波普风格范文
时间：2023-04-06 18:27:30
导语：如何才能写好一篇波普风格，这就需要搜集整理更多的资料和文献，欢迎阅读由公务员之家整理的十篇范文，供你借鉴。
篇1
二十世纪七十年代，当商业性设计风格逐渐消失的时候，现代主义设计占据着当时的主导设计，然而更多的人们意识到在那样一个充满多元化气息的新时期，一种设计风格占领天天下的局面是不成立的，设计师应该从不同角度出发，将更多的设计风格引入到市场中，才能更好地丰富设计市场，满足不同消费者的用户心理需求，波普风格就是在这样的背景下产生的。
一、波普风格的含义及特点
波普艺术的产生基础是大众文化在全球的兴起，因此我们可以在波普艺术风中充分感受到大众文化的视觉元素及语言特点，波普风格设计师希望通过将生活中的各种元素进行趣味化处理，从而为产品增添更多的情感化因素。上个世纪六十年代，英国作为现代艺术的发源地，滋生了波普艺术风格，其作品中可以看出它对现代主义设计风格的那种呆板、冷漠的反叛。波普风格设计作品的特点主要表现在以下几个方面，首先是产品趣味性较强，波普设计注重产品本身新奇的形态感，希望通过设计作品来引起人们对于产品之间的更好的交流与互动，对于产品本身的使用性并不是很关心，因此如果我们想买到一件实用的产品，最好不要选择波普风格。其次产品注重其与用户之间的互动与交流，希望通过各种趣味的造型方式来提高人们对产品的认知程度，通过这种方式来加深用户与产品之间的情感交流。最后，从设计上说，波普风格并不是一种单纯的、一致性的风格，而是各种风格的混合，它追求大众化下的、通俗的趣味，反对现代主义自命不凡的清高，在设计中强调新奇与独特，并大胆采用艳俗的色彩。既然波普风格设计作品有如此特点，我们可以充分利用其自身优势，将其更好的应用在现代商务酒店之中，更好的给顾客带去情感上的体验。
二、波普艺术风格在现代商务酒店中的应用
随着人们生活水平的提升，人们对于自身精神方面的需求越来越重要，很多外出出差和旅游的人们在出行居住这一问题方面的看法也在悄然发生变化，由以前满足简单的居住要求向更加注重精神需求方面发展，面对这样一个局面，我们在进行商务酒店室内设计过程中，应该更好地将波普设计风格应用在其中，从而更好的给人们传递一种轻松愉悦的生活情感。1、采用绚丽夸张的色彩，提高室内空间审美情感前面分析过，波普设计风格注重用鲜艳的色彩和强烈的色彩对比来烘托产品的氛围，给人营造出一种趣味的什么情感，让人们进入到室内空间后马上能感受到这种强烈色彩对比所能够给人们带去的那种趣味感和舒适感。为此我们在进行商务酒店设计过程中，可以尝试采用各种绚丽的色彩来装扮室内空间。比如我们可以用大红大绿大紫等颜色来进行室内空间墙面的装扮，通过超大面积的装饰镜、纯蓝色的发光边柜来为室内增添更强的活力和动感。同时我们还可以将各种鲜艳的色彩应用在室内物品之上，透明的餐椅、条形的地摊、鲜艳的小物件都能进行室内的装扮，从而更好的提高室内空间的审美情趣。再比如在一间商务酒店中，我们可以将整个室内空间打扮成一种温馨和谐的室内空间氛围，首先我们将室内的灯光颜色改为那种暖黄色，在这样的色彩灯光的影响下，整个室内空间的效果会变得非常的祥和，随后我们可以将室内空间的各种家具的色彩改为条状的纯色调，从而更好的烘托室内空间效果，这样的室内空间才能显得更加具有情趣化，才能达到波普艺术设计的基本要求。2、采用明朗亮睛的艺术图案，烘托室内艺术气息波普设计是英文popular的缩写，其本身的含义具有很强的流行、通俗的含义，因此我们在进行室内空间的装扮过程中，应该将各种流行的元素和图案引入到室内空间中，这种流行元素可以是最近比较火热的电影明显、封面女郎、卡通动画形象、影坛明星等，也可以是一些趣味的图形元素，将其应用在室内空间中，就能给原本比较枯燥的室内空间增添更多的艺术气息。当然在进行室内空间的图案装扮过程中，我们选择的相关图案一定要具有一定的代表性，或者说这些图案本身与这个城市有一定的联系，通过观看这些图案能够让游客在居住过程中更好的感受到这些元素本身所传递的流行与时尚。比如某个城市的形象大使是当地的足球球队，为此在一间商务酒店中，我们就可以将这个球队的元素进行分解后组合，从色彩、logo、球队理念、球队战绩等角度进行出发，挖掘其内部精髓，更好的表现在室内空间墙之上，才能更好的提高室内空间的艺术气息。3、采用夸张造型，为室内增添更多前卫韵味在进行室内空间装扮过程中，适当的采用夸张造型的物品也是波普艺术设计常用的一种设计手法，由于波普设计本身注重新颖、夸张和新奇，因此在进行室内空间的装扮过程中，就一定要将这种新奇的造型很好的表现出来，不论是摆放什么类型的物品，必须打破传统的造型基础，将其细节扩大化，从而更好的传递出那种前卫的流行气息。比如我们可以在室内摆放一把兽形桌椅，让人们充分感受到这一兽椅本身所能传递出来的夸张与奇特，各种各样奇形怪状的造型、千奇百怪的质地、极度特别的图案设计不仅仅令所有的人眼前一亮，更重要的是治愈了“审美疲劳”。
三、总结
总之随着人们生活水平的提升，人们对精神文化需求量变得更大，很多人们在外出过程中对自己夜晚归宿的要求也越来越高，商务宾馆不仅要能满足基本的休息休闲要求，还能人们在休息之余让自己的内心能够得到解放，为此我们在进行商务酒店室内设计过程中，应将象征着流行与时尚的波普艺术风格引入到室内空间之中，通过一系列的艺术化处理，使室内空间变得更加奇特、色彩更加绚丽、物品摆放更加富有情感化，这样才能更好的满足人们日益增长的精神心理需求。
参考文献
[1]朱燕.浅析波普艺术在室内设计中的应用[J].美术教育研究.2014,04.
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波普是由英国评论家劳伦斯•艾罗伟（LawemeAllonary）发明的一个词。波普艺术的设计追求大众化，强调设计趣味的新颖与奇特，充满了对传统的反叛。著名的波普艺术家曾对“波普”作了如此的解释：“通俗的、短暂的、可消费性的、便宜的、大批生产的、机智诙谐的、性感的、诡秘狡诈的、有刺激性的和冒险性的”大生意。波普艺术在消费文化、传媒文化与大众文化的推波助澜下成为上一个世纪影响力最大的国际性艺术潮流。波普艺术表现在服装设计中，无论是在服装面料还是图案、样式的创新方面，都经历了深刻变化，改变了过去服饰装饰的特点，在服装史上留下了不可磨灭的印记。
2、波普艺术在现代服装设计领域中的应用
2.1波普风格的服装概貌影响至今。波普艺术拓宽了艺术的概念，丰富了艺术的表现形式和表现手法，冲破了艺术与生活的界限，打破了50年代那种追求完美、简洁、高雅的设计。时至今日，波普艺术也以其独特的表现形式为服装设计师提供灵感，并影响到大众的日常着装打扮。现在的流行服饰与穿着，追求绝对的自由和十足的个性，各种风格迥异的设计、未来风格和民俗风格共存。近年来闪亮的漆皮材质在服装设计中的持续流行，满街的时尚个性T恤，都足以说明波普风的影响深度。
2.2波普风格的代表性服装设计师。（1）Yves.Saint.Laur-ent——第一位波普风格的时装设计师。他的服装设计了程式化了的雅致的设计。其设计灵感常常来自于街头，他将通俗的文化成功地推广到高级时装上，吸引了新潮的年轻人。他的设计就是要使服装与大众的生活，与街头文化建立密切的关联。他的代表作——“蒙德理安裙”，以抽象几何为特色，融合了荷兰风格派画家皮特•蒙德理安的作品《红、黄、蓝构图》的设计灵感；（2）Andre•Courreges——未来风格的代表。他的作品非常准确地迎合了60年代的需求，新颖面料的选择，有着明显的未来主义美学倾向，其设计的作品具有宇宙航行服装的特征，代表了“太空时代”的无性别着装，造成了一种前所未有的清纯而未来感的面貌。他于1965年首次推出的个人系列，以“白色的幻想”为题，具有相当的建筑艺术美，极受当时的青年人的喜爱；（3）MaryQuent——迷你超短裙的代表、顶尖级潮流设计师。她开创了服装史上裙下摆最短的时代。所设计的“迷你裙”席卷全世界，改变了整个世界时装的潮流，令男士为之疯狂。她所设计的“热裤”、裤装、低臀的宽腰带及彩色的长筒袜等令人眼花缭乱的反传统服饰，都成为了60年代的象征。她是最具典型意义的60年代的时装设计师，开创了时装领域的新天地。
2.3波普艺术在服装设计作品中的渗透与影响。（1）设计师们从波普艺术作中得到灵感，并赋予服装以新的含义。各种式样奇怪的产品造型，个性的图案设计，特殊的表面装饰，反常规的设计理念都涌现出来。2010秋冬巴黎时装周上，ManishArora的设计主打的是装饰性艺术，这样的设计一贯具有完美的表现力与夸张的表现效果。这一季ManishArora鲜艳的色彩充斥着整个秀场，而在夸张的板型之下，鲜艳色彩的表现力显得更加的突出。而色彩的拼接渗透着浓浓的波普风格，显然，ManishArora对于未来世界的憧憬也渗透在了秋冬季的服装设计之中，几何的拼接显示了ManishArora精湛的形态把握与面料处理工艺，而镂空的使用以及对于线形的精准把握，是展现这一季装饰艺术的基础，完美的的设计让我们为之叹服；（2）在近几季的时尚潮流中，设计师们不约而同把波普艺术应用到服饰品设计中，把颇具玩味精神的波普艺术发扬光大。高雅的场所或者街头，无不体现着波普的风情。波普的身影又一次走进了时尚的殿堂。
3、波普艺术在服装设计中的风格与拼贴
3.1服装设计实践风格。在设计实践中，主要从色彩、图案、细节等下手，使服装整体显得相对个性，并且通过对服装的细节处的解构设计以及单品服装之间的搭配结合，以营造时尚年轻、个性前卫的服装样式。主要选用了具有波普风格的条纹元素，将其与针织服装相结合，将灰色和白色通过条纹的变化运用在服装上。在制作的过程中，遵循形式美法则，粗细条纹的巧妙比例组合，不同方向性的组合，使服装呈现出不一样的视觉美感。
3.2波普艺术在服装设计中的拼贴。波普影响下的服装设计大量使用拼贴手法，在各个现成元素的拼贴中，服装设计回避了个性与风格，在艺术创造上获得了更大可能性。在职业服装设计师的作品中，拼贴和综合的手段更是随处可见。汉密尔顿用图片拼贴手法完成的《今天的生活为什么如此不同，如此富有魅力？》被认为是第一件真正意义上的波普艺术作品。而波普艺术明星沃霍尔则将这新的艺术手段与观念嫁接到服装设计中，他将纸、塑胶和人造皮等不同材质的面料进行拼凑，使用艳丽大胆的色彩，并在衣服上用丝网印制受波普艺术影响的俗艳的花纹。他的试验对整个20世纪60年代的服装设计产生巨大的冲击，并深刻影响了此后的服装设计。TinaKalivas总喜欢从波普艺术中汲取灵感，将色块拼接的绘画风格融入时装设计，色彩和图案的丰富组合充分将设计师的创造力表露无疑。民族风与波普风是TinaKalivas这个Lookbook的大看点，几何分割的cutting就像是经过周密的计算般精确地分开了每个色块（印花）。如此有味道的服饰我们的确不能错过。
4、服装设计领域波普艺术的应用未来倾向
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1技术与艺术相辅相成的关系
波普艺术的个性在于通过对流行的图像或文字等元素进行重新组合或者设计，使它们能体现出设计师的思想或反映某种世界观和价值观。波普教皇安迪·沃霍尔(AndyWarhol)的代表作品《玛丽莲·梦露》是波普艺术的里程碑。如果读安迪·沃霍尔所著的《波普启示录》一书，一定会了解沃霍尔本人最看重女人的品质就是幽默，他甚至认为有趣和美丽对于一个女人而已同样重要，然后在他心里却没有一个女人能完美到兼幽默和美貌于一身。他在书里有过这样的思考，“我一直试着想搞懂，如果一个女人很有趣的话，她还会不会美丽。有的喜剧女演员很迷人，但是假如我必须选择称之为美丽或称之为有趣的话，我会选择有趣。有时候我想，‘绝世’美女必定无趣至极。但我想起玛丽莲·梦露，她说过最棒的风趣对白”。所以，《玛丽莲·梦露》这一代表作是沃霍尔用幽默的手法在表达一位绝世美女，一位完美的女性，可惜很少有人能够真正理解波普作品的内在含义，也许波普艺术家只需要被大众认可，而并不渴望被理解，因为他们从不空虚，他们更擅长自娱自乐。波普艺术之所以会流行是因为波普精神的精髓是崇尚商业，不排斥商品化市场。很多艺术形式都与金钱和商业格格不入，认为金钱是对艺术品的玷污，但是假设艺术品没有定价又拿什么来衡量他们的价值?波普显然没这么矫情，安迪·沃霍尔告诉我们“Makingmoneyisartandworkingisartandgoodbusinessisthebestart”。总之，数码印花技术与波普艺术共同应用在服装上一定是可行的，因为数码印花可以满足所有的图案与颜色。用波普艺术诠释一种精神，用数码印花表达波普艺术，二者共同作用于服装设计之中，使服装有了艺术和技术的双重支撑和保障。基于数码印花技术和波普艺术的积淀，呈现出的服装应该是既有意义深远的内涵又有时尚鲜活的框架，是成衣设计中带有艺术感和设计点的实穿服装，符合当下大众消费者追求独特、施展个性的审美需求。
2数码印花与波普艺术共同作用于服装设计
服装设计本身就是科学技术和艺术的搭配焦点，它既不是完全的科学技术研究，又不是随心所欲的艺术品设计，它是技术与艺术结合的商业化产品，是服务于大众人民的。科学技术的发展给服装设计在艺术层面的突破提供了可能性，数码印花技术能够把任何图案印刷到面料上，完全不受传统印花套色的限制，使设计师可以自由发挥。在有了技术支持的同时，艺术风格的表达和体现显得更为重要。而波普艺术是流行的，容易被大众接受和认可的艺术形式，之前也经常被应用在平面设计或服装设计上，但是结合数码印花技术应用于服装是前人未曾尝试的。在这里应该明晰一个概念，即波普艺术风格的服装不是在服装上面单独的运用波普图案而已，很多服装设计师都会从波普艺术中汲取灵感并给予服装新的含义，个性的波普图案、表面装饰肌理以及波普设计理念都可以融入服装当中，形成独特的波普艺术风格服装。所以，波普艺术与数码印花的结合绝不是简单地把波普图案用数码印花技术打印到服装上那么简单，不是艺术与技术形式上的结合，而是二者之间水融、浑然天成地展现在服装上。服装组成的三要素分别是色彩、面料和款式，这三点同时也是服装设计的切入点，从这三点着手在大方向上把握主题，在细节上研磨考究，逐渐把脑海中不清晰的想象雕刻呈现出来。(1)波普数码印花服装的色彩提取。由于数码印花技术的支持，设计师再不必担心套色的限制了，可以随意选取多种颜色或渐变色。在服装设计上色彩没有了限制，从某种意义上说这更有挑战性，这意味着设计师要更加注重服装的艺术性，突出服装所要表达的艺术风格，那么波普数码印花服装的色彩提取主要集中在波普艺术色彩的提炼应用到服装上的和谐性。波普艺术虽然没有明确的色彩运用定律，但是作为视觉艺术的色彩表达在很大程度上说明了艺术风格，波普色彩是波普艺术不可分割的重要部分。波普艺术的色彩运用手法主要有三种:第一种，鲜明的有颜色对比运用;第二种，单纯的黑白灰无颜色运用;第三种，有颜色与无颜色的同时运用。在服装设计上同样可以遵循这种色彩运用的手法，但是还要结合服装的其他要素，以及穿着在人体上的效果，有技巧的把色彩合理地安排在服装的不同部位，使之局部精彩、整体和谐。(2)波普数码印花服装的面料选择。一般来说，天然纤维面料使用数码喷墨印花技术，而化学纤维面料则是使用热转印技术印刷效果较好，个别化学面料也可以使用数码喷印技术，这并不是绝对的。如果使用数码喷印技术还要根据面料成分的选择不同的喷印染料，通常情况下，棉、麻、粘胶、人丝用活性染料;涤纶等用分散染料;丝绸、锦纶、羊毛等用酸性染料。由于使用的染料不同，在喷印的前处理和后处理技术上也有相应不同的要求，例如，上浆浆料的化学成分、蒸化温度和时间、水洗温度等。在这里，艺术风格对面料的选择倒是没有什么限制，但是面料选择与款式设计却有着直接的关系。(3)波普数码印花服装的款式设计。波普艺术是直接表现的风格，所以服装款式应以简洁大方为主;波普艺术又是夸张的，所以服装款式不同寻常也在情理之中。服装的轮廓或细节引人入胜，整体又干净利落应该是波普的风格，而数码印花技术也很好地避免了以前用肌理堆砌服装的表达方式，与波普艺术能够很好地衔接。款式设计是单件或系列服装设计中较为重要的环节之一，可以突出服装的个性与风格，但是需要灵感的触发，并画出效果图来呈现，在这里就不赘述了。波普艺术与数码印花技术相结合，共同作用于服装设计之中，在服装历史的长河中是史无前例的，是突破与创新。时尚就是要不断地推陈出新，流行并不是轮回那么简单，一直会有新的元素与灵感充斥着服装设计，形成一股股新的流行风潮。本着学术研究不脱离实际，并注重实践应用的原则，波普数码印花服装不是纸上谈兵，是新时代下，技术研究者的薪火相传与艺术工作者的开拓创新共同给予服装设计师的灵感和机会，它是这个时代应运而生的时尚宠儿，必将引领流行浪潮。值得强调的是，波普数码印花会成为服装设计的一种手法，不是单件衣服的昙花一现，并不会悄无声息地消失在流行浪潮中，会一直存在于时尚之中，只是会以不同的理念与不一样想法被设计师用于表达和诉说。
作者：刘晓萌 单位：大连工业大学
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研究背景
1.经济的发展，生活品质的提高。伴随着经济的快速发展，人民生活水平的大幅度提高，人们已经从最基本的物质生活需求，上升到如今的心理和精神文化需求的高度上来，社会更加繁荣，商品市场也日益琳琅满目，在这样一个大的社会环境下，为人们追求更高品质、更个性的家居生活环境，奠定了一个良好的基调。
2.家居软装饰行业需要创新。科学技术不断创新与发展，市场经济繁荣昌盛，社会分工也越来越细化，各式各样的行业层出不穷、应运而生。横向来说，各种行业分支日益细化，纵向来讲，在同一行业里的各种产品种类、款式也越来越多，消费者可选择的余地日益宽泛，因此，就必然出现目标消费群体的细分定位，家居设计行业需要顺应时代的大潮流，不断地创新，满足不同目标消费群体的需求，才能不断地保持新鲜感，更好的为更多的人服务，经久不衰。
3.特定消费群的需求（尤其是年轻消费者）。如今，家居软装饰中的产品种类繁多，年轻人作为一种特殊的消费群体，具有巨大的影响力和特殊的影响力。如今，他们活力四射，消费意愿很强烈，并且具有一定的消费能力和水平，他们追求新鲜的事物，与众不同的产品最能吸引他们的眼球。再加上，近几年，80后的宅男宅女越来越多，并且也成为了大部分年轻人的生活方式，因而与“家居”打交道的时间也大大增多，如此对家居软装饰的品质也有较高的要求。
4.波普艺术的影响。波普艺术追求艺术生活化、大众化，在历史的长河中，也给人们留下了通俗流行的深刻印象。许多艺术大师将随处可见的生活元素提取，重新排列叠加，甚至可以大量生产，更是将艺术拉近了人们的生活，为大众所能接受。至今，波普艺术风格都广泛地应用于服装设计、平面设计等领域，对当代艺术影响深远。
市场环境分析
长久以来，人们的观念都是“重装修、轻装饰”，无论对于装修公司，还是消费者自身而言，软装饰都是不被重视的。然而随着人们生活水平的提高，除了满足最基本的生活所需，现代人更加注重精神层面的追求。软装饰设计也在市场需求的呼唤下，逐渐发展。纵观软装设计的发展，始终是和人们的审美不断提升紧紧相连的，而伴随着人们物质生活的满足，对于精神层面的关注自然就更多了起来。
消费者分析
追求个性化，提升生活档次，满足心理需求是消费者购买产品的主要动机
目标消费人群：软装饰品潜在消费者主要集中在橙黄色区域内。主要以年轻群体、中高收入阶层为主流客户群体。购买倾向为追求个性化、时尚化、文化多元化，家居艺术化。
消费者性别比例：女性人群比例到 64.4%，男性人群占比为 35.6%。
影响消费者购买因素：品牌、款式、价格、实用性、环保、售后服务、购买途径
消费者需求分析：1.追求创意、时尚、个性化；2.产品精致、价格平民化；3.绿色低碳，环保安全。
以年轻人为主，在消费中价格敏感度低，注重的是品牌、舒适度和生活方式，具有强烈的“享受生活”的观念。
调查结果显示：1.家居软装设计近年来逐渐地改变了人们的消费习惯――消费观念从重视产品，到重视功能，再到今天重视生活方式。2.重装饰已经形成了一种趋势；3.软装饰市场还没有得到全面的开发；4.人们的居住环境得到了很大的改善，生活品质也有了大幅度的提高；5. 软装饰越来越被重视，并且装修中比重日益增加。
波普主义设计理论
在波普艺术风格的历史长河中，有三位艺术大师对当代艺术影响深远。1、安迪・沃霍尔：他擅长捕捉流行符号，并常以重复母题元素为主要风格，将相同的元素不断地重复叠加，创造一种视觉上的延伸感。他的作品大多体现人们的日常生活，广泛地将生活中的物体、风景等元素融入到自己的艺术当中，具有社会化和大众化的特征；2、理查德-汉密尔顿：他认为波普艺术是通俗廉价的、性感迷人的、短暂但风趣的，最重要的是能够大量生产的。他的作品一直以来都致力于探求表现艺术、大众化和设计这三者之间的关系。他擅长将非常有代表性的视觉元素进行拼贴，这种艺术手法至今仍在各个领域被使用着，对当代艺术影响颇深；3、罗伊・利希滕斯坦：他的作品表现了当时美国商业的时代特征，他的作品的灵感来源于美国漫画的形象和情景。利希滕斯坦通过复制和放大美式漫画中的卡通形象为人所熟知，运用大众所熟知的元素，更容易为大众所理解和接受，使艺术不再是那么遥不可及，高高在上，使艺术回归生活。
篇5
美国原创的抽象表现主义在上世纪六十年代时，它的鼎盛期就已经过去。为了维护纽约在现代艺术发展历程中的主导地位，波普艺术成为被美国官方认可和扶持的又一新的艺术形式，也就在那时，波普艺术进入其发展的繁盛期。
同以往艺术与世俗泾渭分明的状态不同，波普艺术是人类艺术发展史上与商业化联系最为紧密的。它追求的是一种通俗的、大众的视角所表现出来对现实生活的态度。这种态度是复杂多样的，它可以是调侃的、赞扬的、嘲讽的、厌恶的和批评的。在技法上，波普风格的作品中引入了翻拍、复写、印刷、拼贴、涂料、高复合材料等现代化的制作方式。它是艺术史上表现方式最多的一种风格，与当下的社会背景、科学技术、思想状态的联系也最为紧密。它影响的范围相当广泛，除了绘画、雕塑，还包括建筑、工业设计、电影、文学、戏剧、服装等各个领域。
目前美术史上公认的第一件波普艺术品，是1956年英国画家理查德・汉密尔顿所作的一幅名为《究竟是什么使得今日的家庭如此不同，如此有魅力？》的拼贴画（图1）。理查德・汉密尔顿以前曾做过马塞尔・杜尚的助理，这幅作品中对商业招贴画的拼贴和挪用，也成为早期波普绘画中最突出的特色。
曾是著名商业广告画设计师的安迪・沃霍尔是在经济利益和艺术领域同时获得巨大成功的波普运动中的名人。他从1961年开始，创作了一系列对罐头、纸箱、美元和玛丽莲・梦露等形象的复制作品（见图2）。他以其工厂化的艺术品生产方式以及高度商业化运作方式而广为人知，他将其艺术工作室称为“沃霍尔艺术品生产工厂”。在上世纪60年代早期，他自己印刷他的那些复制品，到了1963年他已经非常出名，于是雇佣很多助手，在他的工厂里为他工作，使大量的艺术品被“生产”出来。他长期与知名画廊保持合作关系，以此作为提升其艺术品价值的途径之一。在2007年的西方艺术品市场上，他的作品价格甚至超过毕加索博得头筹。除了制作波普风格的绘画及雕塑外，后期他还拍摄电影、广告、出版自传和其他题材的印刷品，比如头骨、枪支以及作曲家贝多芬和他自己的形象，这种创作一直持续到他1987年去世。
与安迪・沃霍尔交情甚好的美国另一位波普艺术的核心人物里奇特斯坦，喜欢将通俗的连环画用传统的油画艺术形式表现出来，用传统的绘画技法表现通俗和现代的内容。他那有印刷效果的女孩肖像画是其标志性的作品（见图4），后来他还为公共场合制作大而精美的波普风格的雕塑。
美国波普艺术的先驱罗伯特・劳申伯格除了在绘画、戏剧方面的艺术创作，最著名的是名为《字母组合》的雕塑作品（见图3）。作品是由一个部分上色的山羊、一个套在山羊身上的轮胎和一幅画布上的画作组成。他称这些作品为“综合绘画”，因为每一件作品都是把画布上的作品和经过完全或者部分上色的“捡到”的物品结合在一起。他认为，只有一幅由真实物品组成的作品才会看上去更像真实的世界。
另一位美国波普艺术的先驱贾斯伯・琼斯最著名的艺术作品，是他1954年创作的《旗帜》（见图5），作品通过蜡画的形式对美国国旗做了真实的摹写。他一方面想表达对抽象绘画的讽刺，另一方面希望强化观者对于这些日常事物的注意和其内涵的品味。相比于像波洛克那样高度抽象的绘画作品，约翰斯的艺术形式无疑更加通俗易懂，也更贴近大众的生活品位。
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关 键 词 ：实验室 波普艺术 波普广告 艺术文化
矛盾使人们赖以生存的社会空间变成了一个大的实验室，各种各样的文化思潮都是在这个实验室里得到产生、检验、重生和升华的，广告艺术文化也不例外。它借助社会发展出现的审美矛盾冲突，为时代的潮流要求，不断地把艺术和设计，甚至是多种语言形式融合在一起，试图寻求它独特的社会美学风格。不同的社会时期有不同的审美倾向，广告艺术文化要以不同的精神姿态表现、影射时代的审美特征，就必需不断地寻求最佳的时代设计表现语言，才能求得它的社会商业出路；波普艺术的诞生发展，给广告设计艺术注入了新的血液，借助波普表现语言发展起来的广告艺术文化，我们暂且称之为波普广告艺术文化。波普广告艺术文化也跟其他的广告一样，也是要不断地进行试验和尝试才能更好地寻求社会商业出路的，因此，我们说，波普广告艺术文化是实验室里的文化。
随着科学技术、工业的发展，知识爆炸的社会面临着层出不穷的问题，政治、经济、道德、文化等各个领域都在所难免，传统的美学文化也受到前所未有的一次考验和历练。事实证明，传统的绘画已很难满足所有人的精神需要，在这样的情况下，20世纪50年代，在社会这个实验室里，一种新的艺术形式——“波普艺术”应运而生，并且成为那个时代时尚的代名词。广告艺术往往是通过把握艺术文化潮流来把握流行的商业文化的，当波普艺术冲击着传统绘画领域并试图打碎生活与艺术的界限时，作为大众文化实用艺术的广告艺术也同样被“波普”风潮所波及。为了迎合人们的审美口味，也为了自身的生存需要，广告设计者把波普艺术的观念和其大胆的表现手法尝试引用到广告设计中来，使得广告艺术几乎在一夜之间有着翻天覆地的变化。这种变化以崭新的面貌出现在时尚的大街小巷上时，让那些追求“酷”生活的现代年轻人喷发出了对它火一样的热情。这种不循规蹈矩的广告艺术实验，它粗糙却很是标新立异，它抽象但又个性鲜明，它平面但意会的简洁图案、随性但隐喻的诉求文字、抽象但张扬艳丽的色彩，还有纯粹舞动的表现线条，所有这些都恰恰象征着青春的一种挥霍，一种潮流年轻人的自由自在的写照。这次广告艺术与波普艺术的混合反应，不管是物理反应还是化学反应的实验结果，都暂时迎合了具有复杂审美倾向的年轻新一代的口味，抓住这样的一种口味倾向，设计者更是相信了安迪·沃霍尔说过的一句话：“Everything is beautiful.Pop is everything.”（所有的事物都是美丽的，波普就是所有的事物。）
因此，任何事物都成了设计者尝试用来设计广告艺术的构成元素，所有的构成元素都被试图在实验过程中求证它们的存在价值，或许是浮躁的现代年轻人喜欢新奇的艺术视觉冲击力，或许是毫无禁忌的表达游戏更能体现时尚气息和现代人的生活态度，年轻人喜欢借助这种文化潮流来宣泄情感，标榜自己的个性，同时证明自己跟艺术文化走得最近；虽然广告艺术的这种波普实验尝试在一定程度上满足了一些人的审美倾向，但波普广告艺术毕竟是踩着年轻的步子而来，它在一点点地逼近人们的生活、影响人们的生活，淋漓尽致的波普广告艺术，也诱发了我们对广告艺术领域的更多期待。但通俗、趣味、大众和即时的时尚之风，无论是在概念上还是在行为方法上，它们都是有待于人们的发掘和发展求证的。因此，波普广告艺术文化也仍然需要设计者们不断地探索和把握，仍然需要时间、空间对它的考验，仍然被不同时期、不同人群的审美情趣所左右，它注定要带着实验室的味道一路走去，这样，它才能把准流行文化的脉搏，才能更具时代的时尚精神内涵，才能更好地立足于商业市场。
波普广告艺术作为一种大众文化，又产生在观念艺术这样的文化背景中，在一定嬗变的时期内，其概念的定义，需要一定的实验求证过程。波普艺术是踏着工业的尘埃而来的，是后现代美术的征兆。一开始，波普艺术就是以理性的、批判的、自然的、直白的、嘲讽的、矛盾的等这样一种复合姿态出现的。对于这样一种新的艺术形态，理论家们关于“波普”的定义最初也曾有过多种不同的解释，那么，在艺术文化多元化的新观念激发下，借助“波普”来刺激和推动广告艺术发展和变化而形成的波普广告艺术文化应怎样来定义，这是人们需要解决的一个课题。当科技不断地被运用到艺术领域里来时，艺术和生活的界限逐渐消解，纯艺术的波普艺术和大众艺术的波普广告艺术，它们无论是在手段上还是在形式上都有交集，更何况它们还存在于不同的社会时期和不同的地域里。不同时期和不同地域，对它们的含义界定是不同的，正如“……各种不同类型的图像正以惊人的速度不断地增加。因此……例如广告、电影和电视等，也要求我们对其作出新的文化阐释。”①那么，怎样把握波普艺术和波普广告艺术之间的界定，需要一个相当的求证过程，这个过程就是社会的肯定和人们的认可。什么是波普艺术，什么是波普广告艺术，这要由它们在人们的生活中所起的作用来决定的。这个决定需要时间和空间的验证，况且，概念又是一个抽象物，要想正确地把握一种新生事物的概念，需要人们长时间的实践活动才能证明概念的准确性和科学性。因此，我们说波普广告艺术文化的概念也一样，在多元化的艺术文化概念遍地开花的社会时期里，在一定时期内，其概念的定位注定是要在社会实验室里来等待着最终的最佳结论。
广告艺术要想借鉴和融会波普艺术来实现它的不一样的社会价值，就得寻找两者之间的艺术交汇点，寻找就是不断地尝试和实验。要想波普广告创造出最大的商业经济价值，再精明的广告设计者也要在艺术思想、题材选择和表现手法上学会怎样去把握波普艺术的内在魅力，消化并有效地利用其积极因素，这样，波普艺术才能真正地服务于广告艺术，最大限度地为广告艺术带来商业卖点。达尔文的《进化论》里说道：任何事物都有一个发生、发展的过程。波普广告艺术也有其发生、发展的过程，要发展、要立足于市场，甚至要渗透到商业的各个领域去，这需要波普广告艺术既要恪守传达信息的职责，又要满足不同的消费群体的欣赏需求；既要对审美潮流“见风使舵”，又要不断地紧跟时代的潮流。当波普艺术作为一种大众文化扩张到广告设计领域时，要个性化、要全球化品位的广告艺术设计，当然不能对波普艺术进行简单的复制、移用或是全盘照搬，而是要设计者不断地探索和寻求设计艺术与波普艺术的切入点。考虑时代、人文、时间、空间的不同，尝试运用、投放市场、总结经验，最终找到更能赢得人心、深入人心，更能保持鲜活生命力的经典波普广告艺术文化的发展思路。所有这些，都是设计者们绞尽脑汁地去尝试、去研究的结果。有研究就有设计实验的可能，设计者的设计实验行为，其实就是波普广告艺术在社会实验室里的实验行为过程。
波普艺术的发展经历了矛盾曲折的道路历程，通过把脉文化潮流而发生发展的广告艺术，受波普潮流起落的影响，波普广告艺术文化也随时经历着市场的考验。流行的艺术风格在一定程度上往往是一个社会的政治、经济的晴雨表，社会的某个时代、某个阶段都有它相应的不同的艺术风格产生、流行，就算是同一种风格，也可能会有不同的表现手法、解释技巧等现象出现，并且，波普经历的盛衰也是众所周知的。社会在进步，人们的生活条件不断提高，审美情趣也随着在发生变化，怀着想做现代先锋设计师雄心的广告设计者，密切关注波普艺术在社会文化领域的变化动态，随时准备尝试调整自己的设计思路，以便使自己的思路能赶上潮流、引领潮流。如：当波普喊着“颠覆”或盛行或混沌于人们的生活时，设计师就在审视波普元素在设计中的地位，领会波普的实在精神意义和其他设计元素的关系，种种。以此企图形成鲜明个性风格，独占市场，因为，毕竟广告艺术不是设计师一个人的艺术行为，而是社会对商业信息的视觉艺术要求的行为。广告的目的是为了传达商业信息，信息又在观众读取时经过消化形成“加式”的信息艺术内涵，观众的参与使波普广告艺术受时尚文化思潮的影响很大，波普广告艺术要不断地迎合和引领人们的审美时尚。它需要学会怎样精致地去言明他物，需要随着时尚文化、艺术思潮的浪头，调整和挑战自己的艺术领域极限，让设计更加具有品位，以求社会、商业市场对它最大限度地接纳。调整和挑战的过程，实际上就是在不断地实施试验的过程。
我们不难看出，当人们试图要给波普广告艺术定义时，当设计者们不动声色地把波普的精神引领到广告艺术中来时，实际上，他们在做着一件非常了不起的艺术文化实验活动，他们真正地使“波普艺术”的“打破艺术与生活的界限”“艺术生活化”的宗旨得以实现，从而也使广告设计艺术进入到一个全新的表现、视觉效果境界，波普广告设计艺术文化的社会生活化，正是关注大众文化的艺术思潮的结果“……通俗的、大众的、可消费的、便宜的、大批生产的、年轻的、机智诙谐的、诡秘的、有刺激性和冒险性的……”②是它的本色，它的视觉符号通过与“波普”的日益撞击与交融，使现代的街头表现得异常的活跃，易于辨别的公共图像使冰冷的街道多了几分调侃和浪漫。大众文化是一个永恒的话题，它时刻影响着设计文化的发展，就像有一句话说的“更有意义的是，大众文化对于设计的影响作用也从此成为设计领域中一个不容忽视的课题。”③既然是课题，就不会没有试验，波普广告艺术就是一个要有试验的设计艺术课题，所以我们说，它是社会实验室里的产物。
注释 ：
①（德）汉斯·贝尔廷等著，常宁生编译.艺术史的终结？中国人民大学出版社，2004年9月第1次印刷，第24页。
②门小勇主编.平面设计史.湖南大学出版社，2004年8月第1版，第155页。
③同②，第156页。
参考文献 ：
[1]（德）汉斯·贝尔廷等著，常宁生编译.艺术史的终结.中国人民大学出版社，2004年9月第1次印刷.
[2]李世丁，袁乐清著.沟通秘境：广告文案之道.广东经济出版社出版，2001年4月.
[3]（英）杰里米·安斯利著，蔡松坚译.设计百年——20世纪平面设计的先驱.中国建筑工业出版社出版，2005年2月.
篇7
“美是理念”时说人们认识到了美，“感性显现”是对这种美的具体化表现。比如说被称为永远流行的经典搭配：黑与白，黑与红。在做海报，做服装设计，做图片等的时候都会利用这两种色彩搭配的视觉冲击力来增加设计作品的视觉效果。而在我国古代就以黑与红、黄与灰，青与白作为传统色搭配，就是因为其视觉效果的突出，色相、纯度、色温等的适宜，在观众看到这种搭配的时候，心里觉得舒服，觉得美。美是在每个人心里的一种感受，不一定一个人认为一个事物美它就是美的，这与每个人的知识结构、生活环境等客观因素有关。特别是现代社会，混杂的世界，对美更没有一个统一的标准。有人喜欢繁杂细致的哥特式风格，有人喜欢雍容华贵的复古式风格，有人喜欢美国街头风格，有人喜欢清新淡雅的检阅风格……但至少，每一种人们所追求的风格都是在他们心中产生了一种理念。
近来流行起的波普艺术，以色彩丰富、电脑技术高超为特色，被很多现代设计师作为自己作品的短期风格，他们认为，波普艺术是可大量生产的艺术，很容易达到并出效果，使年轻人的艺术；但还有一部分画家和设计师认为波普艺术是短暂的（短期方案）、易忘的、低廉的、浮滑的、骗人的玩意儿。这就说明“波普艺术”的美的理念不是在每个人心中都存在的。那些认为它是“美”的人群产生了“美的理念”，而认为它不美的人群则没有。
在距一个自己的作业例子说明。
我做了三十个标志设计，其中老师说十五个是合格的，是好的，就是说这是五个标志是符合老师的理念的，是在老师的心理产生理念的。而又同学说另外的是五个标志是好的，这是因为另外这十五个标志在他的心中产生了美感，产生了美的理念。
我个人认为，“美的理念“就是一种感觉，而“感性显现”是对这种感觉的具体化。也就是说美的理念产生后做出的作品、作业等成型的事物就是这种理念的感性显现。
在我的印象中，最好的能解释“美是理念的感性显现”这句话的例子是电影海报。作为平面的视觉传达，要给人在第一眼就留下深刻印象的。
举例：
《加勒比海盗》的海报------神秘，战争
《罗马假日》
《乱世佳人》热烈，浪漫，战争
《满城近代黄金甲》华贵，虚伪，空虚
篇8
70年代风格
70年代风格是本季诸多单品从水桶包、软呢帽到系带牛津鞋等的幕后推动者。从整体风格来讲，本季少了些Studio 54般的耀眼，却更多呈现出Yves Saint Laurent的优雅左岸风貌。
水桶包
卷土重来的水桶包也许并非是下一季最广泛的趋势，但在Chloe和Marc Jacobs的大力推动下，其会是下一季最具风格的潮流包。水桶包具有平底、圆筒状的外形，可手拎也司搭配更为细长的肩带，非常适合本季70年代乡村女孩的“Look”。最新的演绎是和本季的撞色趋势相结合，比如Chloe。
牛津鞋
系带的牛津鞋是这几季演绎英伦复古风的绝好单品。在下一季，这个成熟的单品有可能沿着更为商业化的方向发展。高跟是新的趋势，更好的表达方式是与70年代乡村女孩风格相融合，所以如果结合本季质朴的杂底花呢或酒红、干邑等饱和浓郁的色系就将会非常应景。
60年代风格
60年代深受现代派绘画影响，本季的方跟及踝靴、箱式包和大气明亮的塑料手镯等都呈现出强烈的现代装饰主义风格，存简约中强调线条与色彩之美。
塑料材质
亮丽的塑料成为本季配饰非常趋势性的材质方向，覆盖了各个配饰领域，从堆叠式的手镯、激光切割胸针、超火的耳环到模块化的项链等。这也是60年代波普风格的表现形式，为下一季的青少年市场提供了广阔的商业前景。
及踝靴
及踝靴是60年代风格的绝佳代表。粗方跟以及高度及踝是关键，一些新颖的变化是对比感的鞋包头，增添一种或材质或色彩的对比。另外还有拉链或金属等趋势性的装饰细节。
另外一个与60年代有关的几乎可以确认的商业化趋势，就是这些四四方方的箱式包将成为下一季的关键单品。它们看起来小巧而精致，结合明亮单纯的色彩与60年代的波普风格不谋而合。可以手拎，当然背带也可以任意加长。
30、40年代风格
在一些设计师的推动下，30、40年代风格又一次回到T台中央。设计师沉溺于对这些年代风格的复兴，30、40年代电影中高雅端庄的淑女形象卷土重来，无论从微妙的中性外观到Greta Garbo和MarleneDietrich风格的迷人晚装与雅致日装。
复古鞋
与这些风格相吻合的配饰包括40年代感的复古皮鞋，充满优雅的女性气息；而来自迪考艺术灵感的高跟鞋则为派对妆扮增添了新鲜的选择：鞋子上具有装饰感的褶皱细节，并结合闪光的金属色。
优雅包
优雅的女士包也是这一风格不可或缺的。其特征是具有正式的风格以及整洁的纽扣和古董锁等细节。颗粒状皮纹和皮革结合这季的流行色彩，比如：石榴红、干邑棕和奶白色等，再搭配玳瑁材质的小配件。这样的包颇具大家闺秀风范。
浪漫主义风格
设计师们又一次追溯那遥远的过去从而令心灵得到真正的庇护。从维多利亚时代到巴洛克、洛可可和爱德华时代，这一趋势为整体简约的风格增添了一抹浓重的戏剧感和浪漫主义色彩。
派对配饰
更多的浪漫主义元素则体现在派对配饰上。关键的单品包括织物褶饰领、项圈和装饰项链等；关键的材质或细节包括宝石、模具压巴洛克花朵、锻带、珍珠和贵金属等。总之，这一风格的配饰流露出的是浓郁历史感的迷人风貌。
篇9
泽国小学
高尔基说得好，书是人类进步的阶梯；莎士比亚也说过，书是全世界的营养品；大家也都认为，书是人类文明的长生果。的确如此，书早已成了我的亲朋好友了，关系可不一般哦！
阳光明媚的早晨，我早已钻进《三国演义》里去了。去佩服关羽的身在曹营心在汉；去体验赵云的二救阿斗；去欣赏周瑜的羽扇纶巾，笑谈赤壁；去惊叹诸葛亮空城退敌的运筹帷幄。回过头来再去悲伤，悲伤周瑜的英年早逝，悲伤关羽的败走麦城，悲伤诸葛亮的壮志未酬身先死。最后去品味几位帝王的风格，爱民如子的刘备，年轻气盛的孙权，阴险狡诈的曹操。滚滚长江东逝水，浪花淘尽英雄，一张张熟悉的面容跃然纸上。
篇10
艺术家余友涵
余友涵1943年出生于上海，1973年毕业于中央工艺美术学院，现任教于上海工艺美术学校。近几年来活跃于国际艺坛上。余友涵是在上世纪中国85美术新潮和90年代政治波普等艺术演进中影响到中国当代艺术史的先锋人物之一。他一系列的抽象“圆”，和以为主题的色彩明艳、花团锦簇的绘画表现了对中国大半世纪以来文化史的个人看法。近年来他利用在沂蒙山区拍摄的照片开始了“沂蒙山”风景人物绘画系列创作。
采写|《小康・财智》记者晁珊珊
大尺幅的抽象油画和带有幽默色彩的政治波普似乎已经成为余友涵的标志性作品。2011年10月11日香港苏富比秋拍，余友涵1995年创作的作品――《挥手的毛》，以550万港元成交，比90万港元的最高股估高出了5倍多。这个消息是几天后余友涵的朋友丁乙打电话告诉他的，余友涵这才知道了自己无意制造了当时在艺术圈的“爆炸新闻”。
作为政治波普的先驱人物，余友涵一直显得很沉寂，不及王广义等人掀起的其他风潮来得显眼。一直以来，余友涵保持着深居简出的生活状态，他不太喜欢艺术圈的闹闹哄哄，几乎不社交，就连此起彼伏的展览也看得不多。吴亮在《八个艺术家的形象素描》里说，“余友涵是个孤独的探索者，或许因为余友涵同时兼具‘入世’与‘出世’的观念模糊性，以及其本人一向持低调态度……”
对于进入到“政治波普”艺术运动的核心，余友涵算是“误入藕花深处”。他说自己“政治波普”系列纯粹属于“个人自觉的艺术创作”，余友涵说，“我也不承认我这个画就是波普，我觉得属于历史画，我的方法就是画历史画的方法，这个历史画和从前再现的历史真实情景的大油画是两回事，不是现实主义或者写实主义的那种历史画。”
今年已经70岁的余友涵说，其实很难在当代的艺术家中找到自己真正喜欢的艺术家，但是他却对夏加尔、塞尚和凡高情有独钟。在他的作品中，也很容易看到这三位艺术大师作品的影子。
2013年6月22日，余友涵在北京的首个个展在北京的元・空间开幕。此次展览除了他最富生命的政治波普系列，也有最近和早期的抽象作品系列、风景系列，真实和他非常早期的印象派风格系列。
看似毫无意义的线条和斑点是余友涵极具个人色彩的艺术表现手法和语言，在他的抽象系列作品中表现得尤为突出。“这些斑点和线条，其实蕴含着无穷无尽的变化，包含了深刻的精神内容。”
无论哪一个时期的作品，余友涵都不急于给出一个明确的答案，而是带领观众进入一种看似存在的渺茫、迷离无法揣测的状态。他希望通过作品引起一种情感共鸣，让观众能够自由地去解读作品想要传递的信息，感受其内部所蕴含的感情力量和情感因素。
《小康・财智》：这次展览为什么叫做“一斑”？
余友涵：“一斑”是我这次展览中的一幅抽象画，那幅画是一个斑点一个斑点组成的。用我们中国的话说，一个斑点是可以代表一个全貌的，所以从一个局部能够反映一个整体，整体的精神可以通过局部显现，这是一个方面。另外一个，“一斑”和另一个词语“一般化”的“一般”发音相同。这也有一点自嘲的感觉。其实这个也不是我想出来的，是画廊做文案的工作人员拿了五六个题目让我选了一个。
《小康・财智》：您的画风有很多种，那么从具象到抽象，这种转变是源于您怎样的想法呢？
余友涵：我觉得是学习，学习绘画的阶段。我经历了，又学的是陶瓷系，其实是不会画画的，至少我自己感觉我画画的功力是不够的。所以我在最初几年，既是老师，课余之后也是学生。自己画过一些石膏像、静物等等，或者马路风景，我觉得对于我来说，是我时候没有机会好好学习的一种补习。后来抽象的是我心目中的创作，需要作出一种新的绘画风格，这种风格既是中国的，又具有国际化。要符合这两个条件，于是就画出了《圆》那组抽象画。我自己觉得，他们能符合我对于既是中国的、又是世界的这两点要求。
《小康・财智》：从最早您画抽象，接着画波普，包括这次展出的很多印象主义、表现主义的作品，现在又开始画抽象作品，那么从最早的抽象到现在的抽象，您有哪些推进或者不同？
余友涵：很难推进，但是如果挑选那个时候的十幅画，和现在画得比较好的十幅画放在一起，我可以说现在也不亚于那个时候，这样的话，好画就有二十幅了，这就是我现在要达到的目的。我的作品内容在扩大，而且质量也没有明显下降，这样不是就更加丰富了？
《小康・财智》：在您的整体创作过程当中，也不是拘泥于同一种风格，有风景、人物、抽象，还有表现写实的，您是如何在不停的变化和这种创作激情的？
余友涵：这个有点像厨师，今天你烧红烧肉，你要根据红烧肉的方法做出来，明天你炒菠菜了，你会有另外一种方法。我画每一个作品的时候，大体不会想得那么仔细，我在整体的构图方法、表现方法出来以后，每一幅画在画的时候，是针对前几幅画的评判之后，我想今天我的画应该有什么不同，会有什么提升，整体会考虑这种问题。大方向定下来之后，从八十年代到今天，总体上是接近的，我希望它能够更丰富，就好像一幅画当中，这块色彩和那块色彩加在一起更加丰富，在整体上更加和谐，这样我才一幅幅画下去。扩大这个大家庭的质和量。
《小康・财智》：您现在的创作主要是以什么为主？
余友涵：不一定，有抽象也有具象。比如我出去走一圈，看到外面的风景很好，我也会画一些风景。只要是让我感觉很激动的，无法忘怀的，我会画一些。如果感觉自己画得很糟糕，我就会转变一些，画一些大一点，或者小一点的。
《小康・财智》：艺术对于您来说，最重要的是什么？
余友涵：你画不了跟对象一样，更重要的是你要创作，从某种程度上跟对象拉开距离，才能把你需要表达的情感表达出来。你可以列举五十年前、一百年前一些伟大的艺术家，看他们是怎样通过这一关的。怎样把他们的对象掌握之后离开对象，达到更真实。从前的马提斯说过，他说艺术最要紧的是真实，对我们中国人来讲，真实是你把比如一个手按照比例一模一样地画下来，这叫真实，但是他们讲的是情感和内心的真实。如果你的手一直在动，那么你的真实就是动的感觉。