工艺美术运动的风格范文

导语：如何才能写好一篇工艺美术运动的风格，这就需要搜集整理更多的资料和文献，欢迎阅读由公务员之家整理的十篇范文，供你借鉴。

篇1

关键词：工艺美术运动 现代平面设计 影响

工艺美术运动的艺术成果如今已被广泛地运用于包括现代平面设计在内的很多方面，现代平面设计已经发展了一段时期，每个时期不同的社会内容都会给平面设计带来一次全新的创作灵感，尤其是在媒体信息行业发展迅猛的今天，现代平面设计带来的变化就显得更加重要了。因此，用一句话概括它们三者的关系，就是工艺美术影响着平面设计，平面设计引领着生活走向未来。[1]

一、关于工艺美术运动的探讨

1.工艺美术运动的起源于发展

工艺美术运动最早开始于19世纪后期的英国。当时工业革命运动已经完成，工业大批量化的生产和遗留下来的繁琐的艺术装饰给当时的设计之路带来了很大的不便。当时最大的矛盾就是工业生产的产品过于追求产量和销量，忽视了设计带来的附加价值，而艺术家们却不屑于将艺术设计融入到工业产品当中去，这种矛盾就使得技术与艺术形成了对立的局势，工业产品外形丑陋粗糙不说，艺术家们的创作也只是仅仅以手工业的形式为上流社会服务。在这样的时代背景下，工艺美术运动产生了。这场艺术革命的目的就是要打破现有的局势，追求技术与艺术的完美结合。工艺美术运动中最著名的一个人就是威廉.莫里斯了。作为“工艺美术”的奠基人，他提出了很多突破性的设计思想，他认为，设计的变革可以引领一个新的时代潮流。之后的工艺美术的发展取得了很大的进展，例如，最早的世界博览会就是1851年在伦敦的水晶宫举行的，水晶宫的设计无疑使最具有工艺美术运动特点的标志性建筑了，造型打破以往规则的外形和繁琐华丽的装饰，新材料的应用也体现的淋漓尽致。当时世博会的展品有很大一部分都是工业产品。虽然产品的外形包装依然过于丑陋和呆板，但是相比较之前还是有一定的改变。随着艺术运动影响的加大，工艺美术运动遍及整个欧洲。随之诞生的是新艺术运动。这时的工艺美术运动就逐渐以新艺术的身份继续发展了。[1]

2.工艺美术运动的设计思想和特点概括

工艺美术运动产生了很多的设计思想。不同的艺术家其设计思想也不完全相同，以威廉.莫里斯的主要设计思想为例，首先，他认为艺术的创作最终要服务于人，因此，设计要具有一定的实用性，反对繁琐奢华的维多利利亚装饰风格，追求简约实用主义的设计。其次，他认为技术要与艺术相互融合渗透，而不是两者孤立或对立的存在。强调设计的目标是大众，即艺术设计要有社会色彩，做到大众设计，而非针对上流社会。最后他提出了艺术设计要像大自然学习的观点，观察和吸取大自然的灵感并将其运用到设计创作中去。威廉.莫里斯的设计思想在当时是比较有代表性和指导性的，该设计思想曾一度被作为艺术创作的典范和标准。除了艺术家们的设计思想，工艺美术运动也具有一定的自身特点。在设计风格上，提倡欧洲哥特式风格和其自然风格的艺术设计，反对繁琐，华丽，做作的维多利亚风格和其他各种古典，老旧，传统的复兴风格。在艺术创作方式上，强调以手工业为主，反对大批量的机械化生产。工艺美术中这些特点有可取之处，但是其创作方式实际上也是一种艺术的倒退现象。与艺术家的设计思想存在很大分歧。

二、现代平面设计的兴起，现状以及发展

现代平面设计的发展已不是简单的广告，海报的设计了。平面设计最初的目的就是传递各种商业或非商业信息。其方式就是用一些视觉元素，包括图形和文字把信息传播给大众。简单点来说，平面设计就是用一些特殊的操作手段来处理一些数字化图像的过程。现代平面设计包含很多内容，其中包括海报设计、VI设计、标志设计、字体设计、插画设计、包装设计、网页设计、界面设计、书籍设计等。目前我国的现代平面设计水平已经在逐年提高，发展前景也是很客观，大量从事平面设计专业的优秀人才每年都会给该行业注入新的力量和血液。除此之外，一些平面设计类软件的开发和使用使得平面设计的质量无论是视觉上还是宣传效果上都得到了实质上的提高。可以说，现代平面设计的未来发展前景是十分开阔的，未来要面对的机遇和挑战也是前所未有的。[2]

三、工艺美术运动对现代平面设计的影响

1.对于现代平面设计理论的影响

工艺美术运动产生了很多的设计理论和思想，例如提倡技术与艺术相结合的设计方式，强调针对社会大众的社会化设计，以及主张实用简约的设计风格和设计理念等等。这些内容在今天看来也是具有很大的价值和意义的，尤其对现代平面设计的思想理论产生了深远的影响，甚至很多在工艺美术运动时期提出的创新性的设计理念在今天的平面设计里都得到了发扬和延伸。[2]

2.对于图案元素设计的影响

图案元素在平面设计中是一项非常重要的内容，优秀的图案元素具有能在最短的时间里以最快的速度给人直观传达信息的功能。上述提到的工艺美术运动的代表人物威廉莫里斯在图案设计方面很有自己的一套理论。艺术设计要像大自然学习是他最突出的观点之一。该观点认为从大自然中的花鸟等可以获取艺术创作的灵感，充分采用写实的艺术表现手法，纯净鲜明的色彩表达，简约大方的装饰风格，不同色彩间的搭配关系等都给现代图案设计以很大的参考和借鉴价值。

3.对于书籍字体设计的影响

书籍字体的设计也是一项具有研究价值的项目，威廉.莫里斯的设计理论除了对图案设计提供重要参考依据外，对书籍字体设计业产生了一定的影响。他创造的威廉.莫里斯字体简单易懂，清晰直观，在书籍的排版设计方面，他也提倡注重设计内容与形式的统一的原则，使整体结构整洁大方，具有秩序感，而非杂乱无章。这些设计理论的提出对现代书籍字体的设计与排版提供了指导性的依据，其产生的意义和价值也非常重大。

三、结语

面对一个发展如此迅猛的社会，我们不得不以一个全新的眼光去看待未来的设计。工艺美术运动的思想渗透着设计领域的方方面面，一些经典的设计法则和美学原则无疑也为现代平面设计带来了很多的创作灵感，选择性地继承工艺美术运动中堪称精华的设计理念，并将其合理地运用到现代平面的设计中。除此之外，工艺美术运动中艺术家们的执着与创新精神也值得今天的每一位设计者借鉴和学习。

参考文献：

篇2

英国工艺美术运动的领导者莫里斯倡导用中世纪哥特式风格和自然主义风格来解决维多利亚风格的繁复和大工业生产下产品丑陋的问题，而作为设计实践，不管是他的“红屋”住宅的设计还是家具、地毯、书籍、纺织品的纹样设计都体现了他的设计风格和对自然主义的推崇。工艺美术运动的主要思想恰与东方艺术中“天人合一”的思想不谋而合，自然主义使得东方装饰和东方艺术元素得到借鉴和运用（图1、图2）。“大量的装饰都有东方式的、特别是日本式的平面装饰特征，采用大量卷草、花卉、鸟类等等为装饰动机”[1]，设计作品所呈现出的清新、自然和朴实无华受到了大众的欢迎。除此之外，他还受到了日本木版印刷的影响，采用线条和色彩使装饰图案平面化和风格化，具有浓郁的浪漫色彩。无独有偶，在工艺美术运动影响下形成的各设计行会和很多设计师都从东方艺术中吸取养料，如设计师爱德华•威廉•戈德温，他在各种印刷品上看到了日本风格的家具，并对日本式的风格产生了兴趣，于是将其与英国的文化结合，仿制了许多具有日本家具的直线风格的英国家具。英国工艺美术运动不仅仅在英国本国展开，并且对其他国家也产生了影响。在美国的“工艺美术”运动中，设计师也在设计中采用了东方艺术元素，这些元素不仅仅是平面的具有自然主义风格的纹饰图案，而且具有更细致、更深刻的内容（图3）。美国设计师格林兄弟从结构上采用了日本民间传统建筑的结构特点和模数体系，设计了根堡住宅，从中国明代家具风格中寻找设计灵感，设计出大量具有东方特质的家具。与格林兄弟相同的还有美国著名设计师赖特和古斯塔夫•斯提格利，他们将东方艺术的典雅、朴实、自然和简洁大方运用到建筑、家具和平面设计中，得到世人的认可。在东方艺术中，陶瓷拥有着悠久的历史和重要的地位，“东方各国，特别是陶瓷的故乡中国和陶瓷发展非常突出的日本，对于英国的陶瓷带来了非常大的影响。从当时英国的陶瓷设计上看，可以看出东方陶瓷设计的明显影响，特别是图案、釉色的运用、器型上，东方的影响特别明显” 。[2]

二、 新艺术运动时期的东方艺术元素

在工艺美术运动之后蓬勃兴起的新艺术运动，不受中世纪哥特式风格的局限，热衷于传统装饰风格，更加崇尚自然，热衷于自然曲线的运用。在这样的宗旨下，新艺术运动并未形成统一的设计风格，而其影响力却波及到十几个国家。东方艺术形式特别是日本和中国的工艺美术在新艺术运动中更加明显，“对日本等东方艺术的借鉴、对矫揉造作风格的反对，对于手工业的爱好，对于大工业化的强烈反感，都成为新艺术的基本特征” [3]。法国是新艺术运动的发源地，定居法国巴黎的德国人萨穆尔•宾成立了“新艺术之家”，他个人对日本美术和日本传统手工艺非常入迷，不但专程去日本考察，收购日本工艺美术品，还出版了杂志《日本艺术》专门用于宣传日本艺术和工艺美术。萨穆尔•宾作为一名出版商、贸易商，为东方艺术走入欧洲，影响欧洲的现代设计做好了基垫。这样的情况不仅仅发生在法国，在比利时的新艺术运动中，设计师博维不但设计家具还经营日本进口的陶瓷和工艺品商店“日本之家”，而英国人阿瑟•里柏提在伦敦开设了日本工艺品店，这都为艺术在欧洲的传播起到了重要作用。日本的版画可以说对新艺术运动有着非常大的影响，设计师们从日本版画中学会了平涂的手法，学会了运用留白的设计形式和提炼抽象的纹样。在新艺术运动中，陶瓷作为东方艺术的瑰宝仍影响着新艺术运动，不管是装饰风格还是加工工艺都成为他们学习的内容。日本陶瓷的粗犷和中国陶瓷手工绘制的精细、色彩明快都丰富了设计师的设计实践（图4）。再次，东方艺术在建筑方面也得到体现，比利时的设计师霍塔将东方艺术中植物纹卷曲回旋的形式自由并流畅地运用到室内设计和建筑设计中，既浪漫又具生命力，装饰性强。

更值得一提的是，曾为英国工艺美术运动成员的设计师麦金托什，新艺术运动时期成立了“格拉斯哥四人派”。他对日本浮世绘的绘画方式非常感兴趣，特别是那些简单的直线，经过对这些简单直线的理解和运用，他排列和设计出不同的装饰效果，这使得他对直线有了了解，接受了新艺术运动中所没有的直线表达方式，不但追求横竖直线的构图，还以黑白为主，设计风格不同寻常（图5）。在产品设计上也体现了他的设计风格，采用直线和简单的几何造型，在细节处稍加自然纹饰，这影响了很多后来的设计师，形式上与在德国开展的名为青年派的新艺术运动有着联系，为现代主义的规整几何形式的出现打下了铺垫。

三、 装饰运动时期的东方艺术元素

装饰艺术运动是在新艺术运动之后在法国等国家开展的设计运动，它与欧洲的现代主义运动并行发展。在这场运动中，东方艺术仍然散发着浓郁的香气，各国的运动中当然少不了对陶瓷设计、家具设计以及装饰图案等东方艺术的借鉴和学习（图6、图7）。比如，法国的陶瓷在釉彩方面就深受中国陶瓷的影响。装饰艺术运动时期，中国的漆器工艺也被运用到室内设计和家具设计中，借此传达出华丽、尊贵的效果，“装饰艺术运动对于东方装饰的迷恋，自然导致了对于东方装饰重要手段之一的漆器的模仿和发展”[4]。除此之外，东方艺术元素还被运用在首饰设计、灯具设计等其他方面，“东方人实际上在教西方人如何设计，直接把他们的知识传播给西方世界。”[5]在传统美术和工艺上有着优势地位的东方艺术，在现代设计初期被西方各国家很好地借鉴、运用和融合到设计运动和思潮中，促进了各国现代设计面貌的形成和腾飞。

结语

在现代设计思潮跌宕起伏中，各国总是在当时具备的社会背景下学习和借鉴先进文化及其艺术形式。古代的东方艺术以其美的形式、优良的功能性、良好的质地影响了很多国家的器物设计和平面设计。其实，现代设计中还有很多深受东方艺术影响，运用和融汇东方艺术元素的实例，如后起之秀北欧的现代家具设计等。这说明了深厚的文化底蕴能为现代设计提供养料。而在目前的环境下，西方的工业化及设计理论和实践有着明显的优势，我们一方面要像他们当时运用和吸收东方艺术一样吸取现代设计的成功经验，融合到中国现代设计的发展中，实现“洋为中用”，另一方面，要挖掘自身文化中的精华和特质融入现代设计中，实现“古为今用”，融会贯通下的中国现代设计才能迎头赶上、独树一帜。

注释：

[1]王受之：《世界现代设计史》，中国青年出版社2002年版，第56 页。

[2]王受之：《世界现代设计史》，中国青年出版社2002年版，第60页。

[3]王受之：《世界现代设计史》，中国青年出版社2002年版，第65页。

[4]王受之：《世界现代设计史》，中国青年出版社2002年版，第94页。

篇3

一、未来主义的特点

（一）顺应时展——对工业革命的“推崇”

顺应时代的潮流是艺术运动能够延续和发展的主要原因之一，但文中所说的并不是“水波逐流”的概念。而是能够抓住时代的脉搏，凭借自身的优势结合社会需求，从而拥有鲜明主张的艺术运动。在这里并不是要批判类似于发生在19世纪下半叶英国的工艺美术运动，因为他们所处的时代背景明显是不同的。工艺美术运动起源于在1851年英国伦敦海德公园的水晶宫所举办的第一个世界博览会，当时展览会上的与工业产品及其不搭的“丑陋”设计，引起了当时观看展览的约翰•拉金斯与威廉•莫里斯的注意，在展览结束后的几年里拉金斯一直努力企图通过理论来改变产品装饰，但一直由于缺乏实践的支持在当时并没有引起社会的广泛关注。直到作为工艺美术运动的践行者威廉•莫里斯为自己所设计的婚房——红房子的出现，这才引起社会的广泛关注，由此已引发了轰轰烈烈的工艺美术运动。但是工艺美术运动是在面对工业革命的迅速发展下产生的，当时艺术家对工业产品的产生持有不接受的反对态度，因为他们认为：“工业化进程一方面极大的促进了生产力的提高另一方面也引发了各种社会危机（事业、贫穷、童工等）一些具有民主思想的艺术家将这些社会问题归结于工业和机器”，所以他们对工业产品和工业革命发展持回避态度，并转向中世纪和自然界的设计风格，倡导手工艺产品。工艺美术运动也由于自身的“逆流而上”和自身的缺陷，像威廉•莫里斯所开凯尔姆斯科特出版社一样被淹没在历史的洪流之中，最终被新艺术运动取代。与工艺美术运动不同的是未来主义运动发端于20世纪的艺术思潮，当时人们已经历过第一次工业革命，并且始于19世纪中期的工业革命正在如火如荼的进行中。面对科学与技术结合产生的巨大创造力和生产力，正如未来主义的代表人马里内蒂在其未来主义的宣言中说到：“我们断言一种崭新的美——速度的美——使得世界更加的丰富多彩。一辆跑起来像机关枪一样发出尖利啸叫的汽车，远比萨摩色雷斯的胜利女神更美。”很多的艺术家和知识分子积极响应工业革命和大工业生产，他们赞美机械化生产。除此之外，未来主义运动还是意大利人为了找回原本是整个欧洲效仿对象的历史自信，所开始的一场主张与传统决裂的反传统运动。

（二）自由与反叛意识——强调运动的特质

“艺术史上没有一次运动像意大利未来主义一样，将矛头指向对传统的一切思想观念、文化，表现出极端的反叛意识与行为，亦没有有着反传统的主题、机器时代的元素符号与属于未来主义特有的动荡、眩光、激昂的感情。”这些评论正如1909年2月20日意大利诗人马里内蒂在巴黎《费加罗报》上刊登的首篇《未来主义的创立和宣言》。宣言讴歌现代工业文明、科学技术使传统的时间与空间的观念完全改变，因而主张未来的文艺应当反映现代机器文明、速度、力量和竞争。除此之外，宣言还诅咒一切旧的传统文化，强调现代都市是机器加速的动感世界，认为在枪林弹雨中转动的车轮和一直围绕在我们身边的工业噪音要比希腊的女神还美，主张彻底清除一切博物馆、图书馆和学院，为此他们高喊：“我们要歌颂战争，我们要催毁美术馆、图书馆，我们要在现代的首都歌唱革命，继续不断地燃烧书架，打开运河，淹掉美术馆的圆顶。”未来主义大师的安贝尔多•波菊尼的作品便是意大利未来主义主题的最好阐释，他在《街道进屋》中描绘的空间既然不是让人想要近距离接触和进入的空间，对于画作为观众所带来的舒适、愉悦空间代入感完全的消失。取而代之地是一个高速旋转、滚动的危险“物品”，在一定程度上刺激观者的感官，积极的调动人们的各个神经细胞，让观众随着即将倒塌的房屋及飞奔的马蹄一起体会画中的城市生活。除此之外还是有他的《空间中连续的独特形式》雕塑、《城市在上升》等作品无一不在宣扬作者的特立独行外，还具有未来主义运动的典型特征。由此可见未来主义剑走偏锋，以富有节奏感的运动代替传统艺术的沉思，以赞美机器和速度来凸显题材，以工业革命最为描述主题，倡导创作的自由和反传统的意识主张。

二、未来主义运动影响下的平面设计

（一）未来主义运动下影响下的平面设计特点

未来主义起源于文艺复兴的发源地意大利，他们有着浓厚的理论基础和在文学方面颇有建树的大家。所以对在经历过思想解放、又有理论积累的意大利发端的未来主义来说，它在理论观点的梳理和成型上具有先天优于其他艺术运动。未来主义在初期就形成了有着明显的反传统、倡导现代工业城市的理论指导，例如未来主义运动发起人——意大利诗人、文艺批评家马里内蒂在《费加罗报》发表的《未来主义宣言》，以后又相继发表《未来主义文学宣言》、《未来主义与法西斯主义》《未来主义戏剧宣言》等，一整套的未来主义理论主张。对于艺术评论家来说他们战斗的武器就是手中的笔，战斗的场地就是刊物和书籍，所以马里内蒂并不满足于在仅仅用别人的场地作为战斗的场所，他自己在1913年参与创办未来主义刊物《莱采巴》，并以此作为自己为未来主义奋斗的战场。他们在理论中强调的关于主题思想的阐述更是影响了20世纪其他文艺思潮产生了影响，包括艺术装饰、漩涡主义画派、构成主义和超现实主义、平面设计等，其中影响较大的是现代平面设计。现代设计和现代设计教育的重要奠基人之一、著名设计理论和设计史专家王受之教授在其《世界平面设计史》中曾谈到：“现代主义中未来派、达达派和超现实主义、（荷兰）风格派、至上主义、俄国构成主义，在这个世纪直接影响了视觉传达的造型语言和视觉传达。”其中的未来派也就是现在文中谈到的未来主义。它在平面设计中的主要影响就是自由版式和自由字体的运用，未来主义下的平面设计强调无政府主义式的、反常规设计。在马里内蒂《未来主义与法西斯主义》文中，它的版式设计和文字便是未来主义下的平面设计表现特征的典型代表。

（二）未来主义运动对平面设计构成成元素的影响

在现代平面设计之前的招贴设计的基本构成元素图形、文字等一些基本的元素，并且它们的作用基本上是记录储存人们思想意识、历史变迁的一些具有简单的社会功能。等到发展到近代的时候，随着工业革命的产生和人们经济水平的提高，它从原本的艺术体系绘画、雕塑中独立出来，成为一门独立的学科，设计一词开始产生，平面设计一次也开始被人们广泛应用，并且拥有很多明确的划分。就现在而言，平面设计是把平面上的几个基本元素包括图形、文字、字体、插图、色彩标志登等符合视觉传达目的的方式组合起来，是指成为批量生产的印刷品，达到准确的视觉传达功能目的，同时给观众设计需要达到的心理满足。而把未来主义对平面设计的影响可以说是涉及平面视觉构成元素——字体、插图、色彩、图形、版面以及平面广告的视觉流程等具体的视觉要素的方方面面，而具体的把未来主义运动在平面设计中运用的践行者就是佛塔那多•德皮罗，他把未来主义的艺术纲领中强调的“共时性”彻底的践行到他的商业广告设计中。

三、总结

通过未来主义运动与工艺美术运动的对比基础上，所刨析出的未来主义的特点可见，能够直击人心、勇敢的介入当下并反应时代特点的美术运动总是能在艺术式中占据有利的发展位置，并且在其他领域也能产生深远影响。由于未来主义强调运动和自由的主张，所以通过对在未来主义影响下的平面设计特点以及平面设计的构成元素，可以发现未来主义对平面设计的影响主要体现在平面设计中的自由版式和字体方面。综上所诉，我们可以通过对未来主义对当时平面设计影响，来系统地了解当时平面设计风格、特点转变的原因，由此补充前人在未来主义与现代平面设计方面的确实。

作者:张培源 单位:山东工艺美术学院

参考文献：

[1]张乃沃.中世纪建筑艺术与工艺美术运动的家具设计.[J].装饰,2004:5

[2]马勇建.现代主义20讲[M].上海社会科学出版社,2005

[3]钱江.绘画传统的决裂与颠覆：未来主义与达达主义.[J].艺术评论,2013:8

[4]余珊珊译.未来主义的基础宣言.吉林美术出版社,2000

篇4

一、传统工艺美术的物质性与非物质性

俗话说：“十里不同音，百里不同俗。”不同的地域不仅仅拥有不同的物产，还拥有迥然不同的文化，这些文化上的差异更是造就了工艺美术作品的文化地域性，经过长时间的积淀，文化地域性成为工艺美术作品中最珍贵的价值，也是一地一隅最明显的文化符号，这种无形的价值不是一件工艺美术作品具有多大的商业价值能够涵盖的，它已经成为文化的有机组成部分，是全世界都应珍视的瑰宝，2003年10月联合国教科文组织在巴黎通过了《Intangibleculture》（保护非物质文化遗产公约），在公约中，非物质文化遗产是指：“被各群体，团体，有时为个人视为其文化遗产的各种实践、表演、表现形式、知识和技能，和其有关的工具、实物、工艺品和文化场所。各个群体和团体随着其所处环境、与自然界的相互关系和历史条件的变化不断使这种代代相传的非物质文化遗产得到创新，同时使他们具有一种认同感和历史感，从而促进了文化多样性和人类的创造力。在本公约中，只考虑符合现有的国际人权文件，各群体，团体和个人之间相互尊重的需要和顺应可持续发展的非物质文化遗产。”公约中提及的非物质文化遗产，是现存的以人为存在基础的传统文化形式，是人类保持文化多样性的重要方式，非物质文化遗产的传承是文化延续、发展、创新的主要形式，既保持了文化传承的统一性，又通过发展和创新实现了文化的连续性和多样性，是非常重要的，而我国的传统工艺美术正是秉承这一原则发生和发展的，非物质性的提出也再一次提醒我们传统文化传承和发展的重要性。传统工艺美术是文化的载体，具有地域性符号价值，不同地域根据各自不同的气候条件产出不同的动植物材料，这些材料天然的成为工艺美术的制作基材，也同时将地域性赋予了工艺美术品，这是材料地域性；传统工艺美术的物质性是指以一定的制作材料为基础，依靠材料本身的性状和工艺特性，通过一定的工艺手段完成工艺美术品的制作过程，如陶瓷艺术依靠陶土和釉料配合经过高温完成陶瓷制品，而传统牙雕以象牙和犀角等原材料为基础，通过材料本身的可塑性和精湛的技艺手段配合完成作品；所以工艺材料，工艺手段和最终的工艺美术品都具有物质性，这种物质性使工艺美术品成为天然的商品，而产品所具有的流通性是创造价值的最主要手段，也是工艺美术本身能能够实现价值的最主要方式，工艺美术品的市场问题也是当代工艺美术所面临的最大问题，直接影响工艺美术的发展方向，也就是说，工艺美术品做什么？怎么做？卖给谁？怎么卖？都将是我们必须思考的问题。

二、传统工艺与工业化生产的矛盾

十八世纪六十年代的工业革命源于英格兰中部地区，是新兴资本主义工业化从工场手工业向密集型机器大工业过渡的阶段。工业革命以机器代替人力，用大型工厂化生产取代个体手工业作坊手工生产的一场划时代的生产与科技革命。工业标准化使工厂生产的产品整齐划一，完全一模一样，产品与产品之间没有任何的差异化，这也同时要求工人在生产加工的时候，不得根据个人想法或对产品的任何细节进行更改，工人在生产中的主观能动性就完全丧失了。由于工业革命初期，厂商并未注意产品设计方面出现的诸多问题，致使当时大量的工业产品外形丑陋，结构不合理，功能不完善，这诸多的问题也工艺美术运动所诟病的主要原因。工艺美术运动的创始人约翰•拉斯金和威廉•莫里斯，均希望通过推动工艺美术运动发挥匠人们的设计能动性，将设计的多样性因人而异、有的放矢的实现在产品上。工艺美术运动的初衷是好的，但是我们也应该直视工业革命时期全球暴增的人口数量和潜在的巨大需求，大量常规手工作坊的消失是历史的必然，约翰•拉斯金和威廉•莫里斯在全世界范围内推广工艺美术运动50年，也确实影响了一个时代的设计师，但是最终他们的设计作品并没有大行其道，像他们所希望的那样进入千家万户，而是做为工艺美术运动中优秀的作品进入设计博物馆，究其原因，并非是他们的设计作品水平不够，也不是因为他们的设计理念不对，他们最终还是败在了产品的价格上；众所周知，产品的售价是影响产品销售的最主要原因之一，手工业作坊无疑拉高了单个产品的制作成本，而工厂的产品恰恰在产品价格方面占尽优势，这使得人们更愿意选择价廉的产品，在这场半个世纪的争论中，到底是工厂还是手工作坊的产品好，不同立场的人见仁见智。综合来看，在当代这个问题已经得到解决，工厂化的生产已经在全力解决设计问题，产品没有设计就没有市场，设计已经被消费推上了有史以来最高的地位，而手工业生产作坊除了一部分彻底消失外，一部分也转向更加个性化、小众化的发展方向，取得了不俗的成绩。从中我们可以清楚地看到，工业化与传统工艺和手工作坊并非水火不容，应该取长补短，发挥工厂标准化、批量化的优势，注重设计，考虑不同人群的不同需要，让工艺美术与工业化共同发展，为生产力的解放和人类生活品质的提高共同努力。

三、审美意趣的变化与工艺美术的传承

篇5

西方手工艺术运动起源于19世纪后半叶英国的工艺美术运动。运动的理论指导是约翰·拉斯金（john ruskin），运动的主要成员是威廉·莫里斯（william morris）、察尔斯·马金托什（charles rennie mackiniosh）、c·f·a·沃塞（charles francisannesley voysey）。这些成员看到工业革命后由于机械的滥用而造成对生活品质和工艺文化的破坏，倡导回归自然，强调材料使用的真实性和手工制作的重要性本文由收集整理，反对使用机械，从而形成了最早的西方手工艺术运动。该运动主张真正的艺术必须是美观而又实用的。他们看到，艺术家以及匠师的天下已经被工业化搞到了山穷水尽的地步，他们要为恢复某种质朴、美观以及技艺的标准而战斗。该运动的诞生与影响反映了人们在第一次工业革命后对于工业生产的疑虑，进而产生出向自然和中世纪手工艺制品回归的心理。虽然从现在看来，这场运动对于机械的排斥似乎比较盲目，也没有一个比较成功的结果，但是其为后来的当代手工艺术运动发展开启了源头。

西方手工艺术运动当代主导思想总的来说可以概括为“工艺即艺术”一词，这个名词指涉后现代时期工艺材料被提升为艺术，以及某些设计家的地位晋升为艺术家。作为西方当代艺术多元化的一支，西方当代手工艺运动是在艺术与设计的双重背景下发展起来。在艺术发展方面，20世纪当代艺术进一步发展，1917年杜尚的小便池和自行车轮等现成品雕塑在挑战艺术概念的同时，也将艺术发展引向观念艺术的方向，这就使得艺术脱离工艺与材料的束缚而与手工艺渐行渐远。在设计发展方面，随着包豪斯的进一步发展，工业设计的威望与日俱增，这使得设计与手工技艺的观念也进一步分离。这样一个设计和艺术与手工艺分离的情景并不是手工艺衰落的表征，而是艺术与手工艺运动再次兴起的前奏。随着人类的生活环境被工业生产的庸俗工业复制品所占据和破坏，概念艺术以来的艺术面貌越发地让观众感觉到艺术的自大与空洞。这种情形下，在上个世纪50年代的美国，人们对于实际技巧塑造视觉形象的渴望促成了艺术与手工艺运动的再次兴起。这种脱离功能性的创作最早出现于20世纪50年代美国加州的陶艺家，进而启发了60与70年代从事玻璃与金属的创作者。

随着经济全球化时代的到来，人类的文化成果也已前所未有的速度在不同文化区域传递着。上世纪70年代末80年代初中国开始改革开放，西方当代艺术与手工艺运动作为多元化艺术现象的一部分传到了中国。

中国的手工艺的复兴就同时具备“工艺美术运动”和“西方当代手工艺术运动”的特征。就是说中国当代手工艺的复兴一方面反对工业化的粗制滥造，另一方面反对当代艺术的空洞以及现代工业设计的大批量复制。笔者认为只有从中国具体问题着手才有可能找到解决问题的方式。同时这些问题也构成了中国当代手工艺复兴的起点。

中国当代手工艺的复兴主要面临两个问题。首先，手工艺的市场逐渐萎缩。之后中国打开国门，大批量价格低廉的工业机械化生产的生活用品涌入中国，实用手工艺也迅速失去了其原有的市场。另一方面，随着的结束，手工艺也失去了封建皇室贵族对于手工艺的需求。就这样手工艺的市场逐渐缩小。只有高档手工艺品以仿古的形式一直延续到当代。

其次、手工艺的创作观念落后于时代，一直延续清代风格。诸葛铠先生归纳了三个原因我认为比较贴切。一是以父子师徒世代相继的传承方式，使技艺和风格逐渐走向程式化，一时难以扭转。二是近代文化转型的不平衡性，使传统手工艺无法迅速与时代靠拢。（这种不平衡性就是近代社会上出现的古今混杂、中西并举的现象）。三是高居于现实生活之上的高档工艺品，本来就是用以升值的藏品和玩物，以仿古为上品，自然可以无视社会变革。

中国近代手工艺所面临的问题逐步发展延续的同时，中国当代手工艺复兴的条件也在逐渐形成，

首先，中国当代手工艺的复兴离不开近代以来工业的持续发展。笔者认为工业与手工艺的关系并不是像第一次艺术与手工艺运动所宣扬的那样对立，也不似现代手工艺工厂生产所“标明”的统一。二者应该对立的部分是手工艺中体现手工语言的那一部分，这一部分是制作者的思想感情通过手工工艺直接作用于材料，而形成机械制品无法表达的那一部分内容。

其次，由于工业的迅速发展，在中国也形成了人性的回归带来的手工艺需求。自上世纪80年代初中期开始，人们在吃穿的基本需求得到初步满足之后，消费需求开始转向了用的领域。随着人们对于生活质量要求的不断提高，在工业社会内部造就了一大批厌恶工业制品的手工艺簇拥者。

第三个条件是艺术多元化，打破了人们思想上的限制，

艺术表现形式开始逐渐丰富起来，以此为背景，新工艺观念开始兴起。在上个世纪70年代末中国的改革开放正式开始的时候，也正是西方70年代的“多元主义复兴之时，它助长了后现代主义自身树冠状结构的蓬勃分杈，它包括：贫穷艺术、观念艺术、工艺即艺术、地景艺术等等”的时期，各种艺术观念也从此传入中国。此后，懂得历史且善于反思的中国人一定比较容易理解“多元”的意义，不再教条地把写实主义作为评价艺术的标准。人们对于艺术也更加宽容，这种思想方面的解放为当代艺术形式的探索奠定了基础。

第四、中国传统工艺美术理论研究逐渐展开并取得了一些成果。笔者认为张道一先生“工艺美术综合之美”的提出是针对中国工艺美术历史研究中的纯艺术和纯设计倾向开出的一剂良药，从而把工艺美术概念放在学术研究中比较正确的位置。

第五、现代工艺教育为中国手工艺的复兴提供了新的基础。就在中国手工艺复兴条件逐渐形成与完善的同时，当代工艺美术创作实践与教学的探索也在逐步开展。在工艺即艺术的理念传入中国之后，高等艺术院校成为新观念的传播者，而陶艺成为中国当代手工艺术的先锋，就像白明说的“中国现代陶艺的发展严格来说是起源于70年代末和80年代初，中央工艺美院、景德镇陶瓷学院及广东陶瓷产区等院校和地区是这种风格的最早实践者和推动者”。这种新艺术观念首先在陶艺领域开始，笔者认为其原因应该有两个，首先，陶艺在中国具有雄厚的文化底蕴和工艺基础。其次，陶瓷工艺是传统工艺美术中相对比较容易上手，作品生成效率比较高的一种，从而进行艺术表达时也更直接。

篇6

在当代，我们对设计的看法逐渐趋于相同：设计的终极目的就是改善环境、工具以及人自身。这么一种认同感使我们对设计学的任务有了新的认识。使设计学研究必须从传统的单纯对设计师传统研究和设计宣言的研究中分离出来，给予其研究对象的经济特质、意识形态特质、技术特质和社会特质以应有的重视。正是由于这样一种情形，才出现了令人感兴趣的景象;对当代设计学施加影响的诸多观念，都不是直接来自设计领域。由此可见，设计学研究是一个开放的系统，除了从自己的母学科美术学那里继承了一套较完善的体系之外，它还要广泛地从那些相关的学科，如哲学、经济学、社会学、心理学那里获得启发。这便是当今设计学研究的现状。而中西传统文化对于现代设计影响也起着很深远的意义。

我们追随人类的历史足迹，古埃及文化、古希腊文化、古罗马文化、近代欧洲和美国文化，中华文化都对现代设计产生了不可忽视的作用。我们常说的文化，其本身就具有历史的连续性，而社会物质生产发展的历史连续性，正是文化发展历史连续性的基础。所以，正如本书导言中所说的人类至今仍然生活在传统文化构筑的世界里。这一点毋庸质疑，无论是文化上的传统主义者，还是反传统主义者，他们讨论的对象本身就是传统文化。传统文化是一种客观存在，是历史前进中的积淀，它为人类历史前进积蓄着力量，提供着营养。所以，它对人类创造的现代的和未来的文明，都必然产生不可否认的巨大影响。

英国工艺美术运动，工艺美术运动是起源于英国19 世纪下半叶的一场设计运动，其起因是对家具、室内产品、建筑的工业批量生产所造成的设计水准下降的局面，据比较一致的理解。这场运动的理论指导是作家约翰拉斯金， 而运动的主要人物则是艺术家、诗人威廉莫里斯。他们主张回溯到中世纪的传统，同时也受到刚刚引入欧洲的日本艺术的影响，他们的目的是诚实的艺术，主要是回复手工艺传统。他们的设计主要集中在首饰、书籍装帧、纺织品、墙纸、家具和其他的用品上。他们反对机器美学，主张为少数人设计少数的产品，所谓的the work of a few 。

包豪斯是1919 年在德国成立的一所设计学院， 也是世界上第一所完全为发展设计教育而建立的学院。这所由德国著名建筑家、设计理论家沃尔特格罗佩斯创建的学院，通过10 年多年的努力，特别是荷兰风格派、苏联构成主义运动的成果，加以发展和完善，成为集欧洲现代主义设计运动大成的中心，它把欧洲的现代主义设计运动推到一个空前的高度。虽然这所学院在1933 年4 月份被纳粹政府强行关闭了，但是，它对于现代设计教育的影响却是巨大的，难以估量的。中西方的文化交叉对于现代设计产生的效果和影响是不同的，但意义都是极其深远的。

从新石器时代晚期，制陶的技术已经发展到很高的水平，能够制作出非常优美的彩陶。所谓彩陶，是指一种绘有黑色、红色的装饰花纹的红褐色或棕黄色的陶器。这个时期的文化，称之为彩陶文化。因为彩陶最早在河南縄池仰韶村发现，所以也称仰韶文化。彩陶的造型优美，装饰精巧，充分体现了我们劳动祖先伟大的艺术创造力。汉代是铜灯制作的鼎盛时期，灯的应用已很普遍。汉代铜灯的形式分为好几类，分别为：盘灯、虹管灯、筒灯、为主。其中最有名的要数虹管灯，虹管灯也称釭。灯体有虹管，灯座可以盛水，利用虹管吸收灯烟送入灯座，是溶于水中，这是利用科学原理以防止空气污染。著名的长信宫灯，塑造出一优美的仕女形象，左手托灯，右手提灯罩，以手袖为虹管，处理的十分自然。

汉代的铜灯造型丰富多彩，灯体优美。既适应实用的要求，也符合科学的原理，即可作灯，又可作为室内陈设品。做到了工艺品的多用化，达到了实用和美观的统一，体现了卓越的设计意匠和艺术构思，汉代的传统文化赋予了汉代铜灯不一样的色彩。

唐代工艺美术发展的鼎盛时期，工艺美术的生产，几乎达到了我国封建社会时期的最高点。其原因主要可以归纳为以下几个方面? 经济的高度发展? 自信和开放的政策? 中外工艺美术生产的交流? 工艺美术生产的传统发展。一种传统文化可以传达一种思想，也因此可以反映出一种特色：人的意识的解放、装饰的生活情趣化、多种装饰技法的应用。

明代家具的艺术特色，可以用4 个字来概括，即简、厚、精、雅。简，是指它造型洗练，不繁琐、不堆砌，落落大方。厚，是指它形象浑厚，具有庄穆、质朴的效果。精，是指它做工精巧，一线一面，屈指转折，严谨准确，一丝不苟。雅，是指它风格典雅，令人耐看，不落俗套，具有很高的艺术格调。

篇7

1959年，上海市工艺美术学校成立。一种既强调工学兼济、学以致用，又不同于教会办学的新时代工艺美术职业教育范式在上海破土萌芽。土山湾工艺院木工部学徒出身的海派黄杨木雕创始人徐宝庆成为学校首届黄杨木雕班的专业带头人。徐宝庆带徒授艺，工艺美校黄杨木雕班的学生，如汤兆基、刘巽发、毛关福等，迅速成长为上海工艺美术领域的中流砥柱。时光荏苒，工艺美校逐渐壮大，数十年间培养的各类工艺美术人才济济；至2003年，工艺美校并入上海工艺美术职业学院，上海的工艺美术职业教育从此以中等职业教育和高等职业教育双重模式展开。

2010年，上海土山湾博物馆落成开馆。2010年，上海工艺美术职业学院校庆50周年。

这一年，在上海徐家汇蒲汇塘路方圆一公里左右的土地上，当年的土山湾孤儿工艺院院舍、新落成的上海土山湾博物馆、有着50年工艺美术职业教育经历的上海工艺美术职业学院（徐汇分院）不期然间历史性聚首。

近150年前，土山湾工艺院起步，将中国上海的工艺美术职业教育及其成果首次推向世界；50年前，上海市工艺美术学校成立，为海派工艺美术的世界市场输送了无数俊才杰作。2010年，在上海创意产业方兴未艾的当下，回望历史，作为国家高职高专示范院校的上海工艺美术职业学院，对海派工艺美术的未来，对中国工艺美术职业教育的发展，便有了无法推卸的责任和担当。

本期档案馆栏目特邀上海土山湾博物馆常务副馆长吴仁宏先生撰文介绍土山湾孤儿工艺院。

――时值土山湾孤儿工艺院创办一个半世纪；时值上海土山湾博物馆开馆；时值上海工艺美术职业学院校庆50周年。

随着土山湾中国牌楼的回归和土山湾博物馆的对外开放，土山湾这个似乎已被上海人淡忘的地方再次引起人们的关注。土山湾孤儿院是天主教为传教而创办的慈善机构，然而客观上却为中西文化的交流书写了浓墨重彩的一笔。诚如徐悲鸿在《新艺术运动的回顾与前瞻》一文中所说：“中西文化之沟通，该处曾有及其珍贵之贡献”。

土山湾孤儿院成立于1864年，由于重视工艺，亦称土山湾孤儿工艺院。孤儿院所收孤儿，年龄一般都在六至十岁。其中也有不少是有父母的，但因家境贫寒，托养在此。孤儿院院规极为严格，入院以后，家中就丧失监护权利。《艺院规条》规定：“应受师管教，如有违拗，任凭训责严儆。倘有不测，听从天主上命，家中不得枝节生言”。入院时，由保送人在“送徒习艺据”上画押，艺徒若有出逃，须由保送人或中证人赔偿饭费。孤儿若夭折，院方给薄皮棺材一口，埋葬在三角地近边称作“小圣地”的墓地上。

院内设有“慈云小学”，学制为沿袭至今的六年制，初小四年，高小二年。孤儿高小毕业后，再上两年的训练班，为的是使“孤儿们于学业上具有初中程度，工艺上获得灵巧之手腕”。训练班半工半读，上午七时至九时，上国语、代数、物理、化学、地理、外国语等课程；下午一时半至三时，上修身、打样等课程。每日除上课外，其余时间在工艺训练所实习雕刻、木工、铁工、机械等工艺。每星期公布一次学生的学习成绩，优则奖励，劣则责罚。两年初步训练后，管理修士视各孤儿之天赋才能及其性情爱好，分派至一工场，学习专门技艺。每日九小时工作外，晚上尚有夜课，“使所习学业不致遗忘”。学徒肄业以六年为限，毕业后，或留院工作，或外出谋生，悉听自便。

孤儿院实际上实行的是职业教育的理念和管理方法。为培养孤儿长大后的谋生能力和满足江南地区宗教用品需求，院内办有各种工场，引进并传授各类西方技艺。工场的划分，各个时期略有不同，曾分为“皮匠作”、“木匠作”、“白铁作”、“铜匠作”、“风琴作”、“图画间”、“照相部”等。到二十世纪四十年代时分为五大部，即图画部、印刷部、发行部、木器部、铜器部。每部有一位富有经验的修士担任管理。凡上课、游戏、饮食、休息，均有规定时间。其中在中西文化交流方面贡献最大也最具影响力的是图画部、印刷部和木工部。

图画部对外称土山湾画馆，其前身是清咸丰元年（1851年），西班牙传教士范廷佐在徐家汇老堂内创办的画室。土山湾画馆，沿用西方正规的美术教育方法和体系。教学采用工徒制，由中外教士传授擦笔画、木炭画、铅笔画、钢笔画、水彩画、油画等西洋画技法。课堂作业大多用范本临摹，最初是画圣像，以后以临摹景色、人物、花卉为主。有时也临摹自文艺复兴以来的欧洲名画出售。除了专业课和技法训练外，孤儿们还要学习数学、历史、宗教等与绘画相关的知识。一年考试两次，前三名有奖赏鼓励，颁奖时各位神父、修士均会到场，十分隆重。学徒期间有少许津贴可拿，满师后则可按件享受薪酬。画馆十分重视基础训练，注意在绘制和雕塑的实际制作中培养学生。这种西画的传习，构成了土山湾画馆最明显的专业特色。

土山湾画馆在保持西洋绘画技法同时，还融合中国绘画的笔墨元素，形成了土山湾绘画的独特风格。在1910年南京举办的南洋劝业会上，土山湾画馆得到的奖牌、奖状就达十九件之多。巨幅油画《徐光启和利马窦谈道图》，采用西洋油画的色彩结合中国工笔画的笔法和格调绘制，轰动国际美术界，被当作稀世珍品，后被西欧一家博物馆高价收藏。（土山湾博物馆现陈列有李慕白先生的临摹本），油画人物和真人一般大小，形象栩栩如生。

土山湾画馆是最早向中国人系统传授西洋画技艺的美术机构，培养和造就了我国近代一大批工艺美术人才，如著名画家任伯年、徐悲鸿、刘海粟，美术教育家周湘、张聿光、水彩画家徐咏清以及雕塑家张充仁，工艺美术大师徐宝庆等。被徐悲鸿誉为“中国西洋画之摇篮”。

印刷部对外称土山湾印书馆，创办于清同治六年（1867），前身为蔡家湾印书馆。土山湾印书馆是最先把石印、珂罗版印刷、照相铜锌版技术引入中国的印刷出版机构，极大地促进了中国近代印刷业的发展。

篇8

这是一套21块大小不等的木雕，其中有4块作品署名，3块为体育运动题材，是东阳木雕一代宗师郭宝珊的绝笔之作。郭宝珊，艺名宝珊，名金局，又名金轴，清末民初出生于东阳木雕世家，父亲是同光年间东阳著名的木雕艺人郭风熙。据民间工艺史料记载，郭宝珊除木雕技艺出类拔萃外，还工于米塑，善用芝麻、糯米、大豆等谷粒制作人物花鸟，善绘画，长于工笔花鸟、写意人物，最拿手的是金鸡牡丹。1915年，他精心雕刻一组多层叠雕八仙，聚拢后不到一只手掌大小，常藏于长衫口袋间赏玩，后来，这件作品在浙江省展览会上获奖，喜报悬于郭氏宗祠上。他的作品极富创造性，能将传统绘画中的结构融合于木雕艺术中，开创了清末民初东阳木雕的“画工体”风格，影响至今。其授徒言传身教，毫无保留，一笔一刀，一丝不苟，他的徒弟杜云松擅长人物肖像雕刻，能触类旁通，人称“木雕皇帝”，被同行誉为木雕革新派的开山祖师，身后入选“全国工艺美术名艺人”名册，列第六位。此后，中国工艺美术大师楼水明和方可成又得杜云松真传，特别是楼水明在同行比赛中名列第三，后来被尊称为“木雕状元”。而楼水明的高徒中国工艺美术大师陆光正等几位现代木雕大师也或多或少受到过郭宝珊的影响，郭宝珊称得上是现代东阳木雕的奠基人，东阳木雕的一代宗师。

现介绍这套木雕中的4块雕板，这4块雕板各长3l厘米，宽16厘米。木雕“运动会图”(图1)，1919年雕成，极有可能是目前发现的最早反映我国现代运动会的木雕。该图为浅浮雕，刀法流畅，深咖啡色打底，人物脸部为棕黄色。画面人物7个，均戴盖帽，穿学生装，老者右手抱红旗，旗上书“运动会”，左手捋八字须，微笑颔首。旁一人似为裁判，一手扶篱笆，一手授“捷足先得”的小旗子给跑在最前面的学生。全图雕刻手法虽简单，但人物十分生动。与同在民初出版的《春季始业新国文》第4册(商务印书馆出版)第49课运动内容大致相同(图2)。这项运动名为夺旗竞走，画地为大圈，夹植短杆，围以长绳。旁竖红旗，5人并立，先生执旗立于侧，举手一挥，5人竞走，循圈3周，先至者夺红旗而返。

组件中有反映浙中古老民俗的童戏图(图3)，图中儿童神态各异，兴趣盎然。这是以儿童运动来表示祝福、祝寿之意，隐喻子孙昌盛。

其余两块雕板刻有作品年代(图4、5)。它们分别是“岁在屠维协洽柳(榴)月”和“民国八年朱明节(即夏至节)”。落款一为“宝珊作”，一为“郭宝珊刻”。“屠维协治”为古代纪年法，即己未年，也就是公元1919年，而吴宁(吴宁为东阳旧称)郭宝珊(1871～1919年)正好是在这一年去世的。由此推断，这些雕板是一代木雕宗师的绝笔。郭宝珊一身高技，不慕荣华，不是精品不出手，其留世作品甚少，署名作品必为精心之作，是东阳木雕中不可多得的宝物。同时要说明的是，解放前，木雕师傅身份地位低下，又多缺少文化，一般作品不会署名，而这批雕板中有雕刻者的署名，非常难得。推测其署名原因可能有三：一是郭宝珊以书画格式融入雕刻技艺，显示了他的多才多艺和工艺创新；二是民国4年他在浙江展览会上获奖后，名气已经非常大，其品牌意识提高，作品署名代表品位和价值；第三，其中“亦园主人清鉴”的题款显然有文人画士之风，作者力图在“亦园主人”面前展现自己的艺术才华，争取艺术成就上的同等地位。

据考，中国最早的校际运动会是光绪二十五年(1899年)在天津北洋大学由该校总办王少泉和总教习丁嘉立(英国人)倡议举办的，当时邀请水师学堂、电报学堂、武备学堂等校参加。主要项目为游戏、田径等，带有军事体育特色。光绪三十三年，江南80多所学校在南京联合举办运动会，被称为“宁垣学界第一次联合运动会”，又称“江南第一次联合运动会”。这些以“强身健体，振兴中华”为宗旨的体育运动得到了时任总理各国事务衙门章京的吴品珩的赞同和支持。“亦园”(也作逸园)主人吴品珩(1857～1928年)，东阳人，清末进士，历任总理各国事务衙门章京、安徽按察使、布政使等职，后曾任浙江民政长、护理浙江巡按使，1916年回乡，书法、绘画名重于时。在《亦园日记》(图6)中就有关于光绪三十二年旅京的东阳、义乌籍学子举办运动会的记载：“二月初一，晴，午后以东义学社开运动会，即在屋后坦地搭棚款待来宾，约黄子执往观，申回寓。”同一天的日记中，吴品珩记述了几个儿女身患重病，而在这种情况下他仍抽身前去参加运动会，可见其对体育运动的重视。所以，木雕大师请他“清鉴”的作品中出现运动会场景也就不足为怪了。

篇9

“应该讲我们是没法（凭空）创造所谓的现代文化与现代文明的。我们只能在文化文明这条延长线上继续完成着我们人类应该走的路。从这个意义上讲，没有人能超越，也没有人能把自己放在这个时代之外来看待这个时代。”1——黑川雅之（日）

1原始社会的平民设计

追溯设计的起源，我们通常会想到从远古先民日常生活所用的石器、木器、陶器中寻找。设计是人的活动，与人的生活息息相关。“设计产生于原始社会时期人类对石器的有意识、有目的的加工制作2”。可以说，只要打上人类思想烙印的东西都是设计过的。

原始社会中，人们集体劳作，共同享受劳动成果，设计器物也是共用的。由于生产力水平低，人们改造自然的能力有限，设计能力更多地体现在人的手工制作能力。原始社会的设计是属于社会大多数人的设计，是大众化的、平民化的。

2奴隶社会、封建社会的平民设计

阶级社会中，社会的话语权掌握在少数统治者手里，他们享有一切社会活动的优先权。阶级社会的设计行为主要是为宫廷权贵、上层阶级服务的，先满足了少数人的需求之后，才是人民大众的。一方面是由于生产力低，人们生活水平不高，只有在满足第一需求“生存”的情况下，才可能有精神方面的更高要求；另一方面统治阶级掌握社会的权力财富，在不断满足物质需求的同时，更多的是追求享乐、炫耀等精神需求。统治者锦衣玉食大修宫殿使得设计行为得以完成实现，统治阶级是当时的设计对象，所以等级社会的设计是为少数人服务的，体现统治阶级的利益，是阶级统治的工具，是不平等的设计，非平民的设计。

在中国历史上从殷周时期就存在民为邦本的治国思想，但这些只是为了兴国即维护统治秩序，“并不是给民以人格尊严和监督统治者政治的权利”3，并不是让民众享有设计服务的权利。“重民只是手段，而不是目的4”。“哲学意义上的美学、政治意义上的传播和实用意义上的设计是等价的5”。

“古往今来的经典建筑、家具、平面设计、服装等等，其实都不是大众享有的，而是为权贵的。现代主义的一个核心内容就是要改变设计为权贵的这种数千年的历史，而是企图让设计为大众服务6”。

工业革命以前，“18世纪的设计活动主要是基于手工业为中心的活动，并且设计者和制作者往往是同一人，并没有精细的职业分工。而设计服务的对象，也仅仅是权贵和上层贵族阶级，对于平民大众并没有设计可言7”。

3工业革命以后的平民设计

著名的英国“工艺美术”运动的理论指导人约翰·拉斯金（John·Ruskin）认为：“艺术家已经脱离了日常生活，只是沉醉在古希腊和意大利的迷梦之中，这种只能被少数人理解，为少数人感动，而不能让人民大众了解的艺术有什么用呢？真正的艺术必须是为人民创作的，如果作者和使用者对某件作品不能有共鸣，并且都喜欢它，那么这件作品即使是天上的神品也罢，实质上只是一件十分无聊的东西8”。

在工业革命时期，由于蒸汽机的发明，动力问题得到解决，各种发明创造层出不穷。人们渴望生活水平的提高，而这些是以各种物质条件为基础的，同时也就扩大了对各种新事物的需要。为了满足这种需要，在当时条件下，只有大规模的批量生产，这样才能真正做到拉斯金所主张的“设计要为人民大众”。

由此看来，这应该是最早的设计以“民”为本的观点，也最早回答了“设计为谁服务”这个问题。“作为最早期的社会主义者，拉斯金的设计理论具有强烈的民主和社会主义的色彩。他强调设计的民主特性，强调设计为大众服务，反对精英主义设计。他说：以往的美术都被贵族的利己主义所控制，其范围从来没有扩大过，从来不去使群众得到快乐，去利于他们。与其生产豪华的产品，倒不如做些实实在在的产品为好9”。

众所周知，英国“工艺美术”运动的另一位代表人物威廉·莫里斯在建成红屋后，自己动手设计了墙纸、地毯、餐具、灯具、家具等家居用品到室内，风格统一，引起设计界广泛的兴趣与称颂，使他感到“社会上对于好的设计、为大众的设计的广泛需求，他希望能够为大众提供设计服务，为社会提供真正的好的设计，改变设计中流行的矫揉造作方式，反对维多利亚风格的垄断，也抵御来势汹汹的工业化风格10”。

然而这场轰轰烈烈的工艺美术运动却充满了矛盾，主张“设计要为人民大众”，又反对标准化、批量化生产；主张“艺术要与技术相结合”、“与工业相结合”，又强调手工技术和手工业；主张“美术家要从事产品设计”，又反对“纯艺术”。拉斯金、莫里斯所倡导的“工艺美术运动”的最可贵之处是在设计理念上的一些新的观点——“设计要为人民大众”、“设计要与工业结合”、“美术要与技术结合”、“美术家要参与设计”、“师从自然”、“反对纯艺术”等。工艺美术运动处在农业文明时期与工业文明时期的过渡阶段，在设计理念上是属于工业文明时期的，在设计实践上是属于农业文明时期的。也就是在理念上是本着为“民”设计，然而实践却是相反的。

4当代的平民设计

“如果说手工制作是农业文明时期的设计行为，那么现代设计才是工业文明时期的设计行为。”11

既然工业文明是设计以“民”为本的历史前提，那么由此可以判断现代设计就是以“民”为本的真正的设计实践。那么现代设计史就应该是一部“以‘民’为本的设计史”？

从20世纪开始，进入现代主义设计阶段，它是从建筑设计上发展起来的，“其中包括精神上的思想上的改革——设计的民主主义倾向和社会主义倾向；技术上的进步，特别是新材料——钢筋混凝土、平版玻璃、钢材的运用；新的形式——反对任何装饰的简单几何形状，以及功能主义倾向，从而把几千年以来的设计为权贵服务的立场和原则打破了，也把几千年以来建筑完全依附于木材、石料、砖瓦的传统打破了12”。

勒·柯布西耶编著的《走向新建筑》是现代建筑史上一部宣言式的革命著作，是典型的现代主义观点。“我们想到了房子里的居民和城市里的群众”13，还提出“必须树立大批生产的精神面貌，建造大批生产的住宅的精神面貌，住进大批生产的住宅的精神面貌，喜爱大批生产的住宅的精神面貌14”。他提出了这样一种咄咄逼人、高度理性的设计观念，同时也创造了很多成功的作品。

经过两次世界大战后的重建以及工业文明的洗礼，原有社会结构瓦解，阶层的概念取代了阶级的概念。“平等、尊重、和平、宽容、清雅朴素和自然的价值观深入社会各个阶层”15，平民化的概念逐步影响社会的各个方面，形成良好的社会秩序。

设计界出现了另外一种力量，他们认为“现代主义使用的方法太有限了，以致无法设计，它对机械的崇拜压制了人类思想的创造发明力。同时它忽略了给予物体个人的感情和复杂意义，认为只有一种设计方法是对的和适当的，这种观念无疑是错误的16”。现代设计在设计实践上实现了以“民”为本，却忽略了大众的审美。

“1952年底，在伦敦的当代艺术学院（InstituteofContemporaryArt），一群年轻的画家、雕塑家、建筑师和评论家成立了一个‘独立团体’（IndependentGroup）。他们围绕大众文化（如电影、小说、广告机器之美）进行探讨，其中一个议题就是如何把大众文化引入美学领域中来。他们开始关注周围的生活和事物，在创作的作品中也渐渐开始形成日后波普艺术和设计的许多语汇和倾向17”。他们主张“设计价值可以不必普遍化，应该合理地少注重些功能，多注重消费者的愿望和需求18”。“汉密尔顿给波普下的定义是：通俗的（为广大观众设计的）、短暂的（短期方案）、易忘的（可消费的）、低廉的、大量生产的、年轻的（对象是青年）、机智诙谐的、性感的、诡秘狡诈的、有刺激性的和冒险性的、大企业式的19”。

波普设计的审美观是迎合大众的，设计作品也是属于大众消费层次的，那么波普设计是否真正实现了平民设计？然而波普设计的优点也是它的缺点，它是瞬时的，可消费的，年轻的，是短暂的以“民”为本的设计，是部分的以“民”为本的设计，是不全面的以“民”为本的设计。

后现代主义始于20世纪40年代，从70年代开始成为主要力量。后现代主义与现代主义一样不仅仅是设计的观点，是属于意识形态的范畴。它的影响比现代主义更大，存在于各个领域，建筑、科学、批评理论、哲学和文学等。

在20世纪60年代末，美国设计理论家维克多·巴巴纳克（Victor·Papanek）出版了《为真实世界而设计》（Designfortherealworld）。“该书集中探讨了设计师面临的最紧迫的问题，强调设计师的社会及理论价值。巴巴纳克认为，设计的最大作用并不是创造商业价值，也不是在包装和风格方面的竞争，而是一种适当的社会变革过程中的元素20”。然而“就像无法改变某种社会意识形态一样，社会的贫富、人类的战争与和平同样是设计师无力改变的，那么我们有能力做些什么呢21”？

“亚洲经济的快速增长，少数人短期致富，成为社会广为羡慕和追求的‘新型贵族’，以至于将这种‘新贵族’意识播撒至几乎所有的领域”22。“盲目的追求豪华与高档并走向奢侈误导了大众的价值观，逐渐远离真实的生活而进入误区23”。早在70年代，“美国纽约现代艺术博物馆对产品设计规范性的指导建议就提到了‘反对过度的奢华，与对产品外在的盲目追求，同时主张考虑对环境生态的保护’，但直到今天，在全球各个角落，无不将能买得起用得起大众所无法承受的商品当作是一种自身地位与高贵的显示，而平民阶层也刻意地模仿着这种近似扭曲的消费心理24”。

从原始社会时期朴实的平民设计，奴隶社会、封建社会非平民的设计，工艺美术运动的设计理念平民化，现代主义的设计实践平民化，以及波普设计的审美取向平民化，到现在后现代主义的各种设计趋势，人性化设计、绿色设计、非物质设计、设计的可持续发展等等，都是或多或少与设计以“民”为本有一定的联系。设计以“民”为本一直都存在着，但却很少被真正提到一个理论高度，更没有被当作某个时代的设计趋势或风格而推广开。

参考文献

1．《设计学概论》尹定邦著湖南科学技术出版社2003.11

2．《工业设计史》何人可主编北京理工大学出版社2000.8

3．《世界现代设计史》王受之编著中国青年出版社2002

4．《情趣的设计世界——张剑产品设计作品选》张剑福建美术出版社2005.7

5．《新平民化意识——一种新的人居环境设计观》陈六汀《装饰》1999NO.3

6．《设计学概论》尹定邦著湖南科学技术出版社2003.11

7．《现代十大设计理念波普设计》张承志编著江苏美术出版社2001.8

注释：

1《思想的设计》吴晨荣著上海书店出版社2005年7月第一次版11页

2《设计学概论》尹定邦著湖南科学技术出版社2003.1168页

3《中国文化导论》李宗桂编著广东人民出版社2002.12358页

4《中国文化导论》李宗桂编著广东人民出版社2002.12358页

5《黑格曼与他的学生们Students&FonsHickman》何见平编著中国青年出版社2004.98页

6《世界现代设计史》王受之编著中国青年出版社200246页

7《世界现代设计史》王受之编著中国青年出版社200247页

8《世界现代设计史》王受之编著中国青年出版社200253页

9《世界现代设计史》王受之编著中国青年出版社200254页

10《世界现代设计史》王受之编著中国青年出版社200255页

11《设计之思》王晏飞

12《世界现代设计史》王受之编著中国青年出版社2002108页

13《走向新建筑》【法】勒·柯布西埃编著陈志华译陕西师范大学出版社200416页

14《走向新建筑》【法】勒·柯布西埃编著陈志华译陕西师范大学出版社2004256页

15《新平民化意识--一种新的人居环境设计观》陈六汀《装饰》1999NO.3

16《设计学概论》尹定邦著湖南科学技术出版社2003.11142页

17《现代十大设计理念波普设计》张承志编著江苏美术出版社2001.83页

18《设计学概论》尹定邦著湖南科学技术出版社2003.11150页

19《现代十大设计理念波普设计》张承志编著江苏美术出版社2001.87页

20《工业设计史》何人可主编北京理工大学出版社2000.8204页

21《情趣的设计世界--张剑产品设计作品选》张剑福建美术出版社2005.731页

22《新平民化意识--一种新的人居环境设计观》陈六汀《装饰》1999NO.3

篇10

关键词：板面设计；摄影艺术；插图艺术

中图分类号：J20 文献标志码：A 文章编号：1007-0125（2014）10-0149-01

滑板板面设计的表达样式也是多样的：如邮票、标志、复古装表花样、四方或二方相连的图象等物体还有写实拍摄图像、插图、平面构成语言等这个的表达样式，板面设计表现手法大体分为写实摄影照片、插图与绘画和装饰艺术这三种类型。都由设计家辛苦绘画设计出来的，可以讲我们身边一切的图案物事都将表现在板面设计这个载体之上。每一个板面设计上的图像。这些图案代表着每个滑板公司的风格，滑板公司也很注重板面图像创造的个性。

一、摄影艺术与板面设计

现代艺术自从发展以来，一直在探寻新的表现媒介的角度，寻找改革的可能性。摄影技术作为一种新的媒介，自然成为现代艺术的可发展的媒介之一，而被艺术家们所采用。摄影在平面设计的几个主要的构成要素之中占了一个非常重要的地位，特别是在当代的平面设计中，摄影的地位更加举足轻重。

有名的Zoo York滑板公司聘请了有名的摄影师Matt Weber为公司拍像名为“Street Fight”的设计用材，Matt Weber是一个对街边文化特边喜爱的摄影师，他是把照片和印刷品剪辑下来，然后把它们组合成抽象的或叙述的、隐喻的拼贴图像艺术。他所拍照的对象多数是街头动象、街头文化等。艺术家科尔特.斯维特（Kurt Schwitters 法国，1887-1948）对这个技术创新性做了可能性的深入研究。由于板面的设计多样化，这种风格也必要的被带到了板面设计当中。

二、插图艺术与板面设计

插图在七十年代就已经出现在滑板板面上了，导致那时的板面设计作品都是很简单。导致给了插图设计在板面上一个巨大的应用空间，有个性的美国样式流行文化的代表是Hookups滑板公司的板面创作风格，它的图像大多数是以插画的样式表现的感性扮着的美女，再增加上板面形像还没有完善成像，导致给了插图设计在板面上一个巨大的应用空间，衣着非常暴露，，来到九十年代，但是当时由于印刷方法的不完整，大多数的板面创造插图只能徒手和画笔，伴随着滑板板面创作的发展，印刷技艺的提升以及美国插图的发展，颜料进行，用以做卖点来吸引买者，也现出了比较多的专以插画做创作的板面公司，如Hookups滑板公司和著名的Darkstar滑板公司。其低级的污秽图像竟然得到了很多买者的推荐和喜爱，这不能不说是这个现实社会的一个产物。

日本传统文化表现中影响比较大的一项艺术表现方式是浮世绘，是从我国以前古代的佛画、套色技艺木、版画中吸取灵感混集而成的一门独有的艺术表现。美国的滑板公司Instant Winner就聘用了有名的设计家Nathan Fox用日本浮世绘的创新方法，这些一定遭天怒的大罪为题材的系列板画制造了用天主教中另外，利用日本的浮世绘等创新技法创作的板面也比较多见。浮世绘具有中国传统绘画的影像，就是比较大部分还是较有日本传统文化的特点的，就是说浮世绘看重线条、分割空间、颜色的绚丽等。这些一定遭天怒的大罪为题材的系列板画制造了用天主教中“强欲、懒惰、欲望、暴吃、嫉妒、傲慢、愤怒”，把西方宗教文化同日本的传统绘画表现形式连合在一起。美国的滑板公司Instant Winner就聘用了有名的设计家Nathan Fox以日本浮世绘的创新手法。

三、装饰艺术与板面设计

装饰性强是板面设计的最突出的特点。因此再高质量的板面设计，再另类的表现手法或印刷工艺，在生产板面的时候其目的只有一个，那就是强调板面的装饰性。不管是用摄影手法表现，或是极具构图美感的平面构成作品，甚至那些功力深厚的纯艺术绘画或插画，都是为了板面的装饰作用而来的。从有些装饰特点突出的板面图案来看，我们能觉察到很多工艺美术的痕迹。不管是传统图案或工艺美术运动风格的作品，还是“新艺术”运动风格的作品，都成为装饰性板面设计的重要依据和参考形式。而在平面设计中的“复古”潮流的影响下，有些装饰性图案似乎又回归到了文艺复兴的时代，这些装饰性纹案与滑板板面这个现代工业化和潮流文化的产物相互结合，产生了另一种审美形态。