服装设计的发展史范文

导语：如何才能写好一篇服装设计的发展史，这就需要搜集整理更多的资料和文献，欢迎阅读由公务员之家整理的十篇范文，供你借鉴。

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服装设计浪漫主义风格教学改革

在这个信息化的时代、知识经济的时代，大学使命的内涵更为丰富。大学不仅应履行启迪智慧，探索真理，发展科学，传递文化，服务社会的职责，以前所未有的发展态势实现着造就人才、塑造人类的伟大使命，而且更强调教育功能与学术功能的完美结合，更强调探索真理与传承文明的高度统一，更强调社会的责任。因此，大学不应只是适应社会，为社会服务，而应主动引领社会发展的方向。与此相适应，大学必须始终站在时代的前列，与时俱进，不断更新教育思想，转变教育观念。

一、服装设计是科学技术和艺术的搭配焦点

服装设计涉及到美学、文化学、心理学、材料学、工程学、市场学，色彩学等要素。时装的产生并不是由时装设计师个人行为导致的，它反映出特定时期的政治、经济、文化和艺术的状况。经济的发展，技术的进步以及各种新型布料的出现，人们开始追求更多新奇的东西，从而推进时装的发展。

1、现代时装的浪漫主义风格

设计中回归了优雅华丽的感觉，并把浪漫主义所有的形式美观念与装饰手法运用在了服饰设计中，充满了娇柔的女性化味道。对自然色彩的追求、工艺的要求、曲线的多样型，个性化的塑造等丰富着时装界的变化。然而所有这些元素无一例外都诠释着现代服装设计者对欧洲古典华美的向往，给人以充满强烈动感和视觉冲击力的奢华印象。新浪漫主义保留了传统浪漫主义的基本元素，如服装的流动和韵律，又适当加入后现代的速幻，以及嬉皮的颓废与都市实用，再加上艺术夸张和变异，使得服装展现出既简洁、美观，又出人意料的面貌。怀旧不是将过去的旧事物重新演绎，而是将其中的元素引入到现代设计中，即将历史、地域、民族中符合现代人品位的元素引入设计中，让人们在过去中揭示未来，从传统中寻找现代。继承发展一切优秀的传统，不是在古物中徘徊不前，而是在继承与发展中创造。

2、现代时装的怀旧风格

现在时装的怀旧不是将过去的旧事物重新演绎，而是将其中的元素引入到现代设计中，即将历史、地域、民族中符合现代人品位的元素引入设计中，让人们在过去中揭示未来，从传统中寻找现代。所以我们往往可以从最时尚的物品中看到传统的影子，这是人们审美意识中“喜新怀旧”、“喜新寻旧”的心理反应，这种时尚最能引起人们的共鸣，也最容易引起人们的审美感性兴趣。继承发展一切优秀的传统，不是在古物中徘徊不前，而是在继承与发展中创造。怀旧的形式通过精心构思，巧妙借鉴，用现代材料、加工手法对其进行提炼、简化、改造和创新，已经是一种新的创造性呈现。

二、服装设计在教学改革中的应用

1、改革和完善实验教学体系与课程内容

结合服装设计发展趋势和社会对人才培养需求的改变，积极开展实践教学研究，加强实践教学建设。注重实践教学与理论教学的有机结合，既强调在实验实习中验证理论，更强调在深入学习理论的基础上，创新实践能力的培养。为此，在巩固以培养学生基本技能和动手能力的经典验证性实验的基础上，要及时更新实验内容，鼓励教师将最新科研成果应用到实验教学中，增加实验教学中综合性、创新性和设计性实验项目比例。

教师不能囿于教科书，应该把基础课与实际操作，实际服装设计中遇到的问题有机结合起来，能更形象更具体的让学生一目了然，把握好所学内容。

2、改进和优化实验教学方法与手段

以提高学生的学习兴趣、主动性、积极性，要求教师在实验课中采用启发式、讨论式、学术交流式教学方法。对于难以完成的实验项目，采取课程实习的方式在室外组织教学。开发多媒体课件并上网，使学生在课后能用课件、视频等手段反复播放实验操作要点与注意事项，达到强化基本操作和安全意识的训练。

3、加大实验室开放，增加开放性实验内容

一是制定基础实验室开放的管理办法和相关制度，二是建立开放实验室和实验项目的预约登记制度，学生可以通过“中心”网站预约实验项目、时间、仪器设备和实验室等；三是增加本科生科技创新开放实验室数量，同时制定激励措施，扩大教师科研实验室的开放面，采取本科生科技创新立项和参与教师科研项目的方法，申请进入本科生科技创新开放实验室和教师科研实验室工作。

对于教师方面，应该不断的充电，不断的扩大眼界和提升自己的各方面的修养，不断完善自我，不断升华自我，才能给树立一个好的榜样。

4、建立校外实习基地，紧密联系实际，延续和深化课堂实验教学

服装设计是实践性很强的学科，综合性与实践性（应用性）是设装设计学科的特色之一，因此在人才培养中心必须充分利用好服装设计基地活动的延续和深入。实践证明实践实习也是服装设计理论实验教学的必要补充，通过实践实习，至少可以达到如下教学效果：可以实现书本知识与实践相结合，使课本中学到的知识在实践中可以得到现场验证；可以提高学生的工作能力和动手能力，即发现问题、分析问题和解决问题的能力；因此，服装设计学科的实践教学必须坚持课堂理论和实践实习相结合的原则，方能真正提高服装设计专业人才的培养质量。

教育思想观念的转变是一个过程，学校教育的整个过程中都必须不断转变教育思想观念，保持教育思想观念的不断变革和及时更新，这是高校改革与发展的“发动机”。而教育思想观念的转变总是以管理思想的变革为先导，用教育管理的改革来统筹和引导。所以，在教学改革中要坚持教育思想观念改革的先导地位，定期开展教育思想大讨论，并形成制度化，以始终保持教育思想观念与时俱进，才能为学校在服装设计教育教学改革和发展不断注入新的活力。

参考文献：

[1]冯泽民，齐志家.服装发展史教程[M].北京：中国纺织出版社，1998.22-25.

[2]薛明扬.中国传统文化概论[M].上海：复旦大学出版社，2003.54-56.

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现如今，人们与设计的关系越来越紧密。不论是人们的生活方式还是行为思想都在不停地被新的设计所改变，大家在享受着新的设计所带来的生活乐趣的同时，也更加认可设计的重要性。于是，中国的设计师们也终于迎来了一个可以大展才华的新时代。而在时尚界，中国的设计师也开始逐渐受到世界的关注。越来越多的华人设计师登上了美国，英国，米兰等国际时装周。用作品向世界展示自己作为一位中国设计师的审美与格调，并取得了国内外的时尚界的认可。于是，当从国际秀场的掌声中回来之后，许多华人设计师开始了自己独立品牌的探索之路。

1 设计师品牌的发展背景

设计师品牌最早在法国意大利巴黎等地区起步。例如，今天国人耳熟能详的一些著名奢侈品品牌：迪奥、香奈儿、华伦天奴、范思哲、皮尔・卡丹等都是直接用创始设计师名字来命名的原创设计师品牌。因为在西方，服装产业最初属于手工业，也就是说是从手工工坊的形式发展起来的，早期的设计师也兼具裁缝的工作，他们一边设计服装，一边制作服装。当一些出色的作品受到了法国宫廷及上流社会的青睐时。这种“青睐”会带动整个社会的效仿。在全法国掀起一波又一波的时尚浪潮。而设计出这件作品的设计师也会一夜成名，受到爱美人士的热烈追捧。从此树立自己的品牌，开创其独特的品牌文化，随着时间的流逝积淀成历史，让品牌越来越具有多重的价值。

而在中国，服装产业模式是“紧跟市场的风向标”，为的是大规模满足社会大众的日常着装需求。所以像法国这种“自上而下”的服装流行方式几乎没有基础，虽然像范冰冰之前出席戛纳电影节时曾身披国内设计师许建树的“龙袍”惊艳了无数西方媒体。也曾在国家宣传片里穿了本土设计师“郭培”的青花瓷礼服。但是由于这些服装都是出席特别场合的礼服。和广大消费者的联系并不紧密。所以也并没有在本土设计师品牌的市场上掀起什么波浪。直到2013年“第一夫人”在出访时穿着的设计师品牌“例外”的高级定制取得了国内外媒体及群众相当高的瞩目和好评，这才终于让本土服装设计师们扬眉吐气了一把。而同时，大批的消费者开始关注并认同“例外”这个品牌。但是“例外”的成功只是中国本土设计师品牌中的一个个例。由于长久地坚持自己的风格，和不断完善的销售管理制度。加上一个可遇不可求的宣传机会。才成就了今天的“例外”。但是在市场中还有更多的本土设计师品牌还在发展的道路上苦苦挣扎和摸索，遇到很多的困难和瓶颈，无法跨越。

2 中国设计师品牌在发展中普遍存在的问题

（1）产品品牌附加价值低、定价高、消费者不买账。很多设计师品牌由于“小众”的设计风格而无法得到广大消费者的认可。导致了销量较低，而为了避免库存积压，他们的货品不能批量生产，所以成本飙高，不得不拉高价位。虽然本来按照国外设计师品牌的销售风格。小众与高价是非常正常的情况，并且依然能够受到国外消费者的追捧。但是当本土设计师把他们自己的这些“小众高价”的产品放到国内市场的时候，销售业绩却非常惨淡。其原因就是产品没有丰厚的品牌附加价值，或是说其产品的品牌附加价值没有被国内的消费者所认可。

随着近些年中国经济的快速发展，人们的生活水平日益提高。中国消费者的消费实力常常震惊国外高档消费市场，使得几乎所有的外国品牌都齐齐地看向中国这片丰厚的市场，摩拳擦掌想要大捞一笔。这种现象说明了两个问题：第一，中国消费者乐于并且有实力在穿着打扮上进行昂贵的消费。第二，这些买得起的消费者们消费的不仅是一件衣服的材料和设计。他们更多的是在消费产品背后的品牌，通过产品，将自己与品牌的品位，历史，地位，价值做连接。从而体现自己的品位，地位和价值。所以，即使本土设计师们设计出了和国外大牌一样水准的服装，而由于没有创造出自己的品牌价值。那么，其产品不仅卖不到国外大牌的价格，就连某些本土工业化品牌产品的价格都卖不到。因此，中国设计师在做自己的原创品牌的时候，不光要专注于产品的设计，也要为品牌打造其独特的，充满魅力的品牌文化。

设计师品牌最核心的灵魂一定是创始设计师本人。因此，设计师本人的魅力和“明星效应”就变得非常重要。像国内大批的所谓“知名设计师”其实也只是服装行业内的人知晓而已。真正的广大各行各业的消费者们并不认识这些“知名设计师”们，更不用说要让消费者们来理解来认可这些设计师自主品牌的价值了。分析国外的设计师品牌，无不与时装工业、电影业、流行娱乐业、包括传媒业结下了不解之缘，如国外的著名设计师coco.chanel，她的故事甚至已经被拍成了电影，在全世界广泛流传。所有观看过电影的人不仅被coco.chanel的个人魅力所倾倒，也熟悉了香奈儿的品牌历史。所以，中国的本土品牌创始设计师一定要善于利用各种媒体宣传自己本人和表达自己也有的思想。利用设计师的个人魅力来带动消费者的追随，影响消费者对穿着的选择，最终形成一个具有强大吸引力的品牌。

（2）秀场款式与实际销售款式的差别大。许多非常有才华的设计师可以在秀场上充分发挥自己的风格与能力。却常常在市场中迷失了方向，把握不住审美与实用的结合点，怕消费者觉得自己的产品太过“独特”而接受不了，影响销量。所以尽量让自己的产品变成“常规基本款”。使得人们在看了秀场上美轮美奂的服装后，满怀期待地来到其品牌的销售专柜，却发现其货品平平淡淡，没有太多可圈可点之处。不禁感到失望，不再对此品牌和其设计师进行关注。于是很多设计师品牌就这样失去了一批又一批潜在的客户。所以，在设计师创立品牌之初，就要明确自己品牌的风格路线。如果是要“张扬个性”就势必小众。否则如果打着“设计师品牌”的旗号而卖平庸或个性不足的产品，那么势必竞争不过工业品牌。而当下正是一个大家都想表明个性的时代。因此，市场也在随之慢慢地细化。“江南布衣”曾在2013年春夏时在其专柜内推出了一系列偏秀场风格的“巴黎设计师合作款”的限量新品。其设计夸张大胆，在结构上进行了彻底的创新。市场证明：这个系列很快被销售一空。并且很多消费者还在期待着下一次的“合作款”。这说明设计师品牌不要怕自己的设计风格太过扎眼。设计师品牌务必要清楚自己的定位和优势，坚定不移地走下去，才能充分显示自己的价值，不至于被快速变化的市场所吞噬。

（3）销售策略混乱。很多设计师品牌的产品在上市之初，定价非常高，但在经过一段时间后，由于销售业绩不佳，顶不住库存的压力。开始进行促销打折。这种看似“常规”的销售策略，实际上非常不利于设计师品牌的发展。会消磨掉设计师品牌独有的格调与魅力，沦为普通甚至彻底的失去竞争力。因此，寻找一种合适的销售方式，制定出一条最符合品牌自身情况的销售策略。是每一个设计师品牌的必修课程。而这些都最好是有一个专业的销售团队来支撑，很多设计师本人不仅要管理设计，又要管理销售，不光精力跟不上，也没有过硬的销售知识与手段。因此，很容易因为经营不善而将品牌推倒垂死的边缘。

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概述

中华人民共和国是一个多民族国家，除汉族外，还有55个少数民族，其中附有特色的少数民族服装、服饰种类多样，绚丽异常。现今由于城市化的快速发展，很多少数民族地区已渐渐汉化。在许多少数民族聚集区，人们一般要等到民族节庆时才穿戴其原本的民族传统服装及服饰品，这一现象，导致许多现代人误以为只有节庆日或演出活动时少数民族才开始穿戴传统服装、服饰，这本身就是一个值得我们思考的文化传承问题。

当今社会，经济与科技飞速发展，中国城市化进程速度也越来越快。现代的生活方式在取代少数民族传统生活方式的同时也对少数民族服装和服饰文化形成了巨大冲击。城市里朝九晚五的工作状态和快捷的生活方式对于服装的实用性要求越来越高，原生态的少数民族服装服饰在功能性上显然难以适应这一变化。那么，如何使得富有传统文化精神的少数民族服装服饰在当今社会中获得传承？如何使少数民族服装服饰文化真正走出博物馆，走下舞台，融入社会生活？是本文讨论的主要问题。

目前在国内，民族元素服装设计作品主要集中体现在舞台服装和高级定制礼服的范畴内，而在品牌实用服装的领域还未有长足发展。品牌实用服装服饰恰恰是在生活中最具有传播力度的服装形式，具有广泛的受众群体，使用时间稳定等特点，这决定了品牌实用服装是少数民族服装及服饰文化得以传承的良好载体。本文将从品牌实用服装的形式特点、国内外民族元素品牌服装服饰品设计现状两个角度进行分析研究，探索少数民族元素实用服装品牌设计的发展之路。

品牌实用服装的含义及形式特点

品牌是一种现代社会普遍经济现象，是社会发展到一定程度的经济产物，品牌的产生意味着商品交换过程的概念的成熟。在现代市场经济社会中“品牌”这个概念存在于我们生活的各个方面，例如医院品牌、酒店品牌、展会品牌、商品品牌等多种形式。服装服饰作为一类商品的形式，在当下的市场经济环境里固然主要也是以品牌服装服饰的形式在市场上流通。

品牌实用服装服饰是一种现代都市文化生活的具体反映，它具有审美特性鲜明、实用性强、受众群体稳定等特点。其形式特点既注重对服装服饰的功能性追求，也强调舒适与美观的结合，不仅具有物质的实用功能，而且具有精神的愉悦功能，两者缺一不可。

国内外民族元素品牌服装服饰品设计分析

国内外不少服装品牌已经开始将民族元素运用于服装服饰的设计与制作上。例如2003年，John Galliano把许多中国民族元素运用到系列服装设计中，以至于中国的时尚评论人如此评价：巴黎十六区的赛马场（Christina Dior 当季秀场所在地），飘荡着一股潘家园的味道……

近年来，国内民族元素品牌服装服饰设计有了一定程度的发展，尤其在香港、台湾地区，民族元素品牌实用服装服饰设计领域已经有了一些成绩。北京、上海、云南、四川等城市正在推动民族元素实用服装服饰设计的发展，例如内地现有的民族元素实用服装服饰品牌“裂帛”、“江南布衣”等。

从目前国内外民族元素服装服饰品牌的发展现状来看，已经有一部分较有实力的民族元素服装服饰品牌在市场的考验中取得了较好的成绩，但也有为数不少的民族元素服装服饰品牌由于在其创建时过于注重表达设计师个人的想法而没有充分考虑到消费者的需求块面，往往导致其产品“曲高和寡”，最终品牌无法立足市场的结果。

少数民族元素实用服装服饰品牌设计的发展之路

中国的55个少数民族分布区域广袤，主要分布在内蒙古、新疆、宁夏、广西、、云南、贵州、青海、四川、甘肃、辽宁、吉林、湖南、湖北、海南、台湾等省、自治区。在中国悠久的历史长河中，各民族都在长期的地域性文化中孕育出了杰出的、丰富多姿的民族服装特点，各民族间的民族元素风格鲜明，民族特性突出。而这在当下是极其有利的形式元素，有利于当代化品牌服饰的风格转变。

于此同时，中国的服装服饰品产业发展正在由原材料加工的形式向本土品牌的形式转化，而这正需要强大的本土原创力的推动，以适应和融入世界服装服饰品牌的设计发展大潮中。因此，立足于中国地域性少数民族服装服饰研究，提取少数民族服装文化元素的精华及其潜在的服装服饰品牌设计，将之实用化，就成了少数民族服装服饰的正确发展之路。

1.材料

中国的少数民族服装服饰品通常喜好选用纯天然的材料，由于南北气候有差异，北方少数民族穿着多取之于牲畜皮毛，南方少数民族服装多用麻、棉等，同时在布料的染色方面大多使用天然植物制作染料。这与少数民族地区所处的地理环境、气候以及当地生产力水平有着直接的关系。

2.工艺

中国的少数民族服装服饰品的制作工艺有着非常显著的民族特色和手工感，例如中国西南地区的绣球、壮锦、扎染、蜡染、苗族的银饰等都是其中代表性的品类。无论是刺绣、织染、还是首饰的制作都带着浓浓的手工色彩，是传统是手工艺的体现。

3.色彩

少数民族用色的寓意，反映了他们对生命的理解，富有浓郁的生活气息与深层的文化含义，不同少数民族对颜色有着各自不同的喜好，例如壮族服饰色彩以青、黑、蓝色为主基调，而瑶族服饰色彩通常用红、绿、黄、白、黑五种。特定的色彩有的时候甚至可以成为一个民族的标志，例如有蓝靛瑶、白裤瑶、黑衣壮等。

4.图案

在中国少数民族服装服饰设计中，通常运用了大量的图案装饰，或具体，或抽象，或几何，或华丽，或简洁，或精致，或粗糙，种类繁多，数不胜数，各有特色。其中仿生图案包括人物图案、动物图案、植物图案，不少地区的少数民族人民通过发现自然界存在的物的美，然后把它们应用于装饰之中，反映了民族审美观，形成了地方特色。几何图案包括三角图案、菱形图案、八角图案、方格图案、钱形图案、太阳图案等。有些地区的少数民族艺术中常常借用某些形象象征表达一些美好的象征意义，以蝙蝠象征“福”，桃子象征“寿”等。在民族图案的使用上常常以重复、渐变、对比、对称、比例、夸张等形式呈现，现实出非常具有地域特色的图案排列形式。

综上所述，中国丰富的少数民族服装服饰特色是具有极其鲜明的地域特色的，是少数民族文化的具体体现，存在着较大的市场潜力。那么，如何使得这些绚丽的民族文化得以传承呢？

市场，尤其是中国的实用服装市场是服饰文化传播的快速渠道，实用服装市场的受众群是非常广泛的，是利于文化传播的。文化，尤其是少数民族文化只有传播出去才能具有新的生命力，才能走出真正走出那些少数民族村落。如何走出一条具有特色的民族元素实用服装服饰设计的道路呢？

首先，打破民族服装服饰原生态的生存状态，以品牌实用服装的形式把民族服装服饰文化传递出来，分析不同少数民族文化的特点，立足地域，树立良好的具有少数民族元素的实用服装品牌形象。

第二，品牌旗下的产品开发――民族元素在实用服装品牌设计中的运用。前文已经对相关的服装服饰品牌现状作了分析，其中可以看到前人的经验和未被开发的市场潜质。通过前文对于不同少数民族元素的分析，可见中国的少数民族元素有着丰富的内涵和形式。在其与现代品牌实用服装设计相结合的道路上，使少数民族服装服饰形式全盘保留的做法是不太现实的。通过对局部少数民族元素的保留结合其他方面的现代实用服装设计形式，则可形成一种较为优化的尝试途径。例如前文分析的少数民族元素中包括材料、工艺、色彩、图案等方面，在运用的过程中设计可以从某一个角度切入，进行与现代设计实用服装设计结合的设计。

（1）从材料角度出发，考虑使用棉麻类的天然材料，以现代流行服装的结构、色彩、工艺相结合。这种设计形式在“江南布衣”的品牌产品中较为常见，同时获得了较好的市场反响。

（2）从工艺角度出发，即民族刺绣形式或染织形式等。少数民族地区的民族工艺在具有地方特色同时，更体现了一种原创的手工感。若从该角度出发，则需要把传统的工艺进行手工复制，把纯手工的工艺技术与现代的流行的实用服饰结构、材质、色彩相结合。使得产品的工艺是具有传统特色的，但是其造型、材质和色调都是现代。

（3）从色彩角度出发，根据不同的民族特点制定具有代表性的配色方案，在服装的面料、辅料的选择上按照民族元素的配色方案进行，结合时下流行的造型、结构及工艺进行设计。

（4）从图案角度出发，搜集整理中国不同少数民族特有的图案形式，通过各种工艺形式实现，再结合当下的流行造型、结构、色彩和面料进行设计。

（5）除了对服装产品进行设计制作外，服饰品方面也有着很广阔的发展空间。由于少数民族元素的许多方面都非常具有装饰性，在实用服装服饰品牌中设计制作相对应风格的服饰品，就有利于整个品牌的全面提升。

上述所及的少数民族传统元素品牌应用方法只是众多转换方法中的部分组成形式。通过现代品牌服装服饰的实用化理念，我们可以有机的挑选与组合较为突出的少数民族文化元素加以改造，利用现代化的实用服装及服饰品设计，在保留其主要民族特性的同时，对其进行艺术再加工与创造，让产品设计融入适量的民族元素，并以市场基础为主导，在迎合当下市场消费需求的前提下，使民族文化在新型的品牌服饰中获得新生，从而真正从博物馆走出，走入人们的生活。

结论

挖掘中国少数民族文化的艺术价值，将其运用于实用服装服饰品牌设计，是保护少数民族服饰文化得以传承和进一步发展的重要切入点之一。本文结合国内外相关案例，总结少数民族元素特点，从多个不同的设计角度出发讨论如何在设计中注入少数民族元素，在少数民族文化与实用服装服饰设计结合的同时尽量保留该品牌的市场接受度，使得我们璀璨的少数民族元素得到大众市场的传播，使少数民族文化真正得到传承，是一条兼具开创性和市场价值的少数民族元素实用服装服饰品牌设计的发展之路。

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关键词：文化；时尚；中外服装史

中外服装史是服装设计专业教学中的必须课程，其作用和意义在于引导设计者通过分析、总结服饰文化发展过程中的内在规律而拓宽自我思维道路。目前，服装行业在设计风格上较为倾向时尚与文化的相结合，尤其一些国际性品牌的服装他们都较为重视服饰文化的显现，追求服装设计时代气息的内在气韵美。而文化与时尚的兼得则离不开对中外服装史的掌握和运用。在此，笔者就服装行业发展的实际情况谈一下在创作实践对中外服装史的运用。

一 在设计上吸取中外服装史的文化价值

中外服装史从某个角度来说也是一部人类文化发展史，其涉及范畴广阔，内容丰富，有文字记载的服装发展历程就有五千多年。中外服装史作为服装行业的必修课程，其内容包括每个时期服装的特点和变化，蕴含着深厚的服饰文化价值，可以说是现代服装设计的源泉。通过深入了解中外服装史的相关文化，充分挖掘民族时展背景下服装设计的本质内涵，进而融合现代服装设计风格特色设计出的服装往往有着很强的震慑力。中外服装史为设计师们提供了很多成功的设计案例、经验，是服饰文化的精华所在，在实际的创作实践过程中有着很强的利用价值。如：2011年范冰冰穿的一身红色仙鹤服在服装设计界、影视界夺目而出，吸引了大众的眼球，赢得了网民的热议。其“仙鹤服”的设计融合了时尚，即：服装造型的时尚，同时也显现了文化性，即：仙鹤图案以及颜色的选择，仙鹤在我国文化理论范畴中有着吉祥、长寿、忠贞等象征，而红色也有吉祥的象征，这样时尚与文化相结合设计都离不开对中外服装史的吸取，可以说是以实践验证了中外服装史在现代设计创作中的运用。

二 在审美上借鉴中外服装史的艺术元素

服装作为载体，审美是其重要内容。文化与时尚的结合是现代服装设计理念的重要审美标准之一。随着社会政治、时代经济发展的不断变化，其服装的审美也随之发生着的变化，中外服装史凝聚了各个时期典型的服装案例，包含着丰富的艺术元素。如：在中国的发展历程中，稳定、保守的政治环境下，服饰文化、创作受儒家的影响，追求的是互补、融合，注重服饰的外在美与内在品质相一致的气韵美和个性美。受道家影响的服饰追求的是自然，即：能够展示自然人格美的，在造型上注重的是简约、质朴、宽松。在西方其政治背景与中国有着明显的差异性，他们将自己当作是世界的主人，表现出的也是以自我为中心，注重对人自身力量、潜能的挖掘、释放，在思想上往往表现出顽强抵抗、私欲膨胀等等，进而西方的服饰在设计上、造型方面最求对个性的张扬，注重人体美的显现。现如今，经济全球化，服装行业也开始了国际性的发展，这样以来，现代的服装在审美上需要中和中外两种审美观念和艺术追求，从而，中外服装史也就成了设计师借鉴艺术元素的集中营，证实了中外服装史在创作实践中的作用和意义。

三 在思维上运用中外服装史启迪创新

思维是一切行动的核心。当今社会无论是服装行业还是其他领域都追求创新。中外服装史是对过去那些在发展中有着突出意义、风格、作用的服装信息的整合，通过分析这些元素有助于研究得到启迪，从而产生创新思维。我们知道，服装是艺术和科技的融合产物，是随着时代的发展、变迁而不断变化发展的，而中外服装史正是将这些历史进程中产生的服装风格进行优化、收集，有着很深的历史渊源，注入：每个时期服装所产生的政治、经济、文化、艺术背景等元素，设计师可以从中开阔思维，即：结合现代的社会生产力的发展水平，总结、揭示中外服装艺术发展的规律、内在的合理契机等，抓住中外传统服装史中的重要因素来开启未来服装发展趋势的思维，并将其融合在创新的服饰设计中。如：约翰·加里亚诺毕业设计作品引起了很大的轰动，而他的设计创新思维灵感源自于法国革命及法国18世纪末年轻人的服装样式。人们对他的创作做过调查和访谈，总结得出，他之所以能够获取如此成就，其原因在于它对服饰历史书籍的钻研，更有媒体报道说：当其他设计师在街头寻找灵感时，加里亚诺却在史料中进行研究，总能创造出不俗的效果。由此可见，设计师的灵感、创新都不能够忽略对服饰历史的借鉴。

总之，中外服装史传承和体现了服饰的精华内容，是现代服饰创作实践过程中所不可缺少的一部分。因此，相关人员应深入了解、研究中外服装史并达到融会贯通，促使将其精华创新的运用到现代的服装创作中来，借以来丰富服装文化内容，增强现代服饰的文化、时尚艺术魅力。

参考文献

[1] 冯泽民，刘海清.中西发展发展史（第二版）[M].北京：中国纺织出版社，2010.

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根据舞蹈类型的不同，舞蹈服装也分为很多种，但其共同特点都在于为了表演而服务，为最大限度适应舞者的需要而存在，通过不同的造型、色彩搭配等烘托出不同的形象，进而升华肢体动作中所蕴含的感情。因此舞蹈服装的设计工作不仅需要具备一定的审美价值，更要从结构、用色和律动等方面入手，从而追求与舞蹈中夸张、浓缩或者抒情、优美、动感等特色的完美契合。由韩春启所著，中国纺织出版社于2013年1月出版的《舞蹈服装设计》一书紧密结合当今舞蹈服装设计专业的建设和行业发展问题，从舞蹈服装设计的内涵、特点、过程以及影响因素出发，附以大量翔实的案例，深入阐述了舞蹈设计的发展之路，旨在为高校相关舞蹈服装设计专业和行业发展提供理论指导和实践依据。综合而言，该书特点主要体现在以下几方面。

研究方法多样、内容翔实丰富是该书的首要特点。该书综合运用了文献研究法、案例分析法、比较分析法等，从舞蹈服装设计的概念、设计特征、影响因素、设计要点、知识补充等方面构建起了完善的设计内容研究体系。该书作者采用通俗易懂的论述语言，结合自己多年的教学、艺术创作实践经验，对舞蹈服装设计进行了清晰、具体的论述。在该书看来，舞蹈服装设计要从舞者自身特点和舞蹈本身内涵出发，在制定设计方案的基础上仔细研究服装面料、工艺特征，以及它们对舞蹈表现力的影响、特点等，方能让服装完美契合舞蹈动作，达到传神的艺术效果。舞蹈服装设计师作为服装设计的灵魂人物，更要从理论知识和实践经验两方面充实、完善自己，并在艺术追求上要求严苛，才能设计出既具备高超审美艺术价值，又能丰富舞蹈动作内涵的服装作品。此外该书对于舞蹈服装的设计过程进行了清晰、全面的论述，从剪裁、色彩搭配到服装成品，每个环节都需要设计师和舞者的密切合作、沟通。丰富的研究方法和翔实的内容不仅让该书变得有理有据、极具可读性，更为服装设计专业的读者提供了大量值得推敲和借鉴的设计理念、方法和素材等，体现了该书作者深厚的学术功底和实践经验。

该书的另一亮点在于实用性强、极具社会应用意义。现如今在新媒体时代背景下，随着人们生活水平的提高，在物质生活日益得到满足的同时，精神享受逐渐成为人们的追求。进出剧院、影院等的观众络绎不绝。在此种形势下，观众对于舞台艺术的鉴赏水平和审美要求日渐提高，这对于舞蹈服装设计工作者而言既是发展机遇又是挑战。因此为了让舞台变得更加有吸引力，让舞蹈艺术变得更有魅力，设计出光彩夺目又与舞台艺术相得益彰的服装便是摆在眼前的头号任务。该书中综合分析了审美特征、舞台灯光、服装效果图等影响舞蹈服装设计的多方面因素，告诫读者在进行设计过程中不能仅凭单一因素做设计，而是应该综合考虑进舞台场景、灯光色彩等其他客观因素对舞台效果的影响，才能有效增强服装的艺术表现力。该书还对舞蹈、舞剧、综艺表演等不同舞蹈表演形式的服装设计要点进行了对比分析，并对舞蹈服装的发展史、大型舞蹈演出和服装设计现状等方面进行了知识补充，得出掌握好O计关键点、分门别类总结设计经验的重要性。此外该书的最后还呈现了丰富多彩的舞蹈服装设计作品选，如韩春启、陈晓君、吕云、张莹等名家的代表作，从不同的舞蹈风格和不同的设计风格出发给读者带来一场视觉盛宴。图文并茂的表现方法极具视觉冲击力和内容说服力。从时代的角度而言，该书对当今社会的舞蹈服装设计工作有极强的推动作用，由此也彰显了该书广泛的适用性和社会应用价值。

舞蹈服装设计的初衷是配合得体的舞蹈表演传达给观众美的视觉享受，从而烘托舞台气氛、凸显舞蹈本身主题意义。当今时代的舞蹈服装设计师更应始终铭记设计初衷，传承设计理念，并不断结合时展特色开拓创新，以满足观众日渐增长的审美追求。《舞蹈服装设计》一书无论从理论综述还是案例分析，都审时度势进行了总结与概括，为未来舞蹈服装设计的发展指明了方向，是一本兼具学术指导意义和实践应用价值的优秀著作。

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服装立体装饰伴随着服装的发展而发展，它始终与服装，人保持着密切的联系，在服装设计中占据着重要的位置。服装立体装饰手法运用呈现出多元化的趋势，各种表现手法和装饰内容层出不穷，可以说装饰部分设计是服装设计最关键的环节，通常服装装饰分为两种即平面和立体的装饰。前者指面料色彩图案装饰；后者指珠片镶饰、刺绣和具有浮雕感的编织、褶皱等肌理效果，或是与服装相互独立存在的配饰，以及加工后与服装相结合又相对独立的附加物。选择不同装饰形式其效果不同，而本文将主要探讨立体装饰在服装设计中的应用。

服装设计中立体装饰的分析

中国是世界上最初运用立体装饰设计服装的国家之一，其中刺绣、编绳是我国该方面最突出的两大技艺。从立体装饰艺术发展史来看非常古老，但随着时间推移它的发展越来越趋于多元化，不仅工艺、材料等方面获得了创造性发展，也形成了极具自身魅力的艺术特征。

其实，所谓立体装饰即具有立体效果的一种装饰，一般体现在工艺、材质上。当前，面料浮雕、刺绣、编绳等是较为普遍常见的立体装饰艺术。面料浮雕指规律性地抽缩处理面料，使之形成光影变化，其属于褶饰的范畴；刺绣则是利用绣针和颜色各异的线在面料上进行雕琢，使其逐渐形成别具风味的装饰性图案；而编绳在我国是最古老的技艺之一，其不但形式多变，工艺精湛，更富有美好的寓意，可以说它占据了中华文化中最重要的位置，既是中华文化融入世界文化的桥梁，也是世界各国认识中国、了解中国的关键。

立体装饰在服装设计中的应用

1.在装饰部位与装饰形式上的应用

服装上立体装饰部位包括衣边装饰和胸背部装饰两类。前者以领口、下摆、门襟、袖口等为主要分布部位，通常其图案色泽并不会与服装整体色调保持一致，但却能使得服装轮廓感增强，突出服装款式结构的目的。后者是人们视线的中心部位，从一定程度上来说服装外观主风格取决于该部位图案设计，而针对其平坦宽阔的特点以大面积精巧图案为宜。

服装立体造型设计分为局部和整体两种形式。前者主要是通过个别部位的立体装饰处理，后者则是相对前者而言的，通常情况下局部装饰效果决定着整体服装设计的风格，具有锦上添花的重要作用；而整体装饰必须严格把握程度，以免装饰过度造成压抑杂乱感，或装饰过简致乏力空洞感。

2.在服装设计中的艺术表现力

服装作为立体装饰的载体早已经历过数千年之久的岁月，因此其对服装非常重要。在服装设计中人体是重心，故服装的形态结构取决于人的形体结构，但服装同时也会对其上立体装饰产生制约关系，而一旦形成这种制约关系便会影响立体装饰的风格。为此，要对服装立体装饰艺术的表现力进行研究，就必须深入分析服装装饰人体的效果。就服装来说立体装饰是并非以最大限度展示装饰美为目的，更是一种与设计中其他元素相互统一协调的要素，能够充分体现出人的气质与美丽。所以，立体装饰的功能具有装饰、弥补和强调三大特征，只要人们恰如其分地运用装饰材料及手法，即可改变服装色泽单调毫无层次感的格局，不仅能够起到装饰自我满足自身审美需要的作用，还能最大限度掩盖人体部位的不足特征，进而弥补人体比例失调穿着违和的感觉，同时也能使服装局部视觉效果更突出。其实强调相对弥补和装饰来说需要通过强烈比对来实现，后者则更侧重自然和谐美。

服装设计中立体装饰的作用

1.突出服装风格

所谓服装风格即服装形象赋予人们的个性化整体印象，而这种风格取决于服装形式的各要素，也是整个作品及其群的个性特色所在。在服装设计中影响立体装饰形态的元素，改变其设计风格的关键在于造型和结构。与此同时，这两大元素更是保持服装实用和社会功能一致的关键，将随着社会形态各要素的变化发生转变。比如，欧洲文艺复兴时期，人们逐渐突破宗教禁欲思想更加追求完美曲线，直至16世纪后期女性越来越看重S型，这就产生了细腰大裙的女性服装，且让女性的柔美和魅力发挥得淋漓尽致。

与服装相互独立存在的配饰，或尽管在加工后与服装相结合却仍相对独立的附加物，都能起到区别服装设计风格的作用，这也是立体装饰所带来的效果。从人类装饰身体的历史来说，最初装饰即附加配件装饰。然而，当社会与服装文化进一步发展，配饰逐渐普遍的渗透到人们生活中，越来越多的服装开始利用配饰来展现其风格，甚至在这一过程中配饰演变成了服装品牌的标志。例如：CHANEL的服装就是以简洁的装饰，营造出了其高雅简练的风格。

2.丰富服装材质

制作服装的面料即服装材质，在服装立体造型设计中除了面料本身外，更强调其的再创造过程，也就是拼接融合多种元素使之形成新的材质。服装设计中无论剪切、打孔还是镂空等手段，均能使面料原貌大变，进而表现出平面装饰无法实现的凹凸褶皱等效果，且在光影变化与观察者角度变化下其装饰效果状态更会大相径庭。而除了利用各种手段丰富服装设计材质外，服装材料自身亦在不断发展，比如，不规则或规则的抽摺面料、泡泡纱面料，以及塑料、金属片、纸质、铝质、金属环等取代纺织面料的辅助材料，促使设计出的服装更显得雍容华贵，让人获得强烈的艺术享受和感官刺激。可见丰富的服装材质不但能强化面料立体感，也是改变服装面貌及其设计风格的关键所在。

3.强化视觉聚焦

设计具有整体性特点，而设计中最关键的就是视觉聚焦点，为此，服装立体造型设计要通过造型处理、材料肌理改变等方法，来恰如其分地营造视觉聚焦点。

这其中造型处理和材料肌理改变是最常用的手段。前者指设计师根据设计需求，充分组织点线面等元素来塑造相应服装形态。比如，婚纱设计就是该手段为主，通常婚纱的视觉聚焦点在胸前造型的集中装饰上，它是通过组合排列具有女性感的自由曲线和蕾丝形成的，可谓色泽面料保持相对一致的情况下，利用造型处理营造视觉聚焦点的代表性服饰。后者是采取染色、打褶、抽纱等手法处理面料来获取奇特效果的一种手段，能够让普通材料变得更新颖。此外，还有各种新型材料的面世，在拓展和创新设计思维的同时，也能营造相应的视觉聚焦点。

结束语

随着人类文明的不断演变发展，服装装饰手法也随之取得了更长足的发展。在服装饰品中几乎都曾使用过装饰工艺，可以说立体装饰艺术不但将服装变得更加具有魅力和多样化，也使其功能越来越与当代人们的审美需求相适应。而就服装设计理念和手法来说，不难看出服装造型的两种变化即复古与现代，以及其各方面的不断创新。服装是自然对人类的馈赠，所以现代服装只有回归自然达到返朴归真，才能真正赋予三维立体服装全新的生命和意义。

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关键词：现代朋克风格；研究分析；服装设计；风格应用

中图分类号：J523 文献标志码：A 文章编号：1007-0125（2014）09-0216-01

朋克属于艺术之中的一个流派，其最初是在音乐之中得到传承和发展的。相关风格最初是在上个世纪七十年代左右开始流行，其当时的背景是英国的经济大萧条，由于对现实社会的不满以及对当前形势的绝望，广大青少年对传统的体制和传统的制度发起了挑战，进而产生了超越意识逻辑以及超越传统的重要艺术形式，在朋克风格之中，主要使用一些低劣的、狂放的语言，以沉沦以及腐朽等形式，实现自身内心的表达，将个人的情绪以及对当前社会现象的意见，以一种不满的情绪发泄出来，属于非主流艺术类型之一，其较为形象化并且一般情况之下没有较为显著的主题。

一、现代朋克风格理念分析

正如上文所分析到的，现代朋克风格所使用的是一种非主流的形式，以狂放且低劣的语言来表达出自身内心的想法。一般情况之下现代朋克风格没有明显的主题特征，并且远离生活，非常的形象化。常见的现代朋克风格诸如粗俗暴力的标志、破洞的衣服装饰、另类的纹身以及阴郁的嘴唇等等，都是现代朋克风格的重要表现形式。上述风格的特征可以在很深的层次之上表达出音乐颠覆的境界，通过一种叛逆的精神和相当具有创意的表现形式，全面的冲破了传统的界限，在音乐设计之中，现代朋克风格以简单的摇滚形式，实现对内心情感的表达，进而形成了一种独特的文化群体。所谓的现代朋克风格艺术，其自身是对传统审美意识和思想的创新，具有特征的朋克语言，在当前服装设计之中相当流行，摒弃传统的保守的服装设计理念当前已经逐步被淘汰，这样的现状也使得现代朋克风格在服装设计之中的重要性得到了全面的显现。

二、服装设计之中现代朋克风格的理念

在服装设计之中，现代朋克风格的理念可谓相当多变。现代朋克风格的服装设计灵感一般是来自于朋克元素之中，以一种相当鲜明的、精炼的、时尚的语言，实现对艺术以及服装设计的全面突破，更好的表达了主题，进而实现了跨接思维、逆向思维、超越思维等形式，实现了设计资源的全面优化整合，在当前的服装设计背景之下，最好的现代朋克风格运用方式是在保留了传统的追求反叛个性的同时，全面的摒弃管型思维模式，实现想象和意识的开拓进取，以充沛的情感和超前的想象力，实现情感和灵感创作意识的互动，进而设计出符合现代化服装设计风格理念的样式。在设计过程之中广大设计师还应当善于运用自身的审美信息，来很好的创造资源和改造资源，运用敏锐的直接和判断力，将社会之中的信息和潮流等进行重新整合，使得服装设计工作可以得到全面发展。

三、服装设计现代朋克风格的创新方法

在服装设计之中运用现代朋克风格，不仅需要注重风格理念，同时还应当注重方式和手段的创新，这一点相当关键。上个世纪的现代朋克风格服装设计追求的是一种较为粗放的质感和设计形式，服装的款式主要有长筒靴、皮夹克以及紧身裤等等，在现代化朋克理念基础之上，还应当对传统的服装设计进行全面创新，采用反功能的设计形式，在设计之中注重刻意的违反人类结构，进而使得服装的设计样式可以得到全面革新，对每一处细节进行调整，注重外在视觉效果的冲击力，最终达到现代朋克风格服装设计形式和手段创新的效果。

由于朋克服装的装饰意趣特征突出，象征指向明显，所以将工艺手法统辖在装饰手法的应用下，能够实现朋克风格的清晰表达。具体方法可以在平面结构设计的基形下加重立体裁剪的比重，例如通过折叠、抽缩、缠绕、堆积等工艺手法拼合成服装的结构，只有将朋克风格的突出特点与起到画龙点睛效用的装饰工艺相结合，才能实现朋克形象的整体表达，诚然，朋克在现代设计中保留正统设计的创意方式已不多见，设计师更愿意将朋克服装表达形式转化成为一种内敛自持的方式，发挥创新构思的复合思维方式，让人们在审视朋克发展史的同时，需要设计师具备独到的时尚眼光，对服装的创意联想和朋克精神的前卫反叛发生视觉效果，让传统定式的朋克款式通过现代感的改良。

四、结束语

总的来讲，在现代化额服装设计之中现代朋克风格有着重大意义，所以应当对相关设计工作的进展和基本情况等进行深入研究，以实现深层次的发展。综上所述，根据对当前服装设计工作之中现代朋克风格的具体应用以及重要的意义进行深层次的分析，从实际的角度出发，深入的研究了现代朋克风格在当前服装设计之中的重要价值，同时对现代朋克风格的服装设计理念方式创新等进行了细致的研究，旨在以此为基础为今后服装设计工作的全面发展和深层次的改革奠定坚实基础，为相关事业的蓬勃发展作出积极贡献。

参考文献：

[1] 傅白璐.服装奢侈品品牌视觉符号系统研究[D].东华大学 2012（12）.

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关键词：哥特式 建筑 风格 服装设计

一、哥特式建筑风格与服装的联系

哥特式建筑整体较为修长，又高又尖。整个建筑形式上扬，具有开阔的底部和高耸的外观，这与宗教文化有着密切的联系。在欧洲中世纪的建筑中，哥特风格盛行，尤其具有代表性的就是教堂，这时候的教堂十分常见，宗教文化对建筑产生了极深的影响，可以说，哥特式风格的建筑是宗教文化的产物。这种建筑形式流行于当时，同时深深影响着这个时期的服装，当时的服装设计也受到了哥特式风格的影响。服装设计不是一种孤立的设计，而是与很多领域相互交叉的一种综合性的设计，它也受到建筑风格的影响。其中，最具代表性的就有欧洲的哥特式风格，它不仅仅是中世纪欧洲服装风格的一种特色，这种风格和审美观念也对现代的服装设计有着很深的影响，并在流行服饰设计中掀起了时尚的浪潮，为人们所青睐。

二、哥特式风格在服饰设计细分中的表现

中世纪，欧洲很多建筑具有哥特式风格特点，这种设计理念也对这一时期的服装设计产生了影响，包括服装的外轮廓造型、细节设计、服装配饰等，都具有明显的哥特式风格。如果联系宗教文化，就不难理解这种风格的诞生了。从某种角度看，这个时期的服装设计是随着建筑风格的变化而变化的。中世纪，服饰也进入了一个丰富多彩的时代，人们的服装朝着装饰化、层次化、复杂化的方向发展。服饰行业也开始细分起来，从服装的设计与制作到花边装饰的制作，以及服装的裁剪、服饰配件（皮带、鞋子、手套等）、服装印染、皮制品加工与定制等，都会有专门的部门。这也体现出当时服装设计内容的复杂以及服装在细节表现上的精细程度。

三、哥特式风格与服装外形

哥特式风格对服装外形的影响，是其风格表现中最为明显的部分。从整体轮廓上来看，其服饰整体以瘦、窄的版型为主，在上装中，服饰的袖子以泡泡袖、耸肩袖等高高挺起的袖型为主要特点。从服装的配件上来看，帽子会具有尖锐的形状，鞋子也会长长、尖尖的，或具备富有尖锐棱角的造型。所以，在哥特式服装中经常会看到帽子很高很尖，鞋头尖而又翘起，肩部或者衣角的轮廓都会有明显的尖锐感。这一时期，为了突出服装的紧身性，款式、造型上都发生了很大的变化。其设计特别注重收腰和服饰的立体感，服装的裁剪方式也发生了重大的革新，开始注重立体裁剪，尤其是省道的变化。所以，从哥特式风格的服装中，人们可以看到明显的曲线感和三维效果。这种风格也是人们对传统服饰造型审美观的一种革新，对于服饰款式而言，这是一个承上启下的关键点。从此，哥特式风格的服饰渐渐向着越来越注重制作细节、具有越来越多的款式结构变化的方向发展。

四、哥特式风格与服装装饰

首先，哥特式装饰表现在丰富的刺绣装饰上。这种装饰大量地出现在服饰中，体现一种繁复的气息。其次，服装部位的立体装饰。领子的部位卷起，如，有的领子大大地翻卷出来，还有各种花边的造型；袖子上会垂下很多的装饰布，可以是多种色彩的，材料也是多样的，而且有长有短，配在袖子上显得非常有节奏感。五、哥特式建筑风格与现代服饰哥特式建筑的设计给当时的服饰设计带来了启示，大大增强了服饰本身的美感，契合人体曲线，满足了人们的物质要求。同样，它对于现代服饰的影响也是不可忽视的。从20世纪70年代开始，摇滚风格盛行，其也被称为朋克之风。这种风格在服装设计中流行开来，使得服装具有明显的哥特式印记。其中，具有代表性的如JoyDivision摇滚乐团，在他们的服装中就出现了很多哥特式风格的造型，如黑色的皮夹克、大量的蕾丝等。哥特式风格服饰在现代服装中被演绎成一种具有神秘感的服饰，多数以黑色、蓝色等冷色系为主，这种风格具有一种独特的个性，受到一些年轻人的喜爱。20世纪80年代以后，随着音乐产业的发展，这种由建筑风格催生的服装风格也逐渐发展壮大起来。这种充满个性的服饰风格在当时被看作一种非主流的流行文化，具有消极、颓废的特点与鲜明的个性。20世纪90年代，哥特式风格在音乐或建筑领域虽然不是主流，甚至逐渐消退，但是这种风格已经给服装设计带来了深远的影响，深深地渗透到服装设计中，为服装设计的发展注入了一种独特的艺术美感。如今的电影中也存在很多哥特式风格的象征，哥特式风格时尚中永远流行的黑色紧身牛仔裤直到今天依然存在，并被更多的年轻人所接受。近年来，哥特式风格一波一波兴起，哥特式风格的皮包、服饰、鞋子总会受到一些设计师的喜爱，并且在服装风格设计中占有重要的位置，现代设计师的手中不断衍生出新的哥特式文化风格，如近些年D&G品牌服装中的印花风与配色，都是一种现代哥特式风格的体现。

结语

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关键词：鲁锦纹样；现代服装；服装设计；运用

我国是一个多民族的国家，改革开放以来，我国实行的社会主义道路对各个民族展开自治型的开放政策，为此，多民族的基本特色得以保全下来，又因为国家政府对各民族的特色加以推广以及发展，让其形成了丰富多彩且独具一格的文化形态。就拿最具代表性的鲁西南地区的织锦来说，它不仅遗留了传统的特点，同时根据时代的变化而作出了相应的改变。当其与现代服装设计相结合时，不仅能将传统民族的特点以及文化特征展现出来，同时，还满足了现代人对于多样化形式、独特纹样以及丰富色彩等服装的追求，

一、何为鲁锦纹样

鲁锦也是鲁西南地区的织锦，在当地称之为八格缯或者是四格缯，是农家妇女用浸染法染成彩色棉纱后所做出来的经纬纱，它是一类民间纺织艺术。鲁锦纹样于二十世纪八十年纪被大家所熟知，同时对此技艺进行了保护，鲁锦有着非常悠久的发展史，它具有十分浓郁的民间艺术特点，属于传统文化遗产的典型代表。根据统计说明鲁锦纹样的种类超过了八百种，并根据新的研发又产生了一百种新的类别，鲁锦纹样的主要用途为壁饰、服装、旅游用品以及生活用品等。就其构成的基本特点来看，鲁锦纹样主要体现于几何元素上。鲁锦纹样在早期基本以格纹、斜纹以及条纹为主，简洁、简单、明显的分割样式是它的特征。

二、现代服装设计中鲁锦纹样的基本运用

1、现代服装设计中鲁锦纹样的直接运用

鲁锦纹样直接运用于现代服装设计当中，主要包含了局部造型以及整体造型两个方面，整体造型指的是根据鲁锦纹样来对整体服装进行制作，为了把服装的视角效果突显出来，在设计时会选择四方连续或者二方连续的几何纹样，这些纹样会给人一种对称、均匀的感觉，就常规的感知力与设计经验的评估方面进行分析，其必须考虑到的因素主要在于排列组合以及纹样两个方面，这也要求了对位置、大小以及顺序必须能展开审美处理，同时，运用其主要特征来展现出立体效果，以此来实现造型，并让造型、设计以及效果三者之间形成一致性，这也是泰纳口中的集中突出效果。而局部造型则指的是运用于服装的构成部分，比如过肩、衣领、袖口、腰带、下摆以及口带等。在具体的设计过程中会把鲁锦编校分布在不同的部分，或者只将其运用于某一个位置，又或者是运用多个位置来将其表现出来。如果将鲁锦放置于服装的不同位置上也将出现不同的审美效果。就拿腰带来说，在设计时可以采取装饰的原则，以二方连续长条状来展开设计应用，这种应用方式不仅能够突显其基本的效果，还能有效满足当前女性对于苗条身材的要求，这是因为纹样在服装的腰部贯穿起来能够起到一定的束腰感觉，还能分散人观者的目光，让他们被腰部纹样所吸引，以此来满足穿衣者的需求，并让服装效果得到有效提升。还比如，把鲁锦纹样设计于衣领处，不仅仅能够将其造型以更多的形式显现出来，同时，还能根据翻折领、无领以及立领的基本造型展开多样化的运用，让其具备多变的结构特点，这样还能减少一定的用料，并使得特色特点更加突显出来，它可以与人的性格表达贴合得更加完善，如果把鲁锦纹样设计于男性的肩部或者袖口，将能够展现出男性整齐以及力量感。

2、现代服装设计中鲁锦纹样的间接运用

在现代服装设计中间接运用鲁锦纹样主要指的是选择最具代表性的纹样元素融入现代服装设计中，在设计的过程中必须保持纹样原有造型，通过对纹样单元造型元素的提炼让其在不同的面料中进行二次设计再现。在现代服装设计中运用此方法能够更加直观的展现出抽离出来的鲁锦纹样的设计元素，让鲁锦纹样的传统艺术得以完美的体现。而间接运用单个纹样造型其实是借助鲁锦纹样中单元的形展开的，再采用一类新的面料让其形显现出来的一种形式，这种方式不会改变鲁锦纹样的基本造型，但是又因为现代设计感与其他面料的结合会让它展现出另一种风味。首先，设计师们把鲁锦纹样中的纹样进行整理归纳，选择典型且具有代表性的纹样，将其元素提取出来，比如水纹、枣花纹吃而已鹅眼纹等，这也是间接运用过程中的首要工作，根据服装的要求提取出相应的纹样元素后再进行二次设计，这里的二次设计主要指的是分析纹样造型的基本元素，再把可运用的相关元素在面料中展开二次设计，也就是在原来的基础上来完善或者展开进一步的审美处理。为了造型的需要，设计师们有时会选择这些鲁锦纹样元素为其设计找到一定的灵感，并采用一种意象的手法将其表现出来，这也展示出了极高的设计境界。一般来讲，设计师们会根据服装款型、面料以及色彩来选择一些有用性的元素，在具体的造型过程中会运用比例扩大或者缩小、拆分、叠加、拉升以及X型的方式来实现二次设计的基本要求。

三、结束语

总的来说，鲁锦纹样运用于现代服装设计中可以更加形象地体现出“民族的就是世界的”这一原则，这也能够将拥有多民族的优越性与对于世界文化的贡献体现出来。根据文章的具体分析我们得出，鲁锦纹样在现代服装设计中的基本运用主要集中于多层面以及小范围中，同时，它还能直接以及间接地运用在设计当中，这也能够把鲁锦纹样的主要特色有力地发挥出来。并让受众感受到良好的视觉效果，受众从审美的角度观看也能得到一定的享受，这也为鲁锦纹样在现代艺术设计中打开了研究的新视角，为我国传统文化艺术的传播与传承做出较好的示范效果。

参考文献

[1]钱欣,赵萌.鲁锦纹样在现代服装设计中的应用[J].纺织学报,2010,01:96-101+107.

[2]嵇海虹.鲁锦纹样在现代服装设计中的应用[J].科技风,2016,18:90.

[3]李艳,毕壹.鲁锦在现代产品设计中的应用研究[J].工业设计,2016,02:82-84.

[4]李翎洁.中国传统纹样的“前世今生”——探讨中国传统纹样在现代服装设计中的运用[J].现代装饰(理论),2014,11:103-104.

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一、蕾丝的发展史

最初蕾丝被运用于服装中主要是防止衣服脱边、脱线，具有镂空的特点，对手工的要求非常高且耗时长，这样在很长一段时间内蕾丝基本上是贵族特征，不仅代表了美丽还是地位的象征。据有关资料显示，蕾丝最终起源于美国，而蕾丝真正运用于服装是在15世纪末16世纪初的意大利，当时在意大利，蕾丝主要是贵族使用，接着传到教会的修女中，因为当时编制蕾丝有利于人们静下心来工作，可以净化心灵，同时也不失为一个赚钱的方式，所以在当时的修道院广泛传播。后来，在法国亨利四世花钱请来了意大利蕾丝制作的师傅，这样蕾丝就在法国传播开来。在当时来说，拥有蕾丝制作的衣服是非常时髦和显示身份的，大家都非常喜欢推崇蕾丝，而蕾丝也被广泛地运用在领子、袖口、衣服的花边上面。蕾丝制作在法国很快就风靡起来，随着蕾丝制作的不断发展，蕾丝设计应用到服装中很快就在整个欧洲和世界各地流行起来。在手工制作时代，蕾丝制作是非常费时耗精力的，所以一般的普通百姓很难拥有蕾丝制品，只有贵族才能够拥有。机器制作蕾丝的出现使得蕾丝获得了非常广泛的发展，蕾丝运用也越来越普及。

二、蕾丝的制作和特点

（一）蕾丝的制作

传统手工制作蕾丝是非常复杂的，像我国传统的刺绣一样，需要非常长的时间来制作蕾丝。蕾丝制作工艺的复杂性主要体现在，它主要是通过梭子和制作蕾丝的线来完成的，但是一个非常简短的蕾丝图案可能就要花费掉一个制作工人一个月或者更长的时间，而蕾丝可以由每个人单独完成，所以每个人制作出来的蕾丝都各不相同。在手工制作蕾丝的时代，蕾丝就是因为其工艺耗时长、对工艺要求高，因此蕾丝一般只为贵族使用。到现在，纯粹手工制作的蕾丝，一般都是非常值钱的，这些手工制作的蕾丝大多被用于高级服装中，以突显服装的品质和质量，在日常买的衣服中基本看不到手工的蕾丝。

（二）蕾丝的特点

一般情况下蕾丝可以区分为手工制作的蕾丝和机器制作的蕾丝，像我们平常所见到的蕾丝基本上都是机器制作的蕾丝，而手工制作的蕾丝因为需要比较长的时间和较强的制作技巧，因此价格也比较昂贵。蕾丝的结构是比较松垮的，具有一定的伸缩能力，蕾丝的图案也是凹凸有致的，穿上蕾丝有若隐若现的感觉。在蕾丝的制作过程中非常重视蕾丝的图案，每个图案都涉及到蕾丝的用线和留白的问题，只有灵活地把握才能制作出精美的蕾丝图案。另外，因为蕾丝的用料比较精细，不易定型，所以特别重视蕾丝的缝合技巧。

三、蕾丝在现代服装设计中的运用与表现

在过去的很多年里，蕾丝主要是作为辅助的一个修饰运用于服装设计中，但是又因为其独特的设计、精湛的技术所以显得非常珍贵。由于机器设计蕾丝的出现，使得蕾丝被广泛地运用到各种服装设计中。随着人们生活水平的提高，人们的审美意识也不断提高，使得蕾丝设计从服装辅料慢慢变成了服装设计中的主要材料。蕾丝运用在现代服装中，要注意蕾丝的透明设计，比如在女性内衣中，经常会运用到蕾丝设计，设计者们喜欢将蕾丝的透明设计运用到内衣中，使其不失朦胧美。同时，也要注意在蕾丝的花边设计上，要整齐美观大方，可以将蕾丝运用到布边或裙摆边界上，增强服装整体设计的立体感。从当前蕾丝在服装中的运用来看，现在的蕾丝已经不单纯地限制于辅助的地位了，有时候在服装设计中是服装的主要用料，这样的衣服可以显现清新可爱，或者显得高贵性感而妩媚动人，蕾丝衣服穿在人身上具有了灵性，体现了设计者的艺术创作。

（一）蕾丝在高级女装中的运用

在高级女装的设计中，我们可以看到，很多的服装上面都有蕾丝设计，从春装到冬装，基本上都或多或少地含有一些蕾丝设计，这样可以体现服装的精致典雅，同时女性穿上身又不失美观，尽显气质。在高级女装上，添加蕾丝的设计，通过蕾丝的布料来勾画出女性的身材，显示出女性的柔美，给人视觉上的效果是非常大气端庄的。例如：BottegaVeneta2011秋冬会上的一款时装，这款时装是一款“H”裙，在设计的时候采用裸色的面料来点缀黑色的蕾丝，这样做有利于突破传统“H”裙给人生硬的感觉，加入蕾丝设计，增加了衣着者的妩媚，时代感非常强。

（二）蕾丝在休闲服装中的运用

现如今，蕾丝也被广泛地运用到休闲服装中，传统的休闲服装都比较简约，视觉冲击的效果不明显，而将蕾丝运用在休闲服装中，可以丰富衣服本身的线条，给人以柔美的感觉，同时衣服的层次感增强。例如：我们在日常生活中经常见到的黑色蕾丝，黑色蕾丝在实践中是被运用得比较广泛的。在现代人的眼光中，黑色代表着神秘和性感，人们身着黑色的蕾丝会给人无限的想象，是成熟魅力的体现。如果将黑色蕾丝运用到休闲服装中，从服装的各个模块进行使用黑色的蕾丝都会达到不同的效果。

(三)蕾丝在男装中的运用

蕾丝在服装中的运用突破了女装的运作，现在也被广泛地运用到男装中。随着服装潮流的不断发展演变，很多女性服装中的特色也被引入到男装中，而蕾丝也是其中的一个方面，这体现着人们对男性审美观念的变化。在现代的服装设计中，首先要考虑服装体现的是一个人的特性，衣服需求的个性化，而不是像传统的衣服一样，中规中矩。男性衣服中加入一点蕾丝设计作为辅助材料，既能够凸显个性，又可以给男性衣服的设计增加一些新的潮流元素，为男性时装设计带来许多伸缩的空间，展现现代男性的魅力。当前时尚界，男装中运用蕾丝是非常常见的，既不失传统男生的帅气和阳刚之性，又能够和时尚潮流接轨。

四、结语