传统艺术范文

导语：如何才能写好一篇传统艺术，这就需要搜集整理更多的资料和文献，欢迎阅读由公务员之家整理的十篇范文，供你借鉴。

篇1

关键词：中医思维传统文化天人合一

中医是中华文明重要的组成部分之一，并丰富了中国博大的传统文化。在中国传统文化的滋养下，庞大的中医系统理论与中国传统艺术精神息息相通。中国古朴的哲学思想滋养了神奇的中医，也奠定了中国艺术的基本精神。

在作为中华文化两大思想源头的儒家和道家思想的影响下，中医和中国传统艺术有着相同的“天人合一”的宇宙观，即认为有一种普遍存在的宇宙法则统一支配着天体的运行，季节的变化与人体生命的无常一样都统一存在于宇宙之中，是一个有机的整体。中医把人作为一个整体来看待，认为，当这个整体内部出现不和谐或者外界出现异常时，微生物之间的生克规律就会混乱，最终会导致瘟疫的暴发和流行。战国时期神医扁鹊在《难经》中写到：“望而知之者，望见其五色，以知其病；闻而知之者，闻其五音，以别其病；问而知之者，问其所欲五味，以知其病所起所在也；切脉而知之者，诊其寸口，视其虚实，以知其病，病在何脏腑也。”中医有句名言“有诸内必形诸外”，也就是说人体内在的疾病会反映到外表，通过外表即能认识到内在的问题。“望闻问切”是中医独特的诊断方法，以至于扁鹊只用“望”就能准确获悉蔡桓公的病情。望、闻、问、切是中医全面系统了解病情的手段，通过“现象”认识事物的“本质”，体现了整体的哲学思维。比利时著名学者普利高津曾说：“中医传统的学术思想着重研究整体和自发性，协调与协同，现代科学的发展更符合中医的哲学思想。”中医采取辩证施治的整体原则，用全面的观点来看问题。中医治病的思路就是从整体出发，调动人体自身功能对抗疾病，中医给予病人更多的时间和关注，它治病注重的是整个人体而不是人体的某个部分。

中国传统艺术与中医一样，以整体的思维方式把握世界，以“天人合一”的哲学世界观为基础，以“人学”为核心，侧重人与自然、人与人、人与社会的和谐关系，以美善统一为基点。“所谓‘惟人为万物之灵’（《尚书·泰誓》），为‘五行之秀气’，为‘天地之心，无行之端’《礼记·礼运》都在强调人的主导地位。孔子以人文精神解释祭祀缘由。这些都表明审美观念上的天人合一的自觉意识背景已经形成。阴阳五行和谐原则，便是天人合一思维方式的重要成果。”①“天人合一”是中国传统文化的核心范畴，中国艺术的根本特征就在于体现着和谐的原则。“儒道互补，方为主体和谐心灵的完整体现。中国艺术正反应了宇宙和谐精神与主体和谐的合一，从而心有所感，艺有所达。”②

在中国传统思想中，气是万物生命生存的本质，万物生命的诞生与生长都归结于“气”。“春气发而百草生”“天气下降，地气上腾，天地和同，草木萌动”，这些都是从阴阳二气的变化来解释万物生命的诞生。人也和万物一样，生活在由气支配的时节变化中。“春生夏长，是气之长也。人也应之。”（《黄帝内经》）在中医学里，人也和自然万物一样，是气聚的产物，“人之生，气之聚也，聚则生，散则为死。”（《庄子·知北游》）因此，所谓的生死、有无都归结于气，气主宰了一切。“故曰：通天一气耳。”（《庄子·知北游》）“气，体之充也。”在中医中就有“气虚”“气滞”“生气伤肝”“火急攻心”之说，中医推崇静心、守神而养生、休生养性，以此恢复元气。张景岳说：“行医不识气，治病从何据。”中医从“气”的角度来认识疾病，对疾病的治疗着眼于对“气”的调整。西医治标，中医治本这也不无道理。元气论作为中国古代哲学思想融入中医学理论后，对中医的生理、病理、诊断、治疗产生了深远的影响。中国传统美学用“气”来说明美的本源，“气”是中国传统艺术的生命。艺术中有“笔气”“墨气”“灵气”“气韵”之说。“气”是艺术作品的生命，也是作者灵魂的再现。谢赫的“六法”中把“气韵生动”作为评判一幅作品好坏的最高标准，“气”不仅蕴含了艺术作品的生命，还包括艺术家的生命力、创造力和学识修养。“气”是通过整体的内在表现出来的，而不是仅仅局限于某个物体之上。艺术作品和人一样，也有自己的“元气”，为了表现其独特的“气”，艺术家就要不断提高自己的道德修养和学识水平。中国古代的文人画家与今天的画家相比可谓是全才，他们不仅有精湛的绘画技巧，还精通书法、画论，有很高的学识修养，因而他们的艺术作品到今天还被人们顶礼膜拜，是中华艺术的瑰宝。

中国传统美学与传统艺术主张中和为美，“和”体现了中国传统艺术的辩证思维。要达到“和”，其重要法则是要掌握好“度”，过或不及都不为美。“中和”是一种模糊而崇高的美，是一种含蓄的美。“和”的这种辩证的观点渗透在中国艺术当中，并被广泛的运用。用笔的“浓淡”“干湿”“轻重”“快慢”“方圆”；经营位置的“疏密”“主次”“聚散”“向背”；处理手法中的“以白计黑”“以小见大”“虚中实”“实中虚”“密中密”等都体现了“和”的辩证思维。“中国画艺术处理讲究火候，对于修养高的作品，常誉为‘炉火纯青’。艺术处理要求恰到好处，过头了则物极必反。”③中医中的“中和”体现为它始终谋求与万物的共存之道，它没有把目光仅仅局限在只能用精密仪器才能认识的所谓的“病毒”上，而是宏观地从生命的角度看待宇宙万物，在中医的词汇里不强调对抗，这也体现了中西方不同的医术之道：西医讲求对抗，中医谋求共处。

中医和中国传统艺术同在中国文化的土壤中发生、发展、成熟，故它们遵循着同样的思维方式。中医并不以抽象的逻辑思维作为学术的主要思维方法，使得它与同样以注重直觉、灵感、顿悟等非逻辑方式的形象思维为思维方法的中国艺术有本质的相似。古老的中医是我们人类航程上的守护神，它与中国传统艺术一样，永远是中华民族的骄傲。

注释：

①朱志荣.中西美学之间.上海三联书店，第77页.

篇2

1.1动植物纹样岭南传统窗棂中常用的动物纹样有喜鹊、蝙蝠、鸳鸯等，取其谐音来表达美好寓意：“喜鹊登梅”寓指“喜上眉梢”，“五蝠捧寿”寓指“五福捧寿”等。与江南传统窗棂不同的是，岭南传统窗棂的植物题材多使用当地植物外形，如荔枝树、四季桂、木兰、佛手等造型作为主题，见图2。此外，由于岭南地区气候的原因，瓜果和花木种类丰富，在岭南窗棂上会看到许多北方窗棂上看不到的瓜果蔬菜、繁花绿叶等天然、朴素的题材，呈现出极其清新的自然风格，见图3。

1.2器皿纹样传统岭南建筑中，通常在和中间庭园沟通的墙面上设置花窗，并在窗户的蚀花玻璃上面刻画各种器皿、瓦当和佛珠的纹样，造型端正，用于稳定花俏的周边图案，见图4。

1.3吉祥文字纹样在岭南传统窗棂中常见吉祥字符有“福”、“禄”、“寿”、“囍”、“安”、“和”等，同时也常见名人诗词片状纹样，体现丰富文化内涵。这些文字因其本身代表着吉祥富贵、健康祥和的美好寓意而往往被图案化、艺术化，成为窗棂图案中一道亮丽的风景，见图5、图6。岭南传统窗棂装饰纹样内容丰富，瓜果花卉、鸟兽、字符、器皿等无所不有，风格上各具特色，且这些装饰纹样经常被综合组合在一起，以丰富室内的空间感和光影效果。

2岭南传统窗棂装饰艺术特征

窗户是建筑的眼睛，窗棂装饰是窗户的灵魂。由于受岭南地域文化影响，岭南窗棂呈现出独特的地域艺术特征。

2.1形制丰富岭南传统窗棂有丰富的外形：有方形、圆形、椭圆、六角、八角、扇形、石榴、葫芦、桃形、梅形、叶形、瓶形等千奇百状；窗棂的装饰纹样或是勾勒简洁的几何线性图案，或是样式丰富、造型不一的具象图案，或是两者之间的混合式，如此造就了窗棂纹样的千变万化；窗棂纹样中的线条或曲或直构成，以各种形式组合在一起形成了简洁的韵律之美[6]。见图7。窗棂的整体构图比例得当、主次分明、虚实结合、和谐统一、耐人寻味。

2.2材料西化早期岭南传统建筑主要用纱、油纸或者明瓦等材料填充窗棂。随着对外贸易发展，西洋玻璃材料在岭南窗中得到长足发展[7]。窗棂镶嵌的玻璃表面加工工艺独特、变化丰富。玻璃的加工方法有蚀刻、车花、磨砂和吹砂等，而以蚀刻最为精美，见图8。蚀刻图案内容与中国园林装饰所用图案及寓意相同，如人物类、吉祥瑞兽类、植物类、吉祥文字类。

2.3色彩斑斓随着彩色玻璃在岭南窗户中的大量应用，窗棂装饰色彩从以原木色为主，发展到用色更加多彩斑斓，红、绿、蓝、橙、黑、白、金等各种颜色均有所用[8]，各种冷暖、浓淡的色彩相互对比协调，极其鲜明活泼，形成了浓郁的地域风格特色。其中以彩色玻璃闻名的广式满洲窗，其玻璃的缤纷炫丽亦为窗棂增添不少美感。在光的照射下，彩色窗棂所映射出斑斓的色彩亦十分迷人，见图9-10。

2.4文化兼容创新岭南在汉代开始深受中原影响，随着统治官员入粤及不断移民的影响，木格扇窗棂装饰构件与当地的自然环境兼收并蓄地相结合，形成了独特的岭南建筑形式[9]。与江南窗棂追求恬淡高雅的意境不同的是，岭南窗棂更喜欢文饰雕琢：色彩鲜艳多一些，世俗生活气氛浓一些，与自然山水结合更加紧密一些。这也是满洲窗这种色彩比较跳跃的装饰构件较多地应用在岭南建筑中的原因之一[10]。另外，当时的中国建筑装饰运用尚处在初期阶段，彩色玻璃要靠进口，其价格堪比黄金，只有富豪才用得起，因此彩色玻璃窗棂也反映了主人的经济实力和地位。

3结语

篇3

关键词：朝鲜族舞蹈；体现；重要性；形式

一、朝鲜族概况

（一）民族概况

中国少数民族之一，中华56个民族中的一部分。早在明末清初的时候，朝鲜族已经在中国定居并形成单独的族群。我国朝鲜族的人民是数百年间逐渐从朝鲜半岛迁到中国的朝鲜人。中国朝鲜族在我国境内的现有人口有192万人，他们主要居住在我国的黑龙江、吉林、辽宁三省。其中只有延边朝鲜自治州中本民族不仅保持了语言而且还留有文字，杂居地区的朝鲜族通常使用汉语。

（二）

朝鲜族信仰宗教的人相对来说比较少，他们受到了儒家文化的影响和熏陶。信教者有的信仰基督教或天主教，有的信仰佛教。近年来，因为受到韩国的影响，在朝鲜族中，基督教信徒逐渐上升。佛教文化在朝鲜族文化中历史久远，佛教中一部分的宗教文化与习俗都已经融入在朝鲜族人民的生活之中，成为民族性的风俗，总的来说朝鲜族并没有全民统一性的

（三）风俗习惯――服饰

服饰：朝鲜族对白色有着特殊的情感，白色是一个代表简单、洁净、天真的颜色，因此朝鲜族也被称为“白衣民族”的称号。朝鲜族民族传统服饰叫：“则高丽、契唛”。

二、朝鲜族的舞蹈风格

（一）朝鲜族舞蹈体态特点

朝鲜族舞蹈体态特点其主要特征是：松弛的身体感觉、上身要含胸、肩膀松弛的垂下、腰部注意控制收紧、有意识的收臀和气息的下沉。另外还追求了一种“外化圆”与“节制感”，这一切都是必须通过舞蹈运动中的肢体感觉来传达舞蹈表现信息的，展现出了一种内在的含蓄美。

在朝鲜族舞蹈体态中，头部的体态主要是以中立、略微向下和无棱角的综合状态来表现。胸背的状态是与呼吸的控制运用来配合的，在呼吸的带动下胸部的“内含”必然形成了背部“撑圆”的舞蹈体态，这种基本体态形成了朝鲜族舞蹈的基本体态特征，既胸与背的“外化圆。” 例如，我们在做斜上位和前后围手位等位置都要有一种“周圆”的运动轨迹，保持与上身整体舞蹈特征风格相切合，手臂的姿态总的来说以“周圆”来表现。朝鲜族人民比较重视礼仪在体态中没有对胯部的太多要求，而且，在舞蹈中还要有意识地形成我们生活当中的自然体态，胯部体态以不凸出来表现。在朝鲜族民间舞蹈的造型体态中，膝关节没有完全的直立而是保持了一定的屈膝和膝盖与身体的角度。舞蹈中以膝盖为中心的弯曲，能够使人的体态得到放松，舞蹈中也要追求身体的“外化圆”，膝盖部分的体态以弯曲向上来表现。两脚是朝鲜族舞蹈主要展现的地方，朝鲜族步法也是比较多的，脚部在做动作的时候，是不需要把脚勾绷到头的。因此，在舞蹈中，不论步法是动还是静，快还是慢，都非常强调平衡的美，脚部是以中和，平稳，来表现。朝鲜族民间舞蹈的体态特点形象的展现了人们温纯、内向但又柔中有刚，含蓄的民族性格。

（二）鹤元素在舞蹈中的呈现

朝鲜族舞蹈善于模仿仙鹤姿态纤柔，行动轻快的体态，因此民族对白色有着特殊的感情。认为仙鹤是健康安详和睦的象征。有研究证明对鹤的崇拜与图腾崇拜，宗教巫术，文化背景紧密联系在一起。这些成分交汇相融，使得在朝鲜族舞蹈中呈现出独特的审美观念。鹤的审美元素沉淀了民族文化意识，和民俗文化现象。

朝鲜族民间舞蹈的气息美与造型美的融合，是通过特有呼吸上做提与沉的协调，展示出他们倾心仙鹤的民族情怀。朝鲜族舞蹈中，最基本的是仙鹤式的步伐方法和杨柳式的身体姿态，模拟仙鹤自然形态的因素有：“鹤步”“鹤飞翔”等舞蹈形象。鹤在朝鲜民族观念中是最普遍的民族情怀，这一现象在舞蹈中会自然的流露出来。

（三）气息的重要性

气息的提沉是体现朝鲜族舞蹈各种韵味的主要动律。舞蹈中以“呼吸”作为动作的动律，“呼吸”的发力点在丹田。提气的时候从丹田发起吸气至后腰，气息由点到线沿着脊椎向上延伸，经由头顶气息与舞蹈意识继续弧线向上延伸。沉气从丹田发起呼气，气息由点到线沿着脊椎向下延伸。经过前胸收回下沉至膝盖，脚尖气息继续向下延伸。舞蹈的全过程中呼吸要把“顿、抻、伸”的韵律贯穿的自然与流畅。

（四）律动基本特征

朝鲜族民间舞蹈中，概括来说形成了“韧性动律”“顿、弹、含”的律动。

1.“韧性律动”表现在舞蹈中做松弛与收紧动作时与屈伸的配合。

2.“顿的律动”借助音乐的长短或强弱拍有意识的造成动作的顿。

3.“弹的律动”在舞者的肩膀、手腕、膝盖等动作中表现出轻快的感觉。

4.“含的律动”表现为一定动作中的晃动，舞蹈中内在和外在两种表现。

身心和谐是中国朝鲜族舞蹈的基本价值取向，了解相关朝鲜族历史、民族习俗等。充分掌握朝鲜族的民族文化并分析领悟这种民族文化在其舞蹈中的运用，使朝鲜民间舞蹈更富有独特的民族性格和民间舞蹈艺术的升华！

【参考文献】

[1]陈卫业，纪兰蔚，马薇.中国少数民族民间舞蹈选介[M].北京：北京人民音乐出版社，1987.

[2]罗雄岩.中国民间舞蹈文化教程[M].上海：上海音乐出版社，2005.

[3]池福子.朝鲜族音乐长短与舞蹈[M].北京：民族出版社，2001.

篇4

民族的即是世界的，我们的民族艺术怎样在传统的根基上发出新枝，是20世纪中国艺术家面临的一个时代问题。而吴冠中在中西融合方面是做的最好的一个代表性画家。“油画民族化”是吴冠中一生的追求，自从他决定回国的那时起，他就坚定自己的艺术感情“在祖国、在故乡、在家园、在自己心底”，几十年如一日地探索着自己的艺术道路。他力图把油画与民族文化精神相结合，适应民族和大众的审美需求。正如吴冠中在他的《心灵独白》中写道：“品尝了西方的禁果，又不愿被逐出自家的伊甸园……我苦恋家园，沁入画面的总是东方情思”。吴冠中早年在杭州艺专受教于林风眠、潘天寿等艺术大师，同时学习中西绘画艺术，在学习期间临摹过大量不同时代艺术大师的杰作，并且因为特别喜爱陈老莲、石涛、山人等大师的作品，曾一度转入国画系。由于对东方情思的眷念，吴冠中留学归国后在七九年代后期开始了水墨画的创作，当油画工具不能表达心中的所思时，就借用国画工具以畅胸中之怀。水墨和油彩是吴冠中艺术整体的正反方面，两个画种、两种材料彼此纠缠、相融，表达着作者的喜怒哀乐。吴冠中艺术的民族性体现如下：

（一）用线方面，拓展了传统绘画中的线条的运用，用线条尽情的表达对物象刚柔、虚实、曲直、疏密等的内心感受。画中的线条遒劲有力，显示出十足的书法功底，作品有着显著的民族特色。例如：在《点线迎春》、《万里长城》、《巫峡魂》等作品中线条都有相应地应用。

（二）用色方面，他选用秀雅的浅灰色调进入油彩，铅灰色调一方面适应了江南淡雅的环境特色，另一方面符合民族的审美习惯。同时，他在水墨画中增加了红绿黄灰等各种色点，在画面结构中充满了装饰性的审美趣味，点与线的穿插对比，块面的运用，增强了画面的视觉冲击力。那些斑斓的彩点提炼于农民的穿戴服饰及住所装饰，有着民间气息和中国日常的生活情调。在《草花》、《春凤桃柳》、《江南居》、《狮子林》、《乌江老街》、《老重庆》等作品中体现的十分明显。

（三）意境美方面，中国的传统绘画历来讲究意境之美，“意境”是中国传统绘画的重要境界，也是吴冠中先生绘画艺术追求的核心，吴冠中强调形式和意境相结合。

二、笔墨当随个人

吴冠中的水墨画融合了西方的绘画元素，呈现出新的艺术面貌，他的笔墨虽然不在传统笔墨的规范中，但是更加适合现代人的审美趣味。吴冠中坚持笔墨的创新，拓展了笔墨的表现性，反映了时代的艺术风貌。吴冠中在《笔墨等于零》的文章中，开篇就点出了“脱离了具体画面的孤立笔墨，其价值等于零”。在他看来，笔墨只是绘画中使用的手段、媒介而已，并非绘画的根本和生命，笔墨奴役于作者的情思，随情思的发展而不断变化；笔墨应该反映时代风貌，表情达意。笔墨反映在画面中只是点、线、面、块等造型手段，它们的价值要在整体中才能体现。作者应该寻找一切可以利用的手段去表达自己的情思，要把注意力放在作品的整体形态及其内涵上，看它们是否反映了新的时代风貌。吴冠中认为，如果用固定的笔墨程式去从事写生，强调了理性就会失去宝贵的直观感受，没有了感觉中的直觉与错觉，就会使艺术作品缺乏形象的生动性，就不能与大众产生感情的共鸣。吴冠中的笔墨用笔已经摆脱了传统程式的束缚，变得更加自由，点、线、面的纵横交织将水墨的现代形式表现的淋漓尽致。例如，在《春风拂面》、《墙上秋色》、《武夷山村》、《紫藤》等作品中，线条遒劲有力，并有轻重缓急的变化，从线条的运用中可以清晰的看到其传统的书画功力。吴冠中的笔墨立足传统却又开拓创新，在形式面貌上的千变万化中，仍然与传统有一线相连，使观众在其绘画中还可以感受到水墨本身的魅力。

三、风筝不断线的文化维系

吴冠中“风筝不断线”的思想观点，鲜明地指出了艺术作品与接受者之间的关系，体现了他对祖国，对人民，对家园的深厚感情。念念不忘祖国的传统文化，誓在传统的根基上发出树枝。无论“风筝”飞得多高，仍然有一线牵着，民族文化这条线是沟通现代艺术与人们大众的文脉。与人民大众之间的感情传递才是艺术的本质。吴冠中对“风筝不断线”的含义有详细的解释：“风筝，指作品，作品无灵气，像扎了只放不上天空的废物。风筝放得愈高愈有意思，但不能断线，这线，指‘千里姻缘一线牵’之线，线的一端联系的是启发作品灵感的母体，亦即人民大众之情意”。“风筝不断线”的思想来源于吴冠中在下放劳动期间，对自己的艺术要求——“群众鼓掌，专家点头”。在下放劳动期间，农村里的大婶、大伯是他最早的观众，他们看到吴冠中自己不满意的作品时会说“像”与“美”的评价，体现了对作品两个层面的审美评价，吴冠中受此启发，领悟到群众中的文盲并一定是美盲，他们对美有着共同的感受，美的作品会引起他们的共鸣。吴冠中此后确立了自己的艺术要求——“群众鼓掌，专家点头”，既创作群众喜闻乐见的艺术，又要追求艺术的高品位。正如吴冠中在《这情，万万断不得》一文中说到：“白居易是通俗的，接受者众；李商隐的艺术境界更迷人，但曲高和寡。能吸取两者之优吗？我都想要，走着瞧。”吴冠中的作品始终保持着与人民之间的情感传递，即使是后来的抽象作品，虽然形象抽象，但是仍然是来自生活中的具体形象，仍然与人民之间有一线连着。虽然吴冠中在中西融合的艺术探索道路上常踩在断线与不断线的边缘，但是他仍然喜欢倾向于在不断线的范畴里。作品的艺术面貌可以千变万化，但是联系人民情感的线是永远不会变的，正如吴冠中所说：“如断了线，便断了与江东父老的交流，但线应改细，更隐。今天可用遥控了，但这情，是万万断不得的。”在作品《狮子林》，整幅画面都着眼于点线面的抽象构成，山石占了大部分面积，且均以线条来勾画，形状各异，变幻莫测，各种色点点缀其间，近乎抽象画。观众进入这样的抽象画面中，亦可以欣赏到园林的美。与此相类似的还有《碧玉不雕》、《都市之夜》、《书画缘》、《围城》等作品，虽然这些作品已经接近抽象或者进入了抽象，但是观众仍然可以在这些作品中感受到作者的感情，感受到画面中所传达的审美意象。

篇5

(一)老杨公

“老杨公”能历时几百年而流传至今，是跟它的地域性特色和原生态特色分不开的。早在2008年，老杨公就被评为北海市第一批市级非物质文化遗产，这不仅仅是因为了老杨公的故事反映了人们互敬互爱，教育婆媳和睦相处、夫妻合好，赞颂勤劳勇敢、驱恶行善的中华民族传统美德的内容。更重要的是它既了保留浓郁的民俗文化色彩和乡土文化意识又具有独特的艺术风格。“老杨公”采用广西合浦地方方言演唱，主要由民族乐器+打击乐锣鼓+独唱、对唱、三人联唱+舞蹈+顺口溜+讲故事等多种艺术形式构成，表演形态富有原生性，有着浓郁的地方色彩和鲜明独特的艺术风格。《老杨公》的音乐是以廉州方言发音音调为基础的，富于原生性的民间音乐结构。它的歌曲种类是山歌类歌种。音乐曲调是民族调性sol1adoremi的微调式。从音乐结构来看，“老杨公”以“西海歌”的音乐旋律为核心，配以其它音乐曲牌如“东海歌”“西海歌”、“撑船调”、“棹船调”、“西江月”、“犯仙调”等，通过重复、变化、交替发展等方法，构成具有浓郁而鲜明的沿海地方特色、曲牌丰富多彩、风格统一的联曲，“老杨公”的音乐虽然曲牌种类繁多，但一般都是二乐句和四乐句的乐段结构;在四乐句的乐段结构中，第三句往往是第一句的变化扩展，第四句往往是第二句的变化重复。第一句一般结束在调式音阶的第三级或第四级上，形成半终止，两句乐句一起一伏，相互呼应，形成一个有机的统一整体，其曲调优美，亲切流畅。“老杨公”的表演有别于北部湾地区其它民歌的艺术表演，它是一种典型的民间歌舞表演形式，是该地区为数不多的边唱边跳的民间歌舞艺术。它能深深扎根在民众之中，代代相传，深受广大群众喜欢，是与其丰富多彩的表演形式，反映的是现实生活中的一事一物，并具有较大的包容性、较高的艺术性和广泛的影响力分不开的。《老杨公》全场表演只需两个演员，分别表演“老杨公”和“仙姑”，台下锣鼓手4～5人以及一名掌板者(兼送白、送歌)来配合台上的表演。“老杨公”和“仙姑”要唱、跳、演样样具备，因此舞蹈动作编配不能太复杂，但是，人物扮相和表演特征却十分重要。换句话说，老杨公和仙姑的形象能否独具一格，从人物扮相和表演特征来看，它必须更加具有典型性和象征性。“老杨公”的歌词采用廉州地方方言来演唱，有着非常浓郁的地方特色。不仅具有原生性发音特点，而且思想内涵丰富。它的歌词词牌如同它的曲牌一样，种类繁多，有“大唐歌”、“东海歌”、“西海歌”、“西江月”、“犯仙调”等。这些词牌往往运用“比兴”、“双关”、“歇后语”、“谐音”、“比拟”、“析字”、“叠字”等不同的修辞手法，特点鲜明涵丰富，富于哲理，艺术性高，富有魅力。其中的“大唐歌”是北海民歌当中流传最早的一种词牌，它强调双关，重在抒情，意义深远，属于赋体歌讲究第二第四句压脚韵。

(二)耍花楼

“耍花楼”也是北海市第一批市级非物质文化遗产中的一大类，是合浦县有名的民间歌舞之一，用合浦本地话廉州方言演唱，主要流传于廉州、党江、西场、沙岗、石湾、写家等讲廉州话的乡镇，具有浓郁的地方风情，不但舞蹈动作多彩，歌调也较多且感人。“耍花楼”主要是一男一女两人身穿传统服装，在舞台上交叉穿插表演，对歌对舞，动作潇洒大方而又优美热烈，舞步多姿多彩。歌舞时男持一把花伞和一把纸折扇，女持一方绢帕和一把纸折扇，边唱边舞，常用的曲牌有:“花楼调”、“游山打猎”、“开经调”、“叹世调”、“插花调”、“采茶调”、“挂金索”、“二环调”等等，其中最主要的是“花楼调”和“游山打猎”。这种曲调唱词情调优美，富有浪漫想象的神话色彩。由于这种歌舞极其引人入胜，又被人民群众喜闻乐见，解放后，合浦人民对“耍花楼”进行了革命性的变革，改革后的“耍花楼”它已去除了那些迷信成分，多是表现劳动生活的谐趣性，也逐渐成为庆丰收、迎新春的喜庆歌舞。广西北海的“耍花楼”很像东北的二人转，其舞步轻捷、活泼、轻松、幽默，如“跑马步”、“捣碓脚”、“走车盘”、“耍伞花”、“耍巾花”等，音乐节奏明快，动作舞蹈性强，旋律高亢热烈、语言亦庄亦谐，深受老百姓喜爱，也是当地群众喜闻乐见的民间艺术形式之一。

(三)咸水歌

北海“咸水歌”几百年来都是靠口口相传的方式传承至今的，它精简短小，但又富有内涵，以极具地方特色的音乐风格被疍民所喜爱。作为一种民间歌曲，它不仅体现了该群体的生活环境和文化风俗的特殊性，还在本质上反映出疍民独特的水乡情怀。其演唱形式与我国其他民族民间歌曲有着相同之处，但又因风俗、语言、生活环境等因素的不同而形成疍家独特的演唱特点。咸水歌是疍家人广为传唱的口头文化，在日常生活劳作，特别是在谈婚论嫁、丧葬等过程中，触景生情，随编随唱，以歌谣形式描绘不同的情感，所以说咸水歌的歌唱内容十分丰富。北海“咸水歌”曲调繁多，歌词内容涵盖疍家人日常生活的各个层面。如《叹家姐》、《咸水歌调》、《姑里妹》、《十二月送人歌》、《伴郎》、《伴嫁》、《叹古人》、《叹字眼》等。而《叹家姐》、《咸水歌调》是最具典型性的传统的北海外沙“咸水歌”，它们的曲调亲切自然，热情悠扬，委婉感人，甜美流畅。歌曲常常都是上下两句的一段体，每句字数不尽相同，句末一般要求押韵，但也有少数不押韵的，每句曲调多是因字取腔，但衬字的音调及句末收音都必须是相同的，并且不管唱多少段，其反反复复的基本结构是不变的。“咸水歌”有独唱、男女对唱、三人联唱、小组唱等演唱形式，格调清新，韵律天然，唱、叹流畅，感情浓郁、亲切。工作和休闲时叹唱儿句，焕发精神。北海“咸水歌”，因传唱地域而得名。这种富含海之韵味的歌谣，随着疍民迁徙漂移，在北海的文化土壤落地生根，既保持原生地同名歌种的血缘关系，又吸收了迁入地土著渔民歌种的养分而不断发展成熟，至今已形成了自己的风格特色，是北部湾沿海一带以船为家的疍民世代传承的一个歌种。

二、传承思考

由于人们的物质生活日益丰厚，文化生活日加丰富多彩，加上疍民的上岸、时代的发展、外来文化的冲击，会唱、会演、喜欢听、听得懂的人越来越少，使得这些传统民间艺术面临传人和听众双双流失的危险，甚至面临失传。因此，我们探讨这些民族民间艺术的审美属性，不能仅仅停留在学术研究的层面上，最终还是要让研究成果发挥作用而获取更大的社会效益，此外就是试图籍此引起人们对它的密切关注以及相关部门的高度重视。目前，当务之急的就是要采取有效措施，把保护传承落到实处:一是要全面发掘、搜集、整理相关的文献资料，包括文字、影像等资料。二是要积极改革、创新，创造一个全新生存环境，赋予它在信息时代新的意义。三是要大力普及、提高，努力提升知名度，扩大影响力，实现经常性，稳定性，持久性。四是要加大教育力度，努力把这些传统民间艺术引进校园，开展传承教育。

三、结语

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（一）外在环境规划

皖南民居依山傍水，巧妙利用大自然环境特点，因地制宜，运用大自然的不同地形，造成高低错落、空灵通透的特色建筑群。建造设计师们对整个村落进行了整体规划，利用地形制造水系，让地形上的落差形成水的流动性，村落中的每个用户都方便地享受到了水系带来的便利。这种水系的利用完全解决了居民生活和生产用水，同时接近水源还可防止火灾。这种水系设计给人一种和谐之感，水系的设置利于生活、生产，利于防火、调节水位、美化环境。这种规划，因地制宜地利用和改造自然地势、地形，减少了土、石移动工程，节省了人力、物力。

（二）本体空间结构

皖南的古民居建筑多以砖木为主，简单大方、端庄典雅，每个院落都有着高墙，高墙里面是另一片天地，无论是在建筑上还是在室内装饰上，都透露着精心设计的细节，显示了主人不俗的品位。皖南最重要的建筑特色就是黑瓦白墙以及马头墙，黑瓦白墙色彩分明，在蓝天的衬托下，增加了空间的层次感和韵律美，使传统色调充满了生活的气息。除了马头墙之外，皖南建筑的另一个重要特征就是天井。因为皖南民居没有对外开窗的习惯，即便是开了窗也是有较高的高度，多是一尺大小的小窗，这就造成了住宅采光、通气、换气、排水问题，这时候天井的使用就弥补了光线昏暗的不足，也使室内的通气、换气、排水得到了很好的解决。另外中国有“四水归堂”的说法，也就是天上的水犹如四方之财，伴随着降雨不断地通过天井聚集到家中来。封闭的古居民内，天井上晴雨变化，阳光与细雨让厅堂里的人感触大自然的魅力，使人与自然融为一体。街道是皖南民居中又一道风景线，街道体系构成了皖南有序的空间结构，街贯巷连也成为环境中的主要景观。街道的形成是由于早期的商业和手工业经营方式决定的，当时的街道多为“前店后宅”“下店上宅”，这样的街道既可经商，也可以展示当地的风土人情及各式景观，是人们日常交流和商业流通的重要场所。街道又连接每个院落，公共的环境与隐私的空间相串联，构成了我们现在看到的动态与静态结合的街道。这样富有变化的街道充满了生活的趣味，是生活的体现，也是空间的延续。

二、传统装饰风格

皖南民居除了建筑艺术还有装饰艺术，这主要表现在砖雕、木雕、石雕，甚至把三者融为一体与木柱、梁结构巧妙的综合运用，形成一种技艺独特、气韵生动、自成一体的建筑装饰艺术风格。雕刻的内容也比较广泛，受到当时的经济、政治、文化的影响，表现内容有孔孟之道的伦理教化、有吉祥图案、有各种市井生活等。这种砖雕、木雕、石雕形式使皖南古建筑群发出璀璨的光芒，深深吸引着现代人不断地思考。在皖南，木雕装饰极为普遍。木雕质地大多纹理清楚、质地优美、材质柔软、易于雕刻。制作过程首先根据安置的部位进行构思，然后完成取材、出胚、描图、粗雕、出细、整修等工序。木雕主要表现在内部建筑的重要部位上，明代的木雕简单明快、线条粗拙奔放、图案简单，菱形、回纹和方格型较多，清代的木雕较为精细。石雕的制作技艺大体与木雕雷同，但是石雕必须在图纸上描绘，在石材上凿出初胚，然而木雕细琢精雕主要用在梁枋、梁架、斗拱、扇窗、扇门、栏板、栏杆等部位，以及桌椅、凳、案、几等家具装饰上，而石雕主要体现在外部门罩，白墙上的漏窗、天井，庭院的石桌、石凳、梁柱等。石雕的纹样主要用几何纹样，自然纹样，动物纹样。石雕的出现突破了单调的色彩，为民居外观增添了不少风采。砖雕的用料、制作过程非常讲究，技艺上有平雕也有立体雕、透雕、浮雕等手法，砖雕装饰多用于门罩、墙面、牌坊、屋脊上人字顶、庭院的透明窗等。

三、结语

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关键词：新媒体艺术；传统艺术；艺术价值观

中图分类号：J05 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2012）30-0044-01

新媒体艺术不同于现成品艺术、装置艺术、身体艺术、大地艺术，新媒体艺术是综合了多种学科的合成艺术，艺术与当代最前沿的科学相结合，数字技术、生物科技、量子理论、经济学、语言学都可以成为艺术实现的媒介。同时，新媒体艺术对传统艺术造成了一定的影响。

新的传播形式和传播媒介的出现，使得视觉传达艺术设计所涉及的内容得到极大的丰富和拓展。网络、数字电视、互动媒体、交互游戏、虚拟空间等都成为信息传播的形式和主要介质，传统的视觉传达设计范畴受到突破性的冲击，数字载体的发展极大地延伸了视觉传达的设计形式和内容，在当代数字艺术设计的快速发展情况下，数字媒体艺术的设计理论和美学理论就显得非常薄弱。

新媒体艺术设计理论和美学范畴继承了部分传统的视觉传达设计的理论体系。传统的视觉传达设计的理论体系依然可以作为数字媒体艺术设计的理论基础，在艺术理论基础上有几个方面是共同的：

1.首先都要满足功能性的最基本的要求。

2.美学的审美理论基础是相同的。

3.设计的理论法则、平面视觉创意法则等是近似的。

4.设计和表现的内容是基本共通的。

在数字媒体设计过程中满足功能、审美需求，符合美学、设计法则，运用数字媒介所特有的声、光、电以及人机互动的特点来更有效地达到传播信息的目的，可以认为新媒体艺术设计的内涵和特征是视觉传达艺术设计的进一步丰富。

当然新媒体艺术设计是时代的产物，它具有时代的先进性，它的表现形式更丰富，信息量更大，更具备科学性、时代性，因此在新媒体设计中还需要创新的传统设计理论体系，必须根据其信息传播的形式、媒介以及传播的复合性、学科的综合性、技术的数字化等特征来完善提高这一新兴学科。

年前在台湾举行的第一届“未来媒体艺术节”当中，艺术家们就用多媒体像公众展示了精妙的绝技：用3D动画模拟山水画、用高分子建筑材料塑造装置艺术、用数码技术勾勒写意线条……在公众看来，艺术无非是绘画、摄影、展览等，以纸张等印刷品为媒介的艺术形式，但这一活动彻底颠覆了我们对艺术的认知，以多媒体技术将“艺术”的概念推向新的境界。

其实在过去，艺术创作虽被视作一种高度个人化的活动，但依然有规律和原则可循。比如，以中国古典艺术为例，“求神”、“求韵”曾被视作一种约定俗成的铁律，而西方现代艺术也十分讲究与时事、热点、社会的结合———但这些创作大多是以纸质媒介为基础的，未来，当多媒体成为艺术创作的主要载体时，这类规律是否仍然适用？与多媒体艺术时代相适应的艺术价值观、创作观会呈现哪些面貌？新媒体艺术的出现，是否意味着传统艺术元素将彻底退出，抑或二者并存，有机互补？

在许多资深艺术从业者看来，新媒体艺术与传统艺术的P K，关键词不在于“替代”，而是“融合”。业内人士曾说过：“新媒体艺术如何避免短期的急功近利，如何避免沦为一种肤浅的时尚？恐怕要从传统艺术中吸取‘慢’的精韵，比如，一个优质中国画画家，至少要花20年的时间来锻炼笔墨的功力，然而，讲求新观念的多媒体艺术，若领悟不到‘神韵’的寓意，无法吸收‘慢工出细活’的内涵，终究也只是快餐艺术。”江福全建议，除了“慢”元素的吸收之外，如何适应新的艺术介质，传统画作如何利用新媒体进行推广、如何把传统笔墨转录为数码符号，已不仅仅是单纯的技术问题，更是新生代艺术从业者面前的崭新难题。

“传统”与“多媒体艺术”的结合，还存在一定的地域性特征：“在中国，有个受众接受性的问题，很少观众会耐心地看一两个小时的展览，而不少多媒体艺术呈上的都是支离破碎的、抽象的，没有具体故事情节的视觉影像，它和公众的隔离程度太高，有些过于‘曲高和寡’。因此，如何把多媒体艺术化为公众能够接受的符号，如何用一定的‘地域性’吸引观众，恐怕是传统艺术和多媒体艺术结合的议题中，重要的环节。”

一些多媒体艺术家尝试与“传统”的结合，已收到部分成效：“比如，年轻艺术家邱黯雄的‘山海经’系列展览，就是中国元素与现代高科技相结合的优质产物。展览中有中国观众所熟知的神话元素、传奇元素、中国山水画元素等等，数码高科技仅仅起到介质和传播的作用。”

而且，艺术媒介的更新势必带来创作观的更新：“传统艺术有很多趋同、约定俗成的东西，每一个艺术时代，你都能感受到有一种鲜明的风格在里面。当多媒体制作流行后，或许我们将迎来了一个高度个性化的创作时代，每个艺术家、创作者之间的差异将被放大到极致，这种多样化、差异化或将成为未来艺术的关键词。”

一些业内人士还认为，新媒体艺术会对中国的艺术教育构成巨大的影响：“中国传统的艺术教材和授课套路，都是以一些既成的艺术教学理论为原型的，新媒体艺术方面几乎没能形成一个十分完整、系统的理论，因此，一套能够匹配新媒体艺术时代的教案、理论和教学模式应当被建立起来，而这个教育模式肯定也不是照本宣科的，而是带有多样化和个性化的特征。”

尽管从形式上看，新媒体艺术作为一种新的艺术形式有其实验性和先锋性等特征，呈现了一种不同于传统艺术形式的全新概念，但是从艺术的本质来看，新媒体艺术仍然是对传统艺术形式的延续而不是颠覆。因为其创作的核心理念仍然是艺术家借助某种媒介语言生成意义，表达思考和感受，引人共鸣。最为人们所接受的新媒体艺术作品，它们往往是以艺术的观念提出问题、生产意义以及建构想象，满足人们对于精神世界以及感知体验的探索。

参考文献：

[1]拉兹罗·鲁斯，乔治·L·威本佳；赵黎明译.包装设计图形手册[M].沈阳：辽宁科学技术出版社，2002，154.

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如何坚持继承传统和更新创造的统一，理论上似乎比较清楚了，但在实践操作上，还显得相当复杂和艰难。如何认识传统，如何对待传统，是一件相当复杂的事。传统的艺术已历时数百年数千年数万年，甚至数十万年数白万午，其原始背员与面貌，历经的演变和评价，往往抹抹糊糊，很难真切．因此，科学的态度是，应首先弄清什么是传统，什么是传统的主流，什么事传统的特色，这才有了研究问题的基点。近10年来，我国文化理论界从建设有中国特色的社会主义新文化的目标出发，就中国传统文化的现代化问题展开了广泛讨论，创办了几份专题性的刊物，出版了大批这方面的著述，成果是多方面的。

总的看，以儒学为代表的中国传统文化是十分丰富和有价值的。它的丰富性表现在其内容体系的庞大和形式的多样化，它的价值性则主要表规在同现代化建设相一致、相结合的思想、伦理、精神和民族化品格。这种价值是经过历史抽象和选择的，甚至可以不受社会体制和历史风云的影响，完全可以古为今用，包括哲学的、伦理的、道德的、精神的、文化的、艺术的、宗教的、思维的、品格的、语言的。当然还有另一方面，儒家学说是在以血缘关系为纽带、以宗法家族制度为基础的传统中国社会形成的，用20世纪90年代的观念和价值来衡量，必定有许多陈旧和糟粕的东西，应当勇敢地加以剔除。

比较而言，当前更重要更迫切的，还是继承传统文化的精华为现代化事业提供思想道德营养和民族凝聚力童量，传统文化中包含着诸多客观真理因素，这就可以与现代相沟通；传统文化中渗透了中华民族的优秀道德和行为准则，这同今天的民族心理相沟通，传统文化中包含了大量令人刻骨铭心的格言哲理和诗文佳句，为当代的中中人所深深喜爱；传统文化有的语言形式和色彩，仍是当今文化中富有表现力的组成部分。可见，优秀传统文化对今天着巨大的渗透力和营养性。由此看来，继承优秀文化艺术传统，是建立现代新文化新艺术不可缺少的前提。

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重现在与日常生活息息相关的物品中，达到审美和实用功能完美结合，所以艺术反过来又作用于文化。此外，艺术设计很大程度上受民族、宗教、文化等不可量化因素的影响，其是艺术与科学的结合体，体现的是一种文化。所以，一件设计作品的好坏要看其是否体现出设计者独特的设计理念和文化内涵。其中，文化内涵是检验设计作品是否具有恒久生命力的根本，传统文化是艺术设计的保障。

二、传统文化在艺术教育中的传承与更新

继承优秀的民族文化传统并不是守旧复古，而是站在历史的巨人肩膀上创造出符合当今时代精神的新文化，要吸收优秀的文化内涵，强调传统与现代的整合，指导现代设计。当今，在大部分高校艺术设计教学中，无论是本科还是研究生教育，我国传统文化的传承大多都被忽略了，普遍引用来自德国包豪斯设计学院的“三大构成”教学体系，过于强调理性、规则、程式等因素，而忽略中国传统美学和文化内涵，导致学生作品呆板、僵硬，没有生命力，抑制了学生个性的表现和发展。因此，在课程安排里，要合理、适当地加入能体现和传承中国传统文化的课程，要使学生体会到中西文化的区别，把理解、吸收、融合后的文化应用到艺术设计中。

在课程设计中加入传统文化的教育。首先结合各个设计专业的特点设置一些传统文化美学的课程，为了避免内容枯燥、乏味，应该结合实例来进行，多举办相关的讲座、论坛来丰富学习方式，鼓励学生互动，促进其学习的积极性。力求使学生能透过现象看本质，领悟且掌握传统文化的精髓。此外，还有很多其他方法适合现代艺术设计教育对传统文化的传承。总之，我们的最终目的就是通过更新教育模式，使“传统文化”这个民族之根深深扎入现代艺术设计教育当中，尽快完善教育体系，明确设计师的民族观和地域意识，在竞争日益激烈的全球化设计领域中留下自己的脚印并产生深远影响，这是传统文化对艺术教育的最大意义。

创新是一种能力，现代艺术教育要在外来文化和本土文化两种文化相互融合的过程中有所取舍，探索出符合当代社会科技高速发展的新的文化价值体系。这种以本民族文化为根基谋求发展的更新正是我们所需要的教育。我国一些著名设计师的作品就体现了这种“根与更”的继承与创新。世界建筑大师贝聿铭设计的苏州博物馆，让苏州的传统建筑风格结合现代设计理念，摆脱了中国传统风景园林设计的思路，传承和体现了中国传统文化的精髓。这种对传统园林风景设计精髓的不断挖掘和提炼，给中国园林建筑的发展指出了明确方向。

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关键词 儒家 道家 佛教 中国传统艺术 影响

中图分类号：J0 文献标识码：A

春秋之后的两千五百多年中，对中国传统文化影响最深的是儒家、释家和道家。然而中国文化形成的儒释道三位一体的精神结构最大特点就是自给自足。它和中国传统社会的自给自足的经济结构是相适应的。所以，中国人往往得意的时候是个儒家，失意的时候是个道家，到了绝望的时候就是个佛家。但是中国人无论如何都能找到一个自己安身立命的基础，这正是中国文化的特点所在。

1儒释道的发展历史

中国文化源远流长，博大精深。在其长期历史的发展过程中，不仅产生了众多的本土学派，也不断有外来文化的传入，这些不同的学派和文化，在矛盾冲突中相互吸收和融合，其中有的丰富了、发展了、壮大了，有的则被吸收了、改造了、消失了。

在中国历史上，西周以前学在官府，东周以后，学术逐步走向民间，春秋后期已出现颇有社会影响的儒家、墨家等不同学派，而至战国中期，则出现了诸子百家争鸣的局面，学派纷呈，学说丰富多彩，为中国文化的发展奠定了宽广的基础。自战国中期以后，学术界就呈现一种纷纭复杂的情况。一方面是各学派内部的大分化，另一方面，与此同时也出现了一股各学派之间相互渗透、彼此融合的发展趋势。中国文化就是在这诸子百家的学派分合之中不断地发展和丰富起来的。两汉是儒、道二家广泛吸收诸子百家，充分发展自己、丰富自己，并确立自己作为中国文化代表学派地位的时期。汉初统治者为医治秦末苛政和战乱造成的社会民生极度凋敝的状况，采用了简政约法、无为而治、与民休养的政策以恢复社会的生机。与此相应，在文化思想上则大力提倡道家黄老之学。至宋，革新儒学，形成理学。及明，尤其是晚明，三教合一的思想更成一代思潮蔚为风气。经过长期的演变之后，儒、释、道三家已经互相渗透、互相同化，某种程度上已经“三教一体”了。

2对中国传统艺术的影响

中国传统艺术深深根植于民族传统文化的丰富土壤之中，体现出中华民族的文化心理和审美意识。正是儒释道这三种文化的不断冲撞和融汇，影响和决定着中国传统艺术思想、审美趣味的不断变化、发展，形成了中国传统的艺术精神，具体说来包括以下几个方面的内容。道，中国传统艺术的精神性。道，为中国古代哲学最高范畴。天、人统一于“道”，也就是“天人合一”之道。“天人合一”决定了中国古代哲学的基本精神是追求人与人、人与自然的和谐统一。而“天人合一”的思想对中国传统艺术产生的巨大的影响则体现在中国古典建筑、园林设计所体现出来的美学思想，如天坛、故宫、江南典型民居、园林等，就充分展示了中国古建筑、园林设计的群体美、环境美、亲和自然之美，创造出一种天人合一的理想境界之美，体现了中国古典建筑、园林设计之美学思想的深厚文化底蕴。

气，中国传统艺术的生命性。物质的气被精神化、生命化。中国传统美学用“气”来说明美的本原，提倡艺术描写和表现宇宙天地万事万物生生不息、元气流动的韵律与和谐。一方面，中国美学十分重视养气，主张艺术家要断提高自己的道德修养与学识水平。另一方面，又要求将艺术家主观之“气”与客观宇宙之“气”结合起来，使得“气”成为艺术作品内在精神与艺术生命的标志。尤其是中国传统美学中的“气韵”，极富民族特色，指的是审美对象的内在生命力显现出来的具有韵律美的形态。“气韵生动”已经成为中国画创作的总原则，相当深刻地反映了中国古典美学的基本特色。

和，中国传统艺术的辩证思维。中国传统美学与传统艺术主张“中和为美”。“和”与“中”这两个概念，既紧密联系，又互相区别。而对立统一思想成为中国古代哲学具有特色的朴素辩证思维观，并对中国传统美学和艺术学产生了极大的影响。正因为如此，中国传统美学与艺术学的许多范畴都是以对立统一的形式出现，如“刚柔”、“虚实”、“动静”、“形神”、“文质”、“情理”、“情景”、“意象”、“意境”等等。这种“和”的境界，在儒家来说更多地强调人与社会的和谐，主张情与理的统一；在道家来说更多地强调人与自然的和谐，主张心与物的统一；在禅宗来说更多地强调人与人心的和谐，追求心灵的澄净，“即心即佛”。这样的“和”，从个人到社会，从人文到艺术，从天地万物到整个宇宙，无不贯通。