古典音乐的音乐风格范文

导语：如何才能写好一篇古典音乐的音乐风格，这就需要搜集整理更多的资料和文献，欢迎阅读由公务员之家整理的十篇范文，供你借鉴。

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一 西方古典音乐简介

古典音乐，英文名称“classic music”，其中“classic”，在西方文学家笔下有“最为优秀的”、“经典不衰的”之意，在中国，它被翻译为“古典的”。故“classic music”在中国又被称为古典音乐。广义上来说，西方古典音乐包括巴洛克时期、古典主义时期、浪漫主义时期三个时段。

在古典主义时期，音乐受到法国革命的冲击以及当时返璞归真的思想所影响，在特征方面渐渐地变得成熟起来，具备了以下几条特征：第一，主调音乐取代了复调音乐。古典音乐在巴洛克时期形成所以带有巴洛克时期的印迹，但在这一时期内“以旋律与和声背景”为主体的主调音乐才占主要地位。第二，和声得到了进一步地发展，由“主―下属―属―主”建立起来的功能和声以及其调性关系体系构成了音乐结构的骨架。和声语汇增多，借助于离调的手法以及转调的手法，旋律更加具有表现力，变得更加立体化。第三，受到法国革命的冲击作用以及当时返璞归真的思想所影响，这一时期的音乐慢慢地脱离了宗教内容，开始展现以“人”为中心的人文主义内容。“人”取代“神”成为音乐作品的主角。第四，音乐结构形式发生变化。奏鸣曲、变奏曲被广泛运用。

二 从钢琴发展史探究西方古典音乐

任何一种音乐流派乃至一首音乐作品，都是离不开乐器的，其中乐器形式的演变对其影响尤其巨大。西方古典音乐与钢琴的关系亦是如此。

根据现有文献的记载，世界上最早的古钢琴叫做克拉维卡，其制作年代大体是在12世纪至14世纪之间，为欧洲所使用。其外形为长方形，于木箱之上添加一些琴键，有的在四条腿的内侧右部大约三分之一处安装了音板，其右端和厚板相互连接，其弦轴也被固定在这块厚板上，而弦是经由马桥后被固结在音板的另一侧。另外，腿内左侧三分之二处安装有键盘，键子的后面有平头钉固定。弹奏时，后端抬起，平头钉随之敲击弦而发出声音。羽管钢琴在结构上与古钢琴是大体一致的，不同的是弹奏时由安装在键子后面的羽毛管触动琴弦而后发出声音的。

由于古钢琴以及羽管钢琴，发声都相对较弱，音量变化也很少，故逐渐被槌击式钢琴所代替。所谓槌击式钢琴，它是将羽管钢琴加以改进，即在木槌上包裹皮革而成。与古钢琴相比，其音量可以通过演奏者敲击键盘的力度随时变化，弥补了古钢琴存在的音量过小以及无法调节的缺陷，从而增加了钢琴的音乐表现力。后来，钢琴又经历了一系列的变化，例如，1820年，塞巴斯蒂安?艾拉尔把击弦结构改为复震奏结构，从而使得弹奏者可以以更大的速度，更快的频率敲击键盘，从而弹奏出更为复杂的音乐作品。1825年，阿尔菲斯?巴考克第一次使用铸铁弦架，从而增加了弦架对于琴弦拉紧之后所产生张力的承载能力，紧绷的琴弦不再会以弦架的变形而变得松弛。这一改变使得钢琴的音准更为稳定，使用寿命更长。1850年，乐器制造家又对钢琴做了进一步的改进，将支撑结构与弦列的交叉排列以及复震奏式击弦机相结合，从而现代钢琴最为理想的结构形式被确定了下来。

不仅乐器结构形式的变化，音乐理念以及键盘技巧的改变，也会导致音乐风格的改变。西方古典音乐即是如此。下面，我们从西方古典音乐所经历的三个时代，来具体探究其变化。

1 西方古典音乐之巴洛克时期

巴洛克时代的代表人物――巴赫（Johann Sebastian Bach）在演奏乐曲时，手指几乎不离开键盘，以极其细微的动作轻松的进行弹奏。因此，手指是完全可以独立活动的，不管在任何情况之下，都可以行云流水般的弹奏下去。故巴赫的音乐中，充满着颤音、回音、依音、波音等装饰音，从而使得音的力度以及延续变化得以代替。

从这一时期的钢琴弹奏方式，我们可以感知到巴洛克时期的音乐风格。这一时期，音乐家的作品，绝大部分是为了上流社会的需要而作，总体来说是为了显示上流社会的财富及其地位。故其音乐特点在于十分奢华，装饰性的音符十分之多。节奏也十分的强烈，而且短促富有律动，旋律也十分精美。复调音乐在乐曲中占据着主要的地位，同时，节奏的思想，即在乐曲之中加入的小节线，也在这一时代开始萌芽。这些形式在后来直接演变为了奏鸣曲、协奏曲、变奏曲以及交响曲、前奏曲等钢琴作曲方式。总之，巴洛克时代的钢琴音乐体现了强烈的秩序之美，强烈的节奏以及复调式的和声，都是和谐、规范、重复旋律的最好体现。

2 西方古典音乐之古典主义时期

维也纳音乐时期，即古典主义音乐时期，在钢琴的弹奏上，由于维也纳轻动作机钢琴的改进，古典音乐的标志性人物海顿（Franz Joseph Haydn）和莫扎特（Wolfgang Amadeus Mozart）确立了独立奏鸣式的音乐结构模块，从而使得乐曲中的个性化旋律得以从背景之中很好的突显出来。这时期的弹奏者，在弹奏时继承了羽管式钢琴的键盘控制风格，既轻柔又不失紧凑，在弹奏不时之中还带一点华彩的效果。

从中，我们可以看出西方古典主义时期的音乐风格是朴实、真挚的。之所谓“古典”，其实更为准确的来说，它指的是古希腊以及罗马所处的“经典的古代”。18世纪上半叶，启蒙运动兴起，与文艺复兴所提倡的人文主义相同，启蒙运动更进一步的要求“自由、平等、博爱”。启发人们去摆脱教会以及封建的思想束缚，去勇敢的追求思想的自由以及个性的张扬。并且进一步提出了反对世俗君权的口号，主张人们要回归自然，推崇人的理性，音乐也受其影响进入到一个新的时代――古典主义时期。这一时期，音乐特点渐渐的走向了质朴与平民化，音乐风格也趋于完善和成熟。总体来说，主要有以下几个特征：

第一，主调音乐取代复调音乐，成为音乐的主流。尽管古典音乐的萌芽是在巴洛克时代，故带有明显的巴洛克痕迹，但是不可否认，这时以“旋律与和声背景”为基础的主调音乐依然是当时音乐的主流。这主要是因为此时期的音乐，要求作曲家在作曲时尽量去掉繁琐而无用的修饰，回归到最为质朴、自然的状态。在风格上人们更加崇尚轻松、简洁的主调音乐，反对过于刻意严肃、装饰的巴洛克音乐。在这种推崇自然、而又饱含激情、合乎理性的音乐审美思想的指导下，清晰、明朗的旋律从之前复杂的、多声部的复调形式中解放出来，以往主次不分，几条旋律同时进行的复调织体，也转变为以主要的旋律线为基本，其它的声部只作为陪衬和辅助的主调织体。因此，这种主调音乐旋律大都比较清晰。

第二，和声获得进一步的发展，这一时期功能和声（“主――下属――属――主”为主体建立起来）以及功能和声的调性体系是当时音乐的主要骨架。此外，这一时期，和声的词汇也更加的丰富，手法上更为多样，故在音乐旋律的表现力上更为丰富、立体。

第三，受到启蒙运动及其法国大革命的感染，这一时期的音乐在风格上，使人文主义更为突显，逐步的脱离了天主教的内容，主题是“人”，而不是“神”，人文精神成为音乐作品的主角。另外，作曲家也逐渐的认识到，钢琴不仅要表现出自然界的各种声音，还应该要学会模仿人类说话或者唱歌，特别是模仿能够表现普通人感情的说话或者唱歌方式。这就要求乐曲在旋律上以及结构上，不仅要有对比，还要有适当的对话，从而轻动作机钢琴音乐变得更加的丰富，也更加的生动和有趣。

第四，音乐的结构形式也产生了一系列的变化。奏鸣曲因其严谨清晰的结构、细致的质体、平易近人的语言，取代合组曲等曲式，成为主要的音乐形式。另外，变奏曲在这一时期也被广泛的采用。

总而言之，古典主义音乐的自然、简洁的主调音乐风格与巴洛克时代的严肃有序相比，音乐风格更为鲜明、规范，同时处于自然平衡原则以及适当的比率指导下的对比原则，也使得音乐的主次体现更加的完美，境界更加高尚。

3 西方古典音乐之浪漫主义时期

随后，音乐的发展进入浪漫主义时期。浪漫主义时期的代表人物――克莱门蒂（Muzio Clementi）的钢琴弹奏也称为一绝，可与莫扎特比肩。他的钢琴弹奏，技巧极其华丽，转调也极富浪漫主义的色彩。与同时代的音乐家相比，其表演更为具有魄力、更为大胆，也更加的华丽多彩。

相比之下，贝多芬（Ludwig van Beethoven）的弹奏之法是粗犷的，但是其中却不乏某种深邃的意念与力量。这与贝多芬自身的音乐风格类似，他就是要通过这种方式将自己的感觉准确的表达出来，就是感觉要像在钢琴的单独演奏上，获得犹如一整支管弦乐队在表演的效果。此时及之后，钢琴的功能逐渐的被提高，钢琴的黄金时代即将到来。

随后的舒曼及肖邦由于更为协调的使用了延音踏板，故能弹奏出更为曼妙而且富有诗意的音色。并且肖邦还认识到了手在弹奏时的弱点，从而进行调整，最终确定了自身的技巧。

从钢琴的弹奏技巧我们可以看出浪漫主义时期的音乐风格多偏向于幻想，作曲内容比现实生活题材更加广阔。音乐家更多的去挖掘音乐在曲调、和声以及旋律等多方面的表现性，从而对古典主义进行了彻底的突破。总体来说，这一时期的作品更注重主观情感的变化，主张以一种更为直接的方式来表达甚至是宣泄作曲家的感情，所以无论是肖邦的《幻想即兴曲》、《船歌》还是舒伯特的《即兴曲》、《音乐的瞬间》，都带有这样一种汹涌澎湃的美。

三 结语

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[关键词]巴洛克音乐风格 《a小调协奏曲 》第一乐章 延续与发展

[中图分类号] J65 [文献标识码] A [文章编号] 2095-3437（2013）15-0054-03

巴洛克音乐充满了活力，宏伟壮丽，表现了17至18世纪上半叶欧洲社会勇于探索知识，勇于塑造新世界的精神。巴洛克艺术代表着一个时代的精神，西方史学家称这个时代的艺术是“先知的号角”，巴洛克音乐则是这个号角最直接的声音了。维瓦尔第所处的时代属巴洛克晚期，这个时期器乐表现形式发展迅速，上升到与声乐同等重要的地位。这时，小提琴音乐的发展尤为迅猛，协奏曲的演奏定型很大程度上完成在维瓦尔第小提琴协奏曲上。《a小调协奏曲》第一乐章是维瓦尔第数百部小提琴协奏曲中极少的而现在仍在演奏的曲目之一，这首协奏曲完全可以视为巴洛克音乐风格的代表，巴洛克音乐的一切特点它都具备。

一、巴洛克音乐风格的概况

（一）巴洛克音乐风格的产生

文艺复兴时期的艺术讲究清晰、统一和协调，但至16世纪末期，艺术中感情的因素日益增加，明净清澈和完美的形式被表达感情的需要所压倒。于是，巴洛克风格应运而生。

（二）巴洛克音乐风格的特点

1.巴洛克时期音乐的旋律乐句长度不一，气息较长，无论是声乐还是器乐，旋律都空前地华丽复杂，有相当多的装饰音和模进音型，曲调的进行常常带有形象化、象征性特征。巴洛克时期音乐的节奏主要分为自由节奏和律动鲜明、规整的节奏。这两种节奏常常搭配使用，如宣叙调与咏叹调，前奏曲（或托卡塔）与赋格。

2.巴洛克音乐采用大小调体系，它已取代了过去的“教会调式”。 巴洛克时期的曲式以相互间形成节奏、速度、风格对比的多乐章结构为主，复调乐曲的内部结构是以模仿手段写作的连续体（不分段），但可看出明确的呈示、发展和再现因素。

3.巴洛克时期音乐的情绪在一个乐章之内保持一种基本情绪，在乐章与乐章之间形成对比。巴洛克时期音乐的力度不追求渐强和渐弱的细微变化，而是采用较为清晰的“阶梯式力度”。

二、解析《a小调协奏曲》第一乐章

（一）作曲家简介

维瓦尔第昵称红发神父，是一位巴洛克音乐作曲家，同时还是一名小提琴演奏家，其最著名的作品为《四季》。他的音乐天才启迪了后来的巴洛克大音乐家，尤其是他丰富的作品和新颖的、科学的歌剧创作方法，刺激了现代意大利作曲家的好奇心。维瓦尔第的作品不胜枚举，现存有近500部协奏曲、90首独奏和三重奏鸣曲、49部歌剧及许多康塔塔、经文歌和清唱剧等，但对后世影响最大的还是他的协奏曲。维瓦尔第首创了小提琴协奏曲体裁。作为卓越的小提琴家，他发展了小提琴的演奏技术（高把位、快速音阶、持续的琶音、双音、拨奏等），丰富了小提琴的表现手段（加弱音器、弓法的变化）。

（二）此曲的历史文化内涵

《a小调协奏曲》第一乐章具有典型的巴洛克音乐风格。巴洛克时期经历了欧洲史上动荡的一个半世纪，这个时期差不多从1600年歌剧的诞生到1750年巴赫的逝世结束。这是一个变革和冒险的时代：对新大陆的征服激起了各种想象，并为旧大陆开辟了新的财源；中产阶级在与贵族的斗争中积蓄了财富和权利；帝国为争霸世界而战争；令人震惊的贫困和挥霍无度的奢华，高贵的理想和野蛮的压迫形成了对立矛盾。诸如此类的矛盾使得巴洛克艺术宏伟壮观。这种艺术在造型和观念上都是大胆的，它雄伟，富于装饰性，充满了活力。

巴洛克时期的欧洲，除了英国等少数国家确立了君主立宪制的资产阶级以外，大部分国家（德国、意大利、法国等）和地区还处在黑暗、腐朽的封建专制社会。苦难往往滋生宗教。为了争夺传教阵地，天主教与基督教的对抗一直延续到17世纪。18世纪中叶，启蒙主义者举起理性的旗帜，用科学知识向宗教神学宣战。自中世纪以来，宗教艺术一直占统治地位。直至文艺复兴时期，世俗艺术才得以发展。巴洛克艺术家不仅受雇于教堂、宫廷，也乐于为有钱的人效劳。他们的作品不仅宣扬宗教的神圣，歌颂王朝的之尊，也描绘世俗生活的快捷，抒发人性之美；既宏伟辉煌，充满神秘气息，又精巧细腻，抒发内心情感。新教的文化植根于圣经，更加突出人的地位，这无疑使巴洛克艺术增添了人文精神和浪漫气息；反宗教改革运动引起了狂热的情绪，又促使艺术创作的手法更为夸张，作品更具有动势和戏剧性；启蒙思想崇尚自然，追求生活中的惬意与心灵的解放，因此许多艺术家都喜欢以自然为题，作品情景交融，装饰性较强。

（三）此曲对研究巴洛克音乐风格的代表性

《a小调协奏曲》第一乐章是一首典型的巴洛克音乐风格作品，采用小调式取代原来的“教会调式”。此曲在音乐主题的重复发展、连续不断的旋律、阶梯式力度等方面把巴洛克音乐追求的宏大的规模，雄伟、庄重、辉煌的效果表现得淋漓尽致。

1.调式调性

此曲是一首a小调协奏曲，旋律优美，在情绪的层层变化中透出小调的柔和。

2.单一的音乐情绪

谱例1：

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谱例2：

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谱例3：

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《a小调协奏曲》第一乐章采用弱起小节。从乐曲一开始就出现了音乐主题（如谱例1），独具特色的节奏和旋律不禁让人产生紧张、辉煌的情绪；在乐曲的中间，紧张、辉煌的音乐主题再次出现（如谱例2），再一次达到乐曲最初兴奋紧张的感觉，以此引起听众的注意，抓住听众的心理，从而推动乐曲的继续发展；乐曲最后，相同的音乐主题又一次出现（如谱例3），让听众在回味和幸福中结束乐曲.

正是因为主题的重复出现，听众才得以感觉自己参与乐曲的始终，兴奋紧张的情绪一直伴随着自己，为此油然而生一种身临其境的感觉，而作曲家也达到影响了听众，指引听众积极生活的目的。这正是巴洛克时期音乐的显著特点。

3.规整的音乐节奏

谱例4：

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《a小调协奏曲》第一乐章从乐曲一开始，音乐主题就伴随着典型节奏而出现。全曲是由八分音符和十六分音符组成的节奏型来发展的，其中以连续的前八分音符后八分音符和连续的前八后十六音符的同时出现组成的音乐主题为主要推动力；中间十六分音符组成的四连音（如谱例4）又推动了乐曲一步步地向前发展。听众也因此产生源源不断的力量，情绪达到一个个的小巅峰，不会产生厌倦的情绪。

4.连续的旋律

谱例5：

■

谱例6：

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音乐上连续扩展的原则是构成巴洛克音乐风格的要素之一。《a小调协奏曲》第一乐章利用主题的重复出现，一次次地调动听众的紧张情绪，在吸引听众中发展此曲；全曲不仅利用极具特色的前八后十六动力型节奏，还采用均匀的四连音节奏型，在动与静中发展此曲；在弓法上大部分采用分弓，增强了气势，连续的小连弓又增添了旋律的对比性，更好地丰富了乐曲。

5.阶梯式力度

巴洛克音乐强调音乐的起伏变化。巴洛克音乐在进行时采用一个相当稳定的音量，一个始终响亮的乐段后面跟上一段始终低柔的乐段，以此造成明暗对比的效果。这种从一个响度到另一个响度的转换叫阶梯式力度。巴洛克作曲家则把弱音乐段与强音乐段的对比，也就是声音响度的两个阶梯的对比当做主要的表现手法，每一个乐段形成一个固定的色彩区域，用以衬托另一个乐段。根据这种观念形成了音乐结构，赋予巴洛克音乐一种极为朴素的性质。

巴洛克作曲家所使用的表情记号要比后来的作曲家所使用的少得多，这个时期的音乐作品只是偶尔标注一个强奏或弱奏记号，而让演奏者去补充其他任何可能必要的记号。

《a小调协奏曲》第一乐章无处不显现出这种阶梯式力度的发展（谱例4和六种就可以充分地显现出），使乐曲在动静中一步步地向前发展。从全曲的谱面上可以看出此曲几乎没有音乐术语的标记，这一点正印证了在巴洛克时期人们追求自由的精神面貌。

三、如何推动巴洛克音乐风格的延续与发展

理想的学习状态最关键的是学习者要先深呼吸，然后再听巴洛克音乐，这种特别的音乐，其特定的每分钟50―70拍的节拍能帮助学习者身心放松。科学家们发现巴洛克音乐能使人的身体和头脑和谐一致，特别是它能打开通往各超级记忆的情绪通道即大脑的边缘系统。这个系统不仅仅主管我们的情感，而且是意识和潜意识之间的联结。

巴洛克音乐的关键作用是使人们能处于一种放松的状态，使我们能够集中精力学习。音乐可以使新的信息进入人们非凡的记忆系统中。科学家声称这种音乐记忆方法可以帮助学生在5%的时间中完成60%的学习任务。

古典音乐具有独特的魅力和艺术价值，特别是巴洛克时期的音乐。经常欣赏一些古典音乐，可扩大人们的音乐眼界，有助于养成开朗的性格，心情放松。欣赏方式有：1.为欣赏巴洛克音乐打下基础，所以平时更要注意丰富这方面的知识。成人要多看一些古典音乐会的图片，听一些古典乐器演奏的声音，可以去买专门的磁带或光盘，如果有机会可以现场欣赏巴洛克音乐专场音乐会。2.欣赏古典音乐，应该注意方式方法，欣赏之前，我们可以把音乐作品的名称、主要内容进行简要地查阅。作为家长可以将故事结合图片讲给孩子听，帮助孩子欣赏音乐的时候有一定的心理准备，能随音乐作品所表达的内容产生一定的联想。3.作为孩子可以边听音乐边做动作。孩子在欣赏巴洛克音乐时，常常出现各种面部表情或身体动作，这是孩子表现内心感受的一种方法，这样可以帮助孩子加深感受。4.乐海正像书海，都让求知者望洋兴叹。若要在有限的时光里享受真正古典音乐作品，漫无选择是不明智的。家长在选择音乐时可以先从巴洛克名曲入手，建议从维瓦尔第的器乐作品开始，例如《四季》《海上风暴》《愉悦》《狩猎》及《a小调协奏曲》等。在日常生活中要尽量增加欣赏古典音乐的次数。相信不久巴洛克音乐爱好者会频频出现。

另外教师教授音乐也是促进巴洛克音乐发展的重要途径，要求教师在教授巴洛克音乐时要积极地引导、启发学生，用自身去更好地影响学生，培养更多的巴洛克音乐爱好者。

当前，随着经济文化全球化的发展，我们精神文化需求将越来越高，进而拉近了与西方古典高雅艺术的距离。然而，小提琴作为世界上最优美的乐器，它终将以完美的音色、丰富细腻的感情征服每一个音乐爱好者。

近来，随着国内音乐家对西方音乐的深入研究，巴洛克音乐辉煌、理性的音乐形象在众人脑海中将越来越清晰。维瓦尔第是巴洛克时期最著名的小提琴家，他对协奏曲的发展和小提琴演奏技术的提高做出了突出的贡献，他的其他优秀的小提琴协奏曲作品也将进入人们的生活，伴随并影响着人们。

[ 参 考 文 献 ]

[1] 吴维忠.我的音乐手册[M].长沙：湖南音乐出版社，2004.

[2] 卡尔・弗莱什.小提琴演奏技术[M].北京：人民音乐出版社，1979.

[3] 约翰・斯坦利.古典音乐[M].济南：山东画报出版社，2004.

[4] 约翰夫・马克利.西方音乐欣赏[M].北京：人民音乐出版社，1987.

[5] 沈旋，谷文娴，陶辛.西方音乐史简编[M].上海：上海音乐出版社，2008.

篇3

关键词：音乐剧；演唱风格；多元化

0 引言

一部音乐剧的艺术形式通常是非常丰富多彩的，综合包括了音乐、舞蹈以及戏剧等多种艺术门类，不过剧中歌曲往往是人们欣赏音乐剧时留下最深刻记忆的部分。歌曲不仅代表了剧中的音乐风格，更能体现剧情以及剧中的人物，因此，在音乐剧当中非常重要的一个部分就是对歌曲的演绎，我们非常有必要对音乐剧的演唱风格进行把握并对之进行探讨。在现代的音乐剧的歌曲演唱风格中主要包括了以下几个方面：

1 以爵士乐为主调

美国作曲家埃尔文在1914年创作的歌剧《当心你的脚步》中以爵士乐的风格为主，这一格局的出现导致了爵士乐与音乐剧的结缘。自此以后，美国的音乐剧以及流行乐当中开融入了爵士乐的新元素，爵士乐的出现不仅将美国征服，还逐渐融入了欧洲，将长期以来欧洲音乐剧的传统样式改变了。

作为音乐剧中“爵士时代”的20世纪前20年代，许多作曲家在音乐剧的创作中开始运用将爵士乐的创作手法，将强音放在弱拍或者通常空拍处而不是放在重拍上。其中颇具有代表性的是格什温，他将爵士乐的风格和拉赫玛尼诺夫以及德彪西的风格结合起来，并尽量在作品中应用这种风格，“交响味儿”的爵士风由此开创。格什温把蓝调音乐中可以使悲伤感觉产生的降七级以及降三级音节的这样手法在音乐剧的创作中进行了充分运用。他创作的歌曲中具有温柔清新、和声优美以及活泼有趣的特点，并具有很强的幽默感，从而实现了独特的格什温歌曲风格的形成[1]。因此格什温的音乐剧创作中许多歌曲都被看做是爵士乐延长的经典作品。其中最著名的音乐剧歌曲之一就是他在1935年创作的《夏日时光》，不仅深受人们的喜爱，在世界上也是广为传唱，爵士乐手经常即兴演绎该曲的旋律。在黑人的川普的节奏韵律以及古老的传统文化基础之上，格什温创作了歌剧《波吉与贝丝》，他在剧中成功的融入了优美的黑人民谣、爵士乐以及蓝调等音乐元素，从而使得该剧不朽的当代音乐剧佳作。

在音乐剧里，爵士乐的艺术风格非常的独特，它那自由即兴的乐风、个性的切分音节奏以及质朴的旋律走向都可以使人产生联翩的遐想以及燃烧的激情，做到了撩人心弦，使人着迷。因此，作为音乐剧演唱风格的爵士乐无法被忽略，爵士乐的音乐元素被很多优秀的音乐剧所采纳，表演者很值得去尝试这种风格。

2 演唱风格中的轻歌剧唱法

在百老汇的舞台上，轻歌剧的辉煌历史长达几十年之久。在音乐剧的历史发展进程当中，轻歌剧是非常重要的环节，它不仅继承了欧洲的喜歌剧以及大歌剧，还广泛的融入了当代的流行音调，从而成为朗朗上口、颇有喜剧风格的艺术形式。在19世纪的欧洲出现了轻歌剧，由于刚开始抓住实权的资产阶级要求娱乐的轻松性，对于戏剧展开比较缓慢、舞台气氛严肃凝重的大歌剧失去了热情和浓厚的兴趣，相反的，吸引他们的就成为了形式轻松活泼的具有喜剧风格的轻歌剧。1858年作曲家奥芬巴赫创作的《天堂与地狱》成为了第一个划时代的轻歌剧作品[2]。这个歌剧不仅是奥芬巴赫的代表作品，更是轻歌剧发展史上的里程碑，当时整个欧洲都充满了它那优美悦耳以及轻松愉快地旋律。他创作的音乐不仅通俗易懂，更没有复杂的技巧，并融入了当时的各种舞曲、歌曲、进行曲以及小夜曲等，大众喜闻乐见的民间乐调贯穿于整个曲调当中。除了重唱、独唱以及合唱的演唱形式外，说白也被大量采用。轻歌剧的艺术效果也因为拟声词的使用而加强。

还有一种风格在轻歌剧中十分重要，就是小斯特劳斯的圆舞曲风格，轻歌剧的音乐因为其中欢快的旋律以及3拍节奏而丰富。这种流行的“俗音乐”因为音乐史上小斯特劳斯独特的贡献而最终登上了艺术殿堂。优美上口的旋律、浓厚的喜剧色彩以及轻松热闹的歌舞都是这类歌剧的特点。识别它的记号是波尔卡以及圆舞曲，由诙谐幽默、能歌善舞、相貌出众以及善于频频出彩的全能型演员在担任其中的主要演员。其中《薇丽亚之歌》、《风流寡妇圆舞曲》等作为《风流寡妇》这部歌剧中的歌曲[3]，不仅具有优美动听的旋律，还具有极浓的圆舞曲风格，深受人们的欢迎。由此开始的轻歌剧创作中，涌现出了一大批杰出的作曲家以及轻歌剧作品，并成为后世传唱的经典。

虽然是以美声唱法作为基础的，轻歌剧的演唱风格却具有相当的喜剧效果以及流行通俗色彩，正统、严肃而规范的大歌剧唱法消失了。轻歌剧的有些演员即可异常轻歌剧类型的歌曲，又可以唱歌剧，这种演唱风格是流行音乐与美声的早期融合。

3 演唱风格以乡村音乐为主的唱法

具有浓厚的乡土气息是乡村音乐的特点，作曲家哈穆特恩以及罗杰斯共同创作的《俄克拉荷马》是最有代表性乡村音乐风格的音乐剧，将美国乡土气息浓郁的农村故事作为这部作品的题材，将美国本土的一群拓荒者在动荡的西部地区的狂放而质朴的爱情故事和生活经历表现来出来。充满了乡村音乐风格的音乐，浪漫有趣、敬请乐观的剧中歌曲非常的脍炙人口。作为美国乡土音乐剧代表作的《俄克拉荷马》其乡村音乐风格及其饱满，在美国的音乐剧中比较普遍，极其自然的民谣式的演唱、个性独特的音乐以及朗朗上口的旋律都非常接近大众的生活，从而深受人们的喜爱。

4 流行音乐与古典音乐完美结合的演唱风格

典雅、优美以及耐人寻味的古典音乐一直深受许多乐迷的喜爱，同时，人们的眼光又被时尚通俗的流行音乐吸引。随着越来越快的生活节奏以及时代的进步，在对高品质的物质生活的追求以外，越来越多的人对精神生活的追求越来越渴望。他们不仅追求高雅的艺术，更渴望通俗易懂的艺术形式。人们这种对艺术的追求很快在流行与古典的融合当中得到了满足。因此，人们疯狂的喜爱上了将古典与流行融合在其中的音乐剧风格。

英国的天才作曲家韦伯使得百老汇不只是代表美国本土音乐剧，更是成为汇聚世界音乐剧的舞台。在进行音乐创作时韦伯将各种音乐类型传统意义上的各中界限打破，并运用的演绎理念和艺术技巧，使得古典音乐完美的结合了各种流行的音乐元素。韦伯洁具现代感的音乐剧每一部都是精品，其中较为突出的作品之一就是《歌剧魅影》，该剧有效的将流行的情歌与古典歌剧进行了结合，大大增强了它的魅力[4]。其中《想念我》的歌曲具有婉转流畅的旋律，恰到好处的运用了花腔乐段，不仅具有艺术歌曲的美感，更具有通俗音乐的亲和力。而其中的歌曲《歌剧院中的幽灵》中摄人心魄的男女主人公的合唱更是让人欲罢不能。作为一首重量级的经典歌曲，《我唯一的请求》含蓄隽永而不失激情的旋律，一直被认为是情歌对唱在音乐剧中的典范，直至如今还在世界范围内广为传唱。流行于古典相交融演唱的居中歌曲，不仅要求演员具备意大利传统美声唱法的功底，更要在演唱中带有现代流行唱法的感觉。作为一个难度较高的考验，对与歌唱演员来说是一个非常大的挑战。

此外，在传统古典音乐的基础之上，法国作曲家勋伯格在进行音乐剧创作中大量的采用现代的表现手法，而其中极为优秀的两部音乐剧是《西贡小姐》和《悲惨世界》。优美而流畅是《悲惨世界》的旋律特点，充满了各种情感的激烈碰撞与完美融合，该剧也因为其中起伏的音乐而感人至深。作为其中最著名的咏叹调之一，《繁星》在歌词与旋律中极具使命感。而在《西贡小姐》里，勋伯格将美国摇滚与爵士的节奏插播其中，并同时引进了越南的民间乐器和音调风格。《上帝啊这是为什么》作为“勋伯格”式的典型歌曲，具有荡气回肠极其大气的旋律。而且对于演唱者来说，这首歌里面很多的高音具有一定的难度，在控制声音以及气息的方面具有很高的要求，可以作为男高音在音乐剧歌曲里的试金石。作为全剧中最著名的歌曲之一，《世界的最后一夜》具有千回百转的旋律，不禁使人柔肠寸断。《美国梦》则将人物的滑稽狡诈的形象通过闪烁的爵士音调表现了出来，成为了具有独特魅力的音乐剧。

5 以摇滚音乐为主的唱法

摇滚乐作为一个时代的主流在20世纪60年代登上了百老汇的舞台。音乐剧《长发》的摇滚风格是其中最具有代表性的。作曲家马克德蒙特在创作时引进了流行音乐的元素，将电子音乐的效果大大增强。美妙的且极富感染力的剧中的歌词，具有煽动人心的一种力量。具有先锋特色的歌词，将音乐剧种音乐必须与剧情配合的传统规范打破，而且在表达某种情绪上特别注重，使人听起来有吟诗的感觉。剧中的歌曲如《让阳光照进来》以及《宝瓶座》等都脍炙人口，非常流行[5]。

宗教内容与摇滚乐的结合是摇滚音乐剧中比较突出的一个类型。其中的《耶稣基督超级巨星》是由英国作曲家韦伯创作的，是比较有影响力的第一部成熟的摇滚音乐剧。它作为一出经典剧目，对人物、经文以及人们之间的关系在心理上进行了探索，是摇滚歌曲与史诗的完美结合。韦伯在对耶稣基督进行描绘时运用了摇滚乐的语言以及摇摆舞的风格，使音乐剧的表现手段范围大大的扩展了，将主题严肃的音乐剧的表现形式用活泼的轻音乐以及摇滚乐进行替代。此剧在配器上成功的将管弦乐的限制打破，在音乐剧中引进电声音乐，从而使它的表现力与时代感得到了加强。剧中的歌曲具有通俗以及上口的特点，现代感非常强。在歌声中，可以使人们感受到爱戴以及尊重耶稣基督的感情[6]。

节奏在演唱摇滚风格的音乐剧时是非常重要的一部分，演唱者需要通过节奏对强烈的感情进行宣泄。演员的嗓音在歌唱时也非常具有个性，沙哑的明显性以及喊叫的不加修饰，使得此剧的震撼力非常强。此外《啊，加尔各答》以及《你自己的事情》等具有摇滚另类风格音乐剧也非常的受欢迎，很多观众为之而疯狂。

6 通俗流行音乐为主的演唱手法

现代社会潮流的发展与音乐剧的发展之间的关系是不可分割的，音乐剧的现代性、流行性以及通俗性是它自身的特质决定的。其中很明显体现这些特点的是当代的法国音乐剧，作为法国音乐剧的典范，《巴黎圣母院》的风格和以往音乐剧的传统形式有很大的不同，它的流行音乐取向极富亲和力，写意风格特别强烈、艺术感染力也比较深，赢得了很多观众的喜爱。剧中充满了冲突与对立的场面与角色，使得这部剧目不仅冲破了文化的藩篱，更跨越了时代的潮流。《大教堂时代》作为剧中的开幕曲，起伏缠绵的音乐以及磅礴大气的歌词，使得浪漫主义的精髓的到了很好的体现。这首歌不仅将法国音乐剧在音乐上的特点体现了出来，更让表达的主体成为旋律本身，取得了很强的艺术效果。

此外，法国音乐剧中的《罗密欧与朱丽叶》《十诫》等剧目的演绎方法都非常的流行，并且都是用流行的音乐人作为词曲作者，这部音乐剧因为流行歌手的现场煽动能力以及清冽的表现欲望显得十分震撼人心。“动听”是法国音乐剧在流行潮流里的第一追求。法国的音乐剧因为不拘小节的浪漫观，从而呈现了一种开放的态度。居中体现了许多现代感十足的方式，几乎完全没有了古典歌剧中的宣叙调。以流行性为主的法国音乐剧，不仅具有非常现代通俗的唱法，更具有很强的观赏性，使得现代观众越来越挑剔的口味得到了满足。

7 结语

伴随着不断增强的全球文化交流以及不断进步的时代潮流，音乐剧要想更加国际化，必须要增强自己的多元性。不受任何公式化模式约束的多元化的音乐剧，具有不拘一格的音乐风格。在不断发展的音乐剧，其艺术内涵通过利用各种形式来加以丰富，因之具有了非常独特的魅力。我们希望有更多的人去了解音乐剧，去演绎音乐剧，从而促使中国这片土地上开满音乐剧艺术的鲜花。

参考文献：

[1] 李曦.古典音乐元素与美声唱法的融合形成的音乐剧风格[J].辽宁行政学院学报，2010（10）.

[2] 田旭.浅析音乐剧种古典音乐元素与美声唱法的融合[J].牡丹江师范学院院报（哲学社会科学版），2006（4）.

[3] 周映辰.音乐剧种音乐的风格属性和取向[J].中国电影电视技术学会影视技术文集，2009，35（12）.

[4] 张立人，张逸帆.浅析音乐剧对我国流行音乐的影响[J].人民音乐，2011（3）.

[5] 康茜茜.“音乐剧唱法”的演唱风格及其声音概念[J].黄钟（武汉音乐学院学报），2012（13）.

篇4

2、音乐让我有很了大的收获。喝一杯白开水，听着唐磊的丁香花，那优美的旋律，将我陶醉，那不快不慢的歌词，既潮流又有些琅琅上口。音乐是一种语言的结晶，它比语言更进一步，它是一种风格表现，就如麻吉的口吃伶俐，一分钟唱500个字；像唐磊缓慢地表现其旋律。音乐以它的新潮、浪漫吸引着我们，是我们对它念念不忘、对明星崇拜。就这一点，音乐极其深刻地影响了我。音乐深深地将我的心陶冶。

3、歌词是音乐必不可少的，歌词也是音乐的“前锋”，它的文字表现突出了一首音乐的主题，就像“世上只有妈妈好”这首歌，歌词表现了母亲对儿子的养育之心，儿子对母亲的报答。歌词是吸引我们的一大亮点。歌词启发了我，有些歌词讲述人生哲理，使我心潮起伏，让我的人生修养受到了熏陶。

4、音乐不仅仅只流行音乐，古典音乐也是受人们欢迎的一个种类。就让我们敞开心思来谈谈这两种音乐的含义。

5、流行音乐，众所皆知，要让你说出几位流行歌手，就是小菜一碟，因为这些新新人类已经听惯了流行歌曲…...我是流行歌曲的忠实听者，电脑里、车里…...播放的都是流行歌曲,除了跟上时代,我也从中体会到创作者的良心用苦,为了让我们大饱耳福,尽力开发新的概念,创造流行、再流行的歌曲！流行音乐，一种音乐专家开发音乐最高境界的成果，换句话说，我们对崇拜的明星，不都是流行音乐的宣传者么？

6、古典音乐，音乐的另一杰作，“杰作”，也许在人们看来，根本就是——烂。我却不这么认为。古典音乐的好处——让我们了解历史。古典音乐表现的不但是一种音乐风格，从古典音乐的旋律、歌词之中，我们可以领略到历史的发展，那么，我们学习历史不仅不会枯燥，还可以走进那悠久的历史，不是吗？

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学科发展视野中的

《流行合唱》

提起合唱艺术，人们总会想起西方古典音乐艺术中的和声魅力以及巴赫时代的复调、古典时期的主调，也会随之想起曾领起中国近代音乐发端的学堂乐歌。正是在学堂乐歌的承载下，西方音乐艺术中的和声所蕴含的立体美感开始深入中国民众之心，中国传统音乐中占主导地位的线性旋律思维被得到拓展。《流行合唱》一书在新兴流行音乐如爵士乐、摇滚乐、乡村音乐日益发达的社会背景中看到了古典音乐积累起来的人类精神财富的时代价值。它将古典音乐的精髓平民化、娱乐化，在进行通俗易懂的艺术改编基础上，使古典音乐的音乐风格和形象焕然一新，在普及喜闻乐见的古典音乐内容的同时，打破了古典音乐固有的审美习惯，拓展了其中的审美视野，培养了合唱作品受众青少年的新的艺术审美能力。书中所选择的西方古典曲目器乐作品很多，如维瓦尔第的小提琴作品《四季》、巴赫的《C大调创意曲》和《E大调长笛奏鸣曲》、海顿的《“惊愕”交响曲》、莫扎特的弦乐四重奏《小夜曲》和《土耳其进行曲》、贝多芬的《“命运”交响曲》和钢琴小品《致爱丽丝》等。而中国作曲家黄自的著名艺术歌曲《玫瑰三愿》被置于爵士乐的和声与律动之中确属大胆创思。可以说，《流行合唱》一书力图嫁接古典与现代、经典与流行、器乐与声乐、线条旋律思维与立体和声思维于一体，这种创造性的编创是目前国内合唱中极少见的。

音乐创作手法视野中的

《流行合唱》

这本《流行合唱》采用了无伴奏的形式，在展现合唱立体音响魅力的同时，也展现了合唱艺术中的声乐技巧(主要是音准)。这种技巧丝毫不逊于器乐表现的能力，自由地转调、繁复的变音、灵动的节奏，无―不在传达这样一个讯息：《流行合唱》运用了流行的时尚元素，实则为表达精致的艺术追求，其创作手法特色值得一谈。

无伴奏合唱是合唱艺术皇冠中的明珠，音准、节奏、音乐的把握，全仗演唱者训练有素的技艺。《流行合唱》较之于以前的合唱作品突出的亮点是，它成功地将流行音乐手法中的和声及律动纳入到无伴奏合唱的艺术表现中来，使作品不仅具有了浓郁的古典音乐内在的逻辑、风格与色彩，也饱含了流行音乐手法的鲜明个性。而附录的光盘中的柏林艺术大学“美妙星期五”流行爵士合唱团的演唱则为人们阅读这本曲集时增添了直观的艺术感受。

1　主题的选用

曲集的编创以古曲艺术中“流行”的主题为基础，利用原作中业已成型的艺术形象为蓝本，将原作中最动人的主题进行“截取”。

可贵的是，这些动机或主题并非像传统变奏曲中所采用的原样展现、再进行变化的手法，而是进行了不同程度的“裁剪”。这种“裁剪”截取了原作中的核心素材，保留了原作中的风格特色，但也赋予了新作更多的变化空间，有的甚至还进行了多主题的嫁接。如：《四季之歌》中截取了“春季”中欢快的主题句和“冬季”中慢板抒情的主题句，将之合为音乐的主题，加上其他音乐要素的配合，使原作的风格更为突出。《约翰・巴斯蒂安的歌》中截取了“c大调创意曲”和“c小调赋格”的动机材料，形成既有对比又有展开的主题乐句，原复调中的卡农、回转、逆行等手法被划为主题延展的手法之一。《鼓声之歌》中将海顿《惊愕交响曲》的主题进行了“分配”，化为三组人物――海顿、贵族夫人以及解说人一的交替主题，这样的主题“分配”使情绪的宣泄、场景的描绘更为鲜明。莫扎特的《土耳其进行曲》中所描绘的土耳其军乐器音响被合唱队员运用人声加以主题化展示。贝多芬《献给爱丽丝》中“半音反复”的动机被合唱运用丰富的人声加以“放大”，并发展为大小三度音程的不和谐“撞击”，原主题至此已经大为改变，难辨其“真面目”了。

由此可见，《流行合唱》中的古典主题选用完全采用了器乐化的手法，在突出原形旋律、主题动机韵味风格的同时，进行了大胆的改变，这些改变赋予了新作以更大幅度地表现力。

2　节奏的遴选

“流行音乐”作为现代音乐的重要体裁，一直以其丰富的节奏律动独领风韵，而爵士乐、摇滚乐和乡村音乐则更甚。《流行合唱》真切地感悟到这一艺术的魅力所在，在编创合唱时进行了创造性发展，这一手法成为曲集的又_特色。

20世纪，爵士乐受到了重视。它在节奏上最显著的特点是大量使用附点节奏、连续切分和三连音形成轻重音游弋、颠倒的摇曳感觉：但摇滚乐的切分音运用有着明确的节奏规律，即每一个切分音都有明确的间隔，从而产生强烈的节奏感；而乡村音乐在节奏上则突出地表现为轻快。《流行合唱》在运用这些“流行”节奏律动上注意了量体裁衣、切合实际。如《西西里岛的巴萨诺瓦》结合原舞曲摇晃动荡的特点，杂糅进摇滚乐节奏，使之与原巴萨诺瓦(BossaNova)舞曲节奏交替出现，并结合拉丁舞曲节奏音型，使原作的音乐更为多变。《玫瑰三愿》中，在男声声部采用了典型的爵士和摇滚均匀的“低音进行”节奏音型，而女声进入时则加入流行音乐元素，两者相互映衬，主题音调更为鲜明。《致爱丽丝》改变了原作中的规整节奏，将重音提前从而形成不合拍子的切分节奏音型。而《“命运”交响曲》中则引入摇滚的“雷格”(Reggae)节奏音型，强烈的动感节奏使全曲以崭新的面貌出现。莫扎特《小夜曲》的第二部分穿曼波・波莱诺(Mambo Bolero)的舞曲节奏，使合唱在舞曲节奏律动中富有生机和活力。

如上富有动感的流行音乐节奏与原作的节奏相互协调、交相辉映，增加了古典原作节奏律动的同时，也增加了古典音乐的时尚动感。

3　和声的设计

爵士乐和声强调色彩化地变换音高，强调音色的粗犷与变化，使得音符与音符以一种含糊不清的方式来连接，它打破音乐进行中的平稳，经常使用高叠置和弦及非协和和弦，如七和弦、九和弦和增减和弦等。所以，古典时期三和弦的手法在《流行合唱》中被大量变换，以此获得了新颖的音响效果和张力。

《流行合唱》中的和声设计大都与节奏的安排相结合，并突出了和声的特性。如《献给爱丽丝》在22小节后的过渡乐段中，在27、31、36小节处运用了爵士和声，突出了大七和弦的张力和小二度音

程的撞击性，突出了不和谐的和声张力，改变了原作的效果。黄自的《玫瑰三愿》中也大量运用了大七和弦来进行音响上的“浓墨重彩”，且这些和声与节奏音响相配合，突出了音响和声张力的爆发式效果。

《流行合唱》中的和声并非孤立运用，它们与节奏、音调，甚至结构的处理，都有密切关系，这就使其中的和声绽放出浓郁的特质，使原作不仅在动机形象上获得了发展，在音响的张力上也予以了意境的挖掘与拓展。

除了上述的音乐手法特殊外理外，《流行合唱》还在结构的把握上予以了新的发展，突出了流行音乐对结构的自由运用，使原作的结构获得了一定展开和变化，如对《献给爱丽丝》结尾的扩充。

由上可见，《流行合唱》不仅在艺术表现形式上对原作进行了改变(器乐的改为声乐)，还在内在音乐创作手法上进行了新的发展，突出了不同审美需求所带来的音乐创作手法的相应变化，赋予古典原作以崭新的面貌与风韵。

人文艺术视野中的

《流行合唱》

当古典时期的音乐以原形魅力在现代舞台上绽放光彩时，它或多或少地带上了“正统”的面具。这种“正统”使其不自然地戴上了“神秘面纱”。与原作相比，《流行合唱》采用了或嬉戏调皮、或诙谐幽默的通俗化风格，在进行了律动感极强的全新演绎后，古典原作并非被置于完全对立的一面。这种改编是着眼于当下多元艺术视野的全新关照。究竟这种编创是否具有发展经典的作用呢，我们不妨进行一些人文艺术的学理分析。

首先，现代艺术的审美需求讲究“以人为本”，“人性化”、“人文关怀”成为艺术创作者追求的一个重要因素。《流行合唱》在形式与内容上采用了清新活泼的艺术风格来表现古典原作的精髓，它首先就考虑到艺术欣赏的对象(尤其是青少年)的现实情况，这些生活在流行音乐氛围中的人群，或多或少地对古典原作有审美上的距离感。《流行合唱》以原作精致的手法和艺术品格为内在核心，以人声为乐器，用爵士乐、摇滚乐和乡村音乐的素材为外在载体，把原作以流行的音乐手法“精致”地表现出来，突出“精致”与“活泼”并重，这就是对原作“人性化”的解读。于是，古典音乐中的“严肃”特质退化为作品中的精髓或根本，“古典”得以传扬。

其次，多元艺术并呈使得表现手法趋于复合。每一种艺术都有其存在的价值和空间，保持与变革是一个永远“常谈常新”的话题。当古典遭遇现代，当严肃遭遇流行或时尚，“文化触变”不可避免。合唱艺术作为群体艺术，其艺术魅力不必多言；古典器乐精品经历时间的洗礼，其艺术魅力也昭然可见：流行音乐作为群众文化，其社会价值和艺术价值都曾被肯定。因此，《流行合唱》将这几种艺术进行了嫁接，复合为现代艺术语言的新尝试，从形式上是适应于“文化触变”的，从手法上采用了“复合”。

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关键词：安德鲁・劳埃德・韦伯；《歌剧魅影》；音乐剧；艺术特征

中图分类号：J605 文献标志码：A 文章编号：1007-0125（2013）11-0116-02

在20世纪80年代，安德鲁・劳埃德・韦伯在英国乃至世界音乐坛上可谓是风云人物，其创作的音乐剧曾风靡整个世界，在欧洲韦伯被认为是时代的舒伯特，是这个时代音乐剧创作的象征标志。韦伯创作了大量的音乐剧，其中于1986年首演的音乐剧《歌剧魅影》自出演以来引起了长效轰动，深受广大观众的热烈欢迎，从而令这部音乐剧成为上演最长久的一部巨作。《歌剧魅影》创造了音乐剧上的一个新佳绩，在一定程度上成就了韦伯音乐创作的一个巅峰。

一、安德鲁・劳埃德・韦伯和音乐剧《歌剧魅影》

1948年，英国南肯辛顿的一个音乐世家中诞生了日后的音乐剧大师――安德鲁・劳埃德・韦伯。从小在男高音祖父、音乐专校校长与风琴演奏家父亲、小提琴家母亲的家族音乐氛围熏陶下，韦伯早早展现出过人的音乐天赋与才能，7岁时便开始了音乐作曲。韦伯19岁时在皇家音乐学院专业学习管弦乐编曲，期间还熟练掌握了钢琴、小提琴、圆号等乐器的演奏。韦伯所创作的音乐剧作品都非常优秀且获奖连连，如他的代表作《猫》、《歌剧魅影》、《日落大道》等。韦伯凭借其优秀的音乐剧创作连连荣获百老汇托尼奖、奥斯卡奖、金球奖等荣誉。

其中，音乐剧《歌剧魅影》于1986年在英国伦敦首演，这是韦伯的巅峰代表作，荣获了五十多项音乐剧大奖（包括劳伦斯――奥莉维亚奖、托尼奖等）。据统计，该部音乐剧总共在二十多个国家的一百一十个城市演出，演出场数与观众突破了一个又一个新高度。《歌剧魅影》这部音乐剧讲述了发生在19世纪巴黎一家歌剧院中诡异、浪漫、感人的爱情故事，在气势恢宏的大剧院舞台之下，隐藏着一位戴着面具的神秘幽灵，在他的暗中帮助下，女主角成为一个备受追捧的女高音歌唱家。期间，神秘幽灵因爱生恨策划了一系列诡异、追逐、绑架、谋杀事件，逼真的舞台效果、强烈的戏剧冲突、错综复杂的人物情感、阴森恐怖的地下世界，在这些元素的共同作用下，观众享受了一场极具魅力的音乐剧。

二、音乐剧《歌剧魅影》的艺术特征

（一）开放的题材

关于音乐剧的创作，韦伯始终追求多元化与开放性。这在其多样性的音乐剧创作题材上显而易见，韦伯所创作的音乐剧题材涉及广泛，包括爱情题材、童话题材、宗教题材、政治题材、悬疑惊险题材等。其中，音乐剧《歌剧魅影》是韦伯改编自侦探、悬念小说《剧院魅影》（法国小说家勒鲁作品）的一部作品，呈现出开放的题材艺术特征，兼容了爱情、悬疑惊险两种创作题材。韦伯一直想要创作出带有歌剧元素的爱情故事，当他看到《剧院魅影》这部作品时，被书中悲惨而浪漫的爱情故事深深的吸引，激发出创作灵感与激情，歌剧的旋律不断在他的脑海中涌现。在找到合适的故事创作蓝本之后，韦伯便开始投入到开放性题材音乐剧的各种尝试创作中，他选择以观众喜闻乐见的爱情题材作为音乐剧的创作主线，在其中融入一些能够调动观众情绪的诡异与恐怖题材情节。如此，开放的题材增添了音乐剧《歌剧魅影》的欣赏性与表现力，神秘、怪才的音乐魅影痴恋女高音歌唱女演员的情感令观众揪心、痴迷，悲剧、浪漫的爱情迎合了观众的欣赏口味，而制造离奇神秘的悬念，使得恐怖、悬疑的故事情节一步一步吸引着观众想要一探究竟。

（二）多元的表现手法

在音乐剧《歌剧魅影》中，韦伯尝试了许多创新之举，尤其是在音乐表现手法上进行了各式各样的创新，从而令该部音乐剧呈现出多元表现手法的艺术特征。通过欣赏音乐剧《歌剧魅影》的表演，能够发现韦伯在创作中兼容了古典、流行、民间、现代先锋派的创作手法，创新了美声与通俗同台演唱的声乐唱法，实现了传统交响乐团与流行电声乐队相结合的器乐演奏，这些多元、创新的音乐创作表现手法大大增添了《歌剧魅影》的舞台审美性。在音乐创作上，韦伯灵活运用歌剧与音乐剧元素实现古典音乐及流行音乐的高度整合，将大量古典音乐加入作曲中，从而实现以通俗唱法为主、美声唱法为辅的演唱方式；运用宣叙调、咏叹调等方法来演唱音乐剧中的歌剧情节，而在古典歌剧情节中则运用西方传统的意大利美声唱法来演唱，实现了雅俗音乐的共赏。在器乐上，韦伯采用了现代管弦乐与电声乐队，使其与传统交响乐团共同合作奏曲，该音乐剧的开场乐曲运用宏伟大型的交响乐团伴奏，而主题曲《The Phantom of the Opera》则由电声乐器演奏。在剧情创作上，音乐剧套用歌剧的新创作模式令《歌剧魅影》与一般的音乐剧有明显的区别，剧中剧情节的安排、角色的双重性等，这些多元表现手法的创新尝试增添了《歌剧魅影》的舞台魅力。

（三）独特的音乐风格

在欧洲音乐历史中，音乐风格主要分为三大类，即古典主义风格（以德奥作曲家为主）、浪漫主义风格（19世纪）、流行主义风格（20世纪，以美国作曲家为主）。而在音乐剧《歌剧魅影》中，韦伯的创作将这三大类音乐风格全部兼容，从而呈现出独特的音乐风格的艺术特征。可以说，音乐剧《歌剧魅影》是韦伯创新尝试的完美之作，其音乐风格主要以英国民族音乐、抒情性音乐为主，加入了浪漫音乐与流行音乐为节奏处理，综合了三种音乐风格的优势，从而令该部音乐剧具有特殊的韵味。在《歌剧魅影》中，韦伯创作了许多经典的曲目，如二重唱《The Phantom of the Opera》、独唱《Music of the Night》、三重唱《All I Ask of You》等，融入了古典、浪漫、流行音乐风格的曲目使得《歌剧魅影》与以往音乐剧有着明显区分。此外，韦伯还创新加入了“音乐戏剧性展开”的概念与方法，即在创作中将对话融入歌曲，使其成为剧情连接的要素，并作为线索提供的主要方式，这样观众既可以一边欣赏音乐剧，又可以一边满足好奇心理，根据歌曲中的对话等线索来推敲故事剧情。

三、结语

综上所述，音乐剧《歌剧魅影》之所以能成为风靡全世界的经典之作，与其呈现出的与众不同的艺术特征密切相关，同时还离不开音乐剧舞台美术的辅助。开放的题材、多元的表现手法、独特的音乐风格，再加上赏心悦目的舞台美术设计，从而令音乐剧《歌剧魅影》展现出令广大观众极为震撼的听觉与视觉冲击力，并且以悲剧、浪漫的爱情故事来触动广大观众，从而加深了观众对音乐剧的印象。研究音乐剧《歌剧魅影》所呈现出来的艺术特征对于我国本土化音乐剧创作有很大的借鉴意义，进而在一定意义上促进我国本土化音乐剧的发展。

参考文献：

[1] 陈潇彤.音乐剧《歌剧魅影》的艺术魅力[J].大众文艺

（快活林），2010（16）：6-7.

[2] 田云霞.一半是魔鬼，一半是天使――音乐剧

《歌剧魅影》中魅影形象的分析[J].大众文艺（快活

林），2011（11）：117-118.

[3] 陈潇彤.假面背后的凄美爱情――论《歌剧魅影》的

艺术特征[J].佳木斯教育学院学报，2011（3）.

篇7

爵士乐起源于非洲，但又有别于非洲音乐，它的发祥地是美国南部路易斯安那州新奥尔良市，由被贩卖到美国的黑奴们吟唱的黑人民歌演变而来。爵士乐的灵魂中流淌着与生俱来的草根性和人文关怀，这是它的出身决定的。二十世纪初期，爵士乐是新奥尔良一带民间音乐、流行音乐、古典音乐的融合。它的形成有两方面的元素，一是以美国黑人在音乐上的创造性的贡献Ragtime和Blues为基础；二是一些当时的流行音乐、进行曲、四对舞曲quadrilles等等已有的音乐形式为框架。发展到今天，经过上百年的传承和变迁，爵士乐繁衍出很多种类别，且每一种形式都以自己的特色独立存在，不可取代。作为一种最有分量的艺术种类，突破地域、种族、国家的界限，成为一种世界性的音乐表现形式。

爵士乐的种类有蓝调(Blues)、繁音拍子(Ragtime)、新奥尔良传统爵士乐(New Orleans Traditional Jazz)、ODJB (The Original Dixieland Jazz Band)、狄西兰爵士乐(Dixieland)、大乐团(Big Band)、摇摆乐(Swing)、比波普(Bebop or Bop)、酷派爵士乐(Cool Jazz)、自由爵士乐(Free Jazz)、摇滚爵士乐与融合爵士乐(Jazz-Rock & Fusion)、新咆哮乐与后现代咆哮乐(Neo-Bop & Post-Modern Bop)、波萨诺瓦（Bossa Nova）、方克爵士（Jazz Funk）、后波谱（Post-modern Bop）、酸爵士（Acid Jazz）、现代爵士（Modern Jazz）、灵魂爵士（soul Jazz）、西海岸爵士（ West coast）、融合爵士（Fusion）、拉丁爵士（Latin Jazz)等。

爵士乐的特点表现在以下几方面：

1）即兴演奏或者是演唱。

2）旋律上降三音、降五音和降七音使用频繁。

3）较多使用切分节奏和三连音，轻重音颠倒。

4）节奏多为双拍，通常为4/4拍，也有部分是2/4拍。

5）和弦常用主和弦、属和弦和下属和弦。

6）独特的音色运用

爵士乐在百年的流转中，吸收了古典音乐、民族音乐等诸多音乐元素，从早期的黑人风格中脱胎换骨，逐渐形成传递内容多样，表现形式不同多种风格，曲风华丽，节奏鲜明。如此众多的爵士风格活跃在音乐舞台上，理应带来强大的生命力，然而，出身低微的爵士乐，如今却变得有些曲高和寡，是因为岁月沉淀下来的音乐能量抬高了爵士乐的身价，还是音乐爱好者的误会？“金领听爵士，白领听交响，蓝领听摇滚。”这样的界定一不小心就把爵士乐划分到了主流音乐之外，爵士乐变成一门艺术音乐，其代表的音乐高度使广大音乐爱好者对爵士乐望而却步，成了少数乐迷的游戏。爵士乐，作为边缘音乐文化徘徊在城市边缘。

爵士乐除了自身固有的特点外，与其它音乐有着很多共同的特征。毕竟。爵士乐产生之初就是个混血儿。早期的爵士乐存在于非洲和美国黑人民间音乐之中，也同样存在于古典音乐和当时的流行音乐当中。爵士乐比古典音乐俗一点点，比流行音乐雅一点点，或许，这一独特性，可以在古典音乐和流行音乐中搭起一座桥梁，让古典音乐和流行音乐可以找到一个平衡点，使古典音乐和流行音乐不再泾渭分明，而以一种雅俗共赏的崭新音乐形式出现在我们面前？毕竟无论我们怎么严格的划分音乐的风格，首先它都是音乐。当爵士乐不再华丽丽的高不可攀，变得和蔼可亲，起码能为更多的音乐爱好者所欣赏并喜爱，才不违背爵士乐产生的初衷，才是爵士乐爱好者的福音。

从爵士乐的种类中就可以看出，爵士乐和流行音乐并不是水火不相容的，流行音乐中较复杂的或者较为反传统的和弦构置现象就是来源于爵士乐。爵士乐和弦的构置主要通过引申音来实现紧张、密集、丰满的和弦音响色彩。在流行音乐中的反映就是目前大部分具有一定黑人音乐元素的音乐作品中主和弦的构置一定少不了九音，写成爵士和弦标记就是Iadd9，小调作品就是Im add9或者VIm add9。例如陶匆皇妆咴祷的作品《摇篮曲》。这首歌是爵士钢琴伴奏的，和弦构置十分之复杂，其中主和弦就是用的省掉三音的九音旋律位置。流行音乐的和弦构置现象中还有一个比较鲜明的特点出现在属和弦的位置上，以大调作品为多见。传统属和弦用的是V，欧洲经典音乐作品常常用V7。而爵士和声里面常用的是省掉三音和五音，或者只剩掉三音的V11。和弦构置特点在R&B音乐的作品中很常见，陶础⑼趿宏、周杰伦等的作品中都常常出现。

此外还有和声，爵士乐的和声比流行音乐的和声要复杂得多，以七和弦为基础，并且大量的运用扩展音和替代和弦。这种Blues结构的作品，流行音乐里也不少，比方王力宏的《Take Your Time》、李玟的《过完冬季》、陶吹摹锻春风》。

流行音乐在比较少的一部分作品中还体现了一些爵士乐风格的离调进行，这大大提高了这部分流行音乐作品的技术含量。

香港是中国最早受到爵士乐熏陶的地区之一，1930年左右，香港就有爵士乐主题餐厅、酒吧，到了上世纪50、60年代，爵士乐酒吧更是遍地开花，并且已经拥有大量本地的拥趸。1980年代，香港电影突飞猛进，风头无两，大量的经典电影配乐均是爵士乐。尽管如此，在流行音乐领域，由于诸多因素，爵士乐依然没能占据主流音乐的位置。

2010年，张学友与众多西方音乐家合作发行了第一张粤语爵士乐专辑《Private Corner》.唱片一经推出便占据当年最畅销的香港本土唱片宝座，热浪波及台湾以及中国内地。专辑中的唯一的英文歌曲《Everyday Is Christmas》亦在西方市场大热，受到西方乐迷追捧。

篇8

[关键词]　西方　电影音乐　好莱坞　承袭发展

西方电影音乐，尤其是以美国好莱坞为代表的电影音乐常常给人以辉煌恢宏的气势和博大之感。而且具有广泛的接受群体，为什么?其实当我们了解西方电影音乐所承袭的因素之后。我们就会明白和理解。西方音乐向来在世界音乐史上占有重要的位置，被奉为各时期的经典。它区别与其他音乐类型的重要不同点，在于它有完善的复调音乐体系，和丰厚的音乐创作成就。这样各时期不同风格不同类型的音乐也就成为了电影音乐创作的最基本的来源。

一、主要影响西方电影音乐的音乐类型

1、严肃音乐

严肃音乐主要指严格按照古典音乐创作技法进行创作的音乐，它讲究严格的对位、有严谨的结构和创作规范。早期巴洛克音乐、古典主义时期的古典音乐、19世纪的浪漫主义音乐、20世纪的印象主义音乐、新古典主义音乐及表现主义音乐等音乐创作都是源于严肃音乐本身的创作技法，再对其进行发展所形成不同的音乐流派。

2、歌剧音乐

歌剧也同样是一种完全来源于西方的音乐形式。这种音乐形式集合了法国、意大利、德国、英国等在歌剧艺术上的发展成就，到美国则又与美国百老会的音乐剧相融合而有了新的发展方向。歌剧音乐中的咏叹调、宜叙调等音乐创作形式也被广泛运用于其他的音乐创作类型中。

3、流行音乐

流行音乐在当今的乐坛上已经进入了主流的位置。不仅是由于它的曲风多样，更重要的是这种音乐形式在创作上的随意性，不再拘泥于固定的、严格的创作技法。更讲究个性的张扬，甚至出现了无调性的音乐，完全是随意的、即兴的创作和表演。因此比之前几种音乐形式更具有通俗性，更容易传唱，更受到年轻人的喜欢。并且随着流行音乐的发展，那种节奏感、动感十足的表现方式更适应了现今社会人们在强大竞争压力下的急于要宣泄和释放的要求，因此越来越多的人喜欢流行音乐。

此外。由于，宗教音乐对电影音乐的创作影响也颇大。

二、西方电影音乐制作之溯源

对于最早的无声电影来说。音乐主要是作为遮掩放映机发出的噪音的一种手段，当然。它也起着说明和暗示剧情的作用。因此，当电影院里放映一部影片时，就需要音乐家来为之伴奏。在一般情况下，电影的音乐伴奏是由钢琴担当的，一位具有高超的即兴演奏才能的钢琴家有着不可估量的价值，他所弹奏的大都是人们熟悉的音乐旋律。通常，还有一名打击乐器演奏者来协助，制造出与银幕上的动作相接近的音响：枪击。鸟鸣，火车，飞机。暴风雨等等。

管弦乐队是在本世纪二十年代初期开始进入大城市的电影院的。乐队的规模与质量完全取决于雇用它们的电影院的财力，少则几人，多则几十人。许多类型的音乐都被重新谱写、改编和分类，以适应影片的需要。如舒伯特的《未完成交响曲》是被当做一种“轻盈、流畅的急速音乐”，而贝多芬的几首序曲则分别应用于大树倒下、飞机俯冲和红色印第安人的狩猎等场面。

三、西方电影音乐的承袭发展

随着电影事业的发展，很多作曲家开始为影片创作乐曲。德国作曲家爱德蒙・梅塞尔曾经以他为谢尔盖・爱森斯坦的《战舰波将金号》(1925)和《十月》(1927)以及瓦尔特・鲁特曼的纪录片《柏林》(1927)所写的音乐而做出了显著的贡献，然而只有当米约、奥涅格和肖斯塔科维奇这样的大作曲家对电影感到兴趣时。电影音乐才出现了一个真正的进步。

1927年10月6日首次上演的《爵士歌王》是第一部重要的有声影片，在这部电影里。阿尔・约尔森打断了一个催人泪下的情节，唱起一首称做《妈妈》的歌，使情节的进展有了意想不到的升华。

但是，同步音乐的发展仍然是缓慢的。在英国，阿尔冤雷德・希区柯克于1929年拍摄的《敲诈》是第一部带有同步音乐的电影，然而它的乐谱会强烈地令人回忆起无声影片时代的音乐。二十年代末的德国有声影片中。音乐已经被当做电影中的一个积极因素来运用，而并非只作为画面的一种陪衬。其中值得注意的是约瑟夫・冯、施坦伯格导演、弗里德里克・霍兰德尔作曲的《蓝色天使》。在美国，电影音乐的先驱人物是马克斯・斯坦纳，1931年，他尝试着为大卫・塞尔兹尼克的《六百万交响曲》中影片的一部分写了解释情节式的音乐。结果，这项实验非常成功。

英国的严肃的作曲家们一直对电影抱有浓厚的兴趣。艾尔兰、罗斯索恩、巴克斯和沃恩・戚廉斯等人是四十年代英国电影音乐的风云人物，他们的介入也在一定的程度上使英国电影具有了国际竞争能力。有许多作曲家是因为他们的电影作品而蜚声天下，如约翰・格林伍德和他的《阿兰的人》(19343及布赖恩・伊斯代尔和他的《红舞鞋》1948)。另外。在六七十年代，弗朗克・科德尔、阿尔弗雷德・拉尔斯通、理查德・罗德内・木涅特和隆・古德温等人都为英国电影音乐的发展做出了突出的贡献。

相对来说好莱坞的“黄金时代”的音乐风格独特且有时代意义，基本上反映了作曲家们的文化背景：多数人来自百老汇剧院或中欧及东欧的歌剧院和剧院。他们之中也不乏有能力的作曲家，或许比他们七十年代的同行们受过更多、更好的训练，他们的音乐风格牢固地植根于晚期浪漫主义音乐，直接来源于柴科夫斯基、拉赫玛尼诺夫、瓦格纳和理查・施特劳斯。这种由斯坦纳、罗伊・维伯、阿尔弗雷德。纽曼和季米特里・焦姆金等的音乐风格完全适合于三十年代初期的那种“小说式”情节的要求。但是，越来越多的现实主义作品逐渐扩大了电影音乐的范围，奥逊・威尔斯的《公民凯恩》所作的音乐大受好评。

篇9

关键词：新民乐； 民族音乐； 音乐形式； 音乐表演； 民间音乐

中图分类号：J607 文献标识码：A 文章编号：1004-2172（2007）04-0035-03

一、引言

从90年代末开始，全球经济一体化的浪潮也影响到文化范畴，使文化呈现出多元化的格局，这在流行音乐方面有着较多的体现，最主要的倾向便是在流行音乐中间大量采用古典音乐的素材，或者说将古典音乐重新包装，将古典音乐流行化，形成新的音乐品种。其中比较典型的如：克莱德曼的钢琴音乐、雅尼的新音乐、古典辣妹的新音乐等。且不论他们在音乐内容和音乐形式上有多少新意或有多少贡献，但是在市场上却获得了巨大的成功。客观地说，他们的经验是可取的，因为历史实践证明创新是发展的唯一出路。当然创新的方式有许多种，在考虑市场价值的同时，也应该力求在音乐上有相应的价值体现。利用古典音乐永恒的价值及其在听众中间广大的影响力，将其与流行音乐元素相结合，从而使古典音乐和流行音乐都重新获得一种新的生命。应该说，这种“新音乐”在相当时间内是成功的，同时它还对许多国家的流行音乐产生了不同程度的影响。例如在我国，从2000年以来，一种被称为“新民乐”的民族器乐演奏形式在音乐舞台上诞生，并在各种音像出版物、音乐会上出现。从内容上看，这种新形式的主要特征似乎可以分为以下两种：一种依然是传统乐曲，但在乐队配器上有新颖的安排，重视舞台设计，有着新的乐器组合方式（我国民乐队在编制上一直有着较为固定的结合方式）。除此以外，在音乐风格上也有变化，如部分吸收了流行音乐的一些元素，如节奏、音色、和声等，并且部分采用了流行音乐的发展手段；另外一种形式是以民间音乐为素材，但是主要采用流行音乐的一些手法来进行创作，这类音乐在风格上往往具有更多的创新手法，它放弃了传统音乐一些特有的发展变化手法，还学习、吸收了西方一些流行的音乐表现形式，从而在市场上有着相当的魅力，特别受到青年人的欢迎。如果说第一种形式还主要是以传统音乐为骨架进行变化的话，那第二种形式则更多地具有流行音乐的表现特征，而且人们平时所说的“新民乐”似乎也更多指向它们。之所以强调是受外国流行音乐的影响，是因为同样在80年代以后有另一种创作风格，它吸收了20世纪西方作曲技术，以及运用西方新民族乐派对民族民间音乐的挖掘手法进行创作的一种流派，主要以民族乐队的形式去表现，有媒体也曾经称它为“新民乐”，但它们属于严肃音乐的范畴，这种风格不在我们讨论的范围之内，本文将重点讨论流行音乐风格的“新民乐”。

二、“新民乐”风格的形成

中国民族器乐在历史上有着十分漫长和曲折的发展过程，并且由于中国历史的悠久、地域的辽阔、民族的众多、音乐风格的丰富及音乐类型的多样等原因，使中国民族器乐存在着许多形式和乐种形态。如：宫廷音乐、民间音乐、宗教音乐、祭祀音乐等，并且其中任何一类由于地区等因素的不同又有着众多分类，每一类型的音乐风格、演奏风格及乐器组合也大相径庭。中国民族音乐在长期的历史进程中既有唐代宫廷的辉煌，也有民间乞讨的悲哀；既有文人的雅趣，也有劳动者朴素的粗犷。随着宋代城市文化的逐渐发展，说唱和戏曲音乐的出现及其成熟，艺人身份已基本民间化。除了大量的商业性质的演出，民间艺人还充当着民间礼仪、祭祀等活动的操作者。无从考证，民族器乐的地位是从何时开始变得低下，但是有一点可以确定，那就是从19世纪末20世纪初开始，西方管弦乐队音乐逐渐进入我国，大批留学的知识分子在获知西方、日本的具有人文主义精神的音乐的情况下，非常自然地联想到我们民乐的相对落后，对民族器乐本身的态度也越加责难和轻视。20世纪30年代，深受“五四”新文化熏陶的刘天华开始对民族器乐进行改革，他利用了西方音乐的一些手法，对民族音乐自身进行了相当程度的变革，应该说他的改革是革命性的，他不仅自己创作了一些十分优秀的作品，并且影响到多年后的中国民族音乐创作。解放后广大文艺工作者继续对此进行改革，但是由于多种原因，我们的民乐创作在很多方面深受西方音乐创作的影响，大多都是机械地模仿它们的形式。比如民乐队的建设规模就基本上以西方乐队为榜样，但在乐器编排等方面，有些并不符合中国民族器乐的规律，大批作曲家也按照这种形式进行创作，从而使这样的模式逐渐确立下来，以致我们现在都认为这就是中国民族音乐乐队的基本形式。

三、“新民乐”流行风格的思考

20世纪80年代改革开放以来，西方的一些流行音乐不断涌入中国，特别是90年代后，西方一些流行音乐家运用某些被人们忽视的世界上许多国家的民族音乐作为素材，并将它们与流行音乐元素相结合，获得了巨大的演出市场和商业价值。在这样的背景下，我们的一些流行音乐家也开始了有关的尝试，但更为有影响的则是“新民乐”的出现。

目前的“新民乐”大致有两个种类：第一类从内容上看，既有改编的旧作品，也有新创作的，即采用一些比较新颖的配器与发展手法重新包装，在表现形式上常常以女子小乐队的形式，并且经常用重奏的方式表现，具有室内乐的特征。其实这也不能说是模仿西方，因为中国在汉代就已经出现房中乐了。在这种表演方式中，音乐的本质并没有改变，与过去的老作品相比有了一些时代感和新意，使作品也更具艺术性。第二类在曲目上既有传统的，也有新创作的乐曲，但民族音乐本来的内容已经改变得较多，流行音乐的因素要更多一点，特别是打击乐和电声乐器的加入，使音乐整体音响显得丰满谐和并闪耀着多变的色彩；在形式上则更加新颖，演奏形式具有极强的表演性，几乎全部用女子乐手，具有鲜艳的视觉效果，在演奏时带有相当夸张的表演成分，并且常常以站立的方式背谱演奏，这是在以前的舞台上几乎没有过的演奏形式，使音乐无形中具有了相当程度的观赏性，在一定程度上听觉艺术已转变为视觉艺术。但笔者认为音乐成分的减少会使这种音乐之“新”显得苍白。

中国的流行音乐经过二十几年的发展，有了长足的进步，并覆盖到全国各地，但我国的流行音乐也存在着许多问题，其中之一便是假唱以及假奏现象。现代工业文明给世界带来无穷美妙的变化，但高度发展的录音技术为人们欣赏音乐提供了便利的同时，也为假的表演制造了机会，使音乐成为一种在录音室里制作完成的产品，失去了表演过程以及由此所带来的自然、真实的现场美感，失去了音乐二度创作这一过程。目前“新民乐”在音像制品方面主要是来源于录音，这也是很正常的，因为现在有许多音乐形式其本身就是建立在录音室中，并在音像成品发行前进行了后期的制作加工，使声音效果美化，而且其中许多部分是合成的结果。

中国民族器乐在几千年的历史发展中曾经有过辉煌的时期，但是随着唐代以后宫廷音乐的衰败，城市市民音乐的逐步兴起与发展，民族器乐则更多以民间的形式存在、发展。既然在民间，那必然与民间其他的文化形式以及各种风俗相融合，成为民间文化的一部分。从春秋战国时期的关于音乐本质与功能的讨论中就有过对“郑卫之音”及“靡靡之音”的反对，而所谓的“郑卫之音”和“靡靡之音”主要是指民歌，泛指一切令人“伤志毁心”的民间音乐。自古以来，民间音乐，甚至民间文化总是以低微的形式存在，并被上层阶级、文人阶层包括民间自身所轻视。民间器乐，特别是合奏，在自娱自乐的同时常常也为一些礼仪服务，这样就会产生一定的经济行为，在它成为一种礼仪职业后，它的社会地位与经济地位常常十分低下，因此包括民间艺人在内的民间音乐在很长时期，包括在近现代都遭到很大程度的轻视，甚至是鄙视。正因为如此，我们才倍感刘天华的伟大，他能在那样的一种社会背景下，为中国的大学引入二胡的教育，完全可以想象他所面临的阻力与压力。目前有一种言论批评，认为刘天华也只是改良主义，是用西方的一些观念和手法来改造中国民族音乐，使中国音乐从此失去了自身本质的精神与内涵，走上了另外一条道路。笔者认为，这样的说法是不负责任的，首先在那样的特殊历史状态下，民族音乐的生存已经面临很大的问题，客观地说，当时的民族音乐在许多方面的确存在弊病，已经到了非改革不可的地步了。另外中国民族音乐在历史发展过程中也常常是以一种开放式的形式存在，它从来都是广泛吸收、融合外来文化，使自身焕发出新的生命力。如唐代音乐中对中国少数民族包括周围许多国家音乐的采用，而且这些音乐中的许多成分都和中国原生的音乐融合到一起。可以想象，我们今天听到的民族音乐其实有许多并不是真正的产生于古代中国的音乐，有大量的外来品。就像二胡也并不是中国本土乐器一样，但今天已成为中国最具代表性的民族乐器。所以刘天华时代的二胡音乐包括整个民族音乐也不可能就是千百年以前的形式。刘天华的民族音乐改革是从内容到形式的创新，他在使民族音乐获得新的美学意义的同时，更使全社会重新去认识并尊重民族音乐。

同样在今天这样一个包括“新民乐”在内的大量流行音乐盛行的时代，民间器乐特别是合奏曲由于生存的背景和状况，使它在传播与表演时常常带有一些哗众取宠，甚至媚俗的成分，但是客观地说，这在中国民间的文化形式中十分普遍，一般应按照某种民风来理解，听者也应以一种健康的心态来接受，它是特殊文化和生活环境下的产物。

四、对“新民乐”的展望

对于今天“新民乐”在现代媒体中的流行，涉及到许多问题：音乐的功能、音乐的审美价值、音乐存在的意义、音乐的发展手段与方向、作为信息社会时代的音乐形式等等。综观整个世界范围内的艺术，包括音乐的发展，尽管在近现代是呈多元化的趋势，但基本是按良性的形式在循环，即使是生命力并不长久的流行音乐。我们如何看待“新民乐”的发展命运呢？首先对“新民乐”这种现象的认识必须将其放置到中国流行音乐这个特殊背景下去看待，因为中国的流行音乐发展与西方流行音乐的发展有着很大的区别，这包括社会背景、经济状况、流行音乐的发展历史、音乐在生活中的地位、音乐形态、创作能力、音乐表演、接受群体素质与接受心理、媒体（主要是音乐批评）的功能、中国社会中艺术欣赏的传统习惯等区别。客观地说，中国在这近30年里流行音乐的发展并不能说是成功的，因为真正能具有持久价值以及世界影响力的作品还屈指可数。造成这一状况的原因是多方面的，因此完全以流行音乐的方式去发展“新民乐”肯定会带来相应的问题。那么，如何利用流行音乐的优势和长处来发展“新民乐”呢？国外的很多流行音乐十分重视民族特点，这里的民族特点并不仅仅是音乐方面的，还包括音乐在内的所有的文化。应该看到，当今世界在形成全球一体化的同时，也更加追求多元文化的展示，特别是民族文化，这中间的一些经验值得我们借鉴。从另一方面讲，“新民乐”归根结底还是民乐，所以不应该放弃中国民间音乐特别是民族器乐的精华。首先在曲目上就有极大的选择性，其中包括传统的、创作的，汉族和少数民族的，都可供我们选择；在表现形式方面也可吸收民间的方式，中国民间器乐的合奏形式有丝竹乐、笙管乐、弦索乐、吹打乐、锣鼓乐等，当然并非要求采用其中的某种模式，但至少可以利用它们中间的很多元素加以变革（中国民间打击乐的素材就值得流行音乐学习）。从严格意义上说，“新民乐”的发展也许应该更多的从民乐的角度，同时部分吸取流行音乐的风格元素，来加以完成。如果一味地考虑流行音乐元素的采用，那最终形成便会丧失民乐性，也就不应该称之为“新民乐”，而是“新流行音乐”了。除了传统的民族器乐形式，客观地说，20世纪中对民乐合奏的改革是不成功的，单纯地求大、求洋，在许多地方违背了民乐合奏的规律，所以并没有取得理想的艺术效果，甚至造成了相反的印象，应该吸取教训；对于当今更多元素可供选择的条件下则更应理性地把握，而不能完全从商业利益来考虑。

げ慰嘉南祝

［1］王耀华，杜亚雄.中国传统音乐概论［M］.厦门: 福建教育出版社,1999.

［2］梁茂春. 中国当代音乐［M］.上海:上海音乐学院出版社,2004.

［3］汪毓和.中国近现代音乐史［M］.北京:人民音乐出版社,2005.

Thinking and Forecasting of the “New Folk Music”

Yang Guxia

Abstract:

ぁNew folk music” ,as burgeoning art style and representative form ,has always been a heated topic for years .By introducing the special time of how it come into being ,the author puts this kind of new art form into the process of music history and make objective judgment of “new fork music” after expounding and proving .

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关键词：古典音乐；钢琴演奏；演奏技巧

中图分类号：J624.1 文献标志码：A 文章编号：1007-0125（2014）03-0086-01

一、古典音乐的概况

古典音乐是由18世纪下半叶的西方国家发起的，这是一个新旧社会交替的过程，西方作为贵族生活享受的内容一音乐欣赏，开始发展至中产阶级之中。同时提出了新的文化要求。音乐内容和思想也开始由崇尚优美典雅和精美细琢的艺术趣味向质朴化和平民化转变。

二、古典时期音乐的特征

古典时期的音乐崇尚理性，在注重感情约束及和谐的同时加入了道德观念。主调音乐成为了当时音乐的主流，它的涵义是以一个曲调为音乐思维的主导性的线条并辅之以相应的和弦、和声。这一时期，富于动力性的奏鸣曲成了最重要的形式结构。随着基于奏鸣曲式的题材的基本定型，从而也使现代钢琴代替了古钢琴。也形成了以海顿、莫扎特、贝多芬为代表的“维也纳古典音乐派”，在当时达到了当时音乐文化的高峰。体现出了严谨，手法简单的形式和爽朗明快、淳朴自然的主调音乐风格，同时实现了艺术思想内容和形式的完美结合。

三、钢琴技巧的训练

古典主以是一个时代的风格，这一时期的钢琴旋律以主调音乐为主流；大小调体系得到了充分的发挥，和声手段达到了一个很高的水平；低音及和声做伴奏使用。奏鸣曲式成为了这一时期的代表音乐结构形式且是最具发展的音乐结构形式。由此总结出了这一时期钢琴作品的一些演奏技巧。

（一）五指使用技巧

1.音阶的奏法。正确的摆放手型和灵活的运用手指活动，已达到音阶弹奏的轻盈、流畅那个和用力均匀的要求。其中拇指是谈好音阶的关键。在钢琴作品中存在曲式宽广的音阶和分解和弦的技巧，此技巧需要运用拇指的穿插法来达到演奏效果。着一阶段对于拇指的训练至关重要。

2.琶音练习。琶音分为短琶音（一个八度之内的分解和弦进行及转位）和长琶音（超过一个八度的分解和弦进行及转位）两种。琶音练习在拇指穿指是要注意手腕和手指的协调性，及时做好手腕和手臂的带动准备，以保证音量和音色的均匀一致、干净清晰。

（二）双音、和弦、分解八度和八度音练习的技巧

双音要求弹奏时两个音的整齐性，这是练习技巧就要求手臂、手和手指的形状和运用方法适当灵活。分解八度的弹奏则要求手型合适，肌肉放松可以连续弹奏。

（三）古典作品中装饰音的训练技巧

1.震音。震音主要包含相邻手指的震音和三只手混合使用的震音。其训练技巧需注重音量和音色的均匀和精确。这便要求手腕的平静和柔软，手指和琴键的距离尽可能的接近，手臂和手指的位置尽量平齐。

2.颤音。颤音分单音和双音两种。此音需运用手腕和手臂来完成成琴键的律动。颤音的训练采用中速较宜。

3.阿尔贝蒂低音。此音弹奏方法要求节奏均匀。此时要训练手指的独立性，可以单手联系前臂和手腕的平面摇动，为了使手臂习惯这种旋转运动。

4.连音和回音。连音分上波音、下波音。存在单一和复合两者情况，要求手腕平静和手指敏捷轻巧。

（四）手指相互交替使用的技巧

手指交替使用的形式主要是体现在同音换指（同一键上不发音）和同音轮指（同一键上的反复音）两种。

1.同音换指。在手腕放松的情况下采用不同的手指来快速准确的触键，并方便后续旋律的进行，同时还可以达到连奏的效果。

2.同音轮指。要求手腕保持柔软放松和灵活来练习同一键上的反复音。可采用同一手指在同一键上反复弹奏或是不同手指在同一键上反复交替触键的方法进行训练来达到手臂和手指的协调性，同时还提高了手指的灵敏性和准确性。