音乐艺术范文

导语：如何才能写好一篇音乐艺术，这就需要搜集整理更多的资料和文献，欢迎阅读由公务员之家整理的十篇范文，供你借鉴。

篇1

学堂乐歌借用曲调的"源"和"流" --在《学堂乐歌考源》出版座谈会上的发言 钱仁康

博采精取融会贯通--在钱仁康先生《学堂乐歌考源》出版座谈会上的发言 陈聆群

钱仁康先生《学堂乐歌考源》 出版座谈会纪要 邹彦

洋务人士笔下的西方音乐(《中国近代音乐史稿》中的一节) 陈聆群

古琴徽分的顺逆推算 赵宋光

琴调溯源--论古琴正调调弦法 丁承运

在谱式的背后--对中国古谱的再认识 林友仁

关于《二十世纪的帕萨卡里亚研究》 --徐孟东博士学位论文读后 彭志敏

来自丝绸之路的回响 --杨立青的中胡与交响乐队《荒漠暮色》初探 郭树荟

泽纳基斯管弦乐:《灯芯草》音乐形态的几个特点 邹向平

舒尔霍夫和他的《第三钢琴组曲,为左手而作》 陈雪筠

对当代歌曲中审美趣味变迁的一种描述 刘士林

计算机音乐思维研究 陶辛

民族器乐创作问题 徐坚强

略论荀子的"中和"观 欧景星

钢琴在二十世纪的境遇点滴 梁静

族性中的音乐叙事--以瑶族的"叙歌"为例 彭兆荣

马来民间音乐的节奏模式与马来文化的深度结构(下) 罗艺峰

《东亚乐器考》中文版补遗(一) 林谦三，彭瑾

繁盛期青铜乐钟的编列研究(上) 陈荃有

巴赫的《管风琴小曲集》与众赞歌 李爱华

《申报》音乐资料选辑之一上海音乐学院部分(上) 陈正生

二十世纪帕萨卡里亚代表作品概述(三) 徐孟东

阿·齐尔品和索·古贝多琳娜作品中的东方特点及其比较研究 甘璧华

二十世纪现代音乐中的钢琴艺术 何上峰

通晓历史的表演(HIP)导论 刘宁

小提琴演奏的发音方法探讨 山岭

关于"重写音乐史"--读《"重写音乐史":一个敏感而又不得不说的话题》之后 汪毓和

"乐"作为文化行为方式的存在--答刘再生《《声无哀乐论》今译》"编者按"兼及今译的概念理解问题 修海林

关注中国近现代音乐教育的修史工作--《中国近现代音乐教育史纪年》编后感 孙继南

在中国音乐史第六届年会上对《中国近现代音乐教育史纪年》的发言 汪毓和

采石铺路之作--再贺《中国近现代音乐教育史纪年》面世 陈聆群

《二十世纪的中国音乐创作--阿炳的音乐与意义》导言(下) 施祥生，沈沁，沈洽

文化部孙家正部长的贺信

上海市委宣传部王仲伟部长在我院75周年校庆大会上的讲话

杨立青院长在我院75周年校庆大会上的讲话

全国音乐院校长论坛会议综述

纪念院长 钱苑，林华，孟东，洛秦

走教育创新之路,创国际一流院校 --上海音乐学院2002年教学工作会议综述 李小诺

同气连枝的回旋歌、回旋诗和回旋曲 钱仁康

变和弦及其在五声性调式和声中的运用 --五声性调式和声研究之二 樊祖荫

恢复和声音响的自然属性--索·古贝多琳娜作品中的和声与风格探究 甘璧华

为"重写音乐史"择定正确的突破口--读冯文慈先生提交中国音乐史学会福州年会文章有感 陈聆群

戴鹏海文章《还历史本来面目》读后感 汪毓和

有关民族管弦乐与音乐文化识别论之反思 梁铭越

《蒲松龄俚曲》曲调风格形成的语言因素 刘晓静

18世纪德语地区各国的小提琴家和作曲家 范额伦

女媧作笙簧的神话意蘊 王少华

《修禊吟》打谱后记 戴晓莲

从设菲尔德到勒芬CHIME与IMS年会小记 汤亚汀

音乐心理学--刻不容缓的学科建设任务 叶思敏

柯达伊《匈牙利诗篇》的音乐分析(下) 桑桐

剧场建设中的建筑声学问题 华天礽

试论音乐的力度结构--卡特《木管四重奏》练习曲No.7中力度的分析与认识 张巍

音乐听知觉的内部矛盾概述 林华

"音乐试图将音乐作为音乐来摆脱"--几则相关当代音乐的文本阅读及其现象诠释 韩锺恩

解放思想实事求是继续深入地研究中国近现代音乐史 冯灿文

莫扎特"借题发挥"的创作实践 钱仁康

"叁伍以变,错综其数"(上)--再论"四宫纪之以三的十二吕律" 牛陇菲

乐户与宗教音乐的关系 项阳

"西归此去应无憾"--深切悼念音乐学泰斗廖辅叔先生 陈聆群，金桥

明清俗曲与日本"明清乐"的比较研究 徐元勇

隋唐宫廷燕乐中的印度乐 龚蓓

祁连亘古情裕固土风浓--钢琴与乐队《祁连山狂想曲》的创作特色 相西源

《新格罗夫音乐与音乐家辞典》 最新版在线浏览 方建军

曾侯乙钟磬铭文疑难字释义述评 陈应时

"叁伍以变,错综其数"(下)--再论"四宫纪之以三的十二吕律" 牛陇菲

一位心系上音的前辈老校友--追忆前上海国立音乐专科学校教务主任陈洪先生 金桥

文人与文化 周文中，张巍，汤亚汀

音乐社会学的基本观念与学科认识 曾遂今

也谈唐代的急、慢曲子 郑祖襄

加勒比海地区的音乐(下) 陈自明

关于离调、副属和弦的理论探讨 桑桐

罗勒:"第二实践"的先驱 孙国忠

约瑟夫·施万特纳的混合室内乐<麻雀>的作曲技法 郭鸣

还历史本来面目--20世纪中国音乐史上的"个案"系列之一:陈洪和他的<战时音乐> 戴鹏海

探究乐坛奇才成功之谜--赵宋光教授心理结构分析 罗小平

音乐美学基础(上) H.里曼，缪天瑞

意向存在作为音乐意义的形而上显现 韩锺恩

新时期本土与西方对话的新语境 李诗原

关于"音乐是什么"的理论模式及其不同思考方式--《关于民族音乐学的一种理论》的读书笔札 修海林

生存与释放--论遗存原生态民歌的传统功能与观念 黄允箴

论民族音乐学双视角文化立场的历史演变和发展趋向(上) 杨民康

他站在传统与现代的契合点上--黎锦晖的探索对民族音乐学研究的启示 项阳

论"差距"与"差异" 刘桂腾

民族音乐的角色定位与转换 梁继林

哀叹或直面?--由聊城八角鼓的消亡引发的思考 任一

杨荫浏历史著作的宏观布局及其时代特色 孔培培

鼓吹乐起源说 王珉

意境--音乐表演艺术的审美范畴 杨易禾

论埃里克·萨蒂音乐观念的先锋性 刘瑾

音乐美学基础(下) H·里曼，缪天瑞，冯长春

比较:家园·区域·全球--王耀华先生著《三弦艺术论》阅读及… 王义彬

不同凡响--贺绿汀音乐厅建设回顾 华天礽

2003上海"全国音乐学术规范研讨会"会议纪要 李小诺

全面提高教学质量迎接教学工作评估--上海音乐学院第二届教学工作会议综述

欣德米特的调性观念(上) 桑桐

安东·威伯恩的《钢琴变奏曲》作品27 陈铭志

20世纪音乐的和声技法·序论 杨立青

浪漫·自由·组织:一个创造者的不安灵魂(下)--勋伯格钢琴小品析 赵晓生

"对称性"与"黄金分割律"--音乐作品中结构比例布局的历史研讨 田刚

"优美的歌唱"--美声唱法训练四题 施敏

十二音音乐在上海的诞生(上)--论作为作曲家、音乐家和教师的沃尔夫冈·弗兰克尔 思想悟子，张漪，杨燕迪

《电子音诗》:瓦列兹缔造的现代音诗 梁晴

舒曼的声乐套曲《妇女的爱情与生活》--兼谈舒曼对艺术歌曲传统的继承与发展 夏小燕

沈心工与白话文--兼论我国近代白话体歌曲创作的初始阶段 杨成秀

后现代主义与广东音乐的创新与发展 王少明

"同均三宫"假说的学科能量 蒲亨建

乐以诗为本诗以乐为用--读刘明澜《中国古代诗词音乐》 孙星群

篇2

雷颂德，香港知名音乐人，集曲、词、编曲及监制于一身，在娱乐圈中响负盛名。对于音乐，他早已“玩得”炉火纯青，驾轻就熟。而雷颂德的才华还不仅限于此，从小就爱绘画的Mark如今开始“玩转”艺术画展，涉猎时装设计、室内设计、钟表设计等，未来他希望自己的作品都能给大家带来快乐和欢笑。

1、印花装饰皮夹克

Moschino

2、条纹装饰西装外套

Marni

机械手表 私人物品

3、深蓝色防风夹克

Z Zegna

4、白色衬衫

黑色羊毛衫

黑色西裤

黑色皮鞋

均为 私人物品

绿色条纹西装外套

Ralph Lauren

5、灰色羊毛西装套装

黑色皮鞋

均为 私人物品

紫色波点领巾

Paul Smith

才华横溢，全面出击

也许你一时想不起雷颂德是谁？但你一定听过《情深说话未曾讲》《风花雪》《不如跳舞》《好心分手》《两个人的烟火》《小城大事 》《爱与诚》等歌曲，这些脍炙人口的作品其实都出自雷颂德，包括黎明、许志安、郭富城、卢巧音、杨千谩⒐啪藁、许志安、张卫健等一众香港歌手均演唱过他的作品。一直以来，雷颂德的作品从动感到抒情无不囊括其中，深受香港乐迷欢迎，曾连续六年夺得CASH作曲家大奖。

纵然在香港乐坛有着举足轻重地位，但Mark丝毫没有大牌架子，待人接物都非常亲和礼貌，一直担心自己普通话不太好，请大家多多包涵。拍摄中，虽然话不多，但他喜欢观察周围的装饰、摆设和细节，还翻阅了我们的书吧中几本名著，显得认真深邃。

采访开始后，我们发现雷颂德其实是个“话唠”，他很愿意分享自己的音乐和人生感悟，一聊到他的孩子们，慈父内质更显露无疑。至今雷颂德依然保持着一颗“童心”，他非常喜欢和小朋友们一起玩耍。对于音乐、艺术、时尚，他也一直是抱着轻松“玩耍”的心态。因为热爱，纵然忙到每天只睡4个小时，他仍旧精神饱满，“玩”得很愉快。

除了编曲、填词、监制音乐之外，雷颂德还为电影《梁祝》《青蛇》《白蛇传说》等配过乐。但雷颂德的才华还不仅限于音乐，还特别喜欢替模型上色。Mark特别喜欢改电单车，不过和理工男的逻辑思维不同，雷颂德第一步会先构思颜色，对于颜色，他具有着自己独有的风格，颜色决定了整体感觉后，剩下的工作就很容易了。Mark知道驾驶电单车必需配备高规格的保护装备。在众多装备品牌中，他最中意Dainese和AGV，除了保护性和功能性非常强之外，产品本身的设计、颜色的运用和剪裁，最深得他喜爱。

毕业伦敦帝国学院土木工程专业的雷颂德，也没有忘记他的老本行。回国后，他设计建造过多间自己的居所、音乐室和工作室，还替朋友们设计建造他们的画廊、商铺和办公室等。其实雷颂德从小就非常喜欢绘画和设计，只是没展现给大家。直到去年10月，雷颂德在尖沙咀K11举办了《Not About Pop Songs》艺术及设计展，让我们终于有机会一睹他在绘画艺术方面的才华。

活动中，Mark展示了其亲手绘画的36幅油画。同时，展出的还有他为万希泉设计的陀飞轮手表，为BMW设计的电单车，另外还有室内设计项目和男士时装。其中最特别的作品是一组雷颂德专门为儿子创作的油画，油画的内容均是雷颂德以儿子的视角描绘出小朋友的世界所看到的事物。前来捧场的明星包括陈慧琳及Big 4（张卫健、梁汉文、苏永康及许志安）、导演黄真真等，闻讯而来的粉丝们更是将展馆挤得水不通。善心爆棚的Mark当场就将部分义卖的款项捐出，帮助100名家庭困难中小学生购置新学期课本。

就让我们一起期待乐坛“千手观音”，练就更多的“分身术”，带给我们更多优秀的音乐、艺术、时尚作品吧。

用心创造新的流行乐

小资CHIC！：大家都非常了解雷颂德老师，许多歌手的优秀作品都出自你手。那在流行乐坛二十多年，你觉得时下乐坛最大的变化是什么？

雷颂德：最大的变化是大家听音乐从之前的CD，变成现在的MP3。这个巨大的转变，也影响了整个乐坛。我比较喜欢之前听音乐的方式，那个时候，音乐对每个人来说都比较重要。那个时候歌手一发片，每个乐迷都在第一时间去买他的CD，珍藏音乐。

小资CHIC！：所以现在很多歌手都不敢发片了？

雷颂德：很多都不发片了，因为你只要Download就可以了。

小资CHIC！：当今歌坛歌手越来越多，但唱片的销量越来越不好。那对于一个资深的前辈，你觉得接下来乐坛如何能够改变这样的局面？

雷颂德：我们每个做音乐的人都很努力的想，怎么可以把整个音乐市场再次点燃？我觉得最重要就是我们要多做一点好的音乐，多一点新的歌。现在我们有很多选秀节目、唱歌的比赛，你会找到很多好歌手，但是他们唱的都是旧歌，原创的新歌真的很少。

小资CHIC！：现在很多选秀节目出来的歌手，都昙花一现，可能有些人冲着出名，或者就翻唱一些口水歌，然后慢慢没落。

雷颂德：对，音乐就应该有创新，有兴趣学音乐的人，他就会用心去创作，音乐可不止只是唱歌。但是现在做音乐很贵，所以很多公司都不舍得投资源。

小资CHIC！：除非像你这样特别特别热爱音乐。当初您就像伯乐一样，带出了很多知名的歌手，像黎明、陈慧琳，那当时你是怎样在芸芸众生中挑选出他们的，哪些特质最重要？

雷颂德：最重要就是天赋，然后他的声音很重要，唱的好不好当然很重要，但是我觉得每一个好的歌手都要有一个特别的声音。还有就是他唱歌时投入的感情，每个歌手应该有自己的风格，自己的感情，不是唱得高就是好。

小资CHIC！：那跟你合作的这些歌手中，你最心仪哪个？

雷颂德：这个很难说，跟他们合作，我都觉得很幸福，因为都是很好的歌手，我们工作之后都成了好朋友。因为制作人要用音乐帮歌手表达他每一个细小的感受，所以制作人和歌手之间必须相互非常了解，这个很重要。

希望我的音乐带给大家快乐

小资CHIC！：那对你来说，一直是在幕后成就别人，会不会有一些小小的失落？

雷颂德：不会啊。在幕后也是在做音乐，就是形式不同而已。

小资CHIC！：其实很多听众，会把你和其他制作人比较，比如林夕他们，你会介意这样的比较吗？

雷颂德：我不介意，每个人有自己不同的作风，也有不同的作品。音乐本身就是一种创作，我又很喜欢创作，大家都是创作音乐。

小资CHIC！：是很少听外面的声音，还是不介意外面的评论？

雷颂德：不太介意。我很愿意听好朋友告诉我的事，但是外界的声音不用想太多。

小资CHIC！：很多艺术家会在迎合自己和迎合观众之间权衡？

雷颂德：对我来说都是一样。我想做一些有我自己的风格，大家又都能理解我所表达的音乐，也可以让每一个人都喜欢。

小资CHIC！：所以其实在你的世界里，包容是很重要的，包括文化、音乐。

雷颂德：多一份包容。我自己是一个friendly的人，我希望每一个人都开心，这是我最想要的。

小资CHIC！：但这样会不会很累，因为你要顾及每一个人的感受？

雷颂德：对。我想要每一个人都开心，都喜欢我的音乐，所以我会尽力去做但不会太刻意追求。

小资CHIC！：作为一个音乐人、艺术家，身上一定有感性的特质吧？

雷颂德：我觉得自己是感性的，但是别人看我不是这样子。

小资CHIC！：为什么，感情都隐藏在心里？

雷颂德：可能我不太会把自己的不开心表露出来，我真的只希望能把更多的快乐带给大家。

穿梭于音乐、艺术与潮流

小资CHIC！：在我们的印象当中，你是一位音乐人，但去年我们还看到了你的艺术展，艺术品也是你骨子里特别喜欢的？

雷颂德：是，可能我身边的朋友知道我喜欢画画，但是我都没发表。正好去年我有一个机会可以发表。音乐、艺术对我来说全是“玩”的东西，所以我都很喜欢。

小资CHIC！：下次也会到上海举办这样的展吗？

雷颂德：我当然也希望。上海这座城市我很喜欢，希望有机会也能在这里发表一些我的作品。之前的工作大部分在香港，很少到内地来宣传，这里的城市和香港很不同，包括文化、艺术、音乐等等，我很喜欢。

小资CHIC！：我们也很期待雷颂德老师能把更多好的作品带到内地。

雷颂德：哈哈，是吧。

小资CHIC！：其实我还了解到雷老师特别潮，平时很喜欢买衣服，考虑慢慢再涉猎时尚圈？

雷颂德：我喜欢各类时尚潮牌。其实我对用的东西都很有要求，比较讲究。我希望在家里看到的都是我喜欢的，穿的都是我喜欢的，开的车也都是我喜欢的。

小资CHIC！：你会特别观察一些小饰物，在里面寻找你的灵感？

雷颂德：观察是很重要，所有灵感都是观察周围的事，每一个小小的事物我都会记下。

小资CHIC！：那你觉得天赋比较重要还是后天的努力比较重要？

雷颂德：我觉得艺术家一定要有一些天赋，但是有才华还需要努力。你要努力多学一点，还有就是投入你的感情。

工作时间激情高昂

小资CHIC！：我们知道雷老师一天只睡4个小时，但精神状态始终特别饱满。

雷颂德：对，我一进入工作状态，就这样。有时候工作结束开车回家的时候特别想睡觉，就打瞌睡。

小资CHIC！：啊？（倒吸一口冷气）这好危险，千万别这样。

雷颂德：嗯。但是我工作时候就很精神，不工作的时候我就想睡觉了。

小资CHIC！：所以你工作的强度特别大，尤其是创作，一个好的作品，要积累很多东西。

雷颂德：如果你是在做自己喜欢的事，一想到我的作品可以令人家开心，就不觉得辛苦。

小资CHIC！：遇到不顺，不开心的时候会怎么办？

雷颂德：工作上的我就会告诉我合作的朋友，比如这个不喜欢啊，问他可不可以改变一点点啊，或者一起想个更好的方案。我会把不高兴说出来，把它解决，这样人就轻松多了。

小资CHIC！：会在工作当别较真吗？

雷颂德：这个当然。但我觉得我就是一个很幸福的人，我遇到的伙伴和同事都不错，很容易想到一起，走到一起，所以我很少有不开心。

小资CHIC！：那对你来说，内地你最喜欢哪个城市？

雷颂德：北京、上海，我很喜欢大城市的感觉，我以前念书是在英国伦敦，我觉得北京和上海都有这个感觉。

小资CHIC！：很多人说，上海是一个特别小资的城市，你怎么看？

雷颂德：对对，精致生活，就是小资，我也是这样。

享受Family Time

小资CHIC！：抛开工作，你最喜欢做什么？

雷颂德：看电影，尤其是带我的孩子去。

小资CHIC！：是选他要看的片子还是你要看的？

雷颂德：选他要看的片子，但现在他们的片子成年人也喜欢看的。还有跟小孩子们去吃饭，带他们去不同的地方吃东西。

小资CHIC！：那你平时这么忙，有多少时间可以安排给你的家人？

雷颂德：家庭令我的生活更加丰满。我很重视我的孩子，就算再忙，我也把时间腾出来给他们。每天一早起来，我就带他们上学，一天工作结束后，我大多数会回家跟他们吃晚饭，晚上我会跟我儿子讲Storybook，每天都有。

小资CHIC！：哇，真的？

雷颂德：对，我觉得这很重要。因为我小时候，不喜欢看书，觉得念书很辛苦。所以我想让我的孩子从小喜欢看书，那我就每天陪他们一起看书，让他们喜欢读书。最后等他们都睡觉了，才是我开始创作的时候，从深夜10点，工作6-7个小时。

小资CHIC！：所以你每天就睡4个小时？

雷颂德：对，因为我工作时候，真的需要一个人的空间。一个人的空间不是说放置自己在一个地方，是我知道太太、儿子已经睡觉了，我不用担心他们，这才是我一个人的空间，所以我创作的时候只有晚上。

篇3

意大利是欧洲文化的摇篮，曾孕育出罗马文化及伊特拉斯坎文明，13世纪末的意大利更是成为欧洲文艺复兴发源地。意大利音乐对西欧各国的音乐发展有重要影响。

视听盛宴―意大利歌剧

意大利歌剧发展史也可称为意大利的音乐史。歌剧是一门综合的艺术，它集戏剧、音乐、舞蹈、服装、演奏、指挥等于一身，被称为“音乐的戏剧，戏剧的音乐”。简单地说，歌剧就是在舞台上用唱歌来表现的戏剧。歌剧最早出现在意大利，继而传播到欧洲各国，世界十大歌剧中，多半出自意大利。

比如根据法国作家维克多・雨果的剧本《逍遥王》改编而成的歌剧《弄臣》，是伟大的意大利歌剧作曲家朱塞佩・威尔第作曲创作的歌剧。作曲家注重加强歌剧的戏剧成分，用音乐手法将剧中人物内心的感情变化和人物性格表现得极为深刻。一个多世纪以来，这部经典歌剧久演不衰。

另外，歌剧泰斗――意大利著名作曲家贾科莫・普契尼，根据童话剧改编的3幕歌剧《图兰朵》是其最伟大的作品之一。在80多部世界性的歌剧中，普契尼的《图兰朵》是唯一一部中国题材的作品，歌剧中最著名的一段咏叹调《今夜无人入睡》更是广为传唱，成为歌剧选曲中的“流行歌曲”。

演绎经典―意大利歌剧院

意大利是歌剧的故乡，全年大部分时间都是歌剧演出的旺季，因此，也有许多大大小小的歌剧院。著名的歌剧院有维罗纳露天剧场、凤凰歌剧院、罗马歌剧院等。

维罗纳露天剧场 建立于公元1世纪奥古斯特王朝晚期，是意大利保存得最完整并且还在使用的罗马古迹之一。维罗纳剧场是一座椭圆形的建筑，高大宏伟，长138米，宽109米，高30米，上下两层，各有72个拱门。观众席是石砌的阶梯，由下往上，逐级升高，共有40余级，能容纳30000多人。1913年8月10日，第一届歌剧节在维罗纳露天剧院揭幕，从此维罗纳露天剧院成为世界上最大的歌剧院和20世纪歌剧舞台的国际象征。每年6～8月，这里会举行维罗纳歌剧节，辉煌灿烂的意大利音乐文化每年吸引着大量游客。

凤凰歌剧院 位于意大利威尼斯，诞生于1792年，以其悠久的历史和一流的水准成为200多年来欧洲的经典歌剧殿堂。它得名于传说中的神鸟――凤凰，巧合的是它多舛（chuǎn）的命运恰好印证了“凤凰涅（nièpán）”的传说：先后3次毁于火灾，历经3次重建或整修，最后一次毁灭性的破坏源于1996年的一场大火。历经8年的重建，这座金碧辉煌的歌剧院重新对外开放。著名指挥家里卡尔多・穆蒂率领凤凰管弦乐团，以贝多芬的交响乐，为凤凰歌剧院的重新落成献上第一份贺礼。

罗马歌剧院 建于1880年，在欧洲大陆诸多著名的歌剧院中，罗马歌剧院的历史是较短的。然而，却作为歌剧的诞生地，它拥有辉煌的歌剧史，还对歌剧发展产生了重要的推动作用。罗马歌剧院从落成之初，就备受瞩目，在这里上演的歌剧常常会加入舞蹈、大合唱，舞台布景也力求所谓的“罗马式”歌剧的富丽堂皇与奢华。因此，罗马歌剧院在世界歌剧界有着特殊的地位和影响力。与米兰的斯卡拉歌剧院、那不勒斯的圣卡尔洛歌剧院并称为意大利3大歌剧院。

灵魂导师―意大利音乐学府

意大利艺术氛围浓厚，在全球享有盛誉，以其“美丽的歌声”著称于世。因此，意大利音乐在欧洲音乐文化中占有重要地位，这里的音乐学院更是让音乐爱好者神往。其中，意大利米兰音乐学院是全球美声专业最强的音乐学府，拥有最好的声乐和器乐专业。

米兰音乐学院又称米兰威尔第音乐学院，成立于1808年，是意大利最大的高等音乐学院，也是米兰最重要的音乐学府之一。200多年来，米兰音乐学院为世界各国培养出了无数优秀的乐队指挥、演奏家、歌唱家和音乐教师。在米兰音乐学院毕业的众多杰出音乐家中，1959年诺贝尔文学奖获得者萨瓦多尔・夸西莫多和著名的意大利音乐评论家费尔南多・皮瓦诺都曾指教于此。由于它优越的地位和对专业教学的严谨态度，使得这所学校蜚声于世。

文明古国―人文底蕴深厚

提到文明古国意大利，人们立刻会想到历史上显赫一时的古罗马帝国、于公元79年毁于维苏威火山大爆发的庞贝古城、闻名于世的比萨斜塔、文艺复兴的发祥地佛罗伦萨、风光独特的水城威尼斯、被誉为世界第8大奇迹的古罗马竞技场等。其中，最值得一提的是比萨斜塔和水城威尼斯。

比萨斜塔 是意大利比萨城大教堂的独立式钟楼，位于意大利托斯卡纳省比萨城北面的奇迹广场上。比萨斜塔由著名建筑师那诺・皮萨诺主持修建，是比萨城的标志，修建于1173年，动工5、6年后，塔身从3层开始倾斜，直到完工还在持续倾斜。比萨斜塔从地基到塔顶高58.36米，从地面到塔顶高55米。比萨中古史学家皮洛迪教授研究后认为，建造塔身的每一块石砖都是一块石雕佳品，石砖与石砖间的黏合极为巧妙，有效地防止了塔身倾斜引起的断裂，成为斜塔斜而不倒的一个因素。比萨人坚信比萨斜塔永远不会倒下，他们有这样一句俗语：比萨塔像比萨人一样健壮结实，永远不会倒下去。

威尼斯 是世界闻名的水乡，也是意大利的历史文化名城。由118个小岛组成，并以177条水道、401座桥梁连成一体，以舟相通，有“水上都市”之称。威尼斯是文艺复兴的精华，世界上唯一没有汽车的城市；同时，也是威尼斯画派的发源地，其建筑、绘画、雕塑、歌剧等在世界有着极其重要的地位和影响。

叹息桥是威尼斯的必访景点之一，造型属于早期巴洛克式风格，桥呈房屋状，上部穹（qióng）隆覆盖，封闭得很严实，只有向运河一侧建有两个小窗。叹息桥是一座拱廊桥，架设在总督宫和监狱之间的小河上，享有盛誉。它建于1600年，因死囚被押赴刑场时经过这里，常常会发出叹息声而得名。电影《情定日落桥》就在这取景的。

篇4

直觉是敏感地直接地臆测到真理的认识能力。但直觉也极易随岁月的流逝而消失。

拥有直觉的人，往往被人称为“神童”。“神童”有着强烈的内在感情需要交流，他们的演奏有着成年人的声音和理解力。

小提琴大师梅纽因便是一例。梅纽因在个人回忆录《未完成的旅行》中所说的梅纽因，更多的是一个一生被福祉庇护的梅纽因，充满感恩的心绪使他没有抱怨地面对过往的岁月。在本书的开始部分，笼罩他一生的基本感觉流露在纸端：“回首过去六十年的岁月，我最感惊奇的是我的生命的规则性。我所有的一切，我之所想，我之所为，都不是毫无根据的堆积，而是如几何图案般的简洁和规整。发觉自己原来在做一件天意决定已久的事，有一种非常奇特、模糊而又惶恐不安的感觉。”“我当然也不能说我掌握了人生，事实上我只是幸运，发生在我身上的一切只是为了让我的生活能向更好的方向发展。我所做的一切更多只是一种顺应，而非因为热爱而作的刻意追求。我知道，我只是‘过往’的一个孩子，我生命的大部分在我出生之前就已经写好了。有时候我甚至觉得我所努力表达的呼号不仅仅是我自己的，更是我‘父母’的，或者说他们使这一切成为可能。”

1916年，梅纽因出生于美国，7岁在旧金山登台演出，11岁抵巴黎演奏巴赫和勃拉姆斯，在纽约卡内基音乐厅举行独奏会，可谓是第二次世界大战前享受“父母”那份大恩泽的最后一批人。来自19世纪欧洲音乐文化没有散去的温热光晕，为像梅纽因一样的诸多天才少年洒下，尽管这份温热已有了变型的征兆。所有的人都支持“小提琴”与“神童”这个神话，梅纽因就此朝光芒去了，并真实起来。

梅纽因被隔离着，一生都是暖箱中的孩子。他坦承这一点，认为这种隔离哺育了他，又给他伤害。梅纽因写道：“在我还没准备好结婚的时候，我就结婚了；同样，我在还没准备好拉小提琴的时候，我就开始拉小提琴了。因此无可避免的是，个人生活的打击与战时旅行演出前所未有的压力交织在了一起，我缺乏准备的弱点开始渐渐显露出来。我不做任何思考，不做任何分析，也不做任何修整，只是不计一切代价持续的运转着。”这句话是不是也同样适用于钢琴大师克莱本呢？

柯林斯《音乐辞典》如实评价今天的梅纽因：“作为演奏家，他今天主要以亲切诚挚的表演，而不是以精湛的技巧见长——他在技巧上常出错误。”

钢琴大师阿劳告诉我们：“许多神童成长到某个阶段就会停滞，从凭直觉弹琴过渡到有意识的弹琴，那是个转折点。”而此时这些神童们也就只有通过艰苦的奋斗才能重新获得艺术才能以达到一个新的境界，否则便会无声无息的消失。

二、兴趣（Taste-theabilitytoenjoyandjudgebeauty,art,music,etc.）

兴趣是个体以特定的事物、活动及人为对象，所产生的积极的和带有倾向性、选择性的态度和情绪。每个人都会对他感兴趣的事物给予优先注意和积极地探索，并表现出心驰神往。兴趣不只是对事物的表面的关心，任何一种兴趣都是由于获得这方面的知识或参与这种活动而使人体验到情绪上的满足而产生的。

我们说一位音乐大师他必定对音乐有特殊的偏好，但这却是以广泛的兴趣为前提的，只有先有了广泛的兴趣才能谈到偏好。比如说一位钢琴大师，他一定会去博览群作，掌握了音乐的精神内涵和价值重要性后才能掌握他所要诠释的音乐，才能有总体的音乐思维。

“思维被认为是进化的最高成就，而且被认为是表明人类存在的本质的东西。思维是意识的核心，是最高水平的心理活动”。音乐思维是演奏者的心理现象，是对于音乐的一种本能的认知，是演奏过程中演奏者对一定事物的注意，或者说是心理活动对一定事物的指向和集中。波兰钢琴家约瑟夫·霍夫曼指出：要动脑筋和用感情去发掘隐藏在乐谱行间的内容；怎样去设想和怎样去演绎它，就得靠那些有再创造能力的艺术家。这不仅要形成个人见解的内心洞察力，而且还要有表达这种个人见解的演奏技巧。

很难想象如果一位演奏家对音乐没有兴趣，而只是盲从演奏的情景。舒伯特曾经反对那种没有生命力可言的机械性的演奏。1789年，他在《音乐的美学》一文中这样写道：“一切机械性的熟练，比如手指挥动得飞快的运指法、很稳定的拍子感、对乐器的解释、读乐谱的方法以及类似的情况等等，在演奏家尚未具有创造力之时，在他还不能像火花一样使这一切化为音料之时，在他无法使伴奏者与听众深受感动之时，换句话说，在他不能聚精会神于十个手指之上时，他一味这样向听众炫耀其技巧是有害无益的，是无济于事的。”

舒曼曾说：“如果你的音乐产自你的内心，它就会融入他人的内心。”演奏者只有在内心动情，并用内心激情去表现作品，才能使演奏更具吸引力、感染力。而此时，音乐家也就通过了“兴趣”这一过程，继而他便会形成属于自己的风格。

三、风格（Style-ageneralwayofdoingsomething）

对于同一作品，听这一位音乐表演艺术家的演奏代替不了听另一些音乐表演艺术家的演奏。这种音乐表演艺术家的不可被替代的东西是什么？这应该就是一种表演艺术风格——只有代表着音乐表演艺术家的艺术独创性的“表演风格”，才是可贵的、不可被代替的。我们可以用3P来概括它:

Perception-theabilitytoperceive.指音乐家深刻的洞察力和成熟的思想。

Persistence-continuingtoexist,happen,orappearforalongtime,esp.指持久艰苦的毅力。

Power-whatonecando.指闯过难关的能力。

不一一详述，我仅对第二点略作分析。全力投入、一丝不苟，这不仅是音乐表演艺术家责任心的表现，同时也是音乐表演艺术家对自己的艺术创造的尊重。奥依斯特拉赫对于已经多次演奏，早已非常熟练的曲目，在每次演奏之前都要认真再三练习。小泽征尔对于已经多次指挥过的曲目，在每次演奏之前，都要重读总谱，再次在心中建构音乐。这种严肃态度，体现了一个艺术家对自己的艺术创造的真正尊重。斯坦尼斯拉夫斯基曾要求演员能够随时呼唤灵感。事实上，灵感是不听人的呼唤的，没有人有随时呼唤灵感的十成把握。所有这些为演奏所作的准备，无非是为能够呼唤灵感创造条件，因为灵感不在别处，它就在人们的潜意识这记忆储存库中，只有付出千锤百炼的努力，灵感才可能比较顺利地自然出现。那些以为自己不必准备就能“台上见”的表演者，表面上是不重视观众，事实上是不尊重艺术，不尊重自己。

“风格”要以掌握学科前沿和结合社会需要为前提。比如，在国际歌产生的时代，曾经是以每分钟60拍的速度演唱，而现在的速度差不多是每分钟120拍了，既没必要也不应该再回到每分钟60拍的传统上去。车尔尼雪夫斯基曾在《艺术对现实的审美关系》中说过：“任何事物，我们在那里面看得见依照我们的理解应当如此的生活，那就是美的”。

音乐表演艺术家的艺术风格，是二度创作主体所具备的各种因素的有机复合，诸如：艺术技巧、生活阅历、文化修养、世界观、音乐才能等等。当这些因素在相互渗透相互融合中发生作用的时候，它们就形成了音乐表演主体所具有的一种创造能力，这种创造能力以一种相对稳定的形态，表现在他们的音乐表演的二度创作过程中。虽然这种能力的产生和形态的形成的规律性在任何音乐表演艺术家那里都是基本相同的，但就这种能力在每个音乐表演艺术家的二度创作中的具体实现来说，又带有各种不同的特点。这种表现在音乐表演过程中的，使一个音乐表演艺术家同其他表演艺术家相区别的特殊性，就是该音乐表演艺术家的表演艺术风格。这种独特的创作风格，主要表现在两方面，一是对于音乐作品的形式结构和音调内涵所显示出来的美的独特的感受能力和认识能力。另一方面是音乐表演艺术家所具有的独特的表现方法。

在“世界著名演奏大师音像赏析”课中，我们学到的音乐家均被称为大师，所以他们大都达到了音乐表演艺术的这三层境界。他们已在音乐方面取得了重大成就，有一定的影响力，能为后辈们树立典范并获得社会承认，同时拥有对音乐的独到见解及一些突破性创举。

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关键词：音乐；艺术；同构关系

中国音乐是有其独特的美学思想和艺术境界的。音乐上的许多问题，倘若不提到美学高度来分析理解，就只能停留为一种形式。毕竟美是主观的和相对的，是因人而异的，这就是各种艺术形式之间往往能相互联系，相互感染的原因。从这个意义上说，音乐艺术本身就是一个文学，诗歌，历史，美术等的综合体。它所映现的又何尝不是历史发展过程中人类物质和精神力量达到的程度，方式和成果？

任何艺术都是在主观和客观相互关系之间建立起来的，徐复观先生在《中国画与诗的融合》一文中说：“绘画不仅仅是‘再现自然’，但终究以‘再现自然’为其基调，所以它常常是偏向于客观的一面。画因为是以客观自然为基调，所以决定画的即能是‘见’。达·芬奇便以为画与雕刻是‘以见为知’；而画家心是能见的人。诗则是表达感情，所谓‘诗以言志’以言志为基调，所以常常是偏向于主观的一面”。钟嵘《诗品》一开始便说“气之动物，物之感人”而诗人必定是“善感”的人，可以说，画是“见的艺术”；而诗则是“感的艺术”，那么音乐作品为表现人类情感的一门艺术，正和诗、画一样，在那线条、旋律、乐句中，所包含着的非语言、非概念、非思辨所能传达，说明、代替、穷尽的某种情感的、观念的、意识和无意识的意味，同样也是那样朦胧而丰富，宽广而不确定。到后来谈到“因为中国文人能有意识地在诗中发现出画的题材，并由此再进一步的用作诗的方法来画，从而提高了画的意境，使之得以在精神上进一步将两者融合在一起。用画来说明诗的‘远’的意境，则是诗与画的相互启发，循环无端了”。其事在我看来中国艺术中岂止诗与画能做到“互相启发，循环无端”。书法与诗画；书法与篆刻；音乐与书法；音乐与诗画。扩而大之，华夏艺术又何尝不是如此生生不息，而得以流传呢？中国人欣赏美的观点，我们不难看出，无论我们的文学，戏剧，书法，绘画等等都是重感情的抒发，突出一个“情”字。同样音乐艺术如果脱离了感情的话，就很难谈了。中国人以感情悟物，进而达到人格化，中国人看东西，欣赏艺术往往带有自己的感情，要加入人的因素，所谓“芳草有情，斜阳无语，雁横南浦，人倚西楼”，追求的也许正是这样一种欲说还休，温柔含蓄的永恒韵味。

在中国古代，音乐是各门艺术中最被重视，并且获得高度发展的一门艺术，甚至可以说是各门艺术的中心和源泉。从音乐在先秦社会中受到的高度重视，我们可以看出音乐这种着重于情感的表现而非完全模拟性再现。而事物叙述的艺术，恰好相当纯粹地显示了艺术所具有的审美特征，以及它所具有的独特的社会，从宏观上看用音乐去分析美与艺术，高度重视音乐性的美，这对中国古代美学和各门类艺术的发展都产生了深刻的影响，其中最直观表现的是中国古代诗歌中所具有的音律美与节奏美。

这种诗歌中的音乐性的美在唐代达到无可比拟的高峰。当时传入的各种异国曲调和乐器，如：龟兹乐、天竺乐、西凉乐、高昌乐等。融合传统的“雅乐”“古乐”出现了许多新创造的音乐和音乐形式。从宫廷到市井，从中原到边疆，从太宗的“秦王破阵”到玄宗的“霓裳羽衣”，从急骤强烈的跳动到徐歌曼舞的轻盈，正是那个时代的社会氛围和文化心理的写照。这些音乐，歌舞不再是先秦时代礼仪性的庆典主调，而是人世间的欢快之声，个人情感的心音。

绝句和七古乐府所在盛唐最称横唱，其道理恐怕也在他们是能入乐谱，为大家所传唱的。“琵琶起舞换新声，总是关山旧别情，撩乱边愁听不尽，高高秋月照长城。”诗与琵琶（音乐）是浑然一体不可分割的。新声，音乐是它的的形式；绝句，七言是它的内容；或者反过来说，绝句，七言是形式，音乐，抒情是它的内容。总之，它们是紧密联系在一起的。这就如同你越是深入的研究艺术作品的结构，就越是清楚的发现艺术结构与生命结构的相似之处，而这种结构，包括着从低级生物的生命结构到人类情感和人类本性这样一些复杂的生命结构，（情感和人性正是那些最高级的艺术所传达的意义）而正是由于这两种结构之间的相似性，才使得一幅画，一支歌或一首诗与一件普通的事物区别开来——使它们看上去更像是一种生命的形式，而不是用机械的方法创造出来的；使它的表现意义看上去像是直接根植在艺术品之中。而音乐的某种所谓的线条，也许就是人所创造出来的形象的抽象。

我常想为什么我们在聆听中国音乐的时候，会产生雪花映松柏，松柏傲飞雪的意境；或会觉得砍樵声声，高山流水，天涯知己如若就在眼前；或能感受夕阳西下，夜色朦胧，微波荡漾，渔人晚归的自然景色而似身临其境。而这都是中国音乐所赋予我们的情感体验和我们血脉相连的亲身体会。

这使我们不得不想这些凝冻在中国音乐作品中的审美趣味，艺术风格为什么仍然与今天人们的感受、爱好相吻合？为什么会使我们有那么多亲切感呢？是不是积淀体现在这些作品中的情感理性结构与今天中国人的心理结构之间存留着某种相呼应的同构关系和影响。人类的心理结构是否正是一种历史积淀的产物呢？也许正是它蕴藏了艺术作品的永恒性的秘密。也许应该倒过来，艺术作品的永恒性蕴藏了也提供着人类心理共同结构的秘密。心理结构创造艺术的永恒，永恒的艺术也创造、体现人类流传下来的社会性的共同心理结构。然而，它们既不是永恒不变，也不是转瞬即失，不可捉摸。它不会是神秘的集体原型，也不应是“超我”（superego）或“本我”（id）。心理结构是浓缩了人类历史文明，艺术作品则是打开了时代灵魂的心理学。而这，也就是所谓的“人性”吧。

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论文摘要：文章从音乐艺术教育发展的重要性、文化功用和在素质教育中的渗透等三个方面，就音乐文化发展的特点及其对音乐教育的影响阐释了作者的观点。

音乐是一种特定属性的文化，音乐教育作为学校审美教育的重要组成部分，在培养学生的品德、心理等身心素质等方面均可起着重要的辅助促进作用，具有辅德益智和审美教育的功能。

一、音乐艺术教育在学校审美教育中的重要性

音乐教育作为学校审美教育的重要组成部分，对提高学生的思想、道德、审美、艺术素质起着直接的促进作用。然而在我国应试教育条件下，不仅音乐教育的应有地位受到许多学校、家长和学生不同程度的忽视，而且严重影响了音乐教育的上述功能的发挥。素质教育观的确立和实施，为确立音乐教育应有地位奠定了基础，也为音乐教学的改革与发展提供了良好的机遇。在西方，音乐教育向来被十分重视，西方教育界从六个方面明确了音乐人类学的基本思想，它包括：（1）学习音乐是学习人类交流一种基本形式；（2）学习音乐是学习世界上各民族的独特艺术；（3）学习音乐是学会学习过程；（4）学习音乐是学习想象力和自我表现力；（5）学习音乐是学习的基础；（6）学习音乐是学习艺术。这六个方面实质上是将音乐作为文化来认识的，对于音乐教育是一种更为全面的定位和认知。多年来我国教育在取得长足发展的同时，也存在着诸多不适应时展的情况，尤其是音乐作为基础教育的组成部分和必修学科，离素质教育的要求还有一定的距离，难以跟上21世纪社会经济和教育发展的步伐。美国政府颁布的《艺术教育国家标准》明确规定：艺术课程是学校教育的核心学科，强调指出艺术与“教育”一词根本含义的密不可分性。并断言：“缺乏基本的艺术知识和技能的教育决不能称为真正的教育”，“没有艺术的教育是不完整的教育”，只有重视艺术的教育价值与功能，才能促进人性的发展与完善。①

音乐艺术教育是素质教育的一项重要内容，它对推进素质教育的实施具有不可替代的作用；普通学校的音乐艺术教育是基本素质教育而不是职业教育，必须面向全体学生；音乐艺术教育具有辅德益智功能；积极推进音乐艺术教育事业，也是推动我国21世纪教育由“应试教育”向“素质教育”转变的一个突破口和切入点，它对于陶冶学生的思想情操，提高人的审美情趣，使人树立崇高的审美理想，具有其它教育所不可替代的作用。

二、音乐艺术教育的审美文化功能

音乐以它婉转悠扬的旋律、变幻无穷的节奏、丰富多采的音色、立体交叉的和声、巧妙精致的结构织体，严密完美地交织在一起；以它特有的方式撼动人们的心灵，对人们复杂的内心世界产生直接的感应作用。因此，它成为培养学生美感能力、发展形象思维、认识社会的主。要手段。成功的音乐作品能通过典型形象，生动深刻地认识社会，这种认识富于理想，充满激情，并能获得深刻持久的效果。我国古代重要音乐著作《乐记》中有这样的论述：音乐的功能“清晴像天，广大像地，终始像四时，周旋像风雨，五色成文而不乱，八风从律而不奸，白度得数而有数。大小相成，始终相成，倡和清浊，迭相为径，故乐行而伦清，耳目聪明，血气和平，移风易俗，天下皆宁。”《晋书·乐志上》说：“是以闻其宫声，使人温良而宽大；闻其商声，使人方廉而好义;闻其角声，使人恻隐而仁爱；闻其徵声，使人乐养而好使；闻其羽声，使人恭俭而好礼。”把音乐中的“五音”与人的性情教育紧密联系在一起。可见，对于音乐艺术陶冶人们思想情操的特殊作用古人早有认知，我们今天更应该从我国音乐文化传统中认识到音乐对于培养人、塑造人的重要意义。音乐艺术教育所展示的艺术美，不仅能启迪学生审美的感受力、鉴赏力、想象力、表达力和创造力，而且能促进心理平衡、身心健美，使学生的情绪情感得到和谐的调节及控制，从而规范他们的行为习惯，形成优良的思维品质。《乐记》云：“审乐以知政，而治道备矣。”荀子认为音乐可以“正身行、广教化、美风俗”。的确如此，优美高尚的音乐，蕴含着潜移默化的高尚情操，声情并茂的音乐艺术是塑造学生灵魂的有力手段，对学生的精神起着激励、净化、升华的作用。能逐渐形成正确的审美观，培养感受美、鉴赏美、表现美和创造美的能力，提高分辨“真”与“假”，“美”与“丑”，“善”与“恶”的能力。使学生在思想、道德、性格、情操、修养各方面发生变化，培养一种爱憎分明的道德情感和自觉的道德信念。例如：我国人民音乐家冼星海的大型声乐曲《黄河大合唱》，通过独唱、对唱、轮唱、合唱等多种演唱形式，气势雄伟、磅礴，展现了中华民族的不屈不挠、勇往直前的精神，充溢着爱国主义的光辉形象和“火”一般的激情，给人一种向往美好，战胜一切艰难困苦的信心和力量。爱因斯坦说：“想象力比知识更重要。”如果多欣赏音乐，常处于愉悦的情境之中，去感受一种直觉的推动力量，激发人大胆跳跃式的设想，将变化和升腾出无尽的想象。所以人们总喜欢把音乐与舞蹈体操联系起来，正是因为人们发现了它是一种延伸生命的动势，一种由身体来执行的运动形式，在这种内外互动的方式下，来达到了强体健身的目的。②音乐艺术教育属于上层建筑，属于精神文明的范畴。因此，加强音乐艺术教育，发展音乐艺术教育事业同时也是推进社会主义精神文明建设的一个重要环节。中国古代就提倡礼乐治国，所谓礼，即指行为规范，乐就是精神陶冶。人的精神境界的提高，不能只靠主观的自我修养，如面壁独思、扪心自省等，还必须通过教育和外界的影响去实现。把行为规范和艺术的陶冶结合起来，这是中国教育的一种传统。如果我们放弃了音乐艺术教育，就等于放弃了这种传统。在今天实行改革开放和加快建立社会主义市场经济的新形势下，艺术的陶冶更是不可缺少的。我们要通过积极、健康的音乐艺术教育，铸造具有美的理想、美的情操的美的魂灵，这不仅是教育界的责任，更应当成为全社会的一项战略任务。

三、音乐艺术教育在学校素质教育中的渗透

《中国教育改革和发展纲要》指出：“教师应当把德育贯穿和渗透到教育和教学全过程中，并以自己的楷模作用，促进学生的全面发展。”音乐教学含有丰富的德育内容。音乐教学中的德育是以爱国主义教育为中心展开的。此外，音乐教材中还教育学生爱家乡、爱自然、爱学习、爱劳动、爱科学，树立远大理想、继承革命传统，尊敬师长、互相友爱等，从多种角度帮助学生形成高尚的道德品质。音乐教学应通过生动的音乐形象，在进行审美教育的同时，动之以情，晓之以理，寓德育于美育之中，不断发展学生德育上的自我教育能力。音乐是一门听觉的艺术。首先，在唱歌、器乐、欣赏、创作等一切教学领域中都要坚持以审美教育为核心。教师自己对音乐的深刻理解和真情流露能够感染和带动学生，即教师的演唱及演奏、教态及语言是构成音乐氛围的重要因素。让学生在这种氛围中，感受音乐语言，理解音乐的内涵。在教学中，力求教师通过风趣的导言设计，精巧的故事开篇，歌曲美好意境的创设和歌曲的范唱表演等形式，激发学生浓厚的兴趣。音乐的学习，除了音乐课之外，更应当渗透到其他学科之中进行。一方面，音乐活动本身离不开其他智能的支撑。例如，聆听音乐需要自我身心智能，作曲需要逻辑智能及空间智能。指挥和演奏音乐离不开身体智能和人际智能等。另一方面，融入在其他学科学习中的音乐活动，具有鲜明的形式和丰富的内容，使学生有了更多的接触和深入理解音乐会的机会，尤其可以使能力特长不同的学生都有可能在自己的优势领域内增强对音乐的兴趣，促进自身各方面智能的发展。兴趣是能力的基础，学生只有在对学习的知识怀有浓郁兴趣的时候，才能产生强烈的求知欲。在各科教学中，选择合适的音乐，表达各种情绪，使人得到放松。兴趣是不能给予的，也不可能仅以单纯的技能传授和练习来唤起，只有使学生不知不觉地感受到音乐的魅力，并通过唱歌、演奏乐器、欣赏名曲等方式表达自己的理解和感受时，兴趣才能产生，从而使音乐与其他学科的整合，发挥出独特的作用。音乐和文字不同，文字表达明确的概念和具体的思想，而音乐则是通过人们的感知，使人们对作品所塑造的形象产生联想、想象，引起共鸣来达到目的的。通过视唱、欣赏音乐，不但训练、提高了学生的视觉、听觉能力，而且，学生的大脑在随着音乐紧张活动的同时，想象、记忆、情感等心理活动也非常活跃，这些都有助于思维能力的培养。每个学生身上都有着自己现有的认知水平、能力水平和情感水平、能力特点、情感特点。教师应当把掌握学生的这三个现有水平，适当地把音乐的信息输入到学生的大脑中去，应诱导学生投入到学习者、表演者、欣赏者、创作者的多角色的活动中，多层次、多结构、多维度上去理解音乐的内涵，体会音乐的情趣。出色的音乐教学，可以展示音乐的极大魅力，激发学生认识美、创造美的欲望，使他们的性情受到陶冶，完成美感的实现。③美国著名教育学家杜威认为，在现代社会里，一个生活成功的人，必然是一个不同程度上的“艺术家”。音乐艺术教育是一门核心学科，它在素质教育中占有极其重要的地位，在学校教育中具有与其他学科同样的重要地位，是通往各种学科大门的钥匙。只要不断地深化艺术教育改革，只要各级各类学校都能把音乐艺术教育放在重要位置，只要全社会都关心、支持音乐艺术教育，我国的音乐艺术教育事业就一定会有大的发展。

注释：

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随着我国人民生活水平提高，人们对音乐欣赏水平逐渐提高，近几年来音乐领域的发展和研究也在不断深入，我国音乐领域得到了进一步发展，同时对音乐表演艺术更加重视，从而促进了音乐美学和表演艺术之间的紧密关系，二者的紧密结合进一步促进了音乐事业的蓬勃发展，为音乐领域注入新的生命。本文立足于现代音乐美学对音乐表演艺术的启示与探索的角度进行分析和探究，希望能够为音乐艺术的发展和进步提供更多的参考。近几年，随着社会经济的不断发展，社会文明水平逐渐提高，进一步推动了音乐领域的良好发展，音乐表演艺术成为音乐领域中的重要组成部分，通过表演过程中不断的改进和创新，更深层地表达音乐艺术的内涵，使其音乐艺术的真正价值得以发挥和展现出来，给观赏者带来前所未有的视觉和听觉感受。现代音乐美学研究逐渐深入，同时启发了音乐表演艺术，更好地促进了现代音乐美学以及音乐表演艺术的融合和长远发展。

1.音乐表演与音乐美学之间的关系

从音乐的形式上看，从来都不是独立存在的，音乐与表演之间是相互依托的关系，音乐是通过声音的形式表达作者作品中心思想和情感的，那么这个表达的有效方法就是通过音乐的表演来完成的，这就需要音乐表演者乐器演奏和内心情绪相融合，并且在表演的过程中进行再次创作，展现出音乐的独特魅力，让欣赏着感受到不一样的音乐艺术。其实我们可以这样来看，音乐作品若想表达出其中的情感，让音乐艺术得到欣赏，就需要通过音乐表演者的表演来展现，即音乐表演者就是音乐欣赏与创作之间的桥梁，所以说音乐作品到音乐欣赏，音乐表演者是这一完整过程中不可或缺的重要组成部分。音乐表演者，如歌唱家或指挥家，都是首先对音乐创作有一定程度上的理解，然后通过结合自身理解采取的不同艺术表现形式，展现音乐艺术效果，使听众对音乐艺术有更深的欣赏和感悟，这就是我们所说的音乐创造力。

2.现代音乐美学的研究能够对音乐表演艺术的有效启示

2.1能够对音乐表演进行正确的看待

目前，在音乐领域中，对音乐美学的研究程度逐渐加深，那么这就要求我们正确看待音乐表演问题，这也是音乐领域发展过程中，音乐美学与音乐表演艺术相融合必须要重视和解决的关键问题。从美学的角度分析，意向性是音乐艺术中突出的特性之一，如果想在主体上对音乐艺术的内涵进行再创新，这一过程是需要大量的时间才能够得以完成的，那么其中的主体指的就是音乐表演者，意向性活动指的是时间过程，所以说音乐自身意义的补充和满足是需要建立在充足的时间基础之上的。从现代音乐美学的角度分析，音乐表演者在表演的过程中，一方面要把作品中的历史意义表达出来，另一方面还要把音乐所蕴含的现代艺术内涵抒发出来，这才是完整的音乐艺术表现过程，这就充分体现了现代美学的研究水平更上一层楼，提升了音乐作品水平，因此说用正确的眼光看待现代音乐艺术，不仅体现在历史意义的表现形式上，还要体现现代音乐艺术的再创新的表现形式上，二者缺一不可。另外，对音乐艺术的表现过程，要用现代审美艺术的理念进行审视，促进音乐作品与时现代音乐美学对音乐表演艺术的启示探索王艳琳文学观察俱进，体现时代精神和意义。

2.2能够对音乐原作进行正确认识

对音乐作品的认识不仅要从现代音乐艺术理念的角度出发，还要对作品的原作有正确的认识和理解。按照美学理论对音乐作品进行划分，总结为两个部分，一部分是音乐作品作者本身的意向性活动；另一部分则是作品再创作的思路和发展方向。当音乐作品的作者完成作品的创作时，这部音乐作品就具备了相应的实体，这个实体的原本意义是不受其他人的意志而发生改变的，这就是要正确认识音乐原作的重要原因，音乐作品的实体是音乐作品想要表达的最原始的历史思想和意义，即使再创作，也是在这个实体的基础上进行的，因此再创作音乐作品时，要从历史思维的角度对音乐作品进行科学阐释。

2.3有效的促进了音乐表演艺术自身的创造性

从当前的音乐作品意向性发展程度上看，就是从现代音乐美学的角度进行研究和发展的，现代音乐美学表演过程中，是通过作者的意向性进行表演的，一方面是阐释作品原有的历史含义，另一方面是对作品原来的释义进行重建，这一过程不仅是表演音乐作品的历史意义，同时也是与现代音乐美学的审美理念紧密结合。这一过程就需要音乐表演者自身具备良好的艺术理念基础，在表演的过程中将历史意义与时代精神有效融合在一起，使音乐作品体现与时俱进的精神，促进音乐作品历史内涵更具光彩，充分体现音乐作品表现形式的创造性。

3.现代音乐美学研究能够推动音乐表演艺术的发展

3.1音乐美学研究内容丰富

审美学、哲学和心理学等都是音乐美学研究中的重要内容，如此可见，音乐美学研究内容极其丰富，这就需要音乐表演者在表演的过程中不仅要牢牢掌握理论基础，同时还要与实践相结合，这样才能真正展现音乐美学审美的水平和能力。

3.2音乐美学是表演者必学的重要内容

音乐表演者如果想要表演出具有历史内涵和时代意义的作品，学习音乐美学是重要的前提和基础，因此音乐美学学习的好坏，决定了表演者表演的水平和效果。所以表演者在结合自身特点的同时，要努力学习音乐美学，从而实现音乐表演的突破和创新，是自己成为一名优秀的音乐美学表演艺术者。

3.3音乐表演历史文化与新时代的结合

前文已经阐述了完整的音乐表现过程，是需要体现历史意义和时代色彩的，这就需要表演者在表演的过程中要表演出音乐作品的历史文化和新时代的特点，二者相结合才能够真正展现出现代音乐美学意义上的音乐内涵。

总结：

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【关键词】视觉艺术；音乐

在生活中我们向往大海的波澜壮阔，大海的潮音，大海的律动，大海那变幻莫测的景象，引起了多少音乐家的创作灵感。以音乐描绘大海的景致，摹写大海的神韵，抒发大海的豪情，古今有之。德国大师人歌德曾写有两首短诗--《平静的海洋》与《幸福的航行》。歌德的诗赋予了大海更大的魅力与感召力，引来了无数作曲家为之谱曲。贝多芬为它创造了合唱曲，舒伯特也用其中一首诗写过歌曲，而最负盛名的要数门德尔松的交响序曲《平静的海洋与幸福的航行》，此曲用慢速柔美的引子描写"平静的海洋"肃穆而祥和，以及人们怀着对大海的虔诚赞美之情。而随后用奏鸣曲形式写成的快速音乐，则反映船的疾驰，浪的飞溅，以及人们心旷神怡的感受。序曲尾声的号角声，象征着航船凯旋归来时人们的欢呼雀跃情绪，以及岸上亲人们的祝贺与欢迎。试想，当你面对着广阔的大海聆听着这首交响序曲的时候，对于眼前的景致，此时的心情，乐曲的内涵，都无疑是最好的诠释与解读。

一、音乐对视觉艺术的作用

就听众而言，欣赏音乐必须具有联系能力，还必须自己参与其中。只有那些能把顺序排列的乐音和音响联系起来的人才能理解音乐，也就是说这些人能对顺序排列的乐音和音响进行"再创作"，能把已经消失在音乐过程中的音列和声进行和曲式材料重新"装配"成一个新的形象，形成了音乐中的视觉艺术。古琴曲《流水》可谓家喻户晓，在聆听伯牙这首旷世之作的同时，我们可以看到什么景象呢？乐曲的开始我们可以想象成"幽涧滴泉"，最后又仿若"汹涌湍急"。层峦叠嶂的青山，叮叮咚咚的泉水，匆匆潺潺的小溪，滔滔不绝的江水，汹涌澎湃的大海，悠扬的旋律流淌着充满生命的韵律。

二、表象之外存在统一和相似

1、视觉艺术和音乐艺术的"体"

音乐中"体量感"或"体积感"的表现形式主要集中在交响乐中。交响音乐由于管弦演奏的音域宽广、和声丰满、力度速度对比变化鲜明，可以从极弱（PPP）直到极强（fff），乐章间快慢板的对比进行等特征，加之由弦乐、木管、铜管、及打击乐器多个和声组构成既可合作又互为宾主的多声部和声织体综合效应，所以它有独奏无法比拟的厚重体量感。

作为特殊的工业产品设计，乐器的形态属于视觉造型设计艺术中点、线、面形态的立体构成。造型各异的乐器，既是音乐（器乐演奏）之根源，又是美术（造型设计）之典范，是美术与音乐的结晶。视觉上形态各异的乐器，可以产生转化为丰富多彩的音乐。

2、视觉艺术和音乐艺术的"场"

从音乐要素的形式构成和组织手段上同样可以产生真切的空间感知与场效应。如主旋律与伴奏的和声之间，可以使人体现出前因与后果的空间关系。再比如，对音乐进行强弱变化处理，也可产生距离远近的空间感。著名的俄罗斯民歌《伏尔加船夫曲》从PPP开始到PP再到mf，f直至ff，达到，然后逐渐转回f、mf，再减至P、PP最终回到PPP，仿佛使人身临其境：一群瘦弱如柴、背弯如弓的纤夫，喊着"哎呦呵"的劳动号子，拉着一条沉重的大船，沿着坎坷不平的伏尔加河岸由远而近步步走来，然后又"对着太阳唱起歌"，一点点地离去，透过茂密的白桦林，只留下渐行渐远的悲壮歌声与长长身影，直至消失在伏尔加河的尽头。

三、色彩艺术与音乐

宇宙万物中存在着极其丰富的色彩，各种色彩通过人的视觉神经反映到头脑中，产生种种色彩感觉。如：青山碧水、蓝天白云、红花绿叶等等。苏联著名小说《盲音乐家》曾经出色地描写了盲音乐家怎样在他的音乐启蒙老师的帮助下，以音响的震颤高低来体会视觉形象和自然界色彩。我们不妨摘录一《盲音乐家》原文。"什么叫做红色的钟声，你可以了解得不比我差；你在盛大的节日，不止一次地在城里听到过这种钟声，只是在我们边区没有这种说法。"

音乐作品中的色彩感，主要是由乐队演奏有特定立意主题的乐章，各种乐器发出的、各具特色的音响旋律汇合连贯成悦耳动听的音乐，也包括独奏者和歌者唤起听众对特定生活场景的联想和想象，从而构成音乐的色彩感。贝多芬的《田园交响曲》中，双簧管不时地奏出优美悦耳动听的旋律，表现出大自然恬静的田园风光，因而给人一种"绿色的世界"的色彩联想。在乐曲里钢琴独奏的旋律中，以明快的节奏于高音区奏出的一连串流畅的"琶音"，给我们的是一种清清流水似的感受，人们也就自然而然地联想到"蓝色"，因为，明朗的蔚蓝色的天空，往往会在清清的溪水中有天空蓝色的反射。

四、建筑艺术与音乐

建筑如同音乐，有主题（如主楼），有副题（如群楼），有插部（如庭院亭阁），有连接部（如走廊），有旋律（线条），有基调，有装饰，有起承转和，有，有休止，有重复......二者在结构内部讲究的匀称、平衡、对比、呼应、协调、和谐的关系，是完全一致的。这些艺术手法都是建立在合理的数的关系上的，通过合理的数的关系和严密的逻辑来表现人类的情感和审美观。

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Magazine114乐文化鉴赏，注重对我国本土音乐文化的传播与发展。自上世纪初开始我国音乐教育经历了四次浪潮(20世纪初学日本，20一30年代学欧美，50年代效仿苏联，80年代再学欧美!，至今仍存在效仿欧美的现象。欧洲中心论使得大部分音乐院校以西方音乐教育体系作为教学主要对象，而作为本国灵魂的民族音乐却成为附加模式。②全球文化趋向多元化的趋势以及多元音乐文化教育的发展，要求我们首先在音乐教育过程中应重视本国内部音乐文化的传承与发展，注重对本位音乐教育的回归，尊重我国各民族本土音乐文化的传承。在熟知本国音乐文化基础上进而推动对世界音乐文化的学习。作为基础性课程的音乐艺术鉴赏课在学校音乐教育应该承担此任务，并应该在实践教学过程中加大对本土音乐文化的鉴赏模块，包括对各民族音乐历史文化以及相关音乐的认知、辨别及其理解与评价。③推动我国各民族音乐文化的传承与发展，使高等院校培养出来的学子具备本土音乐文化的正确认知意识，以此进一步增强他们对我国多民族地区的民俗音乐的热爱与感知;另外地方院校在音乐鉴赏课程中应增设本地区音乐文化鉴赏模块，使学生在自身固有文化基础上更深刻的感知家乡地区音乐文化的魅力，土曾强对自身文化的认同意识。

2、音乐艺术鉴赏课中应加强对世界其他音乐文化的学习鉴赏

以此推动学生对世界音乐文化的了解，并进一步使学生了解世界各地区各民族的音乐文化是平等的，使学生学会从文化的角度阐释世界各国的音乐，进而引导学生以文化相对主义价值观的眼光来看待世界各国的音乐文化。音乐艺术鉴赏课自开设以来大都以西方欧洲文化为主要内容，其鉴赏发展脉络也是以西方音乐史为主，而对于除此之外的其他国家地区音乐文化提之甚少，对于这些内容有些教科书干脆忽略。自多元音乐文化进入我国音乐教育视野以来，我国许多音乐学者提出了开设世界音乐课程的建议，并在当今音乐教育中已有部分高校已实施，但其普及程度及其教学质量仍不乐观，音乐艺术鉴赏课作为普及音乐文化知识的课程应在此基础上应承担此重任，加强对世界多地区音乐文化的普及认知，一方面有利于多元音乐文化的传播发展，另一方面推动了世界音乐文化的传承，使更多的学生接触并欣赏的不同地区不同世界的音乐文化，提高学生的音乐视野及其文化修养。

3、结语

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关键词：中国钢琴作品音乐表现

众所周知，演奏中国钢琴音乐作品，必须具有良好的音乐素质，娴熟地掌握中、外钢琴演奏的基本技术和技巧，但是，仅仅掌握技术性的东西还是不能够准确表现出中国钢琴音乐的风格与特征的，要想演奏好中国钢琴作品，还应在非技术方面多下功夫。

一、演奏思维的把握

“思维是意识的核心，是最高水平的心理活动。演奏思维是一种对音乐演奏的整体构想，可以看作是指导演奏的内在洞察力。”①

“全方位思维”是一种纵横相结合的综合的思维方式，演奏时，强调音的纵向结合的变化（如和声、织体等），同时也强调横向的流动方式（如旋律声部的进行），讲究清晰的层次感，着重于结构的整体性、均衡性和统一性，具有建筑式的严密性。

中国钢琴音乐作品，其进行的渐变性、织体运用的单声性和以旋律表现为主的特点都决定了中国的钢琴作品强调横向的多层织体流动性，构成连绵不断向前传递的线形轨迹式的思维。许多中国钢琴作品都是从单音旋律的古曲改编而成的，同时继承了民族音乐的传统，主题旋律和音乐结构都着重于音乐横向的流动与变化，讲究线条的流畅和结构的连贯。但是钢琴本身的多声特点使作品具有典型的多声性，横向的旋律、纵向的和声及多变的节奏所构成的丰富的钢琴织体，仿佛是一个“立体化音乐造型的缩影”，这就要求演奏者具有“全方位思维”，从演奏思维的宏观控制上准确地理解音乐的特点，表达音乐的内容与韵味。

如《梅花三弄》第一次主题乐段的演奏，就需要建立“全方位思维”的演奏思维特点（见谱例1）。这段音乐由四个声部组成：持续的低音和弦构成统一的背景；十六分音符的平均陪衬；主题旋律的进行；高八度音程的点缀。要准确地演奏这段乐曲，除了要清晰地表现主题旋律外，还必须把其他三个声部交代清楚。

因此，演奏中国钢琴作品，必须具有“全方位”的思维方式，在和声织体进行中注重旋律线条的美；在旋律的流动中注重多声结合的变化。努力做到“多线条思维”和“全方位思维”相结合。这样才能准确而完美地表现出浓郁的中国民族特色和风格。

二、音乐情绪的表达

对作品的深入理解，弹奏出作品特有的情绪，恰当地把握和传递真挚的情感和诗意，表达作品的音乐思想，是演奏乐曲成功的关键，也是演奏中难掌握的一部分。

如《夕阳箫鼓》就表达了真挚、深刻，具有诗意的情感。乐曲先用随意性较强的引子引出主题，而后随着主题音乐的发展、旋律的进行、表现手法的越来越丰富，音乐的情绪也就越来越高涨，乐曲达到后又都归于平静。乐曲的演奏情绪都是按着“舒缓（酝酿）——开放————收束（尾声）”的次序进行的，在逐渐变化的过程中，实现乐曲结构的浑然一体和平衡统一。

在《夕阳箫鼓》中，作曲家着重表现了江南水乡风光的秀美和恬静，在作品的内部，通过音区、节奏、声音、力度等各方面因素的变化，把音乐情绪表达得起伏有致。通过起伏跌宕的主题变奏，从夕阳西下、泛舟江上，箫鼓齐鸣的情景开始，用江风吹拂、水波荡漾；浪花飞溅、水鸟嬉戏；江浊浪涌、连绵起伏表现音乐的；而后描写渔夫摇橹，畅游月夜等情景。作品运用多种方法把情绪表现得非常准确。

三、音乐神韵的表现

如果说情绪是作品内容的特定人生感受与体验，那么神韵就是作品所蕴含的风格与魅力。

中国音乐之优点在于其悠远的内在神韵。神韵是决定音乐风格特征的决定因素。“以韵传神”，即表现乐曲的内在神韵，是演奏中国传统音乐时体现民族音乐精神的内核。“韵，是一种总体上令人回味的感觉”，“它建立在技巧与作品内容、风格的高度统一上。中国传统音乐的神韵主要体现在旋律的线性美及音色与‘音势’的丰富变化上。”②由古曲改编的钢琴作品《梅花三弄》主题的第三次出现（见谱例2），就继承了这一特点。作品跌宕起伏、委婉流畅的旋律，虚实相间、刚柔相济的音色，抑扬顿挫、轻重缓急的音势，整合在一起蕴含了一种特殊的韵味，准确地表现出作品的艺术美。

要演奏出中国钢琴作品的“神韵”，除了通过理解乐曲的旋律、节奏、和声等音乐形式因素的组合和变化而产生的特殊风格与魅力外，还要运用美学思想来揭示作品的深刻内涵，从而使作品富有神采且韵味无穷。演奏者主体意识中的音乐体验其实是一种联想体验，在这种体验中，音乐激起了视觉的想象，主体意识内的反应不是唤起某种对生活的具体联想，而是唤起某种幻象。如在作品《梅花三弄》中，作曲家以物咏怀，以梅花傲雪而不屈、耐严寒更高洁的形象来推崇人们对人性品质、高雅格调的追求。南宋诗人陆游《卜算子·咏梅》这样写到：“无意苦争春，一任群芳妒。零落成泥碾作尘，只有香如故。”诚如《伯牙心法》所云：“以梅为花之最清，琴为声之最清，以最清之声写最清之物，宜其有凌霜高韵也。”

同样，听《夕阳箫鼓》这首作品，仿佛也能看到一幅美丽的风景画，画面中似有“夕阳西下，水波荡漾，箫鼓齐鸣，渔舟唱晚”的景象。音乐激发出人们大量的思想活动，也激起了进一步联想。《夕阳箫鼓》是借景抒情，它更注重表现了江南水乡风光的秀美和恬静，其作品中的许多情景与白居易的《琵琶行》有着千丝万缕的联系，仿佛就是“大弦嘈嘈如急雨，小弦切切如私语，嘈嘈切切错杂弹，大珠小珠落玉盘”的真实写照。诗人白居易以“嘈嘈”模拟粗弦发音的厚重、喧响，以“切切”模拟细弦音响的尖细、急促，以“嘈切”的交替来表现不同音高、色彩之对比、变化，使语言之声模仿乐器之声，结合的是那么巧妙。而作曲家也是在作品中模仿了琵琶扫弦的音响，使弦律、和声、节奏等融为一体，营造出了诗中所描写的意境（谱例3）。

可见许多中国钢琴作品都体现了音乐当中的美学观点，通过美学观点对音乐的影响，大大丰富了音乐的艺术表现力，以此来真正表现出作品中的“神”与“韵”，体现了中国传统音乐“天人合一”的美学思想。

注释：

①②《根据传统音乐改编的中国钢琴曲的演奏特色》代百生《音乐研究》1999.3第1期

参考文献:

[1]《中国钢琴文化之形成与发展》卞萌/著华乐出版社1996.8

[2]《根据传统音乐改编的中国钢琴曲的演奏特色》代百生《音乐研究》1991.1

[3]《音乐教育的哲学》（美）贝内特·雷默/著熊蕾/译人民音乐出版社2003.5第1版

[4]《音乐与文学》罗小平/编著人民音乐出版社1995.12

[5]《钢琴曲〈夕阳箫鼓〉音乐分析》李西安《中国音乐》1982