工艺美术运动起源范文

导语：如何才能写好一篇工艺美术运动起源，这就需要搜集整理更多的资料和文献，欢迎阅读由公务员之家整理的十篇范文，供你借鉴。

篇1

一、未来主义的特点

（一）顺应时展——对工业革命的“推崇”

顺应时代的潮流是艺术运动能够延续和发展的主要原因之一，但文中所说的并不是“水波逐流”的概念。而是能够抓住时代的脉搏，凭借自身的优势结合社会需求，从而拥有鲜明主张的艺术运动。在这里并不是要批判类似于发生在19世纪下半叶英国的工艺美术运动，因为他们所处的时代背景明显是不同的。工艺美术运动起源于在1851年英国伦敦海德公园的水晶宫所举办的第一个世界博览会，当时展览会上的与工业产品及其不搭的“丑陋”设计，引起了当时观看展览的约翰•拉金斯与威廉•莫里斯的注意，在展览结束后的几年里拉金斯一直努力企图通过理论来改变产品装饰，但一直由于缺乏实践的支持在当时并没有引起社会的广泛关注。直到作为工艺美术运动的践行者威廉•莫里斯为自己所设计的婚房——红房子的出现，这才引起社会的广泛关注，由此已引发了轰轰烈烈的工艺美术运动。但是工艺美术运动是在面对工业革命的迅速发展下产生的，当时艺术家对工业产品的产生持有不接受的反对态度，因为他们认为：“工业化进程一方面极大的促进了生产力的提高另一方面也引发了各种社会危机（事业、贫穷、童工等）一些具有民主思想的艺术家将这些社会问题归结于工业和机器”，所以他们对工业产品和工业革命发展持回避态度，并转向中世纪和自然界的设计风格，倡导手工艺产品。工艺美术运动也由于自身的“逆流而上”和自身的缺陷，像威廉•莫里斯所开凯尔姆斯科特出版社一样被淹没在历史的洪流之中，最终被新艺术运动取代。与工艺美术运动不同的是未来主义运动发端于20世纪的艺术思潮，当时人们已经历过第一次工业革命，并且始于19世纪中期的工业革命正在如火如荼的进行中。面对科学与技术结合产生的巨大创造力和生产力，正如未来主义的代表人马里内蒂在其未来主义的宣言中说到：“我们断言一种崭新的美——速度的美——使得世界更加的丰富多彩。一辆跑起来像机关枪一样发出尖利啸叫的汽车，远比萨摩色雷斯的胜利女神更美。”很多的艺术家和知识分子积极响应工业革命和大工业生产，他们赞美机械化生产。除此之外，未来主义运动还是意大利人为了找回原本是整个欧洲效仿对象的历史自信，所开始的一场主张与传统决裂的反传统运动。

（二）自由与反叛意识——强调运动的特质

“艺术史上没有一次运动像意大利未来主义一样，将矛头指向对传统的一切思想观念、文化，表现出极端的反叛意识与行为，亦没有有着反传统的主题、机器时代的元素符号与属于未来主义特有的动荡、眩光、激昂的感情。”这些评论正如1909年2月20日意大利诗人马里内蒂在巴黎《费加罗报》上刊登的首篇《未来主义的创立和宣言》。宣言讴歌现代工业文明、科学技术使传统的时间与空间的观念完全改变，因而主张未来的文艺应当反映现代机器文明、速度、力量和竞争。除此之外，宣言还诅咒一切旧的传统文化，强调现代都市是机器加速的动感世界，认为在枪林弹雨中转动的车轮和一直围绕在我们身边的工业噪音要比希腊的女神还美，主张彻底清除一切博物馆、图书馆和学院，为此他们高喊：“我们要歌颂战争，我们要催毁美术馆、图书馆，我们要在现代的首都歌唱革命，继续不断地燃烧书架，打开运河，淹掉美术馆的圆顶。”未来主义大师的安贝尔多•波菊尼的作品便是意大利未来主义主题的最好阐释，他在《街道进屋》中描绘的空间既然不是让人想要近距离接触和进入的空间，对于画作为观众所带来的舒适、愉悦空间代入感完全的消失。取而代之地是一个高速旋转、滚动的危险“物品”，在一定程度上刺激观者的感官，积极的调动人们的各个神经细胞，让观众随着即将倒塌的房屋及飞奔的马蹄一起体会画中的城市生活。除此之外还是有他的《空间中连续的独特形式》雕塑、《城市在上升》等作品无一不在宣扬作者的特立独行外，还具有未来主义运动的典型特征。由此可见未来主义剑走偏锋，以富有节奏感的运动代替传统艺术的沉思，以赞美机器和速度来凸显题材，以工业革命最为描述主题，倡导创作的自由和反传统的意识主张。

二、未来主义运动影响下的平面设计

（一）未来主义运动下影响下的平面设计特点

未来主义起源于文艺复兴的发源地意大利，他们有着浓厚的理论基础和在文学方面颇有建树的大家。所以对在经历过思想解放、又有理论积累的意大利发端的未来主义来说，它在理论观点的梳理和成型上具有先天优于其他艺术运动。未来主义在初期就形成了有着明显的反传统、倡导现代工业城市的理论指导，例如未来主义运动发起人——意大利诗人、文艺批评家马里内蒂在《费加罗报》发表的《未来主义宣言》，以后又相继发表《未来主义文学宣言》、《未来主义与法西斯主义》《未来主义戏剧宣言》等，一整套的未来主义理论主张。对于艺术评论家来说他们战斗的武器就是手中的笔，战斗的场地就是刊物和书籍，所以马里内蒂并不满足于在仅仅用别人的场地作为战斗的场所，他自己在1913年参与创办未来主义刊物《莱采巴》，并以此作为自己为未来主义奋斗的战场。他们在理论中强调的关于主题思想的阐述更是影响了20世纪其他文艺思潮产生了影响，包括艺术装饰、漩涡主义画派、构成主义和超现实主义、平面设计等，其中影响较大的是现代平面设计。现代设计和现代设计教育的重要奠基人之一、著名设计理论和设计史专家王受之教授在其《世界平面设计史》中曾谈到：“现代主义中未来派、达达派和超现实主义、（荷兰）风格派、至上主义、俄国构成主义，在这个世纪直接影响了视觉传达的造型语言和视觉传达。”其中的未来派也就是现在文中谈到的未来主义。它在平面设计中的主要影响就是自由版式和自由字体的运用，未来主义下的平面设计强调无政府主义式的、反常规设计。在马里内蒂《未来主义与法西斯主义》文中，它的版式设计和文字便是未来主义下的平面设计表现特征的典型代表。

（二）未来主义运动对平面设计构成成元素的影响

在现代平面设计之前的招贴设计的基本构成元素图形、文字等一些基本的元素，并且它们的作用基本上是记录储存人们思想意识、历史变迁的一些具有简单的社会功能。等到发展到近代的时候，随着工业革命的产生和人们经济水平的提高，它从原本的艺术体系绘画、雕塑中独立出来，成为一门独立的学科，设计一词开始产生，平面设计一次也开始被人们广泛应用，并且拥有很多明确的划分。就现在而言，平面设计是把平面上的几个基本元素包括图形、文字、字体、插图、色彩标志登等符合视觉传达目的的方式组合起来，是指成为批量生产的印刷品，达到准确的视觉传达功能目的，同时给观众设计需要达到的心理满足。而把未来主义对平面设计的影响可以说是涉及平面视觉构成元素——字体、插图、色彩、图形、版面以及平面广告的视觉流程等具体的视觉要素的方方面面，而具体的把未来主义运动在平面设计中运用的践行者就是佛塔那多•德皮罗，他把未来主义的艺术纲领中强调的“共时性”彻底的践行到他的商业广告设计中。

三、总结

通过未来主义运动与工艺美术运动的对比基础上，所刨析出的未来主义的特点可见，能够直击人心、勇敢的介入当下并反应时代特点的美术运动总是能在艺术式中占据有利的发展位置，并且在其他领域也能产生深远影响。由于未来主义强调运动和自由的主张，所以通过对在未来主义影响下的平面设计特点以及平面设计的构成元素，可以发现未来主义对平面设计的影响主要体现在平面设计中的自由版式和字体方面。综上所诉，我们可以通过对未来主义对当时平面设计影响，来系统地了解当时平面设计风格、特点转变的原因，由此补充前人在未来主义与现代平面设计方面的确实。

作者:张培源 单位:山东工艺美术学院

参考文献：

[1]张乃沃.中世纪建筑艺术与工艺美术运动的家具设计.[J].装饰,2004:5

[2]马勇建.现代主义20讲[M].上海社会科学出版社,2005

[3]钱江.绘画传统的决裂与颠覆：未来主义与达达主义.[J].艺术评论,2013:8

[4]余珊珊译.未来主义的基础宣言.吉林美术出版社,2000

篇2

关键词：艺术设计；教改系统；规律

中图分类号：J29 文献标识码：A 文章编号：2095-4115（2014）09-37-2

艺术具有抽象和具象的区分。抽象艺术指艺术形象较大程度偏离或完全抛弃自然对象外观的艺术。抽象艺术一般被认为是一种不描述自然世界的艺术，它透过形状和颜色，以主观方式来表达。抽象一词原义指人类对事物非本质因素的舍弃与对本质因素的抽取。一部分原始艺术品和大部分工艺美术作品以及书法、建筑等艺术样式，就其形象与自然对象的偏离特征来说应属抽象艺术。但作为自觉的艺术思潮的抽象艺术则在20世纪兴起于欧美。诸多现代主义艺术流派如抽象表现主义、立体主义、塔希主义等均受此影响。

西方古典绘画是具象的，而西方现代绘画有些画派是抽象的，如立体派、风格派等。西方古典绘画的基础是素描。塞尚发现了绘画形体的基本结构是方形、圆形、三角形、圆柱形。素描的明暗调子就是由光线、形体基本结构和形体固有色决定的。素描根据形体结构，把明暗调子分成三面、无调、七个层次。素描的基本方法是透视法，通过透视在平面上表现对象的立体感、空间感，通过明暗调子和笔触表现对象的光感和质感。西方素描力求真实地客观地表现对象，给主体留下的创造和表现情意的空间很小。其优点是能够表现特定时空中对象的风貌。看西方古典绘画的历史，可以发现其绘风格和样式很少变化。

西方现代绘画是对西方古典绘画体系的解构，其路径正是逐步地抽象，逐步舍弃古典绘画的要素，用平面代替立体感和空间感，用自然色、主观色代替固有色，用自由构形代替客观的构形。西方现代绘画在抽象的路子上越走越远，展现给世人完全主观随意的画面。从纯客观走向纯主观，展现给世人完全个人主观随意的画面。当然他们在抽象的路子上行走的时候，是借鉴原始绘画和东方绘画的某些元素的。

然而不同的文化圈子在精神层面毕竟有相当大的距离，西方人能学到东方艺术的貌，难得其神韵。因为东方绘画有深厚的文化底蕴，其哲学思维方式，审美理念、艺术传统经过几千年的民族心理的积淀，很难被西方人所领悟。西方人抽象分析思维很容易走向两个极端：要么具象，完全具象；要么立体，完全立体；要么平面，完全平面；要么自然形态，完全自然形态；要么几何形态，完全几何形态。在这样的抽象思维定势下，西方的抽象化，其平面构成完全脱离体，而一旦脱离体，就脱离了对象有规律的运动，平面的构成只能根据视觉美感自由组合，而无法把握更深层次的、微妙的、连续的运动感和韵律感，没有重力平衡的要素。西方绘画体系虽然抽象出形体的四种基本结构，但是并没有对这四种基本结构的关系进行进一步的分析，无法通过这四种体的关系纽带建构图形的动态关系。因此西方现代有些画的平面构成有机性不明显，缺乏力度感、动态感、韵律感，其图形好像随意堆积的机械图形，漂浮在纸上。后西方现代艺术反叛现代艺术的过于抽象，回归生活的真实性，但是有时又失之于偶然和琐碎，乃至于有消解艺术，使得艺术虚无化，或者说用生活的平凡取代艺术的精美。

以西方艺术形态为参照系，就可以进一步分析中国书法艺术形态抽象性特征。仅仅说中国书法艺术是抽象艺术，只不过说出了事物的表象，问题是要能一步分析中国书法艺术作为抽象艺术与其他抽象艺术的不同特点，这样才能深入分析书法艺术独特的审美价值，对书法艺术在人类艺术大家园中进行适当的定位。

如果我们进行认真仔细的观察、深入对比和分析，可以发现中国书法艺术抽象出了对象的体态结构。书法艺术虽然是平面艺术，但是是不脱离体的，具有平面和体的双重审美效应。关于这样的结论从古汉字的起源就可以说明。中国汉字是象形文字，是中国古人“观物取象”思维方式的体现。中国古人非常注重对客观物象的观察，具有求真务实的精神，这点一点也不亚于古希腊人对真理的孜孜以求。

古希腊人遵循的是分析思维方式，对对象进行细微的观察，条理分析。古希腊人发现事物是有微观颗粒组成的，他们提出四元素说，也说到气。亚里士多德已经发现形式逻辑的规律。对于古希腊人来说是就是是，不是就是不是。西方哲学直到黑格尔这里才形成概念的辩证法，这是建立在宏大的历史观基础上的。古希腊人忽略了一点，就是人的观察和分析能力都是有限的。古希腊艺术以建筑和雕塑为代表，雕塑以人体具象为模型。追求“静默的伟大和高贵的单纯”的情调。

与古希腊人所不同，中国古人具有综合思维方式，善长结构性类比和思辨，古代《易经》具有丰富的辩证法思想。中国古代文字就是建立在结构类比思维基础上的，象形反过来就是对形的象的追寻，这里的象是大象无形，具有高度的抽象，抽象的是本质的象，动态结构的象。中国古文字抽象出“隐形米字框架”，并把这个框架作为所有文字造型的基础。隐形米字框架是对太极图的文字的诠释，因为隐形米字框架是圆形的内部框架结构。圆形是围绕穿过圆点的直径处对称的，是体现物质运动本质的图形。一切运动都是围绕轴线或者轴心的运动，所以星体是圆的，山川都是波浪形的，一切陆地交通工具都是有车轮的，而航天和航海交通工具都具有流线型结构，直升机的的升降螺旋是圆的。三角形和方形都是圆形的特例。

书法是以圆形为基础的方圆备至的造型，这是中国书法与西方造型艺术的本质区别。西方的古典艺术因为是具象的，因此也具有偶然性，并没有发现自然万象结构的本质特点；西方现代艺术发现了造型的四个基本型，但是并没有发现四种基本型的相互隶属关系，因此也无法发现各种造型相互间的关系。其造型内部缺乏整体的协同，也缺乏动态的韵律。图案艺术虽然经常用到圆形，用到隐形或显形米字框架，但是由于规则性太强，过于对称，缺乏动态平衡的趣味，造型缺乏对隐形米字框架的自由的、多向的偏离，因而自由度相对较低，生机不够，一览无余。书法艺术较之其他平面造型艺术，其优势就在于以圆形为基础，对隐形米字框架的应用和自由的、多向的偏离，有序而活泼。正是隐形米字框架为基础，汉字在结构上是统一的，在书写上是完美的。

由于汉字在平面上抽象出体的结构，其观赏特点是从上往下看的，在体量上是有重心的。这就使得汉字具有建筑美、人体美。这是书法艺术区别于图案的本质特点。书法艺术是在平面上表现体量，这是书法艺术最高的抽象性所在，仅仅在平面上用线面造型，就能表现自然万象的立体结构。书法艺术具有平面的装饰美和立体的生机美的双重审美效应。而图案艺术只大多只具有单一的平面审美效应。所以说雕塑是希腊艺术的典范，而汉字是中华民族艺术的精魂。建筑是人类精神的高扬，是人类的家园。建筑的体量感具有震撼人心的效应。中国古人把建筑的宏伟的结构纳入书法艺术，使得这种艺术具有强大的力度感。同时由于书法的高度抽象性，不拘泥建筑的细部，而在于其承受重力的结构，并把这样的结构看成宇宙的法则，与星体结构、人体结构、动植物结构相类比，抽象出其共有的动态和静态的对称平衡结构。篆书和行草把几何形和有机性统一于一身，特别是行草书以隐形米字框架为基础，中宫收紧，八面拓展，龙飞凤舞，美不胜收。隶书、楷书字体横画多于竖画，并且有不同倾斜度的斜画穿插，极具美感。

书法的抽象性的最高体现就是其书家书写的线面造型手段。西方古典绘以块面为表现手段，图案以线条为变现手段。这两者都难以变现人的主体性。书法艺术以线面为造型手段，线面是主体人用毛笔、刀具等书写或者刻出来的，可以有方圆宽窄的变化，节奏韵律的变化。人体的运动和自然万物的运动遵循同样的物理规律，是太极运动。只不过前者是主体有意识和无意识的协同控制。

书法实现了书写的过程和结果的统一，在有限的空间表现复杂的关系。一幅作品从开端到结束，始终存在平衡和不平衡的矛盾，存在线面、字体、章法的三度空间的协同关系，极具变化和创意，书者每时每刻都在调整笔意，调整书写的方向、力度和速度，每一笔都要选择起点和落点，要考虑重心平衡，充分调动起书家的自由的创造性审美体验。这是其他任何艺术都不能比拟的。西方素描的透视决定空间关系，一幅作品只有一个重心，图画的法则决定空间关系，而书法要靠主体自身的经验和技能调整空间关系，每一个字体，甚至字体内部的基本型都有重心，都需要把控。因此书法是自由的、动静结合的艺术。

参考文献：

[1]辛华泉.形态构成学[M].杭州：中国美术学院出版社，2009.[2]王冬龄.书法篆刻[M].杭州：中国美术学院出版社，2008.

[3]张励民.书法辩证[M].昆明：云南出版集团有限责任公司，2010.

[4]多种碑帖.

[5]百度资料.