西方美术作品赏析范文

时间:2023-11-15 17:46:41

导语:如何才能写好一篇西方美术作品赏析,这就需要搜集整理更多的资料和文献,欢迎阅读由公务员之家整理的十篇范文,供你借鉴。

西方美术作品赏析

篇1

关键词:西方美术作品;欣赏;研究;《大卫》

美术创作是一种长期的实践性活动,指的是美术家对美术作品创作的过程及使用的创作技巧。任何美术家的美术创作都需要在一定的历史文化语境和氛围中进行。西方美术作品的创造和发展需要依据特定的西方美术发展历史。西方美术发展历史能够对美术风格流派的特征及发展变化进行介绍,从而加深美术家创作作品的内涵,提升欣赏者对美术作品复杂性的认识。另外,对于西方美术作品的欣赏还体现在美术批评上。美术批评(评论)是一种专业性的谈论,是对美术作品进行解释的重要方式,能够帮助欣赏者以一种客观的态度来理解美术作品,进而提升欣赏者对艺术的理解能力和欣赏水平。

一、西方美术作品欣赏

西方美术表现形式高雅深奥,具有很强的人文情怀,会给人带来一种身临其境的感受,加强对艺术的体悟能力。西方美术发展根本 在于对自身的认识,西方美术在西方指的是一种非公立主义的艺术,是在审美认识的基础上创作出的有形艺术。

(一)美术作品的描述

从美术评论的角度,要对美术作品的门类进行区别,比如判断出作品是绘画作品还是雕塑作品;要对美术作品的创作题材进行区别,比如判断作品是风景画还是人物画;对美术作品的创作材料进行分析,比如使用的是油画颜料还是金属材料。从美术发展史的角度,要对美术作品的尺寸大小进行陈述,了解美术作品创造的历史,掌握美术作品创作者的传记,明确作品创造背后的意义。

(二)美术作品的分析

对于美术作品的分析时将美术作品划分为成几部分,将复杂的问题以一种简单的要素来进行研究。对美术作品的分析具体从以下几个角度进行:第一,美术评论角度。从美术评论角度对作品进行分析一般是超过语言描述的,是进一步对作品创作原因的分析,包括美术作品创造的要素以及创作规则,具体表现为色彩、线条、形状、系统空间布置方面,讲究作品设计的均衡、比例协调以及节奏问题。第二,美术史的发展角度。主要是通过对不同美术家作品的比较,来对美术创作的流派进行分析。

(三)美术作品的说明

美术作品的说明是为了进一步探讨美术创造的内在含义,了解美术家赋予美术作品的思想观念内涵。对美术作品的分析具体从以下几个角度进行:第一,美术评论角度。美术作品的创作是通过某种信息符号唤起欣赏者的心理反应,这种反应能够对欣赏者的回忆、情感以及价值观形成产生作用。不同的欣赏着受自己阅历的影响对同一种美术作品会产生不同的想法。第二,从美术史发展角度。主要是从美术家的创作背景来对作品进行更深层次的理解。比如想要了解戈雅的绘画作品,就需要了解戈雅所在的社会政治背景,

(四)美术作品的判断

美术作品的判断是针对美术作品的艺术角质,主要从以下几方面进行:第一,美术批评角度。具体表现为对艺术家创作作品风格的判断,比如美术家使用的具象派还是写实派,是表现主义还是情感主义等。第二,美术史角度。需要了解美术作品创作的目的、风格、情感、表现方法等。

二、西方美术艺术起源及发展成果研究

(一)起源

西方美术艺术的起点在希腊,主要发展的高峰时期包括古罗马时期、文艺复兴时期和十九世纪。历史的发展体现了艺术发展的一种普遍规律,且艺术发展的过程中逐渐实现了革新。中世纪时期的西方主要被基督教思想笼罩,人们的思想行为及艺术创作深受基督教影响,表现为艺术创作缺乏创造力。文艺复兴的发展则是解放了人们的美术创造天性,创造出了无与伦比、流传至今的西方美术作品。在文艺复兴时期,欧洲出现了大量的艺术创作天才,比如米开朗基罗、达芬奇等。

(二)米开朗基罗的美术艺术作品创作

文艺复兴时期,米开朗基罗的作品具有强大的爆发性力量,其美术作品的创作发展带来了文艺复兴运动发展的。米开朗基罗对身体绘画的创造具有很强的表现力,在进行人体解剖研究的同时,创作出了展示人体美的美术作品。比如早期的浮雕作品《阶梯旁的圣母》和《山陀儿之战》,以一种朴实、庄重的画风展现了在强烈运动中的人体美。米开朗基罗的美术创作具有以下几方面的特点:第一,其宗教题材的美术作品中具有鲜明的人性特色,描写的宗教对象大多是穷人。第二,他的作品体现了时展 的气息,比如《大卫》的思想、《摩西。中的愤怒等。第三,作品集中展现了个人思想发展和时代进步发展之间的矛盾,具有很强的悲剧性色彩。

(三)米开朗基罗美术创作的作品――《大卫》

大卫是以色列的大王,他在少年时期,是一个牧童,在非厉土人对以色列进行侵略时,大卫到前线给自己的哥哥们送饭。在送饭的过程中遭遇了凶悍的敌人,以色列人不能抵御这种强悍的敌人,大卫用武器杀死了敌人,拯救了整个民族。因此,西方将大卫视作一名英雄,代表的形象是保卫国家的英雄。

在1501年的春季,米开朗基罗回到弗洛伦撒,在当年的秋天开始创作雕塑美术作品《大卫》,创作历经三年完成。当这部作品问世时,整个弗洛伦萨热烈欢呼,人们都纷纷来欣赏这部美术作品。米开朗基罗没有将大卫塑造成一个牧羊少年,而是将他塑造成了一个青年的壮士,在他身上赋予了一切美好的思想。大卫不再是圣经里的理想人物,而是代表了市民英雄,将人们的英勇反抗斗志赋予在大卫身上,体现了强烈的改造世界的人文主义思想。米开朗基罗的《大卫》是一座高为5.5公尺的立像,塑造的是一个肌肉发达、体格匀称的青年男子,这名青年男子充分自信地站着,左手持有石块,右手持有石器,描向远方的敌人,体现了男性的英勇魄力。《大卫》是西方美术发展史上被人们夸耀最多的男性雕塑,赋予了人迷你的抗争精神。

总结:西方美术艺术发展历史悠久,具有很强的人文主义色彩,体现了当时人们对幸福、对理想的美好追求,经过时代的变迁,西方美术艺术在时展洪流中愈发地显示出了自己独特的魅力,得到了各国的关注。为此,需要有关艺术人员进一步加强对西方美术史的研究,充分借鉴,在借鉴基础上促进本国美术艺术的创作发展。

参考文献:

篇2

由于每个人的兴趣爱好有所不同,审美情操也纷繁复杂,所以文化馆在审美教育过程中,必须注重群众审美兴趣差异,不断创新审美教育方式,完善审美教育内容,丰富审美教育活动,才能有效提升群众的审美能力。

1.创设审美情景,激发群众审美兴趣

想象力作为审美教育的重要基础,能够扩展群众的审美空间,激发群众的审美兴趣,使群众能够积极参与到文化馆审美教育活动中。传统的灌输教育模式或说教教育模式,导致群众在整个审美教育过程中处于较为被动的状态,无法激发群众的兴趣和积极性。因此,文化馆在审美教育过程中必须创设各种情景,如音乐情境、故事情境、影像情境等,通过生动、形象的教育手段,以激活审美教育氛围,激发广大群众的审美兴趣,增强群众对审美的求知欲望,并在美的熏陶下提高自身审美观念与意识。现阶段,文化馆整体环境设计虽然充斥着各种名人名言,但是不能忽视国画、雕塑、照片对群众审美能力深远的诱导作用,通过这些美术作品,使群众得到美的升华,获取新的审美认知,并在审美教育过程中净化群众心灵,激发群众审美情趣,对文化馆审美教育功能的实现起到至关重要的作用。

2.营造审美环境,开展各色审美活动

文化馆是一个社会性质的文化机构,其本身具有显著的审美教育优势,能够为广大群众营造良好的审美环境。因此,文化馆审美教育工作必须面向广大群众,并给广大群众提供良好的审美环境,让群众在浓厚的文化氛围中提升自身的审美情趣,并使文化馆审美教育职能在群众审美能力的培养中得到充分发挥。为了提高群众的审美能力,必须做好群众文化普及工作,开展各种审美活动,主要包括文学形式、美术形式、舞蹈形式、书法形式、戏剧形式、摄影形式及音乐形式等活动,能够从群众审美艺术角度出发,使社会群众对美有更加深度的了解和感知,并增强群众的审美鉴赏能力和创造力,开阔群众的审美视野,为美好生活创造奠定坚实基础。在开展审美活动时,必须与当地文化馆实际情况进行有效结合,尤其是对文化审美教育力度相对薄弱的文化馆,必须定期开展各种形式多样的审美活动,并针对不同的审美教育对象,不同层次文化馆美术教育骨干进行培训,以发挥文化馆美术教育骨干的带头作用,带动群众积极参与到审美教育活动中。

3.引导作品赏析,提高审美鉴赏能力

在文化馆中,无论是美术作品,还是建筑艺术、雕塑等都蕴含者独特的美学理念和审美思想,但是在群众审美意识和观念相对缺乏情况下,人们无法体会到美术作品的美。这就要求文化馆必须加强审美教育,以帮助群众正确认识美、感受美、欣赏美及理解美,并树立正确的美丑观念,掌握美的本质。首先,引导群众从历史角度去鉴赏作品。美术史作为社会发展史的重要组成部分,其每个时期所创作的美术作品,都与其历史背景有着密切的关系,因此文化馆在审美教育中应引导群众用历史眼光去鉴赏作品。例如,新时期时期所创作的陶壶,其表面刻有精美的鱼纹形,现今很少有人对其发出较强审美兴趣,但在那个时期的人们对鱼纹画较为重视,并将其生活、生存希望寄托在这陶器的鱼纹画上。现今人们对鱼纹所蕴含的情感不了解,所以对图形审美情感并不浓烈。因此,文化馆在审美教育中,要积极指导群众从历史角度去欣赏,才能激发人们对美术作品的审美情感。其次,引导群众从辩证角度鉴赏作品。雕塑作为美术作品重要代表之一,常常出现在美术教材中,特别是古希腊时期的雕塑在美术史上占据重要地位。

例如:世界闻名的雕像著作—《米洛斯的维纳斯》,它雕塑是希腊神话中拥有美与爱的女神,充分展现出了古希腊时期人们审美观念。古希腊时期人们对人体美非常崇尚,从丰腴的身体、端庄的容貌,能够将雕塑内外美充分体现出来。在文化馆审美教育中,应指导群众去欣赏雕塑这类美术作品,使人们不仅能够从人体生理角度进行鉴赏,同时从辨证角度进行鉴赏,体会人们对内外美相互统一的追求。当群众在新生这些美术作品时,能够对这这些美术作品创作背景有所认识,拉开西方反封建主义帷幕,了解西方社会的发展革命和历史,对深刻体会到其中的美。再者,引导群众从技巧角度鉴赏作品。虽然美术作品的创作时期与形式有所差异,但是它们都由独特的创作技巧形成的。我们把中国画与西洋画进行比较,在这些作品中线条表现力、流畅性及力度都是相同的,但中国画主要以线描为主,力求表达内在美,而西洋画则以块面为主,力求表达形准,这是两者的差异所在。很多美术作品常常通过色彩来表现出明暗感,中国画主要为植物类色彩,亮度相对较差,而西洋画则为矿物质类,亮度较强。同时美术作品能够真实反映出现实社会,中国画注重的是写意,而西洋画则注重写实,两者在创作技巧上存在很大差异。所以,文化馆在进行审美教育时,应从创作技巧上对美术作品进行讲解,并向群众介绍各个流派的创作技巧与形式,以帮助广大群众以正确的审美方式去鉴赏不同的美术作品,有利于群众审美观念与审美能力的培养。

二、结语

篇3

【关键词】高中;美术教学;绘画能力;创新思维能力

美术教学是一门与艺术有关的科目,而艺术不是刻板的临摹而是创造力的迸发,是通过画笔将想象力付诸笔端,创造出独一无二的美术作品。所以,高中美术教师在带领学生进行美术学习的过程中,不仅要拓实学生美术绘画的基本功,教授学生美术创作的相关技巧,同时也要培养学生进行美术创作的能力,通过提升学生绘画观察能力和创新思维能力的方式,让学生对艺术产生更深的认识,进而能够完成独立的创作,在自己的画作中融入自己的想法与感情。

一、打好绘画基础,吸取优秀经验

美术创作是一个不断积累的过程,只有达到了量的积累才能获取最终质的飞跃。因此高中学生在学习绘画的初期,仍应以拓实绘画基础为主要任务,并且在不断进行绘画学习的过程中,吸取一些先进的经验。首先,美术教师应带领学生进行美术作用的临摹,通过多次反复的临摹,增强学生的美术基本功,同时也让学生在临摹的过程中对名家的画作产生更加深刻的认识,学习其中的绘画技巧和构图方法等。其次,美术教师在学生进行临摹的过程中,应对学生进行适当的引导,让学生逐渐的从单纯临摹向有意识临摹进行发展,开始将自己的一些想法和创作风格加入到临摹的作品之中,为之后的绘画创作打好基础。值得注意的是,临摹是一个强化学生绘画水平的过程中,在学生临摹阶段,教师应让学生养成善于观察的能力,对被临摹画作的细节进行把握,进而感受画家的匠心独运。

二、联系实际生活,激发学生感情

好的美术作用是有生命的,其蕴含了画家的思想感情,是画家内心真实情感的体现。为了让学生在绘画过程中也能将自身感悟融入其中,通过绘画对感情进行表达,美术教师在进行教学的过程中应注重对学生感情的激发,让学生对生命对自然抱有热爱,用一颗赋有感情的心去观察生活去体悟自然。首先,教师应为学生提供尽可能多的机会,让学生到郊外到自然环境中去写生,通过对自然环境进行观察,激发学生对自然之美的热爱,并让学生将这份热爱之情通过绘画体现出来。其次,教师应注重绘画与生活之间的联系,让学生意识到绘画与生活之间的密切关系。例如,在欣赏梵高的《向日葵》时,教师就可以将画作与生活中的实景进行比较,让学生领悟到艺术的本源来自生活,而艺术的创造却高于生活,而其之所以会有这样的效果,就是作者发挥了自身的想象力和创造力,通过自己的描述使得生活中平凡无奇的事物赋予了独一无二的魅力。

三、注重经典赏析,提升鉴赏能力

世界上的优秀画作众多,通过对名家画作进行欣赏可以让学生更好的体会到美术创作的神奇之处,让学生加深对美术创作的印象。首先,美术教师在进行课堂授课的过程中,需要定期组织学生对经典美术作品进行赏析,赏析的作品不仅局限于教材安排的内容,也可以适当的对赏析作品进行丰富,让学生可以接触到不同风格的美术作品,拓宽学生的眼界。例如,教师在带领学生赏析达芬奇的画作《最后的晚餐》时,美术教师就可以借助现代的多媒体设备,在大屏幕上对该画作进行放大,让学生更加直观具体的对画作进行欣赏。同时,教师应让学生在欣赏的过程中进行主动的思考。因此可以通过提问的方式与学生进行交流,如画作中人物的表情有什么特点?画面布局有什么值得我们学习的地方?依据你的直觉谈一谈该幅作品表达的是怎样的思想感情?不仅如此,为了让学生更好的对画作进行了解,教师还可以带领学生对画作背后的故事进行了解。仍以《最后的晚餐》为例,教师就可以向学生对达芬奇进行介绍,并将该幅作品背后的宗教故事讲向学生进行讲解。

其次,教师在带领学生进行艺术作品赏析的过程中,为了让学生对绘画风格有所感知还可以将两幅作品进行对比分析,让学生得到更多的收获。例如,将波提切利创作的《维纳斯的诞生》与中国的《簪花仕女图》进行对比,让学生体会东西方在绘画风格以及人物肖像描绘方面的不同,通过对比的方式提升学生的鉴赏能力,让学生掌握更多的美术知识。

四、增加创作机会,应用鼓励教学

虽然强化学生理论基础,提升学生鉴赏能力都有助于学生绘画观察能和创新思维能力的提升,但是真正对学生绘画创作起决定性作用的仍是实际的绘画过程。因此高中美术教师在进行教育教学的过程中,应增加学生实践的机会,让学生可以独立的进行绘画的创作。首先,高中美术教师应在组织学生进行绘画之前对学生的情绪进行调动,让学生带着感情去绘画,增加学生绘画过程中的创造力和想象力。对学生感情激发的方法有很多种,目前比较常用的有两个。

一是组织学生进行外出写生,让学生对自然环境得到切身的感受,进而在感情上得到激发,可以带着感情进行写生,并且将自己的想法融入其中,使得写生作品带着学生个人的特色。

二是,高中美术教师可以在学生进行绘画之前在课堂中营造出良好的绘画气氛。例如,教师带领学生学习《中国山水画》时,就可以利用多媒体设备在班级播放与山水画相关的微课,让学生了解山水画的绘画技巧,同时在班级中播放古风的音乐,营造出高雅飘渺的意境,让学生更好的投入到山水画的创作之中。

不仅如此,为了让学生迸发出更多的创作热情,教师还可以在班级内部,或者向学校申请在全校范围内开展绘画比赛,通过比赛的举行激发起学生进行美术创作的热情。

五、保持学生个性,注重因材施教

学生在创造力和想象力方面具有着天然的优势,去除技法和布局等方面的限制,我们可以发现每一个学生都是绘画方面的天才,其拥有着独一无二的创造力,可以在自己的画作中形成自己的风格。因此美术教师在进行美术教学的过程中,应对学生个性进行保持,保障学生在绘画技巧有所提升的同时,其原始的那种绘画的灵性,个人的风格等还能保留下来。并且在教育教学进行的过程中,教师还应对学生进行因材施教,根据每个学生表现出来的特质进行个性化教学,让每一个学生都可以在高中毕业后,在绘画观察能力和创新思维能力等方面有所提升。

六、结束语

综上所述,美术教学是高中教学的重要组成部分之一,并且与部分艺考生的升学也有着直接的关系,因此在进行教育改革的今天,我国高中应改变对美术教学的认识,提升对美术教学的重视程度,将培养学生绘画观察能力和创新思维能力等纳入美术教学的目标之中,让学生在学习美术的过程中,可以在艺术底蕴、绘画技巧、创作才能等方面都得到有效的提升。

参考文献:

[1]董冰.如何提高中学生的绘画创作能力[J].大众文艺,2013(15).

[2]刘天亮.浅谈高中美术欣赏课教学[A].2012年5月现代教育教学探索学术交流会论文集[C],2012.

[3]丁海棠.对学生美术创造力的再认识――中美学生美术创作画评价标准比较[A].科学教育与科技创新后备人才培养[C],2013.

篇4

关键词:通识教育;公共美术;课程改革

通识教育是近代关于教育目的和内容的一种教育思想以及据此实施的教育。[1]民国初年,留美归来的梅贻琦先生接受了美国的通识教育理念,他发表了《大学一解》,鲜明地提出“通识为本,而专识为末”“通重于专”等观点。他将这些理念结合中国实际努力探索并付诸实践,应用于清华大学的教学改革,使得清华大学的人才培养在当时独树一帜。[2]目前,我国大部分高校都已开设通识类课程,并已成为学校课程建设的重要内容。美术通识教育作为通识教育体系中的重要组成部分,对提高学生艺术修养和人文素质具有举足轻重的作用。但是,目前高校美术通识教育课程却也出现了一些问题:其一,美术教育课程设计的通识性和专业性有待改善;其二,忽略美术学科的特殊性,套用其他学科的教学模式;其三,教学内容与学生相关已有知识体系不对称。如何突破现有困境,更合理有效地建设美术通识教育?在设置美术通识课程时应注意以下几点:

1通识教育体系中美术课程总体目标设计

《全国普通高等学校公共艺术课程指导方案》(2006)对公共艺术课程的性质、目标、设置、保障等作出了明确的规定,要求各高校开设艺术选修课,并鼓励各高等学校“根据本校学科建设、所在地域等教育资源的优势以及教师的特长和研究成果,开设各种具有特色的艺术任意性选修课程或系列专题讲座,以满足学生的不同兴趣和需求”。[3]在高等教育阶段,大学生均应接受的有关共同内容的教育,通常分属若干个学科领域,提供内容宽泛的教育,与专业教育有别。高校的美术通识课程整体设计应有别于专业美术院校的美术课程,通识美术教育需呈现多样性、丰富性的特点,其主要目的是激发学生的兴趣,提升艺术修养和人文素质。但目前高校的美术通识教育课程面临着一个基本问题:学生在选课过程中对于拿学分的目的性、功利性过强,完全对于通识教育课程不重视也没兴趣,因相对容易获取学分而选择美术通识类课程。大部分非美术专业学生对美术领域并不重视,更多的是抱着一种“拿学分”的心态来上课。在课堂上,非美术专业学生对美术领域也较陌生,专业性过强的美术课堂很容易造成课堂上“坐飞机”,理解吃力,最终造成降低学生的学习兴趣,逐渐演变成学生上课只为获取学分的局面。根据这类普遍现象,在美术通识课程设计时,应分阶段、分步骤地进行。针对非美术专业学生的美术通识课程在课程总体设计时应以兴趣目标为导向,增强学习兴趣;以了解、吸纳中外优秀艺术成果为载体,拓宽艺术视野;以理解并尊重多元文化目标为拓展,打开创新思维;以提高感受美、表现美、鉴赏美、创造美的能力目标为主体,提升人文素养;从促进德、智、体、美全面和谐发展目标为宗旨,形成“高品质”的综合素质。

2更新通识教育体系中美术课程内容与结构设计

2.1结合社会横向、纵向发展理解艺术风格

将美术作品还原于历史、社会等环境中,紧密联系政治、经济、科技、文化等因素进行分析。比如,研究文艺复兴时期的作品,如果不了解文艺复兴时期的前因后果、社会的发展,就无法理解何为文艺复兴,为何要复兴文艺,复兴的文艺与古希腊、古罗马时期的文艺又有何区别。

2.2通过作品赏析把握艺术内涵,培养人文精神

西方绘画和中国画有各自的理论支撑体系,中国画强调意境,特别是文人画派,讲究“诗中有画,画中有诗”,在表现形式上尤其讲究诗、书、画三者的结合。中国画常用的表现题材之一是梅、兰、竹、菊。中国画为何如此喜爱这类题材?这就需要从画家所处时代、个人经历以及植物的特点等方面去思考,体会中国画借物抒情的特点。

2.3采用学科交叉的方式,多维度理解艺术

通识教育提供的是内容宽泛的教育,学生的知识储备也不尽相同,通识美术课程如只采用单一的美术作品欣赏,则不利于拓宽学生的视野和思维,也会束缚创新能力。因此,在美术欣赏课程中,应以美术知识为载体,以学科交叉的方式欣赏美术作品。

3更新通识教育体系中美术课程的教学形式与方法设计

传统的美术欣赏课程套用其他学科教学模式,一定程度上忽略了美术专业的特殊性,削弱了艺术的魅力。

3.1打破传统教学模式,翻转课堂

长期以来,美术欣赏课程沿用传统教学方式,学生在课堂上缺少自主性、互动性。因此,美术课堂翻转迫在眉睫。课堂教学应实施开放式教学模式,以学生为主体,教师参与。让学生主动参与课程内容分析,可采用分组讨论,学生根据自身知识储备,将美术通识知识与非美术专业知识结合讨论。教师根据学生特点有针对地进行引导,从真正意义上做到引导学生,学生主动“学”“问”“答”,做课堂的“主人”。

3.2利用网络与多媒体平台,丰富教学方法

目前,在课堂中,授课老师所使用的教学器材仍以放映器材为主,如幻灯片等。美术欣赏课教学方式单一,使得课程的特色性、专业性大打折扣,成为艺术教学建设前行路上的绊脚石。当今时代,互联网以其数字化、交互性、海量储存、无时空障碍等技术优势受到社会公众尤其是广大年轻人的青睐,因此可利用互联网的优势为课堂服务,搭建网络与多媒体平台,利用高校的网络、微博、微信、App等载体,构建集专业性、系统性、丰富性、趣味性等于一体的网络平台,提供优秀的学习资源,学生可有选择性地进行自主学习。

3.3理论与实践相结合,延伸课堂广度

传统美术欣赏课程因诸多原因,以理论知识为主,较难拓展课程的广度和深度,美术通识化教育效果并不理想。而在国外,美术通识教育推行的时间较长,形成了更为完整的教育体系,其中一个行之有效的办法是利用高品质美术馆、博物馆等机构作为课堂的延伸,鼓励学生走进各类展览,重视学生相关综合素质的培养,这种方式值得借鉴。博物馆内的每一件展品都蕴藏着丰富的历史、文化、社会、审美等方面的信息,将课堂延伸进博物馆并共同探讨,与专业人士交流,从而获取多方面的知识。甚至可以进入美术工作坊中进行实地参观并参与其中,动手绘制或制作美术作品,通过实践加深课堂理论知识的认知程度。这种方式突破了教室授课的局限性,最大限度地发挥出美术专业的特殊性,学生主动参与其中,以美术知识为切入点,拓宽知识的广度,培养深入的探究式的学习方式和精神。

4结语

高校美术通识教育应从整体着眼,改善通识美术教育的总体设计,使美术通识课从“专业性”走向“通识化”。在课程设计中,应增强可视性、互动性、拓展性等,着眼于美术重感知和体验的特点,打破传统照搬的教学模式,翻转课堂,在教学过程中重视发掘学生的兴趣和经验,通过学生为“主导”、教师为“引导”的方式,提供宽泛的教育,构建“跨学科性、开发性、整合性、关联性”于一体的美术“通识化”课程体系,从而促进学生的全面发展。

参考文献:

[1]顾明远.教育大辞典(增订合编本)(下)[M].上海教育出版社,1998:1555.

[2]徐冬青.关于大学推进通识教育的思考[J].复旦教育论坛,2007(5):44-48.

篇5

关键词:高师钢琴课教改教学内容课程体系拓展

二十一世纪是人才竞争的世纪。理想中的新世纪人才不仅要学有专长,而且要思路宽阔,想象丰富,知识渊博,善于创新,并具有良好的文化艺术素养、健康的心理素质和适应社会的能力。为了与时代的发展和进步以及社会对人才素质的全面要求相适应,实施素质教育、培养新型人才已成为我国教育改革的一项重要目标。

高等师范教育因其培养目标的特定性而在高等教育中占有特殊地位。就师范院校中的音乐教育专业来说,其重要职能即是向社会输送普通音乐教育的合格师资。由于音乐教育正是素质教育的重要组成部分,因此,高师音乐教育专业的教学改革,将会直接关系到普通音乐教育师资队伍的整体质量,进而对全社会的音乐教育——素质教育水准产生广泛而深远的影响。

钢琴课作为一门重要的专业主干课程,其教学内容和课程体系的调整和拓展必然成为高师音乐教育专业教学改革中的一项重要环节。而钢琴教学科学水平和艺术水平的提高,又将积极作用于高师音乐教育专业培养目标在更高层次上的体现。本文将以现代教育理念及现代教育技术为基本依据,参照国外同类课程的有益经验,从教学内容和课程体系这两个角度讨论钢琴课程的教改问题。

一、教学内容的拓展:

一般来说,目前我国高师钢琴课程所持的教学内容大都集中在从J.S.巴赫至德彪西这一音乐史段中重要作曲家的代表性作品范围之内(还包含少量中国钢琴作品,应另当别论),且主要选择独奏作品。例如:复调音乐主要选用J.S.巴赫的作品,练习曲主要选用车尔尼的作品,奏鸣曲主要选用莫扎特、贝多芬作品,等等。这些作品确为钢琴艺术宝库中不朽的经典之作,其年代亦基本涵盖了西方音乐历史中的巴洛克晚期、古典时期、浪漫时期及“印象派”风格时期,但就键盘艺术史学丰富的研究成果以及我们当今所处的时代(二十一世纪初)来看,仅仅着重于“巴赫——德彪西”这一音乐史段便有了某种程度的局限性。

再者,高师音乐教育专业的学生不同于音乐院校钢琴专业的学生,钢琴课程对他们而言是必修课而不是“主修”课,由于专业方向、课程设置以及教学大纲的差异,音乐教育专业的学生不可能花费大量的自习时间用于钢琴练习。在这些学生之中,更有一部分人进校之前从未学过钢琴,从而使针对这部分“弱势群体”所展开的钢琴教学工作只能从“A、B、C”起步。高师音乐教育专业钢琴必修课程的开设年限一般仅为两年半至三年(各院校的开课年限及开课方式不尽相同)。所有这些学习程度与时限方面的不利因素,加之教师之间在教学水平、教学能力、教学经验、教学热情以及教学侧重点等方面所必然存在的个体差异,均会直接影响到高师钢琴课程的整体教学质量。因此,如何积极调整和充实高师钢琴课的教学内容,使学生的学习更富有热情和效率,对知识的掌握更为主动和全面,是一项很值得我们去深入探讨和研究的重要教改课题。

针对这一课题,以下是我的几条基本思路:

1.将教学内容的相关音乐历史时期进一步向两端扩展。

一方面,可引入巴洛克时期除J.S.巴赫之外其他重要作曲家如F.库普兰、J.P.拉莫、D.斯卡拉蒂、G.F.亨德尔、C.P.E.巴赫等人的部分优秀作品,以进一步丰富和充实这一时期键盘作品的教学内容;另一方面,应该使二十世纪各种风格、流派的钢琴作品在高师钢琴课程之中得到较为全面的展示——其中包括中国作曲家的钢琴作品,亦可包括诸如拉格泰姆、爵士、布鲁斯等美国黑人音乐风格的钢琴流行音乐作品。在二十世纪钢琴音乐中尽展风采的作曲家除了德彪西,还有麦克道威尔、斯克里亚宾、拉赫玛尼诺夫、勋伯格、拉威尔、巴托克、普罗柯菲耶夫、格什温、科普兰、卡巴列夫斯基、肖斯塔科维奇、梅西安、布莱兹等人,二十世纪的钢琴音乐也记录下了一百年来音乐探索的所有方向,因此,任何忽视对二十世纪钢琴作品学习的钢琴课程,其教学内容都是不完整的。2.适当增加合作性曲目。

钢琴是一件独奏性很强的乐器,因而在钢琴教学过程中我们往往容易忽视对学生合作演奏能力的培养和训练。而对学生今后的工作职位而言,良好的合作能力恰恰是十分必要的。为了弥补教学中的这一缺憾,我们应当在钢琴教学内容中适当地增加一些合作性曲目,如钢琴四手联弹作品、双钢琴作品、钢琴与其它乐器的重奏作品、钢琴协奏曲等等。应该看到,这类作品也是钢琴艺术的一项重要组成部分。这里特别需要指出的是,培养学生良好的钢琴伴奏能力,尤其是声乐伴奏能力,可以说是高师音乐教育专业钢琴课程最为实际的教学目标之一。声乐伴奏包括伴奏谱弹奏和即兴伴奏两个方面。鉴于其重要性,许多高师院校的音乐院系已将其作为独立课程另行开设,故本文不再就此专题展开进一步的讨论。3.加入“钢琴教学法”这一重要教学内容。

“钢琴教学法”主要研究和阐述钢琴教学的基本内容、基本过程、基本规律、基本原则和基本方法,就高师钢琴课程而言,“钢琴教学法”内容的引入将在多个层面上起到积极作用。对于那些没有钢琴基础的学生来说,“钢琴教学法”将引导他们准确地把握钢琴学习中最基本、最具共性的知识内容,并用以指导自己的钢琴初级阶段的学习。这将使他们在学习过程中充分发挥出自己的主观能动性,从而使学习更有成效,也更有乐趣。还有些学生进校时已具备了较强的钢琴弹奏能力,对于这些学生来说,“钢琴教学法”一方面将帮助他们更加全面而深入地掌握钢琴学习的相关要素,使他们的演奏水平向着更高的层次迈进,另一方面,“钢琴教学法”也会在他们今后可能从事的钢琴教学工作中起到长期的理论指导作用。

“钢琴教学法”应在一年级新生入学后立即开设。

4.增加有关“钢琴艺术史与钢琴作品赏析”的教学课题。

钢琴学习不仅只是一个技术训练过程,钢琴学生应该了解和掌握多方面的相关知识。所幸的是,我们正处于一个“信息爆炸”的时代,我们可以通过各种渠道、各种载体获得所需的多种相关资料,例如:钢琴艺术史及钢琴文献及其研究资料;与钢琴艺术的形成和发展密切关联的历史、社会、文化背景资料;作曲家及其风格、作品的介绍与分析资料;其它相关艺术如文学作品、美术作品资料;钢琴演奏家的演奏录音、录像介绍与赏析资料;各种乐谱版本资料;各种相关的美学研究资料;等等。通过对这些资料的有机组织和介绍,可以使学生们在某种程度上突破钢琴课程学时以及自身弹奏水平所带来的限制,从而在更高的层面上对钢琴艺术有一个更为广泛和深入的了解,以进一步丰富自身的艺术底蕴,提高其整体的艺术素养。我想,这应该是开设高师钢琴课程的重要目的之一,同时,这方面的教学内容也是对音乐史及音乐欣赏课程内容的有益补充,还可以促进学生对和声、曲式等音乐理论课程的学习。5.逐步建立钢琴艺术资料数据库。

电脑技术的广泛应用为各类资料的收集、整理、调用提供了十分便利的手段。我们可以充分发挥电脑技术的多媒体优势,将上述几方面的钢琴课程教学内容制作成各种类型的电脑文件,并由此逐步建立钢琴艺术资料数据库。通过这一有效途径,所有钢琴教师和学生均可共享丰富的数据库资源,方便地获取所需的信息资料,从而使高师钢琴课程的教学质量和现代化水平得到进一步提高。

二、课程体系的拓展:

九十年代初,我国高师钢琴界曾就是否要开设钢琴集体课这一主题展开过激烈的讨论,其结果是,目前各高师院校的音乐教育专业已普遍开设了各种形式的钢琴集体课。而这种全新的、建立在现代教育技术基础之上的教学形式所产生的积极影响甚至波及到专业音乐院校以及其它类似课程(如声乐集体课的设立等等)。可以说,这是高师钢琴课程教改的一次有益而成功的尝试。

传统的钢琴教学始终保持着教师与学生“一对一”的个别授课形式。依照传统的教学观念,这种特殊的个别授课形式符合钢琴教学的客观规律,是行之有效的,无可非议。目前,在钢琴课程中引入集体课这一教学机制,应该说其目的主要在于缓解由于扩大招生而引起的教、学比例失调的矛盾,使钢琴教师能从“一对一”授课这种低效率形式所引起的教学工作量不堪重负的窘境中部分地解放出来。从这个角度来看,钢琴集体课教学的实施确是获得了良好的成效。

但是,我认为,现行的钢琴集体课教学形式在本质上仍然沿袭了传统个别课的钢琴教学观念,微观地进行分析,其教学思路仍基本停留在“个别教师指导个别学生”这一传统的、单一线条的思维模式之中,学生的学习仍处于一个较为被动的地位,且还可能受到多种客观不利因素的制约。

为了适应新的人才培养的要求和目标,也为了配合新的高师钢琴课程教学内容的贯彻,我们有必要在不增加钢琴课程总学时的前提下,革新教材教法,在原有的个别课与集体课基础之上构建更科学、更完整、更富效率、更具有立体感和交互性的高师音乐教育专业钢琴课程体系。

我们可以从以下几个方面进行考虑:

1.授课。

我们可以使多种授课方式有机地并存:

个别课沿袭几百年钢琴教学历史传统的个别授课形式,至今仍具有其不可取代的重要价值。通过个别教学,教师可以十分细致而深入地观察并解决每个学生在钢琴弹奏中所存在的不同问题,在技术和艺术这两个层面上展开极具针对性的钢琴教学工作。个别课适用于各种程度的钢琴学生。

小组课小组课即指现行的钢琴集体课这一教学形式,以几人、十几人甚至几十人为一教学单位,主要依靠交互性较强的电钢琴集体课教学系统,高效率地实施钢琴教学。在小组课的教学过程中,须材,并基本统一学习进度。小组课主要着眼于传授钢琴弹奏的基本知识、基本要求和基本方法,解决在钢琴学习过程中较易出现的、又较具普遍性的问题,因此,适用于数量较多、且钢琴程度较低的教学对象。

大班课大班课是钢琴集体课在另一概念意义上的拓展和延伸,一般可以行政班级为教学单位。在大班课上,主要讲授“钢琴教学论”、“钢琴艺术史”、“钢琴作品赏析”等以知识性、理论性为主的教学内容与教学课题。大班课应充分利用各种现代化的教学媒体和教学手段,生动地展示渊源流长、精彩纷呈的钢琴艺术,开展多层次、多侧面、立体感、全方位的教学活动。2.讲座,公开课;座谈,讨论。

作为对授课形式的一种有益的补充,我们可以针对钢琴教学中的各项内容不定期地开设系列专题讲座和公开课,亦可经常举行各种范围、各种形式的座谈与讨论活动。讲座或公开课可以是理论研究、学术探讨性的,也可以是教学示范、经验交流性的;座谈与讨论可由教师命题,也可由学生自由选题,并在轻松活泼、畅所欲言的开放性学术气氛中进行。

4.演奏会。

这里所指的演奏会具有双重含义。一方面,我们应该经常性地组织学生去音乐厅欣赏具有较高艺术水准的音乐会(这里尤指钢琴独奏、重奏、协奏等音乐会),使他们能够在现场切身感受钢琴演奏艺术的无穷魅力,从而激发起更高的钢琴学习热情。另一方面,我们也可以经常性地安排、组织学生自己的各种形式的钢琴音乐会,促使他们走出琴房和教室,步上钢琴演奏的舞台,展示自己勤奋学习的丰硕成果。这类音乐会可为音乐教育专业学生开展其必不可少的艺术实践活动创造有利条件,同时,也为学生乃至教师提供了相互观摩、交流和学习的良好机会结语

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关键词:高职高专;艺术教育;课程建设;应用研究

中图分类号:G64 文献标识码:A 文章编号:1005-5312(2014)12-0207-03

艺术,是用形象来反映显示但比显示有典型性的社会意识形态,包括文学、绘画、雕塑、建筑、音乐、舞蹈、戏剧、电形、曲艺等。艺术本身就是一种文化,提高高职院校学生的文化修养,更为重要的是,艺术以提升人生境界为目标,为此,发挥它的人文教化功能,可以通过艺术教育课程这一审美活动来提高文化修养,使学生成为一个有精神、有境界、有胸怀、有教养的高尚的人。

公共艺术教育课程,与高校其他公共课程一样是高校课程体系的重要组成部分,在高素质人才培养过程中有着其他课程不可替代的作用。教育部《全国普通高等学校公共艺术课程指导方案》明确指出,高校公共艺术课程是为培养社会主义现代化建设所需要的高素质人才而设立的限定性选修课程,对于提高审美素养,培养创新精神和实践能力,塑造健全人格具有不可替代的作用。

但是目前高职高专艺术教育课程存在诸多如有名无实、课时量不足、开课形式单一、考核评价不规范等情况:

一、高职院校公共艺术课程建设现状

由于种种原因,目前多数高职院校公共艺术课程在开设及教学质量上,都存在一定的不足,主要表现在:

1.课程设置有名无实。在高职教育急剧发展的大背景下,有些高职院校在自身专业培养目标定位不准的情况下,往往只是迫于政策要求,在教学计划中设置了公共艺术课;在教学计划实施过程中,往往只注重于学生专业技能训练,没有给公共艺术课留下必要的时间。

2.课程管理不够规范。公共艺术课大都是任意选修课、限选课或通识教育选修课。大部分高职院校公共艺术课的开设都是由教师本人申请课程,所在教学系审查同意后上报,院教务处组织专家组听讲后审批,但在审批后,基本上处于无人管理的状态;而且上课时间一般都安排在晚上或周末,学生缺课现象严重。显然,对公共艺术课的管理很不规范。

3.课程内容杂乱无章。公共艺术课的课程管理机制导致课程内容没有章法,随意性很大,一般由任课教师自行决定。有些任课教师上课往往只是为了打发时间,基本没有教学大纲、没有讲义、没有教案。

4.课程师资力量薄弱。有些非艺术类高职院校在专业教师都配备不齐的状况下,更加缺乏艺术类教师,公共艺术课教师都是外聘的。从整体看,高职院校公共艺术课任课教师都比较年轻,大多毕业于艺术专业院校,文化底蕴欠缺。

5.课程教学设施稀缺。有些非艺术类高职院校在保障专业课程教学设施都自顾不暇的情况下,一般是不会考虑公共艺术课教学设施建设的。很多学校缺乏专用的艺术教室,公共艺术课训练像打游击,到处找地方,经常在楼道里、遗弃的旧实验室里进行。艺术活动场地更是匮乏,没有礼堂,没有剧场,没有普通学生进行艺术实践的空间。

二、艺术教育课程的目标定位

艺术课程在目标定位上,要以培养学生的艺术能力和人文素养的整体发展为总目标。在多艺术门类、多学科综合的艺术教育活动中。通过艺术活动使学生达到艺术能力、审美意识和审美情趣的逐步形成和提高。艺术课程是一种人文课程,要运用艺术感人的形式和丰富的内容,培养学生的情感和精神追求。从某种程度上讲:艺术教育就是“美育”,是当代大学生提高综合素质的一项重要内容。

三、艺术教育课程的管理

1.应当把艺术课程教育纳入学校计划应当纳入到学院的人才培养方案当中,计划的作用在于指导行动。艺术教育只有正式地纳入人才培养计划当中,才能保证内容进程和质量的落实。

2.还要拓宽实践途径,加强学生文艺杜团建设。

普遍开展学生中的群众文化活动,鼓励学生多学、多看、多做、多想,对于教师来说,由偏重艺术知识技能传授的逐段递进,转向强调学生艺术整合能力和多种文化素养的培养。以学生的心理发展为前提,强调学生的学习内容和学生的生活经验、情感体验、文化背景、科学认识的紧密联系。艺术课程要改变学习内容单一、高深、繁多的专业化倾向,要为学生提供丰富多彩的内容和信息,拓展他们的艺术视野,通过生动的教学活动及其他形式的活动,使学习内容变得鲜活充实.易被学生掌握。

3.加强校艺术团的建设,请进来,走出去。

把学校的各类艺术尖子学生分类辅导、集中训练、精心排练、请校内外专家做讲座、面对面进行辅导,然后经过精心编排的一些艺术作品再到企事业单位进行慰问演出,这样使学生感受到企业文化、又能够体验到艺术实践的魅力。

四、艺术教育课程的设计

艺术课程的设计强调不同艺术门类、不同学科之间的连接与相互渗透。高职院校艺术课程的教学可以选择不同的切入点,既可以从一个艺术门类切人,达到与其他艺术门类的综合;也可以从设计上就是多个艺术门类的兼容互通,甚至可以打破学科的界限,围绕艺术课程的内容,同非艺术学科连接,进行更广泛地综合。在围绕人文主题的艺术学习中,使学生衡够同时轻松、快乐地获得艺术的基本知识和技能。了解艺术的历史和文化内涵.形成艺术经验和艺术能力,同时培养尊重、关怀、交流、合作、分享等人文素养.促进学生个性的完善和发展。课程设计立足点的变化,将会使艺术课程体现出鲜明的人文性、综合性、创造性和愉悦性。对于非艺术专业的学生来讲,传授给他们的都应该是一些比较通俗易懂的知识,重要的是教会他们懂得和欣赏美,从而发现美。学校以开设选修课、讲座,校团委牵头举办一些相关活动及社团活动的方式。让每一位学生自行选择,既尊重学生的意愿,也给了学生自由发展的空间。

五、艺术教育课程的教学方式

高职高专的学生注重于实践课教学,由偏重教师为主导的知识技能的传输和训练,转向强调教学中的“双主体”互动关系以及学生体验性、研究性、生成性和反思性的学习过程。教师可以根据自身的家质和教学的需要,组织多种形式的综合艺术教学活动。多样化的教学形式对打破统一固定的教学模式.广泛开发教育、文化资源,调动教师的主动性、创造性、发展个性化的教学等,提供了无限广阔的空间.教学中,艺术课程强调在轻松、愉悦、民主的氛圈中,在师生、学生之间的平等对话和共同参与中进行教学活动。以音乐教学为例:一直以来.谈到音乐教育,人们便会很自然地与是否识谱、会乐器、会唱歌等具体的内容联系在一起,即把音乐教育看作是音乐知识和技能的教育。其实这种传统的音乐教育观是十分片面和狭窄的,它既忽视了音乐教育在培养和提高人的全面素质方面所具有的诸多功能,更忽视了学生个体多方面的价值,只把学生当作是接受知识的容器,见物不见人,因此,教师首先应着眼于对学生学习方式上的研究和改变,改变以往那种只重视教师“教”,而忽略了学生“学”,使学生长期处于被动接受的那种教学棋式。其次,教师应该改变以学科为中心的教学模式,注重音乐艺术在培养人的情感、态度与价值观上的地位和作用,在实际教学中探索出一套新的方法和经验,不断提高自己的业务水平。

六、艺术教育课程的评价

高职高专艺术教育课程是高校实施和深化全面素质教育的有效途径和重要内容。公共艺术教育必须紧紧抓住艺术欣赏和审美欣赏这个关键,加强人文精神的传播和渗透;同时,在明确教学目标的前提下,强化课程的改革创新,以创新求发展,将创新精神的培养贯穿全部的艺术教育当中;将能否成为促进全面素质教育总体目标的实现和达成的重要手段,作为评价体系的基本支撑和核心指标。

(一)综合性原则

在学校艺术教育评价中既是综合的,也应该是多维的,这样才能促进学校艺术教育的发展。

对学生的综合性评价:我们认为学校艺术教育注重的不是学生掌握其技术的精湛程度,而是注重学生审美能力的提高。因此,在评价中要体现出对学生在艺术活动中所表现出来的态度与能力、创新意识、原有能力基础上的提高程度等方面综合评价,形成对于学生在艺术教育活动中积极主动的态度参与、准确到位的实作参与、分析评价的表述参与的多维评价体系。

对教师的综合性评价:每学期主要通过教务部门与学校艺术教研室的教学常规检查以及通过校园网学生对任课教师的评价,结合对教师的工作成绩等方面的考核作出综合评价。

(二)实践性原则

作为高职高专院校的艺术教育,从本质上讲,他不属于理论学科,而应该是属于感受艺术为主的实践性学科。因此,在艺术教育的过程中,作为学校对学生的评价,应该结合对学生评价构成的“积极主动的态度参与、准确到位的实作参与、分析评价的表述参与”评价方式,创设尽可能多的艺术实践活动和多种活动途径,包括可以在课堂的说一说、动一动、学一学等实践活动、课外的或者是由课堂向课外延伸的艺术实践活动,因地制宜地为学生创造一个充满生动活泼的艺术实践氛围,在与校园文化建设有机结合的各项实践活动中形成实作性评价。

(三)发展性原则

“以学生发展为本”,学校艺术教育的最终目标是能让学生终身亲近艺术,因此,根据学生的心理特征、年龄特征、实际艺术基础能力为学生提供展示的舞台,促进学生学习兴趣的提高、艺术素养的内化。并以此为学生的个性发展和为每一位学生在原有基础上的潜能的发挥,创造必要的外部条件。

(四)制约性原则

在艺术教育的大背景还没有形成完善的课程评价体系的情况下,要有效实施艺术教育,学校领导对学校教育质量构成的认识是相当重要的。一所学校的教育质量理应是由学校所有的课程来体现的,因此,学校具有超前意识的教学决策有利于对艺术教育形成相应的制约性。

七、艺术教育课程的设置

高职高专艺术教育课课程设置较为单一,基本上以音乐基础知识课和欣赏课为主,如《音乐基础理论》、《怎样识简谱》等,而且程度较浅。由于学生的乐理基础知识较差,有些程度较深的如《歌曲创作》、《和声》、《浪漫派音乐》、《爵士乐》、《现代音乐》以及高级课程《计算机音乐创作》等课程难以开设。在开设的音乐欣赏课中,欧洲古典音乐占的比例很重,中国音乐及关于世界音乐如印度音乐、欧洲民间音乐、日本音乐等的课程所占比例很少或者干脆没有。其它艺术门类如舞蹈、戏剧、美术、电影等课程也很少涉及。另外,目前大多数院校音乐素质课的设置都是根据现有教师的特长,而不是根据音乐素质教育自身的规律和要求。由于没有统一的音乐教材,大学音乐课程教授的内容多为教师自己控制,在课程内容、教材选定、考核分数的随意性和主观性很大。教学计划和教学大纲也不是非常明确,有的甚至简单模仿或照搬,很多课程设置和教学方法有“重技能,轻修养”的迹象。

根据调研、考察,高职高专院校,开设课程可以大致分为以下几类:

第一类是音乐基础。如《钢琴入门与音乐基础》;《小提琴入门与音乐基础》;《西方音乐简介》、《世界音乐简介》、《音乐基础》、《作曲导论》、《音乐基础理论与视唱练耳简谱)等《书法导论》;

第二类是音乐史论。如《1750年以前的西方音乐》、《爵士乐》、《海顿、莫扎特和贝多芬》、《从舒伯特到》、《莫扎特、威尔第和瓦格纳的歌剧》、《20世纪音乐》、二十世纪中国歌曲史概祝;传统与现代音乐;美术与人类文明史等。

第三类是理论作曲。如《和声与对位》、《调式写作》、《高级调式写作》、《爵士乐和声改编》、《音乐创作》、《复调音乐》等。

第四类是音乐表演。如《音乐会合唱》、《室内合唱》、《声乐技术与表演》、《音乐会钢琴》、《交响乐队》、《室内乐队》、《钢琴即兴伴奏》、《书法》、《播音与主持》《军乐演奏》《民乐演奏》等。

第五类是专题或高级课程。如《计算机音乐创作》、《媒体音乐设计》、《音乐论文写作》、《音乐剧场监督》等。

第六类:赏析类课程键盘。如《艺术赏析》、《戏剧与中国传统文化》、《中外名剧欣赏》、《欧洲歌剧知识与赏析》、《大学生音乐知识与赏析》、《交响音乐赏析》、《中国音乐与传统文化》、《国际标准舞表演美术与艺术欣赏》、《美术作品赏析》等

八、艺术教育课程的教材建设

高职高专公共艺术教材建设是艺术课程整体建设的有机组成部分,课程建设的侮一个环节郡是相互关联、相互作用、互相制约的……课程教材的建设是艺术教师上好公共艺术理论课的基础保障,也是公共艺术教育向外拓艘技能实践环节的依据,艺术课程教材从宏观规划判其体编写的步骤实施,最终编撰出适应于高校公共艺术教育教学、建设与发展灼典有时代特色的系列教材。

对于教材的定义般为:“泛指教师用于教学的所有材料。包括教学大纲、讲授提纲、教科书、教学参考书、指定的书目等。”除此。与大学公共艺术教学相匹配的“声乐”“器乐”“美术”“书法”的技法类书籍以及影视类、舞蹈类等书籍均属高校公共艺术教材范畴,有几个显著特点:一是面向全院学生,普及艺术教育;二是开设面向全校学生的核心课程和选修课,满足学生辅修艺术的要求,三是课程交叉化。

公共艺术欣赏教材的编写可以分二种方案:

第一种方案是将音乐、美术、舞蹈、戏期欣赏教材的编写,共同构筑在相同的个平台,就是说将这四大门类艺术教材分别编写出套自身相对完整的课堂教学用书,这样单册编写也是通常采用的一种方式。这样的编写方案比较适合我因目前绝大多数高校的艺术选诊课一学年课程安排的教学需要。将四大门类的教材编写在同本书内,把音乐欣赏编写内容的比例适当大一些,因为这四大艺术门类相比之下,音乐的听觉艺术给人带来的感官冲击更具有直接性,生活中弄欢和涉足音乐的人群也是嫩庞大的。美术是视觉的、静态的.它也是有着不问群体层而的庞大队伍.似同音乐相比,参与美术的人群似乎小于音乐,所以美术欣赏编写的内容稍次之。舞蹈和戏剧常常受着艺术特点的制约,所以舞蹈和戏剧欣赏编写的内容则再次之。

第二种方案是艺术电子教材的编撰制作,电子教材是采用现代科技手段应用到教学当中的种新兴教材形式。电子教科书具有容量大、教学直观和声音、图文并茂的立体交叉应用的特点,并且不受时空的限制,既可集中教学,又可以进行网上分散的教学,尤其是艺术类学科更需要音像教学的直观配套手段,即使一般常规的艺术教学不使用电子教材授课的话,制作电子课件和配套音像资料也是非常必要的。

现代社会飞速发展,各行各业都需要全能型人才,在人才竞争的潮流中,优胜劣汰,多一种技能或者多一方面的知识优于战胜其他竟争者.那又何乐而不为呢?而且学校里的艺术教育不是商业化的产物,学生所学到的艺术还是纯粹的欣赏,少有杂质。就高职院校学生的艺术课程教育而言,作为普通教育的艺术教育不同于专业的艺术教育。它的主要目的不是培养专业的艺术家。而是着眼于提高受教育者的艺术素质和促进受教育者的审美发展,服从于促进受教育者全面发展的总体教育目标。近几年来,素质教育的实施为学校艺术教育的发展开辟了广阔的前景,艺术教育正面临着难得的发展机遇。相信随着社会的持续发展和人类认识方向的转移,艺术教育在促进对物质文明和精神文明的探索过程中必将发挥出更大的作用。

参考文献:

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