工艺美术主要特点范文

导语：如何才能写好一篇工艺美术主要特点，这就需要搜集整理更多的资料和文献，欢迎阅读由公务员之家整理的十篇范文，供你借鉴。

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关键词：艺术设计；工艺美术；关系

中图分类号：G642.0 文献标志码：A 文章编号：1674-9324（2013）34-0092-02

“工艺美术”到“艺术设计”的转变不仅仅只是名词上的变化，更是社会发展的必然结果，两者之间存在着很多的联系，是对立统一一脉相承的，为了更好地区分两者之间所存在的侧重点，掌握其发展趋势，首先需要对工艺美术与艺术设计的内涵进行简要的分析。

一、工艺美术与艺术设计的内涵

1.工艺美术。“工艺美术”这一概念最早可以追溯到封建时代。在封建社会，工匠通过将美学与生活实际相结合所制作的手工制品极大地丰富了当时的市场，这些制品在市场竞争中为了占有更大的市场，这促使工匠不断追求技艺的提高，色彩的华丽，这也促使了工艺美术发展的技术性与艺术性的不断提高，其实质是在应实际生活要求而产生的，与人们的日常生活有极密切的关系。

2.艺术设计。“艺术设计”这个概念的提出最早可以追溯于19世纪初在欧洲爆发的“工艺美术”运动，一直到20世纪初包豪斯学院的成立才使这个概念得以确立。由于十九世纪欧洲工业化的发展，给市场带来的负面效应促使造价低廉且质量粗糙的工业产品繁多，一些对产品要求严格的艺术家看到这一现象反映出设计方面的严重缺陷，开始寻找解决这一问题的办法。他们的这一行动带来的直接结果便是促使了英国“工艺美术”运动的发生。这次运动的主要特点是：反对工业产品大批量制作；反对浮华与造作的装饰特点；在设计上，偏重于欧洲古典风格与东方美学风范。随后，“工艺美术”由英国转向欧洲，在欧洲其发展的形式为“新艺术”运动，接着又发展成为“装饰艺术”运动。直到20世纪初期，“现代设计”出现在人们的眼里，“艺术设计”这一观点才逐渐得以确立。德国包豪斯学院的建立是这一观点确立的关键性事件。包豪斯设计学院成立于1919年，该学院利用先进的科学技术钻研新的艺术形式与艺术手段，适应工业化时期市场的需求，加强产品与实际应用之间的联系，使其产品的设计更加满足大众的需求。

二、工艺美术与艺术设计的区别

1.服务对象不同。在旧石器时代，器物文化的发展是十分漫长的。有的器物在相当长的一段时期使用后才被人们认可并加以应用。各种器物的发展有自己本身的发展形式。相比较而言，处于较封闭状态的封建自然经济与计划经济时期，由于商业活动发展水平不高，因此工艺美术的面相对狭窄，而生产出来的手工艺美术作品，多是供给宫廷使用。而艺术设计是工业革命与商品经济结合的产物。随着社会发展的进程，产品的功用性不断地提升，从产品的设计方面来看，产品的设计与生产更多地符合人们的物质与精神生活的需求，由此可见，其面向的是市场与大众。

2.美学价值不同。传统的农业以及手工业生产方式与其价值模式的结合产生了工艺美术，因此说工艺美术是技术与艺术相结合的产物，而艺术设计是工业化信息化时代的产物。工艺美术结合了科学与艺术的先进之处，艺术设计的特点主要是人性化、时代性与集成性，并且学科之间交流频繁。而艺术设计在我国的发展还处于初级阶段，与西方国家相比，还有较大的差距。宗白华曾说过：“懂艺术美学的不懂技术，懂技术的不懂艺术美学。”而我国工艺美术的发展状态目前还是以画室为主。

3.研究的范围不同。从田自秉的《中国工艺美术史》我们可以看出，在中国，工艺美术的发展范围无非是器、织、雕、染、塑、绘这几个方面。从尹定邦的《设计学概论》讲到的视觉传达设计、环境艺术设计、产品设计的三大类型可以看出，其参与的范围要比工艺美术要广泛的多。从我国工艺美术的发展历史来看，艺术设计的发展几乎伴随着我国经济的发展，并随着经济发展的深入而不断的发展。所以说，我国艺术设计的发展具备鲜明的时代性。

4.二者的教育模式和专业设置。传统手工业技术的发展传播方式比较单一与封闭，往往存在于师徒关系与家族关系中。熟练的传统手工业者，对于本行业的传授形式几乎是凭经验而定，因此说，其主要的方式便是经验多的积累，其缺点便是缺少系统的知识归纳与总结。传统的手工业者把自己毕生的经验传授于自己的后辈与门人，保护技术的传播与流传。而现代的艺术设计理论系统主要是受西方的思辨哲学的影响，形成一种系统的，理论化的知识，是一种不同于传统的言传身教的教学方式，有的以书刊，录像等传播方式进行传播。艺术设计还应用了科学的系统论来作为系统的指导方法，采用现代系统论的成果，是人类的思维模式与研究方式的又一次发展与变革。传统的工艺美术包括染织、装潢、陶瓷、服装、特种工艺等工艺，现代的艺术设计包含了一些新的层面，包括工业设计、包装设计、室内设计、服装设计、平面广告等方面。造成二者的不同的根本原因便是社会背景的不同。从中我们也可以看出，随着社会的发展，艺术产品也有了相应的发展，艺术产品反映当时社会的市场需求与社会发展。

经过以上的对比，笔者详细讨论了“工艺美术”与“艺术设计”的关系以及观念的转变，并得出以下的结论，这些结论只是普遍的现状。（见表1）工艺性艺术设计对产品的外观要求很高，并强调实用性与观赏性，以及包含的文化蕴涵。工业性艺术设计要求科学性以及精准性，并要求能从事机械化的批量生产。

三、小结

根据以上对于“工艺美术”和“艺术设计”的解释，艺术设计所包含的范围要大于工艺美术所包含的方面。虽然“工艺美术”和“艺术设计”都收到了西方近代设计文化和思想的影响，但是这两种艺术方式也有我国本国的传统艺术形式。当我们把一个艺术形式的产生与其社会环境结合起来，我们就会发现传统工艺产品在满足其本身要求的功用性之后出现的产品便是艺术设计要研究的对象。也就是说，工艺美术与艺术设计之间是传统与现代的关系，它们只是一个艺术形式在不同时代的不同反应形式而已，影响着人类的日常生活，满足人类的生活发展需要，推动人类文明的进步。

总之，分析工艺美术与艺术设计的关系，是当代艺术设计教育的需要，也是时代环境下的要求。从历史的发展水平来看，工艺美术转向艺术设计是艺术发展的必然选择。

参考文献：

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关键词：工艺美术；日本；茶道文化

茶道是日本的一种传统文化，并且有着其独特的艺术形式以及相当多的鲜明特点。在日本的茶道当中，生活与哲学以及相当多的内容是分不开的，而茶道又是完整地体现了这些内容，能够把人们从最为平凡的世界当中，形成一种全新的美学境界，并且对于大多数的日本人而言，茶道文化本身就是一种美，它不仅仅是生活当中的一种文化，还是文化中生活的一种体现，能够对人们的精神境界发挥出最为直接的功能。在实际的文化艺术方面，茶道本身所涉及的内容是十分广泛的，不仅包括了基础的诗词、绘画、建筑、书法，还包括了深层次的工艺美术，这是一种意境上的动态美感，其赋予了茶道相当多的独特韵味，使得茶道能够被人们广泛地接受和认可。并且茶道在实际的文化艺术形式当中，所形成的表现形式是十分直接的，包含着多种文化的综合和创新，尤其在工艺美术的彰显上，有着自身独特的风采。在日本的茶道当中，对于茶道的境界美有着相当高的要求，不仅要求人们要有较高的欣赏水平，而且要有一定的品茶爱好，否则，很难感悟其中的美感，因而日本的茶道又是一种庄严的形式风格。但是不得不说，日本的茶道文化也有一定的可取之处，比如在喝茶时候的环境必然是静美的，而环境是清美的，风景则是幽美的。

1日本茶道文化当中的工艺美术总谈

工艺美术本身是以工艺为原型的，而且是在工艺当中体现出一定的美术特色，给予人们独特的美感，但是在实际的日本茶道文化当中，却过多的包含了这种艺术特色。日本茶道文化当中的工艺美术，具有相当多的鲜明色彩，首先其体现在风景的幽美上。由于对茶道的美感体现需求，日本民众很多会选择将品茶的地方放置在一个幽美的环境下，以此来衬托茶的味道之美，而它本身也是工艺美术当中的一个主要特点。其次是清美的居室。在日本，进行品茶的时候，通常都比较静，并且室内的环境也比较优越，给人一种品茶的神圣感觉，不由得一切外物来打扰，担心可能破坏了茶道的整体美感。接着是纯美精致的品茶器具，由于实际的日本茶道具有最为切实的需要，因而在实际的工艺美术彰显当中，必然要选择一些精美的品茶道具，而这些道具的存在，无形之中加大了茶的整体美感。最后是品茶的寓意，与工艺美术进行了很好的结合，所体现出来的韵味相当多，而且异常的唯美。

2日本茶道文化中的基础工艺美术彰显

2.1景幽

在日本茶道文化当中的工艺美术表现，首先体现在景色的幽美上。但是在实际的理解当中，人们却将幽美误当成了优美，虽然两者都可以形容环境的美丽，但是，放在这里去形容日本茶道文化中的工艺美术，却应当是幽美。最主要的原因在于日本的茶道文化所包含的工艺美术是一种工艺的美，而工艺所形成的环境，如果用优美来形容，仅仅来说明环境的一般美丽，但是幽美却可以实实在在的体现工艺的过人之处，将工艺与美术完全地结合，形成了不一样的景色美感。在日本的茶道文化中，人们习惯于处于较为幽美的环境下进行品茶，最主要的原因在于在传统的日本文化思想中，品茶属于十分庄重的生活艺术，需要用心去对待，因而选择品茶的环境便成为他们的头等大事，并且在很多我们熟知的日本品茶环境当中，都处于十分静然的一个环境，不会有其他人进行打扰，并且在场的所有人都会表露出崇高的敬意。

2.2室清

在日本茶道文化中的工艺美术彰显，室清应当属于人们最容易理解的内容之一，即保持品茶室的整洁和安静。通常而言，在开展品茶的时候，日本人会选择与来访的客人进行单独的品茶，而将其他的下人支开，以保持居室的清净。并且每一次来到品茶室，都可以发现环境相当的整洁，并且几乎没有人来过的痕迹存在，最主要的原因是因为每次品茶结束或者品茶前，都会对品茶室进行一定的打扫。而这里的工艺美术主要体现在品茶室的装潢都进行了一定的工艺改善，使它的外观和内在保持同步，进而实现唯美的品茶环境。

3日本茶道文化中的深层次工艺美术

3.1器美

如果经常涉及一些日本的电视节目，可以发现其中进行品茶的时候，所选择的品茶器具都十分的优美，并且对这些器具进行细致的观察，可以发现每一处的品茶器具都有着自己独特的特点，所有的品茶场景都涉及一定的优美器具，而这本身也属于对茶文化的一种尊重。在日本人的基础修养当中，品茶的器具一定要保持较高的艺术感，并且能够给人一种品茶的优越感，否则会使得整个品茶过程严重的失去意义。在品茶的时候，日本人所选择的器具都是一些十分精美的器具，而这些器具也仅仅被当做饮茶的器具，并没有其他的作用。同时，由于品茶的时候，有了这些美丽的茶具，会给品茶的整个过程赋予一种特殊的色彩，甚至会带来很大一部分和谐。

3.2意深

不得不说，日本茶道文化中的工艺美术，彰显最多的就是品茶的意味，工艺在于纯良唯美，而品茶的过程也是一个精纯的过程，需要经过逐步的淬炼，进而形成最终的艺术。品茶在日本的文化当中，本身就是一个艺术的存在，它对于人们的诸多艺术宣传，最主要的体现在于其具有相当唯美的煮茶、泡茶、饮茶过程，而每一个过程当中都有着需要注意的点儿，而这与工艺的形成不谋而合，都由于工序上存在着相当多需要注意的地方，因而在实际的品茶过程当中需要尤其注意，给予品茶实质的美感。而且品茶品的除了茶以外，更多的是一种意境，一种唯美的意境，需要人在品茶的过程中进行细致的体会。日本民众在品完茶之后，都会进行沉思，将茶的味道进行深层次的融化以后，才会对茶进行一定的赞美，并且这种赞美往往都是由心而发，能够带领品茶的双方进入较高的品茶意境，而不会单纯地停留在品茶的表面形式当中。

4结束语

总而言之，在日本茶道文化中的工艺美术，可以总结为景幽、室清、器美、意深，并且其中的每个工艺美术特征都在茶道文化中有着独特的彰显，也会在以后的发展当中衍生出更多的音乐美感，使人产生相当多的艺术气息，进而深层次地融汇在品茶的过程中。对于品茶的认知，工艺美术应当与其有着相当多一致的特点，尤其是品茶的过程需要从第一个工序到最后一个工序，期间相隔了比较长的等待时间，而茶道的寓意在于心静和唯美，因而，在品茶的时候，需要认真欣赏周边的环境以及居室内的温馨，进而使得茶道文化能够得到深层次的寓意渲染，同时品茶也是一门艺术，需要与工艺美术的各个审美特征进行一定的融合，实现不一样的品茶意境，并给人以独特的茶道美感。

参考文献

[1]袁宙飞.日本茶道视野下的日本平面设计之美[J].贵州大学学报(艺术版),2013,(04):52-56.

[2]宋珊.中国古代茶文化及其审美意蕴[D].山东大学,2011.

[3]高红.“自然”与日本茶道美学[J].农业考古,2008,(06):171-173.

[4]佟君.日本茶道及其文化内涵[J].日语学习与研究,2007,(05):46-52.

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关键词：雕塑艺术；工艺美术；设计艺术

中图分类号：K203文献标识码：A文章编号：1005-5312（2011）12-0106-01

中国古代设计艺术的发展，有着一脉相承的连贯性，又有融会各族文化和各种外来文化的包容性，形成了博大精深的艺术设计体系。这样一种文化的继承性和相容性在唐朝时期和宋朝时期设计艺术的发展史上体现的淋漓精致。唐朝和宋朝是中国古代设计发展史上的十分重要历史时期，他们的审美趣味和艺术主张在中国的设计艺术史上都有着很重要的影响。

一、雕塑艺术

（一）唐朝雕塑

唐朝是中国文化史上的黄金时代，经济文化十分发达，唐朝雕塑艺术史中国雕塑发展也是史上的鼎盛时期，主要表现在陵墓石刻和佛教石刻两个方面。同时唐代的陶俑制也有不小的进步，其中塑造得最成功的是骆驼、马俑和侍女俑。石雕艺术中的陵墓石刻最为杰出则以唐太忠的昭陵、高宗及武则天的乾陵和武则天母亲的顺陵为代表。佛教雕刻在这个时展到了极致，其著名代表是有 高大的如四川乐山弥勒佛石雕像，陕西彬县大佛寺的阿弥陀佛石雕像，敦煌莫高窟的弥勒佛彩塑像；小的如苏州虎丘云岩寺塔出土，都是唐代的杰作。在唐代的雕刻艺术中还有一个很特殊的品种，俗称“唐三彩”。“唐三彩”中一个成功的题材是贵族仕女像，她们的装束大胆艳丽，体现出唐代宫廷贵族的审美趣味，《三彩歌舞伎》是“唐三彩”仕女像中的一件珍品。这件作品以写实的手法将歌舞俑塑造的如此神形兼备，显示出了唐三彩的辉煌成就。

（二）宋朝雕塑

两宋时期的雕塑艺术，有了明显的变化。这一时期宗教雕塑，主要是佛教雕塑占了重要的地位，但是由于受到禅宗盛行的影响，佛教雕塑的那种神圣性和理想性已经明显的减少了，石刻雕塑只要表现在陵墓、寺庙的仪卫性，雕刻在样式和手法上都有新的创新。石刻艺术，由唐之盛而衰，如敦煌、麦积山石窟在这些地方的建造是极少的，但是在个别地区，仍出现了浩大的造像工程，如四川大足石窟和陕北石窟。由于受到禅宗的影响，这也是宋代的寺庙以及以后的寺庙造像特别发达的原因，代表有山西晋城青莲寺十六罗汉塑像和山东灵岩寺的彩塑等。

二、服装工艺

唐代的服装工艺非常的雍荣华丽，宋代的服装特色则是非常的朴素优雅，唐朝凸显出一种情感上的升华，而宋代则充满了理性的色彩，从美学的角度来说唐朝的服装工艺富于情趣化,宋朝的服装艺术较之唐朝是高雅的。

（一）唐朝的服装

唐朝时期的服装，在经济文化十分繁荣的背景下，服装的发展无论衣料还是衣式，都呈现出一片灿烂的景象。唐朝改革服装制度，用颜色来区分天子和百官的等级，用花纹表示官阶。唐代以柘黄色为最高贵，红紫、蓝绿、黑褐等而广泛。[4]白色则是最没有地位的。唐代男子的服装的主要特点是上层人物为长袍，百姓着短衫，阶级划分十分的明显。女性装饰则十分富有时代性，尤其是宫廷妇女服装样式，流传到民间，妇女之间纷纷效仿，并且咋自身发展的同时十分注重和其他民族文化的交流与融合，其风格特色也受到了周边民族的影响而别具一格。尤其是到了盛唐时期，女子最盛行的服装是上面短衣下面长裙即襦裙，盛唐时期的妇女体态丰满，女服宽大拖曳，服装特点是宽袖，袖子的宽度竟大过四尺，长裙拖地四五寸。唐朝服侍的材料多选用丝绸，并经过多种工艺处理而成。

（二）宋朝的服装

在长期战争的背景下，各民族的服装有了很大程度的交流与融合，衣服仍然有等级之分，宋代男装上层人物多穿整齐的袍杉，长度可以掩足，平民大众则衣着变的很短，农民和渔民一开始还被称作“短衣汉子”。宋代女装则一改唐风，将就瘦长，一显露身材之苗条。新式的旋袄、胡服等，有着大方朴素的特点，一般贵族的妇女，服装颜色也不及唐代的华丽，但是用色大胆，已经打破唐代时期青、碧、红、蓝为主色的习惯，更多的使用一种复杂而且和谐的颜色搭配；花纹也突破了唐代对称图案，生色折枝花色尤为时尚。

三、总结

通过雕塑设计和工艺美术设计的对比分析，唐朝的设计艺术和宋朝的设计艺术都有着极大的发展，但是由于所处的文化背景和经济发展的不同，因此各有特色，以至于设计艺术也有很大的差别，总的来说唐代的丰满华丽，宋代的朴素优雅，他们的美共同构成了中国古代设计艺术史上两个华丽的篇章。

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工艺名称：新型车花工艺（产品由福麒首饰提供）

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工艺名称：新型手工花丝工艺（产品山百泰首饰提供）

工艺描述：“花丝工艺”是我国历史上盛极一时不可复制的传奇工艺，还曾是中国珠宝工艺殿堂上的至上珍宝。2008年6月，该工艺被列为国家级非物质文化遗产。百泰首饰创新研发的这种新型手工花丝工艺传承了中国宫廷艺术——花丝工艺，以纯金为材质经过搓、编、织、绕等多道繁杂的花丝纯手工技法制作而成。作品细节微妙，通透温润、精致无瑕，完美呈现了花丝手工技艺的精髓。

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发展现代化沾染艺术应该以当代审美艺术和价值观为原则，并创新沾染工艺手法，增加多样多样的扎染艺术形式，从而使其能够满足现代化艺术的视觉审美标准。扎染艺术是我国传统的民族艺术，在西方外来文化的冲击，人们应当保护传统艺术，并加以改良使其能够长久地流传下去。

传统扎染艺术和现代扎染艺术的区别

扎染艺术是我国手工染色技术之一，在2008年扎染艺术被列入国家级非物质文化遗产。为了更好的传承传统扎染艺术，人们应该不断的创新扎染工艺，提高扎染艺术作品的表现力。传统扎染艺术和现代扎染艺术的区别在于两个方面：一是花样图形的改变。传统扎染艺术作品比较典雅沉稳，而现代化扎染艺术作品则比较轻快、大方，既有传统的自然之美，又有现代化的秀丽之美。二是手法的不同。传统的扎染艺术主要是对面料或莎线进行捆扎，并将其放置在天然染料中进行染色。这种制作手法主要是依赖于人工。而现代化扎染艺术则是依靠多种化学染色法和处理手段，以增加扎染艺术作品的自然性，并降低投入成本。另外，现代扎染的面料选择也比较宽泛，不再局限于传统的粗布。

现代扎染的艺术风格

1.精致写实风格

精致写实风格更突显传统的对称美和自然美。所谓精致就是保证扎染图案的对称和均匀。写实则是指真实、完整地绘画出当下的生活情况。

这种风格的扎染艺术仍是以传统的扎染创作方式为主，重点强调整体的协调性、统一性。主要制作流程是先进行图案的预先描红，然后再利用传统扎染工艺的缝、绞、包、夹等手法，扎染出精致、写实的艺术图形。精致写实的扎染艺术风格对于图案设计、点粒、染色、工艺设计等方面的要求比较高。因而比较常见于高级时装、和服等。近年来，随着传统扎染艺术的发展和创新，越来越多的服装设计师开始倾向于现代扎染艺术。

2.现意风格

写意风格比较宽泛，如同即兴创作，不拘泥于形式、比较简单。现意风格也比较生动、灵活、色彩艳丽，其最重要的特点是具有抽象性。

现意风格的扎染作品包括两个主要特点：一是即兴。创作者在创作过程中，可以随意发挥，而不用考虑任何标准的限制。更重要的是每个扎染作品都是不相同的，即便是采用相同的工艺和手法，扎染出的艺术作品也各有特点。而即兴创作可以在图案设计期间，也可以在扎染期间，随意改动一处就能可能得到不同的艺术作品。二是表达手法自由。现意风格的扎染作品旨在强调随意性，其扎染手法并不固定，也无迹可寻。这正符合现代化艺术视觉审美的理念，看似无形，实则有形，不娇柔不做作。

3.田园风格

田园风格的特点在于明快简洁、色彩自然，旨在表达人们返璞归真，感受大自然的愿望。随着我国城市化的加快，田园风景也越来越受到人们的关注，而田园风格的扎染作品恰到好处地能够满足现代人们的需求。同时这也是人们崇尚乡村，追求自然的一种表现。

田园风格的扎染艺术主要以段染为代表。段染能够在同一织料上展示出多种不同的颜色，这极大的满足当代人们的需求。也正因为段染这种新颖、独特的艺术工艺，田园风格扎染艺术才得以发展。段然突破了传统扎染单染的限制，能够更好低呈现出图案的立体性、色彩性、设计性。尤其是能够扎染出多种色彩，从而为田园风格艺术图案的呈现奠定了良好的基础。近两年来，段染工艺随着PARADA 、FENDI等意大利时装设计大师和世界著名品牌在高级时装中的运用，于全球范围迅速传播，很快便在休闲工艺时装、面料、家纺和工艺美术品后整理中流行，引领着世界时尚潮流。

（4）典雅风格

典雅属于民族风，具有沉稳、大方的特点。虽然当代人们对于现代化的艺术需求较高。但是随着我国民族风的返潮，典雅风格艺术作品越来越受到人们的关注。与此同时，典雅风格的扎染艺术也逐渐在现代扎染艺术中占据重要的地位。典雅风格侧重于传统艺术形式的呈现，追求高度和谐和严谨保守。另外，为了更好的展现出典雅风格，也会在现代化扎染工艺中添加各种色彩。

（5）后现代风格

后现代风与传统艺术视觉审美的差别较大，旨在强调自由、独立、多元化，反对封建化、固守化。可以说后现代风格是现代文明进步的一个重要体现。而具有后现代风格的扎染艺术作品主要是结合传统艺术形式和西方艺术形式，形成抽象、具有视觉肌理的艺术色彩。同时为了更加彰显现代化艺术风格，人们还会结合喷墨印花、个性手绘、刺绣等工艺，创新现代沾染艺术，从而形成随性、简单的后现代化艺术风格。例如“华艺扎染”创造性地将平面扎染形式与面料三维记忆成型技术融合而成的三维肌理创造、三维与二维平面图形交叉的混搭风格，极具前卫时尚的流行特征而倍受欧美主流市场追捧。

总结

综上所述，现代扎染工艺多样，艺术作品色彩丰富，蕴含着与众不同的艺术特色。为了更好地促进现代化扎染艺术的发展，应该将传统扎染与现代视觉审美艺术紧密结合，创造具有现代化的扎染艺术，从而达到保护、传承我国民族传统艺术的目标。

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传统扎染艺术和现代扎染艺术的区别

扎染艺术是我国手工染色技术之一，在2008年扎染艺术被列入国家级非物质文化遗产。为了更好的传承传统扎染艺术，人们应该不断的创新扎染工艺，提高扎染艺术作品的表现力。传统扎染艺术和现代扎染艺术的区别在于两个方面：一是花样图形的改变。传统扎染艺术作品比较典雅沉稳，而现代化扎染艺术作品则比较轻快、大方，既有传统的自然之美，又有现代化的秀丽之美。二是手法的不同。传统的扎染艺术主要是对面料或莎线进行捆扎，并将其放置在天然染料中进行染色。这种制作手法主要是依赖于人工。而现代化扎染艺术则是依靠多种化学染色法和处理手段，以增加扎染艺术作品的自然性，并降低投入成本。另外，现代扎染的面料选择也比较宽泛，不再局限于传统的粗布。

现代扎染的艺术风格

1.精致写实风格

精致写实风格更突显传统的对称美和自然美。所谓精致就是保证扎染图案的对称和均匀。写实则是指真实、完整地绘画出当下的生活情况。这种风格的扎染艺术仍是以传统的扎染创作方式为主，重点强调整体的协调性、统一性。主要制作流程是先进行图案的预先描红，然后再利用传统扎染工艺的缝、绞、包、夹等手法，扎染出精致、写实的艺术图形。精致写实的扎染艺术风格对于图案设计、点粒、染色、工艺设计等方面的要求比较高。因而比较常见于高级时装、和服等。近年来，随着传统扎染艺术的发展和创新，越来越多的服装设计师开始倾向于现代扎染艺术。

2.现意风格

写意风格比较宽泛，如同即兴创作，不拘泥于形式、比较简单。现意风格也比较生动、灵活、色彩艳丽，其最重要的特点是具有抽象性。现意风格的扎染作品包括两个主要特点：一是即兴。创作者在创作过程中，可以随意发挥，而不用考虑任何标准的限制。更重要的是每个扎染作品都是不相同的，即便是采用相同的工艺和手法，扎染出的艺术作品也各有特点。而即兴创作可以在图案设计期间，也可以在扎染期间，随意改动一处就能可能得到不同的艺术作品。二是表达手法自由。现意风格的扎染作品旨在强调随意性，其扎染手法并不固定，也无迹可寻。这正符合现代化艺术视觉审美的理念，看似无形，实则有形，不娇柔不做作。

3.田园风格

田园风格的特点在于明快简洁、色彩自然，旨在表达人们返璞归真，感受大自然的愿望。随着我国城市化的加快，田园风景也越来越受到人们的关注，而田园风格的扎染作品恰到好处地能够满足现代人们的需求。同时这也是人们崇尚乡村，追求自然的一种表现。田园风格的扎染艺术主要以段染为代表。段染能够在同一织料上展示出多种不同的颜色，这极大的满足当代人们的需求。也正因为段染这种新颖、独特的艺术工艺，田园风格扎染艺术才得以发展。段然突破了传统扎染单染的限制，能够更好低呈现出图案的立体性、色彩性、设计性。尤其是能够扎染出多种色彩，从而为田园风格艺术图案的呈现奠定了良好的基础。近两年来，段染工艺随着PARADA、FENDI等意大利时装设计大师和世界著名品牌在高级时装中的运用，于全球范围迅速传播，很快便在休闲工艺时装、面料、家纺和工艺美术品后整理中流行，引领着世界时尚潮流。（4）典雅风格典雅属于民族风，具有沉稳、大方的特点。虽然当代人们对于现代化的艺术需求较高。但是随着我国民族风的返潮，典雅风格艺术作品越来越受到人们的关注。与此同时，典雅风格的扎染艺术也逐渐在现代扎染艺术中占据重要的地位。典雅风格侧重于传统艺术形式的呈现，追求高度和谐和严谨保守。另外，为了更好的展现出典雅风格，也会在现代化扎染工艺中添加各种色彩。（5）后现代风格后现代风与传统艺术视觉审美的差别较大，旨在强调自由、独立、多元化，反对封建化、固守化。可以说后现代风格是现代文明进步的一个重要体现。而具有后现代风格的扎染艺术作品主要是结合传统艺术形式和西方艺术形式，形成抽象、具有视觉肌理的艺术色彩。同时为了更加彰显现代化艺术风格，人们还会结合喷墨印花、个性手绘、刺绣等工艺，创新现代沾染艺术，从而形成随性、简单的后现代化艺术风格。例如“华艺扎染”创造性地将平面扎染形式与面料三维记忆成型技术融合而成的三维肌理创造、三维与二维平面图形交叉的混搭风格，极具前卫时尚的流行特征而倍受欧美主流市场追捧。

总结

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韦山栋，别号白璧山人，莲翁，书斋翠微草堂，霍州市南坛村人。中学时代随外祖父闫加廪学书习画，中得力群指导，1970年代初在临汾创作年画时得杨力舟、王迎春指导，1982年师从文、谭兴渠、陆贤能学花鸟画及色彩设计，1996年至1998年中国书协培训中心学习结业。

曾从事教育、文化馆、电影宣传、工艺美术设计工作，上世纪末开始从事书画创作。

书法入展中日书法交流大展、中国书协培训中心第四届教学成果展、山西省第七届书法篆刻展。

美术作品入展中韩第―届书画评奖大展、中国第五届农运会书画展、庆祝建国五十周年华北五省、市、（区）政协书画联展、山西省首届写生画展、首届写竹展、二届花鸟画展、山西省中国画邀请展等国际、全国及省市展览，并获得各种奖项。

在日本、韩国、中国美术馆、历史博物馆、上海朵云轩、陕西美术博物馆、天津、内蒙等地展出、陈列被中外收藏家收藏。

曾任临汾地区美术家协会理事，现为中国文化艺术发展促进会会员，山西省美术家协会会员，山西省书法家协会会员，霍州市美术家协会名誉主席。2011年3月被中国书画研究院授予“中国书画家百杰”称号。

作品与传略入编《世界著名书画家真迹博览大典》《中国书法家、美术家综合全书》《当代中国画》《当代中国书法作品汇观》《世界华人文学艺术界名人录》《中国书画家大典》等十余部典集。

韦山栋先生是一位笔耕不辍的书画家。他在多年书画创作中勤于思考，敢于探索，取得了不菲成绩。

山栋先生的画取材于生活，充满了对生活的热爱，也表达了他的理想与美好愿望。他多以梅花、牡丹、紫藤、荷花、葡萄等做题材来表现春华秋实的自然景观。

画册中近六米长的大幅画《梅园春早》，老枝纵横穿插，新枝逢春焕发，繁花绽放，充分表达了他对梅花的喜爱之情。

山栋先生在传承传统的基础上求新求变，逐步形成了自己的笔墨语言。他画梅花、紫藤以篆、隶、草笔法入画，取吴昌硕之法，枝干苍劲有力，藤蔓缠绕生动。葡萄似苏葆桢，但又有别，吸取西画中以光色表现立体，叶则有形无形，虚实相生，运用水、墨、色三者渗化作用，使画面既真实生动，又有中国画的风采。他的画雅俗共赏，颇多好评。

观其书法，真、行、草、隶、篆均有涉猎，篆、隶宗法秦汉，又发扬了清代大家之风，楷法晋唐，小楷取王羲之书、黄庭经之韵。

山栋先生拟出版书画集，让我提个书名并写几句话作为序言，我欣然允诺。愿山栋先生创作出更多更好的作品，奉献于社会，奉献于人民。

写意花鸟画随笔

韦山栋

花鸟，自然灵气之所钟，天地精华之所聚，不仅有观赏性，还有社会性，五类之精，粹于天地之间。

花鸟画艺术是我国传统绘画的组成部分，在其长期发展演变中，逐步形成了自己独特的表现形式，其主要特点是借景抒情，托物言志。花鸟画所描绘的对象很广，包括花草虫鱼、蔬果蜂蝶、树木竹石、禽鸟兽畜等。画家通过对物象的描绘、根据物象的自然属性，形体特征、生活环境、生活习性，与人性的融合，赋予人格化的精神内涵，通过象征寓意，运用与文学作品一样的比兴手段，比拟人事，兴起人意。花鸟画形象中的谐意，隐喻形象的比附，这些都是花鸟画家在现实生活中对生活的感悟和升华，表现出对美好生活的向望。这种神秘的生命观，吉祥的幸福观，兴盛的财富观都可在花鸟画中得以体现。

花鸟画用艺术的手法形象再现对自然本性的传统理解，形成了画家与观者的共识，松柏四季常青、鹤的长寿，组合成延年益寿的象征图式；梅兰竹菊四君子比作人品的高洁；玉兰指玉堂；蔬果为春华秋实；瓶中的牡丹为富贵平安……

花鸟画把作者与观者的感情、理想、愿望寄予画中，寓意于物，引起遐想与生活感受。

我爱梅花，因她不畏严寒，绽苞吐香，迎来的却是明媚春光；我爱牡丹，她是中华国花，国色天香，富贵娇艳，是祖国繁荣昌盛、家庭美好富裕的象征；荷花出污泥而不染的品格，是历朝历代人民对廉政的希望，对清官的赞誉；柿子寓意事事如意；荔枝表示大吉大利；孔雀、锦鸡示盛世和谐；松鹤示吉祥长寿……

我爱写意花鸟画，它以气韵生动的精神气息为灵魂，以笔、墨、水、彩为血肉。以形写神，以笔取气。通过比拟、夸张、立意合理经营位置，运用灵动自如、痛快淋漓的笔墨，达到生机勃勃、节奏起伏的艺术效果。

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中学美术问题优化策略美术是中学阶段的一门基础性课程。通过美术教学能够丰富学生的审美情感，提高学生的审美感受能力和想象能力，激发学生追求美、创造美的欲望和热情。然而，在大力推进素质教育的今天，中学美术教学并没有发挥出其应有的作用。

一、中学美术教学面对的问题

美术以对学生的审美教育为宗旨，是培养学生对自然、社会及艺术的感受与审美能力的主要途径，是素质教育的重要组成部分。多年来，应试教育在普通中学有着深刻的影响力，升学考试是学校、教师、家长和学生关注的核心。故而，许多学校的教导处在安排课表的时候总是首先考虑考试的课目，而美术等“副科”就只能充当主科课程空隙的填充剂，课时被挤占更是屡见不鲜。由于不被重视，一些美术教师产生了较严重的懈怠心理，缺乏对美术课程教学研究的动力，机械地担当着课程内容的“传授者”。表现为：既不去研究学生的年龄心理特征和心理需要，也不愿研究教材的内涵和外延，教学方法依然是传统的传艺式教学，没有示范，没有实践，没有学具教具，只是空泛地讲不着边际的中国画、水彩、蜡笔画，讲着某某名画的欣赏、某某作品的艺术特色。这种枯燥、单调的说教式教学不仅难以激发学生的学习兴趣，更泯灭了学生热爱美、追求美的天性。学生由于受到整个社会大环境的影响，尽管许多人很喜欢美术，但却为了升学考试，不得不在美术课堂敷衍了事，对美术课程和活动越来越疏远。导致许多学生对美的感受肤浅、对美的理解片面、对美的追求庸俗。

二、激活中学美术教学的优化策略

为在不利的客观条件下较好地实施《中学美术课程标准》，我们应正确认识中学美术教学面对的问题，从新课程改革的理念出发，就激活中美术教学的优化策略进行深入的探索和实践。

1.创设生动教学情境，活跃美术课堂气氛

现代的中学生视野开阔、思想活跃、追求多元化，兴趣有很大的主观性。要激活中学美术课堂，教师必须结合学生的年龄心理特点和教学内容，改变传统美术教学中教条的组织教学形式，通过创设生动的教学情境，将看似呆板的美术知识动感、灵性地表现出来，给学生以认知导向上的启迪和暗示。以此活跃课堂教学气氛，吸引学生的注意力，激发和培养学生对美术的情感，使学生在兴奋和愉悦中变被动接受为主动学习。在教学“色彩与情感”的内容时，我先给学生讲了这样一个故事：一个画家来工地写生，与工地的经理聊天，经理说现在的工人不好管理，搬运木箱时总是抱怨太沉。画家看到木箱都是黑色的，就建议经理将木箱涂成淡蓝色。经理半信半疑地涂了一部分。果然，工人再搬运同样重的木箱，都说淡蓝色的箱子轻。这一新奇的故事创设出的情境使原本沉默的课堂变得活泼起来，课堂教学得以在学生对缘由的积极探求中变得动态、高效。

2.调动教学情感因素、端正学生学习态度

构建主义理论告诉我们：课堂教学存在着知识对流和情感对流两条主线。情感因素是初中美术教学设计与实施中关注的要点，是师生双边交流、互动、合作的思想基础。只有尊重学生的心理需求，关心学生的个性发展，调动美术教学中的情感因素，使中学美术课堂充满情致和韵味，时时打动学生的内心世界。才能有效激活学生思维，端正学生学习美术的情感。为了调动教学情感因素，教师首先要实行教学民主，增加对学生的情感投入，构建平等和谐的师生关系，使学生“亲其师，信其道”。其次，教师要艺术性地处理教学内容，提高教学的趣味性。如教学“装点我的居室（造型表现）”时，组织学生自己动手装饰教室，在此过程中感受造型的表现方式，形成美化生活的意识。第三，要积极运用网络多媒体等现代教学手段，以声光、色形，图象的翻滚、闪烁、定格及色彩变化，给学生鲜明的感官效果，增强美术课程的心灵震撼力。第四，要适时利用学生表现欲，在课堂教学中进行诸如临摹比赛、作品分析辩论等富有挑战性的学习活动，让课堂教学不断。

3.组织自主合作探究，实现学习方式变革

新课程把学生学习方式的变革放在了战略的高度，其目的是充分发挥学生学习的主体性，让学生真正成为学习的主人，培养学生自主获取知识的能力。因此，在中学美术教学中，教师必须转变自己的角色，把学习的主动权交给学生，积极组织学生对教学问题的自主合作探究。以教学问题讨论、操作、交流中的智慧迸发张扬学生的个性，释放学生的潜能，构建课堂教学的精彩与灵动。以学生学习方式的有效变革推动课堂教学的切实优化。在教学“卡通形象设计”时，我将全班同学分成四个小组，通过小组合作自主探究完成下列学习任务：欣赏卡通形象，感受卡通造型和卡通语言的艺术魅力；分析、归纳卡通造型和卡通语言的主要特点；归纳、总结卡通有哪些常用的表现手法；灵活运用夸张、变形、幽默的手法尝试自己动手设计卡通形象。这样的自主合作探究学习将“讲堂”变成“学堂”，促进了学生学习方式由被动向主动转化，学生学会了独立发现美术问题，在享受发现美术奥秘的快乐中更爱学习和探究。

4.开展课外美术活动，发展学生美术爱好

课外美术活动是课堂教学的延伸和补充，是开展美术实践的有效途径。我们应本着普及与提高相结合的原则组建课外美术兴趣小组，通过小组合作学习活动，深化和拓展课堂教学内容。在此基础上，定期组织全校性的画展、书法展、工艺美术作品展，以学生喜闻乐见的形式展示美术艺术的风采。利用节假日，指导兴趣小组进行野外写生，开发学生在美术方面的艺术特长，进一步发展学生的美术爱好。

三、结语

直面问题，优化中学美术教学是推进素质教育、深化中学美术课程改革的关键和根本要求。我们要以新课程理念为指导，推动中学美术教学方式、学习方式和思维方式的变革，在教学风格、教学方法、教学手段上有所创新、有所突破，以更加“有血有肉”“有声有色”的中学美术教学促进学生审美素质的有效提高。

参考文献：

[1]邢丽娟.关于优化中小学美术课教学策略的思考.魅力中国，2010，（6）.

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【关键词】多元智能理论 美术设计专业 课堂开发

多元智能理论是美国哈佛大学教授、当代著名心理学家和教育家霍华德•加德在《智能的结构》一书中提出的。加德纳认为人类的智力是多元的,主要有八种智能:（1）语言智能；（2）视觉―空间思维智能；（3）身体―运动智能；（4）音乐智能；（5）人际关系智能；（6）自我认识智能；（7）自然观察者智能；（8）逻辑―数学智能。

多元智能理论是一个为学生与教师之间建立无限网络沟通的智能体系。可以建立“发掘性”的学生观、“成功感”的教学观和“多元”的学生评价观。

多元智能开发内容涉及认识、思维、创意、自然、社会、生活、自我、空间、时间、数学、语言、绘画、手工、迷宫等主题,可以均衡的培养学生开发多元智能的能力。多元智能理论认为:“视觉空间强的人，在色彩、形状、线条方面，有很强的形象思维。”如美术设计中的平面设计师、工艺美术师、造型师、环境艺术设计师等。美术设计学科中绘画教育、手工教育和美术欣赏教育是多元智能教学的有效直观的途径，是感受美、评析美、展现美、创造美的审美教育，为开发学生们的艺术天赋拓建了多元智能开发和教学的新思路。

一、美术设计专业教学中多元智能的课堂开发

1.课堂中塑造真实情景或情景再现

如以世界著名绘画、优秀的影视、自拍纪实录像、无线广播作品作为课堂教学工具创设真实情景、语言情景，完成课堂教学的环境创建。充分运用直观的具体形象来加强对视觉思维的引导,完成美术设计教学。

2.主体性课堂的建立

通过室外写生、顶岗实习、社会体验、景区游历、户外游戏、音乐表达、娱乐竞赛、班级合作、公益资助、关爱环境与弱势人群等形式，才能建立学生为课堂教学的主体。要激发学生主动学习，必须在心理、行为、环境等方面引导，完整的提供让学生能体验感悟不同形式美的教学环境。

二、多元化通道将多元智能运用于美术设计专业教学

1.空间思维能力的开拓通道，多元智能是沟通平台

美妙的语句能让人产生丰富的联想，美术设计教育是有目的的创造性活动，美术创作更具有它的目的性。学生们就是创造性活动的主体，活动中敏锐的观察力、形象思维力、形象判断力、形象感知力、想象能力、绘画技能得以应用。

案例:Y0706班学生，在社会生活中的经历必然是不一样的，学生的异想天开却有着奇特而美丽的共同点。在多媒体的课程里，笔者设计了一个环节，利用多媒体软件录音的功能，将每位学生不同的经历录下来，在多媒体动漫制作手绘环节时播放，通过听，将不同的故事情节画下来，组合成完整的动漫故事情节。起初，同学们喜欢将所有听到的事物都画下来，或者不敢动手，当笔者和学生一起完成后，学生们都对自己的成绩做出了肯定，在多元沟通平台上开拓了学生的空间思维能力。

2.形象感知力开拓是建立在真实情景平台上

感受各种不同类型的社会环境，是取得形象感知的直接而深刻的环节，也是对形象差异性的处理和总结。在良好的情景教学环境里，学生对形象的认识刻骨铭心。

案例1:美术设计专业教学中，有一门学科是书法，包括软笔书法和硬笔书法。笔者将学生分成了两组，一组将体育课堂上学来的小洪拳进行表演，而另一组则仔细观察，并迅速找出书法字帖中与之相似的笔画，再共同商量，一一记录一招一式与书法的笔势之间的联系。当两组相互表演、记录完以后，学生的观察力得到了提升。通过训练学生的观察力,从而提高了学生的书写能力和技巧。在这样的教学设计中，课堂就显得更加生动，富有生活情趣。

案例2:在创设情景的同时，兴趣教学引导是学生们获得知识最有效的学习方式。多媒体让大家情有独钟，而生活中不同的人物形象是动漫设计的素材。在如此快乐的游戏活动情景中，学生能大胆、深入地投入和创意，体现主体心理受环境激发取得更好的学习效果。如在《人物速写》的教学中，笔者巧妙的安排了“人物百态”的情景，每节课让3～5名同学们为自己设计好不同的人物形象造型，表现不同人物的特有的造型。通过学生对人物模仿形象感受，学生在模仿中和绘画观察中，体会到了哪些特征是人物的主要特点和基本动态；绘画中形态捕捉准确，表现神形兼备，最大限度地训练了感知能力和观察力。

3.善用音乐启发式教学平台

“莫扎特音乐”对婴幼儿智力开发的成果是当今世界不争的事实，作为艺术的不同表达形式，使人进取的音乐有着独特的魔力。音乐的节奏与绘画的激情在普通人群中都具备共性，两者应用在一起显然是最为理想的智能平台。善用智能平台启发学生进行更好的学习，是必行的教学方式。

案例:美术设计专业的书法课《楷书创作》一课的教学过程中，W0707、Y0701班学生喜欢轻音乐，笔者在学生创作过程中，让他们听熟悉的乐曲“绿袖子”，用音乐启发孩子们对世界各种物体形象的认知、感受，感受美―理解美―应用美在乐曲的演奏中，引发了学生在此课程环节设计中完成对创造美的能力培养。

4.建立情商沟通合作平台

团队合作精神是拓展基地中，训练方式里的关键因素。在以学生为主体的课堂教学中，团体的成功是所有成员共同协作来达成的。独立完成艺术创作的实验性课堂里，学生被动参与的作品和组队协作主动参与的作品，是有着明显区别的。

案例:《设计色彩:情感色彩的表现》一课中，要求每个学生在作业纸上画出自己此时此刻的心情，接着将自己的情感色彩任意贴在黑板上。通过Y0702全班的合作，需要考虑相互之间怎样摆放、搭配，才能使班级绘画出一幅美丽的情感世界。这节生动的学生情感色彩的绘画课，是通过学生亲密协作创作完成的。

让每个学生都成为艺术设计大师是难以达成的。但是，用多元智能的先进理念在艺术教学中，从主体出发开拓适合于每个主体的施教方式，可以给学生艺术创作赋予永恒的灵感。每一种智能在学生认识世界和改造世界的过程中，都发挥着巨大的作用。我们不能使每位学生成为艺术家，但可以给予学生在艺术创作中善于发现美的心灵之窗。

参考文献：

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文字是记载历史、积淀文化的视觉语言，是人类思想情感的图画形式。文字的发展变化既是文化发展的需要，也是人的审美感受和视觉感知不断抽象化和符号化的过程。观看文字发展史，就像阅读一部视觉艺术史，不同阶段的文字图像反映出了特定时期文字符号各具特色的设计与创造。

作为中国本土的文化和视觉语言——汉字最能代表东方的艺术文化与特色，是中国文化几千年传承的最重要载体。世界其他很多国家同样也有着悠久的历史，但因文字的断代而留下诸多历史谜团和永远的遗憾。汉字的发展过程经历了象形文、甲骨文、金文、篆书、隶书、草书、楷书和现代美术字艺术字体等几个连续的演变阶段。由汉字延伸出来的艺术，除了书法篆刻艺术外，绘画艺术、诗词歌赋、语言表达和交流等都不同程度地受到影响。

一、汉字——传达视觉艺术信息的符号

汉字经过长期的演变与发展，越来越多地蕴含了人们的情感因素和审美意蕴，其表意性、象形性、表情性、和谐性、审美性等方面深刻地体现了中国传统造型艺术的发展。以形写意，以意表情，字画同源，汉字成为一种特殊的艺术体系。

从文字的发展历程来看，整个文字系统是以象形字为基础的，其次才有指事字、会意字和形声字，其中以象形、会意和指事方法为早期出现，形声则是成熟阶段。

从广义视觉角度来看，任何文字字体都具有丰富的图像性。这种图像性体现在文字的结构、造形与笔画之中。图像性已经使汉字成为图形中最为精彩的元素，它积淀了人类文明的诸多特征，包括人们的审美、感观及心理特征等。

现代设计中的汉字设计，是作为传达信息的符号与表现对象之间的形式关系，不仅仅是字体造型，兼有内在含义基础加入艺术的视觉元素进行处理，生动形象地表达了文字的深层含义。文字设计是以研究字体的合理造型结构（点画、字架）、字形之间的有机联系（字距、行间），以及文字的编排为基础内容，还包括字形提炼、编排酝酿、情调确立、构图想象和表现形式的选择等一系列形象思维创造的过程。

二、汉字的装饰设计演变

我国汉字的装饰历史，最初可以追溯到夏商周时期的青铜器。那时的青铜器是奴隶主和封建主的各种生活用品，也有一些祭祀的物品，上面最早出现了文字装饰。

汉字的装饰演变到了春秋时期，其特点是强力的装饰感和趣味性。如当时比较有代表性的鸟虫体，就是将基本笔画做出鸟型等的样式，装饰感强。汉字字体发展到汉末，出现了瓦当字体，瓦当是古代建筑装饰中的一种独特形式，这种文字主要特点是结构匀称整齐，在当时很盛行。再到后来，汉字经历了书法艺术各种字体的传承演变，已经逐渐形成了独具东方特色的装饰书写文化，其魅力之强大，为世界各国所共识。

汉字装饰手法很多，设计中常用的就有16种，比如笔画共用、本体装饰、联想装饰、投影等。在实际设计当中，设计师常常根据文字的具体内涵去创意设计。

三、汉字在标志设计中的传承应用

目前，图形文字作为我国优秀的传统文化运用在标志设计、广告招贴设计、书籍装帧设计等方面已经相当普遍。笔者就以中国书法艺术为素材提取设计元素，设计了3组标志。

酒店标志（图1）：书法字体由洛阳书法家李进学题词，标志的主体是汉字书法的“金”字，具有强烈的地域特点和独特的个性，内涵丰富、有力，突出了企业的中国文化精神内涵。背景为金色的朝阳和红色的地平线，预示着酒店深厚的历史文化底蕴和企业的文化凝聚力；饱满而稳重的汉字结合图形细腻的外形，体现出酒店的尊贵与品质感。标志形态古朴真实，含义明晰，并具有较强的识别性。

河南省第三届工业设计展标志（图2）：同样是以汉字“河”为基础元素，以书法为表现手法来进行设计的。这一汉字书法的“河”蕴涵“三水”，表达了洛阳的地域特色，即“母亲河——黄河、洛河和伊水”的三水结合，即“第三届”涵义图形。这一标志体现了河南省第三届工业设计展以人为本的积极追求。标志以黄色为主色调，富有生命活力，其造型充满了向上、升腾、明快的动感和意蕴，抒发了工业设计专业的可持续发展的创造激情和弘扬传统文化的不懈努力。

河南科技大学第六届运动会会徽（图3）：会徽主体以书法字体“6”为视觉语言，并用自由的笔法将其勾画出驰骋赛场的运动健儿，以象征“更高、更快、更强”奥运精神；整个图案以红、蓝为基础色，红色象征热烈、欢乐、激情，寓意美好的明天；蓝色体现青春、希望、活力。颜色的搭配运用，充分体现出体育竞技项目的丰富多彩，也很好地预示着河南科技大学第六届运动会极具观赏性。会徽整体造型简洁、笔触轻松、色彩明快，充分体现了活力、动感，传达出了学校运动会的丰富内涵。

结语

在社会经济、文化艺术一体化发展的今天，汉字发展和汉字设计传承面临着巨大挑战。我们要把挑战看成是一种机遇，站在一个更高的角度，去认识和理解汉字的创造和发展，挖掘无尽的想象力和创造力，为现代设计艺术提供更高的学术价值和参考价值，为中国的汉字发展、汉字设计和艺术设计教育做出更大贡献。

参考文献：

[1]高瞩等.中国传统文化与产品形态的审美传承[J].包装工程，2010，（2）：54-57.

[2]王旭倩.传统文化在中国白酒包装中的运用[J].包装工程， 2008，（9）：199-220.

[3]牛加明，何晓丽.汉字在现代标志设计中的应用探讨[J].包装工程， 2008，（12）：181-200.

[4]张利国.现代设计美学[M].郑州：河南美术出版社，1999.