吉他调音范文

导语：如何才能写好一篇吉他调音，这就需要搜集整理更多的资料和文献，欢迎阅读由公务员之家整理的十篇范文，供你借鉴。

篇1

初学者用简单的六音笛法调音，其六个音与吉他的六根弦在音高和排列上都是一一对应的，所以使得调音十分简单，只要吹响一个笛音，记住其音高，调整相应弦的音高与其相同即可。据此调完六根弦。

吉他的祖先，可以追溯到公元前两三千年前古埃及的耐法尔，古巴比伦和古波斯的各种古弹拨乐器。考古学家找到的最古老的类似现代吉他的乐器，是公元前1400年前生活在小亚细亚和叙利亚北部的古赫梯人城门遗址上的“赫梯吉他”。8字型内弯的琴体决定了吉他属乐器特有的声音共鸣和乐器特点，这也成为吉他与其它弹拨乐器的最显著特点。

（来源：文章屋网 ）

篇2

小虎子就应了这句话。平时活蹦乱跳，可今天上午“文静”了，面红、流涕、咳嗽，奶奶一看就知道孩子病了，忙带到卫生所去量体温――38度，医生说是“上呼吸道感染”。给他打了一针退烧针，拿了几片感冒通就回来了。

第二天，虎子仍高热、呼吸急促，妈妈带他去儿童医院，医生听诊发现肺内有“罗音”，便以“小儿肺炎”留院观察治疗。当天晚上高热40度。皮肤上出现了斑斑点点的出血斑，夜班医生怀疑肺炎并发了败血症，用上了广谱抗菌素。

天还没亮，虎子抽搐了一次，神志不清了。主任查房时，发现孩子颈项强硬。立即做了腰穿，抽出乳白色脑脊液，镜检查到了脑膜炎双球菌，达才做出最后诊断：“流行性脑脊髓膜炎”。遂转传染病房治疗。经过医护人员的积极抢救，总算挽救了生命。可机灵乖巧的小虎子变得有些呆傻了，实在令人遗憾!

这可恨的流行性脑脊髓膜炎(下简称流脑)为什么容易误诊呢?

主要的原因是“流脑”有一套骗人的“三级跳”把戏，容易把人引入迷途。也就是说，脑膜炎双球菌侵入人体引起“脑脊髓膜炎”并不是一步到位的。它要分三步走，每一步都会引起不同的症状，以致造成人们的错误判断，而它就在人们的疑惑中，节节升级，直逼病人的中枢脑髓。当你恍然大悟时，病情已难以处理，还会留下后遗症。因此，对其“三级跳”的鬼把戏，人人都应熟知。

第一级，细菌侵犯上呼吸道：脑膜炎双球菌主要通过呼吸道传染，早期侵入咽、喉、气管的粘膜组织，引起这些部位的急性炎症，表现出来的症状是咽痒、喉痛、发热、流涕、咳嗽，这时最易被误诊为伤风、感冒、上呼吸道感染，而不为人们所重视，错过了早治的时机。

第二级，败血症期：细菌经呼吸道入血，并在血循环中大量繁殖，引起全身症状：高热、头痛、全身不适、皮肤出血，最、瘀斑，甚至虚脱、休克、播散性血管内凝血(DIC)、肾上腺皮质功能衰竭(华菲氏征)等。这时最易误诊为全身感染、败血症。

第三级，侵犯脑髓：细菌进入颅脑和脊髓，在脑脊液中生长繁殖，引起化脓性脑脊髓膜炎，此时才表现出头痛、呕吐、颈项强直、囟门膨出、视水肿、抽搐、惊厥、昏迷等一系列神经系统的特殊症状，多数人这时才考虑诊断流脑，但为时已晚。

那么，如何早期诊断流脑呢?应掌握以下几个要领：

1了流行季节：1～5月份，3月为高峰，

2了易感人群：6个月至2岁者发病最多，但偏僻地区，发病年龄后移，可至4～5岁；

3了核心症状是高热，自始至终不易退烧；

4了注意观察皮肤出血点及瘀斑；

篇3

一、我国音乐素质教育中存在的问题    

由于我国的教育体制是应试教育，所以在中小学时对学生的考核卞要是以考试为卞，学生偏科现象比较严重，音乐素质教育地位低下。很多学校为了提高升学率，基本取消了音乐相关课程，即使留有音乐课程，也因学校领导、教师和学生的应试思想效果不好。我国日前的情况是很多小学初中学生在学习阶段没有接受过完整的音乐素质教育，不识乐谱、rr-}J奏感不强、音准不佳等现象非常普遍。如何解决这一问题昵?如何提高学生的音乐素养昵?经过音乐研究人的多年研究得出的结论是，吉他教学可以提前学生的音乐素养。因为吉他是乐中之王，音律节奏感强，可以充分表现出表演者的情感，另外吉他比较轻便，方便携带，又可以独奏、伴奏、合奏，可以提高学生音乐素质。    

二、吉他教学在音乐素质教育中的作用    

1吉他教学可以使学生更准确地了解音准知识    

每一种乐器在使用前都要进行调音试用，吉他是六弦乐器，如果只是使用定音器对其调音是不够的，调音的过程卞要是靠调音者的灵敏听力。吉他教学的第一步是先让学习者了解调音的程序，让学习者认识每一根弦的音名和唱名。音调定音器一定要确定为第一根弦，这样才能保证之后的调音正确，第一根弦是调音的重点。调音进行时，需要学习者反复进行念唱，当其有了充分的精准音高后，再让学习者进行变念唱，直到音准为上。第一步是教会学生用t1调唱出B音，也是反复念唱，直到调整好第_根弦为l。对于已经掌握调音要领的学习者，可以让其自行弹奏以温习知识，讲授者可以在旁边看和听，通过判断学习者的掌握程度来对其进行指导。正常情况是2个月左右学习者自己都可以准确调音，进而提高音准，加强音乐辨别能力。    

2吉他教学可以使学生领悟音乐的魅力    

现代社会有很多优秀的人在吉他弹奏方而有先天的优势，而且可以完关地弹奏和表演，但是在实际教学中，有些完关的表演是无法用理论知识和专业语言进行传达的。换言之，一些吉他优秀表演者未必真正掌握吉他演奏要领。所以在吉他学者中要想提高学生的音乐素养，就需要先让学生掌握基础的乐理知识。第一步，可以通过眼睛的体验来传达，因为吉他指板上的琴格可以让学习者实际体验到音程，相差一个琴格为半音，相关两个琴格为全音等。第_步，学习者在掌握音程后自己去体会吉他的内在本质，并去观察和计算，有大概了解后开始弹奏。在学和练的基础上，学习者可以快速掌握乐理知识要领。    

3吉他教学可以提高学生的节奏感      

节奏感是音乐表演的支柱，练习节奏感时是要保证摆的稳定和均匀，如果在音乐表演中竹奏感不好，那么演奏就像要散架的建筑物一样没有任何意义可言。吉他教学中可以让学习者认识日常和常用的拍子的竹奏，如3 /4拍竹奏，2/4拍竹奏等，之后让学习者自己进行竹奏打拍练习，最后让其在吉他上进行按键练习。    

4吉他教学可以提高学生的和声    

吉他演奏卞要是右手为卞，左手负责各种和弦按法。在吉他演奏中让学生了解和弦的种类，如柱式和弦和分解和弦等，这样可以强调伴奏的背景，用和声伴奏衬托卞体演奏，使卞体演奏在深度、)‘一度上真正满足人们的要求。特别是和弦连接对演奏是非常有用的，如I一V一I;I-N- V一I;I一VI- N- II一V一I等常用的和弦可以让学习者对和声有一个整体感官’认识，对提高音乐鉴赏力有一定的帮助。    

5吉他教学可以提高学生的综合表演水平    

篇4

1、自己可以学吉他的，方法如下：选择一把吉他。吉他不要求太好，因为毕竟是练手。选择吉他调音器。由于对于吉他新手来说，对音掌握不准，往往吉他弦音都调不正。有了吉他调音器之后，这些问题都可以得到解决。选择吉他教程和吉他教学视频。可以挑选一本吉他新手教程，然后从网上下载相关的教学视频。接下来就是自己慢慢的练习了。注意要下载适合自己的教学视频。

2、每天坚持的练习。每天坚持按视频上的教学，一步步的练习。从握琴到看谱图一步步操作。笔者认为，只要每天坚持2小时，一个星期就可以完成简单的弹唱了。找个吉他爱好者，一起学习。找个喜欢吉他的朋友很关键。毕竟是自学，在平常的练习过程中，难免会觉得很枯燥。

（来源：文章屋网 ）

篇5

吉他3弦到g可以使用调音器。这样调比较准确而且非常方便快捷。

吉他（英语：Guitar），又译为结他或吉它。是一种乐器，属于弹拨乐器，通常有六条弦，形状与提琴相似。吉他在流行音乐、摇滚音乐、蓝调、民歌、费拉门戈中，常被视为主要乐器。而在古典音乐的领域里，吉他常以独奏或二重奏的型式演出

（来源：文章屋网 ）

篇6

103A数字环绕声监听音箱，以及通话系统。用DM2000作为备台。还配备了两个远程舞台接口箱，分别用双光纤做主备传输。建成后，该车在北京奥运会上就被作用为体操等项目的主要声音制作平台，并在我台大型节目直播中发挥重要作用。

对于电视节目制作而言，录音车是整个系统的核心之一，需要配合视频高清车才能完成节目制作，因此涉及到视音频两车的级联，两车级联包括视频信号/音频信号/通话信号/UMD控制等信号的级联，音频信号采用光纤TDM格式连接（包含双向128轨音频和控制）。因为有录音车，所以我台的视频高清车上的音频系统是基于YAMAHA DM2000为主调音台的紧凑型系统。像金鹰节或大型晚会直播时，音频都用音频车来完成节目制作的一级调音，视频车上的音频系统负责节目播出的音频信号调度和分配等完成二级调音。经过几年的节目制作和使用，我们总结了一些录音工作经验，对于音乐录音来讲，从话筒选取布置以及中间处理设备的应用到最终缩混，整个流程中每一步都非常重要，因为没有统一的标准，所以每个人根据自己的理解和经验制作出来的节目会有各种不同的风格，有经验的录音师总是会有他自己的一套成熟技术（或经验）和理念，录制出属于自己风格的作品。

1、节目录制前的准备工作。

录音的准备工作从话筒选取开始，没有一支“全能”话筒能够适合拾取钢琴、底鼓或吉他放大器在内的多种乐器，因为不同乐器有不同频谱，同样不同话筒在每段频谱内表现也不同，因此选择一支适合乐器的话筒很重要，基本原则是话筒的频响必须涵盖所拾取乐器发声频谱范围（中高频乐器注意谐波分量的频谱），当然话筒本身音色是否适合被拾取乐器音色的“感性指标”也很重要，同时还要注意话筒的最大声压级不能低于乐器发声声压，尤其是有些鼓录音时，话筒靠的比较近，注意话筒最大声的承受力（通常容易被忽视），避免信号在前段就开始失真，否则你后面怎么调都无济于事。大多数的电容话筒有很宽的频率响应，能重现30赫兹到2万赫兹以上的音域，所以电容话筒拾取镲片或对声音细节要求高的乐器，例如原声吉他、弦乐器、钢琴、三角铁和独唱人声等较为适合，动圈话筒灵敏度、频响等相对电容话筒来讲稍低一些，但对于鼓类、电吉他、圆号和木管乐器等来说频响足够。另外，话筒的指向性选择也非常重要，通常心性指向话筒具有近距效应，靠近鼓录音可以获得良好地丰满度，同时心型指向能有效抑制泄漏声和环境声地拾取，反之用全向话筒能拾取一些环境声，可以在听感上创造自然混响的空间感（有良好建声的棚），也可通过适当调整全向话筒与乐器的距离调整乐器远近的听感。

话筒的布置：把话筒放在距离乐器有一定的距离（30到50厘米）的位置上，再把话筒往上下左右方向移动，能拾取到不同的音质，比如小号拾取时，你把话筒对着小号拾取时声音非常亮甚至刺耳。当把话筒放在小号偏离轴线一边的位置上时，小号声音听起来较为自然柔和，因此要将话筒放在乐器不同位置拾音然后监听效果，直至找到一个你认为是最佳的声音位置，形成一种自己的拾音经验。话筒摆放没有一种绝对正确的方法，只要把话筒放在你认为取得最佳声音平衡的位置上即可。当有多支话筒一并应用时，注意话筒之间的距离，通常按3:1的经验值（即话筒之间的距离大于话筒与乐器之间距离的3倍）。这样防止相位抵消现象发生，以免造成声音听起来不自然。在流行音乐录音时，几乎每个声部甚至每件乐器多用一个话筒去录，事实上话筒增加越多，调整起来越麻烦，不见得录音质量一定就高。通常能用一只话筒能做到的就不用两只话筒，有时只用一只话筒就能拾取两个或两个以上的声源，比如用一个话筒拾取4件铜管乐声部，或者两位唱和声的演员用一只话筒等（当然这时需要演唱者自己平衡声音大小）。总的来说，话筒选择在很大程度上取决于个人喜好。无论采取何种方式，只要特定声音、乐器、乐手和歌曲能达到优质音效就好。同样，也没有完美的话筒放置方式，也并不存在适合所有乐器的理想话筒。按你的想法选择和放置话筒，只要达到期望的音质即可。

2、处理设备的应用。

作为音频车，车上配备了5.1的监听音箱和声学处理的监听环境，同时配置了TC REVERB6000混响器，48轨多轨记录设备，当然还有支持5.1声道制作的数字调音台以及5.1声道的套装话筒，大型数字调音台处理通道在信号频率处理部分包含高低通滤波，2段架势均衡及4段全频参量均衡，在信号幅度处理上有压缩，噪声门以及限幅器等，因此对录音处理来讲非常方便，用调音台录音设置起来远比工作站直观方便很多。

①、均衡器的应用。在使用均衡器之前，先将话筒做一些更换或变更话筒摆放位置，来监听其结果是否能达到你的要求，如果改变位置可以做到，那么远比使用均衡器修饰出来的音色更原汁原味的多。许多追求自然声音的录音师多避免使用均衡器，他们讨厌由于均衡介入而产生过多的相移和钟铃效应，因此通常他们会极为细致的调整话筒摆放，或使用高质量的话筒，尽量避免使用均衡器来获得声音平衡。但电视录音通常不像棚里那样先做平直录音，然后缩混期间再细致调整，而是排列时须快速调整均衡到位，这很考验音控人员的技术水平和录音经验，主持人等人声话筒为了获得清晰的语言声音，我们通常会快速增加低切，比如80到140赫兹做6到12倍频程的衰减，如果有乐队，先给通通鼓做80到100赫提升以获得丰满鼓声为止，军鼓在200赫兹时，根据听音做增加或减少来调整肥厚听感，底鼓可适当提升60到80赫兹部分，衰减300到600部分（中等Q值），镲片可适当提升12千赫的声音，衰减500赫兹以下（可用高通）声音，防止鼓声泄漏，低音吉他则在250赫兹附近做些衰减。通常我们还会碰到三角钢琴，尤其在现场吵杂的环境声中录音时，可打开钢琴盖板，用两只心型或全向电容话筒分别置于低音琴弦中心部位和高音琴弦中心部位，距离琴弦上方20到30厘米处录制。

②、动态处理器的应用。动态处理用的最多的是压缩，压缩能使人声和乐器声电平保持稳定，使对整段混音音量更方便趋于平衡，防止大音量时的削波，同时也能用于给鼓录音时使鼓声更加丰满，或增强低音吉他的余音，如果压缩启动门限值控制的高一些，则可以消除过于大的无用信号，门限值设置过小会影响声音的动态。尤其给人声加压缩时，有经验的歌手往往懂得根据自己演唱的音量或声部而适当调整话筒与嘴之间的距离，从而控制音量，这要比使用压缩或限幅器好听的多，歌手压缩比一般为2:1或3:1，快速起控，1秒左右恢复时间，贝斯和鼓组压缩比为4:1，慢起控慢恢复，电吉他压缩比较大，4:1或更大，400毫秒左右短恢复时间，当有低切用于压缩通道时，应该先进行低切处理，以免过多低频过早启动压缩，而提升某些频率时，需要先经行压缩处理，以免所提升频点被压缩。限幅器可以把信号在超过某一预置电平时，可以保持它信号不再随输入而增加，因此限幅器仅仅处理大信号部分，通常用于保护后级扩声设备，或在母带处理时防止个别信号过大，造成饱和录音。噪声门是在当信号小于某个预置值时，可以降低增益，这个比限幅还有用，噪声门通常可以用来消除鼓类声轨之间的泄露声，因而使鼓类的声轨变得干净，尤其可以做侧链应用，比如调整低音吉它轨噪声门，受控于底鼓声轨的信号，那么低音吉他将会受控于底鼓的节奏而工作，使底鼓声音更加突出，还有一种就“门混响”的应用，在下面混响器应用中介绍。

③、混响器的应用。混响效果是把直达声中增加环境或空间感，TC REVERB6000包含了延时、回声、混响、合唱、镶边等多种音乐与电影等模式混响。内含8个通道的混响引擎，可以同时工作在不同混响参数模式下，因此也可以根据不同音源进行混响叠加。各种混响器需要聆听对比，以便在你想要的乐器上产生预期的效果。上面提到的门混响应用不同于常规，比如在鼓通道上用插入的方法连接混响器，设置一个板混响，再打开噪声门设置快启动时间，慢释放时间，调整预值到适合的鼓电平（更加现场听感调整域值），这样给鼓声增加的混响器受控于噪声门，当鼓声启后立刻有混响的空间感，但随鼓声的回落，噪声门会适当的控制关闭时间，增加鼓的空间效果感和密集感。

3、缩混。现在缩混可以利用调音台的AUTOMAT

篇7

蓝调,英文名为?Blues, 按英文音译为布鲁斯;按意译为蓝调或怨曲。蓝调音乐是由美国黑人所创造,它所表达的是一种忧郁、悲伤和痛苦的情绪和精神状态。从蓝调音乐的萌芽、诞生和演变过程中可以投射出美国黑人坎坷辛酸的命运史。

1 蓝调的萌芽时期――来自奴隶们的痛苦呐喊

翻开历史史书,第一批非洲黑奴被贩卖到美州是在1619年弗吉尼亚州登陆。西方殖民主义国家为了向美洲殖民地种植园和矿山提供劳动力,从黑非洲掳走大批黑人,将其远程贩运到美洲等地,这就是血腥的非洲奴隶贸易。为了避免黑人们群起反抗,黑人到达美国后通常被拆散家庭,主要散布在南方种植园里。贩奴业到了十七世纪中叶迅速膨胀,美国各州甚至通过法律允许贩奴和蓄奴。在奴隶主的眼里,黑奴不过为他们创造财富的一群会说话的“牲畜”,随时可以贩卖、打骂、虐待,甚至杀害。黑奴背井离乡,妻离子散,为了保存性命只有拼命地干活;他们在田里嚎叫劳动号子,“这种田间号子(field holler)号子是即兴编唱,多采用虚词为歌词,只有很少一部分采用实词作为歌词,主要采用五声音阶,而且有带腔(bent pitches or flexible tones),后来成为蓝调有的蓝调音(blue notes)。号子多采用一领众和形式,节奏比较复杂。”[1]劳动号子是一人领头起调,众人跟着和声,它承袭非洲音乐“呼喊与响应”的传统群唱方式,用以舒缓劳作的辛苦,以及宣泄和抒发黑奴的苦闷、忧愁和痛苦的内心感受。这种从心地里发出的呐喊歌是对郁闷苦楚的释放和宣泄,它减轻了黑奴的生存痛苦。从某中程度上说,这种呐喊式歌唱能提高工作效率,为奴隶主创造更多的劳动价值,这也是最早期蓝调得以萌芽和发展的原因之一。

蓝调的根缘于田野号子、囚歌、灵歌。这些都折射出奴隶制的种种罪恶以及黑奴所遭受的不人道、不正义的待遇,原始期的蓝调保留了西非音乐的呼应传统演唱方式,内涵加上表达忧郁、伤感、痛苦的内心感受,所演唱的内容往往局限于劳动、助兴、宗教,否则会惹上杀身之祸。

2 蓝调的诞生――来自最底层人群的哀歌

蓝调最早的出现时间不很精确,一般认为是在1870年和1900年之间。这个时期与美国南方奴隶解放和从奴隶制转向合作制和小规模农业的过程一致。奴隶制废除后,黑奴虽获得了人身自由,但他们的苦难和受剥削、受压迫的地位并非得到终结,他们的生活依然充满苦难。留在种植园的黑人只能靠租用种植园主的土地和农具或干一些季节性的短工,勉强维持生计。黑人在田野劳作时的歌唱由奴隶时期的群唱转变为单独的呼喊,这种独自的“田野呼喊” 声音嘹亮,拖音很长,主要宣泄内心的压抑、苦闷和痛苦等情绪和感情。而那些不愿留在南方的黑人到处漂泊,到处寻找生计;他们在颠簸的旅途中,即兴唱起自编歌曲抒发在他们白人社会里遭受到的新的苦难、悲伤和焦虑心情,这些都可能是蓝调雏形。最早的蓝调式的音乐是一个“功能式的表达,其启应的歌唱没有任何伴奏、和谐,不拘束于任何形式,没有任何特别的音乐结构。”[2]而这些功能式的表达是来自内心的感受和情感。这些从奴隶田野工作时的叫喊和呼唤来源的蓝调以前的音乐逐渐扩展为“简单的、带有感情内容的单声歌”。[3]

在这荒诞、黑白颠倒的社会里,黑人常常遭到白人种种无理的排斥和歧视;他们不得不从事一些工作微薄,工作条件极差、工作时间超长的辛苦劳累工种;晚上,黑人们聚集在种族隔离地,唱起了他们即兴编唱一些歌曲,诉说自己的不幸遭遇和社会问题。密西西比三角洲是美国黑人最早的隔离聚居区,是蓝调的发源地;其中孟菲斯的比尔大街是早期蓝调形成的地方之一。今天被看作是典型的12节蓝调是1900年代初在密西西比河下游的黑人社群中出现的。蓝调最初的格律是AAB形式,前两句是一样,后一句是即兴发挥;旋律一般是12小节,每句歌词唱4小节,3句刚好是12小节,这种形式被称为“12小节蓝调”(twelve bar blues)。

由于蓝调成形于其个人表演,所以很难指出其共同特征。蓝调的重要元素如启应方式、即兴演唱和蓝调之音承袭了非洲传统音乐。早期蓝调有时会在旋律的结尾加上一些延续性的哼唱,或者将部分旋律加上一些颤音,有时会在旋律间加上一句吼叫,这种都是来自即兴时和来自内心的感受的自由发挥。它启应的形式是以一呼一应的形式进行,乐句起初会给人种哭诉、无助的感觉,接着的乐句像是在安慰、舒解痛苦的情绪。

早期的蓝调往往是松散的叙事歌曲,歌唱家诉说他或她在“一个残酷的现实中的个人遭遇:失爱、警官的残忍、白人的迫害、艰巨的日月。”[4]如歌曲《黑、棕、白布鲁斯》,歌词大意如下:“啊,兄弟,请听我唱这支歌,真实的歌曲。若是黑人去找工作,人们会说,你是白人那可以,你是有色人种靠边等。如果你是黑人,啊,老兄,快滚,快滚,快滚。”黑人通过演唱蓝调,唱出了心中的苦闷和忧愁,唱出对生存的焦虑,对种族隔离的社会所施加的羞辱、贫穷和暴力的呐喊;唱出对纵容种族歧视等种种不公正的反抗和对真正自由、平等的呼唤;也唱出出对友爱、真诚及一切美好的事物的期盼。

3 蓝调的演变――黑人现实生活的写照

蓝调在音乐中最早的书面记录出现在孟菲斯威廉?克里斯托弗?汉迪的《孟菲斯蓝调》里。汉迪也是是第一位将蓝调改写给乐团的人,他是一位非常著名的作曲家,自称为“蓝调之父”。上世纪20年代,蓝调通过汉迪的之手和经典的女蓝调演唱家获得了“白人”听众的青睐,蓝调从非正式的表演演化为剧院里的娱乐。

经典女性蓝调或者滑稽歌舞剧蓝调歌唱家在1920年代尤其出名。比如贝丝?史密斯(Bessie Smith,1895-1937),她是一位滑稽歌舞剧演员出身,但的确享有“蓝调皇后”之称。贝丝富有特色的演唱包括各种滑音和颤音的巧妙运用,她所演唱的“ 圣路易斯布鲁斯”是具有经典性的蓝调之一,还有她录的“疯狂蓝调”唱片在一个月内卖出了7.5万张。贝丝的导师马?雷尼同样受尊敬,有“蓝调之母”之称。令人伤心的是,“伤感歌后”贝丝最终获得去卡内基音乐厅演出的权利,却在半路车祸受伤,又因距事故发生地最近的医院拒绝收治黑人而耽搁了治疗时间,死在去第二家医院的路上。

随着录音工业的发展,一些演奏乡村蓝调的艺人在美国黑人社群中的名声也不断增高。乡村蓝调往往没有伴奏,或者只适用一个班卓琴或者吉他来伴奏,其表演往往是即兴演奏。20世纪早期最具有特色的乡村蓝调风格要数的是密西西比三角洲蓝调风格。密西西比三角洲蓝调风格纯朴,往往使用撕吉他或者口琴伴奏,它的歌唱非常简单而又充满激情。撕吉他成为三角洲蓝调非常重要的组成部分。盲人莱蒙?杰佛逊(Lemon Jefferson, 1897-1930)是第一位使用撕吉他录音的艺人,他使用刀片、酒瓶和其它不寻常的物件来弹吉他。盲人莱蒙从小街头卖唱,寻找自己的生活,他所演唱的乡村音乐,风格比较清淡,歌声冷峻,吉他伴奏恰到好处,歌词仿如诗歌;他享年33岁,在寒冷的冬日不知何原因冻死街头。撕吉他成为三角洲蓝调非常重要的组成部分;这个风格另一最有影响的演奏家可以说是罗伯特?约翰逊(Robert Johnson,这位誉为“布鲁斯之父” 由于当时的黑人所处的社会处境,早死于非命,留在世人的是他那带有哀诉的吉他声音和有规律地颤动节拍的录音歌曲29首。

30年代后期和40年代初,美国经济大萧条拉开黑人从南方农村源源不断迁往北方工业城市的序幕,二十世纪三十年代到第二世界大战结束,大批的乡村蓝调艺人前往芝加哥、洛杉矶等工业中心城市寻找生活出路。蓝调跨越了乡村和电子蓝调的界限。“一把原音吉他和伴唱在点唱机酒吧和密西西比的后阳台听起来已经很大声了;但是在北方,原音吉他和伴唱经常被夜总会的嘈杂声和街头车声所掩盖。”[5]生活环境的改变促成了蓝调风格的转变和内蕴伤感灵魂的屏弃;伴奏由原音吉他换成了电声吉他,伴奏乐队中还加入了钢琴、鼓、低音提琴等乐器来渲染气氛;歌曲情绪基调也由原来的蓝调伤感忧郁、以叙述苦难生活为主,转变为热烈奔放、兴高采烈。实质上,城市蓝调用一种反讽的幽默,看似乎淡化了悲哀,实是加深表达不幸的辛酸。

篇8

天总很是那么的蓝那里的人们 总是那么的善良……”

月色温柔的夜晚，被树木环绕的阿百腊客栈木制的小屋里传出一阵动听的歌声，伴着柔和的吉他声，让空气中多了一分浪漫的气息，我们被吸引住，走进小屋，乐声戛然而止，一位抱着吉他的俊朗青年，皮肤黝黑，手指修长，腼腆地对着我们笑笑，邀请我们坐下喝茶。

他叫艾果，生活在芒景上寨的布朗族青年，艾果告V我们，这一晚他要到寨子里表演，所以在表演前到这里为乐器调音、试音，于是我们才有幸听到这么美妙的音乐。艾果缓缓拨弄着琴弦，跟我们说他从初中就开始自学吉他，现在和表弟一起玩音乐、创作歌曲。每天晚上，寨子里都会聚集起一群年轻人，等待着艾果为他们带来动人的声音。刚才进门时我们听到的这首歌曲名叫《云海上的古茶林》，是由艾果表弟创作的，歌唱的正是这座美丽的茶山。

艾果很有音乐天赋，靠着摸索学会了弹吉他，还能在弹奏中创作出新的曲子，需要灵感的时候，他会带上吉他到山上走走，看看云海、看看茶树，闻闻空气中茶叶的香气。有时，他会自己动手制作乐器，享受那种专注、安静的时光，我们看到了放在茶桌边他亲手制作的乐器，他告诉我们那叫牛腿琴，有四根弦，不过他更喜欢叫它叮当，就像它的音色一样很清脆的感觉。听艾果说，他和乐队还曾经一起到昆明参加音乐比赛，获得了三等奖，我们询问他为什么不继续去更远的地方追求音乐梦想，他爽朗地笑笑，说：“因为要采茶，所以我必须在这里。”

篇9

爵士乐(Jazz)源于美国黑人民间音乐,20世纪初产生于美国新奥尔良。它是世界上最有影响的流行音乐。爵士乐主要有两种类型:布鲁斯(Bluess)和拉格泰姆(Rageime)。

布鲁斯又称蓝调音乐,是在美国黑人灵歌与劳动歌曲的基础上发展起来的,它是爵士乐的主要成分。布鲁斯在英文中是忧郁、悲愤、苦闷的意思。布鲁斯音乐的主要特点是:在大调音阶上降低第三音级和第七音级,有时还降低第五音级。这些降半音的音符具有小调色彩。除此之外,纯五声音阶在布鲁斯音乐中也是经常使用的。速度一般比较慢,常常以4/4节拍为主,但也有2/4节拍的,多用各种不同的切分节奏。布鲁斯的伴奏乐器最初只是吉他,后来逐渐加进了其他乐器。

拉格泰姆没有歌词,只是用于舞蹈的伴奏。过去一般都是用钢琴来演奏。其主要特点是:左手有规则的每一小节都均匀地排列着四个八分音符,分为两组,每组有两个八分音符 ×× ×× 。第一个八分音符通常是和弦的根音或低音,第二个八分音符为较完整的和弦,因而形成了循环反复的低音进行,充满不规则的强音切分节奏。拉格泰姆通常使用2/4节拍,速度较快,气氛热烈。

目前,我国通俗歌曲在吸收运用爵士音乐上,大体归纳起来,有以下几种:

一、吸收灵歌的对比手法

灵歌,是黑人送葬时所唱的歌曲,它是布鲁斯音乐中的一部分。曲调较为自由,节奏富于变化,常常出现断声、气声、哭泣声、喊叫声、声等,以及似说非说、似唱非唱等特点。在我国有许多通俗歌曲借鉴吸收了这种形式,并创作出大量成功之作。如:《心的祈祷》《让我再看你一眼》《寂寞让我如此美丽》《离不开你》等经典歌曲。其中,《离不开你》是一首优秀的通俗歌曲,较好地运用了灵歌的手法。它的音乐语言集中,节奏运用自如,是单二部曲式结构(即A、B两段体)。A段音乐是从较低的音域以平静、述说般的情绪吟唱开始的,并根据歌词的内容,字音的变化发展规律,使旋律具有亲切、自然、叙述性强等特点。在A段还没完全结束时,引进了B段的出现,使A与B一气呵成,这是灵歌中的一大特点。A段结束在小字二组的“2”音上,接着出现,显得十分激动人心,B段的出现使歌曲更好地渲染了,全曲的音域在两个八度之间,曲调构成了四个小分句,节奏拉宽,前后形成了鲜明的节奏对比、旋律对比、音高对比和强弱对比等,充分表现了对爱人发自内心深处的倾诉和思念之情。

二、蓝调音符的运用

有一种叫做蓝调音符的音,如:b3 b5 b7等,在布鲁斯音乐中占有很重要的地位,这种蓝调音符可以使歌曲听起来很富于爵士味道。在通俗歌曲中,为了加强旋律的色彩,有时出现蓝调音符,这种音符的出现给歌曲的旋律带来新鲜之感。如:《一九九七永恒的爱》在歌曲的头一句就降低了第三级音(b3),由于降半音的出现,使旋律更加细腻深情。但这种变化音的出现不宜太多,要起到画龙点睛的作用才好。

三、吸收布鲁斯、拉格泰姆的节奏

通俗歌曲的节奏变化是非常多样的,也是极其重要的。节奏自由多变是通俗歌曲的又一特点。在歌曲中,切分音节奏及跨小节连线音和符点音符的反复出现,使节奏变得复杂而更富于动感。这些节奏的运用是受布鲁斯和拉格泰姆的影响。如:拉格泰姆之王乔普林的《枫树叶拉格泰姆》。在这段乐曲中可以看到,切分音节奏占有重要位置。在歌曲中相同固定的节奏型反复也是常用的。其目的是为了加深印象。如:《糊涂的爱》。

四、借鉴布鲁斯歌曲中的演唱技巧

通俗歌曲在演唱上,借鉴了许多布鲁斯歌曲的演唱技巧,如:气声、断声、假声、、喊叫等。这些技巧对通俗歌曲的演唱奠定了基础。当然,这些技巧的处理,必须从歌曲的实际内容出发,尤其应注意与歌词的结合要自然贴切,恰到好处。只有这样,才能与歌曲达到完美统一。

即兴演唱,也是通俗歌曲中常见的一种手法,而这种即兴性意味着一种高超的技艺和表现力,这一点和我国的戏曲、曲艺音乐十分相似。通常,在歌曲的段落中最为常见。即兴演唱基本上是根据旋律、节奏、调式等特点进行二度创作,也有人称之为“飞”(即唱飞了),一般都是唱一句或一段,常在歌曲结尾部分出现,这种演唱能给歌曲带来耳目一新之感。

有的歌曲还运用蓝调音符作为装饰音,来装点旋律,这一般都是用气声来演唱,使得歌曲听起来沾点爵士味,如:丁薇演唱的《在水中》等。

五、吸收爵士乐中的一些伴奏手法

在通俗歌曲中,吸收采用爵士音乐伴奏的手法大致有以下几种:(1)“助奏乐句”。这是指演唱者在演唱中休止处,由乐队来加以补充,一般常用钢琴、吉他、萨克斯乐器等。(2)和声的运用。在通俗歌曲中经常采用爵士乐常用的和弦,来作为色彩和声,如六和弦、九和弦、减七和弦、增三和弦。(3)乐器的使用。有爵士鼓、爵士风琴、萨克斯和小号等。这些乐器在通俗歌曲中也是主要乐器之一,只是在演奏方面没有那么复杂而已。

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