美术设计范文

导语：如何才能写好一篇美术设计，这就需要搜集整理更多的资料和文献，欢迎阅读由公务员之家整理的十篇范文，供你借鉴。

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论文摘要：计算机技术的发展带来了一系列的变革和发展，计算机辅助设计在美术设计中的应用是计算机技术和美术设计发展的切实需要，计算机在美术设计中的应用使计算机美术与传统美术区分开来，但计算机美术设计依旧与传统美术设计表现出紧密的联系，通过对计算机美术设计优势的探索，深入分析计算机美术与传统美术的关系。

随着计算机技术的发展和互联网络的逐渐普及，相应的设计行业也得到了一定形式上的创新和发展。现代设计与人们的生活密切相关，适应了市场经济发展的切实需要的计算机设计。与传统的美术设计相比，计算机设计促进了视觉设计的一系列相关产业的形成和发展。计算机美术设计通过运用创新的工具为创作手段实现美术设计，在传统美术设计基础之上随着计算机技术的发展而不断完善。

一、传统美术设计的基础地位

美术设计包括美术理论、美术技能和审美等。美术理论、技能教育的任务主要侧重于美术基本知识与基本技能的训练。通过对美术史以及美术创作的学习，培养学生的审美能力。传统的美术设计能使学生具有一定的文化修养以及良好的审美能力和鉴赏能力。设计创作的主体将通过对现实生活中审美认识，经过一定的设计和物化使其形成视觉艺术的美术作品的创作过程。优秀的设计师应具有较高的艺术欣赏水平、坚实的美术功底、良好的艺术资质以及创造性的设计思维，由此，艺术修养的培养以及美术基础技能的掌握对美术设计的发展有着重要的作用。

二、计算机美术设计的特点和优势

（一）强大的设计功能

在美术设计领域，计算机是先进的设计工具，具有声图并茂、信息存储量大、 展示便捷、图像生动逼真、动感效果，传统的美术设计难以企及。同时计算机美术设计具有方便的修改功能。计算机的广泛应用改革和创新了人们的生活和工作的各方面，从而为它不仅能够是传统设计所达不到的，同时修改起来尤其方便。作为一个先进的生产工具，计算机的广泛应用在人类生产生活环节的各个领域发挥了巨大作用，有效提高了生产效率。计算机美术设计给设计师留下了更多的思考和设计时间，并且有效拓展了想象空间，由平面设计扩展到三维立体设计以及网络动画设计以及影视制作等。

（二）丰富多样的美术设计软件

计算机美术设计的多样性也在一定程度上体现在美术设计软件的丰富多样上，例如广告平面设计软件如Photoshop、CorelDraw、Google Picasa ，能实现对照片、logo 标志、广告、图片的设计等，同时还能增加图片的效果处理。建筑施工图设计如AutoCAD、3DMAX 等，室内外装饰设计效果等。发展成熟的美术设计软件为美术设计提供了完善的调整和设计方案，通过色彩、亮度、对比度等画面的调整，实现对美术作品的快速修改而不需要重新绘制着色。计算机的编辑操作模式实现了对传统美术设计的超越和发展。传统美术设计中，容易由于一点失误造成整体工作的报废，计算机的美术设计则有效避免了废稿，节约了设计者的时间和精力。

（三）海量存储的设计素材

计算机技术和互联网的发展和普及建立了信息资源共享的平台，计算机网络信息化以及海量存储的特点，致使美术设计者能轻松获取素材。同时也可通过计算机美术设计实现传统美术设计不可能实现的效果，将以前的创作设计应用到新的创作中去。计算机对于美术设计作品可以进行海量存储和网络信息化使作品出版、传播具有显著优势。同时计算机美术设计也推动了整个美术设计行业的快速发展，建立了美术设计者的相互交流和沟通的平台。

三、计算机美术设计和传统美术设计的关系

虽然计算机美术设计的发展给美术行业带来了巨大的变化，然而计算机美术设计的核心依旧是美术设计，美术设计的发展主要在于设计作品的功能性、艺术性以及文化品位等特点。从而要求美术设计师具有较好的艺术审美能力和创新思维，从而能不断为美术作品的设计和发展注入文化底蕴。优秀的美术设计师除了应熟练掌握美术设计软件的操作技能外，还应具有良好的美术设计基础。仅具有计算机操作却不具备传统美术设计基础， 难以创作出具有艺术审美的美术作品。要创作出高质量的美术作品，还应有效结合计算机美术设计和传统的美术设计，实际上形成了以传统的美术设计作品为底蕴、以计算机美术设计为手段的设计模式，设计者的审美能力越强，艺术修养越高，则美术设计师设计出来的作品具有越能越高的品位，从而得到大众的认可和欢迎。

参考文献：

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对于影视设计者，他需要把创作的注意力转向最贴近人们生活的艺术中，从中捕捉素材，汲取其中的精华成分，创作出高于生活的作品。而在影片创作中，是需要根据剧情的需要，在有一定费用下搭建效果逼真的影视布景。即要求其在导演的总体构思下进行自由创作。这就要求其对剧本的理解和与导演的合作。

首先，不能被动地遵守剧本要求。作为优秀的美术师应该有处理、整合、修改剧本的能力。美术师对拍摄场景整个空间的设计，就是对故事情节、人物生活的重要创造。导演在拍摄时的处理方法及对演员的调度取决于美术师创造的空间，所以对剧本的理解是对情节和人物创造的核心。在影视美术设计初期，美术师应该对剧本进行深入、细致的分析、研究，为人物命运做出合理的铺垫。与导演、编剧进行良好的沟通，把意见和建议反馈给导演，使场景更利于人物的塑造。

其次，不同的导演对于不同的影视作品会要求用不同方式，为适应这一要求，美术师需要与导演进行深入有效的沟通，这样才能了解导演对作品风格的要求，创作出符合导演要求的影视美术设计。美术师要养成运用视听语言进行创作的思维习惯，在情节和人物的高度问题上，先于导演进行思考，主动地去驾驭。应该在导演中心思想的基础上，充分挖掘剧本以外的造型空间。

二、影视作品的完整性

一部完整的影视作品，是美术师的影视美术设计必须完美融合到整部作品中的。观众看到的虽然是完整的影视作品的动态影像，但是可以说凡是镜头里出现的一切事物都是美术师提供的，美术师的工作是最终被融入到每一个画面中的。在人物与场景的各个角度的方方面面，都体现出美术师的设计理念和思想，但是这都是在导演总体构思内的创作。影视美术从多个方面渗透到影视艺术中，并且好的影视作品中影视美术设计是非常自然、恰当地融入到整部作品中的。

三、美术师的审美

艺术的美与丑不是自然的美与丑。艺术的美是一种主观认识，带有艺术家的个人主观倾向。通常美术师的审美观点和导演是不一致的，这就要求美术师在必要的时候放弃自己的审美标准，与导演一起建构一种最终体现为影视作品的审美标准。如何将个人主观的审美能力渗透到影视作品中，是对美术师的最高要求。

在不同的影视作品中，改变自己不同的审美观点，也是美术师的一个重要挑战。美术师需要先于导演将要出现的景物进行筛选、组合和加工。美术师与导演的交流沟通不仅是对场景等简单场面的高度，更重要的是对相互之间的审核趣味及作品的最终形式进行深入的探讨。

四、影视美术需要被重视

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一、服装美术设计中线条的作用

线由点集合而成，进而构成了面。线体现了点的运动轨迹，并通过自身的运动形成了面。由于线连接了点和面，因而具有强大的表现力，在人们的生活空间里广泛存在。线所具有的独特艺术美感和表现力，使其在服装设计中应用广泛。不同线条的排列设计能够创造出繁多的艺术形态，给普通的服装带来生命力。作为服装设计基础元素的线，在带给人们审美享受的同时，还能传达出不同的情感，从而让服装更具有表现力。直线流畅而简洁，能够带给人速度和力量感，往往是一种男性化的表达。曲线则较为优雅柔和，能带给人一种女性化的感觉。同时，不同的曲线也具有不同的艺术效果。大波浪曲线宛如流水一般，体现出水的流动美感。方形线就难以表达出活泼、灵动的效果，而是让人感到稳重、踏实以及拘谨。不规则曲线由于没有整齐、对称等方面的要求，可以进行随意的组合，因而在情感表达上形式较为丰富，能够给人带来较大的视觉冲击力。几何曲线减少了不规则曲线带给人的无序感，能够较好地体现出曲线的特点，有着很强的表现力。除了线条形态的变化在服装设计中产生的巨大差异，线条粗细、虚实的运用也能够产生不同的表达效果。粗线容易让人产生厚重、豪迈的感觉，而细线则让人产生纤细、柔弱的感觉。由此可见，线在服装设计中起着举足轻重的作用，不同条形式的线条能够为不同的设计主题服务。由于线条能够产生丰富的视觉效应，因此在进行服装设计时，设计者应当根据消费群体和服装自身特质的不同恰当地运用线条。

二、服装美术设计中线的运用

在服装美术设计中灵活地运用线条，能够很好地满足服装设计的要求，是进行服装艺术表达的重要方式。服装美术设计中线条的运用主要体现在三个方面，即服装外轮廓线、服装内结构线和服装装饰线。三种线条间有着紧密的联系，通过共同作用构成了服装设计的整体。外轮廓线奠定了服装美术设计的整体基调，体现了服装的整体风格。内结构线是服装美术设计的关键，其依据人体的结构，在支撑外轮廓线的同时，经由线条的不同组合和变换实现服装设计由二维向三维的转变。服装的装饰性则在于完善服装的整体设计，满足服装美术设计形式美的要求。

1.外轮廓线在服装美术设计中的运用

线在造型上具有基本的分割特性，线条的交叉、组合能够将服装分割成不同的空间和现状，并造成比例上的差异，没有经过线条分割的布是称不上服装的。依据人体各部位的不同比例，利用线条进行分割才形成了服装造型的初步状态。在服装美术设计中，设计者要充分利用外轮廓线的作用，进行不同角度和形态的分割，从而确定服装设计的整体基调。由于线条有着强大的造型表现力和情感表达能力，因此在运用外轮廓线进行服装美术设计时，需要充分考虑不同线条所体现的不同情感，依据服装设计的要求和设计师的理念合理地选择和综合利用。

2.内结构线在服装美术设计中的运用

内结构线起着支撑服装整体的作用，是将服装设计从二维转向三维的关键设计环节。因此，在服装美术设计中要极为注重内结构线的运用。首先，用于穿着的服装最基本的就是要保证服装的设计符合人体的特点，不能够满足这一点的服装是不可能具有使用价值的。为了符合人体的特点，服装在进行设计时，应当利用省道线等分割线形成三维空间上的结构造型。同时，为了符合人体曲面的形态特征，服装设计在确定横向结构线的位置时，通常需要采用黄金分割的办法，在最大程度上保证服装的整体美观。在纵向结构线的选择上，则应当依据服装设计的不同要求进行选择。

3.装饰线在服装美术设计中的运用

在服装美术设计中运用的装饰线分为平面和立体两种。不同的装饰线能够产生不同的视觉效果，带给人不同的审美享受。如，当前服装设计中受人喜爱的刺绣，就能够将服装装饰得更加精美。不同装饰线条的衔接和镶嵌，加上不同色彩的运用，能够给原本平淡的服装外形带来不同的艺术美感，使服装设计更加完善。

三、结语

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(1)雕塑

雕塑具有两个功能:一是美化功能，古希腊及史前雕塑都是以模仿人体存在，这是人类对美的需求，如著名的维纳斯雕像。二是教化功能，就是给伟人和名人塑像。雕塑被舞台美术设计师们所看好，主要是它的美化功能，它的空间形式及体积感，如北京服装学院与台湾实践大学2010年优秀毕业作品展演舞台，运用多个白色雕塑魔方构建舞台背景。白色魔方的神秘感传达了服装设计师变幻莫测的设计构思，加上台面多层台阶的变化，给整场演出营造了一个优美而广阔的表演空间，做到了形式与内容的完美统一。

(2)建筑

建筑在服装表演舞台美术设计中的应用最早是理念上的。建筑的空间是三维的，服装表演舞台造型的任务就是要创造三维空间的视觉幻觉。三维空间除长度和宽度外，最主要的就是深度，而深度的建构就要有近景、中景、远景，这正是建筑的主要特征。设计师当然不会把建筑的造型直接搬上舞台，但可以巧妙地运用建筑的框架式结构，如1995年在北京故宫举办的主题名称为“紫禁城”服装表演，就是以故宫大殿为背景进行设计，所展示的服装灵感也全部来源于故宫的建筑，整场演出古朴凝重，庄严大气，营造出浓重的历史怀旧氛围。再如2002年世界精英模特大赛总决赛在拉萨布达拉宫前举办。布达拉宫重重叠叠，迂回曲折，同山体融合在一起，高高矗立，壮观巍峨。宫墙红白相间，宫顶金碧辉煌，具有强烈的艺术感染力。

2现代造型艺术手段在服装表演舞台美术设计中的应用

(1)构成艺术

构成艺术是在近代随着大工业的发展而发展起来的，最早源于德国的包豪斯和俄国的构成主义。它是一门平面设计，广告、装潢、工业设计、网页设计、商业设计、建筑与室内设计等行业的专业人员必修的基础课。它以抽象的、数理式或多种综合形态的思维方式对点、线、面进行重组和建构。在一场香奈儿(Chanel)时装展示中，模特们从一个38cm(15英寸)大小的软面料手提包造型通道上场。软面料手提包为点，模特的展示路径为线，加之舞台的背景，通过点线面结合的整体结构加深了对香奈儿服装服饰的总体印象。

(2)环境艺术

环境艺术是指环境艺术工程的空间规划，艺术构想方案的综合计划，包括环境与设施计划、空间与装饰计划、造型与构造计划、使用功能与审美功能的计划等。环境艺术是一个新兴的、边缘的、综合艺术系统工程，是一个跨学科的综合性专业。著名日裔服装设计师三宅一生曾在地铁站举行过时装会，运用地铁站通道设计演出空间，利用川流不息的地铁作为表演背景，以期望达到一种时空穿梭的效果［1］;法国设计师皮尔•卡丹先生也曾将自己的会移师敦煌大漠，苍凉悠远的天空、广袤无垠的沙漠与飘逸空灵的服装、悠然前行的模特相得益彰，给人以强烈的美的震撼。设计师托马斯曾经设计的舞台背景很容易使人想起在阿尔卑斯山上滑雪时看到的牧人小屋。白色的伸展台用具有维多利亚女王时代特色的华丽装饰品装饰。为了更好地将阿尔卑斯山场景展现在舞台上，部分表演舞台还采用人工降雪。

(3)展示设计

展示设计是人们运用空间规划、平面布置、灯光、色彩配置和视觉传达等有效手段营造一个富有艺术感染力和艺术个性的展示环境，通过这种展示面貌，有计划、有目的、合乎逻辑地将展示的内容传递给观众，力求对观众的心理、思想与行为产生影响的综合性创造工作。服装表演艺术归根结底就是展示艺术。山本耀司，一个简约主义设计师，也常常通过舞台布局来反映其设计理念。他通过一张狭窄的未经加工的木制伸展台设计出了一个斯巴达克式的舞台布景，以强调作品的纯粹简约风格。装饰性的物品作为舞台美术设计的一部分可以用来突出主题和增强气氛。美国本土印第安民族的服装展往往用五彩斑斓的干玉米、各种篮子以及当地的一些植物混合着纳瓦霍人独具特色的毯子和船板来做装饰，以突出独具特色的模特和服装。美国德克萨斯州向来以种植传统农业为荣，所以舞台美术设计往往在舞台上使用马刺、缰绳、马鞍以及其他一些西部饰品来体现他们的这种自豪感。当然，德克萨斯州的大幅地图也常常用作舞台背景。

3总结

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关键词：情感化；插画；手机游戏；美术设计

1探索基于情感化插画表现的手机游戏美术设计的意义

随着智能终端的全面普及，手机游戏成为了人们休闲娱乐的主要选择之一，而其美轮美奂或是气势恢宏的游戏美术设计场景，成为首先吸引用户眼球、抓住用户心理需求的重要因素之一。在当代动漫、游戏等数码艺术设计领域中，基于情感化插画表现的手机游戏美术设计已经成为游戏产业中的重要研究项目之一。由于我国的游戏产业发展较晚，到现今为止才刚刚走上自主研发的道路，但经过多年和多次的设计摸索，也成功的自主研发出数千款中文手机游戏。但是当今很多国产游戏产品都存在过多模仿国外游戏的痕迹，极度缺乏自身独特性，而平庸、商业性特征着重的游戏画面特色，在很大程度上降低了人们对游戏的关注度与游戏本身的吸引力，影响了游戏产品的长期利益。因此，研究富有情感化插画表现的手机游戏美术设计，更能赋予游戏本身具备“情感”特色，使游戏具有独一无二的吸引力，在很大程度上激发人们的情感共鸣，保证人们在充满感彩的游戏画面中，体验游戏“情感”，感受“游戏人生百态”。同时，大量用户对游戏的推崇与使用，能够给游戏开发商带来非常可观的利益，创造非常大的价值，保证我国游戏产业的长远、健康发展。在制作前期任何一款游戏的原画设计都是一项非常重要的工作，它不仅能为游戏美术制作的后期提供重要的依据与标准，也能够改变游戏的整体视觉艺术风格，展现游戏本身所独有的视觉特征。因此在继承和吸收传统游戏设计经验的基础上，对于变革和发展的不断需求与探索显得尤为重要。基于情感化插画表现的手机游戏美术设计正是在原有传统手机游戏美术设计的基础上，利用了情感化插画的感性来吸引大众的目光，这种基于情感化插画表现的手机游戏美术设计不仅具备其他画种游戏难以比拟的艺术价值，还充分显现了随意更改性、无限可复制性等两大特点。同时，利用计算机软件将客观世界中的任何事物进行虚拟化的空间再现与创作，其游戏创作的自由度非常高，不仅会将写实游戏插画中场景打造得气势恢宏或是美轮美奂，还能将各种材质结构、山石水土、角色造型等逼真展现，创作得栩栩如生，而对细节的刻画与把握也会更加入微，使游戏本身的情节表述更具穿透力。此外，基于情感化插画表现的手机游戏美术设计可以添加本土特有的文化情感与精神内涵，具备了对民族传统文化进行一定传承的功能，对于民族传统文化的推动与传播具有非常重要的意义。

2研究基于情感化插画表现的手机游戏美术设计

基于情感化插画表现的手机游戏美术设计，其主旨是通过插画的表现方式，使手机游戏的美术设计更具情感化，而情感化设计能在满足用户某些需求的基础上，使用户获得更多的游戏乐趣。具体实现情感化设计，需从设计的三个层次来进行。

2.1手机游戏美术设计中本能层的情感化设计

本能水平的设计，其实就是自然的设计，触觉、味觉、嗅觉、声音、色彩、造型、光亮等皆属本能，其情感化设计原理的核心就是吸引或激发人类的本能。例如，对于小孩子生产的游戏产品，为了能够吸引其关注，必须采用高度饱和的、明亮的红绿蓝三原色。这种出自人类本能的设计原理虽然简单，却是永不过时并一直被采用的设计方式。在人类本能水平上，听觉、视觉、触觉等感官都处于支配地位，因此，基于情感化插画表现的手机游戏美术设计，其本能层的情感化设计，需要优先刺激到用户的这些感官反应。基于情感化插画表现的手机游戏美术设计，要充分利用插画的优势，刺激用户的本能，将插画中的色彩、质感、界面、造型等细致化，优化设计虚拟物体的纹路、肌理、光泽等细节，使用户在游戏中感受到虚拟世界中的真实触感。比如，对于女性用户来说，可将游戏造型设计得更加动感多姿、界面设计得更加舒适细腻、色彩设计得更加柔和靓丽，让女性用户在接触到游戏画面的瞬间被调动本能感官。

2.2手机游戏美术设计中行为层的情感化设计

行为层的情感化设计其主旨在于设计游戏的性能，主要包括四个设计方面，分别是功能、易懂易用、可用性以及物理感觉。游戏产品能实现什么功能，能做什么，是其本身价值的重要体现，因此，行为层情感化设计的首要考虑因素是游戏的功能，而易懂易用和可用性主要在于拉近产品与用户的距离，物理感觉是针对用户的使用感受而考虑的设计因素。在手机游戏中，玩家能够学习到的技能与规则，就是行为层最直观的体现。因此，手机游戏美术设计中行为层的情感化设计，必须要满足玩家的各项基本操作，并做到及时反馈，操作要简洁、易懂，使用户能够很快上手并获得成就感。

2.3手机游戏美术设计中反思层的情感化设计

基于情感化插画表现的手机游戏美术设计，在反思层的情感化设计中，一定要注重文化、产品、信息以及产品效用的意义，使用户在对游戏的反思中，加深与提升用户对游戏产品的总体印象。反思层的情感化设计来源于对游戏的回想记忆与重新评估两个方面。该层面的设计会受到本能层与行为层的共同影响。因此，基于情感化插画表现的手机游戏美术设计，可通过具有感性故事或是人文关怀的插画运用到游戏设计当中，使用户沉浸在游戏的世界中，获得更为良好深刻的情感体验。

3结语

基于情感化插画表现的手机游戏美术设计汲取了传统手机游戏美术设计的精华，并在其基础上进行了一定的改革与创新，这种富有情感特色的手机游戏，更能为用户提供不一样的游戏体验，提高游戏产品的价值，其在保证游戏产品开发商长久利益的同时，也推动了游戏产业的健康、长远发展。

参考文献：

［1］…李鸿明.基于手机游戏中的人机界面交互设计及应用研究［D］.华南理工大学，2012.

［2］…常东东.中国CG游戏插画本土艺术特色探究［D］.河南师范大学，2012.

［3］…邵东.游戏美术设计中的人物造型研究［J］.中国包装工业，2015（06）.

［4］…高中立，马茜.“动漫与游戏美术设计”素描教学之思考［J］.美术教育研究，2011（08）.

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舞台美术设计不断受到当代人的广泛关注。由于近年来国人艺术修养水平的提高，人们对于舞台美术设计的要求也越来越高。目前，我国的舞台美术设计的特点主要表现在科技性、多元性、创造性三个方面。

科技性主要指的是在舞台的美术设计中应用现代科技，其主要的体现是在对舞台进行美术设计时，利用科技手段对其进行展现。如，可以使用动画设计方式、布景的投影技术以及激光灯和电脑灯等，将不同的科技元素加入舞台美术设计，不仅可以起到丰富舞台效果、增强舞台气氛的作用，而且可以在一定程度上促进我国科技的发展。

多元性主要指的是在舞台美术设计的过程中进行多种元素的结合的设计方案，将不同的元素进行结合，让整个舞台更具层次感和艺术感。其中，设计的多元性主要体现在舞台美术的多元性（根据不同的演出所含有的不同的特定要求，对艺术手段的运用形式进行多种构思）、艺术功能的多元性（需要更多地重视舞台的内涵，从传统的对外部形象的注重过渡到对舞台内涵的注重）、舞台艺术的多元性（在同一个舞台上呈现出不同风格的艺术形式，其中可以包括舞蹈、杂技、戏剧以及音乐等不同的形式）以及艺术风格的多元性。要想更好地发展舞台美术设计，不仅需要做到对舞台的科技化、多元化的把握，更要对舞台进行具有创造性的舞台美术设计，让舞台更有新意。

二、舞台美术在设计上的创造性

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[关键词]儿童剧 舞台美术 设计

近年来，随着社会的发展，科学技术的进步，互联网时代的到来，各种文化信息的传播与冲击，舞台剧的空间越来越狭小。虽然改革开放以来，经济的发展使人们的物质生活得到了大幅提高，但精神文化却越来越缺乏，特别是少年儿童“爱心、孝心、责任心”的缺乏尤为突出。孩子们相当部分的课余生活和文化视野被欧、美、日、韩的动画所占据。不知不觉中，儿童剧的生存和发展面临越来越严重的困境。这一现象反映出中国的传统文化艺术在教育、宣传和传播上的滞后。同时也给我们这些舞台艺术工作者增加了压力，为了改变欧、美、日、韩文化的渗透，为了弘扬舞台艺术，为了加强对少年儿童“爱心、孝心、责任心”的培养，我们这些舞台美术设计人员责无旁贷地为儿童剧舞台美术设计而努力。

随着经济的发展、科技的进步，出现了许多舞台美术的高科技产品，声、光、电等科技手段的加入，舞台美术的表现力也越来越强，因此儿童剧对舞美的依赖也愈来愈强。

一、 儿童的审美心理

儿童剧的舞美和成人有很大的不同，要做好儿童剧的舞美设计首先必须研究儿童的审美心理。儿童的身心发展水平、接受能力、思维方式、欣赏趣味等都与成年人有很大的差异。处在5―10岁的儿童，大脑正处在发育阶段，知识积累还不丰富，逻辑和抽象思维能力还不强，他们认知世界往往是以形象思维的方式来认识客观世界。儿童的总结和概括能力相对比较差，对于形象的判断除了自己的主观判断就是形象的具体对应，所以，他们对形象简单的、内容单纯的富于趣味性和颜色丰富的又不断变化的、活动的场景非常喜欢。对于造型过于抽象、色彩灰暗的场景会有排斥的心理。

二、 儿童剧舞美设计的趣味性和互动性

有人说儿童剧的舞美设计是舞台美术设计中最难的，因为既要符合剧情、服务剧情又要符合儿童的审美心理，就舞美设计本身来说属于二度创作，离不开剧情，而且必须服务剧情，设计的自由度不如其他创作。所以对于设计者来说要站在儿童的角度来考虑问题，要充分了解儿童的心理和儿童对世界的敏锐的感受力。

舞台美术设计是门综合艺术，客观的说，舞台美术设计从构思到体现实际上是一个“造假”的过程，是营造逼真和以假乱真的效果。儿童剧的舞台美术设计应该从儿童心理和剧情出发，除了尽可能鲜明的色彩和可爱的形象外，更应该给孩子营造想象空间，现代社会信息量大，儿童剧的设计元素不能老停留在鲜花、蘑菇、太阳等图片的拼凑上，应当从剧情中寻找适合儿童的造型元素来进行设计，搭建一个符合儿童审美情趣的舞台空间。儿童剧舞美设计无需考虑流派、风格等问题，只要是营造了符合剧情又能引发儿童无限想象的舞台梦幻空间就是成功的儿童剧舞台美术设计。

三、 儿童剧舞台美术设计的视觉吸引

儿童剧顾名思义她的观众就是儿童，儿童的好奇心强、注意力容易发生转移，这就涉及到儿童剧舞台美术的视觉吸引问题。儿童剧的舞美设计在创作过程中必须具有丰富的想象力，创作出极富视觉效果的舞台形象和舞台空间，让舞台充满神奇和幻想，才能紧紧吸引儿童的眼球，

1、儿童剧舞美设计的色彩运用

儿童剧舞美设计在色彩运用上要充分考虑儿童的心理，他们是相对简单的、感性的、活泼的。所以我们在色彩上要尽量丰富、尽量鲜艳，这样才能符合儿童的心理并为他们所接受。如果在色彩运用上过于灰暗、过于单一就会给小孩一种压抑的感受，引不起孩子的兴奋，小孩不兴奋在剧场就会坐不住。所以一部儿童剧给小孩的第一印象是非常重要的，而这个第一印象就来自视觉、来自舞美效果。

2、儿童剧舞美设计构图的饱满性

舞台美术设计构图不是绘画概念上的平面构图，而是立体的、三维的构图，要充分考虑舞台的立体空间，作为儿童剧的舞美设计不能等同于其他人戏的舞美设计，他们的观众群体不一样，成人戏剧的舞美可以简约、抽象，像京剧一桌两椅也可以把整台戏演下来。而儿童剧则不同，应该尽量饱满、夸张，这个可以参考儿童画，儿童画一般都是构图饱满，造型夸张，充满童趣，而不会像国画那样大量留白，所以我们做儿童剧舞美设计的时候在考虑剧情的情况下尽量做到构图饱满，造型夸张、具有童趣。

3、儿童剧舞美设计和灯光的关系

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关键词：吉祥美术形意势

中国传统吉祥符号是人类智慧的结晶，传承并发扬它，将其精神元素融入现代烹饪美术设计之中，必定会使烹饪美术设计更具文化性和社会性。

中国传统装饰吉祥图案其实是古代先民希冀生活美满幸福，专门为营造吉祥而创造的装饰艺术造型设计。历代遗存至今的大量造型艺术，绝大多数都是中国祈吉纳祥文化思想的物化形象,蕴藏在中华各民族的博大而丰富多彩的民间艺术之中，成为中华民族思想文化得以传承的源泉。

将传统吉祥图案艺术结合到现代烹饪美术教学设计中，是引导学生掌握具有专业性和艺术性的现代烹饪理念的关键。但这样的一种结合，并不是对传统图形进行纯粹的拷贝或者简单的挪用，教师首先应引导学生认识和了解传统图形，并在此基础上让学生学会逐步挖掘、变化和改造传统图形，让传统图形成为他们进行设计的一个新的创意点和启示点，从而设计出焕发生命力的中国烹饪吉祥图案。而对中国传统图形艺术与烹饪吉祥图案的结合，可以分别从传统图形的“形”“意”“势”三个方面来进行分析与沿用。

“形”的提取与衍生

“形”一般指图形所表现出来的物象外形与结构。中国传统图形是根植于中国民族性、地域性的传统艺术渊源中的，它们与现代图形的造型方式有着许多不同的地方。中国传统图形主要注重的是实形（或称为正形）的完整性与装饰性，关注形与形之间的呼应、礼让和穿插关系，在组构时多遵循求整、求对称均齐的骨式。那么如何将传统图形中的“形”运用到现代烹饪美术教学之中？首先，教师应该引导学生学会从传统图形中提取其“形”的元素；然后，再结合构成课程中所学到的一些构成手段，如：打散、切割、错位、变异等方法，将提取的“形”元素再进行新的设计重组；最后，再让学生将这种立足在传统图形原形上，而又对原形不断分解、转变和重构的衍生形糅合到图案的绘制之中。这样的烹饪美术图案，不仅能够保留传统艺术的神韵，又带有鲜明的时代特征，并且还能充分地表达出所蕴含的理念与个性。

“意”的沿用与延伸

从古至今，世世代代，人们之所以反反复复地描摹着同一个图形，不仅仅是因为它的外形具有美观的欣赏价值，更重要的是在于我们所看到的这些传统图形，其背后往往蕴含着更深更广的吉祥意义。

要将传统图形艺术与现代烹饪美术教学相结合，教师不仅要引导学生去提炼和创新传统图形的“形”，同时还要带领学生一起去探求和挖掘蕴含在它们背后的“意”。不论是古人还是现代人，对美好的事物都一样的心存向往，这正如司徒虹所说:“中国人文化意识和形态哲学观念的体现，它具有两个特征：一个是包含科学合理部分，是古人对自然规律的总结；二是它的想象力和创造性，它体现了中国人对吉祥幸福的向往。”传统图形背后的吉祥意味同样也适宜沿用在烹饪美术教学之中。无论从对称讲，还是从偶数说，整个图案都洋溢着古老东方早已流传的吉祥之气。因此，将约定俗成，并已经在中国民众心中形成共识的传统图形“意”延展出更新、更深层次的理念精神，使其更具有文化性与社会性，这也是现代烹饪美术设计的一种很好的艺术体现。

“势”的把握与承传

“势”通常指图形所蕴含的气韵及其所表现出来的态势和气氛，“势”能传达整个图形的精神。在传统图形的“势”这一点上，特别要提到的是中国的国粹——书法。书法是从观察自然界万物姿态而得到启示，匠心结体而成，经过几千年的发展演变，形成了各种不同的个性与风格。书法不仅有结构，更有笔势。结构仅仅是书法运笔的依据，而书法个性形态的形成还是靠其“笔不到而意到”的笔“势”。把握与承传传统图形的“势”，并最终将其融合到现代烹饪美术教学之中，是传统图形艺术与现代图案结合的一个难点。对于传统图形艺术中“形”与“意”的沿用，学生比较好理解，但这种沿用只能说是对传统图形艺术的一种浅层次的理解和认识，而一种新的民族形式的创造，是需要在研究传统图形时摆脱其物化表面，深入到它们精神领域的内部中的。因为只有在深入领悟了传统图形的艺术精华之后，再在现代西方设计思潮的基础上，兼收并蓄，融会贯通，找到传统与现代的契合点，才能打造出属于我们本民族的同时又是国际的现代烹饪美术。

中国传统美学强调的是主客统一的整体意识和“求全美满”的美学观念，认为万事万物都是一个和谐统一的整体，都遵循同一个本质规律。因而中国古代的艺术家始终致力于“以整体为美”的创作，将天、地、人、艺术、道德看作一个生气勃勃的有机整体，以人的情感赋予物的形式，借物抒情，“以形写意”，“形神兼备”，这是一种善和美的行为和意志。在传统图案的题材和构成形式上，都表露出我国人民那种“善始善终”的处世哲学。中国吉祥装饰艺术不重“写实”重“传神”，不重“再现”重“表现”，提升为“物我同一”的审美观念，是中国人文化意识和形态哲学观念的体现。即使吉祥主题的装饰在传统观念中仍具有神性的一面，但它还是具有现实意义的，其深层的装饰动机是创造一个吉祥化的世界，表达一种对安定、和谐、康富生活的企盼。

中国吉祥文化是东方文化的一处独特景观。它题材之广泛、内涵之丰富、形式之多样、流传之久远，是其他艺术形式难以替代的。它是中华民族历史文化宝库中一笔珍贵的精神财富，即使立于世界艺术之林，它那独特的东方文化魅力也丝毫不会逊色。把吉祥符号的精神元素融入现代烹饪美术设计之中，必定会使烹饪美术吉祥图案的设计更具文化性与社会性。

参考文献：

[1]《中国吉祥图像大观1》，《中国艺术学》,彭吉象主编,高等教育出版社,2005年3月

[2]《中国艺术设计史》，赵农著,陕西人民美术出版社,2004年1月

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一、舞美设计的色彩运用

（一）服装色彩的运用作为“演员第二皮肤”的服装，其色彩的运用关乎到人物形象的塑造。服装包括演员的穿戴衣着及配饰等，它是人物性格、精神的外部表现，体现着人物的性别、身份、年龄、个性、地域、民族、信仰、时代等特点。在进行舞台服装色彩设计时，设计者要着力渲染演出气氛，注重体现剧本所表达的时空感，以及人物的性格、爱好、修养等特质。协调的服装色彩搭配是舞台艺术形式美的重要表现手段，设计者需要对剧本和人物以及情感色的运用等了然于心，才能最大限度地实现其功能。在服装的色彩设计中，设计师首先要考虑剧本的情感基调和主题思想，协调好剧本内涵同人物服装色彩的关系。如风格轻松欢愉的戏剧在舞台服装颜色的选择上应当倾向于活泼、跳动的色彩，如绿色、黄色、红色等。设计者除了根据剧本的总体基调确立服装色彩处理的总体构思外，还要留意服装色彩与舞台布景色彩的协调性，前者关系到服装色调的情感氛围，后者关系到受众的视觉舒适度。设计者要多观摩现场，彩排时发现不合理及时调整配色，避免布景与服装颜色相近造成的“吞人”效果，以及二者颜色反差过于强烈造成的视觉突兀感。除了考虑布景这一影响服装颜色效果的因素外，设计者还要结合灯光效果进行服装色彩设计，尽量将开启灯光效果之后的服装色彩作为最终色彩，减少其对舞台服装效果的影响。如话剧《乱套》中，主人公身在职场时衣着干练，行走在亮白灯光下，深蓝色立领衬衣，米色西裤，白色高跟鞋，而到了家中则配合温暖舒适的环境换上了艳丽、高雅的丝质睡裙，尽显妩媚。（二）化妆色彩的运用在舞台美术设计中，化妆是通过人物的面部形象塑造来展现人物外部形象的又一重要手段。设计者在进行化妆色彩的运用时，要综合考虑剧作的主题、时代，人物的性格、民族、身份、职业等因素，做到妆面色彩的得体与合理。此外，还要注意化妆材料以及舞台灯光对化妆色彩效果的影响。如歌剧、戏曲等舞台艺术应当选择色彩浓烈的化妆材料，而话剧、舞台剧及表现现实题材的舞台艺术则应当采用色彩融合的化妆材料。又如在冷色调灯光下，演员妆面应偏暖，用以中和妆面色彩黯哑、阴沉的视觉感受。在舞台美术的化妆色彩运用方面，最为典型的例证就是戏曲的脸谱，脸谱千变万化但又富于规律性，不同的图案、不同的色调代表不同的人物性格和身份，如红脸的关公代表忠诚正义，白脸的曹操代表阴险狡诈，黑脸的包公代表铁面无私等。作为舞台美术的设计者，如何充分认识并合理运用化妆色彩是一项重要课题。设计者可借助色彩的变化来实现演员面部结构层次的视觉变化，或是利用色彩的修饰来打造适合人物性格的理想妆面，又或是利用点和线条的变化来纠正面容的不协调感等。例如，设计者可利用眼线和眼影来调整眼部大小和形状，使演员形象更符合原著描写，还可对面部进行涂抹修饰，来表现人物的状态，如展现人物的健康活力可以使用偏红色的底妆，而表现人物憔悴、疲劳则可使用偏白的底妆。妆容受灯光的影响十分大，为了不使化妆色彩在灯光的辉映显得不自然，设计者可在底妆色彩中稍加黄色进行调和。（三）灯光色彩的运用“灯光是舞台的太阳。”这句话体现了灯光色彩对舞台美术设计举足轻重的意义。它不但可以将明亮的布景变暗淡，将冷色调的布景变温暖，还能将纯白的布景变得绚丽多彩，将虚无的布景变得生机一片。可以说，灯光色彩创造了舞台时空、渲染了环境氛围，表达着人物的节奏和情感、揭示着剧作的精神内涵。在舞台灯光的色彩运用中，设计师要充分考虑灯光与戏剧情节的匹配关系，努力渲染舞台的气氛，将人物情感、情绪以及节奏的变化通过不同的主题灯光表现出来。此外，设计师还要充分发挥先进的灯光设备和技术手段的优势，根据剧情的需要，赋予所有舞台美术元素灵动的色彩。设计师要认识到灯光色彩的最主要作用就是奠定舞台美术基调，例如展现不同的时代感就会用到不同的光色，青、蓝、紫等暗色系多用来表现旧时代，而黄、橙、红等暖色系则多用来展现新时代。除了时代基调外，灯光色彩还可用来展现季节和昼夜的更迭，如黄色代表金秋，绿色代表春天，灰暗代表夜晚，亮色代表白昼等。灯光除了起到对舞台美术元素的辅助和加强外，还会对观众的心理产生影响，观众通过舞台上笼罩审美对象的灯光色彩来判断剧情和氛围，进而转化为心理反应。在进行灯光色彩运用时，设计者要充分利用这一点，把握好光色和色变，通过它们掌控观众情绪和剧情进展，更好地服务于舞台效果。例如，京剧大师梅兰芳出演的《洛神》《天女散花》等就通过灯光色彩美轮美奂的变化展现了女神的美丽、崇高和纯洁。

二、结语

综上所述，在舞台美术设计中，色彩借助其丰富的表现力和超凡的魅力更好地传达着剧作的主题和内涵。设计者在进行舞台美术中色彩的运用时，既要掌握色彩的基本分类，又要对布景、服装、化妆、灯光等舞台美术要素的色彩运用技巧和注意事项了然于心。对于舞台美术的色彩，我们不但要认识到它情感色彩的相对确定性，还要认识到它和其他元素搭配时的不确定性，将这一富于变化的手段和其他舞台美术元素结合起来，更好地实现舞台美术效果，使舞台艺术大放异彩。

作者：邵小华 单位：四川理工学院艺术学院讲师

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（一）光色。

这一要素归根到底是对色彩的运用，在设计上要突出主要光色，其他光色则作为辅助。光色在舞台中最能体现表演者的情感和表演所传达的内容的要素，从而能构建出和谐统一的画面色彩，所以在渲染表演气氛、烘托人物情感、体现剧情时发挥了重要的作用。比如为了展示一支骆驼队在太阳初升之时在一望无际的沙漠上行走，以蓝色为背景色，黄色为主体色彩，当驼队由远到近，灯光的色彩将由弱到强进行调整，给观众视觉上的冲击，这也体现了色强的作用，此时整个舞台的画面是在蓝蓝的天空下，金光闪闪的沙漠，驼队在悠然自在地前行，呈现出一幅美好的景象。

（二）光质。

光质表现在质上，主要分为硬光和软光。硬光，就是能看清楚其照射方向的光，比如聚光灯和追光灯；反之软光就是不能清楚辨别方向的光，比如散射灯。正是由于硬软光的表现不同，所以给观众带来的感受也是截然不同的。一般硬光给人富有阳刚之美的感觉，有强烈的鲜明感受；而软光多半是柔和、淡雅的感觉。但以舞台的不同设计为基础，通过对不同光质的选择也能使得舞台的硬光效果是均匀和理想的，比如使用螺纹和平凹透镜的聚光灯，加上柔光片，也能使硬光变得柔和。

（三）光影。

光影这一要素是直接通过光的手段给观众呈现可视形象的方式，也就是用光来成影，并将影投射到幕布上或是景片上，充分表现舞台剧情的氛围。比如在2008年北京奥运会的开幕仪式上通过LED制造的光影效果和表演密切的结合，幻化出了各种图案，给观众带来一种进入梦幻般的视觉感受。

（四）光位。

光位即舞台灯光照射的位置，它对舞台上人物的情绪、体态或是景物的外形都发挥着重要的作用。比如用光正面照射人物，那么人物给观众呈现的就是比较丰满的形象；如果用侧面的光照射人物，则给观众的感觉是比较消瘦的。这种光位的照射效果也适用于景物，但如果为了追求景物的立体感和质感，还需要结合光强这一要素，所以说在舞台上对光位的应用，要结合其他灯光组成要素。

（五）光区。

光区体现的是一个区域，目的是为了让舞台画面显得更加有层次感和多变感，所以光区有不同的形状和范围，也有区域边界的虚实之分。一般舞台的光区被分为3种区域，一种是突显表演者的区域，一种是显示景物的区域，还有一种是投射到天幕上的区域。但上述分类也只是大致的分类，涉及到具体的舞台灯光光区形式和变化则需要根据具体情况来设计，并运用单灯和多灯的组合，调节光源、镜片或是挡光片等方式来获得效果。

（六）光束。

光束主要是要达到视光柱的效果，比如舞台上林间阳光渗透的光束，太阳升起时的光芒等都是光束营造的效果，将光束应用在歌舞表演中，会增强音乐感。但如果从美术设计角度出发，还要结合具体的灯具、幕布、光强、光色及舞台表演的形象，这样才能给观众带来视觉上的感受。

（七）光的运动。

光的运动就是光在舞台上的转换和变动，为了配合不同舞台剧情的不同要求，可能有的时候需要聚光灯，有的时候需要追光灯或是散射灯，从而使静止的舞台布景或是场景变得生动。

二、灯光舞台美术设计的原则

首先是遵循强度或是亮度的原则，在舞台上必须要有足够的灯光，能让观众看清楚舞台，包括布景的颜色、景物和人物的外形，甚至是需要特别突显的细节部分。其次是遵循分配原则，分配主要是不同灯光射向舞台的方向分配，主灯和辅助灯与舞台中主角、配角、景物的分配，以及亮度和色彩的分配。最后是遵循节奏原则，也就是指光的运动这一要素，保证所选灯具和舞台的剧情发展相融合。

三、结语