现代主义绘画范文

导语：如何才能写好一篇现代主义绘画，这就需要搜集整理更多的资料和文献，欢迎阅读由公务员之家整理的十篇范文，供你借鉴。

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关键词：现代主义绘画表现方法动力学方法静力学方法 

 

西方现代主义绘画已有近百年的历史了，从野兽派和立体派到构成主义和超现实主义，从抽象表现主义到波普艺术再到极简艺术和观念艺术，一个接一个的艺术运动和流派相继产生，欧洲数千年的艺术传统和价值观念发生了彻底动摇，“反传统”已成为各艺术流派的共同旗帜和宣言。各种观念、技法和材料都被艺术家多角度、多层次地体现、实验和运用，创造了诸多视觉艺术的新样式和表现方法。从总体上看，他们所用的艺术表现方法与传统绘画的艺术表现方法的差别在于：前者用的是动力学方法，后者用的是静力学方法。 

传统艺术所用的是静力学方法。这种静力学方法的主要特点是：1. 描绘物象自身的静态关系；2. 描绘事件、细节、性格之间的静态关系。 

画家描绘物象自身的静态关系，主要是指静态的块面、比例、透视、形体结构关系。说它是静态的，是因为一切画面都是假定对象在瞬间暂停下来。 

文艺家描绘事件、细节、性格之间的静态关系，确立了以下两种静态模式： 

1. 性格——情节模式。按照这种模式，一切叙事作品中的人物，都必须有不同的性格。不同性格之间的矛盾冲突构成情节。情节总是由序幕、开端、发展、、结局、尾声几个部分组成，由具体的细节、事件、场面来体现。 

2. 封闭性静态结构模式。关于这种封闭性静态结构模式的特点，弗洛伊德指出有五点：⑴ 作品中的英雄人物都有安全感，都有一种感觉：“我不会出事的！”；⑵ 所有的作品中都有一个主角；⑶ 作品中总会有某个女人爱上了主角；⑷ 作品中的人物都严格地分成好人和坏人；⑸ 作者仿佛坐在人物的大脑里，而从外部观察其他人物。 

现代主义文艺家认为，按照这种静态模式虽然可以编出许多引人入胜的故事，但不符合生活的真实和现代社会的特点。于是，现代主义文艺家提出了动力学方法。 

立体派画家格莱兹说：“从德拉克洛瓦以来，画家们对学院派挑战，他们给予一个在运动的形式里生动的动力主义以优先地位，超过空间中固定体积不动的画面形式。”凡·高认为现代绘画“将趋赴更精微——更多的音乐、较少雕塑。”他主张用互补色来表现人们的情感颤动和“火热的情绪活动”。德劳奈更进一步“想创造物象各元素间节奏关系”，寻求“节奏性法则的新多样性”①。《未来派宣言》则公开宣称：“人须再现动力的感觉……我们必须来解说自然，就在于我们在画布上把物象作为节奏的启始或延续来再现。这种节奏是物象自己在我们的感性功能里激引起的……宇宙之力应当在绘画中作为一种力的感受而得到表现……运动和光摧毁肉体的物质性。”② 

从以上言论可以看出，现代派艺术家所提出的“动力学方法”，就是“超越空间中固定体积不动的画面形式”，意在打破以往的以静态的透视、块面、比例、结构关系为特征的静力学方法，主张遵从审美动力学原理，运用讲究节奏、意念关系的动力学方法。 

所谓审美动力学，是指主体的审美力对审美对象的把握。这种动力学的特点是：⑴ 强调主体审美力的充分发挥，认为一切优秀的艺术品不过是人的本质力量的对象化；⑵ 强调内在的力（意念）而不是编造的“现实幻象”；⑶ 强调外在的力（运动——节奏）。 

艺术表现的动力学方法，就绘画而言，主要是指表现运动式的节奏关系与意念关系。 

 

一、运动式节奏关系 

为了打破以往艺术所表现的“现实的幻象”，现代主义画家从三个方面来描绘物象的运动式节奏关系。 

1. 描绘物象各元素之间的节奏关系 

怎样描绘物象各元素之间的节奏关系呢？德劳奈举例说：“例如一个风景，一个妇女和一个塔之间的节奏关系。从各种破折里也产生了节奏、运动、冲击的中断。破折，取消了联续性……如果我们从物象出发，是不能做出什么的。” 

毕加索的《格尔尼卡》、杜桑的《下楼梯的裸女，第2号》、米罗的《月亮、女人、鸟》等所描绘的就是物象各元素之间的关系。画家没有从物象出发，而把物象分解成许多元素，或者抽出它的某个元素，找出它们之间内在的节奏关系，创造出新的作品。 

《格尔尼卡》中的人和物，都被画家分解了，他（它）们的一个部分以一种元素出现在画面上。各元素之间的联系，难以从外表来寻找，而应从内部探索，从它们的内在节奏关系来探索。画面上强烈、震撼人心的运动与节奏是佛朗哥政权雇用德国法西斯飞机轰炸格尔尼卡所形成的，深刻地表现了画家对法西斯暴行的极大愤怒。 

《下楼梯的裸女，第2号》则是把一个女人下楼梯的连续动作分解成连续的元素，这些元素之间的运动——节奏，构成动力性画面，表达了画家的感受，暗示现代人生活节奏的加快。

2. 描绘色彩的节奏关系 

现代派画家放弃色彩透视和全色彩、全明暗的画法，采用了多种方法，描绘色彩的节奏关系。德劳奈指出：“人们须寻得节奏性法则的新的多样性，来替代那旧的画面构架。”他认为画面上色彩的运动与节奏，是由互补色的“同时对抗”和“绕圈形地动着”。他说：“色彩通过对抗性而绕圈形地动着。但是那些色彩，红与绿，在中央对抗着，产生极快的振动……各种色彩反应着如石投水后的圆圈，多个的浪圈能相叠，运动也同时向着相反方向进行，因而一切处于相互影响中，具有‘同时性’。”他还说：色彩“相互间的快、慢、或极速的振动、间隔等，一切这些关系，构成一个不再是模仿性的绘画的基础。”③毕加索多次用“频闪”手法，来捕捉、表现形与色彩的运动与节奏。例如他的作品《双面人头像》即是用此手法创作。另外，蒙德里安等还利用色彩的放射、跳跃，表现色彩的运动——节奏。

3. 描绘线条的节奏关系 

《未来派宣言》说：“一切物象通过它们的力线奔向无尽，波齐奥尔称之为物理的超越。我们所必须画出的就是这些力线。我们必须来解说自然，就在于我们在画布上把物象作为节奏的启始或延续来再现，这种节奏是物象自己在我们的感性功能里激起的。”④这种力线就是有力度、运动感、节奏感的线条。这种线条我们在克利和蒙德里安的一些作品中能够见到。克利的《鼓手》所使用的线条，近似中国书法的线条，有明显的节奏感。 

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【关键词】立体主义绘画， 欧洲现代主义建筑， 多视角 ，简洁

【 abstract 】 cubist paintings break through the traditional painting way, the picture is used in great quantities in line and geometrical form, and break through the single the Angle of view of observation methods, from each position relative to observe, anatomy and analyzed objects. So that cubism painting with a brand new idea of space and time, formed the abstract concise picture. Because observation change in a way, the European modernism architectural form the "time-space" form of construction of the change. For straight lines and geometrical form, not only by the building stylist USES the same period in building interior space design, also be used in the design of the building outside shape.

【 key words 】 cubist paintings, European modernism architectural, Angle, concise

中图分类号: J2 文献标识码：A 文章编号：

1、全新的时空观

传统的绘画都是单一地从某一个视点来观察和描绘表现对象的单一形态，使画家能够惟妙惟肖地再现客观事物，这就是被誉为经典的透视法。然而，立体主义绘画却毅然地将之全部抛弃，把许多个瞬间的图像叠加在同一画面，以便可以在同一画面中同时且全方位地表现被描绘对象的完整性。由此立体主义突破了文艺复兴以来的透视法则，突破了单一视角和绝对权威，而是从各个方位相对地观察、解剖和分析对象。例如（图1）《读书》。仿佛人的视点可以随着时间的推移而处于一种不断转换的动态中。

建筑不同于其他种艺术形式的重要标志是人们可以被包容于建筑空间中。人们进入建筑空间，可以在其中从不同的角度观察建筑，并且随着时间的不断推移，可以形成一个完整的建筑空间印象和体验。多视点观察法表现出了一种流动的时间和全新的空间关系，这也引起了“时间——空间”的建筑形式的改变。也就是，在传统的长、宽、高构成的三度空间上，增加了视角可以在其中不断位移而形成的时间维度。

对事物的多视点观察的方法，使得当时许多处于彷徨中的建筑设计师获得灵感源泉，让建筑的空间呈现出了比以往更多的自由和变化，由此，建筑设计师们在设计建筑作品时能运用各种有效的方法来组织空间的构成要素，包括光影和色彩。例如（图2）萨伏伊别墅，它简单的几何外形包含着复杂的内部空间，从各个要素间互相连接、穿插，各个空间无方向的伸展和穿梭，人们可以在其中轻松地获得时间的空间体验。人们从不同的观察事物视角的交换中，才能够获得更全面、更系统的空间体验。建筑的构成要素越多，观赏者的参与性就会越强，体验时间美的效果就会越大，当然，收获的空间感受也就会越丰富。

2、抽象简洁

立体主义绘画的抽象简洁特点表现在点、线、面的运用上，其中比较突出的是对直线和几何形体的大量运用。由直线所形成的棱角分明的几何形体是当时立体主义画家常常用来表现被描绘对象的手法。直线作为一种与以前艺术表现中常用的曲线的反抗形式占据着主导的作用，直线可以简单的、抽象的、简洁的表现事物。彼埃·蒙德里安在立体主义的基础上，运用了直线与纯色的组合，创立了独树一帜的几何抽象艺术。其表现形式主要是横平竖直的各种直线，向着各个方向伸展开来，可以清晰的看出空间的流动性。

立体主义绘画的抽象简洁也表现在对“简单几何形体”的大量运用。例如（图3）《单簧管》。那些抽象简洁的线条使剪贴的图形获得某种依托和含义，甚至还能让人从中感悟到某种精神内涵。

在同时期的现代主义建筑设计中，建筑设计师放弃了传统建筑中曲线的运用，取而代之的是“直线”。直线这一抽象简洁的表现语言得到了广泛的接受与运用。例如后来被誉为现代主义建筑四大师之一的瓦尔特·格罗皮乌斯利用直线创作出了著名的法古斯工厂（如图4）——外观抽象简洁，有若干条直线构成。

可以看出立体主义绘画和欧洲现代主义建筑都推崇抽象简洁的艺术表达形式，而且两者对抽象简洁的表达都涉及到了直线和简单的几何形体。

3、总结

立体主义绘画抛弃了传统的注重写实的绘画方式，改用概括的形式，并且突破了文艺复兴以来的透视法则，即突破了单一视角不变的观察被描绘对象，改从许多不同的位置来观察、比较并分析对象。受观察方式改变的影响，欧洲现代主义建筑形成了“时间——空间”的建筑形式的改变，在传统的长、宽、高构成的三度空间上，增加了视角可以在其中不断位移而形成的时间维度。

立体主义绘画中，由直线所形成的棱角分明的几何形式是当时立体主义画家常常用来表现被描绘对象的手法。直线作为一种与以前艺术表现中常用的曲线的反抗形式占据着主导的作用。这种艺术的表达形式不仅被同时期的建筑设计师运用在建筑内部空间的设计上，也被建筑设计师运用在建筑的外部造型设计中。

【参考文献】

［1］刘七一 立体主义绘画简史 华东师范大学出版社 2004年版

［2］张敢 外国美术史简编 高等教育出版社 2008年版

［3］罗小未 外国近现代建筑史 中国建筑工业出版社 2004年版

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19世纪末20世纪初，世界各地特别是欧美国家的工业技术迅速发展，新的设备、机械、工具不断被发明出来，极大的促进了生产力的发展，这种飞速的工业技术发展，同时对社会结构和社会生活也带了重大的冲击，在人们的思想、文化、艺术、观念等方面都产生了重大影响。现代绘画艺术和现代建筑分别属于西方20世纪以来在艺术和建筑领域占主导地位的艺术形态和建筑形态，在相当长的时间内都得到社会发展的充分肯定，一直到现在仍在人们的思想文化领域占有重要的地位。在同时代下，两者之间必然存在着某种必然的联系，笔者将对此作出以下研究。

1.“现代绘画艺术”、“现代建筑”概念理解

“现代绘画艺术”是西方20世纪以来的占主导地位的艺术形态。从20世纪初开始，随着西方社会进入现代时期，出现了与古典绘画艺术和近代绘画艺术不同面貌的现代绘画艺术，它的突出特征是在艺术形式上不再以写实风格为主，而是体现艺术家个性的观念和形式语言，并且形成了各种艺术流派。[1]

现代建筑一词有广义和狭义之分，广义的现代建筑包括20世纪出现的各种各样的风格的建筑流派的作品。狭义的现代建筑常常专指在20世纪20年代形成的现代主义建筑。在本篇文章中，“现代建筑”表示广义的，既包括现代主义建筑，又包括后现代主义建筑。现代主义建筑以格罗皮乌斯及其同事在包豪斯的教学和设计实践为标志，并以勒•柯布西耶在法国的建筑活动为另一个标志。1925年前后，现代主义建筑运动得到蓬勃发展，经此席卷了整个欧洲乃至世界各地，二十世纪五十年代到六十年代达到。他们强调功能决定形式，不讲民族特色、个性特征、力求纯粹，反对装饰，标准化使现代主义建筑走向了极端。自六十年代后，根源于现代主义建筑原则相反的论点和创作主张不断兴起，相继出现了诸如：单纯反对现代主义的后现代主义：复古的新古典主义、充分袒露结构，显示多种机电设备的本来形状的高技派、理性和情感的结合，抽象和历史的结合的理性主义、结构主义、后结构主义及构成主义等建筑思潮。[2]

2.现代绘画艺术与现代建筑之间的相互关系

2.1现代绘画艺术和现代建筑在时间上并行发展

现代绘画艺术和现代建筑在时间上并行发展，在思想上都根源于文艺复兴运动的思想启蒙。文艺复兴时期发现了“人”，并以“人”为中心看待世界和观察世界，讴歌人性、人的价值和尊严，宣扬人的自由意志和人性自由，反对基督教主张的禁欲主义、蒙昧主义和神权专制主义，否定教会对人的制约和束缚。可以说正是在自由的引导下，人们才会决定突破自然和社会加诸自身的各种束缚，把人的思想、感情、智慧都从神学的束缚中解救出来，为以后起源于英国的工艺美术运动、起源于法国的“新艺术”运动发生和发展在思想上铺平了道路，最终迎接了现代绘画艺术和现代建筑时代的到来。19世纪末20世纪初，西方绘画开始追求一种主观性、夸张性和平面性的价值，演绎出形形的“现代绘画艺术和现代建筑”。立体主义、未来主义、超现实主义等现代绘画艺术形式与现代建筑并行发展，并且这些艺术主张渗透到建筑领域。

2.2现代绘画艺术的思想观念影响了现代建筑

现代绘画艺术在思想上摆脱宗教政治题材的束缚，在现代绘画艺术中，艺术家可以无所忌惮的以一种非理性的方式肢解自然和使人非人性化，设计的形式语言不再处于旧的反衬地位并且逐渐摆脱对宗教权贵的依附共存关系之后，它改变了艺术审美的主体，是美学理论和思维得到重构，并且拓展了审美的范畴，丰富了美的内涵，使艺术创造可以更加自由的发挥。从现在艺术的创作主体来说，毕加索在对非洲土著部落的狰狞的雕像、面具和同体中领悟到：“绘画不是一种唯美的操作，而是对奇异恐怖的外部世界的一个象征。”达利曾对毕加索有过这样一种评价：“他感兴趣的不是美，而是形式本身。”从这里可以看出现代绘画艺术在探索发展过程中“回到事物本身”，探索事物本身最根本的形式和规律，根据表现对象和表现效果的需要进行安排，组织从内到外的结构，配置形和色，从而建立一个新的视觉样式，通常使用形式构成的基本要素――点、线、面来构成画面。现代绘画艺术的这种观念渗透到现代建筑领域，则形成了现代建筑的基本特点。[3]

受印象主义大师塞尚的影响和启示，画家布拉克和毕加索将物体的多个角度不同视象具体分析，对物体进行重新构造和综合处理，然后结合在同一形象之上，把简单的几何形体及其结合的审美价值揭示出来，从而从成了“立体主义”画派，立体主义画派的这一理论使得20世纪初的建筑师们得以借鉴，形成了许多简单的几何形体组合为造型特征的新建筑风格，并且在包豪斯学院得到进一步完善和发展，简洁的几何造型成为20世纪现代建筑设计及其理论设计的主流。20世纪初产生于意大利的未来主义画派主张未来的艺术应该反映现代机械文明，表现速度、力量和竞争，科学和技术在艺术创作过程中得到高度重视，绘画创作迅速走向抽象化，这种与传统相决裂的崭新现代的未来主义形式和风格也为现代主义建筑家们提供了在意识形态和思想方式上强有力的支持。受佛洛伊德精神分析学说的影响，产生了脱胎于“达达主义”的“超现实主义”艺术流派，主张认为下意识的梦境、幻觉、本能是创作的源泉。画家切里科创作的绘画作品《大形而上学》对都市化的刻板、非人性化风格的讽刺，也为后来建筑师们带来了很大的启发。

2.3现代建筑形式语言是现代绘画艺术的具象化、立体化

现代绘画艺术的出现就是立足于人的本能的需求，挖掘潜藏于人类深层心理结构中的潜意识现代建筑则是人类意识思维创造的具象化。现代绘画艺术和现代建筑在同一时期并行发展，在这段时间里，艺术家参与建筑设计，建筑和艺术相互包容，现代建筑形式语言是现代绘画艺术形式的具象化和立体化，其中现代建筑的风格派体现的最为突出。在现代建筑的形式语言形成的过程中，风格派在现代绘画艺术和现代建筑之间搭起了一座桥梁，沟通了他们之间的联系。

风格派继承了伯拉基理性主义建筑艺术观，伯拉基曾说过：“建筑师的艺术在于空间的创造，而不是画立面。空间环境由墙体形成，因此，空间和空间序列则按墙体的复杂组合来体现。”另外蒙德里安也是与风格派联系最为密切的人物，也是现代绘画艺术思潮中的核心人物之一。蒙德里安也用自己的新造型主义美学影响了建筑。他认为建筑是人创造的，而不是自然造化的，艺术品是“独立存在的”，“建筑艺术则仅有建筑物的多样化、以城市来实现的”，并且“他们相互吸收，相互包纳”，蒙德里安看到了立体派的成就与建筑艺术的联系。里特维尔德的是风格派最具有代表性的实例之一。矩形板材分割空间和原色装饰室内外构件时建筑的主要特征，房子的二楼几乎是一个风格派的展厅，纵横、虚实对比，动态平衡，阳台拦板和中部伸出屋顶的竖板的运用，完全是一副讲究的风格派构图，里特维尔德以实物为“风格派”作风做了一个历史性的注解。[4]

3.结语

在现代建筑的发展历程中，始终脱离不开现代绘画艺术的发展，而且两者之间随着彼此的发展联系越加紧密，现代建筑在社会中吸取养料的同时，现代绘画艺术更能为现代建筑的发展提供更深层次的理论根源。正如现代建筑大师莱特所说：“建筑，是用结构来表达思想的科学性的艺术”。

参考文献

[1] 李娅娜，李水泳. 现代绘画艺术形式创造研究[J]. 新美术，2007（05）：103-105.

[2] 王受之. 世界现代建筑史[M]. 北京：中国建筑工业出版社，1999.

[3] 张高元. 现代绘画艺术的困惑与思索[J]. 南方论刊，2007（07）：97-98.

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社会科学的发展是与社会思潮与产业革命发展紧密结合的，本文将直接从后现代人类学基本定义入手，与传统人类学范式对比，解构传统的方式与建构的逻辑，及这些在虚拟社会文化中的应用以及与传统的不同。进一步梳理后现代主义的历史逻辑，之后引出各个作者转向的原因；以及后现代主义的从现代性到后现代主义———后工业时代思潮由现代主义到后现代主义延续的背景、特点与转向，来讨论后现代主义人类学是什么、对于人类学发展的意义、特点与贡献，以及后现代主义人类学在20世纪10年代以来的最新走向。同时，也将顺带讨论后现代主义文本的空间与虚拟社会文化文本的第四维时空性的对接；以及，后现代主义的不确定性与尚未完全“结构”的虚拟社会文化的不确定性的对接。从宏观上看社会科学学科的划分在本质上即是一种有意而为的、筛选有限社会文化符号的结构功能主义，而后现代的出现则打破了这一日趋僵化、不断重复赋义的意义建构僵局（不断的重复赋义和意义再生是学科研究异化、走向诠释学和哲学诡辩的企图，而忽视了学科建设的实证研究本意）。后现代的出现则以有意识的反叛、达到了无意识打破上述僵局的目的———后现代至于传统的关系、与反传统的意义（实证和意义重构）及源流。同时我们也应看到虚拟社会文化与后现代主义人类学交集中几个必须注意到的问题。

二、网络社会文化的新发展与网络社会对现实社会的隐喻

网络社会的本质是符号的社会，是一种新的语言、新的话语符号系统，而这些构成网络话语系统的符号则是普遍性的、超时空的、超文化的，是“普世”的。网络社会的书写在于对现实社会的投射，即“隐喻”。同时，因为后现代主义具有表达和指涉的不确定性，而网络社会疆域又具有超时空性；因此，后现代主义人类指涉的不确定性与研究的方向性（只有方向、缺乏具体指涉和理论、概念体系），其虚拟社会文化研究的定性的探索性、反传统性、过渡性。只有当以互联网为基础的虚拟社会文化在第四次工业浪潮成熟之后，成为普世的、普及的（程度等同于第二、第三次技术革命在当时的全方位的、基础性程度）社会基础知识，虚拟社会文化的秩序（经济、政治、文化、与书写系统）完全并行于传统秩序，并与之达成制衡之时，这种后现代主义的、探索性的、过渡性的探索成熟之后；完全意义上的后现代主义人类学的虚拟使得社会文化研究才真正完成其系统的、理论的概念体系填充和建构。

三、后现代主义人类学与虚拟社会文化研究的展望

首先，我们认为当代人类学研究的主题是后现代主义研究的核心问题与虚拟社会文化实证研究的整合。其次，全球一体化时代的人类学研究在信仰、价值、分类的趋同、异化与整合中有待进一步研究分析的问题与研究视野的转换。在《后现代社会理论》中，瑞泽尔对后现代社会理论的14点批判。从中我们可以看到对后现代主义的反思所反应出的后现代主义与虚拟社会文化的如下相通之处。首先，瑞泽尔提到的后现代社会理论家的反现代主义缺乏明确概念化的趋势，以及他们“精于批判但是对于‘社会应是什么样’却缺乏任何见解”。恰恰对应了网络社会在当代的发展阶段。其次，瑞泽尔笔下所言的后现代主义学者因缺乏一种能动主体方面的理论而对主体和主体性不感兴趣，则正对应了当代对于“虚拟社会文化的主体是什么：是人、是媒介、还是互动方式？”的模糊定位。第三，瑞氏所指出的“某些后现代社会理论家有一种至少把某些社会现象物化的令人烦扰的趋势”则恰恰与数字化的虚拟社会文化文本中符号化、文本化的沟通本质相对应。在后现代主义反对对文本做过度阐释、乃至反对文本本身之时，虚拟社会文化所依赖的恰恰是二位一体的“作者—读者”所赖以存在的生存方式。第四，瑞氏笔下的社会理论家过于满足与对他们自我定义的问题的沉湎，而忽视了对时代性问题的关键；则可认为是虚拟社区建构在文本之上，后现代主义对于文本的质疑，恰恰迎合了虚拟社会文化读者制造文本的特性。在虚拟社区中，读者即作者。必须要反复重申的是人类学关注的是文化，文化是社会结构的文点/以后现代社会的基本特点作为支撑，而后现代主义则是这一历史时期社会的符号标志/后现代意味着转型、反思和不确定性-即描述了由工业社会到全面数字化社会的过渡阶段的社会、文化、和大众心理特点，虚拟社会的全面来临则会是后工业社会以及后现代主义的终结，至此，缺乏事实描述的后现代主义理论将因社会生产方式形态/全面数字化社会的到来而找到理论在生产力和定型了的社会结构结构中的支撑。

四、后现代主义人类学与虚拟社会文化：开放式的小结

虽然在本文所提及的诸多概念，从后现代主义到虚拟社会文化，从现代与后现代的理论之中，到布迪厄与卡斯特对新千年的不同分析试验；都是基于人类学的“欧洲中心论”这一思想核心。但无论这些先行者承认与否，作为第四媒体和第四维时空出现的互联网时代与虚拟社会，都打破了出台的“欧洲中心论”。即使美国和西方的技术与语言仍然控制着互联网，但不可否认的是互联网本身的去中心化、虚拟化、数字化、全球化与个人化逻辑，就已昭示了后现代主义的道路，也昭示了传统的、“忧郁的热带”式的、参与式民族志方法的衰落。我们无需可以分析到底是后现代推动虚拟社会文化的发展，还是虚拟社会文化的特质固化了依附理论所强调的发展的异化，推动了后现代主义人类学，使诠释回归本质，摒弃了传统的以民族志式的、再造的话语符合系统诠释文化本身的做法。后现代主义人类学与虚拟社会文化是我们探讨的核心，而后现代主义时空观则是连结这两个核心的关键。通过对后现代主义思潮的宏观历史分析，我们讨论了后现代主义是如何影响人类学的，并进而解释了后现代主义时空观是如何与虚拟社会文化之第四媒体相联系的。后现代主义与后现代主义人类学的特质是基础，而后现代主义时空观是解释后现代主义人类学与虚拟社会文化联系的解释模型与桥梁，并以网络社会的第四媒体特征为基础。

五、结语

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天空晴朗，阳光明媚，今天我们又迎来了盼望已久的节日——“六•一”国际儿童节。

看，太阳公公向我们微笑，微风轻拂一张张笑脸，小树向我们招手，大地向我们祝贺；听，小鸟在向我们歌唱，唱出了我们喜悦、兴奋的心情。啊，我们多么幸福，多么自豪呀！

在这幸福、快乐的日子里，尊敬的爷爷、奶奶、叔叔、阿姨和老师们，不辞辛苦，从百忙中抽出宝贵的时间，来参加我们的节日，向我们带来了节日祝贺，让我们以少先队员崇高的队礼表示衷心的感谢！

同时，我也代表xx学校全体少先队员向全国少先队员以及全世界的少年儿童表示节日的祝贺！

同学们，少年儿童是祖国的花朵，是祖国建设的的后备军，是祖国的未来和希望。党和国家时时刻刻都在关心着我们的发展，为我们提供良好的受教育的环境*，配备了优秀的教师队伍，教育我们学知识、学做人。社会和家长期盼着我们，希望我们成为遵守社会公德、掌握科学知识、能为社会做出贡献的栋梁。为了不辜负他们期望，我们要努力进取，学习革命前辈的优良传统，从我做起、从现在做起，珍惜少年时代这宝贵的时光，努力学好各门功课，敢于探索、敢于创新、以优异的成绩回报党和人民，为把我们的祖国建设成为世界强国打下坚实的基础。同学们，少年儿童是一个可塑性很强的年龄，我们要走好每一步，严格要求自己的一言一行，做到要远离网吧、不到各种娱乐场所玩耍，不留怪发行，不穿奇装异服，始刻注意人身安全，让家长放心，让老师放心，做一个勤奋好学，勇于进取的好学生，为社会主义精神文明作出积极的贡献。

尊敬的爷爷、奶奶、叔叔、阿姨，辅导员老师，二十一世纪是科学技术飞速发展的时期，需要一代思想进步，知识丰富的全面发展的人才。*老一辈革命家对我们寄予了殷切期望，我们全体少先队员一定刻苦努力，不断锻炼自我，提高自我，祖国的明天回更加美好。

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关键字：园林园艺;花卉园艺;现代景观;现代化建设

园林景观在现代城市中的主要作用

对于园林景观建设上 ，不仅仅会对城市的整体的改造非常有利，而且还可以对该住宅区域的居民的生活质量有着很好的作用。如果在小区住宅场地内建好了园林景观，那么这个小区的商业价值和居民水平将会有着很大的提升。并且还从一定程度上提升了政府的形象，成为了人们对热衷于居住的环境。

对于房地产的投资老板来说，这样的小区住宅场地将会使他的回报率有着显著地提高，也会是它在市场的竞争力有着很好的提升，并在商业圈建立了良好的信誉，对于小区的销售部门来说，将会是销售的速度加快，也就是说，不管从哪个方面来看，在现代化城市搞好园林景观是维护住宅小区长远利益的主要途径。

花卉园艺在园林景观建设中的基本情况

在园林景观的建设上，若是想能给人以清新宜人的感觉，那么不仅仅是树木和花草，主要的因素还是对于建筑项目来说能够充分的满足生态环境建设的需求。因此，对于园林景观的建设来说，其从面不仅是要满足人们在观赏中的需求，还应该给现代城市居民制造处更为合理的生态化的居住环境。原来各城市的居民以及买房的消费者其关注的目标主要放在了房子的质量上面，但是随着人们的生活水平不断地提高，居民以及消费者的要求不仅局限于质量，而且还对周围的景观建设和绿化水平有着很高的重视。所谓绿化的水平指的就是整个小区绿化范围的大小也就是植被植物所在小区覆盖的面积，很多居民都希望下班回家的路上能够看到满眼的绿色。

住宅区房地产的价值对于人们来说，考虑最重要的因素就是价格、环境因素和位置。在园林景观的建设中，环境考察因素是最为重要的，如果因为距离比较远，或是价格比较昂贵的话，相应的解决方式是会有的，但是对于环境的要求应该是最重要的。所以，从总体上来说，一个小区的居住价值主要体现于周边的园林景观建设质量上，也就是说，只要将小区的园林景观建设好，小区的居住价值也将会有着很大的提升。

园林景观在城市的建设中，如果运用到花卉园艺，可以根据季节的不同来对花卉的种类进行选择。在夏天的的时候选择的花卉品种有很多，如石竹、地肤、鸡冠花、矮牵牛、彩叶草、孔雀草、万寿菊、一串红和半枝莲等等，在冬季，天气比较寒冷，可以选择像银叶菊、、羽衣甘蓝、红叶甜菜等比较耐寒的植物，到了春季，春暖花开，一般都选择像金鱼草、三色堇、矮串红、金盏菊等观赏性比较强的植物。

园林景观建设中花卉园艺建设的作用以及方法

用于园林景观建设的花卉园艺有很多种，我们先举个例子，

就先拿金鱼草来说，这种植被是属于玄参科的，金鱼草属，也是两年生的草本花卉，其主要的繁殖方式是靠种子繁殖，种植的时间要在十月的上旬，种植密度保持在每平方米内四百到五百颗种子为最好，在种子的上面盖上一层薄薄的土，不要太厚，刚好盖住就好，并且还要用木板压实，关键是要把水浇透，还要搭一个桥拱型的棚子将遮阳网盖住，不能让太阳暴晒，在一般环境下十五天，在施肥放苗要格外注意的是，不能使用氮肥，适当的时候使用一些钾和磷肥就可以，要经常进行松土，控制好生长高度。

还有一种典型的植物就是羽衣甘蓝，羽衣甘蓝在专业上也可以叫做十字花科、甘蓝属，这是一种两年生的草本观叶花卉。在种植方面，主要是播种繁殖，种植的时间主要在八月中旬，而且在种植的密度上要保持每平方米之内三百五十颗种子左右，在种植过后必须要在上面盖上一层薄薄的土，只要盖住就可以，不需要太厚，最重要的是要把水浇透，还要搭一个类似桥拱型的薄膜，一般环境下，一星期最有就会发芽。当幼苗长出五六片叶子的时候要把移到营养钵粒，营养钵不需要特别大，最好是十六乘以十四厘米的。而且羽衣甘蓝是比较喜肥的植物，因此在浇水的时候应该适当的掺入较多的液肥，在时间的距离上一般要相隔十点左右为好。而且要防止植物根系扎的过深，要经常换盆，还要及时的为他们除草松土，把植被根部的黄叶及时摘除。在植被的生长过程中很有可能会受到蚜虫的伤害，所以应该及时喷洒九百到一千倍最有的乐果乳油液来进行预防。羽衣甘蓝的耐寒性比较好，叶片的色泽也是比较鲜艳的，在冬天和入春时期是最重要的观赏植物，可以把它们种植在广场上、花带上、公园、花坛等等，并可以摆成各种不同的图案。

结束语：对于园林景观建设方面进行规划不仅可以对生态的平衡起到保护的作用，还可以对居民的身体健康又很大的帮助，小区的环保价值是不能与金钱相提并论的，任何人都想在一个清新宜人的环境里生活，所以园林景观石房地产建设中至关重要的部分，在居民的日常生活中可以起到无可替代的位置。

[1]纪会琴. 园林景观花卉园艺在现代城市建筑中的重要作用[J]. 科技创新与应用，2012，15：220.

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关键词：现代主义；后现代主义；回归架上

中图分类号：J205 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2013）27-0061-01

一、埃里克·菲谢尔绘画产生的时代背景

后现代主义艺术是50年代以来欧美各国（主要是美国）继现代主义之后前卫艺术思潮的总称。后现代主义的含义十分宽广，被广泛应用于社会、政治、经济、宗教、科学、哲学、艺术等许多领域。

后现代主义无法单纯地被归纳为某个流派或某种风格，而是更多的被视为一种文化形态。当不断追求形式创新的现代主义完全衰落后，艺术家开始反思，并重拾画笔，回归到被荒芜已久绘画中，后现代主义不再像现代主义与传统具象绘画进行彻底决裂，绘画回归架上，后现代艺术超越现代主义对传统的偏见，勇敢回归西方传统具象绘画艺术，将传统绘画语言与现代主义观念融合回归架上的绘画已经超越以往的传统绘画，不管是具象还是抽象，无论是色彩还是造型，都促使架上绘画的新生。

直到20世纪80年代，绘画才真正回归西方艺术界的主流，它的成功意味着西方现代艺术努力尝试重新发现和运用绘画语言，绘画回归架上并不等同于传统具象绘画中再现外部世界，也不似现代主义在画布上不断消解形象。艺术家回归架上绘画是将传统的艺术样式与现代主义的各种因素相结合，画家更注重内在精神的表达，不像传统具象绘画满足于客观再现对象世界，而是倾向于对个体心灵和生活体验的直接把握，以表达自我为前提，用绘画手法表达对于艺术和世界的独特感受，用架上绘画表达对大自然的亲近，对社会日常生活的关注，并竭力消除艺术与大众的距离。展现出架上绘画的可能性和新方向，其中尤以埃里克·菲谢尔的绘画尤为突出。

二、埃里克·菲谢尔的绘画特点与启示

埃里克·菲谢尔也作为80年代美国新具象绘画的代表人物，他的油画作品可谓惊世骇俗，1948年画家生于纽约，是一个以绘画题材的独特取胜的画家，他善于用巨大的画幅来描绘现代人生理和心理的隐私。

从20世纪80年代菲谢尔的绘画开始出现在公众眼前，其绘画的特点可以总结为以下几点：

首先，在菲的绘画中通常有具体的形象，如《最佳西部》、《坏孩子》、等中有明显人物、静物以及生活场景的生动表现。他在运用具体形象的过程中，更多采用平涂的绘画语言和形式，这些较为写实的画面却触摸到美国现代社会里的混乱，人类精神空虚等深刻的矛盾和问题。

其次菲的绘画直接描绘生活场景，其画面题材都与日常生活有很大关联性，大多描绘现代人在都市中的生活情景，尽管画面中流露出自然随意的气质，却揭示出现代人的某些无法描述的心理压力和精神负担。他普遍采用巨大的画幅，画面的主体形象巨大，充满整个画面，而且形象是比较写实和具象的，题材经常是表现美国中产阶级的生活场景：在卧室里、在花园里、在路灯下、在海滨等，画面中的人物是随意的、自在的，画中场景大多是是隐私和私密的，有意或无意的观众反倒成了偷窥者。

最后，菲的绘画中的特点是平面化，他在吸收现代主义元素的同时，平涂的画面隐喻的是美国艺术家对现实社会的讽刺和不满情绪，以《最佳西部》等为代表，画家虽然采用具象的绘画语言，但不同于传统具象绘画中对于空间透视、明暗造型等严格的形体塑造，画面中的人物形象、环境更多流露出画家个人的精神气质。其作品中的隐喻是多重的、不明晰的，引人沉思。绘画题材的耐人寻味，与过去的现实主义和象征主义相比大有不同，画面中的隐喻让人着迷。

其绘画中更多的体现艺术家自我心灵体验，我们能够感受到他的作品中对都市生活之感望的宣泄，以及瞬间存在的状态；绘画作品中描绘出美国中产阶级的日常生活，通过对个人隐私的放大，画家渴望表现平静生活中的风暴；描绘现实生活中的黑暗面，揭示日常生活的残酷，给每一个现代文明社会的人留下沉重的思索；与都市生活中巨大精神压力下，扭曲的人类挣扎在信仰缺失、人与人、人与环境、灵与肉等精神问题。其绘画是在对现代主义艺术的反叛和吸收的基础上以具体的形象为依据，体现的是个体生命的价值与尊严，人生的悲苦与意义，人性的光芒与理想。他的绘画不再只是远离大众，变成个别人的智力游戏，而是以轻松诙谐的方式，吸引观者的眼球，成为可以引起大众思考谈论的艺术，埃里克·菲谢尔的绘画在现代艺术的基础上使架上绘画得到新的生命。

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城市是人类经济和社会发展到一定程度的产物,它不仅是人类生存的聚集地,更是人类文明的表现,是人类文化的创造源和栖息地。德国学者斯宾格勒曾高度肯定城市在人类历史中的巨大作用,他甚至认为:“世界史从某种意义上讲就是人类的城市史”。① 一般意义上,城市是与乡村作为一组对立词汇而存在的。但在工业文明出现以前,城市文明还没有那么突显,它是被传统的农业文明所包围的。随着工业革命的来临及近代城市的演化,城市的影响力开始变得强烈起来。文化艺术的发展随之受到很大影响。

正如过去的一个世纪是人类社会最具变革的时代一样,架上绘画作为艺术最主要的形式之一,在创作形式以及作品面貌上也发生了重大的变化。从形式主义的观点来看,艺术独立存在于社会现实中,是艺术家以直觉的方式表达出来的具体形式,艺术以其自身的风格演变造就了艺术的历史。可艺术毕竟不是在真空中产生和发展,“绘画的本体是由形式,即个体艺术家的直觉本能的物化形态构成的,但是从严格意义上讲,艺术品又不是个人的创造,而是一种文化以个体单位形式表现的变体”。② 所以,我们发现影响架上绘画变化的另一个关键因素,即西方社会城市化进程这样一个现实。现代绘画里所涉及的问题和现代城市密切相关。如城市景观、城市人生存、城市大众文化、消费现象、环境问题等等,这些问题最集中的出现在城市里,情况显而易见,现代城市作为艺术活动发生的主场,在提供丰富的艺术创作源泉的同时,对架上绘画产生了重要的影响,二者之间存在着必然的联系。但城市是如此的复杂多变,如何从城市的角度来搭建城市生活与架上绘画之间沟通的可能性,找寻二者之间的关系逻辑是一个看似自然但却复杂的工作。

西方现代主义的艺术规范建立在视觉革命的基础之上,现代主义绘画中的诸多流派和新艺术形式的发展变化,不仅仅是艺术自律的体现,也是对于现代城市变化的回应,譬如现代城市中通讯和交通的快速发展所带来的运动、速度、光和声音的新变化,导致人感官上和意识上的变化,我们看20世纪西方现代艺术中印象派绘画中的色彩、以空间研究为主要目的的结构主义和立体主义、未来主义的所强调的运动与速度、表现主义呈现出的的激情与反理性主义、极少主义对工业材料的运用、都是与城市的生活状态密切相关的基础上,艺术家个人感受的表达。

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后现代主义源于20世纪60年代，是西方信息革命的产物，它旨在反抗现代主义纯而又纯的方法论，广泛地体现于文学、哲学、建筑设计等各个领域中。所谓“后现代”并不是指时间上处于“现代”之后，而是针对艺术风格的发展演变而言。在绘画上，被称为现代艺术之父的塞尚抛弃传统绘画的写实主义，创造了独立于客观自然状态之外的抽象艺术；杜尚则将其思想推进发展，彻底颠覆了艺术的固有概念，认为思想本身就是艺术。之后，波普艺术的流行、解构主义的热潮及超现实绘画、新绘画的多方面应用，极大地丰富了后现代主义的表现形式。

后现代主义思潮在时装上得到充分表现是在20世纪70年代。朋克们在清一色的黑皮茄克上随心所欲地装饰闪闪发光的别针、铆钉、拉链、锁链和刮脸刀片，嬉皮士们则留着刺猬状的短发在节奏激烈的摇滚乐中狂舞，街头时装与社会风潮相呼应。“适合自己的就是最好的”是当时指导着装打扮的名言，高级女装也由此受到后现代主义思潮的影响。

后现代主义时装的特征

后现代主义时装发展到今天，体现了集多元文化于一身的精神，它在背弃传统的同时，坚决反对提出一个新的思想和秩序取而代之，有意识地不确定自己的身份。后现代主义时装大致有四大特征：

一、延续性。 既对抗它的前身――经典传统，又反对有一个特定的新的概念标准，这种混浊性使其跨越了高雅与大众化的疆界，并有意游戏于这种分界之间。在后现代主义时装作品中既可以看到过去的影子（借用历史风格来增加设计的文化内涵），又完全是崭新的形象。

二、广泛性。后现代主义跨越国家和学科界限，从建筑学到艺术、音乐、文学，从社会科学到自然科学几乎都涉及到了。后现代主义时装的设计理念、灵感与视野具有全球性的广泛空间。

三、包容性。后现代主义时装具有巨大的包容性，自然、历史、社会、未来及今天的所有时装形态都被包容进来。

四、不定性。后现代主义的急先锋索特萨斯认为“设计没有确定性，只有可能性；没有永恒，只有瞬间” 。后现代主义时装的模糊性、多元性以及意义上的混合、夸张、幽默与消费主义等特点被描绘成重大文化变革的一种预警信号。

后现代主义时装的设计大师

英国设计师维维安・韦斯特伍德（1941――）性格怪僻，设计风格独特，常带有特迪青年风貌和朋克风貌。她和社会名流麦克拉伦在伦敦国王大街开设第一家服饰店。歪斜的楼梯、粗野放荡的情调、店名频繁更换，由于一些服装使得穿着者看上去更像可怕的屠杀受难者，或是一批惊奇、兴奋和心甘情愿的牺牲品，不少人将她视为颓废派艺术家和自甘堕落者。1982年她开设第二家服饰店，经销朋克青年喜欢的化妆品和奇装异服。80年代后推出“新浪漫主义”和“海盗风貌”，如内衣外穿、有吊袜带的西短裤、带葡萄叶的紧身衬裤、无上衣的撑架裙等奇装异服。韦斯特伍德将逆反设计思想渗入时尚，把现实的丑陋和阴暗面暴露出来，从而迅速成为世界时装的主题。

日本设计师 高田贤三（1940――）在石油危机的日子里，他适时地为正在扬弃和否定自己传统的欧洲青年消费层提供了一种全新的选择，如女装上衣采用男式夜礼服，裙子采用包缠形式等。他说：“我喜欢直线所具有的大气和大方，面料无论冬夏都使用棉织物，而且不要里子，把鲜艳的原色组合在一起，自然花纹与条纹、格子纹自由地搭配―――我喜欢把许多不同的东西混合在一起……我的设计、我的事业从这里出发。”

法国设计师 珍・保尔・戈尔捷（1952――）以奇异怪绝的设计风格著称，并以摇滚舞星、通俗音乐学者、手工艺泰斗三项美名集于一身而闻名于世。在首次个人会上推出令人惊叹的“先锋派”系列，他让模特儿穿上表现粗狂的超短男式皮茄克，配以显示娴雅女性感的芭蕾舞短裙，内衬古朴轻柔的长裙，腰系层层绸带。此外，他还专门设计了内衣外穿的式样，尽管与当时潮流相悖，却在数年后风靡欧洲；在与日本成衣商合作时，创作出臀部半露的红色天鹅绒内裤和男女都可穿着的战壕服等。至80年代，他已成为巴黎最有影响的新一代年轻人崇拜的偶像型设计师。他有着顽童般的叛逆心理，常以流浪汉、妇女的荒诞和邋 遢行为作为构思背景，而没有一味跟随法国的设计思想。1990年8月推出整个后背的男式女装之后，又于1992年10月了一套女装，这一新时代的“皇帝新衣”，实践了彻底的“女性复归”；同时另一套男装“头发裙装”―――身着波浪金发裙的父子，表述着作者对自然人性的赞美。近几年，戈尔捷常将科技感很强的材料运用到服装设计中，造型创意十足。

法国设计师 克里斯丁・拉克鲁瓦（1951――）他的女装设计风格充满着飘忽不定的幻想色彩。用他自己的话来说：“今日价值万元的女装，几个月后也许会变得一文不值，今天的赞扬又可能变成明天的反对。” 1990年他推出金字塔型外轮廓的女装，其超短裙和羊绒混纺大衣同色、同质、齐长，加之几处黄金色点缀，使女装的整体效果新奇、婀娜。不断变化的时尚，是他永恒的追求。

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关键词：艺术设计; 绘画; 关系

人类的历史有很大一部分也可以称做是一个设计的历史，而艺术设计在现代绘画的基础上，可算做是一种延伸。艺术设计运用创造性思维，从整体和具体细处都属于形象思维和逻辑思维的结合。对总体的安排和结构的处理运用逻辑思维为主，对造型和表面装饰的处理运用形象思维为主，二者不可截然分开，而是相互交替进行。

在文化发展过程中，绘画与艺术设计对其影响深远的感触莫过于平面设计人员。设计者不但要具备绘画的基本造型技能与审美意识，在商业文化产业的运用中也需要特殊的理解和创造性。

一、共性与共同面对的问题

现代绘画与平面设计同样都是个性的表露。回顾绘画的发展史就会发现，无论中国还是西方，每一位杰出的大师都曾经创造过极端个性化的作品，他们的作品都具有自己的典型特征。画家、设计师们，尤其是现代派的一些大师，他们在创作时可以完全不用考虑其作品的社会性。在某种意义上说，作品的生命力，正表现在个性化上，通过作者对美的形式法则的特殊理解而存在着。任何一个伟大的画家、设计师，都会有自己独特的审美个性，创作者必须把自己个人的主观意志潜能释放出来，最大限度地表现自我。

然而，现代绘画与现代艺术设计设计在这个飞速的时代所产生的弊端主要是因为早已经历过绘画造型的鼎盛期，而期更能突破前人的思路，求得更开阔的道路而采取个性化的创新手法上。当今是一个信息高度发达的世界，要反映这一时代特征，是设计工作者的主题。架上绘画现状低迷，而西方的艺术设计手法又繁复多样。各种不同类型的艺术样式结合，多样化表现艺术性主题。而很多艺术品只考虑创新，增添怪异手段，而缺少了考虑审美的方向性问题。

二、差异与调和问题

设计与绘画最大的区别是否依赖商品。设计作为商品具有包装价值和使用价值本身就是为市场服务的。设计的最终价值来源于客户的满意，商品价值的实现，市场需求的满足。设计师必须揣摩客户的心理使方案得到通过，；另一方面，客户可能对市场的把握、了解远胜过设计师，设计师缴尽脑汁的创意想法最终还是依附于客户的评审。设计也依附市场这根指挥棒。而绘画的本质是实现对美的追求。绘画与设计在文化产业发展中的运用，不仅仅体现在"个性化"与"依附性"方面，还体现在对形式美的规律追求的差异性上。

三、设计借绘画所用

绘画对美感的追求还表现在材质，肌理和表现手法上。现代绘画综合材料的运用表现在扑朔迷离的肌理运用上。绘画也用混沌含蓄的有限笔墨表达意境，这些手法在设计中也偶尔能见到，只是借用绘画的表现手法或借助绘画元素来完成设计的段落而已。例如有的设计作品从表面上是追求绘画中的空灵和气韵，更深刻的是用图形元素溶入到现代设计原理的图形构造中去了。这种类似绘画的空灵美，只是设计的手段而不是目的。现代主义设计主要从意识形态出发，将之放置到现代主义运动中的大背景中去。现代主义的运动产生的影响使之不断发展。而设计活动的自身特质和发展变化规律，也影响到我们对其它相关设计活动的理解。设计中的技术和艺术都影响着设计史的发展。设计中的技术与艺术两者互不可缺，两者完美结合可以造就优秀的设计，而反之却造成失败的作品。

技艺的完美结合成就了手工业时代艺术设计的辉煌。新艺术运动打破了维多利亚时期的矫饰风格向大胆创新的方向发展。 "新艺术"也同样在艺术和技艺方面找平衡点，保持传统艺术的精髓。现代艺术设计中的客观化也得益于绘画，这种趋势始于塞尚，发展于立体派和抽象主义。而艺术观点的要旨是结构是一切事物的根本。塞尚认为什么外部条件和结构都不能改变事物的结构，而艺术家必须把事物纳入这个秩序中来，使事物成为结构中的有序。他尝试用结构的观点去认识和概括一切对象。立体主义的现代运动也受益于此思潮。他们将几何方式推向及至也屏弃了空间透视，强调理性规律在真实中的表现力。画家自身的绘画语言具有的抽象张力创造了新的世界。

现代艺术设计遵循理性主义，用几何形体和简约抽象的色彩概括客观对象，成为大机器生产的必然和最佳选择。在两者结合的基础上，诞生了现代主义设计。荷兰"风格派"和俄国构成主义。严格遵循几何式样，追求那种来自于机械的严谨与精确。努力寻求与工业化时代相适应的艺术语言和设计语言。从荷兰"风格派"和俄国构成主义设计中我们能看到，技术和艺术达到了最佳的结合， 同时，也正因为这种最佳结合，现代主义设计成为二十世纪上半叶最稳定、最具影响力的设计风格，以至在后期发展为风靡全球的"国际主义"风格。 "国际主义"风格的形成就可以看做是国家大工业化形成的衍生形态。设计与绘画艺术的平衡也是动态的，而技术的发展和日趋成熟也促成了艺术多元化的发展。

作为设计史上最重要的、最具影响力的设计活动，现代主义设计的形成的内因和外因，它的确切定义、面貌特征、持续时间和波及范围等等，都极其复杂，而现代艺术本身、现代绘画艺术与现代艺术设计的互动关系中也有许许多多细致的问题等待我们的分析整理。设计中技术与绘画艺术是互为的关系，它们互相渗透和吸收对方的精髓。现代艺术中的客观化趋势与现代主义设计的联系，现代主义产生的内在动因，这些都可以让我们对现代绘画与设计之间发现更多千丝万缕的联系。

中国传统绘画艺术在自然物的描绘中往往融入了一种图形化的抽象符号语言。而现代艺术设计不同于架上绘画，它是需要一目了然，简洁明了概括性极强的。现代设计运用多元手法突出重点，将不同比例、时间空间所寸的元素相结合，运用象征予人启迪。构思超载现实，构图概括，形象夸张鲜明，醒目地渲染主旨事物，赋予画面更广意义。而中国传统绘画中的空灵之感，以无形表达有形也在设计中被极好的利用。现代平面艺术设计大师也以意念为先，用形得神韵；不断创新；灵活取用为创意原则，和中国山水画的表达方式类似。多中国传统文化的精髓与西方的现念相得益彰。更有作品运用了中国的水墨技法和现代电子技术特殊的肌理效果，具有很强的视觉冲击力和文化感染力。中国传统艺术讲究的衡和内在的节律，强调变化中的均衡，也符合艺术上形式美的规律。中国传统艺术讲究的衡和内在的节律，强调变化中的均衡，也符合艺术上形式美的规律。在我国的艺术设计作品中，动与静、疏与密、虚实相生、纵横曲直、黑白对比、重叠交错等传统构图法则中也屡见不鲜。现代招贴艺术设计也大量的运用了古代或现代的民间工艺。概括多变的形式之美具有长久的生命力从而也给现代艺术设计提供了丰厚的养分来源。而复杂到单纯，丰富到简练的提炼过程，也是我们从传统绘画中走出所造就的。