古典音乐的特征范文

导语：如何才能写好一篇古典音乐的特征，这就需要搜集整理更多的资料和文献，欢迎阅读由公务员之家整理的十篇范文，供你借鉴。

篇1

一、“主旋律”――泰国古典音乐的核心

泰国古典音乐中的主旋律最初由大围锣创作并演奏，其他古典乐器的旋律均以它为基础创作而成。主旋律是泰国古典乐队的旋律核心，固定的主旋律与依附于它之上的各声部运用支声原则形成了多声的

泰国古典合奏音乐。演奏中，主旋律是与其他乐器演奏旋律平行出现的存在于各个演奏者内心的音乐，并构成了泰国古典音乐的双层音乐模式。在实际学习泰国古典音乐的过程中，老师们不会刻意强调主旋律的重要性，主旋律已自然地融入了泰国古典音乐的传习、创作和演奏的过程当中，成为了泰国古典音乐的核心力量。

（一）“主旋律”的演奏乐器――大围锣

泰国音乐家认为“主旋律”就是由大围锣所演奏的旋律，是泰国其他古典乐器旋律的基础。大围锣是泰国古典旋律打击乐器中演奏速度最慢的乐器，在与其他乐器匀速演奏的情况下，大围锣一拍只需奏出一到两音，这使它成为了最适合演奏简洁又轮廓鲜明的主旋律的乐器，其他比大围锣演奏速度快的乐器再根据主旋律进行各自的旋律创作。

由于大围锣演奏了主旋律的缘故，泰国古典音乐的初学者都要首先学围锣，待熟练掌握大围锣演奏的主旋律后，再开始学习其他旋律打击乐器或根据自身天赋选择学习适合自己演奏的乐器。笔者在泰国乌东大学结识的泰国音乐家斯拉巴柴夫妇生长在传统的音乐世家，他们的三个孩子从小也跟随父亲学习泰国古典音乐。在父亲的严格要求下，孩子们每天都要练习各种乐器的演奏，并用大量的时间重点练习演奏大围锣。他们告诉笔者：“泰国的习惯是孩子们都先从大围锣开始学习，然后再学习其他乐器。大围锣的旋律记得越熟，其他乐器学起来也越容易。”[1]有了主旋律作为基础，学生很容易学习和记忆从主旋律创作而来的其他乐器的旋律，对每一件合奏中出现的乐器也非常熟悉，并且都会演奏两种以上的乐器。这种一人多技的现象在泰国精通古典音乐的艺人中十分普遍，无论演奏哪一种乐器，都能随时唤起演奏者内心对主旋律的回忆，正如三弦胡演奏者拉涵宁先生所说：“演奏三弦胡时，美妙的旋律将包围在你身边，而当初大围锣演奏的主旋律会清晰地浮现在眼前。有机会你一定要学围锣，这是泰国音乐的一把钥匙。”[2]

（二）“主旋律”在泰国古典音乐创作中的作用

与西方专业作曲的方式不同，泰国古典乐器的旋律创作不是通常意义上的以一个动机或乐思展开一段旋律的创作，而是在已有主旋律的基础上，对主旋律强拍部位骨干音以外的部分进行变化和填充。音乐学家泰瑞 米勒教授这样描述泰国古典音乐的创作过程：“作曲家其实是把创作的音乐记在脑子里，用大围锣演奏自己创作的曲子的基本旋律轮廓。其他不同演奏员按照作曲家演奏的旋律轮廓，用各自的乐器奏出相应的声部，由此，每一件乐器都会奏出同一内容不同的相应旋律。”[3]其中“基本旋律轮廓”就是指主旋律。潘尚教授[4]曾分别用大围锣和三弦胡为笔者演奏了主旋律与对应的三弦胡旋律：主旋律是十分简洁的旋律，多为四分音符与八分音符；三弦胡的旋律丰富了主旋律的节奏型，每一小节强拍上的骨干音与主旋律强拍上的骨干音一致，演奏中还加入了颤音、附点、滑音等三弦胡特有的演奏技法。其他泰国古典乐器旋律与主旋律的关联亦如此，一方面需要在骨干音上与主旋律保持一致，一方面却需要根据乐器的自然属性，利用各自不同的演奏技法，去填充和变化主旋律。

在泰国古典乐队中，不同的乐器根据各自的乐器属性扮演了不同的角色[5]：大围锣的角色是父亲，它的音色稳重而具有威严，最适合演奏主旋律；第一竹排琴（Ranad e）像一位英雄，有时与大围锣一起演奏主旋律；第二竹排琴（Ranatu）的角色则像顽皮的小孩，它自由地在以大围锣为基础的旋律上做加花变奏，演奏出具有诙谐幽默感的音乐；演奏三弦胡时的姿态一定要优美，因为三弦胡的气质就像一位高贵的女士；拉弦乐器的身份都为女性，它们用拉弦乐器特有的连弓和华丽的装饰音，将打击乐器清脆的音色装饰的柔美悠长。演奏泰国古典合奏音乐的乐器，可以分成以演奏主旋律为主的旋律打击乐器，如大围锣、竹排琴等；装饰主旋律、对主旋律进行加花变奏的吹奏乐器和拉弦乐器以及弹拨乐器，如泰国竖笛（klui）、皮、三弦胡、鳄鱼琴等。根据角色的分配，可以看出在整个乐队中，大围锣是乐队的核心；最接近主旋律的是竹排琴以及其他旋律打击乐器，它们负责配合巩固主旋律；其他吹奏、拉弦、弹拨类乐器，均围绕着主旋律形成了相对独立的旋律，并在此基础上进行自由的即兴演奏。从某种程度来说，其他乐器的旋律都是主旋律的变奏，每件乐器都根据自身的属性形成了各自的旋律创作的规律，因而从主旋律变化的程度和方式才会各有不同。

（三）“主旋律”在泰国古典音乐合奏中的支声原则

西方音乐在处理多声部音乐时，使用的是纵向思维，各声部之间依靠和声的功能排列在一起，烘托着音乐中具有完整意义的旋律主题，达到对整部作品的音响、情绪等的综合把握。泰国古典合奏音乐却是横向思维，每个声部都是一条可以用来独奏的完整旋律，每一条旋律都有它独自存在的意义，并通过每一层旋律与主旋律之间的关联将各声部结合为一个整体。各声部之间是按照支声的原则结合在一起。仔细分析各声部之间的关系，各声部均从自己的乐器性格和技能特点出发，旋律间互相交错、有繁有简又各自独立，但每进行到重要部位时各声部音调必然会重合：“它们在每小节的强拍上齐奏旋律骨干音，而在其余拍子上则各自进行发挥，从而造成时而协和，时而不协和的音响效果。”[6]由此可见它们之间具有某种亲缘关系，而这种关系都来自于固定的主旋律对于变奏衍生于它之上的各声部旋律的约束。

支声的合奏思维在我国传统的合奏艺术中十分常见，如工尺谱在演奏中只是一个基本框架，演奏时艺人在框架之上灵活地即兴创造出各个声部的旋律；又如江南丝竹的合奏，声部之间各自发展却又万变不离其宗。同样泰国古典乐队按照支声原则，各声部时而在强拍骨干音上汇合，时而又各自分离，加上贯穿整个演奏过程始终固定不变的主旋律，形成了纷繁多变又协和统一的音乐形态。在泰国古典音乐的发展中，创作与乐队演奏，练习与乐队演奏都是一体化的过程，这也是区别于西方专业音乐的特殊方式。许多流动的即兴因素需要与演奏同时进行，只有在乐队合奏中才能训练出支声的思维，达到每个声部的演奏者对主旋律和各声部旋律均能熟练把握的程度；也唯有参与了合奏，才能体验出以主旋律为核心的支声思维的重要性。

为了准备2012年中央音乐学院世界音乐周的演出，笔者参加了由五人组成的小型马荷里乐队，演奏泰国双面长鼓（Thon）和手鼓（Rammana）。乐队使用了四弦弹拨琉特（Kra-jub-pi）、三弦胡、泰国笛、双面长鼓和手鼓5种乐器，加上歌唱，旋律复杂多变。由于每个声部的旋律听上去均不同，笔者很难在正确的节拍上演奏出看似简单的8拍循环的鼓点节奏。而泰国乐手们却仿佛知道彼此的旋律，甚至能很快意识到对方演奏中的错误。在他们的帮助下，笔者认识到自己无法顺利演奏鼓的原因是不熟悉主旋律。乐队虽然没有大围锣演奏主旋律，但整个乐队的音乐是在演奏者内心主旋律齐奏的基础上进行的，因此在合奏中才能知己知彼、配合默契。不同乐器的演奏者需要在合奏中练习在倾听其他声部的同时灵活地对自己演奏旋律进行即兴调整的能力，泰国古典乐器的学习也需要在合奏的环境里、在和其他乐器的配合中完成，这些都是为了不断巩固主旋律在演奏者内心的熟悉程度以及培养不同演奏者彼此对主旋律共同把握的默契程度。

二、以“主旋律”为结构模式的泰国古典音乐创造与演奏

“主旋律”在长时间的学习、创作、演奏中已经潜移默化地成为了泰国古典音乐家的思维习惯，主旋律与依附于它之上的其他乐器的旋律共同构建出了泰国古典音乐独特的双层音乐模式。在这一模式里，主旋律与其他乐器演奏的旋律是同时进行的两条平行旋律，主旋律是内在的、不变的部分，其他乐器演奏的旋律是外在的、变化的部分。其他乐器旋律的变化都是基于主旋律的框架而产生的变化，而无论是版本的不同、后人的改变或演奏时的即兴发挥，主旋律都不再有任何变动。

对于主旋律和其他乐器旋律关系的理解，可参考我国《十六板》中，[八板]与[十六板]的关系：“[十六板]的每次变奏均与固定不变的[八板]相结合，[八板]在这里作为一种稳态的对应曲调，实际上是从纵向上制约着[十六板]的每次变奏，使其时时顾及到变奏与[八板]间的结合关系，即原型结合中就存的支声―派生关系。从而形成以[八板]为基础的固定旋律变奏。”[7]泰国音乐中的主旋律也同样是从纵向上制约着其他声部的旋律，并且形成了泰国古典音乐的双层的结构。如果只有由其他乐器演奏的外层面音乐而没有主旋律的存在，泰国古典音乐就不再完整。泰国的三个古典乐队中，真正有大围锣参与演奏的乐队只有皮帕特乐队，那么另外两个没有大围锣演奏的乐队是否就不存在主旋律了？答案正相反，在泰国音乐家看来：“没有大围锣演奏的乐队中，每一种乐器都好似在演奏主旋律。”[8]正因为其他乐器的旋律都来自于主旋律，更因为主旋律在长期的学习和演奏过程中已经深深地扎根于演奏者的心底，在没有演奏主旋律乐器的情况下，演奏者们完成了彼此内心对主旋律的齐奏，而各自演奏出的各声部旋律，则是在主旋律基础之上的变奏。因此在泰国古典音乐双层模式中的关键一点，是主旋律不再只以现实音响的效果出现，而是无论有没有大围锣或其他旋律打击乐器演奏主旋律，主旋律都以意识形态出现在演奏者的脑海中，这以意识形态存在的主旋律，才是真正的泰国古典音乐模式双层结构中的内在层面。

以主旋律为内在层面的泰国古典音乐模式，是在最初对大围锣所演奏主旋律的学习到之后对其他乐器的反复练习再到可以轻松地在主旋律上做其他乐器的旋律变化这样一个过程之上建立的。如果在这个运行过程中，脱离了对主旋律的学习而仅掌握所需演奏乐器的旋律和技巧，脱离了以主旋律为基础的创作方式而直接谱写其他乐器的旋律，脱离了在合奏中以主旋律为核心思想的演奏方式而仅以演奏各声部旋律为主，泰国古典音乐的核心也就不复存在。

“主旋律”体现了泰国古典乐器之间的联系与共性，给予了不同乐器泰国音乐的身份标识，让泰国古典音乐的创作和演奏成为个人风格与民族文化风格的共同产物。在泰国古典音乐的合奏中，演奏者将各声部的旋律化繁为简，以主旋律的形式将各演奏者的内心归于统一，最终到达平和、安宁的演奏境界，表现出泰国人民内心对平和的追求。也正因为如此，泰国古典音乐被泰国人民视为泰国传统文化的代表。

三、结语

“主旋律”的存在始终贯穿于泰国古典音乐的创作到演奏的全过程，是构成独具泰国特色的传统音乐思维模式不可缺少的环节。如今尽管泰国古典音乐在泰国社会仍十分活跃，但西方文化的冲击和现代化社会的进程还是给它带来了一些影响。部分学生跳过了学习主旋律这一步骤，直接记忆自己声部的旋律，虽可以快速加入乐队的演奏，但却降低了对主旋律和其他声部的熟悉程度。

“主旋律”容易被其他声部富有个性的旋律覆盖，往往在最初得不到很好的认识。对泰国或非泰国的、学习泰国音乐或刚接触泰国音乐的朋友来说，通过对主旋律的了解，均可以更好地理解泰国古典音乐的构造，更准确地把握泰国古典音乐的要领。这一过程对分析我国的传统音乐也有一定的借鉴意义。

泰国的学生尚且需要长时间潜移默化地学习主旋律，因而笔者短时间的田野工作不足以更深入和全面地去挖掘主旋律以及泰国古典音乐文化的内在，不足的地方还需在以后的研究工作中进一步地加强和改进。

注释：

[1][5]2012年10月26日笔者在泰国乌东大学拜访斯拉巴柴先生的录音整理.

[2] 2011年11月19日笔者在泰国马哈撒拉坎大学拜访三弦胡演奏者拉涵宁先生的录音记录.

[3]泰瑞・米勒.当代世界中的传统音乐：泰国和越南的两大对比模式[J]. 中央音乐学院学报.2006（02）.

[4]潘尚教授是泰国曼谷孙素楠塔皇家大学艺术系老师，也是笔者的三弦胡老师.

[6]俞人豪、陈自明.东方音乐文化[M]. 人民音乐出版社，1995：129.

篇2

近几年来，大多数音乐教师在课堂上力求在音乐活动中培养学生的表现能力和创造能力，在音乐活动中学习歌词、节奏、曲调、创编等，培养学生的探索能力和对音乐的感受与鉴赏能力。小学生对古典音乐的欣赏是一个弱点。

中国的古典音乐和西方古典音乐都是高雅音乐，它们历经时代沧桑，依然在不知不觉中触动着我们的灵魂，在那亘古不变的太阳下，跨越时间、空间，其悠扬的回音正如钻石一样，依然经典、永恒、温馨、浪漫。这些音乐流传千古、亘古不衰，不但优美动听，而且华贵高雅，会让你听得如醉如痴，也会让你在潜移默化中高贵起来。“音乐之都”维也纳的孩子没有不懂古典音乐的，因为经典音乐已成为这个城市俯拾即是的文化之声，无需专门教育，耳濡目染，人们便自然地走进了高雅音乐的殿堂。

经典就是世界公认的共同智慧，经典的思想文化价值永久不衰，是人们生命成长的必需精神食粮。音乐也是如此，经典的音乐作品传唱不衰。一些流行歌曲进入校园后，对学生尤其是对小学生会产生不良影响，把他们引向了成熟化。天真烂漫的小学生听了那些带着爱彩的流行歌曲怎会不产生负面影响呢？记得一次上三年级的音乐课时，我组织了一次才艺展示，在展示中，绝大多数学生都拿出了自己最拿手的歌曲，但让我失望的是那些欢快、有着童趣的儿歌已经离他们远去，伴随着他们成长的都是流行歌曲，一个同学演唱当今流行的《两只蝴蝶》，当唱到第一句的时候（亲爱的你慢慢飞），我想到了必须提高孩子的音乐素养，必须提高孩子对音乐的欣赏能力。那么，欣赏音乐应该从哪里入手呢？

我认为，孩子纯洁的心智更容易接受古典音乐，而且他们的收获也会有相当的意义，我所说的古典音乐，不是指音乐史上的意义，而是一个广义的概念，既包括维也纳古典乐派，也包括浪漫主义乐派、民族乐派等。不同时期的作品有不同的风格特征意义，这些作品的最大意义是深化心灵，滋润想象。对小孩子来说，看似庄严宏伟、高不可攀的古典音乐，其实比流行音乐更好接受，也更好理解，而培养一个人的古典音乐的兴趣和素养最好从小开始，一个古典音乐素养很高的人，很容易理解流行音乐所表达的东西，反之一个一直沉浸在流行音乐中的人常常很难深刻理解古典音乐的意境。

比如，中国古典音乐《十面埋伏》是历史题材的大型琵琶曲，乐曲描写的是公元前202年楚汉战争垓下决战的情景，汉军用十面埋伏的阵法击败楚军，项羽自刎于乌江，刘邦取得胜利，从听《十面埋伏》可以让孩子们了解白居易的著名长诗《琵琶行》，也可探知作者曾听过有关表现激烈战争场景的琵琶音乐。世界著名的作曲家贝多芬曾经这样说：“音乐是比一切智慧，一切哲学更高的启示，谁能了解我的音乐，谁便能超越常人无以摆脱的苦难。”要想理解贝多芬的《命运交响曲》，你就要了解贝多芬的《命运》，你就要了解贝多芬，寻找贝多芬，认识贝多芬。由此可见，欣赏古典音乐，可以从中了解历史背景、年代、文化背景等。有的教师和家长认为孩子听不懂，如果用现在单一的知识性考试去衡量他的知识，那他当然一点也不“懂”，但可能有某种默默的“懂”而且可能“懂”得很深，“懂”到他整个生命里去，或许这才是“懂”的真意！毕竟生命是一大神奇，你以为儿童不懂甚至连儿童自己也不知道懂不懂，但小时候有了默默的酝酿，到了适当的时候就会“豁然开朗”，我们应给教育保留这一扇人生的可贵之门才好，也不要觉得孩子在玩的时候根本没有听，这种学习既符合儿童的学习规律，又可以达到最佳的效果，他们会在玩与学中愉悦心智，更会为成人之后富有教养与聪明过人奠定基础。

音乐是人类文化的重要组成部分，它凝聚了人类的智慧、才能、情感等高尚的精神素养。有人说音乐像数学，那么音乐就是一个无限深邃的世界，学生在欣赏古典音乐时，不仅能受到美的情感感染，还能积极调动、运用个人所储存的“语言文字模块”，把音乐作品中的情感内涵进行形象化的语言表达，并在潜移默化中完成自我人格素养的建构。小学阶段正是学生吸收知识、学习各方面文化的最佳时期，让他们沐浴在古典音乐的世界中，可为他们创造一个高雅的文化氛围。法国的思想家、教育家卢梭这样说：“音乐不在于直接描绘对象，而在于把心灵置于这些心灵创造的情绪之中去。”我想他说的音乐应该是古典音乐。中国的民族乐器古筝、笛子、二胡、琵琶、大鼓等乐器演奏的乐曲，你可以清楚地感到在空气中流动，山、水、落叶、冬雪……那是千古的生命里一份说不出、道不尽的感动，那是你从来未经历的古典音乐之美。宇宙之音人人皆可从天地万物之中获取，人文之声却因父母和教师的教育不同而大相径庭，接受高雅音乐应从小学生甚至从零岁开始，让他们沐浴在高层次的文化氛围之中，让孩子们从古典音乐中获得智慧，这些智慧将会伴随人的一生，且影响其整个生命的发展。

古典音乐的主要特征是反映人类普遍的思想要求，强调风格高雅并给予人们乐观向上的精神。古典音乐很高雅，并能给人心灵上的一种震撼。儿童的吸收能力是一生中最好的时期，犹如海绵一样，甚至可以全盘吸收，将来慢慢发酵，就好像种子种下去一样，将来一定会慢慢生根、发芽、开花、结果。所以，应该让孩子们在古典音乐中的情绪，感受音乐中的美。

综上所述，欣赏古典音乐要从小开始，不管孩子们当时懂不懂，我相信在以后的成长路上会提高他们的修养，提升他们的文化素养，成就他们的梦想。

篇3

关键词：《猫和老鼠》；古典音乐；儿童音乐启蒙

中图分类号：J605 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2013）24-0105-02

随着时代的飞速发展，科学技术日益创新，作为孩子家长越来越用科学严谨的视角来看待早期的启蒙教育的重要性，音乐启蒙更是家长们几乎必选的启蒙方式之一。音乐对人的智商、情商、记忆、认知等等方面都产生巨大而深远的影响。正基于此，孩子的家长们在早期音乐启蒙中付出了很多人力、物力、财力。就美国动画而言，声音主要的用途更主要用于增加角色个性的描绘，用音乐预示即将发生的事及控制情绪的转换。这样的作用，常常可以在迪斯尼动画电影或是动画片中看到。《猫和老鼠》又叫《汤姆和杰瑞》，它从1940年问世以来，一直是全世界最受欢迎的卡通之一，故事内容简单，基本没有语言，都是通过背景音乐来表达故事角色的思想活动。在《猫和老鼠》这部作品中，古典音乐与动画处于并列和相互的关系，不再是音乐服务于动画，而是两者合二为一，这使观众第一时间感受到视觉与听觉相统一的冲击力，对孩子启蒙教育影响较大。

一、古典音乐的内涵

古典音乐作为音乐形式中的一种，具有很强的文化影响力。从广义上看，古典音乐在西方很多国家发展得都比较快，而且有一些知名的作曲家，尤其是欧洲的创作艺术，更是在古典音乐的历史上增添了很多文化特色。一般来说，音乐按照发展的阶段来分有古典音乐和现代音乐两个大类。现如今，我们对古典音乐的定义一般是从中世纪的格里高利圣咏开始，一直到19世纪结束前所创作的音乐，我们统称为西洋古典音乐。一般人印象中的古典音乐往往会被认为是西方音乐的代名词，也有人认为古典音乐是经典和高雅的代表，这些看法并不全面。古典音乐有广义和狭义之分。广义上的古典音乐指的是从西方中世纪格里高利圣咏开始至今，在欧洲主流文化背景下创作的音乐，包括了巴洛克音乐时期、古典主义音乐时期、浪漫主义音乐时期等不同时期、不同体裁的音乐；而狭义的古典音乐则指的是一种带有古典音乐风格的音乐，是以海顿、贝多芬、莫扎特为代表的“维也纳古典乐派”。

古典音乐的表现形式是多种多样的。大量古典音乐大师为人类留下的宝贵音乐作品在许多动画片中被引用。由于这些音乐的加入，使得原本枯燥单调的动画赋予生机，也使得虚拟的卡通形象更加立体生动。

二、动画片《猫和老鼠》中的古典音乐

一般来说，在动画创作中的前期美术设计制定部分，尤其是角色场景的设计都会直接涉及到造型、色彩、声音彼此间的搭配，这些在当今的动画制作中已经是一个非常普遍且被广泛认知和接受的部分。但如果考虑在前期结合一定的古典音乐，创作者很可能从心理学视角将古典音乐要素的色彩引入，进而体现出画面的音乐韵律感，甚至音乐的画面感。在影片中色彩的冷暖变化甚至同一个场景中不同色彩之间的搭配也是有节奏韵律的，角色造型、场景制作的高低胖瘦厚薄远近实虚，也是有节奏韵律的。《猫和老鼠》通过对各种交响乐和管弦乐的使用来表现剧情，而汤姆和杰瑞的动作也和音调的变化同步。没有任何语言，在通过画面编配的大量的背景音乐的衬托下，人们只需要根据汤姆猫和杰瑞鼠滑稽的表情以及夸张的动作，就能够被深深的吸引，从而尽情地感受每一集故事的幽默和风趣。

古典音乐在《猫和老鼠》中应用十分广泛。在动画片中，音乐的配乐是为剧情的需要服务的，它往往能够根据剧情的发展，场景的过渡，画面的转移，卡通人物的情绪变化来运用相对应的音乐元素，从而在揭示主题、渲染气氛、表达情感、塑造形象等方面起到十分重要的推动作用。

如在名为《好莱坞音乐厅》的一集中，汤姆猫化身为交响乐团的指挥，身着燕尾服，手拿指挥棒，派头十足，而老鼠杰瑞这时也赶忙来凑热闹，也想来指挥这场音乐会，而汤姆猫对于老鼠杰瑞的到来却完全不欢迎，其恶劣的态度惹恼了老鼠杰瑞，从而老鼠杰瑞进行一系列报复行动，使得汤姆猫为了演出的顺利进行而疲于奔命，无暇顾及指挥，最后老鼠杰瑞如愿成功指挥全场而告终。在这一集中所用到的乐曲是奥地利作曲家小约翰·施特劳斯所创作的《蝙蝠序曲》。《蝙蝠序曲》的序奏部分采用三部曲式，乐曲以一个速度为小快板的全奏开始，热烈而欢腾，而此时汤姆猫隆重登场，指挥范儿十足。在汤姆猫的指挥下，乐曲也逐渐舒展开来。在整个乐队轻柔的伴奏下，双簧管奏出充满生机的主题，流露出明显的喜剧色彩。老鼠杰瑞也适时登场。在交响乐团的演奏中，指挥是至关重要的，而在本集中，更引人关注的则是汤姆和杰瑞的激烈交锋，而它们之间的火花也与整首乐曲的演奏契合起来。当老鼠杰瑞决定实施行动来对付汤姆猫时，全曲进入最，在波尔卡舞曲的欢快节奏下，速度越来越快，情绪也愈加激昂，全曲也在这热烈的氛围中告终。

再如在名为《猫的协奏曲》的这一集中，汤姆猫化身为钢琴演奏大师，为我们倾情演绎着弗朗兹·李斯特的《升C小调匈牙利狂想曲2号》。在汤姆猫进行演奏的同时却无意中吵醒了置身于琴箱中安睡的小老鼠杰瑞，从而展开杰瑞的一系列报复行动。李斯特的《匈牙利狂想曲》具有浓烈的匈牙利民族特点，饱含着李斯特对于祖国的深厚情感。在汤姆猫和老鼠杰瑞的斗智斗勇中，乐曲由开始的沉重压抑逐渐进入欢快跳跃的部分，乐曲的速度越来越快，力度也越来越强，仿佛带领着我们进入了一场狂欢派对。一如既往的是汤姆猫不敌老鼠杰瑞，在一番征战中，汤姆猫已无力招架，整场表演则在一派热烈的气氛中结束。

在《猫和老鼠》中还有许多很经典的古典音乐作品。比如在名为《飞行猫》的一集中，汤姆猫为了捉住金丝雀和老鼠杰瑞无意中学会利用裙伞做成了飞翔的翅膀，当他得意且悠然地飞起来时，我们耳中能听到欢快的圆舞曲调，这时我们听到的乐曲，正是“钢琴诗人”肖邦所创作的《降E大调华丽圆舞曲》，这首身心都在跳跃的圆舞曲在此时为汤姆猫插上了翅膀。这些悦耳的乐曲和生动有趣的画面吸引着孩子们，潜移默化，并伴随着孩子们的童年，成为孩子们音乐启蒙的第一课。

三、《猫和老鼠》中古典音乐对儿童音乐启蒙的效果

（一）听觉注意力的培养

从一定层面上来说，动画对儿童启蒙的影响不仅仅因为其中画面所具有的吸引力，也不能小视音乐在其中的作用。在《猫和老鼠》这部作品中，对儿童听觉注意力培养的影响非常明显，能让儿童感受到来自视听两个层面的艺术冲击。例如，在《猫和老鼠》作品中，我们经常能看到汤姆拼命追赶杰瑞的场景，而在这一场景里面少不了急促的钢琴声、猛烈的鼓声和响亮的锣声，再配合频繁的色彩变换和场景切换，能让儿童对动画片有种别样的注意，尤其是能跟随着音乐节奏的变化，产生感染，增强儿童的听觉注意力。

古典音乐中不同作品、不同场景、不同乐器都可以产生很大的听觉差异，对于儿童启蒙而言，好听的音乐对于儿童以后的教育都会产生一定的影响，尤其是对音乐美感的认识与判断。在《猫和老鼠》这部作品中，不同的乐器种类以及各种乐器的不同演奏风格等等，都在刺激着儿童的听觉，吸引着他们的注意力，影响着他们的心灵，这就是音乐启蒙的魅力。

（二）音乐形象的初步建立

儿童对音乐的认知具有很大的不确定性，在音乐启蒙教育时期音乐的熏陶作用、规范性等都会对儿童音乐形象的建立产生很大影响。相信《猫和老鼠》对儿童的影响范围应该是以亿为计量单位的，这种影响绝不仅仅是杰瑞和汤姆之间的斗智斗勇，而是其中近乎完美的声音效果，尤其是二位主人公与背景古典音乐之间的契合度非常高，高兴时、搞恶作剧时、悄悄做事时等等场景灵活生动的音乐，能让儿童听到音乐，即使不看画面也能想象到会是怎样一个场景。这就是音乐产生的效果。

音乐形象属于哲学中的美学范畴。我国儿童音乐启蒙教育与欧洲国家存在很大差别，其中之原因也少不了宗教音乐背景的影响差异问题。在《猫和老鼠》的作品中，音乐是作品的灵魂部分，其作用甚至超过画面的效果，汤姆的出现经常有种“伪绅士”的感觉，而老鼠杰瑞的出现常有一种明星闪亮登场的范儿，音乐贯穿于作品之中，儿童通过其中的音乐能产生情感的变化和对美的认识，建立良好的音乐形象。

（三）促进身心健康发展

音乐对于儿童启蒙时期的教育非常有帮助，能有效促进其身心健康发展。一般而言，儿童年龄到3岁之后就开始识别不同旋律之间的差异，4岁之后就有音乐的节奏感，5岁之后就能分辨声音的响度和美感，6岁之后就能有音乐的欣赏和协调能力，7岁之后的韵律感和节奏感都进一步完善，9岁之后对音乐的美感认知基本形成，并具有一定的音乐辨别和判断能力。因此说，不同阶段的儿童对音乐的认知是在不断发展变化的，启蒙时期的音乐教育影响着儿童的身心健康发展。

《猫和老鼠》的作品中，实现了人物形象与音乐虚幻的完美融合，人物的喜怒哀乐都与背景音乐相协调，让儿童在观看的时候有种身临其境的感觉，能够置身于动画之中，去学习、思考、领悟其中的音乐与动作之间的关系。在儿童音乐启蒙时期，对于音乐的感觉以及对于肢体的协调性的控制都是在发展的，儿童的注意力和兴趣都随着故事情节的发展而变化，能在心灵上产生想象力和感染力，并逐渐形成抽象思维，产生有意识的心理动机。

四、结语

科学的实践已经证明音乐启蒙教育对于儿童的成才至关重要，音乐会影响到儿童的智商、情感、思维、能力等等很多方面，从一定意义上来说，对儿童进行音乐启蒙教育会收到事半功倍的效果。儿童启蒙音乐的发展越来越倾向于潜移默化的影响，注重对儿童音乐审美的培养。首先，《猫和老鼠》中的古典音乐能影响儿童音乐启蒙的整体意识。其次，《猫和老鼠》中的古典音乐能影响儿童音乐启蒙的节奏意识。再次，《猫和老鼠》中的古典音乐能影响儿童音乐启蒙的欣赏意识。最后，《猫和老鼠》中的古典音乐能影响儿童音乐启蒙的审美意识，一些经久不衰的曲目带给儿童足够的美感，视听效果通过神经传递到孩子的心里，能引导孩子客观理解音乐的整体性美，达到音、心、形的完美统一，使儿童确立正确的音乐审美和世界审美。

参考文献：

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篇4

中国历史悠久，文化传承五千年之久，中国的古典音乐更是有着灿烂辉煌的历史。

在学习的历程中，我在一定程度上了解了中国的古典音乐，体味到了中国古典音乐的美，古琴的优雅，笛声的响亮，箫声的深沉，弦乐器的铮铮之音，都让笔者从中感受到了华夏之音的美妙，体味到古典的魅力。在此笔者想说的是神州古代的音乐大家创作了神州独特的音乐情势堪称经典。比如《渔舟唱晚》是一首著名的北派筝曲。《渔舟唱晚》的曲名取自唐代诗人王勃(649—676)在《滕王阁序》里：“渔舟唱晚，响穷彭蠡之滨”中的“渔舟唱晚”四个字，诗句形象地表现了古代的江南水乡在夕阳西下的晚景中，渔舟纷纷归航，江面歌声四起的动人画面。又如《流水》全曲，音乐的旋律由静到动，由缓到疾，南婉转到跌宕，由点滴到浩荡，无不达到一种和潴的完美境界。音乐的力度和节奏，与所表达的流水的徐疾，大小非常协调，其音乐的曲调与作者所表达的感情也达到了高度的和凿。在音乐的力度和节奏中作者尽情地描绘着大自然的美景，尽情地抒发着享受流水的情怀，大自然的美景与真情达到了高度完美的融合。在欣赏这首作品时，你不但可以感受到演奏者通过多种艺术表现形式把自然界的流水塑造成有生命力的艺术形象，而且可以在感受流水形象的曲调中进入一种胸襟开阔，百折不回的精神境界，更可以感受到人的意识与宇宙的意识和谐交融。

另外，“满江红”“春江花月夜”“十面匿伏”等，都是中国的古典名曲，单单听了这些名儿就已经神为之夺，可见神州韵味之美，因而可知俞伯牙在江边抚琴，唯钟子期从中听懂山之雄浑、水之幽邃；春江明月初升，一叶扁舟，一点儿渔火，在月下随水漂浮；身陷十面匿伏，耳听八方受敌，空有拔山之力，可惜英雄气短，别姬自刎，痛何如哉……

二、西方古典音乐

西方古典音乐有着灿烂辉煌的历史。奴隶社会中，古希腊、古罗马的音乐文化占有很重要的位置；中世纪，宗教音乐占有统治地位；其特点是以歌唱为主的多声部音乐形式；11世纪世俗音乐和民间音乐发展起来；文艺复兴时期，器乐逐渐取得重要地位；经历16、17世纪，器乐的发展为18世纪的古典音乐打下基础。这个时代的音乐舒缓轻松、优美动听、激情澎湃，更是在肖邦、贝多芬等这些艺术家的身上体现出了追求理想的不放弃精神以及为实现目标不停奋斗的高尚品格。

肖邦的音乐具备稠密的波兰平易近族风格他对平易近族平易近间音乐的态度非常严峻，反对猎奇，同时又不被它所束缚，总是努力体会它的特质加以重新创造，他既提高了平易近间音乐体裁的艺术水平，又保持了纯净的风格，从不丧失其光鲜的平易近族平易近间特色，他对当时西欧在音乐创作方面获得的经验以及成果有深刻的了解以及掌握，并将它作为自己创作的起航点，从而使自己的音乐具备同古典传统有深刻联系的严密谨慎完整的艺术情势。可是肖邦从来不受传统的束缚，勇于斗胆冲破传统，他的旋律有高度的感情表现力，极富于个性，形成为了一种新颖的独特的“肖邦风格”，为欧罗巴洲音乐的历史成长做出了贡献。

贝多芬是德国杰出的音乐家，古典乐派的代表人物之一。1789年法国资产阶级革命进步的思想意识给他许多启发，从而奠定了他追求正义和歌个性自由、憎恨封建专制压迫的思想。他用音乐号召人们为人类的自由和幸福而斗争。

《献给爱丽丝》是他创作的一首钢琴作品，作于1810年4月27日，传说为他的学生特雷泽马尔法而作。作品结构严谨，感情非常真挚和温柔亲切，是一首动人的音乐小品。乐曲采用a小调，曲式为回旋曲式，主题旋律非常明快清新，表现出童稚和天真的情趣。这首乐曲似乎有种对话的意味，听起来使人感到清新而温柔，流畅而开朗。如他一生中最伟大的作品《第九交响曲》，是全聋后的所作音乐，已经是妙谈，何况所作的又是世间最巨大的杰品！这是其心灵的产物，富有激情和力量、骄傲，还体现出了时代性、英雄性、斗争性的风格特征。只有能超越人的生活的大苦闷的精神的英雄，才能体会并创作出这首经典名曲。

古典音乐之所以未被历史的洪流淘去，保留至今，必有其独特的、永恒的魅力所在。而解读音乐之高雅，笔者认为，不仅仅在音符、旋律、节奏中，更多的是音乐中所体现的人文的精神力量、作曲家内心的情感、时代的缩影。流行音乐的浮躁或许能让人精神上有一种宣泄和释放，而古典音乐，在笔者看来，可以抚平一些狂躁带来心灵的安慰，或是有一种激昂的振奋与鼓励的作用。

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0前言

西方是古典音乐的发祥地，在其漫长的艺术发展道路上，关于古典奏鸣曲的形成，开创了古典音乐发展的新纪元。从巴洛克到海顿，再到莫扎特。贝多芬，奏鸣曲在大师的演绎下，透露出不同时期，不同的音乐风格。尤其是贝多芬，创造了奏鸣曲的巅峰，透过其丰富的作品，让人们感受到其饱满的艺术气息。同时，在古典奏鸣曲的发展中，奏鸣曲的艺术性表现，是创作发展的核心，关于曲式结构的形成，装饰音和踏板的使用技巧，都是其艺术表现的关键。

1古典奏鸣曲的发展进程综述

在西方艺术的发展进程中，衍生而成的古典奏鸣曲，成为了古典音乐史上，一种重要的乐器音乐的表达形式。奏鸣曲起源于16世纪，经过几个世纪的发展，奏鸣曲逐渐完善，成为了西方古典音乐的核心形式。巴洛克、海顿、莫扎特、贝多芬等，是编制古典奏鸣曲的灵魂，在其音乐的创作下，古典奏鸣曲更加的饱满，其表现出的艺术形态，更加具有艺术气息，是人类宝贵的艺术品。

1.1巴洛克的奏鸣曲时期

在西方灿烂的音乐史上，真正意义上的奏鸣曲作品，出现于巴洛克音乐时期，主要用于钢琴教学而创作。而正是这种形式下的作品创作，为古典奏鸣曲的形成，奠定了良好的基础，并对于钢琴演奏的方式和技巧，创造了巨大的发展空间。1750年是奏鸣曲发展的一个新的转折点，巴洛克时代的音乐风格，逐渐朝着深奥和复杂的理论方向发展，尤其是复调音乐朝着典雅、清新的方向发展，为主调音乐的发展，营造了良好的氛围。与此同时，钢琴音乐的表达方式也开始从复调对位的形式向主调音乐的形式过渡，钢琴的严格音乐调在主调和声的发展下，形式和内容更加地丰富，并为维也纳古典音乐时期的到来，铺展了诸多的前奏工作。而且此时期，大批优秀的音乐大师为古典奏鸣曲，奉献了一身的精力，旨在发展和完善奏鸣曲。其中，C.P.E.Bach最为突出，其实现了奏鸣曲朝着表现性格的形式发展，丰富了奏鸣曲的发展内容。为此，C.P.E.Bach是18世纪，古典奏鸣曲的奠基人，为古典音乐的创造性发展，起到了重要的推动作用。

1.2海顿的奏鸣曲时期

海顿的古钢琴奏鸣曲的创造，被视为奏鸣曲发展的重要时期。海顿作为维也纳古典音乐的代表人物，对于C.P.E.Bach的古典音乐模式，进行了发展式的继承，尤其是其创作的60余首的奏鸣曲，是古典奏鸣曲发展的一个重要里程碑。在1767年之前，海顿的钢琴奏鸣曲，多以嬉戏曲风为主，基于轻快的表达形式，为奏鸣曲作为真正的教学内容，起到重要的奠定作用；在1768年后的中期，海顿的音乐风格逐渐沉淀下来，作品透露出成熟感，具有一定的深度。同时，在海顿敏锐的音乐思维下，天生的音乐细胞，使得其中期的音乐作品更加地饱满，作品带给人浓厚的活力和亲切感，尤其是在1771年创作的C小调奏鸣曲，是正意义上的钢琴奏鸣曲；在1781年后的晚期，作品形式和内容比较诗意，其后期创作的五首奏鸣曲，展现出其顶级的音乐创作能力，从每一首音乐曲中，流露出海顿独特的个性，多变的曲式，表现出这位大师超凡的音乐想象力和创造力。

1.3莫扎特下的钢琴奏鸣曲时期

莫扎特作为古典音乐的大师，代表了维也纳古典音乐风格，其创作的18余首的奏鸣曲，是奏鸣曲一个时期的象征。莫扎特在音乐的创造上，有着个性鲜明的音乐特征，并从音乐特征中透露出一个时期段，大师所特有的音乐风格。莫扎特和海顿在音乐的创作上，注重旋律和声感的体现，海顿是创作了这一音乐模式，而莫扎特是发展了这一作曲风格。于是，莫扎特的音乐创作把古典奏鸣曲，推向了纯粹的古典意境。并且，莫扎特所表现出来的音乐基调，丰富和发展了海顿的情绪主义基调，在他独特的不协和音律的使用下，关于欢快的音乐节奏，表现的更加淋漓精致，带给人内心情味的碰撞，可谓意味深长。

1.4贝多芬下的奏鸣曲时期

贝多芬是世界音乐史上的巨匠，对奏鸣曲的发展做出了卓越的贡献。贝多芬一生创作了30余首的音乐作品，被视为是世界钢琴文献中的巨著。他的钢琴奏鸣曲作品，在主调音乐的运用上，达到了一个顶峰，其音乐内容丰富、极具张力，对于情感的变化，以及音律的力度，赋予了戏剧性的变化，带给人心灵的碰撞。而且，贝多芬的音乐之所以伟大，在于天才的音乐思维中融入了创新元素，复杂多变的技术，是其曲目创新的重要情愫。对于贝多芬的研究，可以为三个阶段，即其音乐创作的早、中、晚期。其中，早期的钢琴奏鸣曲作品，受到莫扎特和海顿的影响，其创作的元素单纯而炫技，是后期创作发展的重要铺垫；中期的作品比较丰富，尤其是“月关”曲的创作，完全展现出贝多芬的创作才能，独特地自我音乐风格凸显无疑；而晚期的音乐作品，更多地表现出作者不屈的力量，尤其是在失聪后，其作品展现出强有力的生命动感，并在卡农和变奏的使用下，为浪漫主义音乐元素的产生，孕育了“生命力”。

2奏鸣曲的曲式结构分析

奏鸣曲式结构，是音乐严谨性、流畅性、整体性的重要内容。在对于奏鸣曲的探究中，关于曲式结构的剖析是必不可少的。奏鸣曲的曲式结构分为三个部分，呈现部、发展部、再呈现部，是音乐写作过程中，一种固定的写作框架，具有较强的结构形式。而且，音乐基于三个部分的展示，便于音乐基调的布局，尤其是关于主题元素的呈现，是曲式结构所必须具有的。

2.1曲式结构的呈现部

奏鸣曲式结构的呈现部，主要包括主部、连接段、结尾段。其中主部与连接段的协调性关系，是古典奏鸣曲的传统，乐曲的各元素形成并置或冲突的状态，这样更有助于音乐主题的呈现。同时，在该部分的音乐呈现上，早期的奏鸣曲采用反复式的呈现方法，对于呈现部进行一遍又一遍的表现。而且，呈现部作为乐曲的灵魂所在，是整个乐章的精神所在，因而在创作表现中，该部分的音乐元素比较丰富，需要融入于创作者的情感。

2.2曲式结构的发展部

发展部是音乐展开的部分，是创作者音乐灵魂自由发挥的内容。其主要是音乐的各创作元素，在不同调性上自由融合，进而交替出不同形式下的乐思。在新元素的使用上，要注意复调的处理方式，尤其是对于元素结构上，要以片段性和终止性为核心，使得乐思的方式和内容更加地广阔。同时，该部分是第三部分的过渡段，其造成的矛盾冲突，是在呈现部的内容基础。#p#分页标题#e#

2.3曲式结构的再呈现部

在该部分的展现上，仍以原调为主，并基于连接段，重新使得副部内容在主调上呈现。这样，可以让再呈现部的调性保持良好的统一性。而在收尾部分上，表现出很大的不同，诸如贝多芬的作品，在尾声的处理上，尾声比较长，有第二展开的尾声特性。同时，在再呈现部的相关主题的表现上，冠以相关的因子，以在调性和速度上，与呈现部的结构形成对比。

3奏鸣曲中的装饰音和踏板的使用技巧

在奏鸣曲的艺术元素中，装饰音和踏板是重点。其中，装饰音在于长短倚音的区分，以形成明确的奏法。而踏板的运用，更多地是技巧和方法，在古典奏鸣曲中，钢琴踏板的使用，有着重要的作用。

3.1奏鸣曲的装饰音在装饰音阐述中，主要基于莫扎特和海顿的音乐作品，阐述几种常见的奏法。

3.1.1长倚音的音效，尤其是留音的效果，要做到分配合理，与主要音符在时值上，进行平均分配。这样，可以有效的控制留音效果，便于装饰音的完美体现。

3.1.2回音的时值控制，主要基于主元素的时值范畴，对装饰音的各节拍的落脚点，进行准确的把握，避免第一音落在拍子前，而应该落在拍子上，这样可以更好地体现装饰音的价值。

3.1.3在奏音的过程中，关于波音或回音的奏成，要基于实际的创作需要，在“tr”上，做到上方二度开奏，这样便于各装饰音的形成，并适应于实际需求。

3.1.4在装饰音中，贝多芬的比较复杂。各装饰音要融入于作品之中，进而在拍子中准确的体现，其中低音的对准，是装饰音最为重要的一点。而在对于贝多芬的装饰音，在演奏时要对于其相关的元素弄清楚后，方可进行演奏。

3.2钢琴踏板的使用

在古典奏鸣曲中，莫扎特与海顿作品的踏板较少。踏板作为钢琴演奏的灵魂，其在奏鸣曲中有着重要的意义。对于不同大师的作品，其在踏板的使用上，有着较大的区别。诸如，莫扎特的奏鸣曲作品，在演奏的过程中，不宜过多的运用踏板，甚至不用踏板，这样反而可以更好的展现作品的文化艺术。于是，基于作品的不同时期，其钢琴的特点和风格存在较大差异，在作品的演奏上，要站在作品的时期氛围，去控制钢琴踏板的使用。所以，在对于莫扎特、海顿、贝多芬等作品的演奏中，要对于作者的创作时期，对踏板的使用进行巧妙的运用，进而更完美的阐述出作品的艺术价值。

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【关键词】流行音乐；艺术形式；演奏

流行音乐相比于西方古典音乐有着很大的不同，但是，通过观察，我们可以发现，流行音乐实质上是古典音乐的延伸。比如美国从19世纪20年代逐渐开始被人接受的爵士乐的发展来说，爵士乐演奏中所用到的爵士鼓，是从西方古典音乐中定音鼓和军鼓以及其他的一些打击乐器发展而来，而小号和萨克斯在爵士乐中的运用，也是对交响乐中管乐的一种发展和运用。在弦乐上，从低音提琴到贝斯的发展，以及钢琴广泛应用于流行音乐艺术中也是如此。这些乐器已经成为了流行音乐艺术表达的一种主流形式。从乐曲风格上来看，流行音乐也继承了西方古典音乐和民间音乐的很多元素。

首先，民族音乐与元素的加入，成为了流行音乐表现的显著标志。我们经常可以在流行音乐中看到，民族音乐的元素越来越多地体现在流行音乐中。在中国流行音乐发展的过程中，我们看到了许多“中国风”的歌曲，这种“中国风”，并不是流行歌曲完全使用了中国古典的五调式的形式而创作，而是将这种调式融入到了流行音乐创作中。不仅是“中国风”，在西方的音乐中，我们也看到以美国乡村音乐中的约德尔调式为主题元素的乡村流行音乐、融合了凯尔特调式的民谣等等。我们可以看到，流行音乐的发展趋势已经不再局限于原来简单的以西方古典的音乐创作形式来创作流行歌曲，更多的民族艺术元素的加入，使得流行音乐的发展更加丰富，表达的内容也更加多样。其次，艺术表演形式上的变化也成为流行音乐艺术发展多元化的新趋势之一。在我们对流行音乐的理解中，简单清晰的旋律，弦乐组的加入是流行音乐的一个重要标志。而通过近几年流行音乐的变化，我们发现，流行音乐的表演形式也开始发生变化。电子音乐的出现是流行音乐一个重大的变化。这种变化最早能看到的是电子效果器的运用，通过不同的效果模拟真实的声音，同时还为观众们带来了一种如入梦境一般的感受。另一种形式上的大变化就是古典音乐的流行化表演趋势。在我们眼中的传统古典音乐中，演奏者一般在很正式的场合进行表演（比如剧院、会堂等），并且要求演奏者和观众穿着正式的服装，交响乐的欣赏对观众的素质有着较高的限制。

而随着流行音乐的发展，我们可以看到，对西方古典音乐的演奏，也不局限于某种时空限制，交响音乐的演出也从原来的剧院、音乐厅发展到户外、舞台等不同的表演地点，在曲目上，交响乐也不仅仅只演奏贝多芬、莫扎特等大师的作品。可见，交响乐的演奏中，逐渐产生出了一种与西方古典音乐演奏完全不同的新形式。对于我国的民乐来说，这种体现就更加明显。在我们看过的各种大大小小的演出中，我们总会看到演奏民乐的演奏者站在舞台上进行演奏，同时还加入了许多诸如爵士鼓、电子乐等流行音乐的表演因素。这大大颠覆了人们对传统民乐演奏形式上的概念。这些变化可以说明，流行音乐发展的趋势正在向多元化的方向发展，而不只是停留在一个层面上。因此，通过流行音乐的表达我们可以看到，流行艺术正在向一个多元化的趋势发展。这种发展对流行艺术的影响是巨大的。首先，它已经不再局限于单一的某种形式，这使得它的传播方式有了更为广泛的发展。流行艺术相比于古典艺术和民间艺术，其让人们接受的程度在这三者之间是最容易被人接受的。这也是流行艺术的一大特征，而流行艺术中所具有的商业性则是推动其发展多元化趋势的一个原因。所以，我们可以说，商品经济的发展推动了流行音乐的多元化。

随着这种过程的持续发展，流行音乐也会体现出更加明显的多元化趋势，也势必会出现更多不同形式的流行艺术形式。艺术的产生都是伴随着我们对艺术的理解而来，这种多元化的艺术形式可以使我们更好地理解艺术创作和理解过程中为我们赋予的意义。所以，更多形式的艺术出现并不是一件坏事，至于我们如何理解这些艺术形式，以及如何评价这些艺术形式，是我们在欣赏和看待流行艺术过程中需要注意的。因此，这种多元化的流行艺术形式的出现，其积极意义还是要大于消极意义的，并且这种流行艺术的多元形式还是会继续下去，并发展得更加丰富。

参考文献：

[1]胡娜.中国流行音乐的现状与发展[J].大众文艺(理论),2009(03).

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关键词：古典音乐；古典建筑；内在联系；风格；人性；

1 关于音乐与建筑

美国建筑大师莱特曾经说过：“所有的艺术都与音乐有关联。”赖特的父亲是一位有着很深音乐修养的的教会牧师，耳濡目染，莱特本人也会弹奏钢琴和大提琴，当年他在创办塔里埃森设计学校时，规定每个学生至少要会一种乐器。

音乐通过音的高低、强弱等表达人的思想感情；建筑通过形体、结构等提供美的造型艺术。音乐与建筑按照各自的要求和规律发展，看似毫无关系的两种事物其实却有着千丝万缕的联系。

从公元前8世纪古希腊罗马时期开始，一直到20世纪初浪漫主义结束，在这漫长的历史演变中诞生了一大批世界上最伟大的艺术作品，尤其是音乐与建筑艺术，被公认为是人类文明中最纯粹的艺术作品。

2 古典各时期音乐与建筑的对比

    古典时期按时间顺序分为古希腊罗马时期、中世纪时期、文艺复兴时期、巴洛克时期、古典主义时期和浪漫主义时期。在不同的时间段内，诞生了不同风格的音乐与建筑形式，接下来通过对这古典音乐与建筑的风格演变进行对比，找到音乐与建筑的内在联系。

2.1 古希腊罗马时期的音乐与建筑

2.1.1 音乐成就

   （1）在古希腊神话中，重神之王宙斯的9个女儿是负责掌管音乐等艺术门类的“缪斯”女神。因此古希腊人就用女神的名字“Mousa”（缪斯）作为“音乐”的代称，这也就是流传至今“music”一词的来历。

   （2）公元前6世纪，古希腊哲学家、数学家毕达哥拉斯首先提出纯律理论，他根据弦的长度计算出了当时所使用的一切音程，这是音乐理论方面的重大突破。

   （3）大约在公元前5到公元前4世纪时，融戏剧、音乐、舞蹈、诗歌为一体的综合形式——古希腊悲剧与古希腊喜剧出现了。

   （4）古罗马的音乐基本沿袭了古希腊音乐的形态。他们主要用于祭神仪式、婚宴典礼及军队凯旋仪式。

2.1.2 建筑成就

   （1）希腊：雅典卫城建筑群、帕提农神庙、伊瑞克提翁神庙、胜利神庙、山门、雅典娜神像。

   （2）罗马：万神庙、大角斗场、古罗马公共浴场、古罗马住宅、古罗马广场。

2.1.3 音乐与建筑的共同点

   （1）音乐：固定的调式，如多里亚调式、弗里吉亚调式。

   （2）建筑：固定的柱式，如多利克柱式、爱奥尼柱式、科林斯柱式。

   （3）共同点：固定不变。

2.2 中世纪时期的音乐与建筑

2.2.1 音乐成就

   （1）这一时期的音乐多以宗教目的为主，宗教类型的音乐泛指的是葛丽果圣歌，此为单音音乐的作品，一路发展下来就成了後来的弥散曲、安魂曲。

   （2）世俗音乐也有了巨大的发展，大部分的作者都是一些没落的贵族阶级，其实内容大部分都是与宗教有关，但并不是在教堂里演出。

   （3）连年的战争加上宗教的禁欲主义，音乐内容与形式以宗教为前提，在通俗音乐与宗教音乐夹杂抗争中发展。

   （4）中世纪的音乐发展无疑是整个音乐史发展中禁锢最多、最灰暗的一段。

2.2.2 建筑成就

   （1）罗马风：基督教堂、封建城堡、教会修道院。

   （2）哥特：比萨主教堂建筑群、佛罗伦萨主教堂、威尼斯的总督府、阿尔罕布拉宫。

   （3）拜占庭：圣索菲亚大教堂。

2.2.3 音乐与建筑的共同点

   （1）音乐：多为教会音乐，单音节、无和声、无伴奏、清唱、齐唱。

   （2）建筑：多为教堂建筑，理性、禁欲、有节制、朴素、多用厚重阴暗的半圆形拱门。

   （3）共同点：朴素禁欲。

2.3 文艺复兴时期的音乐与建筑

2.3.1 音乐成就

   （1）这个时期的结束比开始有更为明确的定义，不像其他的艺术类别。在15世纪初的音乐表现上没有明显变革，因此说文艺复兴时期的音乐特点是逐渐变化的。

   （2）早期文艺复兴音乐作品主要是对第三间隔的依靠作为和音。从12世纪开始的复调音乐在整个14世纪变得更为细致而不依靠声音来表述。15世纪初的音乐趋向简单，声音致力于平滑。

   （3）到15世纪末，复调宗教音乐又开始变得复杂起来，在某种意义上和当时发展极致的绘画有所关连；接下来到16世纪早期，音乐又开始简单化了。

   （4）在16世纪晚期的音乐，尤其是小曲，趋向于更加复杂和半音音阶的趋奉。此时在佛罗伦斯，音乐家也开始转向古典流派，他们试图通过挽诗的形式恢复古希腊的梦幻化的音乐形式。

2.3.2 建筑成就

   （1）早期：弗洛伦萨大教堂、鲁奇兰府邸。

   （2）兴盛：圣彼得堡大教堂、法尔尼斯府邸。

   （3）晚期：维琴察的巴西利卡和圆厅别墅。

2.3.3 音乐与建筑的共同点

   （1）音乐：提倡人文主义，描绘世俗生活情景、表现诗意的画面。

   （2）建筑：批判神权、肯定人性、把人的比例融入建筑，多用线条轻快的尖拱、造型俊秀的小尖塔、飞扶壁、彩窗。

   （3）共同点：人性解放。

2.4 巴洛克时期的音乐与建筑

2.4.1 音乐成就

   （1）巴洛克是一个时期，而不是一种风格，这个时期出产的音乐作品就称为巴洛克音乐，1600到1750年这150年间就叫做巴洛克时期。

   （2）巴洛克音乐带有很浓的宗教色彩，当时的宗教音乐在西方音乐的发展占很大的分量。

   （3）那个时期的器乐曲发展也很迅速，尤其是弦乐方面的发展，弦乐的音色更能体现出巴洛克的特色。

   （4）代表人物有：巴赫、维瓦尔蒂和亨德尔。巴赫是音乐之父，维瓦尔蒂凭着他的《四季》一举成名天下知，亨德尔是旋律大师，他的作品有一种优雅，他们所留下来的东西是巴洛克时期的一大笔财富。

2.4.2 建筑成就

   （1）早期：罗马耶稣会教堂。

   （2）中期：罗马波罗广场、圣卡罗教堂。

   （3）晚期：维也纳的舒伯鲁恩宫。

2.4.3 音乐与建筑的共同点

   （1）音乐：多用装饰音符、分声部和声、节奏强力跳跃、华丽、强调起伏和速度、表现壮观场面。

   （2）建筑：炫耀、多用贵重材料、追求新奇、装饰、色彩鲜丽。

   （3）共同点：装饰华丽。

2.5 古典主义时期的音乐与建筑

2.5.1 音乐成就

   （1）广义是指西洋古典音乐，狭义指古典主义音乐，是1750－1820年这一段时间的欧洲主流音乐。

   （2）因为这一时期的三位代表性人物：海顿，莫扎特，贝多芬的生活与创作主要都在维也纳，因此又被称为“维也纳古典乐派”或“维也纳古典主义音乐”。

   （3）“交响乐之父”海顿的小夜曲，“神童”莫扎特的奏鸣曲，以及“乐圣”贝多芬的 小提琴协奏曲。音乐的主题也从延续几个世纪的宗教音乐，逐渐变成富有丰富哲理内涵的古典音乐。

2.5.2 建筑成就

   （1）早期：维康府邸。

   （2）中期：卢浮宫东立面、凡尔赛宫。

   （3）晚期：巴黎残废军人新教堂。

2.5.3 音乐与建筑的共同点

   （1）音乐：严谨、典雅、端庄、像黑白电影和版画一样。

   （2）建筑：以古典柱式构图为基础，突出轴线、强调对称、注重比例。

   （3）共同点：理性主从。

2.6 浪漫主义时期的音乐与建筑

2.6.1 音乐成就

   （1）这个时期艺术家的创作上则表现为对主观感情的崇尚，对自然的热爱和对未来的幻想。  

   （2）强调音乐要与诗歌、戏剧、绘画等音乐以外的其他艺术相结合，提倡一种综合艺术。提倡标题音乐，强调个人主观感觉的表现，作品富于幻想性，描写大自然的作品很多，重视戏剧，作品具有民族特色。

   （3）在音乐形式上，它突破了古典音乐均衡完整的形式结构的限制，有更大的自由性。单乐章题材的器乐曲繁多，作曲家创立了多乐章的标题交想曲和单乐章的标题交响诗，这是浪漫主义音乐的重要的形式。

   （4）初期：舒伯特和柏辽兹。中期：门德尔松、舒曼、肖邦和威尔第。巅峰：柴科夫斯基、李斯特和瓦格纳。晚期：马勒、理查德·施特劳斯和拉赫玛尼诺夫。

2.6.2 建筑成就

   （1）前期：英国议会大厦、曼彻斯特市政厅。

   （2）后期：威斯敏斯特宫、圣吉尔斯教堂。

2.6.3 音乐与建筑的共同点

   （1）音乐：强调自由、奔放、像一幅水彩画和油画。

   （2）建筑：强调个性、自然主义、追求超凡脱俗、趣味和异国风情。

   （3）共同点：自然趣味。

3 古典时期音乐与建筑的内在联系

3.1 感性层面

在古典时期，往往是先出现新的建筑风格，然后再出现新的音乐风格，在一段时期内，音乐的风格与建筑的风格在表象特征上是基本一致的。

而在不同的历史阶段，古典音乐与建筑的风格会发生很大的变化，但是风格不管怎样变化，调子总是灰色的，充满信仰，压抑而厚重。

古希腊罗马时期风格是固定不变，中世纪时期风格是朴素禁欲，文艺复兴时期风格是人性解放、巴洛克时期风格是装饰华丽，古典主义时期风格是理性主从，浪漫主义时期风格是自然趣味，整个古典时期的音乐与建筑的风格就是从理性到感性，再从感性到理性，再从理性到感性的变化过程。

3.2 理性层面

先有建筑风格，后又音乐风格的原因不难理解，建筑往往是在创造一种生活，而音乐往往是在描绘一种生活。建筑师把对生活的理想用建筑语言的形式表现出来，当音乐家游走于一种新的视觉形象中时会有新的灵感来源，再通过音乐语言把这种灵感表现出来。

而在这么长的一段时间里的音乐与建筑的风格总是表现出厚重感的原因在于，西方文明一直处在一种宗教的氛围当中，不管是创作的起点还是终点，总有一端是与宗教联系在一起的，所以整体的风格不管怎么变化，仍然有很沉重的感受。文化或是文明是有惯性的，不可能从一个极端走向另一个极端，总体上虽有变化但仍是一种延续。

整个古典时期的音乐与建筑风格的转变呈现出这样一种特征的本质原因在于人性的变化。当人性过分的理性时，就需要一种解放，当人性过分的感性时，就需要一种束缚，人性的发展就是在两种变化之间徘徊前进。而音乐与建筑就是人性变化时的一种外在反应，人通过这些表象事物来抒发自己对新生活的理想。所以在整个古典时期，音乐和建筑会在一个时间段内，风格都极其相似，也可随着人性的变化而呈现出相反的特征。

结语

通过对古典时期音乐与建筑的特点进行对比，找到了它们在每一段时期内的共同特征和不同时期的变化规律，在同一时期内产生共同的特征是因为人们对生活共同的向往，在不同时期产生不同的甚至是相反的特征是因为人性的变化。不管是音乐还是建筑都是人的创造物，它是人在一段时期内内心愿望的外在表现，必然会在特征上表现出高度的相似性，这也就是为什么音乐和建筑在一定程度上可以相互转化，人性在其中扮演着重要的角色。

参考文献：

(德)谢林．艺术哲学．北京：中国社会出版社，2005． 

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关 键 词：东方 “同情观” 中国古典音乐 审美

一、东方 “同情观”对审美思维的影响

“万物有灵观”是东方原始自然宗教的核心，是先民对外界自然物原初的看法。他们相信万物是有灵魂、灵性的，灵魂是不死的，人的灵魂在千变万化中可转变为各种动植物。因此，先民们认为，整个宇宙的万事万物是一个相互依赖、相互联系的统一体，动植物和人的生命在本质上是一体的，是同情同构的，是相互感应、彼此渗透沟通的，甚至是可以相互转换的，这就是东方的“生命一体化”观念。原始初民在深信各种形式的生命在本质上是一体的基础上，把客观存在的自然物、自然力加以拟人化或人格化，赋予他们以人的意志和生命，把他们看成是同自己一样的具有相同的生命和思想感情的对象。他们认为，那些活动量愈大的对象，物活感愈强，生命力和情感也愈充分。既然自然事物同人类的生命现象和感觉思维有相似之处，原始初民就以一种特别的眼光去看待外在自然，以一种特别的情感和心理去体验外部的世界。因此，他们不是孤立地、片面地看待外部事物，他们以己度物，以类比的、拟人的眼光去想象、猜测其他生物的活动，对植物与动物产生了“互渗”的、生命交感的“物我同一”“物我不分”的情感。这种“以同情同构、物我交感、物我互渗”的“同情”的结果，形成了自然物与人之间“生命一体化”的生命“同情观”。这种“同情观”影响着东方的原始初民审美观的形成，因此，在“万物有灵观”的支配下，根据万物的“同情观”，形成了东方的审美思想。

由于东方审美“同情观”就是东方审美的基础，所以，在“同情观”的影响下，东方审美以自然万物对人的生命是否有益有害为美丑的判定标准，也就是说，东方审美最核心部分就是天人合一，关注人的生命，以旺盛的生命力的形式为美。这种人本主义的美学思想，同东方人本主义的宗教观念、东方人本主义的伦理观念一起构成了东方哲学思想的精髓。由此导致了东方民族无一例外地以生命为美，以生机盎然的动物、植物的形态为美的特点。埃及美学思想力求表达生命永恒的理念。印度美学中的“梵我如一”的人生理想，正是对人的生命无限延伸的渴求。印度大量性感的雕塑人像，也是表现性力崇拜和对健美的富于性感的肉体的赞美。日本美学可以说是森林美学或植物的美学，植物的生命状态成为日本音乐表演的基本姿态。中国美学中更是具有生命美学的特征。钱钟书在早年的美学论文中就认为，中国美学是人本主义的美学，它是“通盘的人化或生命化”。中国美学从生死崇拜的艺术造型到龙的意象；从建筑的飞檐到山水花鸟画；从民俗画中的枣子、石榴、莲子等意象到诗歌中的桃花、青松等形象，这些都象征着生命力的旺盛或生殖力的强劲。中国美学范畴中有许多范畴是以人体或植物的生命状态来命名的，如肌理、体性、气、气势、风骨、性灵、心、姿、形神等。可见，天人合一，以生命为美，以生机盎然的生命形式为美的观念，就是东方“同情观”影响下的东方审美思想。

二、东方“同情观”对中国古典音乐审美思维的影响

在东方“同情观”的影响下，东方审美以自然万物对人的生命是否有益有害为美丑的判定标准， “天人合一”“以生命为美”的审美观和“以生动生气的形态为美”的艺术表现观，深刻地影响着中国古典音乐的审美思维。

1.“天人合一”的和谐观念，影响着中国古典音乐中音乐结构的审美

在东方“同情观”的影响下，古代的东方民族都强调人与天和谐相处，都追求“人与天调”，人与大自然和谐统一，即“天人合一。”而人生最大的理想就是自觉达到天人合一的境界。从《周易》到儒家、道家、释家都认为，人和自然，你中有我、我中有你，彼此都相融而无真正对立。他们或主张泛爱自然万物，或宣扬回归自然，都追求人与自然的和谐融洽。这种追求人与天调、亲爱自然的观念，对艺术审美有着非常深刻而强烈的影响。比如，关于音乐的构成，《礼记·乐记》曰：“感于物而动，故形于声，声相应，故生变。变成方，谓之音。比音而乐之，及干戚羽旄，谓之乐。”比如，庄子在《齐物论》里说：“天地与我并生，而万物与我同一。”

在中国古典音乐中音乐结构的审美，也体现着这种“天人合一”的和谐观念。受东方“同情观”中“天人合一”和谐观念的影响，中国古典音乐更多地借助其结构来表现天地自然和生命意识的一体化，更多地呈现出一种“游心于万物之初，天人合一”的思维方式和宇宙观念，由此而塑造着传统音乐家随机开放的以时空意识为先导的艺术思维品格，从而形成一种象征生命运动的主体文化心理的乐之随心结构范式。他们常常运用一种即兴性的自由变化的反复，主体的情感与心理变化随机发挥而又统一于结构之中，注重整个音乐进行过程中的感受与体验，故能给人一种浑然一体的整体美和自然性结构美的印象。所以，中国古典音乐一般是一种散体性的结构，它不追求内在的一种张力，而更多考虑的是一种自然的融入，注重对宇宙自然一草一木、一事一理细细嚼味的生命领悟和情感体验。它的结构犹如水墨画的长卷构图，自由而松散，虽然没有一个严格的整体布局，但却错落有致，通过音乐速度与节奏的疏密变换、对比与统一来体现其对音乐的合理组织，即所谓贵在意到情适。比如，《十面埋伏》琵琶古曲，曲式结构采用多段体和变奏的原则，但是音乐之间又有密切的联系，具有传统戏剧及章回小说的叙事特色。这种联系，不是靠逻辑和结构来进行整合的，而是自然的一种发展和变化，也就是我们通常讲的是情感的需要，变化的需要。

2.“以生命为美”的审美观和“以生动生气的形态为美”的艺术表现观，影响着中国古典音乐的精神内涵

东方民族在“同情观”影响下，形成了“以生命为美”的审美观和“以生动生气的形态为美”的艺术表现观。这一特点在东方所有的审美形态上都表现出来，东方民族所产生出的经验性的审美范畴，几乎都染上了以健旺的生命形式来类比、象征地表达的色彩。比如，东方民族人体美的观念就是健康、性感、生动、姿态优美、服饰艳丽。对山水之美的要求是雄壮、气势、葱茏的植被；森林宁静而深沉，充满深意。最根本的是，在艺术表现自然与人的时候，无论是对对象的性质、形态还是其他形式因素方面的展现，都以旺盛的生命力和物活感为基准，来传达生命力之美和崇拜这种美的感情。

正是在这种“以生命为美”“以生动生气的形态为美”的观念的支配下，才使得追求对生命本质的完美表达，对生活中生命情趣的自我表现，成为了中国古典音乐的重要精神内涵。因此，中国古典音乐均是通过身体与心灵的内在体验的方式去构建或接触音乐世界，以生命直觉体验去发现和把握音乐的内涵。所以，中国古典音乐重视情感和体验，重视从音乐结构到意境要体现艺术家用“心”去完善自身体验的心理过程；重视把“人”作为中心来加以强调的深层体现。中国古典音乐美学思维遵循的不是理性的逻辑思维程序，而是情感的、意愿的、欲念的趋向。在古代士人的观念里，音乐是心灵世界的直接产物，“音者，心声也”的说法就曾得到历代士人的拥戴。从对听者心灵的攫取来说，音乐由于是发乎人心，比语言要显示出更多的优越性，所以孟子说：“仁言不如仁声之入人深也。”也就具有普遍的代表性。可见，中国古典音乐就是由声构成音，由音构成乐，由乐表现为音乐的整体艺术。正如《礼记·乐记》中的《乐象篇》曰：“是故情深而文明，气盛而化神，和顺积中，而英华发外，唯乐不可以为伪。”这段话揭示了音乐极为丰富而又高尚的境界，它无疑是一种特有的文化内涵及人的生命力的表现，昭示着人类灵魂之真。《天闻阁琴谱》所记载的古琴曲《流水》，之所以被演奏者钟爱，就在于作者的内心世界对自然的静穆观照，以及同宇宙自然相与悠游所产生的体验境界，它所激起的不单纯是情绪变化，更是生命之道的超升。所以，乐曲虽然表面上是对景物的描述，而实质是借景抒情，体现着一种坦荡阔大的胸襟以及百折不回、勇往直前的精神境界。正如康斯坦丁诺夫《音乐美学原理》所言：“音乐拥有极完美的手段，以精确地组织音乐能够广泛引起那些情绪、感受和情感，并在那些情绪、感受和情感中反映特定时代的、社会阶层的、特定类型人所特有的复杂的人的态度。”正是在这种“以生命为美”“以生动生气的形态为美”的审美观念的支配下，中国古典音乐才走上了重神轻形，追求音乐中体现最高境界的精神内涵的道路。

综上所述，在东方“同情观”的影响下，东方审美以自然万物对人的生命是否有益有害为美丑的判定标准，形成了“天人合一”“以生命为美”的审美观和“以生动生气的形态为美”的艺术表现观，深刻地影响着中国古典音乐的审美思维。

参考文献

[1]亨廷顿，周棋等译.文明的冲突与世界秩序的重建[M].北京：新华出版社，1997．

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关键词：普通高校；流行音乐；音乐教育

世界音乐林林种种，但大而言之，无外乎古典音乐、民族民间音乐以及流行音乐三大类。在这三类音乐中，流行音乐虽然出现的最晚，但却像个“暴发户”，后来者居上，拥有世界上最广大的创作群、演艺群和欣赏群。目前，国外的音乐院校开设流行音乐的专业课程已很普及，我国从上世纪90年代后期也开始逐渐在音乐艺术院校中设置流行音乐的部分专业。相对古典、民族，流行音乐教育是一个新学科，也是一个全新的音乐教育领地，它对中国音乐教育的发展既存在着广阔的前景，也具有极大的挑战性。

一、流行音乐的开设顺应了历史发展

上世纪70年代以来，随着中国的对外开放，流行音乐闯入了国门。从排斥到不上大雅之堂再到万人追捧的盛况，这样的过程只有短短的30余年，这其间，既有人们的思想、观念的不断改变因素，也有广播电视、唱片、演出业等传媒机构的宣传更起到了催化剂的作用，使人民以更近的距离认识了流行音乐，接近了流行音乐。雅尼音乐会在紫禁城演出的盛况，歌星们在万人体育馆造成的轰动。这些也决不竟然是盲目追崇的结果。罗大佑的音乐渗入了80年代大学生的生活，成为了一代人的成长历程。事实上，流行音乐所表现的潜在特质，吸引了许多从事创作的专业作曲家、表演艺术家。在近年的全国歌手大赛中，常可以见到一些流行音乐获奖作品出自专业作曲家之手。更有在2001年全国艺术院校艺术歌曲创作比赛中，一首大胆运用较现代作曲技法与流行音乐诸特性相结合的艺术歌曲《水调歌头》，即以其独特的个性和艺术追求，获得评委的肯定。在人们对流行音乐大潮流入的迷惘与盲目之后，渐渐已有了鉴别与欣赏的能力。对这一新现艺术门类音乐家们的介入无疑对流行音乐的发展起着提高与发展的积极作用，高等院校将流行音乐归入教育体系，使之进入了科学系统化的教学、研究、提高的新领域，也是历史发展的必然，同时具有积极的显示意义。

二、流行音乐适应大众的需要

随着当今社会政治制度、经济发展模式、文化教育体制等所呈现出的一种“多元并存，多元发展”的格局，‘音乐也面临多元化发展的必然趋势。流行音乐已成为人们文化消费的重要组成部分，渗透于人们日常生活的每一个角落。它以其自然、朴素、新奇、多彩的风格和特色，日益得到广大群众特别是青少年一代的喜爱。据统计，在大众传播媒介尤其是广播、电视中，现代流行音乐占据了全部音乐形式的85％以上。可以看出社会已经顺应大众的需要，消除了对通俗音乐的偏见和歧视，在央视所举办的青年歌手大奖赛和各种音乐栏目中，流行音乐正在逐步扩大所占的比重，朝着更加多元化、更加规范化的方向发展。高校开设流行音乐专业就可以引导学生全面的学习流行音乐，辩证的认识流行音乐，提高学生就业率，更可以使用流行音乐的特点和功能来为丰富校园文化和提高大学生音乐素质服务。

三、流行音乐的特点使学生的喜爱

兴趣是最好的老师，学生进入大学学习的专业只有是自己喜爱的才会全身心的投入。流行音乐所特有的特征受到了年轻一代喜爱。

第一，通俗易懂。流行音乐的最显著特征是通俗性。流行音乐通俗易懂、易学易唱、旋律优美、风格多样，学生可以通过平淡直白的歌词即可理解流行音乐的内涵。

第二，时代气息。流行音乐的另一重要特征是鲜明的时代性。满足社会情感需要是流行音乐产生和发展的社会目的，每个时期都会产生相应的流行音乐，

这些都体现和反映了那个时期的社会特点。

第三，情感丰富。流行音乐的美学特征是它的情感性。音乐是一门情感艺术，人们的情感世界十分丰富，既复杂又直白，既真挚热烈又委婉含蓄。流行音乐是对人们情感世界的反映和体现，因而构成了丰富多彩的流行音乐世界。

四、传统音乐教育模式为流行音乐开设了提供了基础

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1.流行音乐的概念

流行音乐，也称“大众音乐”。由名称可知，流行音乐是能够为大众所接受而传唱的，并流行于一时甚至流传于后世的音乐。之所以流行音乐传唱域如此的广，是因为流行音乐植根于人民群众生活，表现的就是人民群众的生活，能够引起人民群众对自己的生活等各方面的情况的共鸣。

2.流行音乐的特点

流行音乐具有三个特点：娱乐性、通俗性、生活性。首先，流行音乐不同于古典音乐，追求高雅的艺术享受，而是一种听觉上的消遣。其次，对于古典音乐，是拥有一定的古典音乐鉴赏能力和表演能力的人，才可参与其中；流行音乐的通俗性体现在拥有广泛的群众基础，全民互动性强。最后，流行音乐的生活性体现是取材于现实生活，所以听众在听流行音乐时，都会有一种熟悉感，进而产生共鸣。

3.将流行音乐引入初中音乐课堂的必要性

初中学生的“三观”―――世界观、价值观、人生观，还没有正式形成，而受“三观”支配的行为必然有欠妥的地方。如，在流行音乐的选择上，初中学生在欣赏流行音乐时，很大程度上由他周围的同学、朋友所决定。只要他们的朋友、同学所喜欢的音乐，潜移默化中他们也会喜欢。但是，这个过程缺乏科学性，因为初中学生对流行音乐没有一个准确而全面的认识，容易受到外界的影响。因此，将流行音乐引入初中音乐课堂，帮助初中学生提高欣赏流行音乐的能力是相当重要且必要的。

二、初中音乐课堂教学现状分析

1.传统的音乐教育存在不合理之处

在教材的设置上，音乐作品的收录主要是中外的经典作品，基本是古典乐曲以及民族歌曲，很少考虑到流行音乐。然而，经典音乐的技术技巧要求甚高，已经超出了中学生的接受范围。因此，许多初中学生都对音乐课程兴趣缺乏，学习兴趣低。

2.教师教学观念陈旧

教师的教学观念落后，仅仅依靠音乐教材进行教学。大多初中音乐教师，主要针对中外民族民间音乐进行教学，少有流行音乐的身影。因此，学校的音乐发展和学生学习音乐的兴趣都在不同的程度上受到了抑制。学生对音乐教学的内容没有兴趣，自然不会参与到课堂中，音乐教学活动也难以顺利进行。

三、初中音乐课堂流行音乐引入的有效策略

1.在流行音乐的教材选取上，合理选择

当然，流行音乐中存在着一部分比较低俗的音乐，不具备艺术性。这对教师的教学也提出了更高的要求。要求教师合理选择与音乐课程教育目标相呼应的流行音乐进行教学。如此，便可让学生欣赏到内容充实，节奏、旋律都比较优美的流行乐曲。如此，学生自然愿意参与课堂互动，进行有效学习。

如，在进行七年级下学期第三单元第二课《海滨音诗》的教学时，除了要学习音乐教材上的《海姑娘》《大海啊故乡》等几首较为深奥的乐曲，教师可适当引入一些关于海的主题的流行乐曲，如，张雨生的《大海》、任贤齐的《浪花一朵朵》等。通过对这些流行乐曲的学习，在乐曲的引领下，学生会对大海这一意象产生更多的认识，也达到了顺利开展音乐课堂教学的目的。

2.选择与学生心理特征符合的流行音乐