工艺美术的起源与发展范文

导语：如何才能写好一篇工艺美术的起源与发展，这就需要搜集整理更多的资料和文献，欢迎阅读由公务员之家整理的十篇范文，供你借鉴。

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关键词：工艺美术；发展；设计；产业

中图分类号：J524 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2015）14-0025-01

一、民间工艺美术的起源

传统的民间工艺美术和原始的社会美术都是相同的起源，它们在发展和艺术形式、特点上都有着诸多的相同之处。在现如今，很多民间的工艺美术仍旧还可以看到原始艺术的痕迹。民间工艺美术起源于古代先民的劳动与生活实践，原始人在制造劳动工具的过程中，对实用性的追求逐渐演变成对视觉愉悦感的追求，使之既能满足实用的物质需要，又能满足审美的精神需求。随着生产力的不断进步和社会分工的细化，民间工艺美术呈现出一种更加旺盛的发展趋势，体现在种类繁多，工艺精湛，艺术品质快速提升。工艺美术作品都是基于实用目的而创作的，但同时却融实用性与审美性于一体。

二、当代工艺美术与现代设计

当代工艺美术和现代设计二者相互渗透、影响，不断改善着人们的生活品质。首先，中国的工艺美术在不停的发展过程中一直秉持着自己的设计特点，这主要体现在：材美工巧，以用为本，文质彬彬，顺物自然，重己役物，物以载道，这是对中国工艺美术的高度总结和概括，这些观念完全可以运用到当代的设计中去。传统的工艺美术思想一直在指导着我国现代的设计形式，让现代的设计更加充满形象感和色彩美感。与此同时，现在的设计思想也不断影响着当代的工艺美学，使其也更加充满时尚的功能性元素：（1）现代设计包含了很多的西方元素并把其融入到了对当代工艺美术的发展之中，促进了当代工艺美术的时代性的发展；（2）现代设计的观念是当代工艺美术走向商品时代的源泉动力，使其更加符合当代人的审美要求；（3）当代的工艺美术也越来越多的应用了现代设计的科学技术支持，各种现代设计的计算机辅助软件又使得工艺美术的发展变得方便、快捷、高效。因此，当代工艺美术品与现代设计产品共同融入现代人的生活当中。当代工艺美术和现代设计有着很多相同和不同之处。两者的相同之处有：（1）现代设计和工艺美术都应该服从社会发展的要求；（2）都是服务于人民，使人民的生活品质变得更完美，更加符合社会生活的要求；（3）都使用新型材料来表现。两者的不同之处在于：（1）现代设计受全球市场及西方文化元素影响较大，而当代工艺美术的地域特征和民族特征较为突出；（2）现代设计的功能性较强，设计的内容有较强的目的性和针对性，而当代工艺美术侧重的是装饰性和观赏性。

总而言之，工艺美术的创造者是广大的劳动者，它和人民的物质、精神生活、民族文化息息相关。现代设计大体上是国外文化的产物，它代表着一种大众化的全球化的艺术行书。本人也认为工艺美术和现代设计两者绝对可以更好的融合，创造出更符合现代人审美要求的艺术作品，兼顾二者之风。

三、工艺美术产业发展面临的问题

从当前我们国家的工艺美术行业来分析，目前还是很难与我国的经济发展相适应，存在很多问题制约其发展，例如：生产效率较低，政府的扶持政策又较少，文化创新能力偏弱，专业人才缺乏等。这其中，虽然部分地区的工艺美术发展已经呈现出了旺盛的一面，也表现出了这个产业的前景和潜力，但这些问题的存在就制约了这个产业集群的深入发展。这些问题的集中表现如下：（1）特色技艺传承和传人的危机；（2）手工制作价值与机器规模化生产的悖论；（3）难以适应时代变化，创新能力欠缺；（4）粗制滥造严重，导致市场竞争的无序化。作为商品，必然会产生相互竞争。但市场化的不健全，加之一些工艺美术产品粗制滥造，导致竞争出现无序化。为了争取价格的优势，降低产品的质量，使得工艺美术产品的价值难以体现，同时由于质量的降低，必然会给产业的发展带来深远的负面影响；（5）专业化服务机构缺失多，履职能力欠缺；（6）政府指导力度不够，缺乏整体性规划。在工艺美术产业集群的发展过程中，地方政府不能准确把握自身定位， 不是缺位就是越位， 影响了集群的顺利发展。由于受长期计划经济的影响， 我国的各级地方政府在发展地方经济过程中， 不能很好定位工艺美术产业身份， 其政府行为往往给工艺美术产业集群发展带来负面影响。

工艺美术的发展必须牢牢抓住文化产品消费需求的增长趋势，必须跟随市场导向。同时也得肩负着弘扬民族文化的使命感。工艺美术的发展已经经历了一个漫长的过程，同时又是任重而道远，人类文明的发展和进步就表征着工艺美术的发展车轮不息。这其中我们一定要创造属于中华民族自己的美学特点，同时顺应全球美学发展的要求，创造真正属于我们民族自己的文化品牌，增强民族文化软实力，把工艺美术推向国际性的文化产业中。

参考文献：

[1]邱云生.民间工艺美术品产业发展及对策研究[J].经济体制改革，2010（04）.

[2]石志.工艺美术当随时代[J].上海工艺美术，2006（04）.

[3]邢庆华.试论工艺美术的审美特征[J].南京艺术学院学报（美术及设计版），1994（04）.

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一、组织机构

成立市区工艺美术行业普查工作领导小组，由区经贸局、各乡镇人民政府、工艺美术协会等领导组成：

二、普查内容

根据《中国工艺美术行业普查大纲》，分为工艺美术经济和工艺美术文化两个方面。工艺美术经济方面的普查，主要反映年12月31日前我区工艺美术行业整体的经济运行状况；工艺美术文化方面的普查，主要反映我区工艺美术历史、人物、技法、艺术特点、优作品等方面的发展与现状。

工艺品：主要原辅材料、经济指标、工艺品技法及传承。

综合评估：该项工艺品的业态、对保护和发展该项工艺品的意见与建议。

工艺美术文化：主要是工艺起源、从艺人员、行规与习俗等。

行业管理与文化建设：社会组织、专业教育（高、中等专业院校）、科研机构、馆藏设施及馆藏、网站、刊物、展会、专业市场等。

三、普查范围与对象

普查工艺美术全行业，范围包括：油画、工艺美术原材料采集、加工，工艺品生产和销售，工艺美术教育、科研和社会团体组织等。其中传统工艺美术是本次行业普查工作的重点。本次普查的对象是：（1）各地登记在册的包括油画在内的从事工艺美术行业的法人单位和有代表性的工艺美术技艺人员。（2）为摸清我区工艺美术行业整体情况，对未经工商登记在册的所有工艺美术行业的企业、工作室或生产作坊，按两个层次同时普查。

四、工作方法

按工艺美术经济和工艺美术文化两个方面普查。分为调研、收集资料（工艺美术史料，含文字、统计数据、图表、照片、音像、实物等）、统计、填表、撰稿、编印。各乡镇统一对属地企业开展行业全面普查。

普查可从档案馆、图书馆、博物馆、文化馆等单位查阅有关工艺美术行业资料，还可向企业、专业技艺人员、民间艺人征集资料（包括实物、口头资料等）。

调查方法：点、线、面结合。

撰稿：分类分部撰写，综合汇总。

五、预期目标

今年12月10日前我区完成普查报告初稿，最迟年12月15日前完稿，年12月下旬专家审稿，年1月上旬领导小组定稿，并编印上报市工艺美术协会。

报告内容尽可能详实，数据可靠，历史发展脉络清晰，逻辑缜密。

六、普查工作程度及进度安排

11月下旬召开市区工艺美术行业普查工作领导小组成员会议，宣传全国工艺美术行业普查意义，贯彻中国工艺美术协会中美协[]27号《关于开展全国工艺美术行业普查工作的通知》和省、市工艺美术普查工作的会议精神，部署我区工艺美术行业普查工作。

组织普查撰写人员学习、培训；印制普查表、分发各种表格；

11月下旬 开展调研、收集资料填表等；

12月上旬 各乡镇撰稿汇总(含普查报告和普查表资料)上报区工艺美术行业普查工作办公室；

12月中旬 撰写《全区工艺美术行业普查报告》；

年12月下旬 组织专家审稿;

由工艺美术行业普查工作领导小组定稿、印刷、上报。

七、需填报的调查表

各乡镇工艺美术属地企业综合情况普查一览表（附表）

八、工作要求

各乡、镇根据《普查方案》的要求，认真开展本辖区普查工作，并按统一规定的进度完成普查任务。

九、经费

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摘 要：民间工艺美术是以城乡间广大的劳动人民为主体而自发的业余创造的，供自己欣赏和使用的造型、实用的民间艺术。自从它诞生以来就依附于人们的日常生活，是民众民俗生活的一个重要部分，无论内在的含意还是外在的艺术造型都和民间社会的世界观、审美观紧密地联系在一起，反映着我国传统文化中以为人本的传统精神。然而随着我们生活模式的改变，民间工艺美术的发展日益的进入了尴尬的境地，面对这种发展困境我们急需思考一些有效的措施保护我国这些传统的文化瑰宝。

关键词：民间工艺美术；民俗生活；路径选择

中图分类号：J528 文献标识码：A 文章编号：1006-026X（2011）11-0000-01

民间工艺美术起源于古代先民的劳动与生活实践，最早开始于原始人制造劳动工具的过程中。从古至今，民间工艺美术都与民众的民俗生活紧密联系在一起， 在琳琅满目的山品经济条件下，人们的物质生活更加丰富，这使得古老的民间工艺美术相形见绌，面临着一定的发展困境。作为普通民众，我们有责任保护和传承这一珍贵的艺术，唤醒民众的传统的文化记忆， 它产生于我们对生活就要将其回归到生活中，赋予其更丰富的文化内涵，使其更具生命力。

一、 民间工艺美术与民俗生活溯源

民间工艺美术源于古代先民的生产与生活实践，最初产生于原始人在制造劳动工具的过程中，它取材于自然界的竹木泥土麻丝等材料，以其稚拙俭朴的形式为后来各类美术的发展奠定了基础，比如石器、陶器、项链等这些艺术作品都是民间工艺美术的最初形态。随着生产力的发展与社会分工的细化，民间工艺美术的分类增多，做工也愈加细致多样了从殷商到近代，民间美术都出现了兴旺的发展状态，并以其强大的生命力渗透到人们的衣食住行之中。早期的民间工艺美术都是人们生活中必不可少的组成部分，如竹编、草编、蜡染、泥塑、剪纸、年画、绣帐帘、挑花头巾、皮影等等民间工艺美术作品都是基于实用目的而创作的。

在过去民间工艺美术作品大量的用于人们民俗活动中。由于生产力水平低下，人们对自然的认识肤浅，人们便把抵御灾害消灾纳福的美好愿望寄托于神灵身上，因而他们从追求美好的愿望出发，把某些事物视为吉祥物而加以信仰崇拜。比如，新房中粘贴的喜花，被子上绣有“锦鸡戏莲花”“鸽鹅探莲花”“鱼戏莲花”等带有隐喻图案的喜被，代表了对新郎新娘的祝福，和希望传宗接代的愿望。在传统节日中，各种民间工艺美术品更是必不可少，民间喜闻乐见的龙凤、如意、麟麒、百鸟、梅雀、梅兰竹菊、福禄寿、八仙等吉祥图案为对象的彩绣；平安吉祥为主题的贴纸对联等，既烘托的喜庆的节日气氛，更加表达了民众祈福一年更比一年好的美好期望。这些民间工艺美术品不仅仅使我们传统生活的文化记忆，至今仍是我们日常生活中的不可缺少的组成部分。

二、民间工艺美术发展现状及路径选择

相对于正统文化中上层的、主流的艺术，民间工艺美术以城乡间广大的劳动人民为主体而自发的业余创造的，供自己欣赏和使用的造型、实用的民间艺术。由于外部环境和民间工艺美术自身发展的局限，使其发展面临着一定的困境。主要表现在以下几个方面：第一，随着商品经济市场化，大批量的生产方式使得传统的随性的创作特色被改变，同时这也正在改变着其传承的单一的家族式的方式，受人们喜欢的作品被大量的复制，也使传统的民间工艺渐渐失去了本身的文化内涵。第二、传承人的缺失。过去的民间工艺都是家族式的传承手段、穿内不传外，这使得许多宝贵的民间工艺面临着消亡失传得的困境。第三、民间工艺往往是创作者们处于自己的兴趣爱好，供自己欣赏和娱乐，这种工艺没有被职业化而给工艺家们带来收入，因此很多民间工艺大师被生活所迫而放弃这种工艺的创作，很多优秀的工艺面临的失传的困境。

针对这些困境我们急需采取一系列措施保护我国的这项传统的文化瑰宝。首先，政府方面要注意重视和保护珍贵的民间美术品，加大在这方面的投资，让其能够进入博物馆或者研究部门。在各地方投资建立地方性的博物馆，对本地区的民间工艺美术的发展轨迹进行系统梳理、挖掘，记载和整理，通过互联网建立民间工艺美术资料数据库等，唤醒人们对这种传统文化的记忆。其次，对民间艺术家也要采取鼓励的态度。首先政府要保证艺术家们的基本生活来源，发放特殊生活补贴，或者特殊奖励等方式让艺术家们有充分的时间和精力进行创作。同时要挖掘民间有创作潜力的传承人，使作品其能在传统的基础上继续创新、继续发展。第三、民间工艺美术家应该在实践中寻找其新的生命力。过去的传统工艺美术是在人们的劳动中创造的，作品中含有丰富的生活气息，这是传统工艺美术能攻生存发展的根基。现代的工艺美术必须牢牢立足这个根基的同时结合当今的现代性元素，使得作品能被更多的人接受。 最后，我们普通民众尤其是年轻一代要提高对这种民俗保护的自觉性，更多的关注我国传统的文化。可以在休闲地时间学习一下简单的民间工艺的制作方法，让这种传统的娱乐手段重新回归到我们的生活中。

三、民间工艺美术在当下的发展的一些思考

民间工艺美术是我们民俗生活的有力的载体，民俗信仰和寓意都是通过我们自己的民间工艺来表现的，通过这种艺术品的流传，将许多古老到民间信仰、 民间理念、民间情感传承至今。因此说民间工艺美术是民俗文化的形象载体，它们之间有着割舍不断的依存关系，它对于我国传统文化和民族精神的传承有着的作用。因此在当今环境下更好的发展民警工艺美术事业要牢牢的抓住其文化根基，丰富工艺品的文化内涵。

以民间剪纸为例，每年春节“福”字都很热销，家家户户都要在屋门上，墙壁上贴上大大小小的“福”字.这种贴“福”字的习俗客观上大大带动了剪纸的发展，平日冷淡的剪纸工艺也红火了起来。各式各样“福”字的热销，在一定程度上刺激了民间剪纸大师的创作力，还有的家庭中老人有手艺的是自己剪“福”字、写对联，这样更加体现了为自己家庭祈福的意味。翻看我国的历史，春节贴“福”字是我国民间由来已久的风俗。“士庶家不论大小，俱洒扫门闾，去尘秽，净庭户，换门神，挂钟馗，钉桃符，贴春牌…..”其中的“贴春牌”即是写在红纸上的“福”字。春节贴“福”字寄托了人们对幸福生活的向往，为了更充分的体现这种祝愿，后来更是将“福”字到过来贴，表示“福气已到”。由此可见，我国的民间工艺本的发展首先要注重其民族性，这是发展文化的必须先决条件，充分挖掘民间工艺美术的民族品格。我们必须站在现代文化的角度对传统做更深入的研究寻找工业文明与民间美术之间的互补点，使其具有民族色彩的实用价值。我们不能将其仅仅作为博物馆中的活化石来保护，更多地要注入他新的寄托人们思想感情的文化内涵，使其成为凝聚人们生活的精神需求。

参考文献：

［1］ 民间工艺的路该怎样走？［N］. 光明日报，2003，(2003-11-05)

［2］ 晏国政，刘翔霄. 老手艺如何融入新市场［N］. 中国质量报，2009，(2009-12-04)

［3］ 秦德胜，陈超超. 建设民间工艺一条街 成立民间工艺博物馆［N］. 绍兴日报，2010，(2010-02-26)

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一、工艺美术的发展简要

工艺美术的历史起源于人类开始制造工具的时代，它主要是因人们的实际生活要求而产生，因此与人们的日常生活息息相关。工艺美术大多是劳动人民智慧的结晶，与人们的物质和精神生活密切相关，也因时代、地域、技术和文化及民族等诸多因素而产生迥异的风格特征。根据史料记载，远在冰河时期，人们就学会了用符号来进行装饰，同时也发展了各种加工技巧，包括石质的、骨质的、象牙的、泥土的圆雕、浮雕以及这些材料上各种各样的刻画符号等。此外，从出土的石器时代的文物看，原始人所使用的工具上也常有各种符号和物形，并以此为装饰，加工很是精美，成为最初的工艺美术品的雏形。正是由于古人对于这种形式美感的追求，以及在此基础上累积起来的各种工艺技巧，才使得某些艺术或是造型成为可能，也正因此工艺美术经历了一个极其漫长的过程，也是在这个过程中，不断叠加、发展、创新，才逐渐形成今天的工艺美术的态势。

二、工艺美术的发展制约与优势

目前，大多数工艺美术品过于陈旧，缺乏鲜明的时代特征，是制约工艺美术发展的最主要因素。很多工艺美术品由于仍然采用手工作坊和家庭经营的模式，使得其形态特征还停留在最初的审美尺度上，没有及时的更新，不能很好的适应新时代的市场需求，因此也就是老样子、老传统、老技术，缺乏时代特色和新艺术风格，不具有时代感，很难被现代消费者所喜欢所接受，从而丧失了一大部分市场和消费群体，因而也羁绊了其向前发展的脚步，这是一个恶性循环，固守陈规、不思进取、失去市场、被时代淘汰，这就是市场经济所带来的翻天覆地的变化，它在迫使你改变、必须改变，在工艺美术技艺的承袭中，也要与时俱进，充分考虑时代特征，并进行相应的变革和创新，这样才能与市场接轨，真正达到产销合理的良性循环。工艺美术的厚重历史传承和文化底蕴是其最鲜明的优势。工艺美术一般都是经过百年历史的沉淀，具有深厚的文化底蕴和较大的社会价值及影响力，作为一个传承历史的载体，具有其显著的历史特征和烙印，其后深藏的故事和品牌价值使得很多的工艺美术成为非遗产物，其独有的唯一性和不可复制性都是其他产业所不能企及的。因此，在市场经济中，必须严把特色，不断尝试和挖掘自身内在的文化内涵和现代文化的相互交融，以及不断发展新的技艺、新的风格和新的时代特征，注重市场需求和品牌建设，增强创新意识，提升品牌价值，融入时代特色，发扬传统核心影响力，取得经济效益、社会效益和文化效益多丰收。

三、工艺美术的传承与创新

工艺美术在我国有着悠久的历史，经历百年的洗礼，使得工艺美术更是品类繁多、技艺多样，但在传承上大都秉承了家族式的承袭关系，这样虽然保留了技艺的独传性，但是同时也显露出了这种经营管理模式的局限性和制约性，对于工艺美术本身的发展和创新来说是极为不利的。要从根本上解决这种问题，就要改变这种固有的经营理念和模式，依托政府的扶持，增强自身的适应性并加快创新的步伐，打破原有的局限模式，多学习合理有效的管理秩序和模式，丰富业内的传统技艺，在保留自身风格特色的同时，融入时代特征，具有鲜明的文化内涵和历史特性。就目前的市场现状来看，工艺美术并没有真正实现其自身的历史价值和传承厚度。在被各色信息充斥的时代，更新换代是一件极其普通的事情，要想长远立足，首先定位自己，也就是说要了解自己的特色，明白自己的优势，在市场中寻求共性发展和特性传承，对于不断变化的市场需求要快速跟进，从中挖掘出适合自身生存发展的立足点，适时转型以适应千变万化的需求，在特色传承中真正做到独立性、创新性和不可替代性，以谋求更高的社会认知和品牌价值，创造更大的经济效益空间和社会文化效应。就目前我国工艺美术发展而言，要立足于创新发展模式和积极探索差异化的发展路径，在新旧相互融合的发展态势下，传承是为了更好的创新，而创新才是工艺美术赖以长远发展的有效途径，在一定意义上，这直接关系到工艺美术的存亡。工艺美术一般都有古老而悠久的历史，都是在老百姓的日常生活中出现、发展、传承、创新，也正是因为其深厚的文化底蕴和生生不息的传承精神，才使得我们今天还能够有幸看到这些古老而厚重的工艺，还能够有幸参与这种带有生命意义的文化传承，还能够有幸为这些传统工艺的发展注入新鲜的血液，在这个快节奏的生活中深入体味古人的审美情趣、文化内涵和历史韵味。近几年，在政府的大力扶持和关心下，工艺美术得到了大众的高度关注，同时也开展了一些深入的研究工作和相关课题，为工艺美术的传承搭建了平台，也为工艺美术的创新提供了新的舞台。工艺美术在今天的发展，融合了时代特征、鲜明的历史特殊性和迥异的风格，并与之进行有机对接，积极探索具有实践意义和社会价值的创新之路。在新的历史条件下，工艺美术应该积极借鉴相关创意产业发展的经验，促进工艺美术发展观念的转变，例如可以通过打造具有精神文化内涵的工艺美术博物馆来相应提高工艺美术的附加值，这不但是让大众直接了解工艺美术的途径，增强工艺美术的社会认知度，同时也为工艺美术保留了珍贵的历史资料，相应地建立健全工艺美术的保护体系，重视文化遗产和技艺保护的概念，为工艺美术长足发展提供强力保障，也为工艺美术的传承与创新开辟一番新天地；工艺美术虽然具有很强的历史感，但其价值并没有很好的体现，这与其原有资源的约束性有关，应认真分析社会市场的需求，大胆切入高端市场，优化品牌价值，强化文化优势，积极开发新的产品和经营模式，提升社会地位和认知度；在新的历史发展时期，要以科学发展观为指导，以市场经济为导向，依托政府扶持，结合自身特色，积极探索新媒体等时尚元素对提升工艺美术经营理念、改进运作方式等方面的影响，挖掘、阐释工艺美术的历史印象和文化内涵，逐步提升工艺美术的市场经济价值和社会文化价值，随着市场经济的发展，经济全球化的概念为工艺美术走出国门、走向世界打开了一扇门，秉承历史的开拓精神，将工艺美术的发展与世界接轨，扩大多元化融合，转变经营理念，实现特色突出，多元化辅助的经营模式，也可积极打造网络平台和电子商务等多媒体媒介，对工艺美术进行有效开发和利用，也为工艺美术发展创新提供有效的战略空间。

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关键词：传统工艺；文化；发展；美术

前言

随着社会的快速发展，信息之间的互通，不同国家之间的文化呈现出既有互融又有互斥的状态。基于国家改革发放的好政策，使得一些西方文化如浪潮般的向我国涌入，这在一定程度上对我国传统文化造成了冲击。使得我国原汁原味的传统文化渐渐变了味道。其中的传统工艺美术也在潜移默化的发生改变。这这种情况下，传统文化的不断改变和以现代科技为主要的文化情境则成为了我国传统工艺美术的一个现状。积极的应对现状制定相应对策，才能够使得传统工艺美术朝向良好的发展趋势。

1传统工艺美术形成的特点

在现如今社会中通过传统的方式进行手工作品的生产这就是传统工艺美术。在整个制作过程中，它需要从现实生活中汲取灵感，从人类出现的那一刻起，它就伴随我们周围。古时候人们为了满足饮食、住宿、出行等等一系列问题，就会设计出不同的传统用具，方便当时的生活。随着历史的不断发展，从最开始为了满足生活的简陋设计到现在，这已经成为了我国传统文化的其中一种。五十六个民族构成了中国这个大家庭，不同民族因处在不同的地域，从生活、习俗等多方面都有着大大小小的差异。这种大大小小的差异反而成为了不同民族之间的不同特色。传统工艺美术经过时间的沉淀，已经形成了一套相对健全的体系，同时也各具特色。

1.1民族、地域特色以及人文特性

古时候的人们为了日常生活、出行安全等，用现有身边能使用的东西，近而制作出方便生活的各种工具。人类这种最初因生活所产生的灵感则成了传统工艺美术的雏形。广阔的山川，川流不息的大河，勾勒出了我国不同民族的各个地域。经过时间、环境的催化使得各个民族之间形成了不同的生活习俗，近而成为了各民族的特色。以生活来源的传统工艺美术，在不断的创作过程中，就会将民族特色融入其中，近而就形成了不同的人文特性。通过对每一种传统工艺艺术作品所采用的的原材料、后期加工方式、独特的装饰等进行分析，则很容易就能区分该传统工艺艺术品所表现出来的人文特性。当然，这种人文特性会因环境的不同而改变。

1.2审美性与实用性的统一

古老的工艺品是古代人们智慧的结晶，是依据当时人们的审美同时外加实用的原则所形成的。这种工艺品是人们通过自然界的物品进行灵感设计从而服务与人类。在实际的生活当中，人们可以从日常使用中不仅能够对工艺作品有了新的认知，同时也更好的反映出其实用性。传统工艺美术品是以生活为灵感进行设计。在最初的社会，更多是体现其实用性，满足日常生活的方便。但是现在社会的高速发展，人们对美认知的提升，这种传统工艺美术品则在使用性的基础上加以美化，映照出当今时代人们的审美观。近而使得传统工艺美术达到实用和审美相统一。

2传统工艺美术发展出现的问题

起源于旧器时代的传统工艺美术，经过漫长时间的沉淀，外加创新与不断的发展，已经形成了经典的艺术作品，是我国传统文化不可或缺的一部分。源于生活，用于生活的传统工艺美术品遍布我们生活中的角角落落，每一种都有着自己独特的内涵，独特的艺术特色。但是现如今网络化的普及，经济的高速发展，信息之间的互联互通，使得当今人们无论是思想上还是日常的生活方式上都与以往有着很大的不同。西方文化在潜移默化的混搅着我们东方文化，最为显著的则是审美观以及价值观的变化。这两者的变化使得传统工艺美术的发展道路饱受挫折，传统的工艺美术的传承人在现如今市场经济的浪潮中，并不能做到乘风破浪，使得自己并不能自信的面对自己的手中的传统工艺美术的手艺，使得传统工艺手艺出现了无人继承，后人淡化的现象。

3扩大传统工艺美术的策略

通过对现如今我国传统工艺美术的综合性分析，其中资源、创新和经营的匮乏是我国传统工艺美术发展中所面临的最主要的问题。时代在变化，经济在发展，信息在高速流通，人们的生活水平在日益变好。紧接着人们的审美观、价值观以及对生活的需求就会相应的发生变化。在这种形势之下，传统的工艺美术需要及时作出相应的变革，以此来应对日益革新的社会发展。只有广罗人才，加强创新，积极吸取好的管理经验，加强开发可供利用的自然资源，这样才能成为保证自身的核心竞争力。随着国家及人们对文化方面热情日益增高，与文化创意相关的产业也呈日趋增多的状态，这传统文艺美术来说无疑是一个良好的发展机会，能够使传统工艺美术脱胎换骨，呈现出崭新的一面，达到与现如今社会的完美融合。

3.1融于文化创意产业的发展

文化创意是以文化为元素、融合多元文化、整理相关学科、利用不同载体而构建的再造与创新的文化现象。在智慧财产权的生产和利用下，近而达到创造财富和增加就业机会的产业。工艺美术产业刚好符合卫华创意文化所需要的种种特性。工艺美术产业是以手工为基础，制作出一些实用的产品，并将当代大众的审美观融入其中，使得传统工艺美术能够更好的在现代艺术中发展。传统工艺美术设计和现代文化创意完美的融合才能更好打破之前传统的发展思路，才能更好的适应当今时代的发展。通过不断涌现的创新理念，才能成为经济发展催化剂。

3.2提升文化内涵

传统工艺美术经过长期的时间沉淀，已经发展成为我国传统文化船务的其中之一，传统工艺美术本身蕴含着丰富的历史积淀和文化内涵。在现如今通过现代文化创意发展传统工艺美术的过程中，我们需要格外的彰显传统工艺美术独特的优势，以此来顺应当今时代的发展潮流，更大程度的符合人们对文化创意设计的“口味”。不同民族所呈现的不同文化特色，是我国传统工艺美术变得丰富多彩。通过现代工艺同传统文化进行相互融合，呈现出互利共赢的状态。不但使得现代创新技术得以展现，同时也能够使得我国传统文化得以发扬。在现如今的发展形势中，要具备开放、包容、创新的眼光看待问题。西方文化在中国的渗入，在一定程度上对国人的价值观、思想观念都有着一定的影响。因此，将现代技术同传统工艺美术之间完美结合，是一种更为明智的方法，是今后传统文化发展的促进剂。

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[关键词]哥特；工艺美术运动；工业革命；家具设计

前言

一种风格的兴起和衰亡都离不开当时的社会生产力的发展和经济、政治背景等客观历史原因，哥特式艺术从中世纪中后期的起源和繁盛，到文艺复兴、巴洛克及洛可可时期的没落，历史的车轮并没有在此停滞不前，在19世纪的中后期，从英国兴起的伟大的设计运动——工艺美术运动又将它重新推到了历史的前台，并在这段期间深刻地影响了当时的工业设计领域，尤其是室内家具设计。

一、哥特式艺术的概述

（一）哥特艺术的历史背景

在中世纪，人们的思想受到基督教的控制，宣扬可以通过虔诚的信念、理性的探索和深入的思考与伟大的上帝进行沟通，并最终得到感召，死后的灵魂将进入天堂。而人类的无论起源与否，最终发展和壮大都离不开世俗权力的支撑，这和中国的佛、道、儒如出一辙。西方的基督教在这时亦与欧洲的封建势力紧密联系在一起，共同禁锢人性、桎梏思想，使此时的欧洲犹如陷入永夜般的痛苦和停滞，是欧洲历史上社会生产、经济发展最缓慢的时期，故又称为“黑暗时期”，但这一切并不妨碍艺术的发展与进步，正是在这样一个发展缓慢、社会压抑的状态下，诞生了伟大的哥特式艺术。

（二）哥特式艺术的概念

“哥特”本是来自斯堪的纳维亚的野蛮部落民族，第一次作为一种艺术风格出现在艺术史上，则是源于伟大的意大利艺术家拉斐尔写给当时的教皇立奥十世的一封信中。在信中，拉斐尔将中世纪后期即罗马式后兴起的建筑样式称之为“哥特式”，与“野蛮”一词同义。此后到了16世纪又一位意大利艺术评论家乔尔乔•瓦萨里将它的时间范围扩大到整个中世纪，认为它们野蛮怪诞、缺乏艺术趣味。自此可以看到那个时期的“哥特式”由于受到文艺复兴思想的影响，被赋予了三种主要含义：野蛮如中世纪的哥特部落；黑暗如中世纪的社会环境；神秘如地狱般的恐怖和未知。

（三）哥特时期的家具

人们所熟知的哥特式风格设计多集中体现于哥特式建筑之中，如具有代表性的法国巴黎圣母院、德国的科隆大教堂、意大利米兰大教堂等，主要特点就是高耸而直立的尖拱、修长挺拔的立柱及又高又大的彩色玻璃镶嵌的花窗，它们整体给人一种高而直的向上趋势，故“哥特式”也被称为“高直式”。而当时的家具作为建筑中的一部分，自然与这种哥特式建筑相雷同。如哥特时期流行的高背椅、餐具柜、顶盖床等家具，均具有这些特质。在中世纪，家具是财富和地位的象征，尤其是椅子。椅子的靠背做得特别高，顶端多设计成火焰型，有的还加有高耸的顶盖，座面多为封闭的箱形，整个家具采用嵌板结构的窗花格。（见图1）这个时期的餐具柜是用来展示主人精美的餐具的，而餐具柜的层数与主人的地位是相吻合的，高耸的餐具柜是主人身份地位的象征。顶盖床是在床的顶部安装一个顶棚，增加床的体积感。床的顶盖大小也彰显着使用者的地位。这些家具都具有体量庞大、线条直立的造型特点，在装饰上采用尖顶、尖拱、窗花格、浮雕雕刻等方式，给人一种挺拔严谨、庄重宏伟的气势。

二、工艺美术运动的背景

从18世纪末到19世纪中叶，从英国开始，欧洲各国先后开始进行工业革命。它对生产技术和生产方式均起到重大影响，在工业生产领域开始出现劳动力的分工和机械流水线的广泛应用，于是大量的机械制品涌入市场，传统手工业面临前所未有的危机。在市场上流通的商品出现两级变化：一种是极力推崇的纯手工制品，在工艺和造型上毫无突破，是传统风格的模仿，并且价格昂贵、装饰繁复，仅为富人阶级服务；一种是机械制品，价格低廉，为中下层人们所使用，但造型雷同、外观丑陋、做工粗糙、质量低下。这些显然都不是理想的商品设计，为此英国政府首先认识到这一点，并积极开展相关的设计活动，比较著名的就是1851年英国伦敦举办的第一次国际工业博览会，因在“水晶宫”展览馆举行，故也称之为“水晶宫”国际工业博览会。这次博览会本是为展现英国工业革命后的伟大成就，并试图引导大众的审美情趣，制止对旧有风格的模仿，可结果却让人始料未及。这次展览会陈列的展品大多是机制产品，不少是为参展而特制的。这些展品将装饰作为其产品设计的重点，将功能与形式分离，且形制守旧毫无创新，将整个市场上的产品设计弊端完全暴露，激发了一些思想家的思考和认识，掀起了设计史上最重要的设计运动———工艺美术运动。

三、哥特式风格对工艺美术运动时期家具的影响

（一）哥特式风格与英国工艺美术运动之间的联系

工艺美术运动与哥特式风格的联系主要是从英国建造师普金开始的。普金受到家庭的影响，自小就对哥特式风格痴迷。在他出版的《不同之处》中包含了对当时的建筑和对中世纪高贵的建筑的比较，并认为哥特式是先进的，从而批判贪婪的僵化的19世纪的城市生活。其后又出现一个重要的人物———拉斯金。他在著作《建筑的七盏明灯》里强调建筑家应通过建筑设计来达到真实而真挚的目的，也就是形式和功能统一。在他另一部著作《威尼斯的石头》中更是深入研究了威尼斯的哥特风格，认为中世纪建筑伟大而崇高。拉斯金的思想最后在莫里斯的宣扬和领导下得到进一步发扬光大。莫里斯带领着一批杰出的设计师包括罗伯特•阿什比、沃赛等通过对不同设计项目的完成，实现着对工艺美术运动的设计实践，将工艺美术运动从英国推广到世界。对于哥特风格为什么会几百年后的英国重新风靡和提倡，笔者认为主要是哥特风格自身拥有纯粹的精神化特征，这与中世纪的教义精神是紧密联系的。它之所以被后世冠以“黑暗”、“野蛮”、“神秘”等精神化的词汇，皆是源于中世纪人们在认识上的缺陷，对种种自然现象不解而产生的神秘、恐惧、敬畏之感，体现在设计中往往具有理想主义色彩。而在19世纪机械文明发展下，机械产品对于人们生活的冲击也使当时的人们感到恐惧与无助。面对混乱的市场现状，人们需要一种精神力量来指引，而艺术领域亦迫切要求寻求到一种不同于现有所流行的历史风格的设计形式，以此来扭转艺术设计界的精神匮乏和粗制滥造。这就好比文艺复兴、新古典主义这些在不同时期的复古风潮一样，具有一定的历史必然性。

（二）哥特式风格对英国工艺美术运动时期家具的影响

哥特式风格在受到英国工艺美术运动的领导者尤其是莫里斯的极力推崇后，对当时英国的设计领域尤其是室内家具设计均产生了较为深远的影响。1.家具的形式根据前文所说的哥特式风格，不难看出哥特式风格最为明显的特征就是一种直线线条的运用，具有向上的动势，简洁有力而清瘦挺拔。那个时期的英国家具设计师正是将这种哥特符号多次运用于他们的设计当中。比较著名的就是威廉•莫里斯在1862年设计的系列椅子（见图2），其扶手和靠背的下部就分别由三根平行的横杆组成，靠背的上部则由一系列的垂直短杆组成。沃赛在1889年设计的橡木高靠背餐椅（见图2）则具有更为明显的哥特特征。从椅腿到椅背均采用直线条，椅背狭长而高直，椅背顶端的立柱高耸。家具通体上除了在椅背中间雕刻的桃形靠背板，便无任何装饰，将哥特风格的简洁、挺拔、稳重的特点发挥到极致。2.家具的制作方式哥特艺术对于工艺美术运动的影响并不仅仅局限于形式上，还有家具的制作方式上。正如前文所说，工艺美术运动时期，正是机械化迅速发展阶段，面对大量涌入生活的机械制品，艺术家们从厌恶到恐惧，而传统手工业受到前所未有的冲击。为此，莫里斯等激进的艺术家们便开始组织各种设计事务所进行实际的设计改革，但这些事务所却被他们冠以“行会”的名号。行会原本是中世纪手工艺人的行业组织，莫里斯等人之所以会如此称呼他们的组织，可见其反机械化的决心与勇气。在莫里斯的设计主张中可以明确看出他已经将哥特文化与手工艺合二为一，将哥特风格理解为传统手工艺的一部分。那么显然这些艺术家组织的“行会”所设计的家具均是由手工打造而成，无任何机械运作，与市面上的工业制品有着本质的区别。这些家具设计师还会学着哥特时期建筑者在设计作品上镌刻自己名字的习俗，也将自己的姓名刻在自己的每一件手工作品中。这些标记与其说是记录，不如说是凸显出手工艺品的独一无二。这表面上是设计者对中世纪艺术热爱，实质上依然是一种反机械化的表现。3.家具的设计理念著名美学评论家和符号学家苏珊•朗格曾说过，一切艺术都是人类表达情感的符号。哥特时期的家具装饰简单、造型简洁且重视功能性，这和当时的社会背景和生产力水平是分不开的。当时的家具制作水平和社会财富都有限，家具的使用仅限于少数富有的贵族或宗教组织。但哥特家具却因此具有一种自然、淳朴之美，而这正是工艺美术运动时期所缺失的。莫里斯的设计原则中的曾明确要“忠实于自然”、“提倡实用艺术”，这些主张在当时的一些重要设计作品中亦得到很好的体现。而图4中的靠背扶手椅正是出自工艺美术运动时期的重要设计师———阿什比之手。家具通体无多余的装饰，通过矩形的面与直线产生强对比，并故意将家具的卯榫结构暴露，起到一种变化和装饰性。白色织物与原木色材质交相呼应，产生一种自然、质朴的设计效果。

四、小结

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摘 要：科学是精确化的艺术，阐释的都是艺术与科学的关系。这种关系在设计艺术中表现得最为突出。西方设计艺术史上，艺术与科学的分离导致了技术产品的丑陋和人情味的缺乏，出现了“工艺美术运动”“新艺术运动”“装饰艺术运动”等艺术思潮。 设计艺术是“艺术化的造物行为”，与科学技术的关系密切，需要创新思维观念、物质成型技术，并满足消费对象的需求。

关键词：阐释 创新思维 高超精湛 终极审美判断 潜移默化

中国古代工艺美术是中国人民为满足自己的物质需要和精神需要，在不同的历史条件下，采用各种物质材料和工艺技术所创造的人工造物的总称。它是中华民族造型艺术的重要组成部分，既体现了工艺美术的一般本质特征，又显示了中华民族文化自身所具有的鲜明个性。中国工艺美术以其悠久的历史、别具一格的风范、高超精湛的技艺和丰富多样的形态，为整个人类的文化创造史谱写了充满智慧和灵性之光的一章。工艺美术有物质文明和精神文明的又重属性，尽管它不是纯艺术，创作不以震撼人心或道德说教等为宗旨，但它对人的影响又绝不小于纯艺术。中国古代工艺美术夙享盛誉，长期是中华文明传播的承载体，域外人士在使用中国工艺美术的同时，也潜移默化地认知了中华文明。（参考《天公开物》）

无论是中国古代 “六艺” 之内涵，还是古希腊的“艺术”概念，都深刻体现出工艺美术与科学技术之间的密切关系。古希腊人把能够凭专门知识学会的技能都叫“艺术”，音乐、雕刻、绘画、诗歌是艺术，手工业、农业、医药、骑射、烹调之类也叫艺术。这种艺术与科学技术相统一的“艺术”观念到欧洲文艺复兴时期达到了顶峰，而文艺复兴科学、文化、艺术的发展也是人类文明史上最辉煌的时期。达.芬奇、米开朗基罗、丢勒等不但是艺术家，也是科学家、工程师，他们创造了卓越的艺术作品，同时在科学发展、技术发明上也取得了巨大成就。

中国古代工艺美术具有悠久技艺传统、富有地方和民族特色，反映中国古典文化精神的传统工艺美术，其主要门类有烧造、煅冶、染织、编扎、雕刻、木工、髹饰工艺等等，它们的发展都和科学技术的发展是分不开！比如金属工艺就是其中一项中国优秀的传统民族技艺。金属工艺是中国工艺艺术的一个特殊门类，主要包括景泰蓝（景泰蓝是用细扁铜丝掐成图案的，焊在铜胎上，再填点上彩色釉料，经烧制而成）、烧瓷（又名“铜胎画珐琅”，与景泰蓝的区别在于不用掐丝，而是在以铜制胎之后，在胎体上敷上一层白釉，烧结后用釉色进行彩绘，经二、三次填彩、修正后再烧结、镀金、磨光而成。）、斑铜工艺（斑铜工艺品是云南独有的民间传统工艺品, 它采用高品位的铜基合金原料，经过铸造成型，精工打磨，以及复杂的后工艺处理制作而成，它"妙在有斑，贵在浑厚"，褐红色的表面呈现出离奇闪烁、瑰丽斑驳、变化微妙的斑花而独树一帜，堪称金属工艺之冠。）、锡制工艺、铁画（也称铁花，是以低炭钢为原料，将铁片和铁线锻打焊接成的各种装饰画。）等等。试想没有知识经验、技术，他们能创造出这么优秀的工艺美术作品吗？

现在“工艺美术一词“最早流行于十九世纪初期，随着工业革命发展以及机器时代美术地位的降低，一部分美术家把美术与手工艺结合，产生了“工艺美术”这一新兴的技术加工艺术的行业。由于美术家和工匠从事广泛的物品外表装饰及外观式的设计，从而，“装潢美术”一词被广泛推广应用。到了十九世纪上半叶，以英国工业革命为先导，法国、德国等国家随后率先走向工业化，生产效率提高，商品生产日益发达，工艺美术师为商品生产服务的。20世纪初，欧美一些国家逐步大工业时代，出于为工业生产服务的社会需要，美术和工艺美术的结合开始走向新阶段。1919年，在德国创立了世界上第一所将美术、工艺、技术和学结合与一体的“包豪斯设计学校”。该学校的建立对社会产生了巨大影响。此时一个“设计”新的时代开始了，结束了设计的从属地位，使之成为一门独立的新兴学科。同时，以往的其他术语也被“设计”一词所代替。

科学是精确化的艺术”，阐释的都是艺术与科学的关系。这种关系在设计艺术中表现得最为突出。西方设计艺术史上，艺术与科学的分离导致了技术产品的丑陋和人情味的缺乏，出现了“工艺美术运动”“新艺术运动”“装饰艺术运动”等艺术思潮。无论这些思潮的初衷如何，其目的都是为了解决艺术与科学技术在设计艺术中的关系问题。爱因斯坦说：“真正的科学和真正的音乐需要同样的思维过程。”艺术与科学是息息相通的，这一点哲学家看得更准确而深刻，德国哲学家斯宾格勒曾经说，他从精确优美的古希腊雕塑中似乎看到了毕达格拉斯、欧几里德；从西方配位、重组群乐曲旋律中看到了笛卡儿、牛顿、莱布尼兹、殴拉和高斯。“艺术是情感化的科学，科学则是精确化的艺术。”

科学对自然界的现象进行新的、准确的抽象。科学家抽象的叙述越简单、推测的结论越准确，应用越广泛，科学创造就越深刻。科学与艺术的共同基础是人类的创造，它们追求的目标都是真理的普遍性。它们像一枚硬币的两面，是不可分割的。

现代的许多国家把“工艺美术”一词，仅仅称为非机器、非大量生产的、手工性质的民间美术和工艺品，这是不全面的。因为早在中国古代，设计思想、技术思想是和古代的哲学思想融汇一体的，尤其是春秋战国时期，诸子百家对于道与器、物与欲、文与质、技与艺、用与美等工艺美学基本范畴展开了热烈的争论。或取譬引类，或直言阐述，连篇累牍，史不绝书。美国物理学家、诺贝尔管理学奖获得者赫伯特.西蒙1969年首次提出“设计科学”（设计艺术学）的概念，设计艺术学从此逐渐形成了独立的新兴交叉学科体系。就其体系组成而言，也体现了设计艺术学的交叉性。如设计艺术发生学研究设计的起源、发展及其风格等，与历史学、考古学等密切相关；设计艺术现象学研究设计分类、设计艺术与经济、消费的关系等，由此衍生出设计艺术经济学等新学科；计算机图形图像学是设计艺术与计算机技术科学相融合的产物如此等等。“技术进步与新艺术形式的萌芽总是如影随形，艺术与技术的互动推动人类文明的进程，因特网做为现代技术的潮流对新艺术形式的催生已经初露端倪。”

设计艺术是“艺术化的造物行为”，与科学技术的关系密切，需要创新思维观念、物质成型技术，并满足消费对象的需求。艺术教育早期的“工艺美术教育”中，“工艺”本身就包括科学技术的成分。“工艺美术”概念有它历史的成因和特定的学科内涵，它涵盖了“设计艺术”的相关领域。20世纪末所使用的“艺术设计”或“设计艺术”的概念，与“工艺（技术）美术（艺术）”相比，并不十分明确。从我国早期工艺美术教育的学科设置上就可以看到这一点。1902年，清政府颁布新的学堂章程，规定建立实习教员讲习所，分为工农两种，工科设有造船、建筑、机械、电器、应用化学、制图、窑业、染织、金工、木工等，出现了现代工艺美术教育思想的萌芽。工艺美术教育家陈之佛先生在《美术工艺的本质》一文中认为：“就美术工艺的本质上考察起来，美术工艺品绝不是和古董品同类的……工业品是间接或直接的关切于人类的生活，其目的就是为人类生命的持续而产生的。工艺品是艺术和工业两者要素的结合，以人类生活的积极向上为目的的，所以工艺是适应人类日常生活的要素——‘实用’之中，同时又和‘艺术’的作用融合的一种工业活动。”

总之，工艺美术的创新离不开科学技术，科学技术的提高推动工艺美术进步，两者和谐发展共同推动艺术事业繁荣。

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一、伊斯兰工艺美术中的宗教性

如伊斯兰工艺美术就伴随着伊斯兰教在阿拉伯地区的传播而发展起来，它的艺术风格和公益文化表现出显著的宗教色彩和地域特征，在世界艺术发展史中具有独特的地位。伊斯兰工艺美术史中迷人的米奈型陶器、伊斯兰织毯等，作为伊斯兰信徒日常生活中的必备之物，无论在精神领域和物质领域都不可或缺。伊斯兰工艺美术以其清新明快的色彩效果、精致繁丽的装饰手法和精湛的工艺技巧，展示了其巨大的艺术魅力。由于伊斯兰教禁止偶像崇拜，因此具象而写实的艺术形象难以得到发展，工艺美术创作的主要精力倾注在抽象性装饰纹样中。而恰恰是神教的、阿拉伯特殊的地理环境，以及阿拉伯民族的求异心理和文化传统，培育了伊斯兰工艺美术的大力发展，使之成为世界工艺美术文化中的一支奇葩，也让世人有机会得以欣赏浓郁阿拉伯风情的绝美工艺品。

二、宗教对欧洲工艺美术发展的影响

谈到宗教对艺术影响的案例，不得不提及的一段典型的历史进程——欧洲中世纪工艺美术的发展。在中世纪这一千年的欧洲封建社会中，基督教成为封建统治的有力支柱和人们精神生活的寄托，通过教会使哲学、科学和艺术都从属于神学，总体来看，社会发展缓慢，停滞不前，绘画、雕刻艺术也出现倒退现象。但工艺品则是一个例外。因为工艺品不仅仅是精神产物，它还依赖于物质条件。中世纪的工艺美术也同其他文化现象一样，带有明显的宗教性质。它清楚地反映在当时工艺美术的内容与形式的各个要素中，尤其是那些直接为宗教服务的祭坛装饰、圣书函和遗物箱、十字架等更能反映出中世纪美术的特点。所以，整个中世纪的工艺美术都可以概括成宗教的产物。没有基督教就不可能有与之相应的各类带有明显宗教性质的工艺美术品。在神学思想的影响和教权的统治下，欧洲中世纪的工艺美术反映了特有的审美观念：强调神圣和威严，基调低沉而凝重，表现冷峻而肃穆、庄严而压抑的气息。

三、中国传统纹样中佛教影响的纹样

佛教由印度传入中国以来，对中国政治、文化、艺术、教育等方面都产生了深刻的影响，中国工艺美术也伴随着佛教的迅速传播而如火如荼地发展起来。常见纹样有以下几种。

（一）忍冬纹忍冬纹是我国一种传统吉祥装饰纹样，属于佛教纹饰，最初是作为印度佛教装饰中的一种样式传入中国。忍冬纹饰随着佛教艺术在我国的兴起而出现，在中国的流行也主要与佛教装饰相关联。忍冬纹在东汉末期开始出现，魏晋南北朝时最为流行，在南北朝的佛教装饰，尤其是石窟装饰中广泛使用并影响到当时的世俗装饰，盛极一时。纹样多呈现为翻卷状侧面三叶样式，主要以波状结构的连续形式出现。忍冬又称“金银花”“金银藤”“银藤”“鸳鸯藤”和“左缠藤”，为多年生常绿灌木，藤生枝蔓形植物，长瓣重须，枝叶缠绕，花色黄白，因不畏严寒、越冬不调故名“忍冬”。忍冬纹多为佛教装饰，有“延年益寿”“吉祥”之意，也被作为生命力旺盛的象征。忍冬越冬而不死，所以被大量运用在佛教上，比作认得灵魂不灭、轮回永生；忍是佛教的一种美德，其内涵是安于苦难。

（二）卷草纹卷草纹也是我国一种传统吉祥装饰纹样，也来自佛教影响，是忍冬纹的另一种延续。卷草纹并不是以自然中的某一种植物为具体对象，它如同中国人创造的龙凤形象一样，是创造出的装饰纹样，集多种花草植物特征于一身，经夸张变形而创造出来的一种意象性装饰样式，显示了古代中国人丰富浪漫的想象力和创造力。卷草纹“它以那旋绕盘曲的似是而非的花枝叶蔓，得祥云之神气，取佛物之情态，成了中国佛教装饰中最普遍而又最有特色的纹样”。卷草纹作为世界装饰艺术中最重要的装饰纹样之一，使用范围十分广泛。希腊罗马古典建筑装饰上的葡萄卷草纹，伊斯兰清真寺内外装饰的阿拉伯藤蔓花纹，中国敦煌莫高窟内花型丰富的唐草纹，都是卷草纹在不同的宗教文化背景下绽放的装饰艺术之花。

（三）莲花纹莲花纹，又称“荷花纹”，是一种典型的佛教装饰纹样。莲，原指荷的果实，后世莲荷混用，佛门奉之为“圣花”。莲花纹作为一种寓意丰富的吉祥瑞兆的指代，在历史上可谓风光领尽。它不仅是一种具有自然生命力的花卉，还是中华民族传统精神理念、审美观念、价值尺度、道德标准的象征。古代“华”即“花”字，中华民族的“华”字就有花的含义，对花的崇拜由来已久。从历史上看，以莲为饰的应用较早，在新石器时代就出现了刻着莲花花纹的陶制扁壶。春秋时代的后期，在经历过一段动物纹装饰题材占绝对统治地位而连弧纹销声匿迹的阶段后，莲花纹才逐渐重现。

（四）宝相花纹宝相花纹，起源于佛教文化，始于南北朝，它是在莲花（以牡丹、莲花等为主体，后又有、牡丹等）简洁质朴造型的基础上，发展变化为最复杂、最华丽的花卉纹样之一。纹样一般为对称式，造型富丽、华贵，古城“宝相花”，又名“宝仙花”等，在民间也称为“宝花花”，为富贵吉祥的象征。宝相花纹是佛教吉祥装饰纹样，为中国古代吉祥纹样之一。宝相花纹是从自然形象中概括了花朵、花苞、叶片的完美变形，经过艺术加工组合而成的纹样，既有中国民族传统装饰的风貌，也有佛教特定的含义。“宝相”，象征佛、法、僧三宝的“庄严相”，在佛教中有佛像庄严端正之意，旨在说明“佛像庄严”。佛家称佛像为“宝相”，装饰佛像的花纹图样则谓之“宝相花”，有着“宝相花，保平安”之寓意。象征着人们对平安、幸福和美满生活的向往，传递着平安是福的深厚文化内涵。宝相花的另一层含义还寄托着佛教徒的希望，它的主题莲花是佛国净土的象征，欲生净土须得从莲花中生。

（五）如意纹“如意”一词系指一种器物，出于印度梵语，是随佛教自印度传入的佛具之一。如意是一种中国传统的吉祥器物，多用于陈设，端多为心形、灵芝形、云纹形。如意纹是按如意形做成的如意纹样，借喻为“称心”“如意”，象征吉祥。在民间多被演化成“平安如意”“吉祥如意”“富贵如意”等吉祥纹样。如意纹的造型“如意”的形状，像长柄的钩，钩头呈扁状，如贝叶之形，呈弯曲回头之状。柄端纹逐渐由直状变为多为心形、灵芝形、云纹形多种形状。头尾两相呼应，主体呈流线形，柄微曲，造型美观华丽。如意的柄端设计成灵芝形是由于灵芝有非常吉祥的寓意。

四、结语

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关键词：彩陶；设计；教学

中图分类号：J527 文献标识码：A

文章编号：1005-913X（2013）02-0127-01

在中华文明肥沃的土壤中，孕育出了五千年的彩陶文明，它开启和推动了历史变革的进程；它继往开来，为后期文化的发展奠定了重要的形式基础。彩陶是最接近人性本原的艺术之一，又体现出明显的艺术创造精神和艺术成分，体现出史前人类艺术的特点和审美意识的萌发，也体现出艺术产生的初级阶段的特性。尽管各文化类型彩陶的面貌千姿百态，但是在中华民族形成的长期过程中，这些文化类型的彩陶，有的承袭发展，有的相互影响，有的彼此融合，显示出中国艺术传统的发展方向。彩陶艺术从本质来讲属于工艺美术范畴，它有着工艺美术的共同特征，但更有其独特的个性，具有区别于其他工艺美术的质的规定性。

一、纹样之美

在纹饰内容上，以象生纹样（动物、植物、人物、景物等）和几何纹样为主。甘肃地区的彩陶以几何纹样为主，如仰韶文化的三角纹、线形纹、圆点纹等，马家窑文化的旋纹、菱形纹、波折纹、圆圈纹等。几何纹样的发展变化显得富有规律性，更多的带有装饰艺术的特点，并逐步走向成熟和精美，这与制陶、彩绘工艺的提高有着必然的联系。如马家窑类型彩陶旋涡纹瓶，其纹饰具有图案形式美的节奏和韵律，说明当时人们已经掌握了如何对图案规则的运用。在学习过程中容易找到装饰艺术的规律，有助于提高学习陶瓷装饰的兴趣。彩陶图案不仅为艺术设计提供了丰富的素材，而且有助于对学生设计思维的开发，使传统纹样不断丰富、不断创新。

二、造型之美

原始彩陶的造型主要是注重其实用性，但也不乏其审美性很强的造型。彩陶的器形主要用泥条盘筑法制作。图案与器形相得益彰，在俯视或平视都能看到完整而美丽的花纹。原始彩陶不仅分布广泛，数量多而且器型丰富。许多在后世中出现的陶瓷器型样式在史前陶器中都可以找到类似形制的器物，如碗、盆、瓶、罐、壶、盘、尊、釜、鼎、甑、瓮、罐等。其或为汲水、贮存或为煮食、盛放等目的，主要是满足简单日常生活的需要。尽管因时代、地区或民族的差异，陶器的形式、风格发生过多样变化，也各自产生了很多特点，但却都表达着自己的时代精神，而这种精神在新石器时代首先表现在陶器的器形与纹饰和质地的感觉上。原始彩陶是从最初的实用性器皿发展到有思维性、观念性、和情感性的纯艺术表现形式。但是新石器时代的原始彩陶对于我们今天以陶瓷为载体进行个人思维的表达、传播等，还是可以从中吸取很多原始、淳朴的造型和装饰风格。

三、创作思想

史前人类在彩陶制作过程中，器物的形式从简单的对称到器型的精美合宜，从纹样简单的几何线条到精美的花瓣纹、连弧纹从粗拙写实到运用一定的设计法则，体现出史前人类在认识自然和改造自然的过程中，对形式美规律的逐渐认识和把握，这个过程是人类懵懂的审美意识的形成和发展的时期，印证了艺术美中关于艺术起源的论断，即人类在劳动实践中，将自然对象人化的同时，也使自身逐渐完善，形成了创造美的能力和审美的意识。尽管当时古人类在艺术的开掘上是自觉与不自觉的，我们后人在总结前人遗产的同时都必须承认中华民族古老的文化以它独特的魅力，给现代人在陶瓷艺术的创作领域上，留下了极其广阔的空间。当我们纵观陶瓷艺术的历史，会感受到它无比的生命力，以及在窑炉中经过高温烧制后所产生的特殊变化。这一系列的过程，使得它融入了生活的美。使得作者可以根据自己的意图和构想，将自己的理想与情感注入到陶瓷艺术之中，从而以极为普通的泥土塑造出一件件真实感人的作品。

彩陶艺术让我们领略到祖先在遥远年代所创造的灿烂文明，中华民族卓越的智慧和艺术创造才能。彩陶是艺术美与科学美的完美结合，从现代审美的角度去审视原始彩陶，也不得不佩服它造型的优美，装饰纹样的考究，充满着现代气息。从教育的目的来说，这种方法可以培养学生独立思考的能力，有助于塑造学生人格。彩陶艺术属于中国古代工艺美术的范畴，所以通过对彩陶艺术的研究，使我们对中国古代工艺美术彩陶的基本特征有所了解，领会其独特的审美意蕴及与中国传统文化的内在联系，认识到中国古代工艺美术卓著成就，在中国人的物质文化生活中发挥了不可低估的作用，也对丰富世界人民的物质文化生活做出了重要贡献。通过实践，最终达到加深学生对彩陶艺术的认识，增强学生的民族自信心和自豪感，陶冶情操，提高艺术素养和对工艺美术的审美感知能力。

参考文献：

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[2] 郎树德，贾建威.彩陶——遥望星宿：甘肃考古文化丛书 [M].兰州：敦煌文艺出版社，2004.

[3] 张朋川.中国彩陶图谱[M].北京：文物出版社，1990.

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美术是人类文化的一个载体，反映了一个民族的多个方面，而当今学生对于本民族的文化和精神却不甚了解，甚至盲目地去“哈韩”“哈日”，因此很有必要结合课本中的绘画工艺等作品对学生进行民族文化教育，让学生体会到民族自豪感。只有对本民族文化有着强烈的认同，他才能成为一个有国家、有民族、有文化归属感的人，才能深入地体会我们的“民族文化”，才能更加真切地体会我们的“民族感”。美术是人类文化最早和最重要的载体之一，是人类最早认识社会的主要媒体，反映了一个民族的生产方式、思维方式、生活态度。一个民族的凝聚力主要体现在本民族文化和民族精神的认同上，一个民族、一个国家如果漠视民族精神的教育，国家民族意识就会淡漠、虚无乃至异化。我国美术有着悠久的历史和辉煌的成就，与其他国家和民族的美术共同构成世界美术的多元化。而我们在学习美术鉴赏时，要在尊重多元文化的前提下培养学生的民族审美意识。利用教学对学生进行中国传统民族文化教育。

在平时的教学中了解到：很多学生民族自尊心、自信心、出现缺失，文化价值观迷茫。当面对汹涌而来的“韩流”、“日流”时，容易失掉辨别能力。在欣赏张萱的《捣练图》时，首先让学生判断作品从材料上看是什么画，画的是哪个时代的内容？学生的回答很让人寒心，不知道什么是中国画，中国画的分类有哪些；从体型上服装上判断出是唐朝作品，但接下来让他们说唐朝服装的特点时，他们的回答是因为唐朝的服装和韩国的传统衣服很相似，他们是通过看韩剧了解到的。包括他们现在穿的衣服也是追求“韩版”，民族的他们认为土气、俗气，韩版的才是潮流才是时尚，很标准的“哈韩一族”。所以我专门介绍了我国的民族服装，尤其是汉族的服装变化，这些服装自唐以来，就有“汉服”或“汉装”的正式称呼，经历将近四千年，一直自成体系，一脉相承，并深远影响了日本、朝鲜、韩国、越南等周边国家。其中日本的“和服”韩国的“韩服”便是汉服在这些国家的正常延续。

随着时代的发展，以都市青年白领阶层为骨干的“汉服复兴”运动的兴起，在不失传统韵味的前提下，又颇具时尚特征。传统服饰正越来越受到人们的欢迎，而传统服饰的兴起也可看做是中华文明复兴的一种征兆。为了让学生弄清中国画了解其分类及传统的装裱艺术形式，我特地在班内举办了一次小型中国书画展览，内容包括了人物、山水、花鸟，装裱形式有立轴、册页、手卷、帛画、横披、镜心等，直观的教学手段使学生掌握知识轻松愉快，同时感到中华文化的博大精深，产生民族自豪感。中国古代工艺美术是中国古代人们生活的反映，它既体现了人们生活方式和审美意识的演变，又体现了社会生产水平和社会文化艺术的发展过程。通过教学可以使学生了解中国古代工艺美术的发展历程，熟知其各个历史时期的工艺图特点和民族文化特色。

尤其是通过对多工艺制作、艺术特色、文化特点方面的了解，亦可感受到我国历代工艺美术创造的伟大和艺术的光辉。对于具有中国传统特色和民族风格的中国工艺美术作品，使学生对其有一定的鉴赏能力和审美情趣，并为此培养良好的文化素质修养。比如从古到今一直流传的在世界上影响非凡的瓷器，以青花瓷为例，南京古陶瓷收藏专家周道祥先生认为，青色在古代时是人们喜欢的颜色之一，不容易使人产生视觉上的疲劳；除此之外，青花瓷还有一系列“隐喻”之意，古时的读书人希望“青出于蓝而胜于蓝”，走上仕途后便有“青云直上”的愿望，渴望做一个人民爱戴的“青天”，甚至在卸甲归田之后，还希望能够“名垂青史”，“留取丹心照汗青”。“青”在当时士人心中的分量可见一斑。如今，我们日常用的碗筷、茶具等物品上也都不难发现青花的影子，足见“青花”在国人心中的地位和情结。青花瓷润澈通透，古色古香文化底蕴十足。中国的瓷器传统最早起源于餐具的制作，仿中国古典青花瓷器的作品别有一番味道，比如成套的青花瓷制茶具、带盖儿的青花瓷杯、素静雅致的花瓶等，选上一套摆在家中，既增加了古香古色的文化情趣，也给居室增添了一份温馨。

“素胚勾勒出青花笔锋浓转淡，瓶身描绘的牡丹一如你初妆……”青花瓷不仅成为了歌曲传唱中国风的对象，而且现在的一些服装上也印制出了青花的纹饰，尤其以青花旗袍著称。所以在介绍瓷器时展示一些青花旗袍的图片，银白色的旗袍上淡蓝色的花纹，每一处都惟妙惟肖，每一笔都淋漓尽致，青花之美跃然于银白色打底的旗袍上，尽显出一种古代高尚典雅的美好。青花旗袍，将温润的肤色、细腻的白绸以及青花绣结合起来，充分展现了东方女子的清韵，再配以周杰伦的《青花瓷》，学生的感官刺激很强烈，感受颇深，对于中国传统服装有了全新的认识。另外，在介绍民间美术时，要求学生收集一些旧的年画、剪纸、玩具、草编等。尤其在收集草编时，学生亲眼看见棕叶在民间艺人手中折来折去，一会儿一个活灵活现的蝴蝶就出来了，可以说是很有说服力和感染力的教学了。