现代艺术设计范文

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篇1

19世纪末到20世纪初，欧洲的许多国家和地区都出现了一种所谓的工艺美术运动，而这个运动包括了绘画，雕塑，设计，建筑，首饰，服装，瓷器等各个领域无不涉及，可以说是一次艺术全运动，对于艺术史是空前规模的。就在这次艺术运动中，出现很多知名的艺术家，享誉世界。

一、现代艺术的分类

现代设计包括范围很广，大致可以分为：

（1）工业产品设计。包括交通工具，机床，电器，家具，加工技术，新材料的开发，处理。

（2）视觉设计。像标志设计，商品宣传设计，电视电影设计，印刷美术设计等。

（3）环境设计。如室内设计，建筑设计，庭园设计，都市设计等。以上三点的设计是互有关联，互相综合的。现代设计是应用各种工业原料，应用一切科学手段，材料学，人体工程创造和制作能纳入工业生产轨道的美和用的设计。

二、格罗皮乌斯和康定斯基在艺术领域的成就与贡献

在20世纪的德国，出现了著名的包豪斯艺术设计，在其宣言中提出了让纯艺术的艺术家们和普通工匠们联合起来进行艺术创作，而他们结合的新产物就是建筑。确实如此，建筑其实就是造型艺术的衍生品，许多在绘画史上杰出的大艺术家们，都在建筑方面有很深的造诣，把绘画艺术与建筑结合起来，正如米开朗基罗一样。文艺复兴建筑如此辉煌，得益于当时的社会平和。到了20世纪，包豪斯设计艺术的出现，现代艺术从此又达到了新的平台，使艺术领域更加广泛，不再限制人们的原有思想。格罗皮乌斯对包豪斯的设想当中，他的其中一个思想非常的重要，可以说从本质上讲，美术和工艺不分家，只是两种不同的艺术形式，不同的艺术活动。包豪斯艺术没有明确的局限性，从而出现了像康定斯基，克利，穆希这些艺术家。包豪斯艺术大胆创新，思想前卫，对现代艺术产生了极大的影响。

下面说说大艺术家康定斯基，康定斯基在包豪斯艺术教学中对几何形状的精妙运用，极大的影响了包豪斯的设计语言，但他一生的57件艺术作品被德国纳粹没收。康定斯基一生艺术多变，经历了不同时期，每一个时期都有不同的艺术的特色，印象派，野兽派，抽象绘画他都有所了解并且尝试，后来经过多变，从单纯的点线面的模仿尝试到后来的在二维平面上的几何概括图形，他在绘画上的一句名言是：客观物象损毁了我的绘画。如果要进行写实具象描绘，就必然放弃心灵上的自由描绘，由于他生活在包豪斯艺术之下，所以他放弃了写实手法。而蒙德里安，他主要是进行抽象创作。他在画布等二维平面上进行色块，线条的几何图形的组合，从而达到视觉平衡，逐渐确立自己的抽象画风。蒙德里安是抽象集团的中心人物。他的作品常给人一种神秘主义的超越感。蒙德里安的这种独特的画风，对于后来的艺术设计，特别是运用色彩和线条的组合方面，起到了很重要的作用。

进行现代运动的设计师想通过大规模的生产最终得出反对装饰风格的纯几何形式。最鲜明的代表就是包豪斯设计学校。他们致力于从事最新观念和最先进的设计，他们强调一种单一的现代运动的设计方法，即利用现代材料和工业生产技术，以原色红、蓝、黄和圆形以及方形为基础形成纯几何形式。在后来的发展中，现代设计也被称为国际风格。这是因为这一新方向产生的巨大影响而予以的美称。包豪斯设计中确实有很多值得我们国内设计师学习的地方，尤其是艺术家康定斯基的几何抽象绘画作品，比如色彩的运用，线条的位置摆放，线条的粗细对于设计画面的影响，还有颜色面积的大小对于作品平衡起到了什么具体作用，这些看似不是很重要，其实对于好的设计作品确实起到了决定性的作用，而且这些也是现代艺术和艺术设计之间的桥梁。

篇2

艺术设计有着自己的特殊内涵，它是生活美、技术美和艺术美等方面的有机融和。艺术设计的目的是为了创造美。美是人对现实审美关系的重要方面，是从人类社会生产实践中产生的。美具有不依赖于人类的主观意识而独立存在的客观物质性，但必须以人类和人类社会为转移。美只有对于人和人类社会才有意义，它不是任何随便的一种客观物质存在和现实形态，而是人类社会全部实践活动的历史发展的必然结果。或者说是自然人化的历史积淀。

美的社会意义，在于精神上激发人们向上、进步，提高人们的思想境界，培养人的高尚品德，净化灵魂和美化生活。

服饰美

服饰是衣服及装饰。服饰是人类文明的标志，又是人类生活的要素。它除了满足人们的生活外，还代表着一定时期的文化。“衣”为了蔽体，“饰”是为增加人们形貌的华美。服饰的产生和演变，与经济、政治、思想、文化、地理、历史以及、生活习惯等，都有着密切的关系。相互间有一定的影响，各个时代，不同民族，都有着各不相同的服饰，我国素有“衣冠王国”的称号。

服饰的艺术设计包括：色彩、款式、质感等，经过构思、绘画、制作而呈现在人们面前。

服饰的功能包括保健和装饰两方面：①保护人体和人体的冷热平衡。②装饰。表现在服装的美观性和满足人们精神的美观享受。

如，我国的民族传统服装――旗袍，腰部有着美观曲线的变化，有着浓郁的东方色彩，非常高雅、秀丽而又含蓄。如果加工刺绣工艺作装饰，东方式造型的特征会更为明显。

生活用品美

一是生活中最常用的陶瓷：从古代的手捏成型到现代的注浆成型、液压成型和干压成型，发展到使用方便、造型美观的陶瓷用品。在陶瓷用品的花纹上，有日月星辰、有龙和凤的形象，还有奔跑着的鹿和游在水中的鱼，这些花鸟和动物形象，表现了人们热爱美和创造美的精神品质。

原始陶瓷出现在商代，早期瓷器出现形成在魏、晋、唐代。瓷器具有洁白、质坚的效果，宋代瓷器兴盛，出现了“定窑”、“汝窑”、“官窑”、“哥窑”等名窑，但瓷胎带有深浅不同的颜色。在明、清时期瓷器达到完全洁白、质密和半透明的质量要求，最有名的是青花瓷瓶等。

除了陶瓷碗、陶瓷盆，还有很多上大下小和上小下大的美观造型（陶瓷瓶），各种陶瓷瓶为宫廷和民间选用，并且还大量远销国外。

二是染织工艺品：染织是指印花和织花。根据材料的性能，工艺的特点，以及经济、实用、美观的原则，对纺织品的色彩、花形、外观形态做出的设想与计划。我国染织美术有着悠久的历史传统。早在殷商时期，就有装饰纹样的出现。在河南安阳出土的铜戈把上及故宫博物院收藏的玉刀上都有提花残痕、几何纹样的图形，这些纹样到了春秋战国时期更加丰富。汉代出现的四重锦、长沙马王堆一号汉墓中的纺织品，展现了这个时代的高超技艺，丰富多彩，直到后来的发展更加丰富多彩。

在真丝、棉、麻、毛的面料上，产生了各种色彩和流畅的线条，它既适用于服装，又适用于窗帘、床单、床罩和沙发的设计。

建筑美与环境美

在整个人类文明的进程中，人和环境的关系，经历了利用、改造、创造三个阶段和进程，从远古到现代，人们就不断地进行改造自然和不断地进行设计活动。

建筑之美首先体现于功能之美。形式服从功能，按照功能进行设计的原则是建筑学的现代语言的普遍原则，中国建筑工程的要求，功能美的实现必须与建筑技术相结合，建筑中的美必须与功能美相结合。

建筑之美贵在表现空间的美，空间是建筑的主体，空间是营造建筑氛围的重要手段，不同的空间会产生不同的建筑效果。

除了空间美，建筑实体的造型美，也是建筑的重要组成部分，高层建筑的绿色广场的建成，使人们的生活更加舒适宜人，先进而科学的建筑实体，更具有审美价值。

环境美在设计中的两大主题就是空间和实体，空间有室内空间和室外空间，实体主要有道路、桥梁、建筑物、山川、湖泊、交通标志等。

空间建筑设计的目的，是为人们创造出一个适用的、优美的、宜人的环境空间，实用功能和审美功能相结合的建筑物，在设计中要继承和发扬我国的优秀传统；如各种造型的高层楼房设计，有传统的古代房顶和柱式，有西洋多利安式的爱奥尼式的柱式，特别是北京故宫的设计，体现出庄严的对称。庄严雄伟的古典美，是一座具有历史价值、科学价值和艺术价值的古典建筑，斗拱、飞檐代表了中华民族的传统。

当前，以钢筋水泥为建筑结构，建筑造型优美，统一而完整，平衡又稳定，统一又变化的现代化高层建筑楼房，座座林立，具有现代感，更凸显中国特色。

随着科学技术的发展，汽车、电车、火车的发展，完成了一大飞跃，汽车功能的不断完善，汽车的外观、色彩的不断变化，审美观念的提高，科学技术的进步，现代化的汽车造型及色彩的多样化，更加符合了人们的审美要求和审美心理。总而言之，艺术设计已悄无声息地渗透于人们的现代生活之中，把人们的生活装扮得更加多姿多彩。

参考文献：

1．《中国工艺美术辞典》，江苏美术出版社。

篇3

但是，科学技术一直被誉为一把“双刃剑”，它既造福了人类，变革了社会经济、政治、文化，开辟了广阔的前景，同时也带来了很多全球性问题、社会问题、心理问题……布热津斯基说过：“世界正在形成一个‘技术电子’的社会：一个在文化、心理、社会和经济多方面都按照技术和电子学，特别是计算机和通讯来塑造的社会。”⑷所以，如果科技的负面影响波及到整个社会的时候，其产生的破坏力是相当惊人的。一直困扰人类的能源短缺、资源枯竭、环境污染、生态破坏、人口膨胀、粮食匮乏等问题就是最好的证明。

艺术设计在这种环境中所受到的影响也是有目共睹的。就现状而言，很多艺术设计作品给人的印象多是局促、不安、焦躁、机器味过重、多种类设计间缺乏必要的联系和沟通。尤其是电脑艺术兴起以来，人们更加依赖计算机这种工具，想方设法摆脱传统思维方式和传统手工工艺的设计，制作。尽管在一定时期内计算机与网络艺术创造出了巨大的价值，开拓了多种新的设计领域，但是机器痕迹过于明显的问题一直是电脑与网络艺术挥之不去的阴影。

与艺术设计领域一样，其他艺术创造领域也在不同程度上被这个尖锐的问题困扰着。就拿音乐创作来说，计算机技术赋予其自身主题和风格以过分的焦灼和狂乱。使人与人之间好像产生了机器零件相互摩擦碰撞的特殊感受。例如，西方社会在80~90年代的时候，出现了一种电子舞曲－－Techno，它的诞生使一种动作狂乱、奔放不羁的新舞蹈“锐舞”（Rave）变成人们发泄焦虑不安的渠道。“Techno音乐、昼夜狂舞的Rave舞蹈以及舞场上广泛使用的，给人带来的，是被一些英国作家称为‘集体脑休克’和‘借助化学手段对黑夜无感知’。”⑸但是，无论在哪种形式下的艺术创造领域，这种发泄终归不是一种健康的方式，它那种特有的畸形的性格可能会最终没落社会文化艺术。人类自身已在这个社会下承受了太多的压力，社会进步的步伐迈得越大，走得越快，人们内心的局促、不安、恐慌及压抑的感觉就越强烈。如果再对其精神世界给予缺乏人情味的冲击和刺激的话，人类心理和生理状态必然会相应地产生与周围环境格格不入的变化。

虽然，20世纪人类社会的经济基础在科技的影响下取得了一系列成功的变革，但是文化上层建筑的反作用却表现为时不时地利用可能与经济基础不相适应的甚至落后的意识形态阻碍着经济基础的长远发展。因此，缩小到艺术设计领域中看，人们正需要一种全新的观念来寻求一种解放自己心灵使身心压力得以缓减的有效手段，只有这样，才能将健康的思维方式投入到正常的物质生产实践中去。这时，设计艺术慰藉功能就应该被立即提上议事日程。

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二

丹纳很早就在《艺术哲学》一书中阐述过艺术作品须臾不可与环境分离这一观点。同样的道理，在谈及艺术设计的慰藉功能之前，我们应该先分析艺术设计正处在一个怎样的环境中以及这种环境对艺术设计产生了什么样的影响。毕竟，艺术设计是属于上层建筑范畴的，它应该对社会生活作出反映，同时还要反作用于社会。

第二次世界大战以后，人类社会步入了一个科学技术跳跃发展的时期。所谓“跳跃发展”是因为当今人类进步呈现出连锁式的阶段性飞跃。由于人们在有限的生命中不可能始终获取直接经验，只能借助于纷繁复杂的各类知识、信息及技术等间接经验，才能进行再加工再创造。所以，当一件新的造物出现以后，以该造物为基础的其他产品会应运而生，从而使这个世界以比以往快几十甚至几百倍的速度迅猛发展。人们最熟悉的例子便是建立在大科学和大科技基础之上的计算机的发明及应用。它标志了又一轮科技革命地到来，并始终以其独特地生产方式不断地为现代社会注入发展的活力。而设计的本质是“为人造物的艺术”⑵，它在这种“跳跃发展”中更能体现自己的优越性，不仅可以借助科技成果丰富自己的素材及制作手段，而且还反作用于科技，为其提供具有艺术特征的产品。由此，我们可以得出一个结论：科学和技术对生产方式的改变在推动社会进步的过程中扮演了重要的角色，并日益与艺术设计相联系，与其共同成为人们关注的焦点。

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同时，新工艺新技术新材料的研制开发及应用为艺术在形式及内容的多样性上提供了可能因素。“仅以现代家具为例，就有单元系统家具、塑胶吹气家具、纸板家具、聚脂家具和超高堆积家具等等，名目繁多，不一而足。”⑶此外，科学技术对思维方式的改变产生了新的设计理念及思维，使艺术设计呈现多元趋势。特别是后工业时代的波普艺术、欧普艺术、幻觉艺术、偶发艺术等等都对现代生活观念及设计观念产生了深远的影响。正因为如此，艺术设计在这个时代更能体现风格化创作倾向，同时其系统化和专业化的程度也伴随着科技进步而更为加深。

三

就字面理解，慰藉有抚慰，安慰的含义。功能则是指事物应发挥的作用。但是，要想在较深层面上去了解其含义，先从艺术设计的目的性方面着手分析则不失为一种有效的方法。

艺术设计发展到今天，大概不会有很多人否认其明确的目的性。“不过，这种目的有双重本质：既是具体功利的，又是社会的”。⑹根据设计的本质可以推导出艺术设计是一种按照美的规律为人造物的活动，是一种具有艺术质的造物行为。因此，它所具有的社会目的性是通过作为“人类与世界调解的工具”⑺这一面貌展现的，它具有多种的复合价值。既然是调解工具，艺术设计在满足功利目的的同时应更多地关注如何实现社会价值。换句话说，艺术设计不仅是通过造物和实现物品的实用性来服务于人类群体，还必须给人以审美的享受，在某种程度上表达一类人的情感，并非只就是设计者实现自我价值的唯一途径。艺术设计的慰藉功能则是体现社会价值的一种载体，肩负起就设计领域来说应该具有的抚慰、安慰作用。一方面，人们在享受艺术设计成果时净化解放了心灵；减轻了身心压力；抚慰了焦躁的情绪；舒缓了疲惫的感、知觉。另一方面，艺术设计为达到这一目的（内容）而采用了适应人类心理及生理的功能外在手段（形式）。因此，慰藉功能实际上是内容与形式在为达到统一过程中而努力具备的一种合目的性的理性因素，它的任务是在快节奏的社会生产、交换、分配、消费等各环节中调节人际关系，引导竖立较为正确的生活消费观念，舒展和升华人类灵魂，使人们在体验物质生产发展成果的同时更加重视精神文化领域的同步发展，逐渐达到人类全面发展，从而既体现人的自我价值，又服务于社会，改善社会发展所具备的综合素质。

艺术设计的目的性决定着其功能性，但这些目的归根结底还源于人类的需求。人的需求是多层次的，既有物质的又有精神的，所以功能的概念也应该是多层次的。设计者的职责便是将人们朦胧的需求转化为具体的产品功能目标。在当今时展中，人类物质需求虽然复杂并且繁多，但对这种要求的功能性满足相对容易实现，且较直观，甚至具有可视性，易于衡量。然而那种在局促焦躁环境中不断增长的精神需求却不是很直观的，可具体操作的。满足这种需求就要以一种包含在设计作品中的气质或魅力为载体的慰藉功能来实现。诚如李泽厚先生曾经说过：“……吃、穿、用等物质需要都有一定限度，比较起来容易满足。但精神的追求却不是这样，它常常是无限的，不好解决，难以满足。”⑻所以，艺术设计才必须在造物的同时考虑到其产品的精神含量。当艺术设计所体现的精神气质或魅力在目标市场的精神追求中寻求到共鸣时，艺术设计的慰藉功能就得到了实现。这其实遵循了格式塔心理学派所提出的“异质同构”原则。也就是说，当艺术设计作品在生产、分配、交换、消费各环节中所定位的目标群体的心理感受能在该或该类艺术设计作品中得到肯定的释放的时候，或者说，艺术设计作品使目标群体在心理和情感上获得一种最简单，最规范和最对称结构的时候，艺术设计才慰藉了目标市场，从而使其在精神上感到满足。说到底，这是一种心理平衡。人类由于前述的各种原因，在现代社会发展中或多或少失去了一种内心的平衡机制，而艺术设计则可借助多种手段来平衡人们的内心机制，使其在精神上感到舒适。如果从这个角度上讲，艺术设计慰藉功能还是从属于功能实用性的，是其实用功能在精神方面的体现，即因为它可以满足人类精神需求，所以应该是有用的。

不过，艺术设计的这种慰藉功能最终还必须通过物质手段表现出来。这里就涉及到表现方式的多元化。正如李泽厚先生认为的那样：“真理是一个由许多方面构成的整体。因而，可以从不同的角度、不同的途径、不同的问题、不同的要求去接近它……”⑼从这层意义上说，慰藉功能的形式可以是多样的，这也进一步丰满了艺术设计作品，从多种角度改善其质量提高数量，满足人们精神和物质的需求。此外，马斯洛曾经把人的基本需求分为五种：生理的，安全的，爱的，尊重的和自我实现的需求。设计的慰藉功能则可通过各种物质手段，根据这五种需求由浅入深地逐一实现，体现不同阶段功能目标。而在这层意义上，慰藉的对象不同，被要求的内容不同，最终导致其表现方式的不同，这也从某种意义上规定了慰藉功能的多样形式。

然而，强调多样性不等于孤立统一性。在保证表达方式由多种语汇构成的同时，还应该将设计作品的品格统一到对目标人群进行心灵安慰及教化这一主旨上来。任何设计都不能以牺牲这一原则为代价来获得谄媚于多样性的途径。如果舍本逐末，脱离其慰藉功能宗旨抽象地谈论多样性，那么结果只能使设计作品得不到共鸣，实现不了其社会价值，而仅仅成为设计者孤芳自赏的个性表现品。

综上所述，艺术设计在现代社会中应该找到合理解决科技发展与文化心理之间矛盾的方法，实现自己多种价值结构，服务社会。然而，目前艺术设计的慰藉功能还未能得以充分体现，这不能不说是艺术设计要发展所面临的困境之一。因为，为了实现慰藉功能就必须先了解社会问题，研究造型心理、色彩心理、人体工学等等各类复杂学科。只有从这些方面入手才有可能在一般意义上体现艺术设计对目标市场的抚慰效用。如果要更深地把握慰藉功能的实质的话，还应该研究历史、哲学、民族民俗学等等。这些学科从某种意义上更能让人们在作品中得到共鸣，但这不是一蹴而就的简单性研究活动，而是几代人共同努力，不断摸索的长期过程。所以，艺术设计的慰藉功能所牵涉的问题是很广泛的，它不是单靠一两句话就能完全解释清楚的。但是有一条原则是可以肯定的，那就是艺术设计的慰藉功能应该注重“以人为本”，而此处说的“人”并非指单个的人，而是整个人类群体。只有坚持这一理念，艺术设计在现代社会发展中就能起到调解人与自然，人与社会的作用，在社会实践中创造更大的价值，从真正意义上体现“天人合一”的思想。

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参考文献：

⑴李砚祖.工艺美术概论[M],13页.中国轻工业出版社,1999.

⑵诸葛铠.图案设计原理[M],65页.江苏美术出版社,1998.

⑶张夫也.外国工艺美术史[M],535页.中央编译出版社,1999.

⑷金元浦,王军,邢建昌.美学与艺术鉴赏[M],505页.首都师范大学出版社,1999.

⑸金元浦,王军,邢建昌.美学与艺术鉴赏[M],520页.首都师范大学出版社,1999.

⑹凌继尧,徐恒醇.艺术设计学[M],35页.上海人民出版社,2001.

⑺〔美〕约翰•拉塞尔.现代艺术的意义[M],400页.江苏美术出版社,1996.

⑻李泽厚.美学四讲[M],46页.天津社会科学院出版社,2001.

⑼李泽厚.美学四讲[M],20页.天津社会科学院出版社,2001.

摘要：现代社会一方面以极快的速度发展，带来科技巨大进步，另一方面却展现给人类以前所未有的压力和陌生的生活环境。艺术设计是一种介于艺术与科技之间的新学科和职业，不仅要实现各种以肉体为对象的实用功能，而且，在这种压力和陌生地生活环境面前还应该尽量体现对人类精神进行抚慰的功能。

关键词：现代社会艺术设计慰藉功能

篇4

一、现代环境艺术设计的概念 

“环境艺术设计”是指通过艺术设计的方式对室内外环境进行规划、设计的一门实用艺术。环境艺术不像其他的艺术形式，并不仅仅提供艺术欣赏，而且更是一种集生活、技术与艺术为一体的艺术形式。1981年国际建筑师协会将建筑学定义为：“建筑学是一门创造人类生活环境的综合的艺术和科学”。这个定义也适用于环境艺术，也就是说环境艺术设计是一门创造人类生活环境的综合的艺术和科学。从系统论的角度来看，环境艺术设计是艺术设计这个大系统中的一个子系统。环境艺术设计的最终目的，就是为人类创造更加合理、更加符合人的物质文化生活需要的生活空间。环境艺术设计与绘画、雕塑这些纯欣赏意义的艺术相比，更加具有实用性。但随着人类社会的发展，人们的社会需求越来越丰富，这也使得环境艺术设计不能仅仅停留在实用上，在使用的基础上，还用更加重视环境艺术的艺术性、科学性以及功能性，只有兼顾这方面的要求，才能为创造出满足人们需要的环境艺术设计提供可能。 

二、环境艺术设计对居住环境作用 

由于城市建筑设计和公共环境设计最能够代表人类文明的发展，因此，居住环境的发展和进步不仅与建筑环境和科学技术的发展息息相关，更与社会的形态同步。目前，现代环境艺术设计的系统工程主要包括垃圾桶和护栏设计、园林绿化设计、灯光照明设计以及喷泉雕塑设计等。慢慢的，城市广场、公园以及街道等已经成为一个面向所有市民开放的扩大户外起居室。现代居住环境随着现代人类城市建筑空间的变化有了新的发展空间，即城市建筑环境公共设计。其实居住环境的设计最早可以追溯到古代，早期人类进行的各种活动大部分都是在户外进行的。原始的户外环境和家具等当属就地取材的简易石桌和石凳等。随着人类社会的不断演变，创造具有使用功能以及丰富文化审美内涵以及环境设计已经成为现代艺术设计的新领域。环境设计随着人们的需要，逐步从室内、家居以及商业场所逐步延伸到街道、广场和湖畔等。随着休闲、旅游以及购物行为的不断增长，人们需要更多舒适、放松以及稳固美观的公共户外家具。总之，现代公共环境设计作为一个激动人心的新挑战，除了需要当代设计师不断的创造新的理论和实践外，还应当将城市公共环境设计作为整体规划设计的一部分，确定城市环境的整体形象并创造具有人文魅力的都市景观，从而表达环境设计师对社会文明以及社会经济等诸多问题的参与能力和社会责任感。 

三、环境艺术设计的发展趋势 

环境艺术设计具体表现形式和内容有建筑艺术、园林艺术、雕塑艺术、数字艺术、计算机设计艺术、摄影艺术、服饰设计艺术、视觉设计艺术、表演艺术、影视艺术、动漫设计艺术和现代科技的艺术应用等。现代环境艺术设计的特征是综合各类艺术的整合，同时它也具有现代艺术的基本特征： 

1、和谐性。人与自然、设计与环境之间既要充分展示和体现人类的艺术创造才能，又要对自然空间环境进行合理利用和保护。促进社会和经济可持续发展战略目标就是要确保人与自然的和谐关系，以人为本，通过艺术设计来创造和谐的生活空间环境。 

2、环境艺术设计的文化性具体体现，就是运用现代艺术设计创作手法，融合传统与文化艺术形式语言，采用风格和造型技巧及材料工艺，在室内外环境设计视觉感官上营造一种文化氛围，提升精神文化品味。 

3、科技性。20世纪90年代以来，以数字技术、互联网技术、信息技术、新科技等的广泛使用，环境艺术设计科技化化趋势越发明显。新能源、新材料及新技术不断带动影响和催生着环境设计艺术形式创新。科技是艺术设计的基础。 

4、智能性。在环境设计与使用功能方面具有通讯自动化（CA）、办公自动化（OA）、管理自动化（BA）等。室内外环境设计中配有计算机数字化网络、多媒体设施、公共安全防护功能的综合布线系统，能够进行自动监控，以全面实现管理、服务、环境设施的综合自动化系统。智能性功能是环境艺术设计的重要组成部分，是人性化设计的具体体现。 

5、创造性。是思维观念、策划创新、文化素养和专业水平的综合体现，也是功能与设计的完美整合，用全新的艺术造型语言和形式去满足人们的物质及精神需求。 

6、参与性。运用艺术视觉造型语言吸引和激发人与环境的参与及体验，从触觉、视觉和听觉等多元化角度给人以想象、启发，以此来获得一种愉悦的、幸福的心理体验。 

总之，随着社会的发展，人们对人与自然的关系、建筑与人的关系、建筑与环境的关系的认识不断调整与深化，人们对艺术也是不断的追求。于是，完善的环境设计和计划被提升到“艺术”的高度。这也是21世纪赋予设计师的责任。为了创造人们心中理想的而又美好的空间环境，需要环境艺术设计师设计师与人们心灵的沟通；需要设计师的艰苦创造。设计以人为本，21世纪的环境设计、环境氛围必将更有诗意。 

参考文献 

[1] 刘夏.独立学院环境艺术设计专业《3D Max》教学方法探讨[J].包装世界，2010（02）. 

[2] 顾孟潮.时代在呼唤环境艺术关于环境美的思考与建构[J].华中建筑，1990（04）. 

[3] 李天工.论环境艺术学的定位[J].装饰，2006（12）. 

[4] 张勇.关于环境艺术设计专业对建筑空间认知的研究[J].艺术教育，2006（07）. 

[5] 蔡倩.江苏省高职院校环境艺术设计教育现状调查与发展研究[D].南京艺术学院，2008. 

[6] 余压芳，刘建浩，胡长龙.AutoCAD在环境艺术设计中的应用和动态研究[A].中国科协第3届青年学术年会园艺学卫星会议暨中国园艺学会第2届青年学术讨论会论文集[C].1998. 

篇5

关键词:符号学;符号特性;符号设计

中图分类号:J0

文献标识码:A

文章编号:1672-3198(2010)05-0252-01

1 符号学概述

符号学是研究知识的符号系统,它研究了象征性,符号的发展和在不同情况的象征意义的法律变化以及符号和符号之间的各种活动,和人类的关系。符号学是首次由美国哲学家和实用主义哲学,皮尔斯在20世纪创始。符号学理论的自然科学,社会科学,美学,科学和行为科学的重大意义,现代符号学的方法现在应用于语言学,电影戏剧,造型艺术,建筑设计,广告设计,工业设计等。

(1)符号与符号学。早在春秋,中国著名思想家庄子在他的著作“庄子外篇”中已经提到:“因此,发言者关心,得意而忘言”,即:语言之间存在的事物,特点和存在的对象之间的关系复杂的特性,语言是由物质的东西的特点,语言是由物质的东西,语言的特点,我们的任务是传达信息,事物,语言的作用是传递信息的媒体。象征是某些媒体来代表一个事物或东西方向,成语“雁泥鸿爪”生动而准确地描述了符号的概念,鸿雁在泥沼与雪地上留下的爪印,使人们得知曾有鸿雁经过这里的事实,因此可以推断的数量和及其他信息的大小。爪印是一个迹象,而鸿雁不存在,而由爪印代表或指示出来的。

(2)发掘符号特性,准确运用符号语言。

①符号运用,赋予想象的空间。现代艺术设计不再仅仅是一个商品信息直接的方式显示,而是使用夸张,幽默,意味着通过改造和整合这些做法,是一种生命的符号的大量使用,含蓄地表达了生活概念、商品和时尚信息的特点,获得不善于用言语表达的目的。有时符号是直接适用,人们马上会想到,理解其含义,如音乐等的符号在设计来传达给观众的音乐,旋律和主题和信息的感觉。

②符号深化,赋予更广泛的含义。从符号与它指涉对象标志(即,其指向与涉及的事物或领域)与当前的象征符号,一般被认为相关领域的理论研究,可以进一步发展成三种不同类型,而且还象征三个层次:①图像符号:通过模拟对象或类似物体的图像,符号组成。它有它的通过可以识别的形象直观的认识。 ②指标:指示符号和所指对象之间的关联或时间和空间的参考对象之间的因果关系。 ③象征符号:与所指涉的对象间没有必要的或内在的联系,这是约定的结果参照符号。是很长一段时间许多人的感情产生了协会汇集了一些社会习俗实物。例如绿色代表生命,在中国眼中乌龟是一种长寿的象征。上述三种类型的符号共存,不能互相代替,而且逐步符号的三个层次的深化,从图像符号的指示,然后向象征符号,是深化的过程中更广泛的范围信息内容

2 现代艺术设计中符号的特性

(1)认知性。设计,认知生命的象征性的语言。例如,在中国几大银行已经采取了古代钱币的象征,为基本模式,恰恰是因为古钱币可以准确地表达这一信息的金融机构,具有很强的认知。如果一个设计工作不能为人的认识,让人不得而知,那就完全失去其意义。

(2)普遍性。现代艺术的大规模工业生产服务的设计,设计工作的结果将广泛散发群众。普遍性设计是只提供给广大公众。此功能,在一个公共场所标志中得到深刻体现。如:公共厕所的男女标志,我认为不论其性别和年龄,文化的深度,可以清晰辨明。

(3)约束性。只可在一定范围内的任何语言的理解,只有与相关的文化背景,以获得所传达的信息符号。例如,德国的海报艺术家冈特•兰堡的通常包含在工程的形象,只知道对德国的马铃薯具有特殊的意义可以理解土豆设计师们喜爱的原因。

(4)独特性。符号一般强调的‘球同”很容易理解和记忆,但在设计追求的差异往往是关键。正处于一个主题要求,我们必须找到尽可能以创造独特的工程有关的各种表现。然而,''转达他的想法“是创作的根本,不要为了“独特”而独特,真正把握适度的原则。

3 符号在现代艺术设计中的应用

符号在现代艺术设计,而且还直接和间接的一些设计工作,可以找到的象征性元素,而在另一些设计工作,似乎难以发现存在的符号,它并不意味着设计无关的符号。事实上,符号是无处不在,但根据我们的方法的需求是不同的。这里的情况,可分为三种类型的问题:

(1)对符号的直接运用。这项工作本身就是符号。如标识类的设计,图形作为这种基础上的设计,以表达自己的思想生活,小而细,所以压缩得几乎等于符号本身的重点。中国电信标志的“中国”与中国的传统模式,“一作为三个形成三维空间分布格局,生动地表达了科学技术,现代的,传输的基础文件”,和企业发展的特点。在这种类型的设计作品,往往是几个元素巧妙的组合,然后它的简化,将与图形符号,即图形符号,一个独特的视觉语言的形成。

篇6

【关键词】现代艺术；民间艺术；内蕴融合

引言

准确来说现代艺术设计，与时代的发展有着重要关系，尤其在我国改革开放以后，国外的艺术思想随之而来，并且形成了文化上的交流，这也造就了现代艺术设计风格。民间美术则是我国民间文化的组成部分，也是现代艺术设计风格创作根源、基础。因此民间美术也影响了现代艺术设计发展，两者之间的融合能够形成全新的艺术风格，既保留了时展特征，也体现出了民间文化的内蕴。虽然两者之间存在一定差异性，但也能进行有机融合，并展现出独特的民间艺术魅力，推动现代艺术设计发展，追求极致美感的同时，增添了些许哲学理念。

一、民间美术融入现代艺术设计的作用与价值

（一）民间美术融入现代艺术设计的作用想要不断完善现代艺术设计发展，必须要与民间美术形成融合，借助民间美术的作用和价值，既保留现代艺术设计的特征，也能增添其实用性与艺术性，并传递更多的人文精神，突出我国传统历史文化。另外民间美术是提高现代艺术设计审美价值的重要方法，还能增强现代艺术设计的内涵，从而避免刻意追求美感，失去设计的真正意义，为现代艺术设计的审美性提供保障。由此可见民间美术在与现代艺术设计融合过程中，发挥出了至关重要的作用，不仅解决了现代艺术设计理念上的空洞，也提高了设计上的厚重感，所以要发挥民间美术的影响力，有效实现现代艺术设计与民间美术内蕴的融合。

（二）民间美术融入现代艺术设计的价值准确来说民间美术来源于民间文化，其代表了人们的审美情趣，而现代艺术大多以此为基础进行创作。因此可以说民间美术就是现代艺术设计的创作源泉，所以民间美术在融入现代艺术设计的过程中，具有非常高的价值。尽管两者之间存在一定差异性，但如果能够进行有机融合，必定可以增强现代艺术设计的魅力，尤其是民间美术中的各类元素，大幅度提高了现代艺术设计的内涵，并且在潜移默化中弘扬了传统文化。随着时代不断发展现代艺术设计有了很大的进步，不过想要寻求突破必须借助民间美术，填充并完善现代艺术设计，为其带来更多的创作灵感，从而实现艺术设计的价值。

二、现代艺术设计与民间美术的特点

（一）现代艺术设计特点尽管现代艺术设计与民间美术，都是为了人们的生活而服务，但两者之间存在非常大的差异，例如现代艺术设计就属于系统工程，也是具有积极性的文化与美学表达形式，其中更多以社会和生活服务为主。现阶段的艺术设计，不仅可以展现出物品形态，其中也蕴含着一定文化价值和美学风格。因此现代艺术设计在社会经济发展中，也具有相当重要的价值，甚至可以反映出社会经济发展水平。当然社会繁荣程度也会呈现出不同的艺术设计。因此两者之间有着必要的联系，由于现代艺术设计会服务于消费者，所以能够带动社会经济发展，具有较为鲜明的社会意义。

（二）民间美术特点准确来说传统民间美术，是在人们的日常生活中诞生，而现代艺术设计则是在工业文明中生成，所以两者之间存在不同的追求，传统民间美术更广泛注重审美与民俗性，既能满足人们的日常需求，也可以满足精神与思想的追求。现代艺术设计则展现出了一定商业价值，通过艺术设计产生经济利益。因此具备相应的社会价值。当然民间美术也有这个优势，不过又增加了很多精神内涵，另外实用性也是民间美术的强烈特点，例如人们的房屋建筑风格、服装设计以及生活用品等，都能看到民间美术，而实用性也逐渐成为民间美术的代表。目前民间美术已经得到充分的完善，并且作为重要的物质文化形态，例如常见的风筝、剪纸以及年画等，其设计都有重要的功能和作用，而这一点也可以利用在现代艺术设计中，能够为其提供大量的创作素材。

三、现代艺术设计与民间美术的关系

（一）艺术图案存在共通性在现代艺术设计与民间美术的融合中，不仅提高了现代艺术设计的内涵，也实现了文化间的有效沟通，而着其中就涉及到共通性，虽然看起来两者之间存在差异，但在某些方面也存在一定共通性，这也是现代艺术设计与民间美术融合的切入点。例如在艺术图案等多个方面，两者之间就能形成融合，民间美术往往具有丰富的图案特点，在表现形式与内涵上也极为多样。因此可以作为现代艺术设计的创作灵感实现融合。很多民间美术中的图案，都已经成为我国历史文化标志，展现出的寓意不仅是对生活的向往，也包括人们强烈的审美观念，除此之外民间美术大多来源于对生活的感悟，甚至是借助这种形式抒发思维情怀，如果现代艺术设计能够吸取民间美术图案，就能展现出深刻的思想情感。

（二）人文精神存在共通性民间美术具有极强的人文精神，因为很多作品都来源于日常生活，包括对生活的感悟与体验，所以往往可以表现出最真实的信仰与精神，对于生活与生命的高度热爱。现代艺术设计其实也是为了社会生活而服务，不过在设计过程中对于物质需求会更多一些，这也导致在人文精神上相对薄弱，如果能够融合民间美术，自然会形成互补增添所蕴含的人文气息，弥补现代艺术设计的空洞。民间美术为现代艺术设计提供了很多创作灵感，两者结合也实现了物质性、精神性以及实用性的目标，所以要利用好人文精神中的共同性，确保两者之间能够紧密融合。

（三）民间美术是现代艺术设计的发展源泉现代艺术设计发展离不开民间美术的支持与帮助，甚至可以作为现代艺术设计发展的源泉。因此两者之间有着较为紧密的关联，从现代艺术设计形式上来看，很多色彩、造型的运用，都是来自于民间美术，通过将零散的内容重新组合，形成具有现代特征的艺术设计形式。因此民间美术为现代艺术设计提供了很大的启发，例如民间美术中的抽象画图形，就应用到了现代艺术设计中，并以此来传递真正的艺术思想，为欣赏者留下足够的想象空间。其实民间美术本身就具有一定想象力，因为在创作过程中没有依靠任何科技和工具，设计者往往需要自行想象，并通过色彩、图形、风格进行表达，所以充满了想象力，例如较为常见的窗花，就是具有想象的艺术作品，而现代艺术设计就可以以此为基础进行融合，形成具有视觉冲击和艺术底蕴的作品。

（四）现代艺术设计是民间美术的继承创新由于时代的发展民间美术已经逐渐被遗忘，甚至失去了弘扬、传承的机会，而与现代艺术设计的融合，就是最好的继承与创新。尤其在外来文化的冲击下，人们的审美观念早就发生变化，这对于民间美术自然有着不利影响。因此急需融入现代艺术设计中，促使民间美术得到有效的传承，并且能够实现创新发展，从而保留我国优秀的民间传统文化。现代艺术设计与民间美术的融合，可以诞生出具有现代化的实用性艺术设计风格，两者之间相互依存、相互转化，并完善彼此间的不足之处，而民间美术也能得到保持创新，继续弘扬、传承下去。另外也能为人们带来新的设计体验，感受现代与传统艺术的碰撞，最终达到相互促进、相互发展的目标。

四、民间美术为现代艺术设计带来的启示

（一）色彩方面由于民间美术来源于人们的日常生活，所以在色彩表达方面更多会追求自然、朴素、简约几个方面，而这也为现代艺术设计带来一定启示，在进行艺术设计创作过程中，可以借鉴民间美术对于色彩的运用，从而达到相辅相成的设计理念，例如民间美术中常见的青、赤、黄、白、黑，不仅具有较强的寓意，也代表了金、木、水、火、土，除此之外还有很多丰富的引申义。现代艺术设计借助这一点可以增强视觉冲击的同时，加深设计内涵和寓意，从而达到最佳的设计效果。不过需要注意在色彩运用方面，并不局限于照搬照抄，应该结合时代的特点进行创新，重新排列组成统一的色彩布局。

（二）造型方面民间美术作为我国重要的历史文化，在表达形式上多种多样，有些是为了追求实用性，还有很多则突出了审美意识，不过都能表达出人们对日常生活的情感领悟。现代艺术设计完全可以根据这一点，丰富自身的造型设计提高艺术效果，例如民间美术中常见的三阳开泰、喜上眉梢，其中就涉及到了谐音将物象与字联系在一起的设计，而这些设计不仅在造型上极为突出，还能表现出对于生活的夙愿。除此之外在民间美术中还有较为抽象化的内容，也值得现代艺术设计借鉴，通过概括性、简约性的形式，来表达出世间万物，更是饱含了情感色彩，从而达到挤上天花的设计效果。

（三）材质方面民间美术的起源就是日常生活，所以在设计中的选材往往倾向于自然，这也就符合了民间文化的特点。因此必须保证材质自然的属性，再由创作者进行加工，根据人们的审美打造出质朴、纯真的艺术作品。现代艺术设计则缺乏该方面的认知，尤其在科技发达的时代背景下，很多艺术设计盲目追赶潮流，在材质的使用上一味求新，这样反而失去了其中的寓意和情感。因此在现代艺术设计过程中，要借鉴民间美术对于材料的应用，通过取材与自然的形式，强化艺术设计、视觉效果等，并赋予其新的生命力。例如在民间设计中，通过纸张剪裁出的福字，就能够表达出对于生活的理解，展现出人们对于生活的期盼。因此要基于这一点展开融合。

五、现代艺术设计与民间美术内蕴的融合策略

（一）现代艺术设计与民间美术内蕴的人文精神融合由于现代艺术设计与民间美术，在人文精神上存在一定共通性，所以两者之间也可以形精神上的充分融合。大多数情况下民间美术充满信仰与人生理想，或者对生活与生命价值的追求、热爱，这些人文精神通过各种形式存在于民间美术中，而现代艺术设计受到时展的影响，忽略人文精神的渗透，在设计过程中缺少以人为本的精神理念。因此通过融合民间美术，能够展现出新的人文内涵。由此可见民间美术体现出了重要的人文精神价值，这也是现代艺术设计最需求、渴求的。因此在现代艺术设计发展过程中，应该注重人文精神，突出现代性与传统性的融合。

（二）现代艺术设计与民间美术内蕴的自然观融合民间美术设计过程中的自然观念，往往可以为现代艺术设计提供灵感，从民间美术作品中可以看到，大多取材于当地的物质资源，也就是从自然中寻求创作。我国地大物博不同地区的民间美术形态，有不同形式的展现，不过大多数都是通过身边的材料，以此为基础展开创作。因此生活与艺术完全融为一体，既有简单、简约的理念，又饱含了艺术性。例如常见的石头、木材、纸张以及皮革等，都是民间美术的主要选材，这些都是日常生活中比较常见的资源。因此在现代艺术设计与民间美术融合的过程中，应该遵循自然观念和规律，这样就能弥补现代艺术设计中自然的缺乏，并弘扬朴素的民间自然文化。

（三）现代艺术设计与民间美术内蕴的造型色彩融合在现代艺术设计与民间美术融合的过程中，造型与色彩是重要的切入点，尤其是民间美术所具有的多种造型，为现代艺术设计提供了创作源泉，甚至可以立足于民间美术展开设计，充分学习色彩、造型的应用，充分提取、分化再进行有效的结合，这样就能设计出具有时代特点，也可以展现出民族风情的作品。当然民间美术对于色彩与造型的运用，往往具有深刻的文化内涵，或深层的寓意，现代艺术设计可以针对这一点，对自身进行有利的补充，一般来说民间美术对于色彩的运用非常广泛，崇尚多彩的视觉效果。在现代艺术设计中色彩也是非常重要的环节。因此要吸取民间美术的色彩象征性和寓意性，增添自身的文化内涵与文化观念。

（四）现代艺术设计与民间美术内蕴的创造力融合艺术设计不仅要有灵感启发，也需要进行复杂的创作过程，民间美术对于现代艺术设计的启发是非常重要的因素，可以为其提供充足的创作源泉，拓展现代艺术设计的创造力。比如在民间常见的剪纸，很多创作者并没有见过真正的形象，完全是通过自身的联想与想象，制作结构精妙、栩栩如生的作品。因此民间美术往往具有深厚的想象力和创造力。现代艺术设计需要针对这一点展开学习，以不寻常的眼光来看待事物，提高现代艺术设计的创造性思维，确保创作出的内容表现力更强。

（五）现代艺术设计与民间美术内蕴的产业价值融合产业价值往往是艺术设计的关键动力。因此在融合民间美术的过程中，应该以产业价值的角度出发展开思考，在设计中融入传统民俗文化与区域特色，从而促进现代艺术设计发展。目前我国越来越关注文化传承，而现代艺术设计与民间美术融合，就是重要文化传承工作。因此不仅具有极强的产业价值，也有一定文化传承价值。另外现代艺术设计比较注重经济效益的产生。因此在融合过程中，应该注重创造财富和就业机会，传统民间美术能够建立品牌树立形象，结合现代艺术设计发扬光大，并建立传中国统文化创意产业，从而满足设计需求的同时，提高自身的商业价值。

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一、民间美术概述

民间美术是相对于宫廷美术、文人美术、学院派美术等形式而言的。民间美术直接来源于人民大众，是劳动人民在劳动生产、社会生活中进行创作、表现，从而在生活中应用并且流传的一种形式。我国的民间美术按照制作工艺的不同大致可分为染织、皮影、剪纸、民居装饰、农民画、陶瓷、瓷塑、玩具、用具九个类别，每一种类都有自己独特的风格。民间美术作为中国民俗文化的一个重要组成部分，其艺术价值远不止民间美术本身，它具有极为丰富的美学、历史和人文精神等内涵，是中华民族文化的结晶，也是中国美术范畴中的一个重要组成部分。

二、现代艺术设计概述

现代艺术设计是为人服务的，从衣、食、住、行到空间、环境，是人类社会一定的物质与精神的完美结合，也是现代社会发展的必然产物。现代艺术设计作用于社会生活，同时社会生活也反作用于艺术设计。

现代艺术设计极具综合性，不止受物质条件的限制，受市场、经济、科技、文化各方面的影响，还受从事现代艺术设计工作的人的综合能力、综合素质等诸多因素的影响，所以现代艺术设计不是单纯的一个为设计而设计的过程，它需要设计者对设计对象所处的社会形态、文化背景、人文地理有一个全面深入的了解与认识，与此同时，需要认知的一点是现代艺术设计是现代艺术与现代科学的结合，它创造着人们的全新生活。

三、民间美术对现代艺术设计的启示

民间美术，一直是作为劳动人民最基本的情感和审美需要而存在和发展的，具有悠久的文化历史。在题材与反映的内容方面，它把自然中的山水草木、禽鸟走兽作为想象的客体，通过主体形象的组合，使其蕴含了极其丰富的内涵，同时运用概括、抽象等手法，来象征人们的情感、愿望，这种代表劳动人民的淳朴思想、寄托劳动人民愿望的特征，使民间美术造型特征得以长期流传。对于民间美术，我们的艺术设计可以从中吸取精华，从中获取艺术设计创意的资源，形成我们民族特有的艺术风格和艺术魅力。

社会发展到现在，我们已经不能粗浅地把我们的作品作为一个没有生命力、没有情感的器物来看待，在强调产品实用性的同时，人们越来越注重产品可承载的情感内容，希望通过产品获得一定的情感满足，而作为中国乡土艺术主要组成部分的民间美术，它承载着劳动人民的真情实感，不管是色彩还是造型，都有着儿童般的稚拙与可喜，有着无穷的魅力。优秀的民间美术作品往往令人回味无穷，因为民间美术往往有着深厚的文化内涵，这也正是对于当今艺术设计最宝贵的和值得借鉴之处。

（一）造型的启示

民间美术花样繁多，造型丰富，却不是随心所欲的，我们的眼睛看到的永远不是物体本身的样子，而是从生物学立场和我们所在地的文化背景出发所看到的。特定的社会生活结构加上特定的文化背景结构，才能塑造出那个时代特有的民间美术造型。

1.象征性的造型

在民间美术的创作中，劳动人民不仅以实用性为目的，还融入了审美意识，在朴拙的创作形式里倾注了对生活的企盼和夙愿，象征、谐音等创作手法较为常用，不同的创作手法也代表着不同的意义。如石榴、葫芦、金瓜等象征多子；松、鹤、龟等象征长寿；牡丹象征富贵，而谐音是物象与字的读音有着内在的联系，如喜上眉（梅）梢、马上封（峰）侯（猴）、三阳（羊）开泰等谐音象征手法。现代艺术设计若能运用这样巧妙的创意，会起到很好的效果，并可以进一步让其转化为更淳厚的民族情感，逐渐形成具有民族识别系统的设计风格。

2.装饰化的造型

民间美术从功能与服务性质上来看，有着装饰化的性能。它对比强烈的色彩表现，抽象化的造型表现，无一不体现着浓厚的装饰意味，同时，民间创作者对物象形态特征的捕捉和大胆的表现手法，都使得民间美术充满了怪诞、有趣的特征，如在动物的形象上出现人面的创作手法，或是在一个主体物上派生很多相同物象的局部。

3.抽象化的造型

民间美术多以概括性、简约性、抽象性的形式来表现万物生灵的真实面貌，提取本质，去掉细枝末节，粗线条地表现。民间木刻版画通常就是以简略的线条表现多组物象，这种抽象化的造型表现手法，恰巧有着言未尽而意明了的艺术功效，与中国传统含蓄内敛的审美方式不谋而合。在民间美术作品中不乏运用几何形来塑造的作品，并且准确地表达出物象的本质特征及创作者赋予它的情感色彩，这种高度的概括能力和表现能力是现代艺术设计所需要的。现代设计中的一些标志设计就是妙用几何形的集中表现。另外，民间美术中的很多表现方式也经常会体现在许多现代设计师的作品当中。

（二）色彩的启示

色彩鲜艳和谐，对比强烈厚重，气氛热烈喜庆，浓郁的装饰性，是中国民间美术的最大特征。强调色彩特有的张力、表现力、刺激性，与人们追求平安与幸福的心理相吻合。民间美术的色彩表现，集中展现了人们祈福迎祥的民俗心理。

我国北方的民间美术作品色彩浓重、对比强烈，南方的则相对较为雅致平和，如云南、贵州等地的扎染和蜡染多采用蓝、白两色，具有极高的融合性与协调性，呈现出一种极为典雅的朴素美。在现代艺术设计中，无论是服装设计还是平面设计，都深受民间美术色彩运用方法的影响。

（三）材质的启示

民间美术在材料使用上最重要的一点就是取材于自然，人们往往采用源于自然的东西作为材料，在肯定自然材料质地品性的前提下，根据人们的审美需要对其进行加工，创造出一些质朴、纯真、自然的民间美术作品。

在现代设计中，人们也注重取材于自然，设计师除了力求作品别具一格，也会利用天然材料做些装饰、点缀，这种设计理念正是民间美术中所蕴藏的。但民间美术并不是单纯地直接运用自然物，而是赋予自然物一定的意味情思，最终呈现出具有一定意味的形象。

四、现代艺术设计的民族化发展

我国历史悠久，传统文化和民间艺术积淀丰厚，这些条件造就了我国人民特有的审美情趣。近年来，艺术设计已成为我国一个正在壮大的产业，涉及到生活的各个方面，如广告设计、工业设计、服装设计等。可以说，我国艺术设计取得的初步成果，与借鉴西方各国和日本等国的设计精华有着一定的关系。但是许多成功的优秀作品，特别是被国际认可的代表中国的设计佳作，其成功的原因与立足本国本土、吸收中国传统艺术和民间美术的成分是分不开的。因此，我国的艺术设计应该是既有高品位的中国传统文化内涵，又符合当今时代审美的艺术化作品，应做到质与量的高度统一。

对于一个国家来说，保存和发扬其独具特色的民族文化，弘扬传统文化与传统艺术尤其显得重要。因此，学习、继承和发扬民间美术和美学思想，对于我国现代艺术设计来说是十分重要的。

结语

民间美术是我国劳动人民在长期的生活生产实践中，将物质文明与精神文明相结合形成的本土艺术文化，而本土艺术文化不论在哪个国度，都发挥着自身的功效，即对现代艺术设计的影响。现代文明、经济发展、科技进步是我国现当代社会发展的主题，可有些人从本质上缺乏对民间美术的深刻认识，所以在这种发展的潮流当中，许多传统民间美术被无知地、毫不吝惜地丢弃。

随着社会的不断发展，越来越多的有识之士意识到了民间美术蕴涵着博大的艺术文化价值，意识到现代艺术设计必须融入到本民族文化中去才能得到发展，得到永生。然而，现代艺术设计在强调民族化时却出现了一个误区，那就是盲目照搬民间美术，以为这样就可以做到继承与发扬。其实现代艺术设计的本土化，并不是简单地在招贴上画一两个民间美术的东西，这种对民间美术、对本民族艺术“形”上的克隆，只是没有生命可言的机械行为，只能是对民间美术精髓的模糊和对民族文化传承的肤浅的理解，永远都接触不到民间美术所蕴藏的博大内涵。

我们只有在深入学习、研究民间美术的基础上得到启示、学到方法、掌握其内涵，再结合设计者的个人风格、修养、设计手法等，才能做到对民间美术真正的传承，也才能使现代艺术设计从民间美术中得到真正的启示。

参考文献：

[1]唐家路.民间艺术的文化生态论[M].北京：清华大学出版社，2006.

[2]王海霞.透视：中国民俗文化的民间艺术[M].西安：太白文艺出版社，2005.

[3]潘鲁生.中国民间美术工艺学[M].南京：江苏美术出版社，1992.

[4]靳之林.中国民间美术[M].北京：五洲传播出版社，2004.

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例如设计者可针对一部分中年人和少部分年轻群体，将其设计风格基本定位在他们普遍喜爱的中式现代风格。这种定位是必须的，因为一类艺术设计作品不可能同时兼顾到市场中所有的消费群体。定位让设计作品有了明确的针对性，从而使设计有了重心和主题，也为市场流程的其他方面的跟进提供了必要性支持。在其后的发展进程中，设计作品必须努力争取到自己的认同群体，创造群聚性条件，才能够在市场中立足。这一方面需要通过市场的自发宣传，另一方面则是借助于广告的传播作用。这一时期运用最多的是，基于运作方式方面的塑造形象的广告策略和基于信息传播方式方面的间接性告知广告策略[2]。在艺术设计作品中，强调某一设计要素，如色彩配置感受、设计的历史感、地域特点体现等，形成特色并被市场所认可，就可以被认为塑造出了良好的设计作品形象。成功的形象塑造有利于凸显设计作品的优势，在接受群体心目中留下偶像印象，产生积极的心理认同感受。这些被强调的设计特色通常被设计者有意识地在每一件作品中予以体现。所传达的信息并不是通过人们熟知的语言或文字符号直接告知，而是需要信息接受者通过自身经验和知识进行充分感悟和体会，这就是间接性告知广告策略。经过一个时期的形成过程，消费者就能够对设计作品的情况有所认识，从而引起兴趣，再根据需要形成对此类设计作品的关注度与信任感。这样，设计作品便在市场信息传播的过程中争取到了一定的认同群体，迈出了偶像化的第一步。此时期主要为宣传设计作品，告知设计特色的信息，这是设计者偶像化的市场前提。

在设计作品的广告运作过程中，以辅助形式或在次要位置出现的设计者名称或介绍是前期宣传的较好方式。如需要设计者作为形象宣传代表进入广告进程中，就需要将其特征，如外形、性格、语言等进行合理包装，因为这种状况下的设计者已经被作为设计的象征，具有代表性、概括性、灵活性、亲人性的特点。以这种象征广告策略来塑造设计的形象，更容易给予人们以情感上的感染，扩大设计的影响。国内颇有影响的设计机构——肖勇设计顾问，在其发展的前期阶段为了快速被市场认可，工作室将主要设计理念定位于“设计创造价值”[3]，并着力于与国内外知名机构合作，在欧、亚和美洲结有10余个联盟伙伴，并自2007年开始在中国大中城市开设新的工作室和建立战略合作伙伴，设计出富有艺术气质的标志、包装、广告等作品。经过了一定时期的市场发展，在公司已经“小有名气”的基础上，灵魂人物肖勇先生开始出现在业内知名杂志的专访栏中，各高校的专场讲座现场，以及各种座谈会的宣传活动中。通过媒体对他的介绍，人们更容易从一个侧面了解公司的运作情况、设计定位等信息。通过这种前期偶像化的广告策略，“肖勇设计顾问”在激烈的市场竞争中快速地树立起了自己的设计品牌。成长后期与成熟期阶段偶像的维持与加强经过前期的定位与宣传，设计作品已经在消费者头脑中留下了印象，产生了一定的市场认同。有意识的记忆可能源于这类设计作品的总体风格，也可能来自于设计中的某一个很小的方面，如一个装饰细节或一个有吸引力的图形。无论哪一方面对应了消费者的喜好，都能够产生同样的结果——信任感与关注度引发的崇拜感受。虽然这种心理认同会在一定时期内保持稳定，但是外界信息的不断刺激也可能使之动摇甚至反向，因此，在“偶像”形成后有必要进行长期的维持与加强工作。对于设计作品来说，不间断或周期性的出现与更新才能加深消费者的印象，及时唤起注意。可运用的广告策略也很灵活和多样，如信息广告策略，可利用各种传媒平台，在第一时间传递给消费者有关艺术设计作品的信息。这种及时且连续的信息刺激不仅保证了人们的遗忘曲线始终处于高峰段的状态，而且还能够逐次巩固习惯性记忆。还可以利用推荐式广告策略，即利用第三方（权威杂志的报道、专家给出的设计批评、效力部门的鉴定、专业论坛的讨论等）在市场中宣传设计作品的优势特征，产生“威信效应”，从而巩固与加强设计作品的偶像地位。此时期的设计者已经被市场熟知，为强化自己的偶像形象，部分设计者选择频繁走秀，即运用广泛参与式广告策略提高自身的市场知名度，持续设计品牌效应。例如香港著名设计大师靳埭强先生在工作之余经常出席业内的宣传展览活动，向公众介绍自己设计团队的发展情况；在每年度的高峰论坛上提出自己的设计主题，举办个人讲座；支持与配合高校举办艺术设计竞赛并担任评委；接受国内知名期刊的采访等[4]。这些大大小小的市场活动是靳埭强及其设计团队活跃的平台，也为其充分接触市场，保持偶像的前沿性提供了必要条件。也有部分设计者主要运用竞争式广告策略来明晰自己的市场形象。如华裔著名设计师贝聿铭先生就是通过一次次的成功竞标显示自己的设计特色，彰显个人魅力。从香山饭店到中银大厦，再到苏州博物馆新馆，强烈的新现代主义建筑风格中是具有中式情调的空间，正是通过竞标中的比较，公众记住了这位设计者，偶像的市场优势得以加强。

饱和期与衰退期阶段偶像宣传重点的转变与角色转换饱和期意味着设计在市场中的消费群体已基本固定，需求量锐减，没有太大的市场发展空间。随之会迅速进入衰退期，表现为认同群体数量的减少，市场好评率走下坡路，与同类设计相比缺乏明显的竞争优势。此时可以认为设计“偶像老化”或“偶像去势”。为了稳定市场，保持设计偶像的新鲜度与前沿性，必须采取有效的转变措施。具有偶像市场优势的设计作品，必须避免审美疲劳与消费惰性，要充分调动人们的情绪，引起情感共鸣。那么如何才能做到再次吸引人们的视线？有效的广告策略是积极协调内部因素，转变关注的重点。如某一类家具设计作品的主打偶像特征是卡通抽象形象的塑造，在保证整体设计效果的基础上，可以把设计和宣传重点放在色彩的细部调和与对比上，或者是拥有细腻触感的材质选择方面。再如某一类设计作品的市场宣传重点是设计效果，那么在这一时期完全可以变换思路，突出设计作品背后的设计质量、后期服务等方面。此类变化可以重新引起人们的兴趣，激起新鲜感，从而重拾偶像活力。犹如看惯了老面孔会觉得乏味一样，设计者也需要调整自身的广告策略，才能迎合市场，保持年轻旺盛的活力。设计专业的发展越发倾向于“全才中求技能”的偶像。在这一时期中，设计者完全可以进行角色转换，在设计的同时接手品牌管理，跟进设计实施进度，了解制作难题，尝试技术改良等相关工作，并且将新的认识、新的知识和新的注意事项作为宣传信息告知消费者，引起他们的注意，满足其使用和心理需求，从而稳定偶像地位。

艺术设计在进入市场运作流程后，其偶像化是呈一定序列形成并发展完善的。在各个不同的发展时期，设计作品、设计者作为设计的2个不同要素表现出了不同的偶像化特点，需要运用不同的广告策略才能更好地得以优化，但是无论这两类要素的偶像化过程同步与否，最终的目的都是使艺术设计更好地迎合市场需要，合理引导消费。它们的偶像化进程需要互相协作配合才能完成，因此这2个方面是不可分割的。现代艺术设计的偶像化特征有利于设计行业的发展，提高市场活力，体现新行业的新面貌。对于偶像化过程中产生的负面问题，例如夸大偶像的优化性，则需要重点关注并正确引导。

作者：王安安 单位：郑州大学建筑学院

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【论文摘要】：艺术表现的外延和内涵虽然已经被拓展到一个相当广泛的艺术领域，但那些一味"反传统"的现代画家，在艺术实践中无论怎样标新立异，偏向所谓求新求变的极端，最终还是不能与传统的绘画或者其他传统工艺决裂的。

人类的历史有很大一部分也可以称做是一个设计的历史，而艺术设计在现代绘画的基础上，可算做是一种延伸。艺术设计运用创造性思维，从整体和具体细处都属于形象思维和逻辑思维的结合。对总体的安排和结构的处理运用逻辑思维为主，对造型和表面装饰的处理运用形象思维为主，二者不可截然分开，而是相互交替进行。

在文化发展过程中，绘画与艺术设计对其影响深远的感触莫过于平面设计人员。设计者不但要具备绘画的基本造型技能与审美意识，在商业文化产业的运用中也需要特殊的理解和创造性。

一、共性与共同面对的问题

现代绘画与平面设计同样都是个性的表露。回顾绘画的发展史就会发现，无论中国还是西方，每一位杰出的大师都曾经创造过极端个性化的作品，他们的作品都具有自己的典型特征。画家、设计师们，尤其是现代派的一些大师，他们在创作时可以完全不用考虑其作品的社会性。在某种意义上说，作品的生命力，正表现在个性化上，通过作者对美的形式法则的特殊理解而存在着。任何一个伟大的画家、设计师，都会有自己独特的审美个性，创作者必须把自己个人的主观意志潜能释放出来，最大限度地表现自我。

然而，现代绘画与现代艺术设计设计在这个飞速的时代所产生的弊端主要是因为早已经历过绘画造型的鼎盛期，而期更能突破前人的思路，求得更开阔的道路而采取个性化的创新手法上。当今是一个信息高度发达的世界，要反映这一时代特征，是设计工作者的主题。架上绘画现状低迷，而西方的艺术设计手法又繁复多样。各种不同类型的艺术样式结合，多样化表现艺术性主题。而很多艺术品只考虑创新，增添怪异手段，而缺少了考虑审美的方向性问题。

二、差异与调和问题

设计与绘画最大的区别是否依赖商品。设计作为商品具有包装价值和使用价值本身就是为市场服务的。设计的最终价值来源于客户的满意，商品价值的实现，市场需求的满足。设计师必须揣摩客户的心理使方案得到通过，；另一方面，客户可能对市场的把握、了解远胜过设计师，设计师缴尽脑汁的创意想法最终还是依附于客户的评审。设计也依附市场这根指挥棒。而绘画的本质是实现对美的追求。绘画与设计在文化产业发展中的运用，不仅仅体现在"个性化"与"依附性"方面，还体现在对形式美的规律追求的差异性上。

三、设计借绘画所用

绘画对美感的追求还表现在材质，肌理和表现手法上。现代绘画综合材料的运用表现在扑朔迷离的肌理运用上。绘画也用混沌含蓄的有限笔墨表达意境，这些手法在设计中也偶尔能见到，只是借用绘画的表现手法或借助绘画元素来完成设计的段落而已。例如有的设计作品从表面上是追求绘画中的空灵和气韵，更深刻的是用图形元素溶入到现代设计原理的图形构造中去了。这种类似绘画的空灵美，只是设计的手段而不是目的。现代主义设计主要从意识形态出发，将之放置到现代主义运动中的大背景中去。现代主义的运动产生的影响使之不断发展。而设计活动的自身特质和发展变化规律，也影响到我们对其它相关设计活动的理解。设计中的技术和艺术都影响着设计史的发展。设计中的技术与艺术两者互不可缺，两者完美结合可以造就优秀的设计，而反之却造成失败的作品。

技艺的完美结合成就了手工业时代艺术设计的辉煌。新艺术运动打破了维多利亚时期的矫饰风格向大胆创新的方向发展。 "新艺术"也同样在艺术和技艺方面找平衡点，保持传统艺术的精髓。现代艺术设计中的客观化也得益于绘画，这种趋势始于塞尚，发展于立体派和抽象主义。而艺术观点的要旨是结构是一切事物的根本。塞尚认为什么外部条件和结构都不能改变事物的结构，而艺术家必须把事物纳入这个秩序中来，使事物成为结构中的有序。他尝试用结构的观点去认识和概括一切对象。立体主义的现代运动也受益于此思潮。他们将几何方式推向及至也屏弃了空间透视，强调理性规律在真实中的表现力。画家自身的绘画语言具有的抽象张力创造了新的世界。

现代艺术设计遵循理性主义，用几何形体和简约抽象的色彩概括客观对象，成为大机器生产的必然和最佳选择。在两者结合的基础上，诞生了现代主义设计。荷兰"风格派"和俄国构成主义。严格遵循几何式样，追求那种来自于机械的严谨与精确。努力寻求与工业化时代相适应的艺术语言和设计语言。从荷兰"风格派"和俄国构成主义设计中我们能看到，技术和艺术达到了最佳的结合， 同时，也正因为这种最佳结合，现代主义设计成为二十世纪上半叶最稳定、最具影响力的设计风格，以至在后期发展为风靡全球的"国际主义"风格。 "国际主义"风格的形成就可以看做是国家大工业化形成的衍生形态。设计与绘画艺术的平衡也是动态的，而技术的发展和日趋成熟也促成了艺术多元化的发展。

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作为设计史上最重要的、最具影响力的设计活动，现代主义设计的形成的内因和外因，它的确切定义、面貌特征、持续时间和波及范围等等，都极其复杂，而现代艺术本身、现代绘画艺术与现代艺术设计的互动关系中也有许许多多细致的问题等待我们的分析整理。设计中技术与绘画艺术是互为的关系，它们互相渗透和吸收对方的精髓。现代艺术中的客观化趋势与现代主义设计的联系，现代主义产生的内在动因，这些都可以让我们对现代绘画与设计之间发现更多千丝万缕的联系。

中国传统绘画艺术在自然物的描绘中往往融入了一种图形化的抽象符号语言。而现代艺术设计不同于架上绘画，它是需要一目了然，简洁明了概括性极强的。现代设计运用多元手法突出重点，将不同比例、时间空间所寸的元素相结合，运用象征予人启迪。构思超载现实，构图概括，形象夸张鲜明，醒目地渲染主旨事物，赋予画面更广意义。而中国传统绘画中的空灵之感，以无形表达有形也在设计中被极好的利用。现代平面艺术设计大师也以意念为先，用形得神韵；不断创新；灵活取用为创意原则，和中国山水画的表达方式类似。多中国传统文化的精髓与西方的现念相得益彰。更有作品运用了中国的水墨技法和现代电子技术特殊的肌理效果，具有很强的视觉冲击力和文化感染力。中国传统艺术讲究的衡和内在的节律，强调变化中的均衡，也符合艺术上形式美的规律。中国传统艺术讲究的衡和内在的节律，强调变化中的均衡，也符合艺术上形式美的规律。在我国的艺术设计作品中，动与静、疏与密、虚实相生、纵横曲直、黑白对比、重叠交错等传统构图法则中也屡见不鲜。现代招贴艺术设计也大量的运用了古代或现代的民间工艺。概括多变的形式之美具有长久的生命力从而也给现代艺术设计提供了丰厚的养分来源。而复杂到单纯，丰富到简练的提炼过程，也是我们从传统绘画中走出所造就的。

四、设计规则蕴含着动态生命的整体表现

多元与凝聚、东方与西方、过去与未来、传统与现代都不要独舍一端，明白融合的要义，才能产生出更具涵义的艺术张力。反观历史，艺术设计与架上绘画直到今天仍然相互影响与交融共进。从架上绘画之象征到设计中意念的传达，从空间处理到图形设计的空间感与虚拟性，和建筑设计里的含蓄意寓。设计与绘画在冲撞与交融中得以更好的发展。

参考文献

[1] 王受之. 《世界现代设计史》， 中国青年出版社， 2002.

篇10

人文功能注意设计的思想起源于德国，在思想确立之初，人文功能主义设计强调艺术、手工与工业的结合，提倡功能主义设计原则，反对任何形式的装饰。通过各国之间长时期的思想交流，功能主义思想逐渐成熟并得到广泛传播。（一）人文功能主义风格的形成在二战之后，功能主义现代设计思想在各国形成了不同的表现形式，众多艺术家和设计师认为抽象几何形式是最具有时代感的造型语言，但是丹麦设计师认为“线条应该带有一丝微笑”，从而将丹麦现代艺术设计的主要风格表达了出来。丹麦现代艺术设计注重社会与自然的亲和力，其作品蕴含着浓郁的人情味，因此丹麦艺术设计风格被称为“人文功能主义”。（二）人文工功能主义风格的构成要素丹麦设计师注重充分利用和开发本地区的天然材料，从普通民众的生活需要出发，在表达民族传统与风格的同时，设计出具有实用价值的作品。优质的硬木是丹麦设计师们所钟爱的材料，此外，皮革、棉布织物、藤类等天然材料均被赋予了新的艺术设计价值。丹麦现代艺术设计中最具有核心意义的构成要素便是以人为本的设计理念。丹麦设计师关注着生活中的每一个角落，产品设计中首先注重的也是使用者的最佳感受。与德国过分注重科技、意大利注重形式相对比，丹麦的设计师更加注重现代社会方式中人文因素与科学技术之间的平衡。

二、后丹麦现代设计的新发展

进入21世纪之后，随着各国经济水平的提高和生活质量的提升，人们对设计的要求也在不断提高。丹麦现代艺术设计不仅立足于提供实用的物品，还要求物品能够体现一种生活方式和文化内涵。（一）体现更多的人文关怀丹麦设计素来以人性化设计而闻名，其设计的产品不仅注重实用功能，还兼顾审美功能，在设计中体现人与自然和谐交融的生活态度。更值得赞赏的是丹麦设计师在提高生活质量的同时，还更多的关注社会弱势群体的生活需求。（二）注重产品设计品位和个性随着经济的发展和人们思想观念的更新，社会更加注重多元化以及个性化，消费的求异心理日益突出，表现在设计上就是追求设计的个性。丹麦现代设计师从本国的传统文化中寻找灵感，并吸取其他国家的设计经验，利用各种新技术和新材料，创造出了许多具有时代感的个性化作品。（三）立足传统发展创新丹麦设计师将传统工艺的精神贯穿到整个设计、生产的全过程中，并将追求细节的完美作为职业目标，保证了传统工艺不会因为工业化的发展和科学技术的进步而逐渐湮灭在历史发展进程中。丹麦设计师力求工业生产产品也能够给人们带来手工制作的感受，并注重结合新的生产工艺和表现手法，不断进行自我创新，在满足消费者需求的同时，实现设计风格的提升和深化。

三、结语