工艺美术运动特征范文

导语：如何才能写好一篇工艺美术运动特征，这就需要搜集整理更多的资料和文献，欢迎阅读由公务员之家整理的十篇范文，供你借鉴。

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【关键词】传统工艺美术 现代设计 区别 共性

传统工艺美术是我国劳动人民为了满足自己的精神需求和物质需求，在不同的历史时期用自身的工艺技术对各种不同物质材料进行加工，所创造出来的人工造物的统称。传统工艺是我国民族造型艺术史上重要一部分，不仅具有工艺美术的本质特征，还向外界展示了中华民族所具有的鲜明特色。工艺美术在形式和内涵上始终保持着审美价值和使用价值于一身，其高超的工艺技术、鲜明的特色风格、丰富多样的艺术形式，为我国民族文化发展谱写了灿烂的徽章。

现代设计是指工业革命以后，具有审美性和功能性的设计活动。现代设计的最终目标就是设计出审美性与功能性于一身的设计作品。人类史上的设计发展可以追溯到制造出的第一件产品。但是现代设计真正开始是在工业革命之后，新文化、新思想的出现，推动着现代设计的蓬勃发展。荷兰风格派运动、构成主义运动以及包豪斯设计学院的设计运动等，都是推动现代设计产生的有利源泉。

中国传统工艺美术与现代设计之间既有区别又有共性。中国传统的工艺美术有着5000多年的悠久历史，吸收了传统文化中的内涵与精髓。而现代设计的产生更多地受到工业革命以后新思想和新文化的带动，体现的是新时代的精神与文化。现代设计离不开传统工艺文化，传统工艺文化业需要现代设计理论支撑。本文主要从传统工艺美术与现代设计之间的关系进行深入分析，论述了二者之间的关系以及如何处理好二者之间的关系。

一、传统工艺美术与现代设计之间的区别与共性

从传统工艺美术与现代设计的区别来看，首先，中国传统工艺美术注重的是功能美，而现代设计则注重技艺美；传统工艺美术主要针对的是手工艺制品，现代设计主要针对的是工艺产品；传统工艺美术体现的事人文思想，现代艺术设计体现的设计理念。如果说传统工艺美术是艺术与技术的融合，那么现代设计就是艺术与科学的结合。其次，传统工艺美术的内容囊括了服装、染织、装潢、陶艺等工艺，而现代设计囊括了工业设计、平面广告设计、室内设计、包装设计等。再次，传统工艺美术针对的是一些手工艺制品，而现代设计生产的是工业产品。前者传达的是人文思想，后者传达的是现代设计理念。

从传统工艺美术与现代设计的共性来看，首先，无论是传统工艺美术还是现代设计，二者在平面构成上有一致的形式法则。例如对比、夸张、象征等，这些都是二者平面构成上的基本理念。其次，二者在色彩构成方面也有着很大的相似，都遵循色调、透明度、纯度、色彩混合、色彩冷暖等用色规律进行，内容的研究和作品的用色都保持一致。再次，中国传统工艺美术中的技艺手法与现代设计中的立体构成设计手法，都是在研究三维空间中如何进行立体造型的。二者都是按照一定的造型原则赋予立体形态的美感，都是将一个形体分割成组合形体抑或将组合形体分割成单个形体。我们知道，任何一种物质形态都可以还原到点、线、面。相反，点、线、面又可以组合成任何形体。

二、如何处理传统工艺美术与现代设计的关系

传统工艺美术与现代设计是相互存在、相互促进的，二者既有区别又有共性，正确处理好二者之间的关系，对我们发扬传统工艺美术以及当代设计发展有着非常重要的意义。

当代设计发展要立足于现代设计基础之上，同时更要加强对传统工艺美术文化的传承和保护。应将悠久的传统文化内涵与现代生活方式、审美观念融合起来，推陈出新、贯穿古今。传统的工艺美术史历史文化的积淀，是取之不尽用之不竭的文化宝库，能够提高我们的修养开阔我们的视野，同时也为现代设计发展提供了丰富的创造源泉。

现代设计是工业革命之后产生的，带有浓厚的西方观念思想，这往往会对传统的工艺美术带来一种冲击。有人认为艺术设计就应该需要脱离传统的工艺美术，这是一种偏颇的观点和看法。现代设计在设计的过程中，会受到人为的思想和情感的影响，需要设计者运用一定的思维创造能力进行分析和设计，并将自身的设计理念和内心的情感驾驭到设计作品之上，体现现代设计的发展走向。现代艺术设计的发展并不是对传统工艺美术的否定，而传统工艺美术的文化思想也不会因为现代设计的产生而消亡。相反，二者正在逐渐走向共同发展的道路。张道一先生就曾说过：“有人将传统工艺与现代设计对立起来，评定是非，我看是不必的。”当我们清楚地认识到传统工艺美术与现代设计之间的关系以后，我们自然而然就不会将二者进行对立，评定它们之间的是非，而是应该将传统工艺美术与现代设计合理的融合起来。传统工艺美术需要现代设计带动，现代设计则需要吸收传统工艺美术的精髓，科学、合理的认清楚二者之间的区别于共性，这将有助于我们更好地发扬传统工艺美术、发展现代设计。

结语

纵观所述，传统工艺美术需要现代设计理念的支撑，而现代设计业需要传统工艺美术文化的熏陶。当代设计应该充分体会到传统工艺美术以人为本的内涵，吸收5000多年传统文化的精髓，将传统文化中的功能美和装饰美融入到当代艺术设计中，使我们的设计作品更加能够突出文化艺术气息。

参考文献：

[1]陈熠.传统工艺美术与现代设计之我见[J].大众文艺，2013（5）.

[2]刘淑伟.传统工艺美术与现代设计的关系分析[J].科技创新与应用，2014（2）.

[3]毛旭林.论工艺美术和现代设计的异同[J].装饰，2006（10）.

[4]李旭，黄蜜.中国古代工艺美术的文化特征与现代设计的发展[J].包装工程，2010（10）.

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英国工艺美术运动的领导者莫里斯倡导用中世纪哥特式风格和自然主义风格来解决维多利亚风格的繁复和大工业生产下产品丑陋的问题，而作为设计实践，不管是他的“红屋”住宅的设计还是家具、地毯、书籍、纺织品的纹样设计都体现了他的设计风格和对自然主义的推崇。工艺美术运动的主要思想恰与东方艺术中“天人合一”的思想不谋而合，自然主义使得东方装饰和东方艺术元素得到借鉴和运用（图1、图2）。“大量的装饰都有东方式的、特别是日本式的平面装饰特征，采用大量卷草、花卉、鸟类等等为装饰动机”[1]，设计作品所呈现出的清新、自然和朴实无华受到了大众的欢迎。除此之外，他还受到了日本木版印刷的影响，采用线条和色彩使装饰图案平面化和风格化，具有浓郁的浪漫色彩。无独有偶，在工艺美术运动影响下形成的各设计行会和很多设计师都从东方艺术中吸取养料，如设计师爱德华•威廉•戈德温，他在各种印刷品上看到了日本风格的家具，并对日本式的风格产生了兴趣，于是将其与英国的文化结合，仿制了许多具有日本家具的直线风格的英国家具。英国工艺美术运动不仅仅在英国本国展开，并且对其他国家也产生了影响。在美国的“工艺美术”运动中，设计师也在设计中采用了东方艺术元素，这些元素不仅仅是平面的具有自然主义风格的纹饰图案，而且具有更细致、更深刻的内容（图3）。美国设计师格林兄弟从结构上采用了日本民间传统建筑的结构特点和模数体系，设计了根堡住宅，从中国明代家具风格中寻找设计灵感，设计出大量具有东方特质的家具。与格林兄弟相同的还有美国著名设计师赖特和古斯塔夫•斯提格利，他们将东方艺术的典雅、朴实、自然和简洁大方运用到建筑、家具和平面设计中，得到世人的认可。在东方艺术中，陶瓷拥有着悠久的历史和重要的地位，“东方各国，特别是陶瓷的故乡中国和陶瓷发展非常突出的日本，对于英国的陶瓷带来了非常大的影响。从当时英国的陶瓷设计上看，可以看出东方陶瓷设计的明显影响，特别是图案、釉色的运用、器型上，东方的影响特别明显” 。[2]

二、 新艺术运动时期的东方艺术元素

在工艺美术运动之后蓬勃兴起的新艺术运动，不受中世纪哥特式风格的局限，热衷于传统装饰风格，更加崇尚自然，热衷于自然曲线的运用。在这样的宗旨下，新艺术运动并未形成统一的设计风格，而其影响力却波及到十几个国家。东方艺术形式特别是日本和中国的工艺美术在新艺术运动中更加明显，“对日本等东方艺术的借鉴、对矫揉造作风格的反对，对于手工业的爱好，对于大工业化的强烈反感，都成为新艺术的基本特征” [3]。法国是新艺术运动的发源地，定居法国巴黎的德国人萨穆尔•宾成立了“新艺术之家”，他个人对日本美术和日本传统手工艺非常入迷，不但专程去日本考察，收购日本工艺美术品，还出版了杂志《日本艺术》专门用于宣传日本艺术和工艺美术。萨穆尔•宾作为一名出版商、贸易商，为东方艺术走入欧洲，影响欧洲的现代设计做好了基垫。这样的情况不仅仅发生在法国，在比利时的新艺术运动中，设计师博维不但设计家具还经营日本进口的陶瓷和工艺品商店“日本之家”，而英国人阿瑟•里柏提在伦敦开设了日本工艺品店，这都为艺术在欧洲的传播起到了重要作用。日本的版画可以说对新艺术运动有着非常大的影响，设计师们从日本版画中学会了平涂的手法，学会了运用留白的设计形式和提炼抽象的纹样。在新艺术运动中，陶瓷作为东方艺术的瑰宝仍影响着新艺术运动，不管是装饰风格还是加工工艺都成为他们学习的内容。日本陶瓷的粗犷和中国陶瓷手工绘制的精细、色彩明快都丰富了设计师的设计实践（图4）。再次，东方艺术在建筑方面也得到体现，比利时的设计师霍塔将东方艺术中植物纹卷曲回旋的形式自由并流畅地运用到室内设计和建筑设计中，既浪漫又具生命力，装饰性强。

更值得一提的是，曾为英国工艺美术运动成员的设计师麦金托什，新艺术运动时期成立了“格拉斯哥四人派”。他对日本浮世绘的绘画方式非常感兴趣，特别是那些简单的直线，经过对这些简单直线的理解和运用，他排列和设计出不同的装饰效果，这使得他对直线有了了解，接受了新艺术运动中所没有的直线表达方式，不但追求横竖直线的构图，还以黑白为主，设计风格不同寻常（图5）。在产品设计上也体现了他的设计风格，采用直线和简单的几何造型，在细节处稍加自然纹饰，这影响了很多后来的设计师，形式上与在德国开展的名为青年派的新艺术运动有着联系，为现代主义的规整几何形式的出现打下了铺垫。

三、 装饰运动时期的东方艺术元素

装饰艺术运动是在新艺术运动之后在法国等国家开展的设计运动，它与欧洲的现代主义运动并行发展。在这场运动中，东方艺术仍然散发着浓郁的香气，各国的运动中当然少不了对陶瓷设计、家具设计以及装饰图案等东方艺术的借鉴和学习（图6、图7）。比如，法国的陶瓷在釉彩方面就深受中国陶瓷的影响。装饰艺术运动时期，中国的漆器工艺也被运用到室内设计和家具设计中，借此传达出华丽、尊贵的效果，“装饰艺术运动对于东方装饰的迷恋，自然导致了对于东方装饰重要手段之一的漆器的模仿和发展”[4]。除此之外，东方艺术元素还被运用在首饰设计、灯具设计等其他方面，“东方人实际上在教西方人如何设计，直接把他们的知识传播给西方世界。”[5]在传统美术和工艺上有着优势地位的东方艺术，在现代设计初期被西方各国家很好地借鉴、运用和融合到设计运动和思潮中，促进了各国现代设计面貌的形成和腾飞。

结语

在现代设计思潮跌宕起伏中，各国总是在当时具备的社会背景下学习和借鉴先进文化及其艺术形式。古代的东方艺术以其美的形式、优良的功能性、良好的质地影响了很多国家的器物设计和平面设计。其实，现代设计中还有很多深受东方艺术影响，运用和融汇东方艺术元素的实例，如后起之秀北欧的现代家具设计等。这说明了深厚的文化底蕴能为现代设计提供养料。而在目前的环境下，西方的工业化及设计理论和实践有着明显的优势，我们一方面要像他们当时运用和吸收东方艺术一样吸取现代设计的成功经验，融合到中国现代设计的发展中，实现“洋为中用”，另一方面，要挖掘自身文化中的精华和特质融入现代设计中，实现“古为今用”，融会贯通下的中国现代设计才能迎头赶上、独树一帜。

注释：

[1]王受之：《世界现代设计史》，中国青年出版社2002年版，第56 页。

[2]王受之：《世界现代设计史》，中国青年出版社2002年版，第60页。

[3]王受之：《世界现代设计史》，中国青年出版社2002年版，第65页。

[4]王受之：《世界现代设计史》，中国青年出版社2002年版，第94页。

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关键词：中国传统工艺美术；继承；创新

一、中国传统工艺美术的美学特征

中华民族在其发展的漫长岁月中，以勤劳和智慧为人类工艺文化历史创造了境界独到、风范高雅、魅力永恒的工艺造物样式。主要表现为：

1、和谐性。中国传统艺术思想重视人与物、用与美、文与质、形与神、心与手、材与艺等因素相互间的关系，主张“和”与“宜”。外观的物质形态与内涵的精神意蕴和谐统一，实用性与审美性的和谐统一，感性的关系与理性的规范的和谐统一，材质工艺与意匠营构的和谐统一。

2、象征性。这种象征性的追求常常使宫廷或文人工艺美术沦为纯粹的伦理道德观念的展示，造成矫饰之态或物用功效的损害。它强调物用的感官愉快与审美的情感满足的联系，而且同时要求这种联系符合伦理道德规范。受制于强烈的伦理意识，中国传统工艺造物通常含有特定的寓意，往往借助造型、体量、尺度、色彩或纹饰来象征性地喻示伦理道德观念。相比之下，更多以生产者自身的功利意愿为象征内涵的民间工艺美术则显得刚健朴质，充满活力。

3、灵动性。中国传统工艺造物一直在造型和装饰上保持着S形的结构范式，这种结构范式富有生命的韵律和循环不息的运动感，使中国工艺造物在规范严整中又显变化活跃、疏朗空灵。传统的工艺思想主张心物的统一，要求“得心应手”，“质则人身，文象阴阳”，使主体人的生命性灵在造物上获得充分的体现。

4、天趣性。中国传统工艺美术在造型或装饰上总是尊重材料的规定性，充分利用或显露材料的天生丽质，重视工艺材料的自然品质，主张“理材”、“因材施艺”，要求“相物而赋形，范质而施采”。这种卓越的意匠使中国工艺造物具有自然天真，恬淡优雅的趣味和情致。

5、工巧性。丰富的造物实践使工匠注意到工巧所产生的审美效应，并有意识地在两种不同的趣味指向上追求工巧的审美理想境界：去刻意雕琢之迹的浑然天成之工巧性，和尽情微穷奇绝之雕镂画缋的工巧性。对工艺加工技术的讲求和重视是中国工艺美术的一贯传统。

二、中国传统工艺美术的继承

（一）中国传统工艺美术是世界工艺美术的重要组成

中国人口之众，中国文化早已向世界各地传播，影响深广，其市场潜力是不可估量的。中华文化对世界的影响之大，以及其在世界文化中所占比重之最也就决定了将中华文化融入现代产品设计的价值前景是无限的，潜力是无穷的。

（二）继承中国传统工艺美术的文化精髓

信仰则是文化的重要组成部分，更是对传统工艺美术的继承和发展，没有文化的根基信仰也将荡然无存。现代工业设计要把中国传统工艺美术抛弃，整天跟着西方的屁股跑，也是没有出路的。而且，随着国外设计兴国战略而来的不仅仅是市场上出售的设计产品还有他们民族的文化内涵，这些文化正通过我们对他们产品的使用而深深的影响着我们的生活，甚至正在冲淡我们中国传统工艺美术文明传承，这足以让我们面对五千年的文明、面对我们的列祖列宗感到羞愧。

三、工艺美术的创新

工艺美术的创新需要在几个方面来推行，如工艺美术发展环境的改善、设计理念的改变、技术及材料的创新等等。

随着不断加快的经济全球化步伐，中国与世界经济的融合达到了一个新的层次。为让传统工艺美术焕发出年轻的活力，首先我们应该从宏观的高度，以更为全面和深远的目光看待传统工艺美术传承与创新的问题，当然，我们也要理论联系实际地解决具体的问题。

（一）优化传统工艺美术传承与创新的政策环境

就工艺美术的发展现状来看，因为目前的法律环境不健全，有不少人知识产权意识淡漠，在高额经济利益的驱使下，工艺美术模仿成风，更严重的是侵犯了他人的知识产权。这种情形严重伤害了工艺美术创作人员的积极性，即使是有一些新的设计理念和作品也没有把它及时投放市场，只能搁置起来，在参加展览时也只有选定作品的部分。长此以往，传统工艺美术谈何传承与发展？所以，知识产权保护意识的增强是工艺美术行业发展的基石。

（二）顺应市场经济发展规律，贴近市场和生活

艺术是来源于生活而高于生活的。同样，当人们在传承和发展工艺美术时，也要从生活中获得灵感，创作出服务人们生活的作品。特别在当前市场经济条件下，传统工艺美术的传承与发展还需要顺应市场经济发展的一般规律，不断贴近市场和生活，把握住工艺美术发展的脉搏。我国传统工艺美术产品的市场十分广阔，并且具有消费层次多样、产品用途广泛的特点。对工艺美术产品的研发和创新，必须以前瞻性战略准确找好市场定位，究竟是主攻国内市场还是国外市场、产品消费对象是中老年人还是中青年、价格定位是低端市场还是高端市场等等不一而足。

（三）传统与现代相融合的创新之路

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一、审美日常化使工艺品的审美价值变为消遣价值

工艺美术品的生产方式被改变的同时，在由器械复制带来的商品消费社会中，人们的审美方式也发生了改变。在艺术品具有稀缺和唯一性的前机械复制时代，人们面对工艺品时，审美的方式是凝神静观，通过对工艺品形式和内容的关照与移情，得到的审美体验中包含着历史、文化背景和主体由于沉浸在作品中所体验到的丰富内涵，中国古代艺术思想的“目既往还，心亦吐纳，情往似赠，兴来如答”，就是对这种由精神专注后的联想所产生的审美效果的生动写照。而在今天的复制品面前，主体不会再保有稀缺和珍贵的情感，加之丰富的各种其他商品应接不暇，现代消费者很少会再去面对这工艺品沉思静观，而往往会寻求一种“渺小和粗鄙的快乐”②，由此主体的审美态度已经不是静观，而是消遣。很显然，在现代性文化环境中，“审美”这个词的意义已经发生改变。工艺品被以消遣和符号等方式消费，使主体得到快捷、粗浅的满足。从而，工艺品本来含有的深层次的和更加丰富的审美价值在人们的漠视中隐退。

二、视觉经验的强化导致工艺美术品触摸感价值的隐退

在今天，人们的经验比以往任何时候都要更具视觉性或是更加视觉化③，从商店的各种宣传画面到互联网的用户界面，几乎我们所关注的所有领域信息都在以视觉化的方式向我们展现着。人们为了适应生存环境，使得视觉文化经验的训练通常是在体系化设置（如影视、绘画艺术等体系）之外的日常生活中完成的④，因此这种训练带有强制和不可避免的属性。但各种视觉产品的销量和社会视觉化的发展速度证明，消费者至少在现代型社会中相当长的一段时间里，已有足够的能力去适应这种视觉化的信息接受方式，而且在不断寻求着新的视觉刺激。正是这种对获取信息和娱乐刺激的功能需求，孕育了iPhone等触屏手机与平板电脑的出现和风靡。这些产品在以强大的硬件条件满足人们的功能需要的同时，也强制着人们去适应无力学反馈的触屏式使用方式和习惯于触摸冰冷光滑的屏幕与电子产品的机身。现在随处可见的是，人们热衷于借助这种视觉技术在视觉文化事件中寻求信息、意义或。然而在得到这种现代性满足的同时，人们对身体在与其他质感与形状的物体的接触中能够获得的感知和神经对细腻的且附有情感性的质感进行体验的需要逐渐淡忘了。这使得工艺美术品的触感价值也在现代性中慢慢被淡忘。

三、现代性的负面影响为城市工艺美术发展提供的契机

虽然现代性给工艺品原有的价值带来了沉重的打击，但由现代性给人带来的异化和束缚等所表现出的负面效应，人们逐渐萌生反异化和反束缚的要求，加之现代性为社会成员提供了好于以往的物质生存条件，为人们重新重视工艺品的触感、唯一和完满的审美价值提供了契机。

1.在都市中异化的神经中枢需要得到释放和回归

像北京、上海这样的大都市，是现代性和科技文明的汇聚地，为了适应现代性社会的生存和谋求一般意义的发展，人被包括科技在内的现代性要素进行了强制化地改造，从而使人对本性体验的需求逐渐被消费逻辑和“工具理性主义”逻辑所遮蔽。⑤对无力学反馈的屏幕操作的适应，就是一个很好的例证。当进行按动传统键盘等行为时，被按的对象会通过下陷和反弹等动作给予皮肤和肌肉神经力学信息的反馈，由此人们在获得点击成功等理性信息的同时，也获取着生理本性所体验到的舒适感与满足感。而由iPhone引领的移动终端的操作方式的变革，使人们为了能够高效获取信息与进行便捷的娱乐，不得不去适应无力学反馈的触屏操作和冰冷的握感体验。在这适应中，人的神经中枢在“工具理性主义”的驱使下，失去了选择的权利，麻木地服从于这种异化的技术训练，而且人还在这种异化中实现着在现代社会中的自我身份认同。而在工作之余，让麻木的神经回归对本性的体验，成为人不可避免的需求。而高质量工艺品所能提供的触感体验，正是帮助人们实现人体对生理本性体验的满足的良好途径。

2.美的同质化环境使个性化工艺产品的价值被重新重视

在创造了丰富的美的产品的同时，机械复制还创造商品美的同质。假想，如果通过市场调查，超过半数被调查的消费者认为iPhone的外观设计最符合他们的形式审美目的，那么在市场利益的驱使下，各厂家会跟着iPhone的风格改造自己的产品造型。过不了多长时间，消费者在市场上能看到的都将是类似iPhone的手机产品，实际上，这个现象已经成为现实。在工艺美术品市场是同样的道理。即便被效仿的产品本身真的很美，其他产品效仿的也惟妙惟肖，那么我们能看到的也只能是一片“美”的荒漠。值得庆幸的是，对同质化环境的厌倦和对个性化的需求，仍然作为人们的本性需求被保留了下来。在这个荒漠中，越来越多的人开始希望拥有非器械复制而成的具有个性的工艺美术品。甚至在手工艺过程中，由于某些工艺失误造成的痕迹，都已被重新重视为工艺品价值的重要组成部分。事实上，这些痕迹也确实是构成作品灵韵、圆满与独一特性的组成要素。以此，有理由认为，消费者对个性化与独有性作品的需求中，潜藏着对灵韵、圆满等审美要素或显或隐的心灵需求。

四、强势现代性文化态度对工艺美术发展的作用

因循中国传统皇恩文化的封建残留，中国工艺美术品生产已经持着弱势文化态度走了太久。在价值观迷失的现代性氛围中，这种弱势文化的发展态度不能建立鲜明的价值取向，更不能与世界文化产生有效的对话，只能使本民族文化中的智慧与价值最终被遮蔽。

1.强势文化态度及其指导下的工艺美术品特征

强势文化就是相信自己且遵循客观规律做事的文化。具体来说，就是面对世界，能够根据客观规律提出自己的价值取向，且把自己认定的价值以自信、积极的态度应用于各种交往及生产性的事件中。这是西方文化普遍具有的一种文化属性。对于全球文化的发展来说，本土和全球之间始终存在着一种张力，即双方相互影响，他把这称作同质化和异质化之间的互动⑥。据此，对于参与到全球各国各民族间的对话来说，以自信的态度充分表达自己的感情和给出自己的价值取向，通常是必要的。此外，建立这种相信和依靠自己的文化态度，是不迷信外来文化的前提，也是分析客观规律和面对问题勇于提出自己的切实方案的前提。特别是在社会乱象丛生、民众价值观迷失的现代性中，只有坚持自信的强势文化态度，才能创作出价值取向鲜明且能对大众起到引领作用的艺术作品。以19世纪末英国“手工艺运动”为例。以艺术家莫里斯为首的许多欧美艺术家，坚信机械复制产品无法取代具有纯净和独一性的艺术的创作规律，坚持认为历史悠久的传统手工艺是人类智慧的结晶，是宝贵的艺术遗产。在资本主义大工业生产和先进的科学技术浪潮下，手工艺不仅不应被消灭，而且还应该得到继承和发展。莫里斯坚决反对在现代商业追求利润至上的情况下，生产了一些俗不可耐的华丽风格的以及假冒的、质量低劣的工艺品，以适应市民们对虚荣的享乐、奢侈生活的向往，他认为这是手工艺术家们所不能容忍的。在这种强势信念的指引下，他们创造了大量被人们称为所谓“粗俗”的草编等手工艺，这些工艺品反映着人类的伟大思想，具有朴实和简练的艺术风格，广为市场所喜爱。在强势文化态度的指导下所产生的工艺美术品通常具备如下主要特征：第一，原创性强。即基于对本土工艺品审美价值的自信，创作出的作品通常保有充分的本土特色和由艺术家原创性作品风格赋予给作品的灵韵，这种独具风格的手工艺品比市场上的复制化的单调的工业品更具有吸引力。第二，制作工艺原汁原味、成品质量到位。出于对本土审美价值的崇敬，创作者通常会一丝不苟地坚守应有的制作工艺与流程，并将成品的质量与效果做得最好。既不会为了产量和效率而粗制滥造，也不会附和现代工业技术的标准。第三，融入现代性，不断推陈出新。对本土文化的自信，并不是要守旧，而是坚信用本土审美价值的精髓可以影响任何时期的受众的心灵。因此，持有强势文化态度的艺术家，通常或是借助现代的技术媒介对本土审美价值的精髓进行表现，或是不断将新时代的文化内容以传统的方式进行讲述。形式多样、新作迭出，而又不失个性灵韵的精髓。

2.弱势文化态度及其指引下的中国工艺品市场特征

与强势文化相比，弱势文化态度的集征就是选择依赖，即指望依靠强者制定的规则和强者的声望等谋得自己的生存。中国各领域都不同程度地渗透着这种弱势的文化态度。弱势文化态度使我国众多工艺美术的创作呈现如下主要特征：第一，跟古人的风。面对现代性的审美市场与社会问题，在弱势文化态度的指引下，创作者往往选择依赖传统工艺美术旧有的审美价值，简单照搬传统作品的风格与样式于现代的作品创作。而很少基于对本民族工艺美术审美价值精髓的认识，对现代性社会中审美需求进行深入研究并提出有针对性的解决方案。第二，跟国外的风。面对百余年来西方强加给中国的现代性发展和国外文化的强势竞争，众多创作者以简单的方式挪用西方工业文明的声、光、电等现代设计要素于工艺品设计，并期望以此种方式使工艺品具备所谓的国际性属性。可以想见，这种做法无异于在西方文化标准的屋檐下寻找一处自己的容身之所，长此以往，更将使我国工艺美术特有的审美价值与文化特征被遮蔽。

3.城市工艺美术的强势发展策略

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在人类历史演进中，精神文明发展与物质生产水平总体处于平衡状态，两者结合产生的物质成果就是艺术作品。工艺美术的创作理念源于设计师，因此设计作品往往受当下流行趋势和设计师自身水平影响，具有明显的区域特征和文化烙印。随着文化创意产业的不断发展，如何实现我国优秀传统文化产业化转型开始受到广泛关注，但目前文化创意产业下传统文化与现代技术的配合还存在很多问题。鉴于此，本文以传统茶具设计为例，首先就文化创意产业下工艺美术新思维进行梳理和介绍；其次针对文化创意产业下我国传统茶具设计的影响因素和发展做出探讨。提出满足文化创意产业发展需要、符合新时期工艺美术发展需要的发展建议，以期对优秀传统文化推广有所借鉴和参考。

关键词：

文化创意产业；中国传统；茶具设计；新思维

文化创意产业的核心思路是创意，即通过对文化进行刻意包装获得经济价值，生产的产品具有很高普遍性和附加价值。工艺美术产品是设计思路和生产技术的结合，可以帮助区域经济带来实际利润，因此，属于文化创意产业的范畴。茶叶作为我国传统饮品，深受世界人民喜爱，在我国历史上茶具除了实用性之外，还有审美的表达，具备文化附加价值，是中国文化的代表之一。现阶段，传统茶具的设计开始趋于模式化，一味的模仿古风设计使茶具失去新意，无法与时俱进，本文提出茶具设计工艺美术新思维，对实现现代工艺和传统文化结合展开研究。

1文化创意产业下的工艺美术新思维

目前，世界范围内各国均对具有本民族文化特色的传统工艺美术进行保护发展，例如：日本的木雕艺术、瑞典的金属编织艺术等，将传统文化与多功能设计相结合，使产品兼具现代都市的简约理念和传统文化内涵，是实现文化产业化发展的重要途径。

1.1工艺美术新思维

工艺美术是在满足人们使用需求基础上出现，是手工匠人在劳动过程中创造的美学，操作中将技术与设计完美结合，成为兼具实用属性和艺术审美的产品。工艺美术作品采用的材料一般具有普遍性，以方便批量生产，是在劳动中创造的美学，例如：紫砂壶最早出现于宋代，明展鼎盛，具有不易变形、透气不渗水、耐冷热不烫手等优点，以龚春为首的优秀工匠创造出大量造型优美茶具，外观上与书法、绘画、诗词进行结合，使好的紫砂作品具备一定收藏价值。实践中，设计思路使生产技术富有美感，生产技术提高又为设计思路的实现提供可能，传统茶具设计往往包含了设计者对茶文化理解。工艺美术的发展一定是与当下审美相关，传统茶具的生产需要依赖技术但不仅仅只是技术，过分追求技术和材料的革新，无法传达出艺术内涵，一样不能达到打动消费者效果。从材料上看茶具不再局限于陶瓷、紫砂等常见材料，骨瓷、玻璃等形式也开始受到欢迎。当前为配合社会生产力水平的不断发展，在我国基础教育中加入工艺美术基础课，将现代科技引入工艺美术发展，通过培养了解茶文化和工艺美术加工技术的综合人才，使传统茶具设计焕发新的生机。

1.2传统茶具设计发展现状

传统茶具设计是我国茶文化的具象化表现，深受各级政府和茶文化爱好者重视，是我国文化创意产业的重要组成部分。但是，现阶段发展还存在一些问题：首先，传统茶具设计是否应当加入文化创意产业发展存在一定争议，目前具有较高艺术价值的茶具更多作为私人藏品，不断推高的价格使茶具赏玩趋于小众化，除了茶艺爱好者外，多被收藏家持有，一般民众对传统茶具关注度低；其次，茶具生产工艺缺乏革新，传统手艺人掌握着代代相传的手工制造技术，但设计理念相对单一，设计者本身也不具备对现代文化融合的能力，很难根据时展做出变通，茶具设计一般不符合年轻人喜好；再次，消费者购买茶具往往需要对茶文化的了解和茶饮品的爱好，当下年轻人对茶文化的了解不深，在饮品消费上选择极多，选择茶饮品且使用传统茶具的概率不高，相关工艺美术设计传承出现问题；最后，传统茶具设计缺乏一定产业背景，相关人力资源配置和市场开发都存在局限，在文化创意产业下发展缓慢，很难实现经济效益转化，同一时期其他工艺美术产品的发展，逐步取代传统茶具市场。

2文化创意产业下我国传统茶具设计

2.1影响我国传统茶具设计工艺美术新思维的因素

我国传统茶具设计工艺美术历史悠久，其发展与社会文化及生产技术息息相关，使用材料从早期的石器、木器，到陶器、瓷器、紫砂和现代流行的玻璃，形状设计流畅自然，体现着我国传统文化，兼具实用和收藏价值。传统茶具设计一般具有区域特色，即与产地及当地人的生产生活习惯有着密切联系，传统茶具设计工艺美术新思维的出现，可以提高人们的艺术鉴赏水平，增加普通民众对传统文化的了解和认可，为我国新时代文化创意产业发展提品基础。已有研究表明，影响我国传统茶具设计的工艺美术新思维主要包括艺术和技术两个方面：第一，设计方面，创意产业的发展中，设计理念的创新是产品创新的基础，不同设计师对传统茶文化的不同理解，会做出完全不同的产品，现代工艺美术需要在思维过程中考虑到使用者使用需求和审美趋势，并通过制作实践这一理念；第二，技术方面，不同的材料，不同的工艺，不同表现手法，对茶具的最后造型有很大影响，因此，在技术选择上必须与设计相匹配。设计和技术不断磨合适应的过程，会对传统茶具工艺美术发展起到了重要作用，使产品表现力不断增强，加强我国传统文化的国际影响力。

2.2我国传统茶具设计在文化创意产业中的发展

传统茶具想要得到发展必须与现代生活相适应，通过多样化的设计形式，受到年轻消费者青睐的简约时尚设计风格，让传统茶具融入人们的日常生活。我国传统茶具设计在文化创意产业中发展，首先，需要各级政府及文化工作部门对工艺美术发展的关注，对国外先进生产技术进行引进，使工艺美术设计实践有政策支持，并在茶叶产业发展区域进行有针对性引导，使传统茶具设计与茶叶旅游业、特色茶产品会展相联系。其次，在生产技术成熟后，利用多媒体平台进行推广，我国传统手工艺人往往持有“酒香不怕巷子深”思想，忽视市场推广的重要性。再次，打造茶文化产业链，加大品牌建设，将工艺美术设计理念品牌化，实现消费者对设计的认可，帮助艺术设计快速经济化，适应市场经济发展趋势，在对固有优秀文化进行保留，传承产品文化附加价值的同时与大众审美相呼应，在世界范围内加强我国传统文化传播。最后，加强对工艺美术制造人才的培养，由于工艺美术从业人员需要具备较高的操作技能和设计理念，因此加大传统茶具制造工艺从业者培训力度，打造复合型人才，可以从根本上解决设计人才储备不足问题。通过相关部门配合、市场推广宣传、品牌打造、从业者培训四方面促进传统茶具设计工艺与文化创业产业发展的适应，可以有效帮助传统茶具成为我国文化创意产业新增长点。

3结束语

现代美术设计的不断发展是技术和艺术的融合，包括对产品设计思路和制造技术，涉及到工艺美术创造力和制造技术发展水平，其作品保留着一定时期的文化习俗，反映着当时技术水平和风俗民情，在拥有使用价值的同时具备艺术价值。文化创意产业的兴起，有效实现了创新可以对传统文化发展的带动作用，我国传统茶具设计工艺美术新思维的出现，需要设计师不断创新和制造技术发展的推动。设计形式的变化使传统文化更加容易被普通民众接受，可以有效提高人们的审美情趣、改变消费取向，打造广泛受众的中国设计，将我国优秀的历史文化进行传播发扬。设计文化带有深深的文化烙印和时代色彩，深挖现代人饮茶选择和习惯，分析人们在使用上的需求，对设计的实用性有着很大帮助。现阶段，我国传统茶具设计还存在很多问题，其中主要是关于特色文化的表达和创意新技术的融合还不足够，单纯产品造型的改变流于形式，没有起到设计文化的彻底变革。在产品设计工艺改革中需要不断深入，关注产品设计的实际意义，达到更加明显的创新效果，为我国传统茶具的销售拓宽了道路，实现文化创业产业与工艺美术思维的互利共赢。

参考文献

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[8]武晓燕.从工艺美术教育到艺术设计教育———称谓变迁背后的问题[J].艺术与设计(理论),2009(5):129-131.

篇6

关键词：美术 感悟美术 美术学习

一、美术教学首先要感知美术

美术，指占据一定空间、具有可视形象以供欣赏的艺术。一般指除了建筑艺术之外的造型艺术的通称。“美术”这一名词始见于欧洲17世纪，也有人认为正式出现于18世纪中叶。近代日本以汉字意译，“五四”运动前后传入中国，开始普遍应用。也称“造型艺术”。按照目的可分为两大类，即：纯美术和工艺美术两类。

美术也称造型艺术或视觉艺术。它是利用一定的物质材料，通过造型手段创造出具有一定空间和审美价值的视觉形象的艺术。是以一定的物质材料，塑造可视的平面或立体形象，以反映客观世界和表达对客观世界的感受的一种艺术形式，因此，美术又称之为“造型艺术”“空间艺术”。

二、分类

在艺术分类中，美术又称造型艺术、视觉艺术、空间艺术。它是指艺术家运用一定的物质材料，如颜色、纸张、画布、泥土、石头、木料、金属等，塑造可视的平面或立体的视觉形象，以反映自然和社会生活，表达艺术家的思想观念和感情的一种艺术活动。它主要包括绘画、雕塑、工艺、建筑等类型。

1.绘画

绘画是造型艺术中最主要的一种艺术形式。它是指运用线条、色彩和形体等艺术语言，通过造型、色彩和构图等艺术手段，在二维空间（即平面）里塑造出静态的视觉形象，以表达作者审美感受的艺术形式。绘画种类繁多，从不同的角度可将它划分为不同的类别。从地域看，绘画可分为东方绘画和西洋绘画；从工具材料看，绘画可分为水墨画、油画、壁画、版画、水彩画、水粉画等；从题材内容看，绘画可分为人物画、风景画、静物画、动物画等；从作品的形式看，绘画可分为壁画、年画、连环画、漫画、宣传画、插图等。不同类别的绘画形式，由于各自的历史传统不同，都有着各自独特的表现形式与审美特征。中国画又称水墨画，它在世界绘画领域中自成体系，独具特色，是东方绘画体系的主流。油画是西洋绘画的代表，它是世界绘画艺术中最有影响的画种。在工具材料上，油画是用油质颜料在布、木板或厚纸板上画成的。

2.雕塑

雕塑是用可雕刻和塑造的物质材料制作出具有实体形象、以表达思想感情的一种艺术形式。雕塑的种类可以从不同角度来划分。从制作工艺来分，雕塑可分为雕和塑。雕是从完整而坚固的坯体上把多余部分删削、挖凿掉，如石雕、木雕、玉雕等，塑是用具有粘结性的材料联接、构成为所需要的形体，如泥塑、陶塑等。从表现形式来分，雕塑可分为圆雕、浮雕。圆雕是不附在任何背景上，可从四面八方观赏的立体雕塑。浮雕是在平面上雕出凸起的艺术形象，表现手法借助于体积和结构等。

雕塑的产生和发展与人类的生产活动 紧密相联，同时又受各个时代宗教 、哲学等社会意识形态的直接影响。中国陕西何家湾和辽宁凌源、建平等地发现的5000～6000年前新石器时代的石雕、骨雕、人像和女神彩塑头像等，反映了人类对自然力的崇拜和对动物的崇拜以及认识人本身、认识世界的过程。

3.工艺美术

工艺美术是指日常生活用品经过艺术化处理以后，使之具有强烈的审美价值的产品。我们一般把工艺美术分为实用工艺美术和陈设欣赏的工艺美术。实用工艺美术是整个工艺美术的主体和基础，包括衣、食、化、行、用的工艺品类，实用价值是这类工艺品的主要价值，审美价值是作为辅助价值存在的。这类工艺品包括经过装饰加工的茶餐具、灯具、木器家具、绣花制品、草竹编织品等等。陈设欣赏工艺品是指那些以摆设、观赏功能为主的工艺品，这类工艺品以审美为其首要价值，手工技艺性很强，实用价值已不明显或完全消失，如玉器、金银首饰、象牙雕刻、景泰蓝、漆器、壁挂、陶艺等。

三、如何巧妙地学习美术，笔者认为要从如下几个方面入手：

首先，要有科学的学习方法和良好的心理素质 。学习美术的过程中，有的同学作画非常刻苦、勤奋，但是技能并没有达到提高，至是在现有的水平上，原地踏步。这往往就是学生学习美术的思路和方法不对。从表面上看，他们老老实实，勤勤恳恳，没有做到及时的总结，没有去看到自己的画为什么没有得到提高，只是手法上的熟练，在这样的情况下怎能取得好的学习效果呢？那么我们就应该做到多动手，多动脑，实战经验结合理论知识，每次作画后都要认真的分析，自己的不足与优势，尽量少走弯路，达到学习的最高效率。

其次，要针对性地去学习。知己知彼，才能百战不殆。就是要求我们首先要弄清自己的学习状况，存在哪方面的问题，针对性地去克服与解决。比如，有的同学技法比较熟练，但是色调的搭配上不是很好，也有的人色彩搭配很合理，但是手法不纯属，因此做不出完美的作品。

篇7

关键词：标志设计；风格；演变；发展趋势

标志，是表明事物特征的记号。随着国际交往的日益频繁，标志的直观、形象、不受语言文字障碍等特性极其有利于国际间的交流与应用，因此国际化标志得以迅速推广和发展，成为视觉传送最有效的手段之一，成为人类共通的一种直观联系工具。

1 标志设计时代风格及其形式的演变

（1）工业革命前的标志设计。在十八世纪工业革命前的标志设计活动，基本上是以手工业为中心的活动。标志设计者与制作者往往出自同一人之手，而标志设计的服务对象仅仅是上层社会的名流、权贵与贵族阶层。因此，在标志设计的风格上自然出现了矫饰、做作的“时尚”风格。在这个时期里，标志设计的主要目的是为皇室和贵族设计徽记和在手工艺品上留下专用标记。

（2）工艺美术运动时期的标志设计。1851年，伦敦水晶宫的世界博览会开始的“工艺美术”运动，主张“师从自然”和歌特式风格的复活，注重设计的合理性与装饰风格的完美统一。标志设计在这一运动中也表现了明显的时代风格特征。在标志设计上广泛使用动植物纹样，质朴而大方。在维多利亚矫饰、奢华的风尚中，采用中世纪的纯朴风格，吸取自然的装饰纹理，创造出了与历史复古风格大相径庭的新的设计风格。[1]但是，工艺美术运动时期的标志设计是各国逃避工业革命的幻想。从社会发展来说，这个时期的标志设计风格是消极的，所以，工艺美术运动时期的标志设计风格没有成为领导潮流的主流风格，但由于精致合理的设计原则，为以后的设计师在警醒标志设计是提供了新的设计风格的参考。

（3）新艺术运动与装饰艺术运动时期的标志设计。新艺术运动发起的起因是十九世纪弥漫欧洲的繁琐矫饰的维多利亚装饰风格引起了人们强烈不满。这个时期的标志设计风格是基于对东方艺术的借鉴，对矫揉造作风格的否定。转而注重强调装饰处理和强调线的表现力。风格细腻、装饰性尤为强烈是这个时期表示设计的共同特征。装饰艺术运动时期的标志设计风格，一方面是从古代埃及华贵的装饰元素中寻找创作灵感，简洁的几何图形，建筑装饰图案，运用金属色系列和黑白色系列达到了极高的装饰效果，给予了设计师极大的启迪；另一方面，是原始艺术的影响，特别是非洲和南美洲原始部落的影响。所以具有时代特征的简单的几何造型就成为当时的设计师所热衷研究、表现的焦点。装饰艺术运动时期的标志设计风格是工艺美术运动时期的设计风格与现代主义风格之间的衔接。装饰艺术运动时期的标志设计从装饰形式出发，采取折衷主义原则，探索手工艺与工业化的融合而发展出的一种全新的标志设计风格。它的装饰风格在二十世纪八十年代成为了现代主义标志设计研究的重点。

（4）现代主义时期的标志设计。现主义标志设计强调和谐与统一，喜好用简洁的几何图形进行理性的构图、造型、反对装饰主义，认为“装饰即罪恶”、“美在比例”等。这个时期里的标志设计几乎都是用圆规和直尺作图的几何图形。如著名的日本三菱重工的标志，就是由三个简洁的菱形向心排列而成的，构成了一种稳定的金字塔造型。尽管现代主义标志设计讲究功能性、注重服务对象的性质、追求简洁、明确的视觉效果、却容易造成设计作品冷漠，严峻理性化的外貌，风格单调，缺乏人情味。归纳现代主义时期的标志设计风格是：反对装饰，强调理性，以少胜多。

（5）后现代主义时期的标志设计风格及其发展趋向。社会经济大发展刺激了标志设计艺术的改革，标志设计不仅仅是功能的完善，在设计中包含装饰、美观的内容，希望利用装饰细节达到视觉上的宽松与舒展，追求富于人情味的、装饰的、变化的、个性的、传统的表现形式。此时，后现代主义设计风格应运而生。后现主义标志设计风格应该看成是一种对标志设计新标准的探索，是现代主义标志设计风格的改良、补充和发展。是对发展到极端垄断的现代主义标志设计风格发起的挑战，是求新求变的新生代设计师对单调化标志设计风格的冲击。后现代主义标志设计不是单纯的原封不动的恢复历史的固有风格，而拟采取提炼、混合、拼接的方法，以现代主义标志设计的造型，审美基础作为折衷主义的处理标准。

可见，标志的设计经历了从追求表面装饰美化到建立以信息传达为目的的演变过程。大多传统标志从繁琐向简洁演变，由具象向抽象演变，由装饰性向标识性演变。多少年来标志一直在追求平面化、简洁化、单色化、抽象化的设计风格，其设计表现也主要是依循形式美的法则对点、线、面进行概括组合，多采用二维的视觉效果，这主要也是由于受当时制版、印刷、制作工艺与成本、传播手段等的不发达所限制。

2 当代标志设计的新趋向

（1）多元化发展趋向。随着科技的进步与信息时代传播媒体的多样性发展，未来的标志在体现内涵的同时，将会涵盖多种形式、手段与形态，追求个性的张扬表现、注重多元化视觉效果将逐渐成为一种新的设计趋势。在保留传统平面化形式的同时，很多标志相继采用渐变、写实、立体，甚至图片等形式，使得以前单一的标志形式变得富有“多维”的表情，以求吸引人的注意，这些变化无疑会给品牌形象的树立添姿加彩。

（2）人性化发展趋向。未来的标志设计要以人为本，现代人追求富于人情味、有装饰变化、有个性的表现形式，要求标志不仅只是功能的完善，还应符合审美的需求。

（3）娱乐化发展趋向。娱乐性是未来标志设计的一个发展趋势，现代都市紧张的生活节奏使人们更乐意接受能从视觉、心理上让人感觉轻松舒适的视觉信息，为了满足新的文化需求，未来的标志设计或许会具有些许戏谑、调侃的色彩。比如幽默风格的标志设计，少了严肃理性的表情，多了一份轻松。此外，温情脉脉的手绘标志如今也日益多了起来，其淳朴自然的风格具有无比的人性魅力与艺术人文色彩。

（4）科技化发展趋向。科技水平和印刷技术的进一步发展，标志设计在表现手法上得到了前所未有的丰富强化，不再只局限于二维平面，许多奇妙的创意得以实现。标志的形象传播、视觉冲击、个性体现等都具有了更大的表现张力。标志的设计出现了图片、绘画、三维空间等形式，也有的采用中国书法、篆刻、水墨等表现手法，甚至还有采用透明层、高光、阴影、金属质感等逼真表现效果的。

综上所述，科技的发展改变了标志传统的设计模式，可以预见，未来的标志将不再只是单薄的形象，它将以一种更趋多元化、人性化的形态展现在人们面前。这种趋势延伸了标志的内涵与意义，是标志设计随时代的发展而发展的必然选择。任何设计都要紧跟时代，标志设计也不例外，一种设计风格会因为社会历史背景、人性需求和市场导向的变化而被另一种设计风格所取代，这是不可避免的发展趋势。

参考文献：

[1] 钱凤根.现代西方设计概论[M].北京：西南师范大学出版社，2001：155.

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[3] 约翰.沙卡拉.现代主义以后的设计[M].北京：中国人民大学出，2000：78.

篇8

一、《儿童菜园》展现了高超的生活凝练水平和精湛的雕刻技艺

女孩、男孩与兔子之间以三角形点位关系和情节表现，形成紧密的团抱关系。这组作品的配景与主景部分呈现出有趣的艺术形态，配景内容显然是有意安排，但它自然地延展了主体生活场景，实现了“以次托主，离而不散”的呼应之势。在使整组雕塑层次更加丰富、更加情趣化和生活化的同时，更重要的是作者意图用这种不同的活动表现，扩展欣赏者的想象力。使《儿童菜园》的主题场景不断扩大，有“一生二，二生三，三生无穷”的艺术表现力，从而使小菜园变成了大菜园，艺术手法堪称独到。

右边的另一组雕塑作品长约17厘米，宽约7.5厘米，高约20厘米，由五个人物和两只小动物组成。同样是一位阿姨坐抱着一个幼小的男童，这个儿童正急切地扯住向日葵，拉向自己。他们的对面站着一个稍大的男童，双手紧攥向日葵，表情紧张，紧盯葵盘里满满的果实，生怕向日葵被抢走。在阿姨的身后，一个小女孩坐在小凳上一手扶着阿姨的竹凳，一手抚摸着一只大花猫，抬头观望着这边所发生的一切。大花猫则踩在拨浪鼓上也对向日葵虎视眈眈。在阿姨膝前，另一个小女孩在嬉逗小狗，神情专注，对向日葵漠不关心。整个场景人物关系呼应紧密，顾盼有致，聚散相宜，与左边作品有异曲同工之妙。

《儿童菜园》左右两组摆件显然表现了不同时间的两个场景，但却同样气氛热闹，情趣饱满，尤其人物安排相互照应且动静有致、刻画自然、鲜活真实、生动感人，反映出创作者洞察生活的敏锐与精准以及巧妙捕捉生活题材的能力。同时作者相形度势、因材施艺，以轻松、娴熟的技艺，成功诠释了幸福的儿童菜园，场景以点示面和以小生活示大幸福，使观赏者在品读的同时能够被快速感染，唤起内心深处的儿时记忆，让观者立时进入一个明媚、五彩、让人向往的幸福菜园。可以看到林元康先生在感悟生活、寻求题材、表现时代感上的探索热情。另外，这组作品的方寸之间可谓富丽清灵，完美的雕刻手法是主题表现的技术基础。艺术家运刀婉转流畅，人物刻画入微入情，人物造型符合传统审美观的完美、流畅、饱满的特征，体现了“圆”与“满”的视觉联系。作品的整体设计给人带来循环往复、团圆、饱满、充盈的心理感受。作品创作的魅力游离于现实与艺术之间，高度体现一个传统艺人精湛的雕刻技艺与完美的艺术修养。

二、《儿童菜园》传承了优秀的工艺美术精神

《儿童菜园》展现了20世纪50年代的幼稚园儿童生活场景，但作品的实际内涵远远不止这些。首先它依托当时儿童生活的经典情境，真实而形象地记载了民俗，它既可以看成是当时民俗物质本体的精神再现，又可以作为展示和维系民族民俗文化精神的物质载体。整个作品呈现了作为传统工艺美术品最重要的基本特性，即民俗性。整组作品具有记录民俗生活（以儿童普遍的生活场景作为创作源泉和背景）、表达民俗观念（传统民俗文化里的象征艺术手法，即众多儿童形象的出现是象征子孙延绵、祈求生活幸福的观念）、张扬民俗活动（强化了民俗文化，更强化了民俗事项的情境气氛）的三项重要功能。尤其作品运用了借代的艺术手法，以当时的一个普通生活场景作为借体，与传统的子孙满堂、多福多寿的民俗精神的本体进行了绝佳结合，巧妙地将传统工艺美术品的核心精神传递出来，可谓高屋建瓴，令人叹服。作品成功地运用圆雕为载体表现现实生活，深刻地传承了传统工艺美术品的优秀精神。以极高的工艺美术艺术内涵与追求，奠定了作品在时展中的艺术地位。

三、《儿童菜园》体现了完美的中国艺术哲学的精华

《儿童菜园》整组作品吸收了中国艺术哲学中空间认识的精华。美学大师宗白华先生认为，“中国诗画的空间，是一种时间化了的空间，中国哲人的空间观是俯仰往还，远近取与”。这种哲学思想造就了中国艺术独特的空间处理方式和审美方式，中国艺术的空间是“时空一体”的动态关照方式，即“游观”。欣赏者的心灵不随目光追随空间的无限，而是在隔停之间往复，抚爱万物。《儿童菜园》的创作思想正是体现了这种中国哲学的时空观念，左右两组场景是在同一空间（即儿童菜园）中发生的，只是具体的内容不同（这是时间发生的变化造成的不同）。作品将情境（即时间）的变化融入到作品创作中，将空间解脱出来，增加了空间的自由性，实现了观者在方寸之间的时间隔停的运动，从而造成视觉往复的艺术境界。从作品的创作理念可以探究中国人特有的空间哲学思想，把时间融化在空间中，赋予中国艺术一种生命的空间美感。所以说，《儿童菜园》体现了中国艺术中的哲学精华。

四、《儿童菜园》有鲜明的时代特征

单纯重复传统或简单地模仿他人都不能成就一件艺术品。工艺美术作品创作需要体现与现实世俗的关系，所以作品必须与之同行。如果分离于时代精神，徒以传统的模仿，或仅仅是展现一下手工技巧，其价值便已丧失殆尽。《儿童菜园》以20世纪50年代幸福的菜园现实生活，映射当时代的太平生活理想，完成了将民族化的传统思想与现代艺术语言同一到一个层面的探索。既体现个性和民族性，又展现出时代感，所以这件寿山石圆雕作品可以说代表了20世纪50至60年代的中国工艺美术家在时代感、传统艺术表现、艺术哲学等层面的探索，是那个时代的经典作品。也不奇怪它在1958年一面世，即获得当年“福建省工业厅文化局个人创作大奖”。记得前人曾说“今天的经典，就是明天的传统”，所以这件作品必将成为寿山石圆雕领域的传统作品的代表。

说《儿童菜园》具有时代感，还因为它具有人类的共性，该作品表现当时代的儿童和小动物的生活场景，这样的场景在当时全世界的任何一个角落都可以发现，它包涵人类共性的社会色彩，展现了与社会的和谐发展，也体现了人类的共性价值观念。所有这一切都成就了《儿童菜园》的文化内涵。在工艺品和工艺艺术品这两者之间的关系上《，儿童菜园》给了我们一个很好的答案。作为一件艺术品一定要有时代感，如果缺失了这一点，那么它再有精良的手工水平，也只能是一件工艺品，难以代表一种广泛而积极的文化态势和跨越到艺术的行列中。

五、小结

篇9

关键词：玻璃 新艺术运动 自然植物 技术 香水瓶 首饰

中图分类号：J05

文献标识码：A

文章编号：1003-0069（2015）12-0062-002

正如世界上其他的艺术门类，新艺术运动的发生与当时的社会情况紧密相关。当时工业化及商业化的迅速发展导致了艺术体系的变化，刺激了手工艺的大力发展。这对新艺术运动来讲，是一个具有根本性意义的事件。单从时间上来看，新艺术的发生发展就承启于英国工艺美术运动，从很多艺术表现上来看，也得益于工艺美术运动，或多或少地受到了工艺美术运动的影响。工艺美术时期的人物莫里斯就认为，艺术家应该走入生活，艺术应该融入生活，与技术相结合，我们在这样工业化大发展的社会潮流中应重视艺术与手工艺相结合的审美意义。同时，工艺美术运动的先驱拉斯金也觉得，应当肯定人与自然的联系，肯定手工艺在社会生活当中不可忽视的重要地位。他的思想甚至也在更宽广的意义上影响了新艺术运动。新艺术运动给予自然世界和自然精神以格外的关注，具有非常浓重的人文主义关怀精神，它的主要思想是“生活即艺术，艺术即生活。由此看来，手工艺即来源于生活，这项极具生活色彩的艺术门类在新艺术运动中有着不可替代的作用。

在大工业生产迅猛发展的十九世纪末期，玻璃被广泛地作为冰冷的生产原料，应用于大量工业生产当中。然而在新艺术运动的推动下，一些艺术家开始寻找新的材料来表达自己的艺术思想，这其中包含看上去不太可能的玻璃材料。逐渐的，精致的玻璃手工作品开始呈现出来，在新运动艺术史上占据了一席之位。代表人物有法国的艾米尔加莱、道姆兄弟、勒内拉里克及美国的新艺术运动代表路易蒂凡尼。

法国是欧洲新艺术运动的发源地。它有两个发展中心，一个是巴黎，另一个就是艾米尔加莱的所在地南锡。

艾米尔加莱在玻璃艺术设计的创造方面卓有成绩，创办了南锡学派，是新艺术运动的领军人物。他出生于一个手工艺家庭，从小受到玻I离知识的熏陶。他在1878年的巴黎世界博览会上产生了对套色玻璃器皿的兴趣，从此开启了他的玻璃艺术之旅。加莱的早期作品受古典艺术风格的影响，多选择古典柔和的器皿进行绘制，装饰纹样有宗教文化色彩、阿拉伯色彩、古希腊罗马神话、荷兰及埃及风景画、民间传说等。努力多年后，他的作品开始具有明显的新运动时期风格，套色的浮雕玻璃器皿上表现出显而易见的自然元素风格。最常见的便是植物这种创作主题，除此之外，还展现出入文主义精神及象征主义色彩。加莱在表现形式上也开始追求表现题材与器皿形状的一致性。不仅如此，他还将诗歌刻画在玻璃器上，其中有波特莱尔及梅特林克的诗。总而言之，加莱是一位极具人文主义关怀精神的艺术家，他以其精湛的套色等技术，传达了内心的呼声，为后人所仰望。加莱的代表作是被法国巴黎装饰艺术博物馆收藏的人物故事纹套色杯，此作品有26.5厘米高，刻有拉丁文及法文，并获得了1889年巴黎万国博览会的最高奖项。

另一位新运动时期的玻璃艺术典型代表是法国的道姆兄弟。道姆兄弟继承了父亲的玻璃厂后相互合作，在―次启发后将日用器皿的生产转投向玻璃艺术的生产，这才开启了玻璃创作的生活。他采用不同浓度的氢氟酸作多层表面肌理，主要以花卉的植物纹样来表现创作题材。但不论从表现题材还是器皿造型上来看，都无疑是新艺术运动时期玻璃艺术的典型代表。道姆在一定程度上收到了加莱的影响，但丰富的彩绘技术使其作品逐渐展露出创作个性，尤其他在采用了失传已久的古埃及脱蜡铸造法这方面，还做出了杰出贡献。

此外就是著名的玻璃工艺大师勒内拉里克。不同于前两位艺术家的是，拉里克一开始是个地道的珠宝首饰设计师，他的艺术创造贯穿于新艺术运动和装饰艺术运动之间。在1908年为一家公司设计香水瓶的时候，产生了对玻璃艺术的热爱，转身投入了玻璃艺术的创造中。拉里克将玻璃这种材料运用在首饰当中，创作了不少优秀的作品。这些作品多呈现出动植物等自然元素，以微妙的细节来展现精致的珠宝首饰。把薰衣草、小鱼、海龟等描绘得栩栩如生。他设计的香水瓶也非常之多，对后面香水瓶事业的发展起到了很好的推动作用。

蒂凡尼是美国新艺术运动的代表人物。他于1878年开始建立了自己的工厂来生产玻璃产品，80年代后专注于彩色玻璃的设计，后又开始了铜材质的产品设计。基于对这两种材料的熟知，逐渐的，蒂凡尼开始将两种材料相结合，设计出了很多优秀的作品，这其中尤以灯饰最为出名，这也是众所周知的。美国的新艺术运动晚于欧洲，一开始蒂凡尼在创作上多少受到欧洲的影响，但到后来，他精湛的艺术作品反倒使欧洲人大吃一惊，竞相模仿。图1便是一件蒂凡尼作品，独特的染色玻璃技术，花卉植物花纹的运用，使得蒂凡尼在新艺术运动史上占据着重要的地位。

纵观，新艺术运动时期的玻璃艺术家们同样遵循着一些共同的特征，这些特征在创作表现上一览无余。

一 自然元素的体现

新艺术运动有着不同于其他艺术运动的显著特点，那就是对自然因素的运用，它强调要贴近自然，而自然中最常见的莫过于动物和植物了。此特征表现在几乎所有新艺术门类上，尤以绘画和雕塑最为明显，弯曲纤细的树枝线条、婀娜婉转的花卉外形，莹润饱满的乌儿形状等。相对其他艺术门类而言，玻璃这种坚硬冰冷的材料比较难以表现出亲近的自然植物。然而玻璃设计大师埃米尔加莱却成功地采用动植物这一自然题材生动地创作了数不胜数的玻璃艺术作品。正如图2加莱的“白地八仙花纹套料瓶”所示。这件作品具有明显的新艺术运动风格，弯曲流转的花枝，饱满的叶子上是大小不一的暗紫色八仙花，它们一朵朵地呈现在玻璃套料瓶上，难以想象加莱是怎样用双手创作出了这样的手工玻璃作品。他的作品有着优美流动的造型，件件都绘制了生动逼真又略带神秘色彩的装饰图案，有的甚至还刻有饱含感情的象征主义诗歌。他将对祖国的民族感情，利用精湛的技法融合在自然主义之中。

图3是位于巴塞罗那的加泰罗尼亚音乐厅。此建筑建于1905-1908年间，硕大的彩色玻璃窗几乎构成了两边的墙体，绚丽的镶嵌画覆盖了包厢的支柱，花朵的造型则成为了巨大的穹顶装饰。这个音乐厅使用了大量玻璃，相当明亮。再如吉恩道姆的玻璃彩绘瓶（图4），草地、树木、花朵和阳光，浓郁的自然风景题材充分地表现在他的玻璃花瓶上。

二 曲线的运用

说到对曲线的运用，当之无愧的是著名的西班牙建筑设计家高迪。高迪说，“直线是从来就不存在的，它只是人类想象的结果，只有曲线是真实的，只有曲线才是上帝所认可的。”在玻璃艺术领域，新艺术运动的艺术家们在创作表现上也同样具有明显的流动性曲线反映。图5为Lalique的作品“蓝白色洒金荷叶形缸”，作品中蓝色和白色玻璃相间，呈曲线状排列开来，器型也表现成曲线状的荷叶形，整件作品韵动感十足。再如图6，是拉里克所作的“鱼纹盆”，几条弯曲的鱼身交叉盘绕着，摆动的鱼尾，饱满地覆盖在盆中，同样充分体现了新艺术运动避免直线而采用曲线的表现手法。

三 日本元素的借鉴

发生于欧洲的新艺术运动在一定程度上受到了日本的影响。据称，当时日本的浮世绘大量生产，以致剩下多余的浮世绘平面被用作产品的包装流放到了欧洲，不经意地被欧洲的艺术家发现，成为艺术作品，这是来自东方的不同风格的绘画形式。当然，众所周知的是，“新艺术”一词最早来源于法国一家艺术画廊和商店的名字，其店主就是一名日本艺术品经销商，经常往返于两地，会从日本带回一些艺术品，这就一定程度上引进了日本艺术元素；他还于1888年创办了《艺术化日本》这本杂志，向其国人介绍日本的装饰艺术以及工艺美术。

十九世纪末，香水盛行起来。作为承载香水的香水瓶，开始被艺术家们采用玻璃这种材料来呈现。除了其植物题材外，艺术家艾米尔加莱在其诸多的套料香水瓶中还采用了松、、鸟居、神社等具有日本特色的题材内容。这当然得益于日本元素在欧洲的流入，除此之外，还因为加莱在与日本画家朋友高岛的认识中了解到很多日本元素。

四 女性主题的表现

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一、理论完整，内容丰富

该书研究理论完整，论述内容丰富详细，通过从什么是设计、设计的分类和范畴等角度出发，详细论述了现代设计的理论概念。另外，该书从工业革命前欧洲的设计情况、新古典设计运动、工业革命之前的西方民间产品设计、“维多利亚”和“第二帝国”风格等视角分析了工业革命前的设计，为读者了解现代设计的发展脉络奠定了重要基础。通过从现代设计萌发的时代背景和促进因素、英国的设计改革和“工艺美术”运动、“新艺术”运动等角度提出了现代设计的前奏：“工艺美术”与“新艺术”运动。多元化教学模式是一种倡导以多元视角、多元思维来实现教学目标的方式，通过引导学生在把握重点学科教学诉求的前提下，通过积极利用各类途径，探寻多元学科知识与内容，从而实现理想的教学效果。与此同时，多元化教学模式也倡导教学创新，通过引入多元教学方法，明确教学目标，实现教与学的多元协同成效。

二、重点突出，观点深刻

该书研究重点突出，论述观点深刻全面，通过从“装饰艺术”运动的概况、影响“装饰艺术”运动风格的重要因素、“装饰艺术”运动的设计特点、“装饰艺术”风格在平面设计上的发展、“装饰艺术”风格的产品设计和著名的设计师等角度进行论述，实现了带装饰的现代设计：“装饰艺术”运动的完整表述。另外，该书以现代设计思想体系和先驱人物、包豪斯、俄国构成主义设计运动、荷兰的“风格派”运动，为现代主义设计运动的萌起奠定了重要基础，通过从美国工业设计发展的背景和概况、美国工业设计先驱人物、制造业对美国现代设计的影响、美国现代工业设计的重要推手等角度论述了工业设计兴起的具体内容。在多元教学模式下，通过引入智慧技术、多元育人理念及方法，为最时尚、最流行的设计美学融入课堂，并为学习者塑造更加生动、立体的学习空间，使学生加深对相关设计活动的理解与认知，真正实现设计活动的理想成效。与其他实践活动不同，现代设计倡导在遵循设计规则、设计方法的基础上，呈现个性、灵活的美学特征。因此，以多元化教学模式为基础，为真正实现设计活动的创新升级提供了现实可能。

三、关注实践，指引未来