刺绣的艺术价值和文化内涵范文

导语：如何才能写好一篇刺绣的艺术价值和文化内涵，这就需要搜集整理更多的资料和文献，欢迎阅读由公务员之家整理的十篇范文，供你借鉴。

篇1

刺绣，也称绣花，是指在各类面料上经过针线的相互穿梭缝制出具有装饰图样和纹案的手工技法。我国传统刺绣的发展历史源远流长，早在舜禹时代就有刺绣相关的文字记载。刺绣在夏商与秦汉时期发展成熟，到明清达到顶峰。由于民国时期了封建帝制，象征统治阶级的刺绣官服也不再使用，刺绣的发展出现中断。随着二十世纪五十年代社会发展的变迁和人们生活方式的转变，传统刺绣的应用范围逐渐缩小，只有部分少数民族地区还流传着服饰刺绣的古老手工艺。而在科技飞速发展的今天，传统刺绣工艺逐渐被机绣技术替代，虽极大地提高了刺绣生产效率，人类却失去了对传统刺绣手工艺的传承。

二、传统刺绣与现代服装设计结合的意义

传统刺绣作为人类社会劳动与智慧的结晶，凝结着丰富的历史文化内涵和民族审美情愫，是中国精湛手工艺的代表。充分把握运用历史背景下刺绣发展的不同形态，将其与现代服装的设计理念和创作手法相结合，对刺绣工艺多元化的应用创新，以及对现代服装设计表现手法的丰富具有现实意义。此外，传统刺绣与现代服装设计相结合，对民族历史文化的复兴、促进当代手工艺的发展和创作经验的积累都有着无法估量的价值。[1]是保护古老手工艺和传承中华文化并行不悖的理性选择。

三、传统刺绣的艺术特征和文化内涵

（一）传统刺绣的艺术特征

1.配色丰富考究。传统刺绣在设色上十分考究，根据阴阳五行的理念将青、赤、黄、白、玄设为“正色”。正色是传统刺绣应用的主要颜色，常与其他色彩相互搭配构成绚烂丰富的刺绣色系。此外，传统刺绣的色彩搭配分为两种状态，其一，刺绣色彩大都以红、黄、蓝为主，与金线搭配，色彩对比强烈，配色浓重绚烂，常用于隆重的民族节日庆典中；其二，刺绣色彩用浅色系，同色系进行搭配，颜色淡雅柔润，脱俗秀丽，体现了柔和含蓄之美，常用于生活物品和服饰装扮方面。

2.针法繁多，工艺精湛。针法是刺绣图案构成的根本表现形式，传统刺绣精湛卓绝的风格和工艺，在很大程度上来源于多种针法的变换组合。直针、环针、套针、平针、散错针等多种刺绣技法，将刺绣的空间感和层次感完美呈现出来，塑造出传统刺绣不同风格的肌理纹样，极大地丰富了刺绣技艺的表现形式。此外，刺绣技法的多样性也衍生出不同的刺绣品类，典型的有网绣、十字锈、抽纱绣和雕绣等几种，无不体现了我国精湛的刺绣工艺和独特的艺术装饰效果。

3.图样生动传神且寓意深厚。传统刺绣纹样作为一种图案，具有深厚的文化内涵和社会寓意。它常以物化符号来反映人们在社会生活里的思想动态，比如石榴、松鹤、鸳鸯、锦鲤、牡丹、麒麟等反映人们对多子多福、延年益寿、婚姻美满、家庭幸福、富贵平安的美好期望。[2]除此之外，传统刺绣纹样还被统治阶级用来标榜自己的权力和地位，例如五爪腾龙图纹是帝王的专用刺绣纹样，而亲王级别只能用四爪蟒纹来彰显自己的身份，由此可见传统刺绣纹样在古代社会还具有封建统治的阶级象征色彩。

（二）传统刺绣的文化内涵

随着历史的不断演变，由于在区域上的差别以及技艺上的发展，国内的刺绣工艺获得了长足的进步，而且逐步构建起了有空间和地域之分的刺绣格局，并且累积了百余种风格以及特点各不相同的刺绣针法。[3]首先，按地域分类，我国刺绣有“四大名绣”，即苏绣、蜀绣、粤绣、湘绣。苏绣以套针为主，针法细腻，纹样活泼秀丽，色彩淡雅是它的特色风格。而蜀绣在吸收苏绣精髓的基础上，采用软缎和丝绸作为刺绣的主要材料，以国画作为主要格调，针法细密平齐，蜀绣具有浓彩泼墨的艺术特色。比起苏绣和蜀绣，粤绣的色彩对比更加强烈，常以套针和施毛针为主，在纹案轮廓上惯用金线圈缝，更加追求纹样繁复，色彩瑰丽的奢华效果。而湘绣是在民间技艺发展的平台上，吸取粤绣和苏绣之长建立起的绣种，湘绣以软缎、丝绸和纱作为主要刺绣材料，主要缝制人文景观和山水、花鸟等艺术绣作。其次，按民族特色分类，我国苗族、侗族、彝族的刺绣各有千秋。苗族刺绣工艺精湛，主要用在妇女服饰方面，例如领口、袖口、前襟和裙边等部分，苗族刺绣的取材来源于自然景观和人文景观，绣品色彩强烈亮丽，主题突出，层次分明，充分体现了苗族人对人文自然的崇尚和高超的审美观念。侗族服饰刺绣的纹样以抽象和写实相结合，内容丰富多样，用色方面也不像苗族那样对比强烈，侗族用色协调柔和，具有一定的韵律感。而彝族的刺绣主要以二方连续纹样和单个图案为特色，以写实性的自然形态和简约的几何形态组合，造型生动，变化多端。我国传统刺绣文化内涵丰富，品类繁多且各具特色，是现代服装设计取之不尽的灵感来源和艺术宝库，将传统刺绣与现代服装设计相结合，是发挥传统刺绣艺术价值的不二选择，也是对我国传统文化的发扬和中国古老手工艺的传承创新。

四、传统刺绣在现代服装设计中的应用原则

（一）材质创新原则

传统刺绣材质一般指的是绣线。我国传统刺绣材质大都以真丝线为主，但使用真丝线的绣品易起毛，难以清洗，并且当真丝线绣品与亮片绣和珠绣结合时又容易被刮花，具有一定的局限性，所以挖掘创新型的材质是解决当今刺绣的核心问题。在当今时尚不断发展的背景下，立体刺绣、珠绣、亮片绣、丝带绣等多种刺绣材质的创新在国外服装设计中的应用数不胜数。例如范思哲（VERSACE）2011秋冬高级定制这款礼服，采用了多种刺绣材质，立体植绒花朵，亮片和珠子编织而成面料，立体花瓣装饰，宝石镶嵌，弱对比撞色搭配，非常精致的刺绣细节设计彰显着高级定制独有的艺术魅力。[4]

（二）图案时尚原则

传统刺绣图案作为我国刺绣文化的组成部分之一，取材丰富纹样多变，是现代服装设计在展现刺绣文化时必不可少的应用元素。传统刺绣图案一般以花鸟、山水、动物为主，若将传统刺绣图案直接运用在现代服装当中，就会显得过于生硬直白，并无创新和时尚可言。由此可见，现代服装设计在应用传统刺绣图案时，要与现代流行的时尚元素紧密结合，即将传统图案纹样与立体时尚廓形结合，将传统图案素材与创新材质结合等等，做到立足传统，推陈出新，才能赋予传统图案新的时代生命力。

（三）色彩现代原则

中国传统的刺绣色调一般分两种：浓烈的艳丽色调和淡雅的柔和色调。而中国传统刺绣的色彩搭配大都以红绿撞色为主，即红花配绿叶，因循守旧的颜色虽传承了刺绣的配色文化，却无时尚的颜色可言。而传统刺绣色彩要具有现代化的特色时尚，就要做到大胆用色，巧妙配色，利用不同色系的不同纯度、亮度、饱和度进行调节，即使是同一色系也要有色彩层层叠叠，丰富多样的艺术视觉。如华伦天奴（Valentino）2012秋冬系列的服装，在粉紫、红紫、浅紫、黄紫、深紫等色彩结合的基础上把刺绣与蕾丝相糅合，层次丰富，精致华美。（四）手法多样原则刺绣的手法就是刺绣在现代服装中的表现形式，包括加法、减法、变形和综合运用等。刺绣在现代服装设计中的应用手法一般以加法为主，珠绣、亮片绣、立体花朵绣都是加法的一部分。要更大化地发挥刺绣在现代服装中的艺术价值，就要应用多种手法进行设计创新，将时尚元素和手工装饰相结合，使刺绣在服装上更富有层次感和立体感。

五、传统刺绣在现代服装设计中的应用现状

随着科技创新和时代的发展，传统刺绣的手工技艺逐渐被刺绣机械替代，除具有民族特色元素的品牌服装外，市面上流通的大众服装在刺绣方面都以机绣状态呈现，淡化了对传统刺绣工艺的传承。而真正意义上的传统刺绣，在当今国际的时尚潮流下主要被用在高级定制的时装中，下面从五个方面对传统刺绣的应用现状进行阐述。

（一）传统刺绣的材质和纹样在高级定制服装中的紧密结合

郭培作为我国最早的高级定制时装设计师，在1997年创立了玫瑰坊时装公司。她的作品常在服装细节处体现中国元素，手工制作颇多，刺绣尤为明显。例如2016/2017秋冬高级定制（CoutureFall2016）系列（局部），用金银线绣制在同色系的薄丝上，局部辅以珠绣、盘金工艺和立体绣花，层次丰富，雍容典雅。此外，在服装的腰背部分，用多种手法与传统刺绣中的锦鲤纹样结合，凸显了服装的灵巧生动和深厚的文化底蕴。

（二）传统刺绣图案的装饰与工艺的创新应用

我国传统刺绣图案以独具文化特色的纹样和装饰，成为国际设计师广泛应用的时尚元素。在AliceArcher2016/17秋冬高级成衣会上，它的系列服装将中国的花鸟图案绣在光滑亮泽的面料上，刺绣造型夸张，装饰丰富大气，工艺精湛且图案富有张力，使服装的每个细节都生动无比，散发着华美的气韵和东方艺术特色。

（三）传统刺绣的色彩和图案在高级成衣中的锐意创新

创立于1978年的台湾高级时尚品牌夏姿•陈，其设计师王陈彩霞擅长在服装上运用对比色系的套色技法或同色系的类比配色。例如2016春夏姿•陈(Shiatzy•Chen)新款服装，色彩上服装整体以粉桃色的色调为主，在真丝与透明纱拼接的基础上，用金线、粉色丝线绣制同色系的桃花纹样，手工精制，层次多元，将服装的浪漫唯美演绎得淋漓尽致。同时，在裙装的下端，用极具现代气息的马赛克纹样进行绣制，并在局部搭配回字纹的传统刺绣纹样，将传统与现代、西方和东方相结合，展现了服装时尚独特的艺术视觉。

（四）民族传统刺绣的地域局限性将时尚与世隔绝

从民族区域上分类，我国最具特色的刺绣主要分布在苗族、彝族和侗族等深山里的民族，由于山貌地势的隔绝减少了当地与外界的文化交流，这些少数民族的刺绣文化代代相传，被原汁原味地保留下来，到如今仍然保持着精美的刺绣作品和精湛的手工技艺。尤其是苗族刺绣，令人惊叹的传统手工艺因地理位置的局限性很难走出大山与时尚相碰撞，造成了当今刺绣文化独具民族性缺乏现代性的状态。

（五）传统刺绣在日常服装应用上因循守旧、创新不足

随着现代化观念的发展，年轻一代在时尚方面更加推崇与时代潮流并驱的服饰。在日常生活中，由于传统刺绣红绿搭配的色彩和花鸟、山水的图案过于因循守旧，并且流传下来的绣工技法和刺绣材质一成不变，于是传统刺绣便成了老旧和年代的象征，在日常服装中的应用愈来愈少。虽然一些中档品牌服装以民族风为特色，把手工刺绣作为时尚的卖点，但还是只有少数人会将此类服装穿着在日常生活中。

六、传统刺绣在现代服装设计中的应用策略

传统刺绣以深邃的文化内涵和丰厚的美学艺术价值，在我国数千年的服饰历史文化中占有重要地位。在机绣工业逐渐代替刺绣手工艺的今天，传统刺绣要保持鲜活的时代生命力，与现代服饰设计相结合是必然的选择。下面针对传统刺绣在现代服装发展中出现的问题，以及如何提升刺绣在国际时尚中的影响力提出几大策略。

（一）把握时代命脉，紧跟时尚潮流

传统刺绣要在时尚潮流中成为流行趋势的主导元素，就必须做到与时俱进。在与现代服装设计结合的同时，也要牢牢把握时代的命脉，将现代时尚的审美观念与传统刺绣元素结合，在不失去设计现代性的同时，也要保持自身的设计民族性，这就需要传统刺绣在现代服装设计中遵循上文提及的四大设计原则，即材质创新原则、图案时尚原则、色彩现代原则以及手法多样原则。在遵循四大原则的基础上，传统刺绣才能在现代服装中最大化地发挥它本身的美学文化和艺术价值。

（二）积极将“引进来”与“走出去”相结合

只有深入挖掘中国传统民族文化和特色刺绣手工艺，坚定不移地将民族文化推向国际，并引进国际时尚与中国传统文化进行交流碰撞，才能让我国的传统服饰文化发扬光大。近年来，神秘的苗绣走出大山，逐渐走入国际时尚的舞台，以华丽的图案、独特的肌理感和精湛的手工艺令国外时尚界惊艳叹服，在2011年12月份的《嘉人》杂志中许晴身穿“百鸟衣”，苗绣繁复华美的纹样图案与欧美简约大气的廓形结合展现了设计独特的节奏感，高级时装品牌与苗族盛装的搭配，竟如此和谐而有张力。

（三）立足传统文化，传承中华文明

刺绣作为我国古老的手工艺，要走向世界，就要植根于中国传统文化。在传承民族刺绣工艺和体现传统文化内涵的基础上与当代时尚潮流结合，锐意创新，才能走出一条富有文化底蕴的服装之路，才能使刺绣在国际时尚中被更多人所认可。在诸多国际顶级时尚品牌中，台湾设计师王陈彩霞的夏姿•陈（ShiatzyChen）品牌以其蕴含的中国文化与美学精神吸引了众多时尚人士的目光。[5]夏姿•陈作为我国在国际上具有影响力的民族品牌，在2016春夏系列中，从中国名著《西游记》中汲取灵感，通过精致刺绣描绘出带有东方传统韵味的花果山华丽场景，再加上蕾丝、雕花、乌干纱等多重面料的组合，使艺术与传统完美结合。

（四）保持鲜明风格，树立特色品牌

传统刺绣要坚持手工缝制，保持鲜明风格，树立特色品牌。设计风格与品牌特色是服装的灵魂，在时尚风格迥异多变的时代，引导原创个性，不受时尚所局限，不因潮流而左右[6]是服装葆有鲜明风格和品牌特色的前提。但相比起服装来讲，传统刺绣的特色与精妙之处却在于手工缝制的不可替代性，而号称“鬼才”的亚历山大•麦昆（AlexanderMcqueen）却将这两种特色运用得得心应手，使得品牌个性特色鲜明。例如亚历山大•麦昆2016/17秋冬男装系列，在笔挺西装上绣制巨型黑色蝴蝶，在蝴蝶造型结构变形的基础上，配制极具现代主义特色的图案色彩，其特立独行的设计风格，天马行空的创意设计，在挑战传统审美的同时也具有强烈的视觉冲击力。

（五）对世界优秀文化兼收并蓄

世界各民族各有其设计风格特征，我们去伪存真、借鉴使用，例如严谨复古的英伦风格，优雅浪漫的法式风格；华丽、繁复、精致的俄式皇家风格，古代中式厚重绮丽、古朴自然的风格，还有明丽缠绕的印度风格等[7]。除此之外，还有各国的宗教、图腾、建筑、文化、服饰等也都是世界优秀文化的组成部分，是优秀民族文化艺术的表现形式，更是现代服装设计取之不尽用之不竭的灵感源泉。对于世界各国的优秀文化兼收并蓄，做到为我所用是每个服装品牌设计师需要具备的态度和品质，更是服装多元化发展的时代要求。例如R•Shemiste2016春夏系列服装，汲取我国民俗元素和刺绣工艺，将颇有民俗气息的锦鲤刺绣加入设计，尤其是与绸缎面料与运动风设计的结合，产生了奇妙的化学反应，既古典又现代，红色与蓝色也相当高调、亮眼。

七、结语

传统刺绣的文化内涵深厚且历史悠久，在人类文明发展的历程当中，传统刺绣工艺伴随服饰艺术的演变和发展变得更加的具有时代意义，服装也伴随着刺绣的创新，变得更加富有民族气息。传统刺绣工艺从简单的缝制、拼接到华丽的刺绣，虽历经千年，依然魅力不减，它作为我国传统文化遗产的重要组成部分，仍是现代时尚潮流中不可缺少的应用元素。本文通过对传统刺绣艺术特征和文化内涵等方面的研究，分析传统刺绣在现代服装中的应用原则和现状，提出刺绣在现代服装中的创新思维和设计方法，为传承中国古老手工艺，并将其融合于现代服装设计中作出些许探索、创新和贡献。

作者:徐冉 单位:华南农业大学

参考文献：

[1]魏玉龙.刺绣在现代服饰中的创新设计与运用研究[D].江南大学,2009.

[2]李霞.刺绣在现代服装设计中的应用[D].陕西科技大学,2013.

[3]曹莉.中国民间刺绣艺术[J].浙江工艺美术,2013-12-15.

[4]师文雅.刺绣在中国高级定制时装中的应用研究[D].苏州大学,2012.

[5]李玉婷.现代服装设计中传统服饰元素的应用[D].清华大学,2007.

篇2

关键词 刺绣 民族语言 时尚 服饰 设计

中图分类号：J523.6 文献标识码：A

Development and Application of Embroidery in Modern Clothing Design

CHEN Zhenzhen

（Qingdao University Fine Art College， Qingdao， Shandong 266071）

Abstract Embroidery as a folk art， has its own rich culture and unique artistic charm， until today it is still a valuable asset and resource. Now， as a national language in use in fashion， and is designed to bring inspiration for the modern fashion designer things， and through its intension to render the value of tradition and fashion it has for modern people with to practical value， aesthetic value and economic value， and now is its fine craft of embroidery and colorful colors exudes brilliance to people.

Key words embroidery； fashion； clothing； design

0 引言

中国是一个历史悠久，又被誉为“衣冠王国”的国家。几千年来，中国人以其聪明才智和高超技艺，创造出许多精美绝伦的服装款式，给中华民族的历史文化增添了灿烂的光辉。中国各民族、各时代的服饰千差万别，其根本原因在于服饰观念的不同，也就是审美观念的不同。对于服饰的颜色、长短、宽窄、装饰等也各有爱好。在这些观念的基础上，人们制作适合本民族的服饰，其裁剪、缝制工艺是以行为活动实现的，刺绣工艺深受当时人们的喜爱。

刺绣艺术在中国源远流长，由纹身到衣服装饰刺绣，人类文明走过了很长的路程。起初，古人们为了消灾避邪，往身上刻上有关龙凤的图腾，后来女红开创了将装饰在人身上的纹饰由刺绣所代替转移到了服装上的变革。刺绣，简单来说就是用针穿上色线在底布上上下穿梭绣出图案的一门技法，它在各个朝代都有不同的发展和变化，例如，刺绣在汉代有著名的“信期绣”“长寿绣”等图案风格，而到了汉代又开启了刺绣人物的先河，并加以多种针法和色线的变化。正是由于刺绣工艺经过历代相传，长期的积累与发展，在不同的地域民俗风情中孕育，形成了其自身不同的风格特征。最为出名的属中国的“四大名秀”――苏、蜀、粤、湘，因风格明显，尤其为人们关注和喜爱，而其它少数民族的刺绣无论是在图案纹样还是技法上都有其自身的特点和文化内涵。刺绣有多种用途，例如：绣荷包，少数民族的儿童背扇，以及现代家居装饰物，而最能体现刺绣文化历史感的非服装莫属。

在现代服装设计中，各品牌设计师为走在时代前沿，不断从传统民族元素中找寻灵感，并呈现在T台之上。刺绣艺术灿烂精湛，随着中国风的兴起，深受设计师们的青睐，也再次揭起设计师们借鉴的热潮。而它作为一种传统视觉元素，有着独特、古朴、繁复和美丽图案纹样，其绣品色彩艳丽、对比强烈、设色单纯，有着独特的艺术效果，是值得我们研究的文化课程。下面，就从三个方面来谈谈对刺绣工艺在时尚服饰中的运用：

1 刺绣工艺在现代服饰中的表现与形成

在现代人的着装中，多方面是为了表现自我，追求简单、时尚、个性，我们很少在大街上看到有人身穿完整的刺绣服饰。因为刺绣工艺在现代服装款式造型设计中的运用，必须遵循装饰性和实用性统一这一原则。根据不同的图案、技法和造型的使用，可分为普通成衣、时尚女装品牌还有高级定制衣。

人们普遍穿着的都属于成衣一类，这就源于刺绣这一民族服饰语言的局限性――传统刺绣都是由手工完成而且针法多样。而在成衣设计中，一个重要的环节，就是要考虑其批量生产的可能性，以尽量降低成本和减少工序为指导，所以电脑刺绣或机器刺绣就运用而生了，设计师可根据服装的款式，造型、设计好图案，色彩、图案和刺绣技法将他们输入电脑程序，实现批量生产。这被广泛应用于时尚女装、毛衫、牛仔装、和童装中。其图案造型、纹样、色彩和整体布局都要与服饰得面料、风格相互呼应。例如：在儿童服装的应用上，常用布贴绣和粉嫩的植物、动物的卡通图案来与活泼可爱的造型相协调。

精美纯手工刺绣图案的服饰，一般为定制服装。这类服装一般是为个人设计并制作的单件套演出服或礼服，这在著名舞蹈艺术家――杨丽萍老师身上体现得尤为明显，传统民族服饰语言刺绣结合现代剪裁的着装几乎已经成了她的个人标志，无论是在演出还是在日常生活中无不显示出她对刺绣服装的喜爱与追逐，其浓郁的民族色彩服饰让她散发着非常时尚而又卓尔不群的气息。杨丽萍本人的服装一般是根据时代潮流和自己的审美理念与设计师一起设计并制作出来的，全是纯手工缝制，其图案和花色精妙绝伦，把杨丽萍另类、个性、脱俗的气质毫无保留的展现出来，将传统和时尚达到了最完美的融合。

2 刺绣工艺在服装设计中要体现其艺术价值和经济价值

俗话说：黄金有价，艺无价。所以，人们常常把艺术品比作价值连城的宝贝，而刺绣艺术品也享此殊荣。虽然刺绣是传统的民族服饰语言，但经过设计师们不断的从现代社会中汲取营养并与国际时尚相结合，进行时尚设计，不断的推陈出新，现在已经被其它民族甚至是国际舞台多接受，并且也展示了其非凡的艺术魅力。例如：范冰冰“东方祥云”的龙袍礼服初级版已经被杜莎夫人蜡像馆收藏，升级版又被 “英国维多利亚博物馆”收藏，这不只对与一位中国设计师而言，是一个至高无上的荣耀，更在于它是对我国传统民艺的肯定和支持。初级版制作花费了一个月的时间，尤其是工艺制作时，是30多名刺绣工轮班24小时不间断赶制出来的。这件升级版试浮雕绣，龙是立体的，手工制作的时间更长，劳伦斯把东方刺绣元素与外国裁剪理念相结合，糅合着传统和创意，将这一完美的艺术品展现到世人面前。刺绣――这一民族服饰语言，在传统与时尚的碰撞中，显示了自己独特的风格魅力和东方艺术神韵，为都市时尚的今天吹来一股自然的气息。也使得艺人范冰冰在戛纳电影节红毯上，惊艳四座，名气大振。刺绣本身风格淳朴，色彩艳丽，针法奔放，是现代设计师们为之骄傲的设计资讯，利用它为这个时代的人服务，创造出有个性的新服装，缔造品牌，带动中国服装业不断向前发展。

3 刺绣在现代服饰设计中要与现代审美相结合

在今天，以时尚观念为主导，仍然是这个以变化为主导的时代的主旋律。设计师要想创作出好的作品，必须在了解时代风貌影响下的人们的兴趣、爱好的前提下，才能将传统民族服饰语言合理的运用到服饰创作中去，利用它为这个时代的人服务，设计出符合这个时代审美要求的服装。这就需要考虑其图案纹样、色彩及材质等因素在设计中的运用与变化：

3.1 刺绣图案在设计中的运用

刺绣中的图案可以说是一个资源丰富的宝库，但在与现代服装的结合中，设计师应遵循的一个最基本前提就是图案纹样要与服装风格统一，因为有些图案单独欣赏十分完美，但与服装搭在一起未必合适，这需要我们借鉴图案的时候做一些变化。借鉴的第一种方法就是将图案的完整形式或一局部，根据服装的风格特点，直接运用到设计好的位置。这种借鉴方法一般变化不大，既保留了原汁原味的民族文化，又营造出了浓郁的东方神韵。例如：在Kenzo2005年的春秋女装和印度设计师ManishArora2008春夏女装设计中，在各套服装中的图案都采用了图案的原始样本。第二种方法，根据服装的造型与风格，要把图案的形式稍加变化运用到设计中，就是将图案简化重新组合或是将图案原型的某个局部夸张，但整体结构不变。这种方法主要是适应以简洁化、时尚化为主题追求的时代，更加符合现代人的审美追求。例如：Balenciaga2008秋冬服装会上的女装和印度设计师ManishArora2008春夏女装设计，这都是这一方法的运用。

3.2 刺绣图案色彩在设计中的运用

对于刺绣图案色彩的运用，民族服饰上刺绣图案的色彩以红、黄、蓝、绿为基本色，其颜色纯度叫高，色彩对比强，视觉冲击力较大。尤其是民间艺人的高超配色能力，精美的色彩令人赞不绝口。例如：一件绣有“蝙蝠云纹”的西畴壮族背孩带，采用“剪贴绣”的技法绣了三只大蝙蝠，黑色的底布上用白、红、黄等亮色布条贴绣成蝙蝠云纹，在空隙间，用其他针法补绣出各色吉祥图案，这些色彩调节了黑色底布与亮色布贴的对比度，使整个画面十分协调。中国传统图案配色的讲究程度一点不亚于现在的配色规律，而表现得更多的是现代设计师向他们的学习，所以只要我们既能保持单纯而不单调、多样而能统一的配色规律，又能与服装的设计风格和感彩相协调即可。

3.3 刺绣材质在设计中的运用

刺绣材质最大的一个特点就是要与服饰面料相匹配，因为刺绣运用在服装上面最突出的作用就是装饰点缀，风格必须和服饰的整体感觉相统一。刺绣的材质是通过不同的绣线所产生的光泽感和肌理效果表现出来的，这种材质要与服饰面料搭配和谐，这样运用到服饰里才能起到丰富造型、体现美感、突出个性的作用。

4 结论

在现代社会中，老一代艺人传承的刺绣工艺已青黄不接，老旧绣品服饰的数量越来越少，所以我们要不断的加以保护和学习，从收集到的民间刺绣作品之中，窥探民间刺绣艺术昔日辉煌的吉光片羽，创造出更加精美的符合现代审美的刺绣服饰，让刺绣工艺得到传承与发展，使其艺术价值不断提高。而传统要素要想要在现代服装设计得以成功运用，就要以更加国际化的视角，让设计出于传统又不落于传统，这需要我们坚持不懈的努力和不断的追求和探索。

参考文献

[1] 李友友，张静娟.刺绣之旅.中国旅游社出版社，2007.3.

[2] 潘嘉来，林锡旦.中国传统手工艺文化书系――中国传统刺绣.人民美术出版社，2005.6.

[3] 马蓉.民族服饰语言的时尚运用.重庆大学出版社，2009.7.

篇3

一方水土养一方人,中原独特的地域性特征在河南的民间美术得到充分体现。年画是河南民间美术的重要组成部分,无论是春节还是喜宴,年画都必不可少,因此林林总总美不胜收的年画比比皆是,同时也带动了朱仙镇木板年画的诞生。朱仙镇木板年画又名朱仙镇门神,其起于唐,兴于宋,盛于明,距今已有800多年的历史,被誉为中国木板年画的鼻祖。其中文门神有五子、福禄寿等,武门神则是传说中的绿林好汉、英雄烈士等。年画的画幅较小,人物造型夸张,具有喜剧效果,背景单纯,色彩常选用大黄,橙色,深绿等鲜亮颜色,以此烘托节日气氛。这些色彩鲜艳的年画能充实劳动人们的生活,体现了河南人们独特的审美情趣。皮影戏起源于汉代,桐柏皮影则是河南境内桐柏县、泌阳县一带出名的艺术形式,经典的节目有《杨家将》《岳飞传》《水浒传》等等等等。桐柏皮影具有鲜明的艺术特点,其影人造型大胆夸张,轮廓简洁但内部雕刻却十分精致,具有浓郁的乡土气息却不缺艺术审美。艺术审美是一项体现人的本体性价值的活动,淮阳泥泥狗是淮阳农民手捏泥玩具的总称,是淮阳太昊陵“人祖会”中用以出售、交换的玩具,其题材广泛,造型古朴稚拙种类繁多,色彩以红、黄、青、白、黑为主,其基本花纹都属于神祗崇拜的变异形式,体现了泥泥狗独特的地域风格。体现地域性的还有南阳玉雕,据可靠的史料,起源于春秋战国,玉石颜色丰富,质地细腻,艺术价值观赏价值极高。还有寓意为吉祥纳福,造型别致,刀法简洁的方城小石猴,和质朴醇厚的内黄农民画。在色彩方面,河南民间美术具有装饰性、特征性、单纯性的特点。装饰性体现在河南的民间美术很少受表现对象的局限,民间艺人更注重色彩的搭配和相互的协调。在色彩的应用方面,不以理性分析,而是以“好看”和“难看”进行区分。河南民间美术主要颜色构成补色、色相、明度的对比,体出一种阳刚之气,并且利用色彩穿插、套印等手法丰富色彩,起到装饰的效果。河南民间美术的配色有一个显着地特点,就是优先考虑色彩的象征手法,如红色代表忠义,因此文官面部常用红色、黑色代表勇敢,武馆面部常施以黑色、黄色代表暴虐、绿色代表顽强、在设色中,朱仙镇的木板年画有许多专用口诀,我们看不到[！]色彩的立体感和空间感,但色彩带来重象征、重神韵的河南民间美术的广阔空间,呈现出地域性的色彩特色。

二、河南民间美术的审美表达特征

民间美术是劳动人民年复一年舒缓疲劳而创造出来的,正是在劳动人民的创造下,民间美术才得以生生不息。因此民间艺人在手法应用上更注重象征手法而忽略本体形象,常采用寓意、夸张、变形等艺术语言表达情感格调。相处与相同地域的人们经过长期潜移默化,演变成一种审美意识,并且以习俗的形式传承,这体现了河南民间美术的生命内涵。河南的民间美术朴素豪放,在漫长的历史河流中,彩陶、青铜、石刻等艺术形式仍在河南蓬勃健康的发展着,河南民间剪纸、皮影戏、刺绣等都大放异彩。民间美术审美可以从造型、色彩和文化传承入手。在造型方面,河南民间美术有着独有的特点:注重隐喻象征,随意性和概括性。艺人不仅表现物体的客观形象,还加入艺人的主观想象,表达创造者的思想感情。这样的方式可以打破时空的自然规律,使艺术作品理想化,达到超脱物体自身形象的束缚,升华到艺术的境界,更使作者的意念传达的更加清晰,又为观者留下足够的想象空间。色彩是民间美术的重要组成部分,河南民间美术的材质与工艺技术决定了其单纯、简洁、明快的色彩特点,和浓厚艳丽,装饰性强的用色特点,同时讲究色相和冷暖对比,这样的特点显现出具有倾向性的审美意味,取得了卓尔不群的艺术效果。在传承方面,民间美术本身就是一种带有原发性的美术形式,它诞生于生活,应用于生活,有着纯真平淡的视觉审美特点,也反应当地人民的审美选择和当地民间美术所具有的内涵和外延,体现了河南民间艺术发展的历史脉络和文化精神。

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[关键词]广西民族元素；艺术价值；欣赏经济

广西有12个民族，壮、汉、瑶、苗、侗、仫佬、毛南、回、京、彝、水、仡佬。广西是全国瑶族人口最多的地区，约有150多万人，约占全国瑶族总人口的60％；广西也是全国仫佬族人口最多的地区，有17万多人，约占全国仫佬族人口的90％；环江毛南族自治县是全国唯一的毛南族自治县，也是我国毛南族最大的聚居区，有7万多人；广西是我国京族唯一的居住地，京族人口2.15万人，是我国最富裕的少数民族之一。丰富的民族元素可谓是广西的一大财富。

民族元素是什么呢?广西民族元素又有哪些呢?笔者认为，民族元素从大的来讲是指民间的民俗文化及手工工艺、绝活、歌舞、器乐、说书、皮影、绘画、剪纸、木雕等；从小的来讲是指民间民俗中延伸和分离出来的概念、符号、音讯，并有着世代相传及发展变化的历史。广西比较典型的民族元素有壮锦、瑶锦、花山岩画、绣球、铜鼓、芦笙、风雨桥、刘三姐等等，其具体的内容及形式就数不胜数，每个民族都有其独特的民俗和传家宝。这些传统民俗经过世代相传，逐渐被世人发现、欣赏、接受和喜爱，但有的也面临着失传的危险。对待古老的、精典的民族文化艺术，联合国教科文组织是有保护政策的。联合国教科文组织认为非物质文化遗产是确定文化特性、激发创造力和保护文化多样性的重要因素，在不同文化相互宽容、协调中起着至关重要的作用，因而于1998年通过决议设立非物质文化遗产评选。这个项目的申报有三个基本条件，一个是艺术价值，一个是处于濒危的状况，还有一个是有完整的保护计划。并规定每两年才审批一次，每次一国只允许申报一个。从2001年开始，该评选已进行了两次，共批准了47项口头和非物质文化遗产，其中包括我国的昆曲和古琴。另外针对各地经济的发展特色与魅力，联合国教科文组织也成立了“联合国全球创意城市联盟”。从2004年开始，已经指定了6个创意城市，突现城市的独特文化资源魅力，这更说明了民间民俗的工艺等元素是有其价值的。面对中国与东盟的合作机遇，把广西的民族元素摆在经济建设的重要位置上来，才能更好地实现“富民兴桂”新跨越。

一、民族元素是块宝

(一)民族元素具有欣赏价值

发展是硬道理。广西优秀的民族元素对广西经济发展起到了重要推动作用。南宁国际民歌艺术节、东南亚风情及各地民族节日庆典的常年举办，以浓郁的民族风情，赢得了社会各界人士的赞誉。而过民族传统节日的风俗习惯，没有因为年代的变化而丢弃。“过节”很重要的一点就是热闹，“观看听”是它的基本功能，观众多人气旺就说明了它是有用的，是有艺术价值的。游客和外宾就是冲着节日的土味来的，因此给它起个雅号叫“民族元素”。民族元素的有用与生活中的工具物品的有用不同。工具是可以使用并为你服务完成你的需要目的；而民族元素不是，你不一定要使用它，它摆在那里、立在那里，展露的是传统、是纯朴，它的魅力不是让你使用，而是让你欣赏。它的价值已经上升到一个上层意识；民族元素的浓郁性与传统性是产生吸引力的关键。有吸引力才会有众人欣赏，有欣赏就说明了它的魅力所在。实质上是民族元素对社会有用，对人类有用，它是传承了中国民族文化艺术的精髓，对国家对世界都是瑰宝。我们要继承和发扬光大这块瑰宝挖掘其经济艺术价值。

(二)民族元素的艺术价值

先把艺术和价值分开来讲。艺术是什么?《现代汉语词典》指出，艺术是“用形象来反映现实但比现实有典型性的社会意识形态”。1999年版《辞海》对艺术的内涵和外延作了解释：“人类以情感和想像为特性的把握世界的一种特殊方式。即通过审美创造活动再现现实和表现情感理想，在想像中实现审美主体和审美客体的互相对象化。具体说，它是人们现实生活和精神世界的形象反映，也是艺术家知觉、情感、理想、意念综合心理活动的有机产物。作为一种社会意识形态，艺术主要是满足人们多方面的审美需要，从而在社会生活尤其是人类精神领域内起着潜移默化的作用。”那价值又是什么呢?我国社会科学界一般认为价值一词有两种含义：一是指体现在商品中的社会必要劳动；二是指客观事物的有用性或具体的积极作用。随着我国哲学价值论研究的开展和深入，许多学者从不同的视角对价值概念进行不同的诠释。有的学者认为，价值是主体对客体的能量转换和凝结的认识和评估，是形成客体的一种对能量凝结数量的认识。那么艺术价值又是什么呢?艺术价值主要是指一件商品或事物的完成品，其传统的、现代的、个性的风格，并被他人欣赏或认可的并能产生直接或间接的价值就是艺术价值。其所反映的民族性和地域性越典型，其艺术价值也就越高。

二、广西民族元素的艺术价值

要赢得更多的人欣赏广西的民族元素，需要多个方面的努力，但前提是要有突出的亮点。我们看看联合国教科文组织指定的六个创意城市。从2004年开始，“设计之都”是德国柏林和阿根廷的布宜诺斯艾利斯；“民间艺术之都”是埃及阿斯旺和美国的圣大非；“烹饪之都”是哥伦比亚波帕扬以及“文学之都”英国爱丁堡。

单说圣大非，艺术和文化成了这座城市的主要支柱，新墨西哥大学贸易研究院的评估表明，艺术和文化产业每年在圣大非的经济收益中占40％。音乐和舞蹈、出名的博物馆和画廊、壁画和雕塑将这个城市的层面呈现出来，这些艺术将整个国家的人从四面八方吸引过来。最近几年里，圣大非又成了最主要的世界旅游目的地之一。这些民问民族文化不仅给圣大非带来了游人，也给它带来了大量的收入。“圣大非设计周”、“绿色设计圣大非”、“国际民间艺术家训练营造市场”是该城每年必定举行的主要创意文化活动。据新墨西哥大学贸易研究院的数据，整个圣大非有70000个团体从事艺术文化，占美国第一，每年为该城带来11亿美元的收入；同时有超过六分之一的雇员为此效力，“圣大非风格”已经是世界公认的工艺标准，一些独特的印地安民族元素在设计中的运用已经有超过400年的历史。由此我们可以得出结论：民族的就是最有特色的，民族元素是有艺术价值的。广西要实现“富民兴桂”新跨越，就要深挖民族元素的艺术价值，把广西民族元素的“点”与艺术价值的“线”穿起来，目的是创造更多的欣赏点，再与广西发展这个“面”连起来。点线面的结合，自然要有更多的点与线的对接，点线发展好了面就自然会兴旺起来。欣赏点多了，游客也会多起来，大环境就自然好了，自然带来“欣赏经济”，广西发展就更快了。下面从五个方面来谈广西民族元素的艺术价值。

(一)旅游艺术价值

旅游讲究的是“看、游、玩、品、听、藏、乐、松、爽、用、廉”。我们到一个地方旅游，“看”的是风土人情，“游”的是青山秀水，“玩”的是主题活动，“品”的是美味小吃，“听”的是山歌民语，“藏”的是特色物品，“乐”的是开颜心境，“松”的是身体力行，“爽”的是互动群染，“用”的是干净卫生，“廉”的是物美价廉。在这里面艺术的有形和无形都在起着非常重要的作用，看风土人情要看装饰和特色，玩活动要看节目精彩和有趣，购物要看好看和价格，照像要看景致和场地。只要和旅游有关，其艺术的价值就能体现出来。如果忽略艺术性，那就会降低旅游价值；反之，重视了艺术性，就会提高旅游价值。南宁是首府，发展与南宁国际民歌艺术节、中国一东盟博览会相呼应的创意项目，就是发展与之携手并肩的民族文化项目，比如民歌城、民族艺术城、东盟民间工艺品文化广场、民族雕塑景观城、民族文化节日庙会等大型综合项目，把民族元素的开发利用和发展结合到旅游项目中，并深入挖掘和创造艺术价值的力度，把“点”做精，把“线”做多，旅游收入自然会增加。桂林是广西的旅游城市，但是它不仅仅是广西的，而且是属于世界的。在外界看来桂林是山水旅游城市，有着大自然的山水优势，但民族元素与艺术结合方面，还可以进一步挖掘其特色，包括完善市政基础建设的民族之风，在景观、公设、便椅、果箱、人力车、阳伞、零售亭、电话亭、广告牌等物体的造型上可加强地方民族特色。柳州则应该突出歌仙刘三姐以及壮族、苗族、侗族的传统元素，在市政建设上大力充盈民族元素之外，力求发展本地特色民族元素建设，在微观及民族工艺品上强化民族工业的发展，与桂林拉开民族差异化特色。而北海则应该寻求京族民族元素的融入，将鱼民乡情海文化有趣地落实在市政及公共场所里。其他城市的基础建设中，更应该立足本地民族元素的塑造，才能拉开地区间的差异美，才能形成广西旅游中民族元素的整体特色。

(二)服饰艺术价值

广西有12个民族，原生服饰本身就是品种多样而且璀灿华丽，在各民族节日里也会有所穿戴，但服饰的展示仅停留在节庆和演唱活动上，其发展还没进入到一个战略高度。服饰是国际性很强的一种文化，开掘广西民族服饰的艺术价值将是继中国一东盟博览会又一个体现广西民族元素艺术价值的战略体系。以笔者看，可在首府每两年举行一次东盟服饰博览会，并逐年提高档次，争取一年一次。国内外许多服装品牌都将少数民族文化元素大胆地运用于不同的服饰设计与制作上。方形、菱形、人字形、万字形、福字形等花式图案，反映对花、鸟、虫、木的自然崇拜；在衣服上表现出抽象的鸟兽、天象等，是图腾崇拜的遗风。比如外人熟悉的绣球、凤凰，它们组合的图案设计，隐藏着一个民族悠远的创世传说。这些具有神秘性的文化特质并传递人们对多元文化和谐相待的服装，将会受到热爱旅游、热爱大自然、热爱风情文化的游客的青睐。仿民族服饰的式样也繁多，或无领开胸对襟，或右衽襟衣，或大腰裤，都能渲染出古朴的乡村风情。除此之外，扎染、晕染、挑花、刺绣、织花、蜡染、镶花，繁复的民族传统制作工艺经过现代科技的改良，能更为细腻地呈现于衫、裤、裳、裙，那种田园淳朴的气息给人以安静空冥的遐想和顿悟。饰品、配饰更能让民族元素得到极大的彰显。坤包、挎包，可以草编，可以锦制；项链可以坠着繁重的银饰或贝壳，散发出山野气息或者热带气息；手镯、耳环、指戒等等，处处可以将民族元素的服饰定格，散趣。我们要把服饰的艺术价值推向一个新的高度，创造“美在广西”的神话。

(三)建筑艺术价值

广西的建筑在民族艺术价值观的开发方面有待加强。如果按照各地的民族风格，充分发挥当地民俗民风，有意识地带着民族元素来考究和设计，就会形成很规范、很有特色的规模建筑，各地就会拉开一个差异美，进而形成广西民族特色元素的立体美。建筑是城市的脸面，也是民族元素中“点”的问题。没有民族艺术“线”的修饰，就不会形成“面”的辉煌，因而有风格特色的建筑才是我们的优势。比如桂林强调马头墙、翘檐、白墙、青碧琉璃瓦、庭台楼阁，与碧水青山相得益彰，不管从哪个角度看，都能从其建筑的风格看出是桂林而不是其他的城市。比如我们看泰国建筑，那民族特色就是泰国而不是云南，这个区别就是民族元素在起作用了，这一点恰恰是我们广西各地对民族元素的认识不足造成的。而北海是滨海城市，银滩名扬天下，光照时间长，是避暑渡假观光的好地方，建筑风格就应紧贴京族风习；而市政设施也应该就滨海风格就地取材，碧海蓝天，斗笠屋顶地脚台，白墙翡翠翘檐角，地脚天台观海景，使其更有民族特色。

(四)公共空间艺术价值

凡是与公共场所有关的艺术就属于公共艺术范畴，因而民族元素的艺术价值可以在宽广的领域发挥作用。城市的建设少不了公共艺术的设计与应用，观赏与实用，造型与点缀，灯饰与坐椅，植被与奇石，树种与花草，流水与喷泉，音乐与标识，广场与花圃，雕塑与装置，尤其是与本地民族元素的渗透都是要考虑的。同时，人均空间的公共面积、所能欣赏的物种等等，尽可能地考虑到本民族元素与城市的融合，这将是一个非常美丽而富有远见的事情。只有自己的并且符合自己特色的公共空间才是共同的，才会体现公共空间的艺术价值。公共空间是公开展示、观赏、留念和使用的空间，在民族元素的持久展示方面更有优势：它反映一个时代的文化、气息、风情和艺术；它是城市聚合人气、活动交流的空间场所，也是一种城市的“象征”。广西作为中国一东盟博览会永久会址，其公共空间中的民族元素的应用及新的民族元素的创造，将会极大提升该城市的美丽形象，能有力促进广西的发展进程。

(四)经济艺术价值(品牌价值)

发展民族经济一个很重要的概念就是发展民族地方品牌。这里只涉及一些表面与民族元素有关的问题来谈，不涉及更深的民族经济问题。对民族品牌来说，抓住了民族地方品牌就等于抓住了市场的前沿。这一点云南做得很好，很值得我们广西学习。广西的自然资源优厚，民族民间品牌特产很多，但是做大做强的不多。“甲天下”、“刘三姐”、“莫老爷”这些品牌均没有做大，而且“甲天下”、“刘三姐”分别属于几个不同的企业，没有大品牌运作意识。还有玉林牛肉巴，是玉林传统上好食品，品牌定位不能离开玉林，而后才是个人姓氏名谁。包装广告就要明白他们的关系结构，既要保护地方民族元素又要提升个体的艺术个性。广西的山水资源广博而丰富，农作物、果蔬、名小吃数不胜数，这些都是有待大力开发的民族物品。总之，只有融入了民族元素的品牌，才会有艺术价值的提升，才会更具国际竞争力。

三、展望

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【关键词】客家民俗文化；现代设计艺术；应用

对于艺术教育来说，它的最终目的就是让学生在未来的人生路上学会如何在艺术的世界里梳理情感，在艺术的殿堂里聆听世界的美妙、感叹生命所赋予我们的神奇、体会人生路上的每一个快乐或是悲伤。培养学生的艺术设计的认识能力和积累需要一个长时期的过程，所以我们不能仅仅停留在课堂上，我们更多应该发挥学生们的学习主动性，多方面去营造学习的氛围，让大学生真正成为学习艺术设计的创造者[1]。为此，需要我们根据实际情况进行灵活有效的教学调控。

1客家民俗文化

在历史的长河中，一个国家或民族或地区通常会形成许多独特的风俗习惯。民俗是民间文化中带有集体性、模式性、传承性的文化现象，它以口耳相传深刻影响到人的思想行为和社会生活。民俗在文化系统中一旦成熟，它就会成为规范人们心理和行为的一种潜在的基本力量。同时民俗的产生在一定意义上是人类对社会生活的一种理解和掌握。客家民风古朴、敦厚、充满着浓郁的乡土气息。

2客家民俗文化在现代设计艺术中的应用策略

2.1客家民间工艺自爱现在艺术设计中的应用

2.1.1体现其艺术价值

客家民间工艺反映客家民系的勤劳和心灵手巧，具有很高的艺术价值.这些传统的民间工艺再现了客家人民勤劳朴实的生活场景和用劳动创造财富的生活态度，具有很高的鉴赏价值[2]。同时，这些独特设计的工艺在图案上，多以山水、花鸟、瑞兽或是人物为主，象征喜庆和欢腾的美好寄托。且不同的图案还具有不同的故事，有的口口相传至今已成为了书本上的典故。在当今与国际接轨的社会，艺术设计不仅是追求使用价值，也追求艺术文化的展现，客家传统工艺势必可以给如今的设计师们以灵感，设计出古今结合，中西合璧的完美设计[3]。

2.1.2体现其文化价值

客家工艺品的品种繁多决定了其文化价值的丰富多彩。客家器具寓意深远并且具有实用价值，其制作的指导思想一直流传至今。竹制品是中国国人政治品质的象征，其大小品种多样，广泛用于日常起居及建筑中。剪纸彩灯工艺源远流长，并且流传至今。剪纸艺术更是形式多样，图案丰富，样式新颖，折法剪法多样，广泛粘贴于窗户，门面，铺子等显著之处表示喜庆欢乐之意。客家建筑上的雕刻并不少见，其精湛的技艺，精细的刀工活灵活现了客家人对艺术的追求和对美好生活的寄予。例如：陶瓷的文化价值不仅仅在于其丰富多彩，最重要的是作用是为传播文化、促进经济合作提供舞台[4]。

2.1.3体现其社会价值

客家工艺艺术形式多样，造型寓意经典并且融入了客家民系对生活的热爱和对艺术的执着追求。把传统的工艺和现代的理念结合在一起可以为传统民间工艺创造经济价值提供机会。客家民间工艺技巧虽有流失，但传承下来的多数还是十分有价值的。近几年来，散居世界各地的客家民间组织和各地政府一道为保护和传承客家文化做了大量工作。其构建的传播孔可佳文化的平台供大家交流。传统文化的发扬光大提高了国人社会地位。同时精湛的客家技艺也提升了民族自豪感。民族凝聚力也因为文化的感染得以加强。

2.2客家传统元素在艺术设计中的应用

随着人们的生活品质不断提高，人们在现代艺术设计需要不断进行更新，注重将传统元素与现代艺术紧密结合。以充分将现代文明呈现的多样化、个性化。的特点与传统文化元素相结合，设计出符合大众审美理念的作品。传统元素有利于人们接受和创新相关文化理念。中国传统元素包含的文化内涵值得挖掘。目前，从国内的设计多半结合西方设计概念。引用西方设计理念缺乏国内的艺术特色和文化内涵。现代一些设计师将传统元素融入现代艺术设计，从而不再盲目崇尚西方设计，在运用国内传统元素的同时设计出包含中国文化内涵的作品。现代艺术设计为现代品质的代名词，不但充分体现了人文因素，而且还能能够满足人们的物质追求。现代艺术设计转化模式多种多样，传统文化因素融入现代艺术设计能够拓宽现代设计理念。

2.3客家民俗在建筑结构中的运用

现代建筑在中国大众的审美视野里显得单调。现代艺术设计要满足现代大众的审美需要。我国古代建筑呈现出古朴厚重的特点，让人有安全感。利用现代的梁板式结构不仅可以满足结构的要求，而且还能提高建筑的艺术品位。如梅州的某些建筑，其综合利用了传统元素，采用了现代装饰元素充分体现了客家文化元素，同时造型周围以典型的围龙屋的造型进行衬托。

2.4在服装设计中的应用

同时中式与西式结合的设计理念体现在服装设计行业。苏绣在中国的刺绣行业中非常有名，传统中式服装烦琐的设计被现代人抛弃。苏州旗袍得到了大现代艺术设计中传统元素的运用

2.5客家民俗的多元化在艺术设计中的应用

文化从不同学科角度要给其下一个不同的定义可以达到上百种。客家民间工艺多元一体，多元文化的背景下，客家民间工艺品具有物质文化和精神文化两个方面。从精神层面，客家民间工艺贯穿了客家民系的发展和壮大。因起都以手工制作生产，同时也是客家人审美标准的体现，精湛的客家工艺品更是宝贵的物质文明财富。总之，在现代艺术设计中运用客家民俗是现代艺术设计行业的发展趋势，一方面是对传统文化的延续，另一方面体现了文化层面的协调统一。现代艺术设计要充分运用我国客家民俗文化，并在继承中求创新，从而展现出现代艺术设计的文化魅力。

参考文献

[1]王振清.试论现代设计艺术中传统造型元素的再创造.科教文汇:中旬刊,2012,(8):45-46.

[2]石慧.浅析传统艺术元素在现代包装艺术设计中的创意运用[J].作家,2013,(12X):291-293.

[3]华天睿,王菁.中国传统图形元素在现代平面设计中的应用研究[J].艺术百家,2010,26(S2):125-127.

篇6

本课以《普通高中美术课程标准（实验稿）》人民美术出版社美术鉴赏第课《美在民间永不朽——中国民间美术》一课为蓝本开设的高中美术鉴赏研究课例。

中国五十六个民族汇成了丰富多彩的民族民间艺术，经过几千年的文化积淀，这些艺术承载着一个民族地域文化的审美特征，反映了一个民族的生产方式、思维方式、生活态度，具有独特的艺术表现形式和组织架构的历史形态。但随着工业社会都市化进程加快，外来消费文化和市场经济的全面冲击，使得民族民间艺术赖以生存的经济基础和文化土壤遭到破坏，扎根于乡间的民间艺术进一步势微，特别是原生态的民族民间艺术正迅速消逝。民间艺术作为非物质文化随着传承人的逝去而消亡。因此我们应该醒悟：民间艺术已经成为濒危的文化需要保护。积淀深厚的民族民间艺术为学生提供了学校难以相比的丰富的艺术经验和教育资源，将民族民间艺术引进学校美术教学课堂，具有多方面的现实意义。本课选取了我国民俗文化的主要内容中典型的中国民间美术6个种类：年画、民间玩具、剪纸、风筝、编织、刺绣、编织。让学生分组选题收集素材合作调查交流展示价值延伸的研究学习。由于我校高一70%的学生住在广州市郊，活动中我倡导让学生接触、积极主动地参与本地或社区组织的一些民俗活动进行调查。加强他们热爱以及继承我国民间美术本土文化的信心、成为学生体验生活，学习艺术的丰富资源。通过师生制作多媒体课件，而提供民主宽松的教学环境增加课程信息量的同时，开拓学生的视野、激发学生学习美术的兴趣、体验自主研究这种开放性的教学观，拓展了学校教育以课堂为中心的教学模式，能激发学生的学习兴趣，增强他们的民族自信心和自豪感。从欣赏美、了解美、发现美、评价美的鉴赏过程中感受相互合作、体验发现的愉悦。本节课将从调查汇报、交流评价、实践临摹三个教学环节来感受民间美术的特点和民间美术的语言、了解民间美术的一般审美特征，初步掌握民间美术的一般鉴赏要点。

二、教学对象分析

高中是对一个人的将来发展方向起决定作用的重要阶段。正是青少年学习运用假设演绎推理法的时期，他们通过简单的象征性概念锻炼自己的思维能力，并针对各种各样的文化内容开动脑筋进行思考。高一学生的身心发展水平接近成熟状态，在繁忙的学习之余十分关注流行，对民族传统文化知识的了解只留于表面。审美能力的培养，传承与创新民族文化意识有待进一步提高。不仅仅是继承和发展民间美术本身的问题，同时也是对民族历史文化统的继承和发展，也是我们进行树立民族自信心，增强民族自豪感教育的需要。美术教育作为影响需要结构的因素之一，就应遵循高中生的心理需要的特点，引导他们追求高品质的艺术审美和美好的生活，追求卓越的文化修养，在丰富多彩的艺术精神的美感中提炼真、善、美的崇高境界。

三、教学目标

(一)知识和技能目标。①了解中国民间美术的概念、种类及特点，初步掌握民间美术的一般欣赏要点。②了解民间美术与民间习俗的关系与图案图腾崇拜的象征意义不仅让学生了解本民族艺术的特点，艺术价值，而且使学生充分认识到自己肩负着传承民族文化艺术的历史使命。③了解中国第一次文化遗产日活动讯息。

（二）情感态度和价值观目标。①通过本课的教学，使学生走近民间美术、走近生活，达到拓宽美术视野，增长知识，陶冶情操的目的。②通过多种实践，让学生感受民间美术的魅力，培养学生对民间美术的欣赏能力。③关注社会热点，懂得民间美术在现代设计中的重要性，培养学生对祖国传统艺术的传承与创新精神。

四、教学重点

民间美术的民族艺术特点，艺术价值，而且使学生充分认识到自己肩负着传承民族文化艺术的历史使命。

五、教学难点

民间美术的传承与创新。

六、教学准备

学生：制作多媒体课件。教师：制作多媒体课件，民间美术作品实物。

1、将课题分成六个小部分，学生分成六组，由美术课代表、语文课代表、电教课代表负责组合人员。

2、各组负责搜集整理相关部分的材料（图片、实物、网络资料、制作课件）。

3、提前检查学生准备的材料是否充实，不足的教师给予补充。

4、课前把教师、学生准备的材料布置在教室版面上，营造出直观的中国民俗文化氛围。

七、教学过程

（一）组织教学，师生问好。

（二）导入新课（1分钟）。师：上一节课我们了解了民间美术的概念是相对于专业而言，它们的创作基本上是从事生产的劳动人民，这些作品是劳动人民创造的，民间美术存在于人民的日常生活，节日活动中，反映劳动人民的思想、情感和观念应该是民间美术。是强烈体现着民族性和地方性的。它的创作和流传方式是集体的，它与宗教、民俗有密切的联系，反映了一个民族的生活方式、生活态度，具有独特的艺术表现形式和组织架构的历史形态。

师：经过搜集素材给学生分组，讨论分析概括一下民间美术有几大类？

生：年画、民间玩具、剪纸、风筝、编织、刺绣、编织等。

（三）展示调查报告。师：通过每个小组课外的调查学习，我们对中国民间美术有了一定的了解。今天老师把时间交给同学们，6个调查小组的同学们分别汇报你们有何收获吧？（各组先找两位代表：一位学生作讲解员畅谈、一位播放背景）。 转贴于

生：分别播放6个小组制作的课件，展示课件中大量的图片资料，小组介绍后补充学生所讲内容的局限性、拓宽学生的视野。激发学生对我国丰富多彩的民间美术的喜爱之情，从而使学生热爱祖国的传统文化，振奋民族精神。

附高一（7）班民间美术调查小组人员：

第一组：年画调查小组 背景技术(梁世恒)、解说员（莫甄文）

第二组：民间玩具调查小组 背景技术(陈小龙)、解说员（何颖）

第三组：民间剪纸调查小组 背景技术(刘启锐)、解说员（吴思韵）

第四组：民间风筝调查小组 背景技术(曹淑君)、解说员（何颖）

第五组：民间刺绣调查小组 背景技术(张坳敏)、解说员（黄泳军）

第六组：民间编织调查小组 背景技术(马家辉)、解说员（黄建莹）

1、年画组。年画，又称木版年画，是一种运用木板彩色套印在纸上的画种，它是我国民间过年节时张贴的一种民间画类，用以除旧岁、迎新春、美化环境、营造节日的喜庆欢乐气氛。我国在长期的社会活动中，为了适应人们的生活和心理的需要而产生的民俗节日，经长期的社会传承固定下来，成为民族传统文化习惯的组成部分。在我国众多的传统节日中，最具代表性的当属春节了。据载，早在汉代民间就有在门上画勇士、贴门画的风俗，以后历代不衰。清代中叶更为盛行，全国各地均有年画，而且形成了各自的地方风格。最著名的当数北方的杨柳青年画和南方的桃花坞年画。此外，山东潍坊、河南朱仙镇、河北武强、广东佛山等都是著名的年画产地。

2、民间玩具组。民间玩具是民间美术中的一个种类。劳人民以自己灵巧的双手，为下一代的成长，就地取材、因材施艺，制作出精美的艺术品。这些玩具体现着劳动人民自己的审美情趣，包含着劳动人民的意念、理想、祝愿与爱心。也是对儿童进行审美和民风民俗培养的教具。主要用于服装、鞋、帽、枕头、帐帘及钱包、香包等布什物。民间刺绣厂一间制作底样，造型质朴、大方，色彩上采用原色对比，平面色块的运用使色彩过渡跳跃感，先得鲜亮而富有喜庆气氛。

3、剪纸组。在我国民间美术中，还有一种用于春节装饰烘托气氛，人门又十分熟悉的民间剪纸，全国各地民间都有不同风格的剪纸品种。早在汉唐时代，就有用金银箔剪成花鸟，贴在鬓角做装饰的风尚。后发展为节日中用色纸剪成各种花草、动物、或人物故事，贴在窗户上、门楣上作为装饰之用，民间剪纸是表意性的，讲究构图的整体性、造型手法的适形特点。形象概括简练、虚实对比鲜明、线条规整流畅、色彩对比强烈。由各地的风俗习惯不同，风格也异彩纷呈，大体北方粗犷豪放、造型简练，南方构图繁茂、精巧秀美。内容十分丰富，多以表达吉祥、美好的寓意。

剪纸除了用于窗花、挂千等起烘托节日气氛之外，剪纸图样还可以用作刺绣的花样，这更反映出其在生活中的实用性。

4、风筝组〈5〉刺绣组〈6〉编织组（详略）。

八、评出最佳解说员，最佳解说背景，最佳自创作品以奖励

1、学生进行分组调查，分析其各自特有的造型特征及审美趣味，使学生了解中国民间美术的概念、种类及其造型特点，掌握欣赏民间美术作品的基本知识。

2、培养学生对中国民间美术作品的初步的欣赏能力。

3、激发学生对我国丰富多彩的民间美术的喜爱之情，从而使学生热爱祖国的传统文化，振奋民族精神。提高学生对民间美术的审美能力，增长知识和增强同学们的民族自豪感。

4、通过调查与介绍民间美术，使学生既合作与研究性地了解什麽是民间美术和它的特点，又学会与同学们交流信息、交流思想、提高学习的效率。

5、小结让学生集体思考讨论（2分钟）（加背景音乐）。

6、展示教师课件。

九、鉴赏拓展

师：视频播新闻片段：为唤起全社会对民族民间文化保护的自觉意识与行动，从2006年开始，我国将每年6月的第二个星期六确定为文化遗产日。据了解，在第一个文化遗产日里，各地已积极举行了相关的公益活动，如开展文化遗产地和博物馆“爱我遗产、优化环境”系列活动，举办文化遗产展和民族传统文化展示、专家咨询及文物收藏鉴赏活动等。

思考议一议：如何开展民间美术的继承与创新活动？

生：学生集体思考讨论（2分钟）（加背景音乐）。

师：我国民间剪纸中的图形集中了民间美术的基本特点，同学们从尝试制作剪纸中感受一下民间美术的寓意性语言、阴阳表现形式的体会。

生：略。

本课结束，师生再见。

十、课后反思

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一山东是古代齐国和鲁国的所在地，作为齐鲁文化的发源地，山东的地域文化资源优势十分突出，有着历史悠久、源远流长、丰富多样同时又特色鲜明的文化，是各专业、各学科艺术创作的肥沃土壤。在历史文化资源方面，山东有馆藏文物70多万件，其中，聊城光岳楼、山陕会馆，阳谷的狮子楼、景阳冈，临清的舍利宝塔、鳌头矶，日照的尧王城，胶州的琅琊台等享誉国内外。有大量珍贵文献资源如《论语》、《孟子》、《墨子》、《管子》、《晏子春秋》、《孙子兵法》等，还留存有大量历史遗迹和历史名人故居，如三孔、三孟、王羲之故居、蒲松龄故居、李清照故居、稼秆祠等。另外，山东还存有众多著名的汉墓、汉碑刻和汉画像石。曲阜、济南、青岛、聊城、邹城、临淄六个城市被确定为国家级历史文化名城。在民间文化资源方面，山东民间文化遗产具有浓厚的地方色彩、鲜明的民族性。栖霞牟氏庄园、惠民魏氏庄园、胶东海带草房、阳谷“迷魂阵”村落，别具一格;鲁菜、沂蒙煎饼、德州扒鸡，风味独特;潍坊风筝，绚丽多彩。杨家埠年画、平度年画、东昌府年画，各具特色;高密剪纸、滨州剪纸，巧夺天功;聂家庄泥塑、济南“兔子王”、郯城木玩具、穆李村面塑、聊城工艺葫芦，栩栩如生;鄄城织锦、潍坊刺绣，博兴、沂蒙柳编，莱州、昌邑、郯城草编，朴拙美观;胶州秧歌、商河鼓子秧歌、海阳大秧歌，鄄城什集龙灯、昌邑西小章竹马，粗犷豪放。还有博山五音戏、鲁南五大调、临清时调、鲁西北弦歌、微山湖端鼓腔、嘉祥唢呐，山东大鼓、山东快书、山东琴书。这些土生土长的民间手工艺和地方戏曲种类繁多、富有地方特色和艺术价值，但大多面临生存危机甚至濒临失传，亟需有人去研究、保护和继承。对于艺术类大学生来说，更应肩负起这一使命，同时这些民间艺术样态也可为他们进行自己的艺术创新提供有益地借鉴和帮助。

二在自然人文资源方面，山东自然人文资源主要包括山文化资源和水文化资源两大子系统，在山文化资源方面有泰山的多元文化(含儒家文化、道家文化、民俗文化)、崂山的道教文化以及蒙山文化、峄山文化、千佛山文化、云门山文化。在水文化资源方面，主要是运河文化、黄河文化和海洋文化。《齐鲁文化》课程对山东的这些文化资源和其历史渊源进行系统地讲解和阐释，运用PPT课件辅之以生动形象的图片和图示，并根据课程进度插入影像资料多角度欣赏，如山东电视台摄制的大型电视纪录片《齐鲁青未了》、大型电视专题片《齐鲁民俗》等。而与齐鲁文化相关的讲座和展览则进一步加深了学生们的认识和了解。在当前全球化的语境下，政治、经济的全球化使有些学者提出了“文化全球化”，即全球文化趋同的隐忧和文化帝国主义的冲击。由于传播通讯技术和数字技术的发展，传播学者麦克卢汉在上世纪60年代提出的“地球村”的预言成为现实，以美国为代表的西方世界把大量的文化产品输入到世界各地特别是发展中国家，如美国的好莱坞大片热销全球、美剧《越狱》在中国几乎是同步的网上下载和收视等，麦当劳和肯德基成为妇孺皆知的洋快餐。西方的生活方式和社会价值观、西方文化对发展中国家，特别是青年一代渗透和影响日益巨大，所以传统文化的继承和发扬在这一时期更显意义重大。“越是民族的，才越是世界的”，人们逐渐开始认同这一说法，也就是说有个性、有特色的东西才有持久的生命力。每个国家、每个民族只有保持自己的文化传统和文化特性，这个世界才是多姿多彩的，诚如大哲学家罗素所言“参差多样是幸福之源”。而对于本土文化或地域文化来说，是同样的道理。作为中国传统文化分支和主体的齐鲁文化以其丰富、多彩与多元状态给了它在这个竞争激烈的社会里差异性生存的理由。那么以文化为创作土壤的艺术工作者对于各种文化载体和表现形态、表现内容的熟悉与掌握是必需的，这也是作为未来艺术工作者的学生们需要尽早接触与全面了解的。

二、学生的文化素养现状

一“健康的艺术教育不只是一种技法的教育，而是一种更全面的文化素养的教育。这样的教育将在下一个世纪对整个世界有着举足轻重的意义。”而现实的情形却是全国各艺术院校学生虽然术业有专攻，但由于近年来高校扩招和整个社会转型期的价值观念的变化，艺术类学生较以往文化素养下降，整体上存在一些普遍的问题，即“实用主义盛行，人文知识匮乏;道德观念模糊，理想信念模糊;适应能力欠缺，团队意识不足;审美情趣低俗，创作水平有限”］。他们对那些与非专业课程特别是与实用价值相距较远的人文学科，如文、史、哲课程和美学等课程的学习明显动力不足，不够重视，很多是混学分而已。再加上原本不太扎实的文化基础，由此带来的是知识面较窄，很多学生在毕业后感到虽然上手快，但后劲不足，难以胜任艺术创作不断创新的需要。在任一艺术创作过程中人文素养的高低至关重要。从长远来看，艺术类学生人文内涵的缺失最终必会影响其艺术作品的酝酿、构思和表达，进而影响他们今后的发展。当面对不同文化和需求层次对创作的不同要求时，由于文化素养不够，底蕴不足，往往难以使作品具有应有的深度、广度和新意，不能有效地运用艺术语言来体现现世的精神需求和人文精神。而一件真正可以传之后世的艺术作品必然反映了特定的历史与文化，反映了某一种理念和精神，必然基于深厚的社会人文基础。它只有通过适当的表达形式，体现出深刻的内涵和深远的境界，方能获得一种震撼人心的效果，而这些都需要巧妙的构思和对传统文化与历史以及当下的把握。目前，很多艺术类学生的作品缺少深厚的思想内涵和独特的艺术风格，多半是对他人作品的模仿和重现。

篇8

关键词：唐卡；唐卡绘画；艺术魅力

唐卡是一种以宣扬宗教文化为主的艺术形式，在我国地区有着较长的发展历史，充分记录了的文化建设和发展历程，蕴含着较为丰富的历史价值、文化价值和艺术价值。在新时代建设社会主义文化、增进文化自信的背景下，研究唐卡绘画的独特艺术魅力，不仅可以深度挖掘唐卡绘画的艺术内涵和文化内涵，也能使相关从业人员更好把握唐卡绘画的创作精神，使其在唐卡绘画的创作过程中，能秉持唐卡绘画的精神，更加规范地创新，在探究唐卡绘画艺术魅力的同时，不断拓宽唐卡绘画的发展空间，让更多人爱上唐卡艺术。

一、唐卡概述

唐卡又名“唐嘎”“堂喀”，是藏区的独特艺术形式，以佛教内容的宣传为主，形似汉民族的卷轴画[1]。一般是由作者将内容画在布或纸上，然后缝制装裱，融入绸缎、丝织等，工笔彩绘和双条彩带是其主要特征。也有部分艺人会使用缂丝、刺绣和珍珠等特殊材料完成唐卡的制作[2]。与其他绘画作品不同，唐卡绘画在其内容的表达上，多以传统人文为主，包括藏区的历史文化、民俗传承、宗教礼仪等。唐卡可以用来吊挂，亦方便游牧民族随身携带，是可移动的圣物[3]。从唐卡绘画的文化价值分析，唐卡内容以藏传佛教的宗教文化为主，吸取了汉地以及印度和尼泊尔等国家的艺术精华，形成了专属于藏地的独特文化。

二、唐卡绘画的艺术魅力之源

（一）唐卡的构图方式

唐卡绘画的构图形式独特，分为具象构图和抽象构图两部分，具象构图又包含了中心对称构图、故事叙事构图和人物刻画构图等。首先，中心对称构图是指在绘画过程中，创作者会习惯性地以正中间的人物为主，在其周边添加相关内容，既可以丰富唐卡绘画内容，又能完成故事的叙述，使唐卡绘画展现出与众不同的叙事魅力[3]。其次，故事叙事构图是指唐卡绘画的制作具有较高的灵活性，不会受到时间和空间的限制，在描述人物传记或连续的故事情节时，创作者也会试着将情节集中在一个画面之内，让人们在欣赏的过程中，可以通览全部故事情节。最后，人物刻画构图是指唐卡绘画对人物表情具有一定的要求，可以不强求人物外表的真实性，但一定要突出人物的情感和神态，以示信仰。在抽象构图层面，因为唐卡绘图涉及较多的宗教内容，画面中的佛祖、殿宇，并不都是生活中能常见到的，缺乏具象构图的依据，所以创作者会通过自定义形状、颜色等主观方式，描绘宗教的世界。“坛城图”是抽象构图中常见的一种形式，“坛城”是指佛祖的宫殿。使用抽象构图绘制唐卡时，以佛祖、菩萨的形象为主，在具体的比例、大小、尺寸上严格按照佛经的要求，彰显藏区人民的虔诚信仰。

（二）唐卡的表现手法

唐卡绘画，无论是具象构图还是抽象构图，在具体的艺术表达中都各有侧重，表达效果也不尽相同。在具象表现层面，无论是内容还是表达方式，作者都有一定的自由空间，可以根据自身的创作需求，将特定的神话故事、历史故事、人物传记等，以山水、白云和花鸟鱼虫图案作拼接，创作出一幅完整的唐卡绘画，也可以根据创作需求将唐卡绘画制作成连续的故事，并根据故事的情节设计唐卡内容，令每一幅唐卡都是一幅独立的故事画面，连起来又能成为完整的叙事载体。在抽象画表现层面，唐卡绘画又有一定的严谨性，其主要以几何图形构图，再适当融入抽象表现手法，尽可能增强构图的紧凑感，给人以饱满有序、严谨丰富的视觉感受。唐卡在内容上对自然世界的描述较少，以佛祖、菩萨为主，描绘佛祖和菩萨时，又严格遵循佛经，按既定的比例、大小、尺寸作画，突出了唐卡艺术的严谨。

（三）设色考究

唐卡绘画艺术不同于其他绘画艺术，除了在构图和表现内容上存在差异，在设色层面也具有明显的民族特色。唐卡绘画往往给人以色彩浓丽、富丽堂皇、绚烂夺目的感受，令人印象深刻[4]。唐卡绘画也呈现出较为明显的民族特征，如在唐卡的边饰上，创作者通常会选用红、黄、蓝三色，使唐卡的色彩更为艳丽，同时又能有效地保护唐卡，使之久远流传。描绘具体的绘画内容时，有的创作者会考虑用真金，利用金纹、赤金、金线、金粉等，尽可能地提升唐卡画面的鲜艳程度，使之呈现出金碧辉煌的视觉效果。不同于传统的水墨画，唐卡绘画设色更加大胆，创作者以巧妙的方式应用各种高纯度的对比色，以冷色调作为间色，从而增强画面的对比感，丰富唐卡绘画的层次。如此的构图方式，让唐卡绘画在富有民族特色的前提下，又蕴含了丰富的艺术内涵，给欣赏者以独特的视觉体验。

（四）唐卡的文化价值

就唐卡绘画的内容而言，丰富的文化价值是唐卡绘画的固有属性。首先，从宗教层面来分析，唐卡绘画本就是为宗教的发展而存在的，藏区群众将多种不同的宗教文化内容融入其中，并将唐卡绘画作为宗教文化传播的一种重要载体，使之可以传递不同的宗教信息。唐卡作为一种悬挂装饰品，并没有描述与宗教无关的内容，而是以宗教为主，蕴含了纯粹而丰富的宗教文化。其次，从文化特征角度分析，虽然藏区唐卡大多用来传播宗教文化，但其在自然科学方面同样具有较高的文化价值，尤其是在藏医、藏学、人体科学、天文历算等方面同样具有不可忽视的价值。唐图一唐卡《大日如来》卡不仅记录了一些藏医经典，如《四部医典》，还记录了一些特殊历史背景下的重要政治活动和宗教事件，为藏区文化的研究者提供了详实的史料[5]。这些文化价值提升了唐卡绘画的艺术内涵，使唐卡绘画成为藏区历史研究的重要参考。

三、唐卡绘画独特艺术魅力的分析

（一）重视宗教内容的表达，体现独特的宗教韵味

唐卡绘画在藏传佛教的传承和发展中起着不可忽视的作用，多数唐卡绘画也能通过绘画的形式和内容，体现出独特的宗教韵味。以图一唐卡《大日如来》为例，该绘画在构图的过程中，充分利用了具象构图和抽象构图两种不同的方式。首先，在具象构图中，绘画以中心构图方式为主，将“大日如来”作为整个唐卡绘画的中心，而后添加白云、菩萨及其他神佛的形象，既凸显了“大日如来”的地位，又充实了内容，使画面十分紧凑。在图二的《莲花神大神》这幅作品中，创作者主要以抽象构图为主，运用“坛城图”的构图方式，对不同菩萨及其莲台的大小适当缩放，使画作能在表达创作者意愿的同时，突出“莲花神大神”的地位。得益于“坛城图”的构思方式，唐卡《莲花神大神》在细节处理上也更精细，手法丰富而严谨。

（二）重视表现手法的结合，突出内容

抽象手法和具象手法在唐卡绘画中的应用，并没有被明确区分。中国水墨画可被分为工笔画和写意画，工笔画在绘画时极尽细节，使人在欣赏时感到贴近真实；写意画则更加随意，注重意境的营造，只可意会不可言传。唐卡绘画与二者皆不同，其更倾向于具象和抽象的综合性表达，更强调突出表现内容。如在唐卡《大日如来》中，作者对佛像、莲台等的描绘，就有一定的抽象化倾向，但又按照佛经，把控比例，协调每一个绘画要素之间的关系，突出中心内容，在具象化表达中适当融入了山水、白云等物象。大体上看，其营造出的效果主要在于两个层面：其一，丰富唐卡绘画的内容，使表达更充实；其二，营造意境，佛祖本非凡夫俗子，身处九天之上，自然更要超凡出尘。山水、白云等自然物象的融入，表现人们对佛国的美妙幻想。

（三）设色规范，具有视觉感染力

前文提到，色彩艳丽、富丽堂皇是唐卡绘画的重要艺术特征，在创作过程中，创作者也可以进一步对设色作规范和调整。以唐卡《大日如来》为例，创作者在边饰上依然选择传统的红、黄、蓝三色，采用红色和黄色相结合的方式，在具体绘制的过程中，又使用刺绣和金线等多种材料，极富民族特色。整个布局以蓝色为背景，不仅增强了色彩的对比，更从另一个层面使绘画内容更真实，更具艺术感染力。在唐卡《莲花神大神》中，创作者则主要以红色为背景，将蓝色作为部分人物形象用色，展现了不同人物的个性，再将黄色、红色作为边饰，与《大日如来》有异曲同工之妙。

（四）重视文化价值，弘扬民族文化

唐卡绘画被创作者赋予了藏族文化的内涵。在当前的社会背景下，随着我国政府对民族文化的日益重视，唐卡绘画的创作者也越来越强调民族文化的表达。本文中所选择的两幅唐卡作品《大日如来》和《莲花神大神》，基本上都属于宗教画的范畴。藏传佛教汲取了汉化佛教、印度佛教的文化精髓，在文化传播的过程中，也形成了自身独特的文化特征，如藏人在求神或拜佛时，通常只拜自己所信之佛或所求之佛[6]。唐卡图像虽以不同的佛为对象，但在唐卡的绘制中，藏族群众会将所信之佛作为中心，再适当融入其他内容，使唐卡作品在具有一定的宗教性的同时，也具有较强的艺术感染力。

四、总结

唐卡绘画作为一种独特的民族文化，拥有深厚的文化内涵和艺术内涵。在新时代建设社会主义文化、增进文化自信的号召下，有必要加强对唐卡绘画艺术魅力的研究，明确唐卡绘画艺术魅力之源，探索唐卡绘画艺术的发展新路径。

参考文献

[1]郭玲.从唐卡绘画中寻找中国画表现新元素[J].艺术科技，2017（4）：207.

[2]宁小庆.唐卡绘画中色彩的运用特点及规律[J].艺术科技，2016（4）：215.

[3]旦增曲珍.略述唐卡绘画之勉唐画派[J].人文之友，2018（16）：24.

[4]时溪蔓.论唐卡绘画的几何形构图特征[J].大东方，2015（9）：266.

[5]吕小静.浅议唐卡人物服饰在服装设计中的启发应用[J].西部皮革，2021（1）：122-123，125.

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关键词：艺术语言；创新设计；十字绣产业

十字绣是当今十分流行的手工刺绣方法，已经成为现代社会中大众参与的手工工艺。十字绣产业也如雨后春笋呈现积极发展的态势，绣品日渐丰富，还成功地延伸到了家纺、服饰及家具行业，经济利益丰厚，产业空间得到进一步拓展。据资料统计，2005年以前国内十字绣生产厂家不足10家，到了2009年十字绣厂家就扩展到近500家。仅2009年一年十字绣产值就达到35亿元人民币，2010年产值突破50亿元人民币。可以看到十字绣工艺的发展基本实现了商业和文化的共赢，但是现代十字绣产品仍旧需要创新设计。十字绣作为视觉艺术，具有一定的审美意义，并且有其独特的艺术语言，十字绣产业的发展有赖于产品的创新和工艺的创新，本文将产品和工艺的创新具体到十字绣艺术语言的创新设计上，目的是将传统刺绣工艺与现代时尚巧妙结合，为十字绣产业的发展带来更大的商机。

一 十字绣艺术语言的构成

十字绣，是一种利用经纬交织的网格，将不同颜色的线用十字交叉的方式交叉在网格的绣法。因绣法简单、绣品高贵华丽、精致典雅、别具风格等特点曾风靡欧洲，成为皇室贵族女士休闲娱乐的“女红”。十字绣在我国民间俗称：“挑补绣”或“挑花绣”。挑花针法与刺绣不同，以平布作底，先用线勾出轮廓，再按图案隔一根纱或几根纱插针，经纬纱交叉呈“十”字形为“座标”。对角插针成“×”形，通称“十字花”，或作“一”字形。在我国主要流行于贵州中部以云南等地区，挑花绣有明挑和暗挑两种绣法。十字绣艺术作品表现其特定内容必须借助的艺术语言是什么呢？笔者认为主要有四个方面：一是十字绣样稿，二是材料（绣线、基布），三是针法，四是色彩。

二 十字绣艺术语言的创新设计

创新设计是十字绣产业商业和文化双赢的关键点。上述四种十字绣的艺术语言（样稿、材料、针法、色彩），各自都有丰富的内涵和外延，以下是对各个艺术语言进行的分析和创新设计探索：

2.1 十字绣样稿的创新设计

十字绣样稿决定了要塑造的艺术形象，与绣品的艺术价值与审美情感密切相关。绣稿随着时代的发展已形成了一批固有的图案，主要表现为祈福、宗教、生活情趣、民俗、民风等等，只不过按照现代人的文化素养和审美情趣进行了艺术的再构思、再创作，使之更贴近时代脉搏，更富有时代文化特征。在绣稿设计过程中结合专业的十字绣设计软件PC stitch，可以将各种图片转换成标准的十字绣图，这极大地增加了十字绣的情趣和绣者的个性化表现的自由度。

十字绣产品要满足不同的消费群体，但是目前市场上的产品流于商业化，对艺术性产品的开发比较缓慢。参考国内外的十字绣艺术品，笔者认为对十字绣产品图案的设计应该多关注现代人的生活习惯和内心需求。现代社会生产和生活方式的转变影响了人们的精神需求。因此，那些简洁的、淡雅的、空灵的、充满大自然风采的设计图更受现代人的青睐。（图1）在面对这些刺绣作品，亲手刺绣这些作品的时候，可以在喧闹的社会中体会到一份静谧和淡定。

以上十字绣图案的设计有中国传统绘画的神韵，逸笔草草，简练生动。这些刺绣样稿的设计和现在市场流通的十字绣图案相比，更加具有人文情怀，很巧妙地使用“留白”，这和中国传统绘画有异曲同工之妙。还有一种图案设计表现的是田园生活的清新和舒缓。（图2）这些图案的设计来源于田园生活的花花草草，图案并不是琳琅满目繁华富丽，而是自然、俊俏，仿佛是一首轻音乐，让人爱不释手。

2.2 十字绣材料的创新设计

2.2.1 十字绣基布

目前在中国流行的全面绣布是11格，而在欧美等国外市场流行的是高格数的十字绣基布，如14格、20格、28格、32格、36格、56格等。按照十字绣布的纤维成分分：有全棉布、涤棉布、亚麻布、人造纤维布、塑料布，亚麻布因为其本身独特的颜色和手感，一直受到大家的喜爱。用何种绣布作为基布，这与十字绣图样和最终设计师希望呈现的效果息息相关。现在市场上与商业化图案配套使用的是全棉的漂白或者染色的普通布，这种基布表面经纬分明，很容易进行刺绣。如果依照创新设计的图案，就要使用棉布或者麻布作为基布，这些基布往往经纬织得比较细密，不容易直接进行刺绣，那么需要借助一种水溶布或者是辅助绣布，刺绣完成以后将辅助绣布除去。有了这两种辅的基布就不需要在棉麻绣布上画格子，以免损坏绣布。（图3）现在市场流通的十字绣产品没有新的图样设计出现，因此十字绣材料套包的基础材料依旧没有变化，这些新的尝试只存在少量的纤维艺术家的艺术创作中。

2.2.2 十字绣绣线的创新设计

中国市场上十字绣的绣线品种较为单一。普通的十字绣商品，仅为顾客提供单一粗细的棉质纱线。随着十字绣工艺和产业的发展，十字绣的绣线也在向多样化的发展方向变化：如法国DMC提供的绣线就有40多种，有棉线和金属线等，珠子、亮片等饰品也正成为消费者喜爱装饰十字绣的材料。随着十字绣图样的开发和设计，更多的纤维材料可以运用于简单的十字绣创作。这可以借鉴现代纤维艺术发展，现代纤维艺术常常使用刺绣针法营造画面肌理和质感，堪称刺绣艺术的创新之举。（图4）这种刺绣艺术可以被十字绣艺术借鉴，突破绣线的限制，使用多种纤维材料，发展十字绣艺术。（图5）

2.3 十字绣针法的创新设计

十字绣的针法单一，常用的有“X”“Y”“/”3种，它们能绣出任何图形、大小和性质的绣品。现在一件十字绣产品中一个十字绣单元尺寸大小相同，这样画面均匀紧致但是没有虚实对比。笔者认为可以考虑在一幅作品中多种尺寸的十字绣单元同时存在，可以营造画面的虚实。当然这依赖于十字绣图样的设计和刺绣基布的选用。

2.4 十字绣色彩的创新设计

色彩是最具有感染力的美术语言。它可以分为：固有色、条件色、表现性色彩和装饰性色彩等不同的类型。而刺绣领域中，向有“以针带笔，以线代色”的经典表述，并称之为“绣理”。由于十字绣针法的简单，绣品的艺术效果多通过色彩和图样设计表现，因此色彩的设计也是绣品成功的关键。

目前十字绣的色彩依然是随类赋色。更高的艺术层次的追求可使十字绣的色彩设计更加准确的表达人内心的世界。这一点应当借鉴现代绘画，现代绘画用色突破传统，多表现艺术家对生活和人生的感悟。

三 十字绣艺术语言创新设计对十字绣产业的促进

上文对十字绣的艺术语言进行分析和创新探索，可以发现各个十字绣艺术语言是相互联系，互为依托的，所以十字绣艺术语言的创新设计是一个系统设计，同时也是创造十字绣产品高附加值的方法。十字绣艺术具有普世性色彩，现代十字绣产业依旧如火如荼，但是已经显示出商业化所带来的种种弊端，所以产品的创新和工艺的创新势在必行。在竞争中，如何发挥十字绣的优势、展现各自魅力，使其产业在碰撞中得以发展和繁荣，是设计师面临的一大挑战。

十字绣产品的创新设计可以扩大消费群体，增加商品的附加值，从而创造出远远超过实际物质需要的消费欲望；同时也是最有效的推动消费的方式，它触发了消费的动机，因此十字绣产业的发展离不开创意，创意设计才能使十字绣艺术集商品性和艺术性与一体，满足现代人的视觉审美和精神审美需求。

参考文献

[1]十字绣[EB/OL]. [2011-11-28]. http：//baidu. com/view/55565.htm

[2]齐伟.十字绣流行与传统手绣衰落原因研究[J].辽宁交通高等专科学校学报2007，119.

[3]王连海，孙建君.民间刺绣[M].武汉：湖北美术出版社，2000.

[4]陈艺芳，龙英.贵州贵族刺绣艺术的装饰意味[J].美术，2007（12）：112.

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中国传统木建筑是具有典型“墙倒屋不倒”特性的大木结构，每个木构件之间用榫卯结构相连，组成一个结构科学严谨、独立负载能力极强的整体。正是有了这样的结构坚固完整的大木作结构体系，才使隔扇———一种融功能与艺术于一体的小木作构件，在建筑空间内被广泛使用，达到实用与艺术的完美结合，并呈现出很强的实用价值和艺术感染力。

隔扇又称格扇(见图1)，其基本形状是纵向的边挺和横向的抹头组成木质骨架，框架内又分为三部分，上部为隔心，下部为裙板，隔心与裙板之间为绦环板，三部分以隔心为核心部分［1］。如果隔扇要加高的话，一般作法是在隔心之上和裙板之下增加绦环板，组成上、中、下三块绦环板的隔扇。

1传统隔扇艺术的总体特征

传统建筑空间最有特色、最突出之处在于综合运用隔扇、屏风、罩落等，创造变化丰富、隔而不断的空间［2］。随着我国传统古建筑建造技术的日臻完美，隔扇门的形式、结构也由简单到华美，在传统的装饰艺术文化中散发着独特的魅力。

1．1传统隔扇装饰图案

图案装饰是传统隔扇艺术的核心，体裁丰富、文化寓意深厚，具有很高的艺术价值。隔扇的图案造型千变万化、丰富多彩，隔心、裙板、绦环板三部分的装饰类型和图案各不相同，颇具想象力和感染力。隔扇的上部隔心高度和下部绦环板、裙板高度比例一般为6∶4。

其中隔心是隔扇装饰的中心部位，一般分为内外两层，中间夹纱或者玻璃，或者字画、刺绣等，主要装饰图案有两种:一种是只用木栅格网来表现的纯花纹，用根条拼成各种纹样，以灯笼框最为常见，有一码三筹纹、步步锦纹、冰裂纹、龟背锦纹、万字纹等，变化无穷，如图2所示［3］;另一种常见的是木栅格网中间加嵌雕刻花板或者字画结组成，构成组合装饰图案，如图3所示［4］。隔扇的绦环板和裙板是实心木板，位置最接近人的视点，所以也是装饰的重点区域，通常使用深雕、浅浮雕和线雕等多种手法。雕刻图案内容也相当广泛，包罗万象、寓意深刻。如戏曲人物类图案“三娘教子”“八仙过海”“天官赐福”等。花鸟虫鱼类图案如“三羊开泰”“鱼跃龙门”“喜鹊登梅”等，还有龙梳、云纹、文字器物等图案。

隔扇中的装饰图案蕴涵着多种吉祥寓意，表达的意思因内容不同而各异，如瓶插月季象征“四季平安”;瓶插如意代表“平安如意”;古钱与蝙蝠组合称为“福在眼前”;石榴代表多子;文房四宝代表文采学识;这些图案通过谐音、象征等手法都表达着人们对美好生活的向往，折射出对吉祥和睦、事业兴旺、生活平安的追求，达到装饰和实用的完美结合。

1．2传统隔扇的功能特性

隔扇在传统建筑或者室内中的使用范围非常广泛，主要是由于其本身的一些重要特性决定的。

1)灵活性。

隔扇在传统建筑空间里最有特色、最突出的特性在于通过在长度和宽度上随意变化，来满足不同高度和宽度的建筑空间，创造出一个变化丰富、隔而不断的区域空间，也就是说隔扇在长度和宽度上具有“显调”和“微调”的双重灵活性［5］。由于传统建筑的开间不同，容易造成面阔宽窄不一，当面阔悬殊较大时，可以通过增加或者缩小隔扇的数量来适应不同的面阔宽度，这就体现了“显调”的作用。当开间面阔悬殊程度较小时，则可以通过改变自身的宽窄比例来进行调整，这时就又体现了“微调”的作用。同样道理，在高度方面也可以像宽度方面一样，通过双重灵活特性来进行调节，实现立面高度上的和谐统一。隔扇的高度变化可以通过在隔心和裙板之间增加绦环板的多少来完成，形成三抹头、五抹头、六抹头等的隔扇组合形式来满足不同房屋的高低要求，充分实现了隔扇在构图和整体尺度调节方面的完美统一。

2)实用性。

在传统木结构建筑中，隔扇主要是作为建筑的抬梁和穿斗式木结构之间的护结构，大多用在厅、殿、堂或轩的建筑明间位置，而且通常是偶数的4扇，6扇甚至8扇。从实用性方面来讲，主要起着屏蔽和分隔空间的作用。屏蔽方面主要是指遮挡视线，保证室内活动有一定的私密性;分隔空间方面主要是指对建筑的内部空间进行分隔;可以说传统的隔扇在建筑中起到的是门的作用，类似于我们现在用的推拉门，可以观景，除此之外传统隔扇在建筑空间中还起着过道和采光、通风、保温的多种作用。隔扇和挂落、屏风、家具等一样可以用来对建筑空间进行划分，具有减缓气流、导向人流的作用，同时也是过渡空间的一种常用手法，是一种把传统建筑构件用于建筑室内空间的有效手法，可以引导人们移动的路线，让人们感觉空间变换;另外隔扇用在建筑室内空间内还可以形成一种多维空间，半通透的隔扇结构营造了一种模糊之美，对烘托室内氛围、提升设计品位有着重要的作用。

3)艺术性。

隔扇造型精美，雕刻细腻，图案丰富，集各种艺术、形式于一体，具有独特的装饰功能和艺术价值，在装饰建筑、室内和美化空间有着举足轻重的作用。隔扇本身细腻的材质，精致的做工，还有隔心上具有传统特色的艺术造型，裙板和绦环板上华美、缜密的雕刻，使隔扇本身就可以作为一件很好的艺术装饰品，彰显着建筑空间的独特艺术魅力。隔扇富有特色的传统造型，既凸显出经典的中式传统特色，又美化了我国古代传统建筑空间环境格调。隔心上用木条拼成的图案，裙板、绦环板上雕刻的多种动植物、人文、山水、传说故事等瑞祥的图案画面，用谐音、象征、笺言、比拟、双关等手法诠释出人们内心世界对崇尚自然和美好生活的追求，折射出对美好生活和事物的向往，使人心里产生美丽、舒畅的感受和遐想，既很好的装饰了空间，又营造了一种极高的艺术氛围。

2传统隔扇在室内设计中的创新应用

随着人们居住环境和生活方式的变化，传统隔扇用做连接室外与室内门或者窗的原始功能与现代的生活需求是不相适应的，尤其是在安全、采光等方面都无法满足。近些年来，随着传统复古文化的兴起，传统建筑构件———隔扇，在现代室内设计中被应用的范围会更加宽广，其艺术气息也会随着环境改变而更加现代化，应用形式也会表现的更加多元化。

2．1功能上的创新应用

由于现代室内环境的变化，隔扇在室内空间中的应用也在慢慢变化。我们可以用替换的手法来将隔扇的功能转化，比如原来用飞罩、挂落分隔空间的区域，可以用隔扇来代替，同样可以营造一种虚实的透景效果;又比如在家居环境中，我们的传统习惯是忌讳“入门见厅”，讲究含蓄美，所以在入门与客厅之间用造型精美的隔扇来充当玄关，起到分隔、美化、协调、视觉缓冲的作用。

隔扇还可以用到客厅的阳台落地窗户，把穿过隔扇花格的室外景观巧妙的借到室内中来，完成一种突破空间局限、丰富空间的效果，而且隔扇本身装饰精美的造型和花纹也是客厅一道亮丽的风景线。另外室内利用玲珑剔透、别致典雅的木隔扇改变一下形式来代替厚重呆板的墙体，形成了隔而不断、屏而不闭、情景交融的室内景观，如图4所示。

2．2装饰上的创新应用

隔扇本身造型华丽、装饰图案精致、图案寓意丰富的特点，决定了它本身就具有很强的装饰性，所以作为艺术价值很高的室内陈设品或者装饰构件出现在室内设计中也不奇怪。尤其是具有传统风格特征明显的纯手工隔扇，本身就是一件艺术品位和价值都非常高的室内陈设工艺品，其裙板上的雕刻花纹图案多种多样、变化多端，简单点的可以是一些线条图案、植物图案构成，复杂点的又可以是历史人物故事、人文传说，这些图案无论是单独一扇出现，抑或是成组出现，都非常美观并具有极大的艺术装饰价值。隔扇裙板和雕刻手法也多种多样，体现了极高的艺术价值;隔心部分造型又趋于简单，多是几何型，在空间使用中又可以达到很好的通透、采光的效果，真正达到了装饰和实用的完美结合。所以，传统隔扇文化艺术的传承和创新与其他传统文化一样，根据时代和环境的变迁，挖掘符合当今时代要求的需求和文化内涵，结合现代室内设计需求，对其形式、结构和材料加以合理的改造利用，以满足当今人们的实用、视觉和情感等方面的要求，最终达到使它在现代社会能很好的继承和创新。