服装设计范文

导语：如何才能写好一篇服装设计，这就需要搜集整理更多的资料和文献，欢迎阅读由公务员之家整理的十篇范文，供你借鉴。

篇1

摘要：市场服装设计设计师

服装作为商品，有着自身的功能和价值。“一件服装要美观、舒适也许并不需要太多的设计”，假如这句否定设计师职能的话，单纯从穿衣行为而言或许是成立的。对于发展中的服装市场，我们需要设计师吗？回答无疑是肯定的，但就目前国内目前状况而言，情况并不乐观。绝大多数服装企业宁可要一个旧式的裁缝或打版师，也不会聘请一位设计师。在他们眼中，设计师只不过是一种象征，是企业“做大”以后用来点缀门面的东西，是有钱大企业的奢侈品。其实不然，现今的设计师触角所及的是企业的方方面面，其中包括了对市场的调查，对产品的定位，设计过程中对面料、款式独特的把握，以及产品用何种形式去宣传，及使用何种营销手段等。夸张一点说，设计师可以是一个万能的人，小到对一颗钮扣、一根线的选择，大到对整个时代及市场形势的把握，这些都是一个高素质设计师应尽的职责。

服装企业需要什么样的设计师？当许多服装专业的毕业生离开校园去圆设计师之梦的同时，诸多企业却感叹“人才难觅”。诚然，现在许多科班出身的设计师只会“纸上谈兵”，缺乏实践经验，这是我国对服装设计人才培养过程中不尽如人意的地方。首先，作为培养服装设计人才的高校，对设计人才的培养有着义不容辞的责任。而扩招后，面对大量的教学任务和一大群刚从高中课堂进入大学课堂的扩招学生，教师仅有的一点创作科研以及进修提高的时间被压缩得所剩无几，而今天的学生对教学主体即教师的要求也越来越高。这种教和学的矛盾在各大高校显得尤为突出，我们在各大论坛网站也都能看到这类的讨论。学校曾做过一份“教师课堂教学情况反馈意见”的调查，也就是学生评教，从教学内容、教学方法、教学态度、教学效果等方面给教师打分，结果并不乐观。面对当今信息发达的时代，传统的教学模式已经不能满足学生的要求，教学环境的改善、教学设施的更新换代固然重要，而教学水平的提高、教学方法的探究、知识和观念的更新才是根本。其次，服装企业的确应该给这些年轻的设计师更多的机会和信心，究竟未来的市场要靠这一代设计师的雄心和聪明，这也是我们的服装工业体系实力还较薄弱的表现。从众多成功的品牌中我们看到了新一代设计师的影子和希望。19世纪以来，国际服装业广泛采用新技术，而中国服饰产业发展却显得十分缓慢。虽然中国服装出口已占绝对优势，但80%都是接牌加工，以廉价取胜。中国服装市场发育不够成熟，服装科教还处在起步阶段，这些都制约着对服装设计师全面素质的培养。虽然政府积极发展服装产业，但对设计师的支持不够，造成企业和设计师分家，阻碍了设计师的发展。

从近几年的发展来看，我们能够看到服装设计教育的成果和服装行业的希望。大品牌和国际合作交流的机会增多，和国际接轨的步伐加快，对设计人才的重视使我们的设计教育面临新的机遇和挑战。北京、上海、大连每年的服饰博览会、国际时装周、各种比赛的举办以及为高校新人举办的各种赛事等掀起的服装热潮波及全国各地，更主要的是这些城市接纳设计师，需要设计师。公司、企业都以拥有自己的闻名设计师为荣，为设计师创造良好的环境，让他们去发展，充分地去表现个性，设计师可以在其间得到很好的实践学习机会。有的公司甚至将品牌旗下的年轻设计师送到国外学习深造，从长远的发展角度打造品牌。虽然这些设计师们的某些作品很少成为公司的正式商品，但公司的形象已发展成为有着强劲设计能力的公司，为创立名牌打下了坚实基础。

篇2

1数码印花技术在服装设计中的应用

1.1数码印花在服装设计中的出现在过去的服装设计过程中，设计师们能够自己把握的往往只是服装的款式，而对于服装上图案的设计与创新则较为困难，即便设计图纸上的图案、纹样再如何天马行空富有创意，面对传统的印花技术，设计师们也大都束手无策。尤其是一些个性化创意极强的服装，比如舞台装、创意装等服装，采用市场上现有的图案面料很难将效果准确的表达出来。有些设计师会在设计之前，先去面料市场寻找中意的图案面料，之后再进行服装设计，这样大大局限了设计师们对设计灵感的展现。即便是设计好完整的图案内容，又由于传统印花技术在技术上的局限，往往会导致图案的色彩和层次细腻方面大打折扣。而数码印花这一技术的出现，恰恰弥补了这个缺陷。英国伦敦品牌百索·布郎蔻（Basso＆Brooke）自2004年实验性地将数码印花应用于服装设计中，数码印花在短短的几年里便席卷了各大时装周。在2014年春夏时装会中，各大时装周上不断出现了各式各样丰富多彩的数码印花图案设计。或抽象或写实的花卉图案，各地的风景名胜、摩天大楼，具有宗教意味的复古花纹，色彩绚丽复杂的民俗风情图案等，都被运用到了服装的设计中。英国插画家兼时装设计师克里斯托弗·布郎蔻（ChristopherBrooke）与巴西平面设计师布鲁诺·百索（BrunoBasso）均毕业于圣马丁艺术学院。在2001年初次相识后决定创建自己的品牌，二人合作的第一件作品于2004年问世，并赢得了伦敦时尚边缘（FashionFringe）大奖，创下了不小的知名度。起初，二人的设计常用大量的几何形和鲜明的色彩，强调视觉冲击力，充满了戏剧色彩和趣味感，他们发挥各自的特长，将平面设计与时装设计相结合。这是一次非常成功并且颇具影响力的创新，使得数码印花在那之后横扫各大时装周，引领起一股印花风潮，各大品牌开始对数码印花技术进行探索试验。1.2数码印花在服装设计中的盛行在2008年的春夏时装周中，百索·布郎蔻（Basso＆Brooke）的服装不再是单纯的图形与色彩，而是打出了“抽象主义”的旗号，将二维抽象的色彩和创作表现在三维的服装上，设计风格更加自由随意，打破了单元循环的图案，并赢得了众多资深设计师的好评。在其2014年的新品种，百索·布郎蔻（Basso＆Brooke）仍然延续印花设计，图案更加大胆独特，印花内容素材来源于世界各地的文化，改变的不过是灵感来源、设计主题等，不变的仍然是“乱花渐欲迷人眼”的各类数码印花。著名的希腊女服装设计师玛丽·卡特兰佐（MaryKatrantzou）以“数码印花女王”著称，在其设计中以错综复杂的印花为代表。她的设计灵感大多来源于各地风景名胜、现代摩天大楼，丰富却毫不杂乱的配色在质感、层次、轮廓下生动且富有视觉冲击力，俨然一张风景明信片。在普林（Preen）2014年春夏系列的时装秀中，设计师贾斯汀·桑顿（JustinThornton）和西娅·布雷加兹（TheaBregazzi）通过近几年对数码印花的探索，把花卉图案融入极具几何感的流线轮廓服装中，延续了二人设计组十多年“优雅中略带犀利”的招牌风格。美国设计师莫尼克·鲁里耶（MoniqueLhuillier）在2014年早春度假系列中也同样是运用数码印花技术，结合重复的平面构成方法制造出旋涡状眩晕感图案，设计出独立自信、极具个性的时装。杜嘉班纳（Dolce＆Gabbana）在2014春夏时装秀中，服装面料不只是单纯的印花，而是将蕾丝、皮草等面料与印花相结合，以及在印花面料的基础上进行面料二次再造，运用镂空、堆积等手法，制作出立体的花朵，更加推动近几年较为流行的复古潮流，平面与立体的结合突显精致华贵的气息。著名华裔设计师王薇薇（VeraWang）结合花卉图案设计出迷幻彩绘的连衣裙，海尔姆特朗（HelmutLang）将面料变为画板，制作的服装可以当作艺术作品来欣赏，以及亚历山大·麦昆（AlexanderMcQueen）的荧光印花系列，均是在风靡的数码印花的基础上进行的改进、设计和创新。纵观上述品牌的服装，如今的数码印花图案较前几年的相比，更追求细腻。他们不再是用简单的几何图形和大色块来突显电子感的数码味道，而是用柔美的花卉、精致的风景照片、绚丽的晕染效果等来提高数码印花的细腻质感。各大品牌推出的融合着数码印花的服装新品中，虽风格大相径庭，或妩媚妖艳，或文艺复古，或甜美华贵，但都有着数码印花的身影。随着数码印花在服装中的盛行，服装设计师们开始不再满足于数码印花带来的服装图案的革新，而是在数码印花的基础上开始进一步的设计和创新。1.3数码印花在服装市场中的推广服装市场中的印花服装相对时装周上的印花服装而言，减化了服装的造型和结构。一是由于服装周是服装市场的风向标，引领服装潮流的趋势，市场上的服饰并不是直接照搬时装周，要考虑到市场的需求、制作成本以及大众的审美等因素。二是当数码印花在市场上广泛流行起来的时候，使消费者更加注重图案的设计，此时如果加强服装的造型和结构，不仅会弱化服装的功能性和实用性，还会破坏图案的完整性，同时还增加了制作工序提高了制作成本。所以数码印花服装在服装市场中推广时较为审慎，经常采用简约的款式和廓型，容易穿戴，不仅囊括了紧随潮流的繁琐的印花图案，也符合当下消费者的审美，突显一种强有力的简约之美。

2结论

数码印花技术的出现与一步步完善，有利于平面图案设计与服装设计的结合，在弥补传统印花技术不足的同时，也将纺织印染行业的市场对准大众，实现印花工艺的商业化。当下的国内的服装行业的发展趋势早已开始向国外服装行业看齐，追求个性化、高质量，流行周期变得越来越短。而具有生产批量灵活、市场应变能力强等优势的数码印花技术，完全可以适应时下主宰着服装消费市场的“快时尚”。时至今日，数码印花产品充斥在人们的日常生活中，但是数码印花技术并不能完全取代传统印花，而是传统印花的一个较好的补充。工业设计中的新宠—3D印刷术的出现让人不得不相信，依靠科技的发展，数码印花技术必定会更加完善。

作者：崔莎莎 胡丹丹 单位：中原工学院

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一、杂技服装设计以杂技为本

杂技服装设计面临多种因素的影响，最重要的是离不开杂技，否则就成了空中楼阁，杂技服装设计要以杂技为本。设计前设计师必须反复观摩节目，与编导探讨节目设计理念，研究节目表演的时间、地点、演员形象，构思服装的设计意图：或柔美飘逸、或刚硬简洁、或空灵梦幻。杂技服装与人的形体美应该是和谐的，服装设计要更突出演员身体的健美、杂技技巧本身的美感、杂技节目内涵和理念的表现；要通过设计、制作、试装，再设计、制作、试装，不断地调整、完善，才能做到适合各方需要，达到最佳的舞台表演效果。如濮阳市杂技团精心打造的杂技剧《神龙部落》，因为是华夏远古时期的故事，服装设计师运用新古典主义唯美风格，突破传统杂技服装的表现形式，全面创新升华，尤其彰显了神龙、青铜器、甲骨文等中原文化符号；以自然、朴实、健美、拼搏的民族精神面貌，华美的服装与绚丽的背景相映衬，向观众呈现出一台气势磅礴、时空交融、古典时尚、亦真亦幻的视觉盛宴。比如，神龙服装设计运用细小的龙纹刺绣将龙纹印染在金色黄的龙服上，龙纹的形态憨态可掬，随着灯光和音乐节奏而变化，使表演激情四射，活泼中透露出贵气，展示了神龙积极向上的精神；《绸吊》一节的表演是在空中完成的高难度动作，演员像小鸟一样在空中飞翔，为展示优美的舞姿和动作的飘逸，服装材料选用了氨纶面料，氨纶面料富有伸缩性，使表演者的动作自由舒展；整台节目的服装设计和谐统一，造型优美，气势磅礴，服装与杂技动作和编导意图融为一体，达到最佳的舞台表演效果。

二、设计蕴涵中华民族元素

随着我国品牌服装在国际舞台的一步步被确认，中华民族风彰显了别致的魅力与光彩。按照时代标准和民族元素设计的杂技服装，也衬托出杂技的艺术美。在第15届中国吴桥国际杂技艺术节上，中国吴桥杂技艺术学校的《“秦俑魂”——独轮车技》获得金狮奖，它的服装设计的民族性给人们留下了深刻印象。节目以我国秦朝兵马俑的战斗生活为背景，编导将民族的、历史的、传统的象征性符号，融入表演当中，赋予很浓的民族特征，展示了中华儿女不屈不挠、顽强拼搏的民族气概。《俏花旦——集体空竹》是多次荣获金奖的杂技作品，节目运用了京剧元素，通过京剧服饰、音乐、动作、身段等成功体现了国粹大气的夸张和典雅的华丽，是对民族文化精神和理念的现代化诠释。现代杂技服装设计体现传统风格的塑造和诠释，注重设计细节与现代时尚语言的融合。随着我国品牌服装在国际舞台的一步步被确认，中国风和民族风都彰显着别致的魅力与光彩。在杂技《神龙部落》的设计中，服装设计师以神龙为主体、对面料进行抽褶处理，在面料上喷绘甲骨文图案，将弹性面料撑开喷绘，保证喷绘的图案穿在演员身上具有艺术美感。用青铜器、唐三彩做道具、用黄河做背景，上下数千年厚重、鲜明的中原文化符号激情呈现，成功融入了中华民族元素，通过杂技服饰对民族文化精神和理念进行现代化诠释，从古典中捕捉到灵感并进行新的创造。

三、杂技服装设计与情景交融

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关键词：舞台 服装 造型 材料 表现

中图分类号：G712 文献标识码：A DOI：10.3969/j.issn.1672-8181.2014.04.058

1 引言

在古希腊戏剧演出时，演员戴着色彩绚丽的脸谱，穿厚底的靴子，采用标志性图案的衣服和裤子起到夸张人体的效果。观众距舞台很远，也能看清角色。现代戏剧及舞台美术的设计思想不断变革，为写实、非写实的舞台服装设计者开创了各自的广阔天地。

2 舞台服装的内容

舞台服装一般分人物服装、演员服装两大类。舞台服装不同于时装或生活服装。舞台服装有着自身剧情需要。首先就是它的美化效果，其次是时代效果，再次是服务效果。 由此可见，舞台服装是多元化的，需要从事舞台服装设计师深刻领悟，才能设计出广大戏剧爱好者喜欢，又符合剧情需要的经典作品。

3 设计舞台服装的的四个要素

我们知道，时装设计师多是依靠个人思维和主观性进行服装造型、色彩变化、面料改造。而舞台服装设计师却要受到很多客观因素的制约，影响舞台服装设计四个要素：剧本、导演、演员、舞台。

舞台服装设计之前，设计师必须反复阅读剧本，通过揣摩和分析渐渐转化为人物形象，并通过服装语言表现出来。人物信息研究，让人印象深刻过目不忘的舞台服装，具有标志性和代表性。准确、深刻表达是对剧本，角色的诠释。好的舞台服装直接关系到一个剧目是否成功。

不同的导演执导下，应有不同的构思。由于导演人生经历不同，受到东西方文化影响，审美自然各有千秋，各有喜好。舞台服装设计师应随机应变，适应不同风格的导演。沟通、磨合、聆听，阐述自己的设计理念与表现手法。利用一切技术处理手法，结合导演对剧本的要求，可以造型夸张变形，色彩多样丰富甚至怪诞。新版《红楼梦》的服装设计就是一个很好的例子。结合导演理念，加入中国戏剧的元素，创造出全新的舞台服装。

演员是舞台表现的灵魂，形象、性格、气质与学识构成了他的个人魅力。舞台服装符合剧情，导演也欣赏，但是未必合适演员的形象特质。服装与演员良好的结合，是舞台服装设计必须思考的问题。杨丽萍《孔雀》舞剧，结合她的纤细形体，加入夸张的色彩，以及舞蹈特有的动物元素，设计出来的舞台服装产生了强烈视觉冲击力，是设计作品的典范。

以“舞台”为标的物的设计，舞台设备、灯光、布幕、音响、演出道具。它们影响着角色的外部形象，没有光的配合，整个演出将会黯然失色，平淡而无味。舞台布景需要灯光来渲染气氛。在2013年cctv春节晚会的舞台表现中，加入大量的灯光设计，同时配合情景服装，给了全国人民一个全新的视觉享受。

4 舞台服装设计中材料的运用

服装材料，可以各种全新的面貌出现。柔软型面料可任意塑形，产生的线条柔顺，优美。硬挺爽型面料制作的服装立体丰满，外形膨胀，视觉面积大。光泽型面料在灯光的照射下发出七彩的光芒，炫目灵动。透明型面料质地轻薄而通透，具有优雅而神秘的艺术效果。

打破常规的服装选材，运用人工合成材料。如建筑材料的使用；有石头、木材、金属条、各色玻璃等。包装材料的使用；卡纸、塑料、喷画等。植物材料的使用；新鲜的花朵，风干的花束，植物的根茎，树叶等都是很好的舞台服装选材。对面料进行改造，运用材料的多次缝制粘贴及刺绣色彩的搭配，化学腐蚀抽纱烂花改变面料的质感。使面料形成不规则，不对称，不完整的破烂质感，会给观赏者产生意想不到的视觉冲击，具有超现实主义的意味。

5 舞台服装设计中解构主义的表现

从结构到解构，是时展审美的新趋势。因为它充满个性，富有生机，聚集表现力受到推崇。解构主义是建立在对传统空间结构的怀疑基础上，设计重新分解，完全背离服装人为的穿着理念，变构重建从独立的艺术品的角度去考虑舞台服装设计的理念。毫不犹豫的摧毁传统，以现实感、随意感，以自由的心态，采用扭曲变形，折皱拼接进行混搭。使舞台更具活力，表现更有张力。同时加入建筑、雕塑的空间元素，脱离服装原有的人体工程结构，看似凌乱无形，却充满强烈的生命力。服装体积巨大，外形怪诞的解构主义设计更能在舞台上独树一帜，受到观众的喜爱。

6 舞台服装发展现状及趋势

舞台服装设计的现状，舞台美术设计从简单幕布式搭台布景，到立体化实物化并运用各色幻灯和电子激光，逐渐形成舞台设计的潮流。以往舞台服装单调的款式、过时的色彩、保守的造型，都不能满足现在舞台美术设计的需要。多样性、时尚感的创新意识，融合社会热点话题，将娱乐大事件、影视大片等观众关注的内容融入服装设计理念中，对创作意图至关重要。观众能直观的欣赏到更为前沿的流行元素，使舞台服装融入舞台剧中。

目前国外已经有很多著名品牌的企业生产舞台服装。而在中国单独设计生产舞台服装的公司却寥寥无几，大多数为小型工作室制作完成，缺乏系统完善的品牌竞争。我国舞台服装无论是在艺术表现力还是美感上远远不及欧、美、日、韩等国。发展我国的舞台服装设计要结合中国元素。我国由多民族组成，设计素材源源不断，坚持特色文化并可借鉴国际化的理念。总之，舞台服装设计要有超前的设计理念，同时对发展实用类服装起到了导航推动作用。这种推动作用将是众多服装设计的风向标。

参考文献：

[1]希弗瑞特.时装设计元素：调研与设计[M].中国纺织出版社，2009.

[2]潘健华.舞台服装设计与技术[M].文化艺术出版社，2000.

[3]吕志昌.影视服装设计[M].中国传媒大学出版社，2009.

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【关键词】服装 艺术 时尚 商业化

一、服装与艺术互生好感

服装设计并不是展示在我们眼前的某一件衣服，而是一种过程，一种被创作的结局。设计师多年的知识全部溶解在这个创造中，因此使得设计后的衣服有了“精神”和“魅力”，好的设计为服饰增添了附加值。

我们容易把时尚潮流看作是外在的，将艺术看作是内在的，时尚与艺术是有着合集的两个不同集合，都隶属于“生活”这个巨大的容器。好比Vivienne Westwood崭露头角的那个年代，在被称为“颓废一代”的朋克青年们的世界里，紧身萝卜裤、带有金属环扣的皮夹克、爆炸头便是“时尚”的代名词。但被包裹在萝卜裤和皮夹克之下的“讨厌工作、厌倦现有社会体制”的反叛内心才是本质。在那个年代，这种本质被表现为摇滚乐等其他“不合适宜”的艺术形式。

时尚与艺术两者的源起其实有很大的重叠性，正如服装设计师胡蓉讲到“艺术是我疲惫时的一剂兴奋剂，或是一片混沌中的强大冲击力，或是嘈杂中短暂沉静的片刻享受。服装设计对于我是一份工作，它所带来的激情已经越来越少了，所以艺术就不失为我打开设计思路的一种方式。”马可的“无用”系列在巴黎时装周后，引发了不少关于是艺术展还是时装秀的争论，而“无用”系列的设计也与一般意义上的华丽，性感这类字眼毫无关系，业余模特的脸上的化妆也不是眼影口红或者亮片，而是如泥土般涂抹开的，充满土地气息的特殊材料。它的价值在于情感的传递和表达，在这个意义上，所谓的流行，时尚都是不重要的。无论是服装设计师还是艺术工作者，都要有自己的主观感受，然后才能去感染别人。服装设计摆脱不了物质的本性，也摆脱不了商业的影响。

二、时装是商业和艺术的结合

服装设计是商业和艺术的混血儿，设计80%倾向于商业化，是为了实际的销售，20%是为眼睛和心灵所做的，是艺术性的拓展，可能性的尝试。

艺术是不着边际，没有限制的一个东西，它可以完全表达艺术家的理念。你当然可以用艺术去包装这件产品。服装设计就是一门生意，但这丝毫不影响设计师们用艺术的手法去呈现自己的作品。设计师的设计理念，设计作品都可以用非常艺术化的形式表现出来。一个成功的设计师必定有他特有的理解，诠释和驾驭商业成分的能力。艺术素养对于设计师品牌的商业成功来说是至关重要的，但商业性毫无疑问才是服装真正的特性。

在工业技术日益发达的今天，人文艺术修养可能是设计师们相互竞争的最后一厘米，决定成败的那一击。但我们应该将艺术追求放在心中，而不能把自己当作艺术家来生活，背离了商业性的设计终究会无人问津。时尚是一种更新自我的生活方式，主导设计的基本价值观是力图在各种矛盾冲突中寻求一种相对平衡。优秀的设计师应该在坚持自我价值观的前提下，根据时间空间的变化不断自我更新，以生活为灵感不断创造出兼具艺术性和商业价值的作品。

要知道今日的国际时装节竞争何其激烈，就算评论界对你刮目相看，市场会不会为你买单还是个未知数。就拿日本的Comme Des Garcons品牌来说，无论是设计和本身还是舆论反应都是非常的正面，但在欧洲的销量却始终不能与欧洲本土品牌相比，其销售市场主要还是在日本国内，而比利时安特维普六君子又是另一个故事，他们的出现正好迎合了当时的极简潮流，加之他们卓越的哲学观和创造力，又处在欧洲这个时尚核心圈之中，得天独厚的资源加之后期成功的商业运作才造就了他们的辉煌。

所以，艺术性和商业性是成功设计必须同时具备的重要因素。就象陈逸飞，他是一个成功的商业艺术家，充分平衡了艺术与商业的关系，但在功成名就之后，他依然执著投资于各种艺术事业，甚至晚年不惜代价投入陌生的时装和电影领域等。

三、艺术在服装中的运用

艺术与时尚向来形影不离。相比其他艺术类别，绘画对设计大师们的影响更为直接。本季，不少设计师不约而同地从名画作品中汲取灵感，这些传世画作早已无可辩驳地得到世人的肯定，将其融入现代时尚中，自然能获得不同寻常的视觉效果。其实，每一幅画背后都潜藏着不同时代文化背景，以及画家不同的艺术感触。所以当这些作品被运用到设计中时，我们就能领略到设计大师们迥异的艺术选择。

《戴珍珠耳环的少女》作为与伦勃朗、梵高齐名的荷兰画家，维梅尔的画风诗意优雅，如他本人一样，保持着一丝神秘。《戴珍珠耳环的少女》是他的重要代表作，这幅画以静谧的黑色作为背景，衬托了少女欲言又止的复杂神情。得益于同名电影，该画得到了更多关注。本季LV一组礼服的颜色与质感完全来自维梅尔的绘画，渐变的色彩运用使服装看起来既复古又摩登。与画中的少女不同，LV将珍珠耳环换成了手袋，又一次把艺术和商业成功地结合在一起。HAT TRICK的帽子本季秀上通过高科技处理后具有羽毛效果的帽子，几乎是原画的再现。

《燃烧的桥岸》威廉•特纳14岁进入皇家艺术学院，是英国历史上有名的绘画天才。特纳擅长画水彩，他注重光线和色彩的运用，他的作品多表现大自然的力量，可以说是最早的印象派。他的风格不仅影响了20世纪很多画家们，也被BASSO&BROOKS结合到服装设计中，使一件本没有任何特别之处的风衣，充满了艺术气质，古典与现代结合得天衣无缝。

MARC JACOBS的演绎下的显得如此冷艳，他的T台女主角喜欢玩男女换装的游戏，这正好与那个时代极致奢靡的美女画家Tamara De Lempicka笔下的人物一一对应。电影《绿野仙踪》的人物被Heatherette的设计师运用到简单的背心连衣裙上，个性鲜明的主角本身，形象的强烈冲击力和设计师疯狂大胆的构想不谋而合。

四、总结

时尚与艺术，两者之间是完全独立又眉来眼去，忽远忽近的暧昧关系，两者之间慢慢互生好感。跨越艺术领域让人的眼光和思维打开，而并不是影响服装设计本身。

艺术与服装缠绵，艺术幻觉无处不在。

参考文献：

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一、项目教学法的基本理论

项目教学法是以教学项目为主线的一种全新的教学模式，其目标在于提升学生的自主学习能力和促进学生的全面发展。也就是教师结合教学的实际需要设计教学项目，综合运用各种资源引导学生参与到项目中，并且让学生成为项目实施的主体，即资料的收集与整理、设计方案的提出与项目实施与完成等都由学生自主完成。这样会更好地掌握项目教学的全过程，及时发现和处理项目实施过程中出现的问题，使整个项目朝着好的方向发展，进而获得更好的教学效果。

二、服装设计专业传统教学模式中的缺陷

服装设计专业是一门实用性和综合性较强的学科，而服装设计专业传统教学模式的缺陷主要体现在以下两个方面。其一，教学实践匮乏，教学活动简单、程式化，实践课程数量总体而言比较少，部分课程不能结合市场的实际需求来设计和安排，导致学生学习的积极性不高，最终导致学生实践和创新能力不足。其二，教学方法过于呆板，在教学过程中不能够因材施教，对所有学生都按照同一种教学大纲和教学方法进行培养，忽视学生兴趣和能力的差异性，磨灭了学生的学习兴趣和热情，培养出来的学生缺乏个性。

三、项目教学法的应用

项目教学法，是在课堂教学中把理论与实践教学有机地结合起来，充分发掘学生的创造潜能，提高学生解决实际问题的综合能力的一种教学方法。目的是使学生的学习更有针对性和实用性，学到了今后就业所必须的技能，包括实践能力、分析能力、综合能力、应变能力、交流能力、合作能力和解决实际问题的能力。就服装设计专业而言，服装结构设计是一门涵盖知识量非常广泛的课程，它是理论与实践性均强的学科，而且很多理论需要在大量的实践中理解和领悟，通过对该课程的学习主要提高学生的审美能力、绘画能力、结构设计表达能力和创新能力，当然还要提高学生的综合素质以适应社会的需求，因此，教学中的项目设计很关键。

好的学习任务，首先应能激发学生的学习兴趣，引发其思考，使学生产生解决问题的欲望。同时，提出的学习任务应该适应不同的学生，满足各层次学生的发展需要，做到因材施教。项目设计质量直接决定学生的学习质量。因此，项目的设计至关重要。

1、创设实践可行的问题，引导学生自学。老师设计问题的主要目的是通过学生对问题解决活动，学习知识技能，激发学生的学习动机，发展学生的思维能力、想象能力以及自我反思的能力；同时，促使学生把学到的知识技能应用到日常的学习和生活实际，甚至间接或直接地参与到社会生产的各项活动中去，用“问题”来引导学生自学。

2、要注意项目设计中的层次性和学生的个体特点、知识接受能力的差异。要以“学生为中心”，设身处地为学生着想，要注意学生的特点与知识接受能力，充分考虑学生的知识、认知能力和兴趣，等等。比如，研究半身裙的结构设计中，有研究款式造型种类的，有研究面料的，有研究结构设计的，等等。

3、项目的设计要让学生积极参与。精心认真组织教学内容，使学生能顺利地解决“问题”。同时，让学生自己发现问题，提出问题，寻求问题解决的方案。让学生讨论分析并提出完成某个项目计划教学中的问题需要做哪些事情。例如，我在教半身裙的结构设计时，先让同学们自己搜集各种半身裙的款式，然后，进行分组研究半身裙的结构设计，提出问题，教师给予启发和指导，最后，由每组找个代表讲述研究结果。这样不仅让全班同学都能参与进来，调动全体学生的积极性，而且还能培养他们的自学能力、表达能力及合作意识。在教学过程中，要引导学生积极参与，以此来提高学生上课时的注意力，从而提高学习的效率。

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由于世界各地社会文化的发展层次和层度不一，对物质生活和文化生活的品味不一，对服装设计语言文化艺术的主观理解和客观教育认知不一，出现了服装设计中语言文化艺术的发展程度也有不少的差距。在这里，我们或许可以用西方现代艺术的发展历程作为服装设计中语言文化艺术发展程度的判断和评价标准，以此来度量一下当前服装设计中语言文化艺术的发展差异。我们都知道西方现代艺术发展所经历的六个时期：第一是对表现手段现实化的探索时期；第二是表现手段即艺术符号的确认时期；第三是艺术符号的形式与表达的内涵完全同一化时期；第四是艺术符号被提炼到夸张和变形但未失去原有的象征意义的时期；第五是艺术符号经历过夸张和变形进入极端且富有新意的时期；第六是艺术符号的非定型时期，即艺术符号变得让人无法理解，出现一种阶段性的新潮现象.如果以这种西方现代艺术标准来衡量目前的服装设计中语言文化艺术发展的程度，可以说目前的服装设计中语言文化艺术所表现出的设计品味水平参差不齐。某些地方的设计品味以及其服装设计中语言文化艺术所表现出的象征意义正进入第四、五时期；更有甚者，有极少数地方的服装设计品味即将进入第六时期。这些高品位的语言文化艺术设计的服装所呈现出的那种姿态超乎一般人的想象，但是它又没有完全脱离具体的语言文化艺术符号设计，即该设计处于一种形神兼备时期，既处于一种可视阶段又处于一种可感阶段，有其独特的“只可意会不可言传”之妙。当然，不可否认的是也有不少的服装设计产品处于第三时期，甚至是一、二时期，像这种一直处于该阶段且停滞不前的产品毫无新意可言，是一种设计观念无个性、无情感的重复，更是一种对服装设计的理念及服装设计中的语言文化艺术缺乏细致研究、深入发现、独特理解，只是简单的对贫乏的语言文化艺术设计的服装的再创造，没有新意的语言文化艺术设计.

二、语言文化艺术给提高服装设计品味带来的启发

实际上，不管是哪个国家服装的设计文化，很早之前就开始运用诸多的语言文化艺术符号来体现服装设计的独特品味，以一种比较现实、理性的展示方式来体现对服装设计中语言文化艺术符号的理解，以此来摆脱专门实用主义服装的普通和平凡。比如说我国各朝各代的朝服样式及其花纹图案的设计品味及设计要求。如用飞鸟作为文官朝服的图案，象征其文花；用走兽作为武将朝服的图案，象征其英勇。用飞鸟走兽来设计服装，不仅仅为其美观，更是为了体现封建帝制的政治文化，可以说从代表义走入引申义，从一般的服装设计图案提升到了国家政治文化的高度，可以说代表了政治符号的语言功能。因此可以这样理解：如果现在的服装设计仍不能快速的与语言文化艺术相结合，那么在未来的服装文化中无法找到其栖身之所，或者可以说将处于服装设计文化的最底层。我们可以预见：随着社会文化的发展以及时代的变迁，服装的设计将更依赖语言文化艺术的发展，对服装设计中语言文化艺术的理解将会决定服装设计品味的走向以及服装设计的地位。

三、影响服装设计品味的因素

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关键词：服装设计；服装结构；服装管理；影响

我们常说“衣、食、住、行”是日常生活的四大基本要素，而“衣”排在基本要素的首位，其重要性不言而喻。服装是人们日常生活的必需品，发挥着重要的功能作用。从物质生活上来看，服装能够从一定程度上反映一个人的生活质量和水平；从精神生活层面分析，服装是能反映出人们的审美品位甚至是文化知识水平。服装设计是服装整体的重要组成部分，也是直接反映服装层次高低的重要环节，而服装结构是服装设计基础的进一步延伸，并且设计对于品牌的销售和推广，即服装管理有一定影响。

1 服装设计的概念

服装设计是人们运用一定的思维方式加以美学特点而形成的，借助绘画的形式进行展示，选择合适的材料配合剪裁的方式理念，最后完成样衣实物的制作，它是整个服装的基础部分。服装设计工作包含多个方面，如服装的结构构思、面料选择、剪裁方式、工艺运用甚至是配饰装饰等一系列的设计，服装设计同时也能够体现设计师的思想理念、审美水准。每一件服装的设计都能传达出设计师的思想，代表了其设计的态度。消费者对于服装的选择是结合自身的外在体态结构和内在审美水准，服装的穿戴会影响一个人在他人心中的印象，从更深层次上来讲，服装设计的结构反映出国家的政治经济文化水平、社会文明程度、民族等。服装是设计者与消费者之间沟通的重要方式，也是设计师与社会联系的纽带，传递了设计师自身的观念，所以服装的设计在社会生活中的重要性不言而喻。

2 服装设计对于服装结构的影响

2.1 服装设计对服装结构基本要素的影响

服装结构基本要素一般分为三大类：一是服装的整体造型设计，展现服装的整体表达效果和风格，也是消费者对服装设计层次的首要印象；二是服装的结构细节设计，具体体现在服装各个部分的裁剪方式和细节处理，像衣兜的设计、纽扣的颗数和排列方式等一系列细节设计都属于此；三是服装的工艺设计，这是服装从设计理念转化为样衣成品的重要过程，从设计图纸的平面设计转化为立体的表达效果，具体又可以细分为服装的面料材料选择、服装的附带装饰品设计等。由此可见，这三项基本要素在服装结构中发挥着各自的作用，在整个设计的过程中都有着至关重要的意义。只有把握好服装结构中的各个要素，才能更准确表现服装设计理念。

2.2 服装设计对不同人群服装结构的影响

不同的人对于服装结构有不同的要求，不同国家和民族的身形和体态会有所不同。比如，欧洲和美洲人的身形比较高大，而亚洲人的身形相对就比较瘦小。世界上不同的民族有各自的传统服饰，这就要求服装设计应针对差异性考虑服装结构的个性化；在同一地区也要考虑消费者的身份、年龄以及不同场合来设计不同的服饰，所以要针对不同的人群进行合理的服装结构设计，尽可能考虑到各个方面的因素，以达到完美的设计效果。

2.3 服装设计对服装结构艺术理念的影响

设计师在考虑服装设计的基本需求之后，要对其进行个性化设计，展现自己独具匠心的艺术追求，达到更完美的设计效果。在服装设计的整个过程中，设计师利用各种艺术手段，创造出具有个性的服饰作品，使服装设计达到更高的艺术效果。在设计的过程中，设计师通常采用一些独特的技巧展现自己的服装设计特色，选择合适的材料和多样式的工艺，再搭配一些特色的饰品来凸显他们的设计理念，进而表现其个性化。很多知名设计师都是因为展现出自己与众不同的设计风格，其设计的服装才受到名人、明星的追捧。

3 服装设计对于服装管理的影响

3.1 服装设计对服装销售的影响

服装设计对服装销售总量的影响是最为直接的，消费者在购买时首先会考虑服装是否适合自己，如果服装的材质面料、工艺水平、整体结构以及上身效果都符合消费者对服装的期待，那么这件服装就会成为消费者的首选产品。只有服装的设计风格新颖、面料舒适、细节处理得当，才能充分展现服装设计的精良品质，从而得到广大消费者的认可，进而提高服装销售的总量。同时服装销售总量的提高也会影响设计师的设计积极性，对服装设计的发展有积极作用，所以两者间是相互促进、相互影响的关系。

3.2 服装设计对品牌效应的影响

服装的品牌效应影响也是极其深远的，通常消费者在消费时，首先会选定一个服装品牌，再对其中的服装产品进行挑选，这是符合大众消费心理的。所以越是知名的品牌，竞争越激烈，知名品牌如香奈儿、LV、爱马仕等都是流行且奢侈的代表。好的服装设计能够带动良好的品牌效应，同时品牌效应也能吸引更多的设计人才加入，进而设计出更好的产品。

3.3 服装设计对大众趋势的影响

随着社会的进步和人们对自我个性的追求，人们对于服装的要求越来越高，而这种个性化的自我追求也是在大众发展趋势下进行的。服饰的流行受社会大环境的影响，相对的，流行的服装设计也在潜移默化地影响着社会环境，高层次的服装设计受到大众的喜爱，代表了当下流行的大众趋势，如消费者对于服饰的选择和购买会受到晚会、影视作品中的主人公的穿戴风格的影响，设计师可以根据当下人们的关注内容设计出符合大众需求的服装。所以，可以说服装设计引导了大众对于服饰的购买方向。

4 结语

服装设计是一门综合性学科，包含了艺术学的各个方面，服装设计能够展现出设计师的独特理念，同时体现出其自身的艺术内涵，反映了消费群体的审美和物质生活水平。只有不断提升服装设计的水平，才能设计出符合人们的生活需求的服装，进而展现国家民族的精神风貌。

参考文献：

[1] 占琳.服装设计对服装结构与服装管理的影响[J].辽宁丝绸，2014（3）.

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舞台服装作为舞台艺术中的一部分，与舞台中其他艺术表现形式是紧密相关的，并且会受到其他艺术表现形式的影响与制约，如在舞台艺术表演中，舞台空间与服装的搭配程度、演员与演员之间的关系、角色自身的形体条件等都会对舞台服装造成一定程度的影响。所以在舞台服装设计中，舞台艺术中的其他方面也是要考虑的重要因素，只有实现舞台服装设计与舞台其他表现艺术的和谐，才能够取得相得益彰的效果。舞台艺术中的舞台与观众席会有一定的距离，而这种距离效应会使舞台服装强调的内容不在于缝制工艺，而是在于整体的轮廓与造型，尤其表现为对材质和色彩的重视。同时由于距离效应的存在，舞台服装在再现生活服装方面的材质选择上通常会以假代真，即利用类似的色泽与质地来仿制生活服装。而事实也证明，这种以假乱真不仅经济，而且在表现效果上也更加事半功倍。这也就决定了在舞台服装的设计中服装样式、材质、色彩的选用应当放在突出的地位上。

舞台服装设计与舞台其他艺术表现形式的关系

（一）舞台服装设计与化妆造型的关系

由于舞台服装设计与化妆造型都是为塑造角色外貌服务的，所以舞台服装设计与化妆造型是一个不可分割的整体，它们都能够通过直观的视觉效应来使观众感受到角色的内容，为角色的外部形象起到定位的作用。两者不同的是化妆造型在舞台艺术中难以做出改变，而舞台服装需要根据不同的场景做出不断的变换。无论如何，在舞台服装的设计中，重视与化妆造型的相辅相成应当是重要的原则之一。

（二）舞台服装设计与舞台美术的关系

舞台美术应当包括舞台服装设计，因为舞台服装能够塑造良好的舞台形象，为舞台艺术的受众提供更好的视觉享受，所以舞台服装设计应当属于舞台美术的范畴，但是舞台服装设计又与舞台的设计、灯光、道具、效果等各个部门在媒介语言方面存在着很大的差异，这是由各个部门的本质特征所决定的。要将舞台艺术做到相对完美，就必须实现舞台服装设计与舞台美术的相互融合与互补，在与道具、灯光等默契匹配的基础上保持舞台视觉形象的整体性。

（三）舞台服装设计与表演艺术的关系

舞台服装设计与表演艺术的体现载体都是演员，在舞台艺术中，舞台服装设计是否贴切也将影响表演艺术所能达到的高度。二者之间的关系主要体现在以下几个方面：一是舞台服装能够促使演员尽快进入角色。舞台服装作为演员的外部形象，能够折射出角色的特点及情感状态，所以通过对舞台服装的定位可以诱发演员去体验角色，从而促使演员能够更形象地表达角色的感觉；二是舞台服装设计需要与表演艺术互补。舞台服装设计是舞台角色的外在特征，而表演艺术需要演员通过表情、心理活动表现出来，所以这种表现手段的差异应当通过互补来达到完美的统一，这就要求设计者在服装设计中能够对角色进行正确的定位与把握。

现代舞台服装设计对传统舞台服装设计的传承与创新

（一）现代舞台服装设计对传统舞台服装设计的传承

现代服装设计对传统服装设计的传承主要体现在两个方面：一是对传统舞台服装设计构成样式的传承。在舞台服装设计中，坚持创新势必会带来发展，但是事实上舞台服装设计领域中的许多方面必须受到表演艺术形式的局限而不能随意做出改动。例如在一些传统的舞台戏曲表演中，舞台服装中的样式、花色等方面都是经历了很长时期的发展而固定下来的，也使受众形成了一种审美习惯，这也是许多老戏迷通过人物的服装就能辨别出角色的原因，所以这些具有“写意性”以及“符号性”的舞台服装应当继承而不能进行随意的创新；二是对传统服装设计审美观点的传承。同样是以传统戏曲为例，传统戏曲重视整体美与对比美，在舞台服装颜色上包括黑白对比、华素对比、同调对比和援例对比，这些色彩的运用十分独到并且对现代舞台服装设计仍旧具有很大的气势与借鉴作用。

（二）现代舞台服装设计对传统舞台服装设计的创新

现代舞台服装设计对传统舞台服装设计的创新主要体现在以下几个方面：一是观念的创新。随着文化交流的国际化，现代舞台服装设计逐渐体现出国际化是发展的必然趋势，在现代舞台服装设计中我们应当在传统舞台服装设计的基础上实现国际化，从而保留舞台服装设计的本土性与民族性，而无论是背离传统性还是国际化都是不符合现代舞台服装设计发展趋势的；二是科学技术的创新。现代舞台服装设计应当挖掘和发挥出传统舞台服装设计中所不具备的优势，随着科学技术的发展，舞台服装设计在服装造型、服装面料、服装制作的设备、服装的材质工艺、服装的装饰工艺等方面都具有了更多的选择，以科学技术为基础对现代舞台服装设计进行创新将使舞台服装设计成为科技发展的一个符号，使舞台服装设计具有更深的人文内涵。

现代舞台服装设计思路

（一）重视与角色形象和情感的结合

舞台服装的设计能够塑造出舞台角色的形象、体现出舞台角色的情感，也正因为如此，舞台服装设计由于受到舞台人物形象的局限，必须要表现出特定人物的特点，如通过服装的颜色来体现角色的情感变化，蓝色表现出角色的悲伤与忧郁；粉色来体现出角色的柔情；白色来衬托出角色的高贵和纯洁等，符合舞台角色的舞台服装设计能够成为一种传情的工具，通过给予观众视觉冲击来使观众体会到舞台艺术要表达的内容，所以重视舞台服装设计与角色形象和情感的结合，能够对舞台表达起到很大的推动作用。

（二）重视服装的统一与变化

舞台服装设计的统一能够使舞台艺术更加整齐与单纯，而舞台服装设计的变化则会使舞台艺术更加活泼，没有变化的舞台服装设计只会使舞台艺术显得过于呆板。所以舞台服装设计要重视统一与变化的结合，统一的准则是和谐，而变化的准则则是适度，只有和谐的统一才会给予观众更好的视觉享受，而适度的变化才能够实现与统一的互补，并且没有杂乱的感觉。

（三）突出服装的时代性

在一些传统的舞台艺术中，尊重传统的服装设计构成样式能够得到观众的认同，但是在一些具有现代感的舞台艺术如现代音乐剧中，服装设计应当体现出时代性的特点，即要具有时代感与时尚感，在这个过程中，可以对当前时装设计的原色做出借鉴，在角色衣着的风格中也可以适当地运用夸张来突出角色的个性化，从而加强观众对剧目发生背景的印象及对角色的印象。

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观点一和观点三的共同的理想也就是集中在中国传统服装设计中传统和时尚的结合发展，但是两者对于价值的判定基础存在一定差异，其中观点一所注重的是中国传统文化内涵的应用是否具有有效性，并将其作为基础，观点三则看重的是其服装设计有没有和现代社会和国际时尚化发展要求相符。观点一和观点三不能说谁对谁错，而是各自在方法的使用上有所不同，要根据当时社会发展的时机和时代的背景来设计相应的服装。如果仅仅只是在中国传统文化的基础上对服装进行设计，将没有办法开放思想更不能放手探索。因此，要以走向国际化和时尚化为设计方向，从而设计出符合现代生活和审美标准的服装。

2中国风格服装设计的现代服装设计理念

随着现代社会经济的不断地发展，市场上所卖的衣服也呈现了不同的面貌，款式复杂多样，逐渐地形成了以西方的服饰文化为主的设计理念。在中国风格服装的设计过程中要想实现国际化和时尚化的设计要求就要在传统元素的运用中体现出现代服装的设计理念。在服装的设计上不管社会怎样发展以及流行趋势怎样改变，以现代服装和现代着装为基础的这些观点是现代服装市场中从传统的服装设计理念走向现代的必经之路。在这样的服装市场中时尚和传统元素需要更好地结合使其逐渐地变成现代元素。

3传统和时尚的相结合的手法

(1)传统元素和现代元素相结合所使用的解构手法。传统元素和现代元素相结合所使用的解构手法，则属于后现代思维模式中的一种，其不但对形而上学进行了反对，同时也打破了逻各斯中心封闭僵硬体系。解构主义在服装设计行业的应用，具有较大的破坏性，这一设计理念的主要目的，也就是对服装设计形式进行否定、颠覆以及消解。为了能够呈现出时尚的新格调，对于服装形状，服装的材料，服装的颜色和服装上的图案等这些元素都可以用来解构。在对中国风格服装进行设计时就可以通过解构手法改变原有服装的风格从而增强了时尚感。在具体的运用中，在做设计的时候要对传统元素的形状，色彩和质量等构成成分进行分解，以便可以设计出既在中国传统文化的基础上又充满时尚感的服装。

(2)传统元素和现代元素结合发展的对比混合方法。服装设计行业所使用的一种特别手法也就是对比混合手法，其方式也就是对一些反差对比性比较高的元素结合在一起，对其实施设计组合。如果在服装设计中对对比混合方法进行使用，也就会进一步弱化中国传统元素的古代感，以此对其赋予一定的时尚感。这种手法经常被一些著名设计师和知名品牌服装设计进行使用。例如，在中国传统元素使用过程中，可以把极富现代气息的牛仔面料作为对比元素，实现这种面料和中国传统元素、造型的混合应用，从而实现中国传统元素使用和现代流行元素的结合。在一些面料比较薄的牛仔中，可以和中国传统中花鸟的图案相结合等，把这些元素的混搭组合在服装设计的案例中都已取得了成功。

(3)传统元素和现代元素相结合所使用的手法。所采用的表现形式不同，其对于历史时代和文化背景的反映也存在一定的差异，在现代服装设计中，其中一个主要特点也就是采用形式将人体的自然相态无遮挡地呈现出来，在我国古代女人的体型则不能够进行，更不能将其肢体进行。那么实现的方式也就是需要将现代和传统的这种着装的不同作为设计理念的。在运用手法的时候，一定要依照目前流行趋势进行现代服装设计，对其服装部位进行合适的选择，如当今流行趋势是露腰、露肩等部位。运用手法设计的服装体现了人体的曲线和性感的魅力。因此，随着社会的发展，人们的思想和着装的理念不断地发生改变，人们对服装的穿着也就不会再像我国古代时期那样，衣服的好看，什么样的衣服能够显现出人体的曲线和自身魅力的发挥是现代人所追求的着装理念。

(4)传统元素和现代元素相结合所使用的量感扩张手法。量感扩张也就是采用扩张和夸张的手法，对服装造型图案以及色彩等设计元素形态进行体现，以此能够实现符合现代服装设计的构成方式为目的。在中国古代传统的服饰中主要体现了静态，含蓄的设计理念和着装理念，而到了现代，所设计的服装主要以有个性，能显现出个人的魅力和自身的身体条件为设计理念，在这种着装的理念下对于运用量感扩张手法来对服装进行设计的方式用的很频繁。在中国服装风格的设计上通过用量感扩张的手法，进一步对设计服装的艺术感进行提高，时尚且更加具有独特的风格。对于服装的设计上采量感扩张手法的设计方式在具体的运用中，设计的想法要和现代人的着装的理念以及流行的扩张部位、方式要相适应，使设计出来的服装符合现代流行的趋势。

4结语