有的视觉习惯或使用、欣赏习惯打翻，倒置而进行设计是超现实主义绘画的观念在服装设计中的典型表现形式之一。例如E·夏帕瑞丽受画家东根·达利等人的启迪，于l973年设计的一套上衣，前后反转的款式及倒置于头顶的高跟鞋帽子等。设计效果十分出人意料，从哲学意义上来讲，正是这种非理性精神的选择。使服装设计中渗入了一种前所未有的东西，使之面目一新。

E·夏帕瑞丽有很高的艺术修养，他与超现实主义画家的交往。使他对超现实主义绘画有着深刻的理解。因而能设计出一系列优秀的时装作品。对服装设计师来说，研究绘画是为能设计出独特而美观的款式。意大利的R．吉利注意文艺复兴的艺术。更注重R·劳森柏等现代绘画大师的作品。留恋于泰菲(Tate)现代绘画画廊．搜集艺术灵感。绘画艺术的素养是时装设计的根本素质。许多时装设计师本人就曾从事绘画艺术或别的造型艺术的。如P·拉邦奴、D·基旺什等．他们设计的时装较现代绘画更容易被人们接受和理解，同样对人们的审美情趣起引导作用在此时，人们对服装的精神性表现出更大的兴趣．更注重服装的审美的艺术性和象征性了。

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关键词：传统绘画；现代艺术；审美

总的来说，传统绘画艺术的发展道路上如果不注入新鲜的创新元素，恐怕难以适应未来的发展。但是，传统绘画艺术如果仅仅是追求现代艺术的脚步，而失去了自己本来的特质和优势，也最终会失去自我，成为现代艺术设计的附庸。因此如何处理好自身发展和时代结合的问题成为传统绘画艺术必须解决的一个重要问题。更为重要的是，现代艺术的发展必然要不断的吸收外界优秀因子，这一过程中势必会对其他艺术形式进行改良、优化以便适应自己的发展，给受众提供更为丰富的艺术内涵。因此，在这种情况下处理好二者之间的关系还是要不断的集合和充分体现这种艺术形式的。在这样的基础上我们应当充分考虑，传统绘画艺术的与现代艺术设计的共通之处，在确保二者都能丰富发展的基础上，给广大受众呈现更加多彩的视觉盛宴。

一、传统绘画与现代艺术设计的文化背景

现代设计的大背景激荡着文化碰撞。所以，如果既想要发展我们的传统绘画艺术，必须跟时代气息，在继承的基础上不断完善自己。我国传统绘画艺术源远流长，在审美内涵上有着丰富的积淀和创作经验。与此同时，现代艺术设计的产生和发展都较之甚晚，在艺术理论上还不成熟，这些缺憾都需要在想前人不断的学习中加以弥补。因此这种创作的过程就是不断的借鉴和改良，以至于自我创新的一个过程中。其中传统的绘画艺术宝库中珍贵资源就是确保其存在发展的一个非常重要的原理理论。在这样的基础上我们应当以更加有效的艺术实践不断接触大众的审美需求，在触及艺术基本规律的前提被背景下，将现代艺术设计在设计对象身上淋漓极致的发挥出来。最为重要的是这些文化背景为现代艺术设计提供了充分的资源。现代艺术设计是机遇工业时代的大规模生产产生的，最早的英国工业革命开启了人类大规模生产的闸门。工业品最初对实用功能的诉求始终是第一位，但是随着人们生产能力的不断发展和壮大，生产过剩的现象已经成为现在影响工业时代继续前进的瓶颈，如何在同质化的工业品中脱颖而出，这就需要我们在满足消费者对产品的实用功能需求基础上赋予其独特的艺术内涵，以此来满足他们的精神层面需求，因此艺术设计史无前例在人们的生产和生活中出现，这些都成为影响和提升工业生产水平和内涵的重要方向。但是现代艺术设计本身也有自己的发展规律，其本质特征仍然是一种艺术形式，如果完全附庸工业，那么也必将走向没落。艺术设计保持自身特性的一个重要基础就是不断的吸收各种优秀文化内涵和形式，为自己的张扬艺术个性提供完整的服务措施。因此这对我们来说已经是非常重要的需要进一步挖掘的重点。

二、传统绘画与艺术设计的思想共鸣

中国传统绘画艺术兼具实用和审美的结合，这一点正是现代艺术设计所亟需的。而且实用和审美的兼备一直以来在传统绘画艺术中存在并不断丰富，只是这种进步的步伐较为缓慢。这种二者兼备的思想曾经给中国的传统绘画带来了非常深远的影响。同时它也给传统绘画在现时代与现代艺术的结合留下了伏笔。其次，传统绘画艺术中的人文设计思想是的现代艺术设计受益匪浅。现代艺术设计主要是服务于人的设计，他对人文精神的诉求是非常强烈的。在吸收外来元素的过程中现代艺术设计首先需要考虑的是他的人文性。而传统绘画艺术中深深的人文精神给二者的联姻搭建了桥梁。传统绘画艺术中天人合一的观点将季节气候、材料等自然美感等完美的融合在作品当中，形成与人类精神世界的独特沟通，而我们在现代艺术设计当中也要充分考虑设计对象的功能、材质等元素。另外，中国的传统绘画艺术对于内在节律的追求是孜孜不倦的，布局法则被发挥到了极致，在变化的过程中寻求均匀，这种绘画思想其实以现代艺术设计中的对称原理是非常相像的。将对称原理进行人性化、人文化的处理就是传统绘画当中的“布局”。关于布局在传统绘画中有大量的艺术理论和创作实践可以借鉴，从这个层面看传统绘画艺术真的是现代艺术设计的一个资源宝库了。

三、现代艺术设计与传统绘画的实践结合

现代艺术设计讲求一目了然，能够最简单的、最直观的为大众接受、看懂。这与与油画和版画有着根本的不同，简洁明了的风格使得艺术设计充分体现了服务于人的角色定位。同时这也是一种非常有必要的关键和关联层次，而且这也使得我们能够最大程度的将设计对象的魅力烘托到机制。现代艺术设计的产生背景决定了他的发展方向，他要不断的拉近艺术思想与普通受众之间的距离，将审美平民化，满足大众的审美需求。因为艺术设计是和工业生产相结合的，工业生产的终极目标就是服务最广大的人群，艺术设计就是要附着在工业生产这个事物上将自己的优势和独特的审美理念为大众的审美需求服务。同时这种审美的过程也是在不断的发展过程中逐渐完善起来的。现代艺术设计讲求的是能够清楚的将内涵表达出来，是的人们在理解和欣赏艺术的过程中不至于有那么多得揣摩和猜测。因为大众的审美水平毕竟和精英是有很大的差别的。所以艺术设计的总体发展思维就是将那些高于现实，又不是高出很多的审美思想和事务呈现出来，它是一个转化者、搬运者的角色。那么它如何转化，又是搬运那些东西就成为艺术设计需要思考的问题了。其实中国的传统绘画艺术就是它的重要资源之一。

参考文献：

[1]傅强.传承民间绘画艺术开拓艺术设计道路[J].长沙铁道学院学报(社会科学版).2014(03).

[2]张敏.浅论传统绘画艺术与现代设计理念的关系[J].科技创新导报.2008(07).

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【关键词】儿童绘画；现代艺术；借鉴；启迪

中图分类号：J20文献标识码A文章编号1006-0278（2013）06-198-01

一、现代艺术的发展趋势

进入20世纪后，现代艺术成为西方艺术的主流。现代派美术起源于法国后印象主义画家塞尚，高更和荷兰画家凡・高。这三位大师在现代美术史上的地位是辉煌的，塞尚更被誉为“现代绘画之父”，他们各自创造了前所未有的艺术世界，从而直接引起20世纪初现代派美术的发展和变革，如野兽派、立体派、未来派、超现实主义、抽象主义等等。他们都着重表现自己的内心世界和主观感情，重视直觉和下意识活动，反对西方学院教育理念中艺术的造型观念和造型规律，试图摆脱传统的束缚，开始探索绘画手段的情调和纯形式。儿童用稚拙、朴实的手法表达主观的想像和情感是这些艺术家们要追求的目标，运用儿童质朴、怪诞的心理来表现世界，达到返璞归真的意境。

二、儿童画的特征分析

当走进人类文明快速发展的时期，艺术家们不再一味地摹写，开始出现了对精神价值的探究和对现代艺术发展前景的反思。一方面表现为挖掘人类的心灵内部；另一方面表现为对人类童年时代艺术的探究和儿童画借鉴。据此，无意识和潜意识也就成为20世纪现代主义美术的两大主题和创作方法。毕加索曾说：“当我是一个孩子的时候，我可以像拉斐尔那样作画，后来我花费了很多年来学习如何像一个孩子那样画画。我毕生努力追求的，就是把我的作品画成儿童画般的纯真。”绘画其实就是一种传达视觉神经的符号，儿童用稚拙、朴实的手法表达主观的想像和情感，是一种无意识的行为，从而让人们发现了儿童稚拙美的绘画形式。

所谓儿童画就是在19世纪末20世纪初，儿童画研究运动中指的纯粹意义上的、没有经过教师指导的、无意识的、是儿童心智的自然流露，完全出自儿童之手的创造性表现自我的图画，往往呈现着艺术创作最初的也是最纯粹的源泉。绘画与其他艺术形式相比，更具有直观性，因此也更容易为儿童所接受。儿童往往把绘画当作一种游戏来对待，在游戏中表达对世界的看法，他们只注重过程不看待结果，一旦来兴趣时，他们就会马上拿起画笔，伴随着愉快的情绪，任意涂抹，无拘无束。儿童们没有一定的理论基础和经验的积累，所以他们创作出来的作品没有细节的描写，都具有很高的概括性，画中充满了圆形、椭圆形、三角形等各种不规则几何图形，没有绘画中的技法和对对象特征的把握能力，但孩子们从中得到来的满足和快乐，那是一种稚拙的自发性、童言无忌的大胆、瞬间的愉悦和一份坦率、可贵的童心。他们的画不受任何限制，也不会受专业技能的影响，因此形成了儿童所特有的纯朴、天真、肆无忌惮的特点。这也是我们成人和儿童的差别，是成人无法进入的世界。

三、现代大师对儿童画的借鉴

儿童随意且愉快的涂鸦在过去没有被人们意识到有什么特别意义，更不会去关注和拿来借鉴。然而从19世纪后半叶起，西方画坛发生了重大变化，儿童绘画受到越来越多的现代大师的研究和关注。他们不仅在表现形式和绘画技巧上受到启发，更表现在对绘画的一种无意识、自由抒发主观感受和返璞归真的精神世界里。儿童艺术是成人无法企及的，是儿童无意识下心智的自然流露，是艺术创作最初的源泉。正如黑格尔所说：“儿童是最美好的，一切个别特殊性在他们身上好像都还沉睡在未展开的幼芽里，还没有什么狭隘的东西在他们的胸中激动，在儿童还在变化的面貌上，还看不出承认繁复意图所造成的烦恼，因而在儿童绘画里表现出来的是他们对事物无意识的、天真率直的看法。”米罗、克利、毕加索、杜布菲、马蒂斯等西方大师就把对儿童艺术的借鉴反映在他们的作品形式中。

米罗就一直推崇儿童艺术的这种天真，从他的作品中我们感受到充满孩子气的、富有意趣的童话意境，他的色彩干净，明快，只采用几种基本原色，在他的画中很少能再看到更多其他的颜色；在他的作品中看不到传统绘画中的形状，随意灵动的线条，类似于原始艺术中的一些标记符号，又像儿童信手涂鸦，给人梦幻、幽默趣味和清新的感觉，充满遐想，他的绘画穿越了成人的功利主义和学院模式的一本正经，回到了儿童时代的天真。米罗早期作品就呈现出儿童的特性，许多作品中人物只用不规则的圆形或椭圆形表示，身子和儿童绘画极其相似，只用极端单纯化的变体线条来表现。后期由于战争，米罗的作品表现出前所未有的恐怖之感，但画面依然保持他那种天真、优美的风格。如系列《星座》是在战争的威胁之下创作出来的，但我们从中看不到任何血腥的痕迹。他的画里有美丽的太阳，闪烁的星星，他喜欢用大大小小的图形画许多古怪的人和动物。这些画是对自然乃至宇宙的孩童般的想像，在米罗的笔下，山岳，花朵，火焰，星辰总是把漆星的夜晚和朦胧的白天点缀的神秘而浪漫。米罗始终具有孩子的童心，活动在幻想的空间他的创作为人类贡献了一个新奇而自由的世界。

克利的画，神奇、浪漫、线条随意、简约、想象力丰富，有时简直就像一部童话。好像是儿童画一样的一些形象时常会看到在克利的作品里出现。在他的艺术风格还没有形成时他就曾说：“我想成为一个新生儿，全然不知欧洲的一切，忽视诗歌和时尚，几乎是原始的。”他寻求原始艺术和儿童艺术中抽象的简单灵动的同时充满感彩的线条，他的绘画总是以奔放自由进入奇思遐想的即兴创作之中。《魔法公园》这幅作品，克利几乎是直接运用儿童画的手法来表现的，孩子放在画面中间，房子及周围墙壁都是信手涂鸦，没有具体的形象，色彩上具有原始的气息，使画面表现出虚幻充满灵异的氛围。克利积富感性和童趣的线条，结合梦的意境，在艺术史上树立了一个新的典范。

四、儿童绘画对现代艺术的启示

现在艺术发展到今天已经开始将最初单纯的心灵深处的创作转变为为了个人利益和社会地位而画，已经丧失了创作的艺术审美趣味，直接影响着中国文化艺术的大走向的。为了艺术的不断进步和追求，我们必须要净化名利权的诱惑和纷扰，抵制当代美术创作中的一些不良现象，就需要有良好的社会氛围和心理状态，具有高雅的审美趣味和审美标准。然而儿童画中的天真纯朴、稚拙及独特的艺术语言是我们所推崇和借鉴的，注入当代艺术中无疑是吹来的一股春风，具有很大的启发作用。

儿童都以好奇的眼光观察世界，通过绘画的形式表现出自己的所看所想，对周围事物表达着最淳朴、最真实、最直接的感受，通过玩的形式来感受绘画带来的乐趣。虽然他们没有技法和生活的历练，但他们可以天马行空的想象，同时他们绘画带有很强的主观意识，可以把形象无限夸张化，也可以把客观的事物情感化。现代的艺术家们只注重技法和形式语言，是为了画画而去画，带有很强的目的性，儿童画是我们返璞归真的升华，艺术家应保持自己的童心，或者说，应该去追求已经失去的童心。

参考文献：

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【关键词】传统绘画艺术 现代艺术设计

从我国文化发展的历史经验来看，一个国家、一个民族文化的发展，要立于不败之地，就要勇于吸收，敢于继承，善于交融。无论是从我国早期华夏文化的形成直至达到两汉文化的高峰，还是盛唐文化受到西域、印度文化的影响而发扬光大，无不表明，只有勇于吸收，才能发展，只有敢于继承、善于交融才能最终真正成为自己文化的主人。在艺术设计方面我们也还是应该“立足中华、面向世界”，既要尊重民族艺术的独特性，体现中华民族的审美心理，又要反映现代人的内在精神追求。在艺术设计中，我们也要“寻根”，寻找我们中华民族传统文化中为其他民族所不及的思维优势和独特风采。艺术始终要讲内在的延续，一种艺术形式的产生及被容纳，需要特定的历史文化背景，其中包括一个民族的生活方式、习俗、伦理道德、审美习惯等，构成潜在的深层文化结构，深锁于民族的心理和精神之中，调节和制约着民族文化的发展和外来文化的介入。在中国设计者的作品中，时时流露出传统绘画造型艺术潜移默化的影响。分析这些影响，肯定某些积极的因素，将会有助于发展中国艺术设计。下面就从这个角度进行一定的剖析。

远在原始社会，我们的祖先就已在生活中孕育了绘画的胚胎，从已由仰韶文化为代表的新石器时期所产生的彩陶艺术所描绘的鱼纹、人面纹及花叶纹等装饰图形，至明清时期的文人绘画，我们会发现从原始社会的图形符号一直到封建社会晚期的各类绘画艺术，总有一些永恒的主题，而在这些主题之中，“形”的表现往往是中国历史艺术家借以传情达意的一种外在形式，也就是古代画论所说的“以形传神”、“借物咏志”。中国画艺术家在表现某一种自然物象时，更多地是注重与“形”所蕴涵地精神意义，而不是对自然物象作物理形态的外形模写。正因如此，中国传统绘画艺术在自然物象的描绘中往往融入了更多的“理性”色彩，将自然物象之形抽象为一种图式化的符号语言。