绘画基础范文

导语：如何才能写好一篇绘画基础，这就需要搜集整理更多的资料和文献，欢迎阅读由公务员之家整理的十篇范文，供你借鉴。

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【关键词】素描 基础

一、何谓素描

“素描”，迄今仍是一个争议不断的名词，素描是什么？其实很难给它一个完整的、精准的定义。按《辞海》的解释，有两层意义：一是绘画的一种。主要以单色线条和块面来塑造物体形象，水平较高的素描画有独立的艺术价值；二是绘画术语。造型艺术基本功之一，以锻炼观察和表达物象的形体、结构、动态、明暗关系为目的。

当今，大既分“传统素描定义”和“现代的素描再定义”两种说法。

传统和多数人理解，且常见的“素描”定义：素描是指运用单色或清淡的、素的颜色来作描绘的作品或行为。狭义来说，是单色绘画，广义来说，素色的绘画也算素描的一种。

二、素描的地位

素描是“观念”，也是所有图形行为的基础，尤其是绘画的基础。到了现在，素描已被认为是一门独立的艺术，是一种专门的表现技法，包括线条的描绘、光影、重点、调子等，具有独立的地位和价值。

素描是其它艺术的必然基础，尤其是水彩，油画，版画，雕刻（浮雕），另外对平面设计，也是画草图的必要基础。素描虽然被视为是两度空间的艺术，不需要颜色及第三度空间，却也同时暗示这两者。

素描是画家工作的最后成果，也可以作为复制或摹写的基础，但以它的性质而言，它是独特的。虽然各种艺术不一定都要先绘出素描稿，但素描却是一切观赏艺术的基础。

三、素描的种类

（1）颜色划分：由木炭，铅笔，钢笔等，用线条来画出物象明暗的单色画，称做素描。

（2）工具划分：素描通常意味着可于平面留下痕迹的方法，如蜡笔，炭笔，钢笔，画笔，墨水，及纸张，其它还包括在湿濡的陶土，沾了墨水的布条，金属，石器，容器或布的表面所造成的磨损。（艺术视觉百科全书）

（3）一般划分：轮廓和线条是素描的一般称谓。不同的笔触营造出不同性格的线条及横切关系，并包括节奏，主动与被动的周围环境，平面，体积，色调，及质感。

（4）概念划分：素描是一种正式的艺术创作，以单色线条来表现直观世界中的事物，亦可以表达思想、概念、态度、感情、幻想、象征甚至抽象形式。它不像绘画那样重视总体和彩色，而是着重结构和形式。（大不列颠百科全书）

（5）过程划分：在西洋美术辞典这本书中，与素描相关的解释，只有速写一项，文中认为作品或作品部份的粗略草图，是艺术家针对光影、构图和全幅之规模等要点所作的研究和探讨；它是全幅画的初步构图或其中之一。

一幅出自风景画家的速写素描通常是一幅小而快的记录，用来表现风景的光线效果，同时也是为了将来重新作画时的构想作准备（雄狮图书公司出版）

四、素描工具

工具材料对素描而言，只是一种手段，而非目的。

素描的工具种类很多，如石笔、炭笔、铁笔、粉笔、毛笔、铅笔和钢笔等；也有用钻子和金钢石作画的。工具的不同，关系着素描的性质和构图，工具的选用取决于画家所想要达到的艺术效果，工具也能影响画家的情绪和技巧。

五、素描题材

素描原是为绘画、雕刻等艺术服务的，后因其流畅、充实和美观，发展成为独立的艺术。其题材可以取自任何事物，不受拘束，一般以肖像和风景为主，而西方的素描常是人物和静物，到了19世纪又出现以日常生活为题材的素描。其它还有想象和抽象素描、艺术性建筑素描等。

至于20世纪的素描似乎是反映不安、动荡和科学进步的。其中一些以表现线条豪放为特色。还有一些画家试图把生活纳入几何图形中 （立体派）。

在20世纪各流派中也有X射线式的技法，即同时看到外部和内部。表现主义画家追求“表现一个场面的感情而不是描绘事物的现实外表”，超现实主义者则着重表现潜意识心理。

除以上所列举各种形式的素描之外，还有实用性和技术性素描。实用素描要清晰地记载一件客观事物，从总体上说，它不重审美，而突出技术设计。实用素描包括为科学目的而作的插图与说明。很多艺术家作过科学说明的素描。

文学作品中的素描插图，一般是为某段文字描写而作的图画说明，但因它表现了画家特有笔法风格，至今还享有崇高的艺术声誉。与此相关的还有漫画，这是用于社会批评而创作的一种假定性图画。并由此而发展成连环图画，进而演变成现代卡通动画片。

六、常用的素描语言：

（1）明度：色相明亮或沈暗的程度。

（2）比例：一部份跟另一部份或整体在量或尺寸方面的关系。

（3）构图：各部份的一种配置法，依照经过设计的格式，一致的比例，或重复的体系去安排。

（4）轮廓线：描述前进或后退的形状之变化方面的一条断续线或连续线。

（5）平衡：在设计或绘画里，各项元素达到均衡的状态。

（6）线影：平行或靠近得足以形成一个面的断续线。

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关键词:基础绘画;逻辑思维;色彩的本质

中图分类号:J202 文献标识码:A 文章编号:1005-5312(2010)15-0054-03

在美术教学领域里,教育者通过长期的教学已积累了丰富的教学经验,如素描的整体关系、空间关系,色彩的诸多因素把握等等,这些直接的美术表现技能是必不可少的教学内容。

人们对色彩的感受是感性的,但色彩又被光主导着,色彩离不开光,素描也离不开光,而对光的理解却是理性的,光含有复杂的光学物理现象,如光的波长变化等。在绘画应用中,将光学原理和物理现象进行一些研究,将给绘画学习带来综合性、客观性的多项思维方式,既丰富了知识面,同时又给绘画增加了辅的帮助。绘画来源于生活,生活来源于大自然,大自然离不开宇宙的物理现象,这些充分说明,事物是有着内在的联系的。

一、从光学角度看绘画

在一定的条件下,太阳光的温度和亮度成正比,而温度、亮度的程度又和光的照射角度有关,这个道理给我们的绘画带来了一些启示。

我们不妨可以做个实验:手拿一个电筒,站在距一堵墙三米的位置,将电筒的光直射在墙上,用照相机拍下其亮度。再站在距墙两米的位置,将电筒光斜射在墙上,相机的位置和调节都不变,拍下其亮度,再将两个亮度进行比较,结果是,站在距墙三米距离的亮度要亮些。

视觉在一定的时间里会产生疲劳。学生在画长期素描作业的过程中(如石膏像),因视觉疲劳,会对一些明暗变化微妙之处产生反应迟钝的现象。

视觉疲劳了,就不要强行用视觉去看此处的深浅关系,可以换一种方式去思考和观察。根据冬天冷,夏天热的道理,利用光和物体角度的关系,即直射和斜射的原理去分析其亮度,会达到事半功倍的效果。

这里牵涉到有关拓展教学思路的问题。老师教学生不同于师傅带徒弟,在驾校里,一些师傅并不比学生聪明,只是比学生有经验而已,其教学方法拙劣之至。作为一位教师,不能局限于技法的教授,更要提高学生的观察方法以及综合思维能力。多项思维会促进学生的主观能动性发挥。

二、从光学原理看绘画

(一)表象客观与科学客观

每个物体虽具有本身固有的色彩,但只有在有光的条件下才能看得清,也就是说,物体的颜色有着被光主宰的因素。既然光是有色彩的,我们在观察一个物体的颜色时,不能忽视大自然中难以察觉的已存在的条件,即光的颜色。这里产生了一个人们对事物的观察方法和认识度的问题,即主观和客观,表象和深入。

谁都知道,黑夜里看不清色彩,即使划亮一根火柴,也分辨不清物体的颜色,即使认清了该物体的颜色,那也绝不是“认”清,是因曾认识该物体而“记”清,这属主观认识,因“认”而“识”。

物体的固有色既然通过光来显现,在判断物体的颜色时,实际上是在判断光的来源和光源的色彩。现举例说明之。

在一个朝阳初升的早上,一位美术老师和一个学生背对着朝阳并排坐在山顶,老师将一个梨子高高举起问学生:“这个梨子是什么颜色?”,学生回答“黄色”,老师说:“错了,是红色”,学生不解。老师告诫学生:“你怎么不考虑朝阳的颜色呢”。到了黄昏时分,两人面对着夕阳,老师又举起梨子问其颜色,学生这次学乖了:“红色”,老师说:“错了,是蓝色”,学生愕然。老师说:“你面对着梨子的暗部,为什么没看到天空的颜色?”。

这个事例说明,首先要弄清光的来源,进而判断出光的色彩。这是综合了客观的条件后去客观地看问题。

客观和主观历来被人们所争论。亚里士多德在《诗学》里列举了关于“模仿学”的三种方式:(1)照事物本来的样子去模仿;(2)照事物为人们所想象的样子去模仿;(3)照事物应当有的样子去模仿。这个“应当”就是“正确”的意思。

笔者以为,只要人们对发生的事情不去编造地描述,便是客观的,但可以将客观分为三个等级,即初级客观、中级客观和高级客观。如果给这三个等级套上名词,就是表象客观、概念客观和科学客观。表象客观是不带任何个人色彩、同时又不具有任何思维和判断、最直观地反映事物的表象;中级客观则含有个人色彩的因素,即对事物的发生进行判断地描述,这个描述有经验的一面,也有主观的一面;高级客观则是对事物由表及里、由浅入深、去伪存真后,对事务作出了本质的反映。

如果给这三个客观赋予品德属性,那么,初级客观表现了朴实和天真;中级客观很夹生,容易给人带来误解;高级客观则成为了真理。

上面的事例中,老师的回答具备了科学的客观本质,这个“科学的客观”含有对光的深层理解,比如天空的蓝光因素。

(二)光的客观现象

光,究竟有什么样的现象和本质呢?

“赤橙黄绿青蓝紫,谁持彩练当空舞”,这是诗词《菩萨蛮・大柏地》里的诗句,描述的是雨后彩虹的景象。诗句虽浪漫,却道出了一个科学现象,即太阳的色彩。彩虹,是雨后空中集聚的水分子经太阳光的折射后而产生的一道彩色光环,彩虹里瑰丽的色彩体现了太阳光所包含的七色光谱。

太阳因为有了七色光谱,使世界变得灿烂。

太阳是温暖的,这是我们感受到的太阳温度,而太阳投射到大地上的色彩也呈现出一片暖色,但如果我们强行给阳光的色彩以一个固定值,那无疑于“盲人摸象”。仔细观察,太阳在每一时间段所呈现的暖色是不一样的:早上橙黄色,上午黄色,中午黄白色,而早晚的太阳是一片橙红色。之所以会有这些变化,都是大气层的作用,如果没有大气层,地球会被太阳烧焦,更不谈繁衍出生命。

太阳七色光谱的排列顺序为:赤、橙、黄、绿、青、蓝、紫,这其实是古人就已发现的光谱和光谱顺序,的诗词只是借用了这个发现。这七色光谱都具有不同长短的发射光波,而每一色谱的光波长度顺序正是按照“赤橙黄绿青蓝紫”这个顺序而排列的,也就是说,红色光波最长,紫色光波最短。

地球,被大气层包裹着,就像给地球盖了一层被子。太阳光的力度在这层“被子”的作用下,衰减了不少,否则,就像前面说的,地球会被烧焦。

早晨,太阳斜射着地面,大气层的厚度加深了,一些很短的光波被大气层阻隔住了,无法投射到地面,而红色光波的穿透力最强,于是,这时的太阳就像一盏红灯照耀着大地。到了中午,七色光谱与大地呈垂直的照射角度,形成了直射,直射时大气层的阻力达到了最小值,所有的光谱都以最大的能量倾泻于大地,光达到了最亮值,便形成了白光。

这里产生了一个光的加法:赤+橙+黄+绿+青+蓝+紫=白。但如果用矿物质颜料如此相加,那将会糟糕到何种程度。

以上的现象可以总结出一个道理:斜射时的力度、亮度、温度最弱,直射时的力度、亮度、温度最强。

由此,我们可以推理出交通信号灯的红、黄、绿各自的作用和该作用的理由了。这里需要说明的是,光波并不代表亮度,光波的长短与光波的运动方式、状态有关,就像一盏太阳灯可以照亮很大的范围,但并不能照的很远;一束红外线光不能照亮周围,但却可以发射得很远。

以上的现象是客观存在的现象,而这个客观存在的现象不是人们一眼就能发现的,是经过科学家研究后而得出的客观现象,是“科学的客观”。

(三)色彩的逻辑性

其实,蓝天之色是阳光色彩的一族,太阳的蓝色光波很短,大部分被阻挡在大气层里,在大气层的上部分相互碰撞,形成了“蓝色的大气层”,也就是我们看到的蓝天。在室外,一个物体如果看不到被阳光照射的一面,就只能看到被蓝光照射的色彩。

一副火红的风景写生,如果排除秋天的因素,那一定描述的是“朝”或“夕”的景色。

比较典型的例子是对室内静物的色彩分析。室内静物的光源条件有两个来源,一个是白天的自然光,一个是灯光。灯光大家都知道,一种是荧光灯的冷光源,一种是白炽灯的暖光源。

白天的光源一般是窗外来光,窗外的光源较复杂,有阳光,有天光,楼层较矮的房间有可能是对面房屋的反射光。天光又分晴天和阴天,房屋的反射光又有房屋的颜色之分,因此判断自然光源的色彩相对于灯光要复杂。学生们在上课时,相信老师会将这些因素指明,并分析出冷暖关系。

假定窗外是一片蓝天,窗前的静物是一颗梨子,当我们的视角距物体和光源距物体的角度成直角,使物体的受光面、中间色和暗部的面积基本相等时,我们可以告诉学画者的用色方法:这个梨子的受光面用“柠檬黄”,中间色用“中黄”,暗部用“土黄” 。

为什么呢?这个用色是为了产生一个简化或数据化的思维方式,解释起来有些复杂,但这个复杂不是感性的,是逻辑性的,逻辑性的东西将道理说清了便懂了,感性的东西难以捉摸。

首先判断一下光源及角度效应。光源不是阳光,又没有外面房屋的反光,只有天光,晴天的天空一片蓝色,蓝光偏冷,给物体的受光带来了冷色调。

就像一个方程式,先分析这个“方程式”的条件:物体(梨子)的受光面、中间面、暗面与视角产生了三个不同的角度,根据前面谈到的角度与亮度的关系原理,物体的某一面与人的视觉接近垂直角度时,固有色反映最强,由于梨子的固有色为纯度较高的黄色(在没有特殊光照的情况下,也不是秋梨),该面的黄色反应最强。而在受光的一面,因为角度倾斜,黄色衰减了,但光源色加强了,这个面就像一面镜子,反映出强烈的光源色(镜子的原理就是当镜子与物体、镜子与视觉产生了两个对称而相等的倾角时,镜中便反映出了该物体)。

条件分析完毕,下一步开始列“方程式”。梨子的基本色为中黄色,该色彩用在物体的中间色部位;亮部,因受蓝天的照射,中黄加蓝色(当然还要加些白色,使该色近似于“柠檬黄”色);暗部,中黄加较深的中性色(即复色),使其接近于土黄色。

有如算术般的用色方式叙述完毕。那么,从彩规律的角度来看,有没有价值呢?色彩艺术里包含了诸多的色彩对比因素。

色彩的明、暗对比:亮面的较亮的柠檬黄和暗面较暗的土黄产生了对比;

色彩的纯、灰对比:中间面很纯的中黄色和暗面纯度较低的土黄产生了对比;

色彩的冷、暖对比:亮面的柠檬黄偏冷,暗面的土黄偏暖。

经过验证,这三种颜色的艺术规律有了。

再从美学的角度来看又如何呢?首先,梨子用的是黄色系列,不存在不协调的问题,那么会不会显得单调了?除了以上分析的对比过程已证明了该用色不单调外,还有一个内在的对比潜质,就是受光的柠檬黄和暗部的土黄形成了色彩对比,对比在何处?

以中间面的中黄色为基调来分析这个对比。

亮部:柠檬黄因略含蓝色成份,和中黄相比而偏绿色;暗部:土黄和中黄相比偏红色。也就是说,柠檬黄有绿色成份,土黄有红色成份,明暗部份中的两个颜色各含的红、绿倾向产生了微妙的色相对比条件。在色彩的视觉语言传达中,色相对比是刺激视觉感官的强对比因素。

该用色的最后一个因素是,这三种颜料都有现成的,不用调节,更方便以上教学思维的表达和实施。由此可以判断:这个教学方法是成立的,因教学思路清晰、含有数据化思维条件,因而教学结果是成功的。

当然,一个物体的色彩在不同的环境中,色彩的变化有其微妙和丰富的层次变化,以上谈到的用色方式所表现出的画面效果会显得塑造太简单,但这只是教学过程中多项思维方式的一种,属逻辑性的思维方式,顺着这个思维延伸下去,或许可以使学生很主动、很清醒地逐步自我深入和完善画面。

三、色彩的本质

我们认识色彩虽是感性的,但色彩因与光有直接的关系,因而具有逻辑性和内含的数据原理,具有科学性,这使得我们有必要去研究。

我们使用色彩有两个途径,一是用矿物质颜料进行调配后直接涂抹到所需的介质上,二是在计算机里运用色彩。手工调配色彩往往凭的是感觉加经验,而计算机却将色彩数据化了。在计算机里运用的是光学色彩,三原色是红、绿、蓝三色,即 “R、G、B”系统。矿物质颜料里三原色的黄色在光学色彩里成为了间色,即由光学色彩的红和绿两原色相加组成,也就是将“R”和“G”的数据调成一致,将B为零。如果将矿物质颜料的这两种颜色相调,便成为了“酱色”。而光的三原色叠加在一起,成为了白色,即达到了最亮点,由此可知,光的多色混合,是力量的聚集,体现了“有一份热,发一份光”的原理。

可见,我们对同一目的的任务运用不同的方式运作时,对其内涵的技术原理也不能以同一概念去理解。但两者之间有一点是相通的,就是色彩的排序,这个排序无比的科学。

前面说过,赤、橙、黄、绿、青、蓝、紫的排列是根据每一色彩的波长而定,这个排列是呈线性的,所谓“线性”,即排列按顺序延续,头和尾没有联系,就像光波由长到短的延续。但光的色彩排列却是呈环状的,这个排列内含着由冷到暖的顺序,比如青色和蓝色的顺序,两者色彩很相近,含绿的成份为青,含红的成份为蓝,因而青色介于蓝色和绿色之间。

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关键词：艺术设计；绘画基础；探讨研究

绘画基础课通常主要是指美术专业课中的素描与色彩等造型课程。在以前的教学中通常是为纯艺术而服务的，例如，专业的绘画与雕塑等训练，注重审美的表现力。因此，我国艺术设计专业中对绘画基础课存在着很大的分歧，说法不一。

一、艺术设计专业中绘画基础课的发展现状

当前我国的艺术设计发展得十分迅速，随着教育的不断发展，不同的学校对专业表达出的态度也是不同的，不同的艺术设计专业更是表现出不同的教学体系，也对教学内容提出了新的要求。有的高校针对艺术设计专业提出自己的一套教学内容，主要是为了迎合社会的需求，学校与教师认为学生只要会“做”就可以，对其他的要求不是很高，认为学生只要可以运用计算机来进行制作就可以了。开设绘画基础课程在短期内很难看到成果，所以很多高校的艺术设计专业甚至放弃绘画基础课。虽然有的高校在艺术设计专业中延用绘画专业的教学体系，但是却忽视了绘画基础课与艺术设计的联系，这样就会导致绘画基础课实施过程中缺乏明确的目标，学生学习起来兴趣也不大，主动性不够。另外还有些学校，在艺术设计教学中引入设计基础课，例如，设计色彩、设计素描等来取代绘画基础课。总之，多数情况下还是认为绘画基础课是为纯艺术服务的，对艺术设计教学没有什么太大的帮助。

二、绘画基础课的特征

艺术设计教学中的绘画基础课主要是从具象的绘画方式来进行的，进而培养学生的造型能力。通过对客观事物的塑造来激发学生的创造力与想象力，主要是在这个过程中让学生认识到抽象规律进而向图形的设计过渡。在这个过程中就会使得学生具有一定的创造造型的能力，眼手更加协调。增加了学生对空间的表达能力，提高了学生的审美能力，让学生在这个过程中就提高他们的审美能力，提高学生的专业技能。绘画基础课的功能主要表现在它具有一定的教育、认识与审美的作用，它的价值是通过对精神的熏陶来进行培养的。绘画基础课的造型特征通过作者的情感来体现，重点强调的是艺术的审美特征。另外，绘画基础课也重视作者的感性认识，通过对外在的精神面貌与内在的特征来体现。绘画基础课也重视整体与内部的结构。但是艺术设计不仅仅强调绘画基础课的基本内容，例如明暗、透视等，更加强调理性与物质，这些是不能够完全取代绘画基础课的。

三、艺术设计专业中开设绘画基础课的重要性

绘画基础课是以培养学生的感知与技能为目的的，更加强调培养学生的动手能力与审美能力。艺术设计专业开展绘画基础课不仅是培养学生练就一手“好活”，同时也是希望可以培养学生的艺术思维。所以，开展绘画基础课主要是培养学生的审美能力与创新能力。1.绘画基础课培养艺术感觉一名好的艺术家都是需要有艺术感觉的思维，这种感觉不仅仅是纯艺术的教育中心，同时也是艺术设计专业教学的中心。对感觉的培养不应该只停留在视觉的层面，而是要进行深入的了解，只有当我们很好地了解了一样东西，才能更好地对它进行感觉，而绘画基础课就是对感知能力的培养，把感觉的东西放到理性上进行思考，这也就是思维能力。感觉是进行感知的前提条件，我们把感知到的东西用心体会就会有不同的感受，通过一定量的感受，我们最终就会有一定的感悟，把感悟到的内容表达出来就是艺术产品产生的过程，而且艺术设计也是这样。如果说艺术感觉是艺术教育的中心，那么绘画基础课就是对艺术感觉培养的具体方式。2.绘画基础课培养审美能力对艺术人才的培养，其中受到非智力因素的影响而形成的价值取向—审美观，在一定程度上可以直接影响艺术的表现。而在艺术设计专业中开展绘画基础课可以促进非智力因素的提高。学生在绘图中，可以通过对构图、色彩等造型元素的构建与思考，对客观事物的表达进而完成对视觉形象的塑造。有的灵巧、有的注重色彩、有的注重空间等，经过长期的审美观培养最终形成“修养”，从而渗透到设计过程中。

四、总结

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在技师学院中，艺术设计是一门专业性和设计性都很强的专业，有着较强的综合性，与其他的学科都是有联系，比如与美术、语文、历史等。对于技师学院的艺术学生来说，绘画课程是基础课程，是能否学好艺术的一个关键环节。因此，技师学院的学生一定要对绘画有极强的敏锐性，要有很强的综合能力。笔者结合教学经验，就绘画基础教学模式展开探讨。

关键词：

技师学院；艺术设计；综合性；绘画基础

艺术设计专业作为近几年新兴起的一个热门专业，随着该专业在社会的需求不断扩大，技师学院也结合自身优势开展了相关课程教学。但是在对学生进行绘画基础课程教学过程中，也会出现一些问题，比如教学模式不够完善、学生综合素质不够等，因此如何对技师学院的艺术设计学生进行高效的绘画基础教育，是广大一线教师需要面对的重要课题。

1革新绘画教学内容，培养学生感知

绘画课程作为艺术设计专业教学的基础课程，首先就要要求学生对于色彩和造型有一个敏锐的感知，对绘画技能有一个基本的掌握。因此在最初的教学阶段最主要的任务就是培养学生的造型能力及色彩渲染能力。早绘画改革之后，更多人对色彩不再仅仅局限于原有的认知，对颜色有了一个新的认识，这就要求学生在运用色彩进行绘画时，能够强调整体色彩概念，提高自己的抽象和归纳能力，实现从形体到空间、从具象到抽象和空间之间自由和转换的跨越。教师还可以在绘画基础课程中加入一些扩展性的内容，比如对一些著名艺术作品的赏析、各类艺术高校的最新资讯、国内外美术史的发展、艺术概论等课程。我国早期的艺术理论知识虽然体系很好，但是学习时间过长，学生一般都要接受很长时间的教育才能进入高等学校继续进行深造，像这种专业性极强的专业，没有一定的知识积累和绘画基础是很难适应学校的教学生活的。因此教师在进行绘画教学时，首先要培养学生的审美水平，审美能力对于艺术学生来说是很重要的，审美意识是与生俱来的，但是审美能力是通过后天的学习得来的，因此在绘画基础课程教学中加入一些拓展知识是很必要的。教师一定要根据不同的还记情况革新教学内容，以适应学生不断变化的学习需求，只有这样才能使学生的审美一直保持在一个很高的水准。

2综合利用绘画材料，增强学生创造

传统的素描、速写以及色彩训练等内容的教学是最原始的绘画教学内容，素描就是对事物进行最朴素的描绘，是对事物最真实的反映，速写就是在素描的基础上，运用一些线条等，以极快速的手法对人或者物进行描绘，色彩训练就是运用色彩对人或者物进行描绘。这三种描绘手法是绘画中最基础的内容，虽然在不断的发展中，也被逐渐细化，但是最本质的内容还是没有变化。这些内容对于一些初学者来说还是很难的，因此为了调动学生的积极性需要运用一些手段，才能保证课程教学的有效性。教师在教学过程中，要教会学生使用绘画材料。绘画基础课程的教学离不开对绘画材料的熟练运用，初学者要在对平面绘画、立体绘画的认识中，增加对材料的感知度，当学生熟练掌握对色彩的运用之后，教师就可以指导学生，使他们完成从平面绘画到立体绘画的转变，使学生的思维变得更加活跃和系统。学生在接收到更高层次的内容时，就会突破传统的思维定式，形成一套自己独有的创新模式，提高自己的绘画创作能力。培养学生的绘画创造性从本质而言，就是将绘画课程变成一个学生进行再创造的过程，不仅仅是对客观事物的忠实描绘，还要发现事物独有的特性，在创作中突出自己的个性，对作品进行重造。教师对学生的引导训练就是引导学生对自然事物进行感知、理解、联想的过程，要促进学生关注到事物的本质和规律，例如，教师可以给学生设定命题，让学生进行创意素描，或者指定人物，让学生进行任务速写，这样既能激发学生的学习兴趣，又能提升教学效果。

3加强绘画实践交流，提升综合能力

在艺术课程教学中，还要注意加入艺术实践交流活动，在不同的艺术学校专业中，对学生进行现场说教是很重要的。学生不能仅限于学校内部的场景，更应该开拓眼界，因此不定期安排学生进行野外写生、参观考察等活动，不仅能开拓学生的视野，还能掌握一些在可本省不能学到的知识，对于提高学生的整体意识很有帮助。举个例子来说，教师可以带领学生场所，在参观的同时，教师对学生进行讲解，使学生有一个更加深刻的认识。这种教师与学生之间近距离的实践交流，使学生变被动接受为主动学习，既能培养学生的审美意识，又能增强学生的创造能力。艺术设计课程要求学生的综合能力很强，而且这门课同其他很多课程相联系的。对于这门专业性、综合性极强的课程，如何学好是一个很重要的问题。通过上文对艺术设计课程进行的细化可以看出，学生必须无论是理论上还是实践中都有自己的能力培养。因此教师在进行教学时，要明确教学目标，根据实际现实状况调整教学策略，对中培养一起符合时代要求的高水平艺术人才。

作者：李玲 单位：江苏省无锡技师学院商贸服务系美工组

参考文献：

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【关键词】家具设计；美术绘画基础；美术基本功；创作思维；分格差异

高职院校中的人体工程学与家具设计三大构成、建筑制图、居室空间设计等专业课程，都与美术息息相关，换而言之，美术的教学好坏或是实际落实与否直接或间接影响到专业课程的教学质量以及学生的实际应用以及影响学生未来的就业方向。本文借助家具设计中的绘画基础教学相关内容进行简要探究并分析，并依此作为未来教育教学的基本参考。

家具设计不是一门简单的专业课程，也是与多学科相关的并具有高度综合性的交叉学科，它涉及到美学、机械学、人机工程学、营销学等多种学科的相关知识。特别是随着近年来社会经济的发展，人们对于家具设计人才的需求越来越大，这就使得它逐渐成为热门的学科之一。因此，全国有很多高校或是高职院校也纷纷增设家具设计专业，并且，虽然各高校或是高职院校由于其自身的专业定位和办学方向各有不同，其教学内容与课程设置也不尽相同，但都认识到绘画基础教学是家具设计专业必不可少的环节。本文以高职院校为主要切入点来，结合自己的相关教学经验对高职院校的家具设计中的美术绘画基础教学方法作出一些探究。具体体现在以下几个方面：

一、绘画基础教学对于家具设计专业来说具有基础性和关键性的作用

绘画基础教学的基本组成部分包括素描、色彩、速写等，这是所有学习美术专业学生必修的基础绘画课程，也是在家具设计教学体系中最为基础性的绘画教育课程。之所以这么重视绘画基础性教学是因为：

从起源看，家具设计源于工业生产；从特点上看，家具设计有着艺术的性格。这就决定了家居设计在保证工业化设计和制造的基础上一定要保留其应有的艺术性，即：艺术特色。而这种艺术特色的创造过程是遵循实用化中求美法则的艺术创造过程。具体来说，在家具设计的草图或是效果图中，如何将所涉及的家具以一定的具有美感和特色的具体视觉形态展现出来是作为家具设计人才首先应该具有的素养。从美学角度上可知，具体的视觉形态又必须依赖于一定的造型来体现，而造型能力的培养和具备又最终是通过绘画基本功的训练来实现和保证。因此，绘画基础课是家具设计专业的基础中的基础，是专业教师在进行授课时的侧重点，同时也是学生学习本专业乃至在今后就业过程中都必须熟练掌握的基本技能之一。

二、如何来进行家具设计中的美术绘画基础教学

家具设计具有介于艺术与技术之间这样的特点，一方面，绘画基础课应为专业提供基础保证；另一方面，在教学内容上，家居设计中的美术绘画基础教学又与纯绘画专业的教学中有着较大的差异性。所以，“如何来进行家具设计中的美术绘画基础教学”确实是我们应该深思和不断改进的。

第一，想要处理好绘画基础课程与家具设计专业课程之间的关系，教师就需要首先了解该专业的发展方向，对于家具设计专业方面的内容进行深入的剖析。同时，教师对于所教学生的基础水平、尤其是美术基础水平要有所了解。基于以上两个方面的研究和思考，教师才可以认真组织教学内容，将其以最为恰当的方式来展现给学生，并在实际的教学中，尤其是课堂教学中更加有效的进行落实。

第二，教师要在教学的过程中去落实美术基本功的训练，这主要包括素描、色彩、速写等训练。这些美术绘画中的基本功对于学生今后所从事的职业具有重要作用。素描、色彩绘画基础课的教学内容强调物体的造型、色彩搭配、明暗调子、质感、体积、透视关系等方面的内容，这对于今后的家具设计来说都是必不可少的技能。而速写练习能使学生迅速掌握物体或是人体的基本结构，在教学中通过大量的速写训练使学生在最短的时间内最高效地掌握造型能力，这也是家具设计中一项必不可少的技能，可以使设计人员在灵感来临时迅速记录下来或是看到什么好的东西迅速记录下来。因此，教师要把培养学生快速造型的设计素描、设计速写、设计色彩放在教学首位，有针对性地进行教学。

第三，在教师强调基本功训练的过程中，还要特别注意需要强调和引导学生的创作思维过程这个问题，因为家居设计本身就是一个需要不断变化和更新的专业，其所面对的潜在客户是需要得到与众不同的效果或是具有自己特点或是特色的设计。可以说，家具设计人才应是极富于创造精神和创新能力的创造性人才，这种创造性精神和创新能力是需要教师在教学过程中给予引导和落实的。因此，老师在进行绘画基础课内容的讲授过程中，一定要有目的、有重点地介绍一些其它方面的知识，例如不同风格的美术名作图例、美术发展史所涉及的重点美学思想等，可以不断激发学生创作的欲望，让学生在发散性和探究性思维中从事这个专业的学习和设计。教师要放弃传统教学中约束课堂的条条框框限制，鼓励学生的开创性思维，对于学生学习理念和知识积累都要进行加强，激发和引导其学习中的“悟性”和“创造性”。

第四，教师在具体的教学中要根据家具设计专业教学的特点进行有针对性的教学和落实。具体来说就是，教师不断调整基础课与专业课之间的关系，使绘画基础课名副其实地成为专业课程的“基础”性保证，而并非只是单纯技巧和经验的传授。因此，教师要把培养学生快速造型的设计素描、设计速写、设计色彩放在教学首位，有针对性地进行教学。例如，为了避免基础课教学与专业课脱节的现象，专业教师既可将单纯的素描教学转变为专门针对设计的素描，将绘画色彩的教学多侧重在装饰性色彩这个方面。并且为了更好的实现良好的教学效果并加深学生的理解，也可加大学生在室外写生的训练，努力使基础课教学适应专业课的需要。

第五，教师在绘画基础教学中还要注重对于学生在风格方面的关注。由于家居设计这个专业本身需要一些文化底蕴，虽然家具设计随着时代的变化，其自身也在不断的发展和变化，但是，家具设计本身时需要文化支撑的，不同文化背景中对于家居设计的要求是不同的。具体来说，教师在绘画基础教学中的写生或是创作中，要引导学生以不同风格来设计家具图纸。这就需要教师在绘画基础教学中多多向学生展示一些不同国家、不同风格的家居设计，可以以幻灯片的形式来向学生介绍它们之间的差异，这也是绘画基础课的一个有机部分。例如，德国家具设计风格历来严谨、理性，以功能性为首选；意大利讲究家具设计与生活方式和品质的结合，突出和强调优雅与浪漫的气息；日本的家具设计则是处处体现出高科技与传统的结合；而中国家居设计则是将传统艺术和民间艺术博大精深渗透到其中，既有中国传统文化的底蕴，又有着现代性、时代性气息，让两者的结合得到最完美的结合。

综上所述，美术基础教学对于家具设计等相关专业的教学有着至关重要的作用，因此教师在进行相关教学活动时必须注重绘画基础的专业培训。只有正确地把握和处理好家具设计与绘画基础课之间的关系，并结合学生的具体情况，运用正确的教学方法，才能正确把握家具设计基础教学的客观原则，使学生获得最大的收获，自己也能为社会培养更多的、更加优秀的家具设计人才。

参考文献：

[1]曹辉.浅论职业美术教学中创造性能力的培养[J].中国职业技术教育.2003（25）

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关键词： 初中美术 基础绘画教学 教学方法

美术作为一门艺术性极强的学科，不仅在人们的精神生活和物质生活方面有着积极的引导作用，还具有重要的使用价值。随着人们对艺术的追求，美术教育随之得到了重视。初中是学生审美力发展的一个关键时期，因此在初中美术基础绘画教学中，初中美术老师要利用现行的人教版美术教材，灵活多样地对学生进行授课，寓教于乐。

一、人教版初中美术基础绘画教学的特点

（一）具有概括性和向导性

人教版初中美术基础绘画课程标准中提出具有概括性和导向性的内容标准，并且提出这些标准可供选择的教学活动方式建议，可根据实际情况灵活选择。例如，在八年级第二单元“丰富多彩的现实多种多样的表现（造型・表现）”中对造型要素进行讲解时，可以把学生带到一个实际的情况中讲述造型的要素：点、线、面、体块与空问、光与色、质地等，以便学生能在现实中体会美术，加深对美术的感受。这样可以充分调动学生的积极性，给予学生更大的发挥空间。

（二）教学与生活紧密联系

传统的初中美术基础绘画教学课堂中，老师先板书美术基础知识，再由老师展示绘画作品的沉闷的授课方式，在这种教学方式中，师生之间往往缺少有效的互动，模式仅限于老师主动授课，学生被动听课这样单一的教学形式。在人教版初中美术中，更提倡老师带领学生走出课堂，感受自然中的美好，领悟生活中细微的点滴，不再局限于沉闷的课堂教学。

（三）强调师生之间的交流

在人教版初中美术基础绘画教学实施课改之后，区别于过去的已形成的初中美术传统教学方式，现在的初中美术老师应该进行大胆的探索和尝试，根据人教版初中美术基础绘画教学的大纲对学生制订对应的教学方案，这样教学针对性强，有利于人们之间的有效互动，加强师生之间的交流，加深师生之间的感情，从而提高教与学的质量。

（四）注重培养学生的实践能力

在初中美术基础绘画的实际教学中，尽管美术老师已经非常认真负责地为学生讲解了具体的绘画原理，但是由于仅仅只是讲学的形式，因此学生实际达到的效果比较一般，一知半解甚至根本不清楚老师讲的是什么，这导致学生在实际的绘画过程中难以做到得心应手。

由于人教版的教材并没有为学生设定一个硬性的发展标准，希望学生能个性化发展，在实际教学中，老师应该多让学生发挥主动性。比如在美术作品的赏析中，可以先让学生自己讲解对作品的理解和赏析，再讲解相关知识，这样可以尽量使每一个学生都实际参与到学习过程中，达到提高学生实践能力的目的。

二、人教版初中美术基础绘画教学的问题

（一）教师教学方面

在初中美术的基础绘画教学内容这一方面，虽然现在对美术越来越重视，但是由于受之前长期传统的教学思维模式的影响，目前的教学存在一种强调让学生获得美术知识和技能的技术化倾向，这种倾向，使得老师更倾向于向学生传授技巧，反而回避了审美的传授，把美术学习当做纯技术型的学习。

很多中学美术教师错误地将美术与画画单纯地画等号，美术欣赏只被当做图片欣赏，而忽略了美术欣赏中最重要的部分，不让学生自己发挥，要引导学生，做到美术审美能力与美术基础知识、技能的同步培养，这是一个需要被注意的方面。

（二）学生学习方面

由于教育环境长期对文化的重视要高于艺术，导致学生学习美术的积极性并不高。

在实践初中美术教学中，教师应该更多地关注美术教学的内涵、教学手段、课型等，着重培养学生的健康审美情趣，提升学生的审美水平，强化学生的美术基本技能，发展学生创造美的能力。除了要重视美术欣赏方面以外，美术创作也要重视。在实际教学中，初中美术老师要倡导学生自己多动手，体会美好，通过美术创作的方式展现出来。初中美术基础绘画教学承担着教会学生创作美术作品的任务。教师不应停留在传授知识的层面上，而要深入挖掘出每一位学生的绘画潜能，才能唤起学生内心深处对绘画的热爱，提高学生对美术学习的兴趣。

三、结语

在学生的发展阶段中，初中阶段是一个审美观初步形成的阶段，初中生是一个可塑性很强的群体。在初中美术基础绘画的教学过程中，老师应该让学生感受到这不仅是一项学习，更是一件快乐的事情，是对美好事物的感受。老师的主要任务是引导学生对美好事物树立正确的审美观，要做好这些教学方面的改革仍然任重而道远。

参考文献：

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关键词：绘画基础 游戏美术 关系

一、好的游戏美术与绘画基础是相辅相成的关系

1.游戏美术和绘画基础的概念

对予游戏美术，通俗的说就是游戏中所能看到的一切画面都属于游戏美术。

人们通常的观念中，会觉得游戏美术与广告美术的工作在本质上没有差别。但实际上，一般广告制作的基本要求是务必实现让人眼前一亮的效果，而游戏界面的基本要求则是必须经得住玩家注目几个小时而不引起视觉疲劳。不仅细看之后找不到问题，还能发现被制作者精心设计了的细节。因此，游戏美术的工作流程与广告制作之间的区别还是很大的。

相对于游戏美术，绘画基础的概念更加简略。绘画是一种在二维的平面上以手工方式临摹自然的艺术，是模仿场景。绘画是一个捕捉、记录及表现不同创意目的的形式。绘画的性质可以是自然及具象派的、影像绘画、抽象画、有叙事性质的、象征主义、情感的或政治性质的。绘画中最强调的就是三大面，五大调。在这个基础上，对于构图也有很多的要求，它包括：1、艺术形象在空间位置的确定。2、艺术形象在空间大小的确定。3、艺术形象自身各部分之间、主体形象与陪体形象之间的组合关系及分隔形式。4、艺术形象与空间的组合关系及分隔形式。5、艺术形象所产生的视觉冲击和力感。6、运用的形式美法则继而产生的美感。

2.两者相辅相成的关系

游戏美术作为一门新兴的艺术门类，在艺术手段，表现内容等方面都受到的绘画基础的滋补。例如：色彩饱和度的对比；对比度的变化；线的导向性；虚实的对比。从绘制材质的角度来说，最后能被玩家所注意到的才是细节。满眼的细节等于没有细节，因为它分散掉了我们的视觉中心。

二、游戏美术必须尊重绘画基础

1.绘画基础的重要性

绘画基础是美术一个重要部分，它是通过传述美术基础知识进行美术基本技能的训练，通过对美术作品的赏析和艺术表现实践，学习运用物质材料和手段塑造静态的视觉艺术形象，表现自己的生活和他们对世界的认识与感受，提高人们的审美文化素养，以达到培育美的，和谐的精神境界的目的。绘画基础知识是指人类长期认识自然和社会生活积累起来的带有共性和规律性的知识。运用这些知识去认识现实世界，是人们认识世界的途径之一。

2.绘画基础在游戏美术中的表现

游戏美术的表现手法呈现两种状况：1.游戏美术现实性的这一类主要追求是真实，尽量贴近现实的角色。2.游戏角色卡通风格。

以游戏美术中的网游角色制定为例，首先模型的制作还是以传统的多边形起稿，在制作过程中没有刻意以先整体后局部再整体的形式建立模型，但是我们注意的是尽量让每一条结构线都能发挥它的作用。在合理的面数中彰显人物的气势，保证画面的美感。当模型展好UV之后，我们做的工作就是开始画贴图。贴图讲究的主要是形体的张力，体积的把握，颜色的丰富以及细节的描绘。绘制贴图一定要画出角色的整体光感和颜色的丰富性。更重要的是要画出来的角色的每一部分材质的属性。画贴图考验的是对材质的把握，也是一个对传统绘画的考验。

如果说贴图是角色成败的关键，那么我认为模型就是整个角色的灵魂所在，当做完一个角色，就应该体现出模型的霸气与张力，体现出角色性格。

三、绘画基础可以给予游戏美术丰富的养分

1.绘画基础的基本技法

绘画艺术由来已久，作为中国的国粹，国画的技法我认为是非常值得我们学习的。早在两千多年前战国时期楚国的两幅帛画，就以其生动的气韵，简洁的笔墨，流畅的线条，表达出完美的意境，确立了中国绘画艺术以线条造型的名族风格形式。

说到绘画基础技法，不得不提同样作为四大造型之一的油画技法。古今中外，油画技法有三：一是北欧尼德兰画派，以爱克为代表的透明薄图画法；二是南欧意大利画派以威尼斯提香为代表的不透明厚涂画法；三是以佛兰德斯画家鲁本斯为代表的融合南北画派技法的暗部透明薄涂，亮部不透明厚涂的折中画法。

2.绘画基础在游戏美术中的体现

在游戏美术中，综上所述的国画和油画技巧有了淋漓尽致的体现。同样以游戏角色为例，角色形体的加强和质感的表现是贴图绘制的主要内容。只有我们将绘画基础中的技法发挥的淋漓尽致，才不会在绘制途中犯颜色混淆，不够直观，容易厌烦这样的错误。

四、绘画基础可以给予游戏美术丰富的养分

1.绘画和游戏美术的受众群

我们的生活中无处不存在绘画的影子，无论人们的衣食住行，还是日常生活中需要的柴米油盐，都烙印上了绘画的痕迹，可以说，绘画的受众群是所有的人民大众。相对绘画的受众群，游戏美术的受众群就小了许多，游戏美术的受众群主要就是喜爱游戏的玩家。

五、结合毕业设计证明绘画基础对游戏美术的重要性

本次的毕业设计，整个片子的模型充分展示了网游角色的制作要求，所有的角色在气势，体积，颜色，细节这四个方面上做的比较完整。游戏美术作为动画系学生毕业后择业的一大重要分支，因此在我们的毕业设计中，我们将游戏美术和影视动画相结合，在动画的过程中，展示了网游角色的制作需求。

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艺术设计专业是我国一门比较新的课程，该专业的毕业生在毕业时很受欢迎，所以高校中艺术设计专业在不断地扩大。但是该专业开设的时间过短，所以绘画基础课、教学模式在该专业中还是存在着一定的问题。在艺术设计专业中，绘画基础课是学生必修的一门课程，但其教学模式不够完善，使得学生的学习状况并不理想，所以对高校艺术设计专业的绘画基础课教学模式进行改革是必须的。

一、艺术设计专业绘画基础课教学模式的现状

传统的绘画基础课主要是要求学生对人像、事物等进行写生，但是在对艺术设计专业教学进行改革之后，这种教学方式就已经不合适了。各高校针对传统的教学模式进行改革，主要是对色彩与素描绘画进行一定的调整，将这两种分局予以打破。当前高校主要是把绘画基础课课程分解成空间、平面等综合的作用，也就是把传统的绘画基础课在教学模式上进行了分解，这就使得绘画基础课在艺术设计专业中更受欢迎，学生们学习起来也就更容易些，学到的范围也更加广泛。

二、艺术设计专业绘画基础课的教学模式

（一）造型设计训练。学生在学习艺术设计专业之前对艺术设计中的造型多少有一定的了解，所以高校在该阶段主要是对学生的创造能力与修养进行深入的培养，进而导致改革的教学模式对对形体与画面方面的建设更为重视。改革后的绘画基础课对色彩的要求更广泛，不再限制颜色的使用，甚至有了“非写生”这方面的内容，这也就要求学生对色彩的运用要更加成熟，可以为学生对艺术的整体性运用奠定基础。造型训练时要求学生要运用色彩，突出整体，这在一定程度上有利于提高学生的抽象创造、归纳的能力。另外，教师在训练写生能力时，要要求学生与形式美进行联系，在对点、线、面的处理上要比例均衡，和谐。在艺术设计中，美的法则是不同的，比如说对称与均衡、对比与协调等，这些都是绘画基础课中要研究的东西，在设计中就是要突出这种和谐，来追求更高美的境地。

（二）使形体与空间从自然到抽象的转变。艺术设计专业绘画基础课教学中，重要的要求就是要将形体与空间从自然性向抽象转变。在该转变阶段，教师主要是向学生传授空间绘画、色彩、透视等方面的知识，这在一定程度上可以提高该专业学生的空间构建能力与感觉认知。同时，这也是教师在引导学生对材料、工具等的认知、分析的绘画过程，这个过程中有利于加强学生对色彩的认识与认知。另外，在教学中教师也要注意提醒学生对色彩原理在现代绘画中的作用进行深刻的思考，从而影响学生对画面构建的认识。

（三）实现写生从空间向平面的转换。艺术设计专业在进行造型设计时就是希望可以给学生开发出一个“写实”的空间，使得学生在绘画时能够突破自身的限制，博学多识，实现空间向平面的转换。绘画基础课针对这种情况，教学的核心就是让学生对比合适的物体进行写生，从而实现黑白与彩色平面的转换，该种模式的转变在一定程度上可以提高学生的设计能力与学习能力。

（四）综合运用绘画材料。绘画基础课教学中，对材料的运用是涉及到对平面绘画材料的综合运用与学生对材料的敏锐度等。同时，在一定程度上也会涉及到平面向立体的转变，在一定程度上可以提高学生对材料运用的敏锐度。在该种教学模式中，可以使学生的思维变得生动活泼，也更加富有创造能力，使得学生在绘画基础课的学习中更加轻松。综合的运用材料主要是希望学生可以突破传统的思维模式，进一步提高学生的创造能力。

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关键词：绘画 造型基础课 审美教育 素描 色彩

中图分类号：G424 文献标识码：C DOI：10.3969/j.issn.1672-8181.2014.06.048

绘画造型教学是以素描、色彩、设计理论等为主导的专业造型基础课，运用“扎实”的画面效果，表现技术的魅力，通过多重因素构成扎实的画面效果，从而体现视觉上的语言，这种效果是根据物体的表象，脱离其内涵，从而成为一种带有个人想法和个人观念的塑造模式。目前，学生对造型基础课的理解有一定的偏差。

1 绘画造型基础课

1.1 绘画素描教学

传统的绘画基础课的素描教学主要以学生写生为主要教学目标，素描教学注重绘画的结构，注重培养学生对结构的认识，从而让学生对物体有认知能力，充分理解物体形体结构及物体间结构穿插点的关系，通过写生教学，学生不仅对绘画造型规律有正确的认识观念，同时也强化了学生对物体的观察能力、理解能力。

1.2 绘画色彩教学

对于美术专业学科的学生，合理的分布色彩是最重要的一个环节。传统的色彩课是以写生课为主，安排色彩课的目的就是培养写实生的造型能力，对物体的形体、结构特征方面，写实性色彩要求学生科学化和客观性的理解认识，通过分析光学、色彩学的变化规律，在进行绘画时，注重物体间的色彩变化规律，将物体间的艺术魅力通过色彩体现出来，使色彩的魅力发挥到极致。注重色彩教学课程，有利于学生掌握绘画造型基础。

2 绘画造型基础课的必要性

美术生进入高等学校，就需要具有相应的观察能力、理解能力和构造画面的综合能力，这是美术生必须具备的条件，对绘画造型有深入、扎实的了解是有必要的，这是作为艺术生培养方向的开端。如果学生能很好地解决造型方面的问题，那么上绘画造型基础课就容易多了。

3 绘画造型的实现手法

3.1 为了绘画整体美观、有艺术性，掌握绘画的精确性很有必要

在教学过程中，学生应端正自己的绘画姿势，腰背挺直。另外，对于绘画造型基础课，学生应养成善于观察周边事物、养成积极分析思考的习惯。为了体现物体的立体感，首先需要获取画面最初形体的力度，这样就有利于实现美的画面效果，所以老师在指导学生的时候，应注重培养学生对“形”的训练，多以象征性的语言和审美方向来多加练习。

3.2 画面构成关系

画面构成，是指单个物体间的形式美感扩展到整体画面形式的美感。对于一个优秀的绘画家而言，不仅需要具有抽象、想象力的画面构成意识，也需要理解画面结构分开形成的美感、个性的处理方式之间的关系，采用传统的构图法和抽象处理法，使作品画画得到一种泉水流动的画面感，作者也能很好地控制画面。著名画家以菱形场和静物的组合构成一幅完整的画面，不仅体现了特定的美感外，也体现了一种有压迫的感觉，最有欣赏点的就是画面张力的力度也导向物体中心点。著名画家马蒂斯就是运用菱形场为主导，画面分割后就像是一个在痛苦中寻找欢乐的人，在被压迫之下依然显得逍遥自在。

3.3 画面意境导向

一幅画主要表达的是作者的情感和意境，好的作品画面都富有精神上的凝聚力。通过意境导向，彰显画面的艺术魅力，体现画面所带来的活力，在进行绘画时，应根据层面上的技术要求及绘画的文化内涵来进行设计，所以画面处理的各种方法都应聚集在一个点位上。

4 画面的明暗处理

4.1 画面主要有点、线、面组成

一般对实物的描绘是以线为开始，画面造型是随着线在画面上的结构延伸展开的，艺术生可以通过分析德加的作品，特别是素描，可以看出德加生动活泼的绘画造型意识，点、线、面的造型意识显得整幅作品生动有力。在绘画中，画家不时会采用黑白灰的色彩艺术效果，黑白灰色彩的搭配是根据绘画线的密度来处理的，而不是根据物体间单调固有色为主体，这个原理是古代优秀画家很早就知道的。

4.2 结构是明暗处理之本

任何一个事物它的结构都具有一定的相辅相成，虽然一个物体坐落在不同的位置，但是物体的结构还是不会变，所以画家在作画时减少对明暗度的依赖可以突出形体结构力度，在作画时，端正绘画态度，树立良好的心态，认真构思。

4.3 平面处理法

微妙的平面处理法，其可以提高画面的艺术活力，形成一种自然、抽象的，有生命力的艺术力量。采用平面处理法，即对画面的平面图进行分割，并且对整体画面的结构力度进一步的加强，这样的处理法使画面具有艺术感染力和吸引力，这个过程主要在于作者的敏感程度强不强，敏感程度主要受自身的感受力和文化素质的影响。

5 提高绘画造型基础课的教学质量

5.1 加强写实训练

结构素描的教学，应注重理解分析能力的训练，注重物体的形体与物体结构间的关系，观察物体的结构、不同的角度有什么特点等，并且分析物体形体表面、物体内部结构之间的关系，这样可以促进学生在结构分析能力方面得到提升。

5.2 培养学生的创新能力

现实生活中，学生的个性差异会导致不同的学生有不同的观察模式和思维模式，通过站在不同的角度思考问题，会发现对同一件事物有不同的想法及观念，因此，应养成学生善于发现事物的能力，通过宏观与微观的现象，大胆地发挥想象，在常规的事物中发现不同的特点。视觉经验的积累将引导思维模式的改变，将引导学生从不同的角度的观察世界和思考问题，使学生的主动性和创造性得到启发。

6 总结

“扎实”的画面效果可以突出作者的技术含量，提高自身的修养和技术才能使画面具有艺术感。所以，艺术生应加强写实训练，从素描和色彩方面加强练习，培养其创新能力和创造思维模式。

参考文献：

[1]冯立，冯亚兵.对新视觉观念下绘画造型基础课的思考[J].职教论坛，2007，（29）：39.

[2]刘高瞻.在造型基础课程中开设版画课教学的必要性[D].湖南师范大学，2010.