古典音乐的魅力与价值范文

导语：如何才能写好一篇古典音乐的魅力与价值，这就需要搜集整理更多的资料和文献，欢迎阅读由公务员之家整理的十篇范文，供你借鉴。

篇1

古典音乐并不是一个很明确的名词，在任何朝代，只要是先前的人所流传下来的音乐，通常情况下，就被认定为古典音乐。也就是说，现在咱们认为的流行音乐在经过千百年后，咱们的子孙后代在重新审视这些流行音乐的时候，他们可能就认为这些被咱们认为是流行音乐的音乐，而在他们看来就会被认定为是古典音乐。所以顾名思义，古典音乐就是对前人音乐的一个统称。由于古典音乐大多都是历史悠久，传唱不衰经得起历史检验和人们喜欢的经典音乐。这种音乐大多意蕴深厚、架构宏大、音律优美、历史悠久、价值持久、便于传承，更富有宏大的民族文化和研究价值。而流行音乐就比较容易辨认，流行音乐大多都是通俗易懂便于流传的歌曲。流行音乐大多都是以当下的时代背景为题材，情感表现更加真实、强烈、简单、质朴；从歌曲特点上来说，流行音乐大多音域狭窄、歌词简单易懂、整体短小精悍。虽然流行音乐和古典音乐在概念上有一定的区分，但从音乐本质而言，无论古典音乐还是流行音乐都是音乐的一部分内容，在音乐的基础知识上来说，都是相通的，为了追求情感的表达和音律的优美方面都是一致的。古典音乐和流行音乐不断融合创新的趋势，使得现代流行音乐增加了许多音乐形式和表达技巧，古典音乐元素更是融入其中。这些古典音乐和流行音乐的相结合的大胆尝试和成功案例受到了人们的欢迎，对于大学音乐教学中二者的结合研究提供了很好的材料。这些例子充分说明流行音乐和古典音乐可以表现形式不同，但它们的构成方式、和声、高音、节奏、表现的内心情感都是一致的。鉴于此，流行音乐和古典音乐的结合具有非常好的音乐基础，只是二者结合力度大小的问题。现在作为大学音乐教师，深入研究古典音乐和流行音乐的特点将二者结合起来进行教学，对于学生的音乐素质的培养和提高、协调古典音乐和流行音乐二者的音乐元素融合具有深远影响。

二、大学音乐教学中古典音乐与流行音乐结合的价值

大学音乐教学现在都包括古典音乐教学和流行音乐教学，但二者是被当做两个不同学科进行教学的，没有有机结合，使得很多学生对古典音乐都有一种陌生感。不过大学音乐教学中将古典音乐和流行音乐有机结合起来的价值相当高的：首先，可以帮助学生更系统完善的理解音乐知识结构和音乐体系。在大学中将两种音乐结合起来进行教学可以让学生学习到更多的音乐知识，系统把握音乐体系和结构，深刻的理解两种音乐之间的关系，丰富学生的音乐素养，提高学生的音乐技术水平、创作水平和鉴赏水平。其次，大学教学中将古典和流行结合起来教学的另外一个价值就是，可以培养学生的综合素质。古典音乐属于我国的优秀传统文化，其内涵的儒家思想、为人之道、善恶观等都会对学生产生影响。在其中，学生不仅学校到音乐专业知识，还可以学校的如何为人处世，什么是忠心为国，什么是除暴安良，什么是喜结良缘等等，这些都包含着古典音乐当中。这些道理都被古人智慧的融入到音乐当中，所以学生学好古典音乐对于学生的综合素质的提高是很有帮助。三是可以改变学生对古典音乐的偏见。很多学生都对古典音乐感觉乏味，感觉不好听，那是学生根本没有静下心来仔细欣赏。古典音乐大多音律舒缓、作曲婉转的特点，这对现在生活节奏变快的年轻人来说，根本受不了这种慢节奏，因为他们为了节省时间，都习惯了直来直去的处事风格。流行音乐正符合现在年轻人的口味，作词浅显易懂、节奏明快。久而久之，古典音乐就会被蒙上高雅、脱离社会、落伍、无法欣赏的各种偏见面纱。大学音乐教师如果将古典音乐和流行音乐结合起来一起进行教学，就会从根本上改变学生对古典音乐的各种错误认识，意义重大。最后就是可以弘扬民族文化，增强凝聚力。中国古典音乐都是音乐中的精华，是我国文化中的瑰宝。中国现代大学教师如果能够将古典文化很好的融入到现代教学中，那么学生学习到的将是民族文化遗产中的精华，对弘扬民族文化，传承民族文化，增强学生的民族情感都是有很大的作用的。

三、大学音乐教学中古典音乐与流行音乐有机结合的策略

在大学生中有一个普遍现象就是，大多数学生都喜欢流行音乐，而很少人会对古典音乐感兴趣。原因之一大概就是在大学生这个年龄段，他们向往自由，追求个性化，而流行音乐正符合了他们的这种需求；其次就是学生对音乐知识缺乏系统的了解，音乐欣赏能力不高，整体素质达不到一定水平，对欣赏古典音乐造成障碍；再次就是老师对古典音乐教学形式单一，内容陈旧，根本激发学生学习古典音乐的热情和欲望。所以大学音乐教师要很好的将古典音乐和流行音乐相结合，需要采取一定的策略。

（一）优化教学内容。在以往的大学音乐教学中，教师总是根据教材讲授课本上的音乐知识，教学内容单一，学生无法体会到古典音乐的魅力。现在大学音乐老师可以根据时代的发展，用现代教育理论重新审视古典音乐教材，尽量把古典音乐和流行音乐结合起来进行讲解，将二者相同的、相通的地方整理到一起进行讲授。这样既能让学生学习到古典音乐，也不会让学生感觉学习古典音乐乏味；即可以让学生系统的认识了解音乐知识结构，又能认识到古典音乐和流行音乐是相通的，只不过是表现手法不同而已；既可以让学生学习到古典音乐的魅力，也不会感觉到古典音乐离他们那么遥远。

（二）采用教学新技术。现在教学工具多种多样，有平板电脑、多媒体、手机等工具，教师可以充分利用这些工具。比如上课的时候，老师可以将一些经典古典音乐视频下载下来播放给学生看；可以将古典音乐中的具有代表性的音乐分成小段，下载下来通过微信发到学生们的手机里，让他们随时随地都可以欣赏经典；再比老师可以录制一些小视频，对某个古典名曲的特意点评，发给学生微信群中，这样既不乏知识性又不缺少趣味性，短短几分钟的时间，学生们也都可以接受。所以渗透到教学内容中的方法和工具有很多，就需要教师去不断探索和研究，再比如利用多媒体技术，给学生再搜索些外国名家名曲听，让学生在不知不觉中受到熏陶提高学生对古典音乐的欣赏水平。与此同时，也不断在课程中渗入现代流行音乐元素，让学生在二者音乐当中寻找出相同和相通的地方，这对学生理解演奏者的情感和意图有很大帮助。这样学生自己也会在音乐演奏过程中把握自我情感的表达，增强音乐作品感染力。

（三）创新教学模式。在以往的大学音乐课程中，教师一般都是自己讲解，学生被动接收。这种信息的被动传递，导致學生接收水平低，学习效率不高。大学音乐老师要根据课堂气氛和讲授内容不断调整授课模式，如何让学生学习效率提高，是学校老师授课的重点。如果按照以后的老师教，学生听，下课各奔东西的旧有模式，即便有再好的教材和教学工具，学生也不会学到什么音乐知识。大学音乐教师一定要改变这种教学模式，可以根据课程情况，在古典音乐和流行音乐的相同之处，将二者进行结合，并且让学生自己各唱一段相同知识点的古典音乐和流行音乐。这样一下子就会带动大家的参与热情，调动学生的学习积极性，让学生也不会觉得古典音乐那么羞涩难懂。另外大学音乐老师还可以像举办音乐会、晚会等形式，安排好相关曲目，让学生们自练自演，在音乐实践中让他们体会二者融合的魅力，找到自己的不足，实现古典音乐和流行音乐有机结合的目的。

（四）提高大学音乐教师综合素质。大学音乐素质教育这个口号已经被喊了很多年了。音乐素质教育往往只是被停留在口头上，因为大学音乐教师的素质没有提高，学生又谈提高素质呢？现代的音乐素质教育已经对音乐老师提出了更高的要求。音乐教师现在不仅只是会讲授一门音乐课程就可以了，现在要求音乐教师对各门音乐课程都要懂，只有这样，大学音乐教师在音乐讲课过程中才能有个整体把握，才能系统的讲音乐知识讲授给学生，才能将古典音乐和流行音乐很好的结合起来进行授课。但当前大多数音乐讲师都只是将讲课做我自己的工作而已，只要完成授课内容就可以了，并没有考虑到讲课之后能达到一个什么样的效果，对学生现在和将来能起到什么样的作用。这是极其错误的，音乐教学他是一种文化的教学，它对学生的影响是潜移默化的，对学生产生的影响可能是终生的，所以不能把音乐课当做简单的事情去做。另外就是有的音乐教师音乐知识体系不完整，教授古典音乐的音乐老师，只是研究古典音乐，对流行音乐置若罔闻；而讲授流行音乐的，只是关注流行音乐，对古典音乐不管不问。这样就严重影响了古典音乐和流行音乐的结合，只懂二者之一的音乐老师，他们就根本达不到驾驭古典音乐和流行音乐的水平。因此大学音乐教师应该提高自身音乐素质，积极研究二者结合的教学策略和方法。

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关键词：大学生古典音乐接受

古典音乐是音乐艺术文化体系中的重要构成元素，引导大学生加强对古典音乐的学习，增强大学生对古典音乐的接受意识，能够促进学生音乐艺术素养的培养，为大学生深入学习音乐文化知识奠定基础。因此在高校开展古典音乐教育的过程中，应该针对古典音乐进行系统的分析，并结合大学生的特点和古典音乐教育需求以及教育现状等制定更加科学的教学指导方案，有效提高学生对古典音乐的接受意识，增强古典音乐教育教学实际效果。

一.古典音乐

古典音乐广义上就是已经进行长时间传承和传播具有持久价值的音乐艺术形式，其主要是相对通俗音乐和轻音乐提出的。一般情况下对古典音乐的内涵进行解读，发现其是一种高度关注音乐艺术价值取向和人生意义的音乐形式。在古典音乐的发展过程中其更追求音乐艺术的语言表现形式、艺术表现手法以及音乐技巧方面的创新，在具体音乐艺术的呈现形态方面具有复杂性和技术性的特征，不仅要求听众在欣赏音乐的过程中可以形成对音乐艺术的良好感知，还希望听众能够具备敏锐的感受能力，能在欣赏过程中获得相应的审美经验。对于当代大学生而言，由于一般没有接受过系统的音乐艺术教育，造成大学生对音乐艺术的理解不够深刻，在欣赏古典音乐时也难以感受到其艺术美感，因此对古典音乐的接受度偏低，甚至部分学生对古典音乐的学习存在抵触心理。所以要结合当代大学生的特点和古典音乐艺术的发展需求开展古典音乐艺术教学，有效促进大学生古典音乐艺术的接受程度得到明显的提高。

二.大学生对古典音乐艺术的接受现状

针对我国当代大学生对古典音乐艺术的接受情况进行了适当的研究，发现大学生接受古典音乐艺术的程度存在普遍偏低的问题，对学生的实际情况产生了相应的不良影响。结合相关调查数据看大学生对古典音乐艺术的接受现状，发现集中从以下几个方面体现出来：

（一）大学生接受古典音乐的程度不平衡

相关调查数据显示，我国不同专业的高校大学生对古典音乐艺术的接受程度存在明显的差异，文科学生一般接受程度偏高，理科生对古典音乐艺术的认同感则有所不足[1]。主要原因是学生在欣赏古典音乐时无法理解古典音乐，也不能产生良好的艺术审美感受，造成学生的欣赏体验感严重不足，打消了学生学习和接受古典音乐知识的积极性。

（二）大学生接受古典音乐的主动性不足

一般情况下如果学生喜欢古典音乐并愿意接受古典音乐，就会自觉搜集一些古典音乐加以欣赏，并有意识的从多渠道获取相关音乐素材，尽量创造更多学习古典音乐的机会。但是由于大学生对古典音乐的认同感偏低，对古典音乐学习重要性认识不足，导致大学生一般不会主动获取古典音乐方面的知识和素材，学习古典音乐的过程中出现了被动学习和被动接受的情况，会影响古典音乐接受效果。

（三）大学生接受古典音乐的目的不够明确

科学合理的设置学习目标是引导学生进行有效学习的关键，但是综合分析当前大学生学习和接受古典音乐的情况，发现存在的明显问题是教师没有为学生设置明确的目标，学生学习和接受古典音乐的目的不够明确，甚至部分学生学习古典音乐主要是为了附庸风雅、随波逐流，亦或是为了完成学业，学习古典音乐的目标引导性严重不足，会制约大学生学习古典音乐过程中对古典音乐艺术的认同感，不利于大学生对古典音乐接受程度的逐步提升[2]。

三.有效提高大学生对古典音乐接受程度的建议

在明确分析当前我国大学生古典音乐接受现状的情况下，为了能够促进古典音乐教育作用的发挥，奠定大学生培养工作的基础，新时期在指导大学生学习古典音乐知识的过程中，可以对大学生实施有效的教育指导，改善大学生对古典音乐的认识情况，使大学生能够积极主动的学习古典音乐方面的知识，为古典音乐教育的落实和大学生广泛接受古典音乐创造良好的条件。具体分析，在高校人才培养工作中，要想循序渐进的提高大学生对古典音乐的接受程度，可以从以下方面入手进行系统的解读。

（一）引导大学生树立正确的音乐审美观念

从当前大学生古典音乐接受情况的调查研究能够看出，目前大学生不喜欢古典音乐主要是由于大学生无法对古典音乐艺术形成深入的理解，大部分学生表示他们“听不懂”古典音乐，也难以感受到古典音乐的艺术美感[3]。针对这一情况，部分教育研究人员提出古典音乐教学应该转变传统教育中存在的文学化和美术画的倾向，避免使用语言文字的方式向学生呈现古典音乐的内容。换言之，音乐教师应该明确认识到，对古典音乐的理解不能将使用语言文字表述音乐作为标准，而是应该认识到音乐艺术所塑造的形象本身具有不确定性，在教育实践中要求学生“听懂”古典音乐并使用语言文字表述出来的做法是错误的。所以，在高校教师指导大学生欣赏古典音乐的过程中，必须转变传统的教育理念，在教学实践中引导大学生树立正确的音乐审美观念，在欣赏音乐时能够体悟和感受到古典音乐旋律的形式美，在高低起伏的音乐中获得情感共鸣，进而增强学生的音乐欣赏体验感。如此，学生在欣赏古典音乐的过程中能够感受到古典音乐的艺术美感，学生对古典音乐的认同感必然会明显的增强，其接受古典音乐的程度也会有所提升。

（二）开设专门的公共艺术教育课程

公共艺术教育课程是提升学生文化艺术接受能力的重要课程，高校针对学生古典音乐接受程度偏低的情况，应该有针对性的开设专门的公共艺术教育课程，对学生实施相应的公共艺术教育指导，并为学生提供参与艺术选修课程的机会，有效对学生的文学艺术修养加以强化。在开设专门公共艺术教育课程后，为了保障课程教学作用的系统发挥，还应该注意加强对课程的管理，从课程教学目标的设置、课程教学内容的选择到课程考核评价，都应该按照人才培养工作的实际需求制定相应的管理规范，并且积极选择业务能力强、教学水平高的音乐教师对学生实施古典音乐教育，增强古典音乐教育教学的趣味性和有效性，吸引学生的注意力，让学生能够基于公共艺术教育相关课程的学习主动参与到古典音乐课程的学习方面，增强对古典音乐的接受程度，为学生音乐艺术修养的培养奠定基础[4]。

（三）积极组件丰富多彩的学生艺术社团

在学生艺术社团中宣传古典音乐并组织学生加强对古典音乐的学习和接受也是提高学生接受程度的重要方法。在高校针对本校学生开展音乐艺术教育的过程中，可以结合古典音乐接受需求适当的开设管弦乐团、合唱乐团等，并将古典音乐艺术作为核心组织学生参与排练和演出活动，借助古典音乐艺术活动对大学生的课余生活加以丰富，有效提升大学生的人文艺术修养[5]。同时，在艺术社团中，结合教师的指导也可以有意识的让社团中的学生加强对古典音乐的学习和了解，并适当的组织学生结合现代音乐艺术理念对古典音乐进行合理的应用，创编新的音乐艺术形式。如此，高校大学生就能够形成对古典音乐文化的深入认识和理解，拉近学生与古典音乐艺术的距离，增强学生自主接受和自主学习古典音乐方面知识的意识。

（四）积极营造轻松和谐的校园文化氛围

校园文化氛围的营造会发挥出文化熏陶和环境影响的作用，增强学生对古典音乐文化艺术的认同感，促进大学生古典音乐文化艺术的接受程度得到明显的提升。在具体将古典音乐融入到校园文化建设的过程中，学校可以积极组织开展高雅艺术进校园活动，并且长期将古今中外的古典音乐艺术引入到校园文化建设中，并适当的组织丰富多彩的文化活动让学生以古典音乐艺术为核心进行适当的沟通和交流，有效加深学生对古典音乐艺术的认识和理解，逐步提升学生的学习效果[6]。此外，在将古典音乐融入到校园文化建设的过程中，学校可以适当的邀请相关专家和学者到学校中开展讲座活动和表演活动，让学生能够与古典音乐艺术文化进行直接接触，在和谐的校园音乐艺术文化氛围中接受相应的熏陶，进而改善学生对古典音乐的认识情况，促进学生对古典音乐艺术文化的学习，进而真正发挥出古典音乐艺术文化在培养高素质人才方面的作用，为将高校大学生打造成为全面发展的高素质人才奠定坚实的基础。综上所述，古典音乐是人类音乐艺术文化体系发展过程中得以良好传承的精髓和经典内容，在高校大学生人才培养工作中，加强对古典音乐的重视，提升大学生的音乐审美品味，能够有效提高大学生的人文艺术修养，为大学生的未来全面发展奠定坚实的基础。因此结合当前大学生古典音乐接受现状，应该制定相应的应对措施，让大学生在学习和探索过程中能够真正感受到古典音乐的艺术魅力，进而增强大学生对古典音乐的认同感，有效增强古典音乐教育效果。

参考文献

[1]戚昭君,姜力宾.当代大学生对古典音乐接受现状的探析[J].黄河之声,2017(19):60-60.

[2]胡爽.浅谈西方古典音乐与幼儿多元发展[J].北方音乐,2016,36(9):132-132.

[3]张乐心.贝多芬在中国--西方古典音乐接受问题个案研究[J].音乐传播,2016(3):123-123.

[4]王樱朴.浅谈电视文艺晚会中古典音乐的“流行化”改编--以《最忆是杭州--G20杭州峰会文艺晚会》为例[J].黑龙江教育:理论与实践,2017(12):81-82.

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一、中学音乐教学中学生鉴赏能力的培养过程中面临的问题

（一）中学生的价值取向

在大多数的中学生中，对于音乐课从传统观念上来说属于副课，没有语数外等考试型的科目重要，因此认为音乐课就是放松精神和娱乐的时间，在课堂上对教师所放的音乐采取选择性，一般会根据个人爱好听取自己感兴趣的音乐，尤其是正处于青春期的学生盲目追求流行音乐，部分歌词其实并不利于现在学生的教育发展，而对于一些真正古典，有鉴赏价值的音乐却进行抵触，通常情况下很少有人能听进去。

（二）音乐学习处于被动状态

传统上认为音乐课是属于副课的，没有严格的考试作为要求，因此学生从心理不重视音乐课，音乐课程的课时较少，普遍中学生的音乐基础知识薄弱，缺乏一定的音乐素养，课堂教学模式单一，教材内容不与时俱进，在平时生活中也不注重积累音乐常识，另外青少年大部分学生追求流行音乐，对于古典音乐和民族音乐的学习和认识却比较被动。

（三）受家庭因素的影响

家庭成员对孩子兴趣爱好、性格养成有着潜移默化的影响，尤其对于音乐的兴趣表现得更为突出，假设父母也喜欢高雅古典音乐，会感染孩子和对孩子的兴趣爱好进行熏陶，但是如果父母很少听一些高雅音乐，学一般来说学生也不会对音乐产生浓厚的兴趣，家庭熏陶对学生提高音乐鉴赏能力起着很重要的作用，在日常生活中，父母要给予孩子正确的引导教育，从小就要重视培养孩子的音乐鉴赏能力。

二、对中学音乐教学中学生鉴赏能力培养的思考

（一）音乐教学要联系生活，贴近实际

学生的音乐鉴赏能力的培养需要学生具备一定的音乐基础知识的同时，还要有情感体?，在古典音乐的一些高雅音乐中可以充分体现情感。但是青少年由于所具备的音乐知识水平较低，再加上流行音乐的冲击，平时通俗音乐听得要远超古典音乐，如果强制性反对学生听他们喜欢的流行音乐，会让学生产生逆反心理，更加厌恶古典音乐，因此在课堂教学中，教师可以挑选一些适合学生听的，有积极引导作用的音乐，与学生建立友好和谐的师生关系，增加师生间的沟通交流，

使得学生的音乐情感得到最大程度的发挥。另外，可以利用多媒体教学适当让学生感受音乐剧，不仅会丰富学生的知识面，而且可以起到培养学生的音乐鉴赏能力的作用，将音乐以不同的形式展示出其魅力，拉近同学生的距离感。

（二）培养学生的创新能力

中学阶段是学生成长过程中的重要时期，也是培养学生世界观、人生观和价值观的过程，处于这个阶段的青少年普遍具有很强的好奇心和独特的个性，在音乐欣赏中，思维能力占据主要地位，因此要重视学生创造性思维的培养。音乐鉴赏本省的创造性特点，要求学生不能被动接受知识，而更应该积极参与到音乐知识探究和音乐鉴赏的过程中。首先，教师可以通过创设情境来引入课题，比如可以通过故事讲述的形式，让学生在熟悉音乐创造背景的前提下感受音乐的魅力，这样不仅能调动课堂气氛，而且有助于学生更好的感悟音乐情感，不断培养学生的创新思维和创新能力。

（三）合理运用各种教学方式提高学生的音乐鉴赏能力

音乐课程考试相较其他科目来说有其独特性，在期末考试前，教师需要采取一些可行的教学方式，将之前课堂所讲的知识串起来，方便学生记忆的同时，巩固知识，这样才能将平时在课堂上的情感体验进行集中积淀，这也是教学中必须做的。可以通过游戏方式帮助学生记忆，或者制作PPT，利用音频、视频播放一些典型的音乐作品，将枯燥的知识运用趣味性的方式帮助学生记忆，循序渐进，根据学生的实际情况，制定合理高效的教学方案，采取多元化的教学方法，提高学生的音乐鉴赏能力。

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关键词：电子小提琴；古典音乐；流行音乐；关系

一、电子小提琴与爵士乐

爵士乐源于非洲黑人传统民谣，黑人的劳动号子、农田民歌，赞美诗和圣歌都是黑人音乐中的特有元素。19世纪末，黑人古典音乐―爵士乐在美国逐渐形成，这种音乐具有丰富的切分节奏、复杂的三连音、特殊位置的重音和自由的即兴，音乐的表达直抒情意，音乐效果奇妙而浪漫，被誉为流行音乐之王。20世纪30年代，拥有20-30人大乐队的摇摆爵士乐开始盛行，摇摆乐的乐队一般由萨克斯，铜管和打击乐器几个部分组成，30年代又被称为爵士乐历史上的大乐队时期。1932年，欧洲首家爵士俱乐部――法国激情俱乐部创建于巴黎，1934年俱乐部组建了五重奏乐队，乐队中的吉它、小提琴的新颖组合使爵士乐炫发出异彩，史蒂芬•格莱柏利和爵士乐小提琴也正式登上了历史舞台。40年代初，比波普爵士乐小乐队开始走上全盛时期。1959年自由爵士乐的先驱奥内特.科尔曼将电子音乐引进了爵士乐。60年代，爵士乐小提琴先驱金•鲁史庞蒂开始了与史蒂芬•格莱柏利的合作，录制了著名的前卫音乐《kingkong》。70年代，爵士乐的分支之一融合爵士乐兴起，它在爵士乐的基础上融合了摇滚乐、世界音乐、流行音乐的元素，从乐队上打破了传统爵士乐队一直以原声乐器为主体的原则，它大量使用电声乐器和电子乐器，使爵士乐更具现代气息①。

今天的爵士乐乐师们在许多扬声器的包围中演奏，声音通过拾振，经过圆形剧场地板的固定装置加以放大。电子钢琴、电子合成器、电吉它、电贝司、加扩声器的乐器、异国情调的打击乐器、非洲和印度乐器，包括人声都成为爵士乐中常见声音，半电乐器包括电子小提琴已成为爵士家族旋律组的一个成员，为爵士乐增添了无穷的魅力。

二、电子小提琴与摇滚乐

摇滚乐是20世纪50年代兴起于美国的一种通俗音乐，歌声粗旷、节奏强烈的摇滚是由美国黑人音乐――爵士乐派生而来，一些乡村歌手在演唱中汲取了黑人音乐等因素而逐渐形成。早期的摇滚乐多用吉它、钢琴、鼓、萨克斯管等乐器伴奏，音调奋亢喧闹，乐句简单而不断重复，节奏富有强烈的动力感。②

20世纪60年代，电吉它在美国的摇滚乐队和世界上其它国家的通俗音乐乐队中应用，并逐渐形成电声乐队，60年代后期由于电子装置的加入，使具有强烈打击节奏与巨大音量的“硬摇滚”延伸为“重金属摇滚”，重金属摇滚不受任何清规戒律的束缚，为追求剧烈刺激的效果，采用了电子合成器，音响强烈火爆，键盘乐器、女声部及电子弦乐组作为色彩旋律显得格外突出。作为电子乐队的扩增乐器和旋律乐器，电子小提琴在摇滚乐队的发展过程中发挥了重要的作用。

三、电子小提琴与古典音乐

古典音乐和流行音乐有时是那么径谓分明，有时又是那么水融，在当今商业化的社会中，古典音乐流行化、流化音乐运用古典音乐元素已成为普遍现象。小提琴作为古典音乐的传统乐器，电子小提琴作为流行音乐的产物，两者既是同根生，又相互涉足着不同的领域，它们向我们展示了古典与流行音乐的相互渗透。

（一）60年代古典音乐元素在摇滚乐中的出现。

1959年，在美国写出《监狱摇滚（jailhouse rock）》，《说说聊聊（yakety yak）》等无数畅销金曲的莱伯和斯托勒，制作了一曲《我的宝贝来了（there goes my baby）》，乐曲别使用了五把小提琴和一把大提琴，这是摇滚唱片史上第一次使用管弦乐伴奏。斯托勒认为，“这就象一种有趣的异花授粉，这样的声音就像鲍罗廷 、里姆斯基.科萨科夫的音乐，而不是疯克、希鲁斯音乐，因而更象一部“作品” 。最终这首歌登上了美国的金曲排行榜。从此以后，唱片业的作曲家在早期的唱片录音时开始了大量运用古典音乐的旋律。”

（二）70年代古典音乐与摇滚乐的融合。

（1）管弦乐团与摇滚：1970年，“移动（the move）”乐队演变成“电光管弦乐团（ELO）” ，在音乐中加入了小提琴、中提琴、大提琴、双簧管和法国喇叭，他们把ChudkBerry 的那首《超越贝多芬（RollOverBeethoven）》前面加进了大量贝多芬第五交响曲的内容，使这首乐曲显得颇为奇异。1971年由英国皇家音乐学院学生组成的一支四重奏组“Gtryphon”乐队选择了一种中世纪音乐与进步摇滚乐的融合音乐，他们最终以合法的形式篡改了诸如阿尔比诺尼•已赫，科普兰、穆索尔斯和西贝柳斯的作品。

（2）摇滚歌剧：70年代初，一些鲜为人知的摇滚歌剧在英国已冲破人们头脑中的所建立的城垛。如“奇想”（The kinks）乐团创作的歌剧《阿瑟（Authur）》,“妙事（ThePretty Things）”乐团创作的歌剧《过度悲伤 (SF sorrow) 》等，他们所展开的戏剧故事成了每首歌曲之间的中介物。1975年，一首与真正歌剧复杂性相婢美的歌剧才真正问世，“Queen”乐队创作了摇滚歌剧― 《波希米亚狂想风》，歌剧中洋溢着普契尼、罗西尼以及其它一些主要在意大利餐馆中度过一生的音乐家的音乐气息，这个摇滚歌剧在英国的流行音乐排行榜上占据了9周的冠军，受到了如潮的好评。

（三）80年代以来融合音乐的爆发。

80年代，事实上是融合音乐的爆发，古典音乐与各种音乐（甚至说唱乐）联姻，连帕瓦罗蒂、尼格尔•旨尼迪（Nigel kennedy）也加入到这个队伍，摇滚古典融合风格的音乐唱片占据市场很大份额。如尼格尔•肯尼迪出版了一张用小提琴演奏Jimi Hendrix作品的专辑，“新型乐队”（New Model Aimy）乐队的Ed Alleynl-Johnson用他那把紫色电子小提琴录制了一张《紫色电子小提琴协奏曲》，他们的试验和努力让人吃惊，此时的音乐已经体现了古典音乐和流行音乐的全面融合。

90年代出现了英国最优秀的当代音乐诠释者之一 ――“破冰组合”，组合由12人组成，乐器包括排箫、萨克斯、电子小提琴和大提琴、吉它、打击乐器和键盘，“破冰者”凭着自己与众不同的乐器组合代表了电声音乐制作中的一个独特声音。

新世纪以来，将世界音乐与小提琴演奏结合也是电子小提琴音乐中的一个重要元素，通常指电子小提琴融合了发展中国家或落后地区的传统音乐，例如非洲、南美洲或拉丁美洲地区的音乐，如法国小提琴家Cathe Llra 制作的《Aral天悬地舞》便是属于世界音乐风格的小提琴专辑，音乐把地方风情、部落呤唱、女子合唱，小提琴音乐几种音乐元素融为一体，为我们展示了世界音乐的魅力。

与此同时，电子音乐民俗化也在中国表现得淋漓尽致，如上海交响乐团的电声提琴“青春四重奏”抛开模仿之路，致力于中国特色，用民族曲目传达着中国神韵，他们演奏的代表作有《梁祝》、《茉莉花》及一些民歌作品；中国“焰火组合”将电声提琴音乐定位于民族风情，他们已经制作出了《照耀》、《丹东圆舞曲》、《草原》等作品。他们的努力都集中体现了电子音乐民俗化的特点。

电子小提琴带给我们的不仅仅是一门电声乐器的艺术，从它的身上更多看到的是一种全新的音乐理念、全新的艺术享受，不管是流行音乐还是传统音乐，只要音乐家有恒定的艺术理念支撑创作和发展，演奏家能用全身心与乐器及观众交流，③那么这种音乐无疑就具有崇高的灵魂和价值，它就值得我们去积极的探索和研究。相信在世界音乐文化交融的大背景下，电子小提琴舞台艺术一定会在中国博大精深的传统文化滋养中焕发异彩。

参考文献：

【1】弗兰克.狄罗，《爵士音乐史》，人民音乐出版社，2001年3月第一版

【2】弗兰克.狄罗，《爵士音乐史》，人民音乐出版社，2001年3月第一版

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关键词：印象主义；德彪西；创作风格；欧美音乐

一、前言

20世纪西方音乐流派百花齐放，印象主义作为新兴的一个音乐分支，以德彪西的作品为代表，增添了奇异的幻想因素、朦胧感觉和神奇莫测的色彩。通过对德彪西音乐创作风格的研究，可以使我们感受印象主义与古典主义、浪漫主义的差别。德彪西的音乐具有划时代的意义，对20世纪的世界音乐产生了深远的影响，是一个音乐流派的开创者。

二、德彪西音乐风格的形成

德彪西音乐被誉为“联结19世纪与20世纪的重要桥梁”，可见德彪西音乐在音乐革命中的重要地位。德彪西这位现代音乐创始人，在古典音乐与浪漫主义音乐的基础上，开启了另一扇通向音乐殿堂的大门，向人们展现了一个奇妙的音乐世界。德彪西音乐之所以给人以奇幻的感觉，是因为他对于全音音阶的运用，他最喜欢的音节有六个全因而完全没有半音，所以令人听起来与众不同。这种对传统音乐形式的革新，铸就了德彪西音乐的成功，也成就了印象主义音乐的诞生。德彪西曾就读过巴黎音乐学院，并与其他法国音乐家们一样，赢得了罗马奖罗马奖而完成了音乐课程。在他的早期作品《浪子》《春天》《被遗忘的小咏叹调》等作品中已经可以看出印象主义风格的影子。他的中期作品《G小调四重奏》《牧神午后》则展现了对印象主义音乐的探索，直至1901年―1904年，《版画》《意象集》《前奏曲》等作品象征了德彪西印象主义音乐的成熟阶段。

三、德彪西音乐风格的显著特征

1.具有代表性的旋律特点

德彪西音乐的最大特点是旋律上与传统音乐的不同，不再给人以鲜明的旋律线条。此前的古典主义音乐多采用大段的方整性长乐句，而浪漫主义作曲家则喜欢运用悠长的歌唱性旋律，德彪西的音乐却将一些简短的零碎的旋律片段嵌合在一起，形成奇妙的旋律感。这种模糊的似有似无，有神无形的音乐，就是印象风格的独特之处。德彪西弱化了旋律主宰音乐的传统观念，将音乐更加灵魂化，通过弱化了的旋律风格来展示德彪西的音乐造诣，更显现出了印象主义创作的独到之处。这些看似没有主旋律的乐曲，却可以在人们灵魂上形成一种共鸣，使人们体会到一种奇妙的似有似无的旋律特点，这就是印象主义音乐的神奇之处。

2.独特的和声体系

德彪西早期作品中，我们还能够看到古典音乐的和声技巧，而在其创作中期，德彪西大胆地突破了传统和声模式的束缚，将和声的功能性减弱到最低，转而集中在大小调的运用上，充分体现了印象主义的鲜明特征。印象主义音乐风格强调了音乐的“色彩性”，通过和声风格的转变，展现了德彪西古典音乐的造诣与大胆突破的创造性。德彪西对和声的改变，是音乐创作的革命性标志之一，在和声演变过程中具有划时代的意义，是20世纪和声创作引领时代的一场变革。

3.独特的音色魅力

印象主义着重于音乐色彩性的表现，德彪西的成熟期作品中，所展现的是他对色彩的追求。钢琴曲与管弦乐不同，管弦乐可以更加丰满的表现出音乐的色彩，而钢琴却是凭借单纯的音色魅力来实现的。因此，德彪西的作品将色彩的创造提高到了压到一起的地位上来，德彪西成熟期的作品更是全身心的投入到音色的创作上。印象主义的钢琴曲作品中的音色魅力可以与管弦乐相媲美，其华丽、斑斓的色彩效果是此前任何一种音乐形式都无法比拟的。

4.调式调性上的突破

调式调性是约束音乐创作的另一个重要因素，尽管德彪西挣脱了大小调对音乐的束缚，大胆尝试使用全新的调式，但他仍然没有弃用调性。宗教音乐一直以来对音乐流派的发展都具有相当大的影响作用，德彪西得益于宗教音乐、民间音乐的调式，采用全音音阶的“中立调性”，进而继续创作、扩充，从而形成了崭新而独特的调式调性，取得了历史性的突破。全音音阶的使用，给人们带来了新的听觉体验。

四、德彪西音乐的创意来源

德彪西之所以对传统音乐进行大刀阔斧的改革，是源于他具有别人不曾拥有的灵敏的听觉，特别是对音乐的识别能力异于常人。德彪西能够听得见普通人难以辨别出的泛音，除了主音之外，那些随之而来的共鸣式振动也能够为德彪西辨别得出。德彪西对泛音的敏感，促使他更加追求音乐的色彩性，这样才能够满足他敏锐听力的要求。泛音的不同造就了不同乐器间音色的差异，德彪西创作的曲目就建造在那些空气中难以听见的振动之上，融合在一起就散发出柔和的乐感，形成了他独特的艺术表现手法。起初德彪西的音乐并不为人们所接受，人们更加青睐于古典音乐与浪漫主义音乐，但听着听着便会习惯于那种玄妙的音乐氛围，印象主义音乐开始广泛流传，并对整个欧美音乐发展产生了深远的影响。

五、结语

尽管德彪西本人并不认可“印象派音乐”这一说法，但事实证明他的确是一名杰出的新流派音乐创始人，他创作的奇幻音乐，给人以冷漠飘忽的感觉，和声细腻、繁复，配齐新奇而富有色彩，因此，被人们冠以“印象主义”创始人的美誉。德彪西虽然不是一名高产的作曲家，但他的每一首传世之曲都是经典之作，且具有突出的特色，成为“印象主义”典范。研究德彪西音乐可以更加深刻的体会“印象主义“音乐的神奇魅力，领略20世纪音乐革命所带来的强烈震撼，并从中找寻现代欧美音乐发展的起源。

参考文献：

[1]钱仁康.欧洲音乐史话[M].上海：上海音乐出版社2009.

篇6

音乐时空：今年是中央音乐学院第一场举办爵士音乐节，能否为我们介绍一下策划的过程和想法？

丁铌老师：我在中央音乐学院教授爵士乐选修课已经两年半了，看到同学们从开始的感兴趣到真正走进爵士乐的圈子，作曲系的同学开始写作一些爵士乐作品，钢琴系的同学开始演奏爵士乐，大家的热情势不可挡。正好今年有两个美国爵士乐团体访问中央音乐学院，这是个绝佳的契机。其实之前也有国外音乐学院的爵士系来访，比如去年的英国Trinity Laban Conservatoire of Music and Dance的爵士系主任Simon Purcell 率队来音院交流，以及荷兰阿姆斯特丹音乐学院院长率团来我院访问参观，爵士与流行乐系副主任路德・范戴克先生也表示了对于今后交流的高度兴趣和愿望。但是当时中央音乐学院并没有对口的机构，爵士乐在央音还处于形只影单的形势，所以并没有真正开始任何实质性合作。不过今年，事情已经有了很大的改观，在音乐学院推行爵士乐已经是必然的趋势。此次音乐节，美国的爵士乐团体将会带来演出、讲座，中央音乐学院也有自己的爵士乐团、爵士乐作品，是时机筹办一个爵士音乐节了。这个计划获得院系的批准，以及各方面的支持，并且得到很多校友的响应，作曲系教授Benoit Granier还免费为音乐节设计了海报和Logo，各系学生也踊跃加入志愿者行列，这些都足以说明爵士乐魅力之大。

音乐时空：主办方是否借鉴了国外成功的爵士音乐节的策划方式？

丁铌老师：由于我本人长期在国外，一直都横跨在音乐与媒体这两种媒介之中，做的工作横跨前台与后台，有很多工作都与组织、策划相关，所以并没有完全按照国外的哪一个音乐节作为模版。其实大部分的策划都是相通的。

音乐时空：本届央音爵士音乐节的筹备的进展如何？

丁铌老师：正在有条不紊的进行中。我们有专人维护本届音乐节的微信公共平台和微博，通过关注“央音Jazzical”就可以收到音乐节的最新消息，官方网站“”也已经上线。另外这次的活动，我们和中国国际广播电台也有合作，会在Easy FM 91.5 以及环球资讯广播FM90.5节目中，播出关于我们音乐节的讯息和专访。其实我本人也是FM90.5的主持人，我的节目会专门在音乐节期间，对来访的音乐家给予专访。在演出和讲座方面，很多国内的音乐院校和社会上的爵士乐团体都希望能够登台献艺。直到现在我还在不断地接到电话。但由于本届爵士音乐节从策划到执行时间较短，很多节目都安排不下，以至于我们不得不将某些团体排到明年第二届央音爵士音乐节了。

音乐时空：对于国内越来越多的音乐节涌现的现状，主办方对这种现象作何评价？

丁铌老师：我认为这很好，音乐市场需要不同声音来满足不同观众需求。孤芳自赏永远不可能产生对比和竞争，有了竞争才有促进，才会提高整体水平。因此，我相信越来越多的音乐节能够促生越来越多优秀的音乐作品。

音乐时空：中央音乐学院主办的爵士音乐节定位是什么？

丁铌老师：注重国际间的学术交流，建立世界顶级音乐的标准，提供给本院以及当地音乐家施展才华的舞台。

音乐时空：与其他类型的音乐节相比，您觉得一个有品质的爵士音乐节在呈现方式、参与方式上有何独特之处？

丁铌老师：一个有品质的音乐节需要建立在一个被公认为有品质的平台上，在这一点上，中央音乐学院的平台毋庸置疑。从参与方式上而言，我们的爵士节并非户外，而事实上我不认为本土爵士节适宜在户外举行，因为中国还没有真正培养起广大的爵士乐听众的人群，很多人甚至一说起爵士乐都以为是摇滚。我认为，爵士乐的推广，除了演出，还有更多的教育成分。没有任何解释的演出，只会让观众更加迷茫。央音的爵士节，面对的人群是有一定教育程度的，喜爱古典音乐，并时常光顾音乐厅，对西方文化有所了解，并愿意接受爵士乐“教育”的人群。我们希望通过一系列的讲座和音乐会，能够逐步扩大这个“小众”。

音乐时空：相比国内其他同类音乐节，央音爵士音乐节有哪些不同？

丁铌老师：中央音乐学院是一所严肃的高等音乐学府，有着丰富的古典音乐的资源，能够在古典音乐厅上演的爵士乐是必定要有一定的艺术门槛的，这个门槛包含了对于爵士乐厚重历史的了解以及对于爵士乐各种风格和乐理的掌握。央音爵士节的侧重点就是希望建立一个标准，使更多乐迷在了解爵士乐娱乐性的同时，还能够了解到它的严肃性与学术价值。

音乐时空：这是否意味着爵士乐的娱乐性会被忽视？

丁铌老师：其实艺术永远是需要观众的，所以我们主张艺术性与娱乐性兼顾，呈现爵士乐的多元化。今年的音乐节的确比较侧重于在音乐厅演出的艺术性爵士乐，明年爵士节会呈现不同的风貌。我们会与一些爵士乐酒吧联合，届时会有不同的场所来演奏不同功能的爵士乐。其实，在爵士乐中一个不容忽视的事情是，某些爵士乐确实是需要在酒吧中才能得到全面的享受，而某些爵士乐势必是要在音乐厅中上演的。因此，力求让各个层面的观众、乐迷都能够目睹爵士乐的多样化，是我们明年所追求的目标。

音乐时空：主办方如何兼顾爵士乐的专业性与音乐节的观赏性？

丁铌老师：从娱乐性角度而言，闭幕音乐会是一台兼具有教育性与娱乐性的视觉盛宴。其他的音乐会则更注重的是爵士乐的纯粹性，与原创作品的展示，另外我们还有一些民族音乐与爵士乐的结合。

音乐时空：如何才能让非专业乐迷步入爵士乐的殿堂？

丁铌老师：今年是中央音乐学院举办的第一届爵士音乐节，我们考虑到大部分观众可能并不了解爵士乐，所以在选择演出曲目时，更倾向于观众在日常生活中经常听到的爵士乐风格，比如Swing（摇摆乐）、Blues（布鲁斯）、Bossa nova（波萨诺瓦）等，希望大家能够在优美的旋律和熟悉的乐曲中受到熏陶。

音乐时空：爵士乐天生具有一种开放的、融合的气质，央音爵士音乐节会怎样诠释这种特质？

丁铌老师：音乐是共通的，爵士乐的发展本身就是在各种民间音乐的扩张中建立起来的，需要有包容的心态。我们的爵士音乐节十分注重跨界结合，有古典音乐和传统民乐的加入，是荟萃一堂的音乐盛宴。

音乐时空：本届央音爵士音乐节主要有哪些板块呢？

丁铌老师：本届爵士节，大致分为讲座与音乐演出两个部分。作为音乐节的前奏，我们邀请美国两所音乐学院的爵士乐队前来演出、交流。从5月25号开始，来自国内几所音乐院校及知名乐手将为我们带来精彩的演出及讲座，届时我们也欣赏到中央音乐学院师生的优秀作品。这种跨地域与跨院校间的交流，更加体现了爵士乐的融合精神。

音乐时空：请您介绍一下两支来自美国的爵士乐队好吗？

丁铌老师：美国伊利诺州东北大学爵士乐队（NEIU）是一支由20名左右的音乐家组成的团体，十分重视表演风格的探寻以及向不同优秀的爵士作曲家学习，每年都会有由活跃在芝加哥等地区的职业和世界一流的爵士音乐家在这里举行大师课。指挥Mayo Tiana将在5月19日率领他的9人乐队为大家带来一场精彩的演出。

爵士教师四重奏乐队（UNC）由美国北科罗拉多大学爵士乐系的四位教师组成，他们将在5月21日来校演奏，并作精彩讲座。Dana Landry现任北科罗拉多大学爵士系系主任、 北科大爵士大乐队、北科罗拉多之声爵士合唱团指挥，以及研究生爵士钢琴任课老师。同时，Landry教授兼任北科罗拉多大学爵士节的艺术总监以及北科大爵士出版社社长。作为乐队队长，他与Gary Burton合作的第一张专辑 Journey Home 获得了格莱美提名奖。Steve Kovalcheck是吉他演奏家、作曲家。在2009年加入了北科罗拉多爵士系的教师组，主讲爵士即兴系列课程与初级爵士历史课，同时指导爵士小乐队和爵士吉他乐队。他活跃在丹佛爵士乐的一线，保持着高频的演出。他的原创作品在国际中表演，包括在法国Clermont Jazz En Tete爵士节上的表演。此外还被Down Beat杂志列入田纳西大学诺克斯维尔分校的爵士名人堂名单。贝斯演奏家Erik Applegate曾任教于Middle Tennessee州立大学，澳洲Adelaide大学以及 Western Kentucky大学，现任北科罗拉多大学爵士节的出品人。他曾和James Williams， Harold Mabern三重奏，以及Ed Thigpen在美国，欧洲，澳洲巡回演出。除他自己的两支乐队A・S・K和Red Sylvester，他还作为许多乐队的贝斯手表演。Jim White是乐队的鼓手，同时也是活跃的表演家与教育家，曾和多样风格 的音乐家演出，巡演，录制专辑。作为一支独一无二的四重奏，他们非常擅长配合歌手，还与众多爵士巨星合作演出。他们的声音收录于Red Skies，What Did Your Dream，Stand Up Eight，以及Back When It Was Fun等专辑中。

音乐时空：中央音乐学院作为主办方，会带来哪些精彩节目？

丁铌老师：我们准备了“央音Jazzical”爵士音乐会，从典型的爵士乐组合到民乐的跨界搭配，从Swing（摇摆乐） 到Fusion（融合）， 形态万千，丰富多彩，你可以听到爵士乐在古典音乐厅中的华丽绽放！音乐会以钢琴三重奏开场；接下来的各种乐队组合别有风味，包含了从歌曲到器乐的不同风格。最值得一提的，就是民乐与爵士乐的跨界结合。二胡演奏爵士名曲Take Five，中阮、笛子和琵琶，再加上爵士乐节奏组的五重奏，连扬琴也能打出fusion（融合）， 一场非主流的狂欢定会颠覆你的三观！

音乐时空：“央音Jazzical”的主题源于何种理念？

丁铌老师：Jazzical 是Jazz 与Classical两词的合并， 它来自于爵士乐大师Charles Mingus在1955的专辑， 后期也指”第三浪潮“的跨界形态。Jazzical代表了爵士乐的融合特性，这像极了在爵士音乐节状态下的中央音乐学院古典音乐的学生。

音乐时空：据了解，中央音乐学院已经成立了自己的爵士乐团。

丁铌老师：我们的“央音爵士大乐队”是今年刚刚成立的，由各科系优秀青年教师、学生组成，自成立以来，坚持严格的训练，曲目从经典到现代，将以成熟的姿态亮相首届中央音乐学院爵士音乐节！作为一支崭新的乐队，我们相信，此次亮相将开启一段新的里程，我们渴望成功。当然，“梦想的实现不靠奇迹”，央音爵士大乐队，拥有充分的决心和信心，会通过艰苦的努力，在不久的明天，赋予这个响亮的名字以更加优秀的内涵。此次音乐节，特别鸣谢军乐团的乐手们，加入我们的团队，为央音大乐队贡献力量！

音乐时空：国内其他音乐学院会爵士乐团入驻音乐节吗？

丁铌老师：5月27日，北京现代音乐学院爵士学院的CMA爵士大乐队将在指挥李小川的带领下登台亮相。5月29日天津音乐学院青年爵士乐团（TYJO）的音乐会上，大家可以欣赏到爵士版的中国传统民歌《康定情歌》和《茉莉花》。

音乐时空：“爵士掉进实验室”听起来很有趣，主角“铭乐团”是怎样的团体？

丁铌老师：“铭乐团”是中国第一个由研究生发起的以推广现代实验性音乐创作为目的的专业作曲团体，多位驻团作曲家和常任演奏员均来自国内各大音乐院校，从中西方传统音乐出发，探索新音乐的发展可能性。

音乐时空：讲座方面又会囊括那些内容呢？

丁铌老师：本届音乐节有三场爵士乐讲座。《爵士乐中的小号演奏》主讲人李晓川是美归小号演奏家、作曲家、教育家。中国爵士乐界的领军人物之一。上海音乐学院现代器乐与打击乐系爵士乐讲师，北京现代音乐学院爵士音乐学院管乐系主任；中国中央电视台“光荣绽放”中国十大管乐演奏家之一。《爵士乐中的萨克斯演奏》主讲人章啸路，上海音乐学院爵士教研室主任、萨克斯管专业副教授、硕士生导师，上海音乐学院爵士乐团艺术指导、指挥，上海萨克斯管研究会会长，上海东方都市萨克斯管乐团团长。《即兴有道――爵士吉他与贝斯》，主讲人纪鹏，2010年毕业于荷兰格罗宁根市的克劳德王子音乐学院，2013年获Queens College爵士贝司研究生硕士学位，其间曾跟随多位世界级爵士演奏家学习，现于中央音乐学院参与教授爵士和声理论、爵士贝斯演奏。另一位主讲人刘毕业于中央音乐学院，是中国最出色的爵士吉他和爵士贝斯演奏家之一，著名贝斯品牌“Warwick”形象代言人、著名琴弦品牌“GHS”形象代言人，现任崔健乐队贝斯手。

音乐时空：闭幕音乐会《Yes， You Can Jazz》将是本届爵士音乐节最大的亮点吧？

丁铌老师：哈，这是我的心血结晶。这是一台从爵士乐起源，到爵士乐发展，展现不同时期、不同风格作品的音乐剧风格的音乐会。音乐会的配置庞大，所有曲目是由爵士大乐队、爵士合唱组，以及爵士舞团共同表演而成，并配以主持人带有故事情节的解说，配合华丽的灯光和LED屏上放映的黑白默片，力图展现不同历史时期的不同风貌，以贴合主题。

音乐会曲目包含爵士乐演变史中的经典名曲，同时还推出从头贯穿至尾的原创主题歌：《Yes， You can Jazz》 的不同版本。带有戏剧情节的表演和舞蹈片段，会令观众在了解爵士乐魅力的同时，又感受到极大的观赏性和娱乐性。

其实，我认为这台音乐会极具教育性，因为任何音乐都有它的时代背景和历史背景，爵士乐也不例外。只有了解了背后的文化根源是什么，才会真正了解音乐当中为什么呈现出这样的形态。

音乐时空：能否谈谈您对爵士乐的关注始于何时？

丁铌老师：我从十几岁离开中央院附中到美国就与爵士乐结下不解之缘，因为国外的音乐环境很开放，每天都有各种各样的音乐会上演，在纽约的学校里读书，经常能够欣赏到爵士音乐会，这种音乐极具渗透性，几乎是无孔不入的，自然地吸引着喜爱它的人群。原本我的专业是古典钢琴，本科毅然改学爵士钢琴，因为它能够即兴，能够表达自己的声音。后来不再满足于特定形态的作品创作，为了追求更多的表现力，硕士便又重回古典，选择了古典作曲专业。

音乐时空：上世纪20年代美国掀起“交响爵士乐”热潮，将古典音乐与爵士乐相融合，这样的做法在当今作曲家的作品中仍时有体现，在您创作的交响乐、室内乐、钢琴曲是否也进行过这样的尝试？

丁铌老师：“交响爵士乐”不能真正算作爵士乐，因为它缺少爵士乐最核心的部分――即兴。20世纪50年代的第三潮流音乐，才属于爵士乐与古典音乐融合的范畴。在我自己的跨界作品中，除了展现古典作曲的严谨之外，也会更为偏重即兴。

音乐时空：您如何理解爵士乐的魅力？

丁铌老师：首先，爵士乐的魅力在于它拥有开阔的心胸，它从来都是一个有着缤纷世界的多样化的音乐种类。它从一颗在美国土壤中孕育的种子，在全世界生根发芽。它充满表现力和包容的特性，以至于无论它移植到哪片土地，都可以找到适宜自己成长的环境。从学术的角度而言，爵士乐是一种由非洲裔美国人发源，由各族裔美国人和欧洲裔美国人，结合着非洲的节奏，民谣以及一些民间曲风，结合欧洲古典音乐的乐理与和声，共同创作，发展，成就的一种跨越国界，跨越种族，跨越文化，跨越语言的乐种。它为现代音乐所有类别提供了丰富的资源，也为现代流行音乐的发展提供了可能。它继承了古典音乐中乐理的严谨，也体现了现代音乐中强调个性的率真。它接纳所有音乐种类，吸收了所有民族、所有国家音乐中最精华的东西，代表了一种自由的精神。同时，我也欣赏爵士乐的团队精神，这在中国的环境中尤为值得提倡。在爵士乐中，每件乐器都是核心，缺一不可，大家在一起创造音乐，这个即时的作曲过程最为迷人。此外，爵士乐的律动也是让人欲罢不能的，它让你在节奏中产生共鸣，摇摆乐也好，拉丁也好，你会发现自己… “根本停不下来！”哈哈。

音乐时空：您个人比较欣赏爵士乐中的哪些风格流派

丁铌老师：如果说流派，可能很难简单地来断言，如果用一句话来总结的话，我个人更倾向于“不插电”的爵士乐，它被我看作是“有灵魂”的爵士乐。它能够体现出人性的不完美并且充满情感，某些通过电脑批量复制的音乐，对于我而言，只能是作为背景，失去了审美价值。

音乐时空：您的《爵士乐理与演奏技巧》、《爵士乐：美国的古典音乐》、《爵士语法》都是为教学而写作的吗？

丁铌老师：真正普及爵士乐还是要从教育角度入手，但中文的爵士乐教材比较稀缺。在听了我的一次爵士乐讲座之后，外经贸出版社找到我，他们专门出版高校教材，于是我们便签订了撰写一系列爵士乐教程的计划。除了这三本书，第四本《爵士乐：美国的古典音乐》下册――现代爵士乐，也会在今年底面世。

音乐时空：对中央音乐学院的学生来说，您希望这次爵士音乐节带给他们怎样的不同的经历与收获？

篇7

那么，朗朗是如何做到这一点的？从他的成功之中，我们又能学到什么？

独具魅力的个人品牌

美国管理学者华德士曾说，21世纪的工作法则就是要建立个人品牌。文娱明星的市场价值是由他们的名气及受欢迎度来决定的，对他们来说，个人品牌几乎是决定一切的法宝。没有独具魅力的个人品牌，就无法留住公众的注意力，就无法创造出巨大的商业利润。朗朗无疑是个音乐天才，但他同时也是位塑造个人品牌的高手。

朗朗在17岁时戏剧性地一战成名，迅速飙升为全球身价最高的钢琴家。所到之处，门票几乎场场售空。古典音乐迷们怀着极大的热情迎接这位来自中国的年轻人，称他为当今古典音乐最理想的诠释者，霍洛维兹和鲁宾斯坦之后世界钢琴界的又一位领军人物，“改变世界的20位年轻人之一”。

是什么让朗朗如此受欢迎？论演奏技巧，另外一个中国天才琴童李云迪并不比他差。事实上，比起朗朗，音乐界对李云迪的专业评价要更好一些。朗朗风靡全球的原因在于，其非凡音乐才华与热情奔放性情的结合。

他不满足于像前辈一样安静地演奏，而是怀着旺盛的表演欲，用略显夸张的肢体动作与面部表情，用极富表现力的“戏剧化”的演奏方式，来激发观众对音乐的热情。他带给观众的不仅仅是听觉的享受，还有视觉的冲击，以及感情与幻想的激发。

虽然对朗朗这种演奏方式，业界屡屡诟病。但市场证明，观众就是喜欢这种不同寻常的表演。朗朗能在全世界所有的最著名的音乐厅举办个人专场独奏会，平均每年演出近200场，是当今世界上最炙手可热的艺术家之一，被公认为全球商业价值最高的古典音乐家，就是最好的证明。

对朗朗来说，演出是一种生活方式，钢琴带给他的不仅仅是荣誉与名声，还有财富。

占领制高点

酒香不怕巷子深的时代已经远去，越是好的品牌，越需要好的营销。事实上，朗朗不仅是个人品牌塑造的高手，也是个人品牌营销的高手。其营销的方式简单和实在，占领制高点，追求最好、最高的东西，想出名吗？那就让自己跟更出名的人站在一起。

大概是家庭原因，朗朗很小就明白了这一点。在成名路上他一直在挑选着适合自己的指导老师。从沈阳到北京，从中央音乐学院附中退学到美国柯蒂斯音乐学院，总是不断向更有名望的老师靠近。据采访他的记者说，朗朗现在还是很喜欢把各位重量级大师的名字挂在嘴边。

成名之后的朗朗，更是没有放过任何一个可以趋向更成名的机会，在一年之内便与美国五大交响乐团以及欧洲乐团统统签约。他走的是一条与李云迪不同的路。李云迪每年只花半年时间演出、录唱片，其余的日子大多用于跟导师练琴，在加深对作品的理解方面下功夫。而朗朗呢，则平均两天就要演出一次，有时候甚至忙到干脆将演出当作练琴。

2003年伦敦交响乐团首演，对方要求朗朗弹迈克尔・蒂皮特的曲子，朗朗说我能弹别的吗，对方说不行。朗朗不想弹的原因，是那个曲子“很难听”、“很烦人”，但他最后的选择是，咬牙坚持。“如果放过那个机会，我就要再等两年。”朗朗没有艺术家的偏执，却有着商人的“清醒”。

正是这种清醒让他不断高调地在公众面前出现，跟那些更响亮的名字在一起。

而所有这些，恰恰是媒体最喜欢的，理所当然的，朗朗登上了“中国名人榜100”，被《纽约时报》称为中国最红的艺术家。

品牌就是财富

对普通人来说，个人品牌决定一个人的职场价值；而对公众人物来说，美誉度高的个人品牌几乎就是一张随时可以兑现的现金支票。

朗朗是一个音乐奇才，也是一个个人品牌运营的高手，他所累积起来的声名与影响力，足以让一大批商家对其趋之若鹜。在挑选赞助商上，朗朗也永远只挑最好的。2004年，朗朗正式签约世界顶级名表“劳力士”与世界级名车“奥迪”，成为其形象代言人。如今，他的赞助商名单上有劳力士、奥迪、雅培、施坦威、招商银行等，无一不是知名品牌。

与知名品牌的合作，不仅能获得丰厚报酬，而且还能通过他们的强势营销进一步提高自身的知名度。朗朗与施坦威的合作就是一个很好的例子。

号称“制造世界上最好的钢琴”的施坦威在钢琴行业中地位突出：90%以上的著名钢琴演奏家在音乐会上演奏时使用施坦威钢琴，全球有2000多家音乐厅拥有施坦威钢琴，其中，2003～ 2004年度世界知名音乐会上施坦威钢琴的使用率高达98%。

2006年，施坦威推出以朗朗名字命名的“朗朗”系列钢琴。为何施坦威有如此不寻常之举？很简单，中国是全球成长最快的钢琴市场，而朗朗呢，是所有中国学琴孩子的偶像。

篇8

中学阶段学生的个性思维逐步进入较为成熟的阶段，有了自己的思维方式和想法。在这个阶段中的孩子很自我，而且非常依靠自己的感觉来分析事情，不像小学生那样，老师说什么讲什么他们都不加分析和评价地全部接受。中学生则不然，他们有自己的想法，只要他们不喜欢、没兴趣的他们就不接受。随着我国文化事业迅猛发展，通俗音乐如雨后春笋般地茁壮成长起来，已成为人们精神生活中不可缺少的一部分。我们常常听到一些同学们边走边唱着阿杜、周杰伦、刘欢等歌星演唱的歌曲，出现追求流行音乐的现象，有的同学还对我说：“老师，您能教点课外的歌曲吗?”这祈求的语气意味着同学们对通俗音乐表现出了极大的兴趣。因此，音乐课不能仅仅局限于课本中，还得由课本延伸出来，以社会发展为背景，以学生的兴趣和爱好为基础，将通俗音乐有机地渗透到课堂上来。

对于那些热爱流行歌曲的学生来说，教师必须让他们知道流行歌曲并不是完全不健康、无意义，但是要有选择地听，很多学生把流行歌曲仅仅局限为爱情歌曲，这就是片面的，说明学生对流行音乐理解得太少。好的作品经得住时间的考验，可以经久不衰，有很多通俗歌曲像《真的爱你》《绿叶对根的情意》，至今还在流传，这足以证明它的艺术价值。让学生对流行音乐的认识更加全面，他们也会把喜欢的流行音乐跟老师交流。把恰当的语言运用到恰当的环境中，能够极大地引起学生的兴趣，同时也拉近了教师与学生的距离，师生之间加深了理解，在课堂上会配合得更加默契，教师愿意多讲，学生愿意多听，更有助于提高教学质量。

喜欢唱歌的学生是大多数的，很多学校每年也有歌唱比赛，例如，艺术节系列活动，要求每个班必须参加，其实要求每个班都唱到专业水平是不可能的，但是通过这种演唱活动能够调动学生唱歌的积极性，有助于身心健康。但是和谐的声音，最终还是需要科学的方法。所以通过一系列的引导，先让学生对歌唱方法产生兴趣，而不是局限于对通俗歌曲的模仿。学生平时唱歌时经常会出现这样的问题：中低音区模仿歌手很像，但到高音区就变成了声嘶力竭的喊唱，喊出的声音自己都觉得很难听。长时间这样去唱歌是对声带的极大伤害。我让学生深刻认识到，每个人的声音都是独一无二的，要学会一些简单的常识来保护好自己的声带，这样激励性的语言更容易激发学生学习的热情。

发声原理和演唱方法的讲解历来是很枯燥的，但是利用当今时代特点，并抓住学生特点来引导学生，让他们了解保护声带的重要性和掌握正确歌唱方法的必要性，这样学生更容易接受。有了这些内容做基础，之后的声乐训练就变得容易起来，演唱方法也更容易得到改善和提高。在欣赏声乐作品时，学生更能准确判断出演唱方法和形式。同时让学生认识到人声的美妙以及丰富的表现力。运用科学的声乐训练方法使学生增强声带保护意识，不再毫无顾忌地演唱流行歌曲，对于变声期的学生来说尤为重要。每个人的声音都是独特而有魅力的，不要盲目地模仿别人而忽略了独一无二的自己。

通过歌唱方法训练之后再了解多姿多彩的世界各地民歌，使学生对世界声乐作品的多样风格产生兴趣，培养学生对音乐的感受能力、审美能力，为将来能够主动参与音乐活动打下基础。再通过理解和感受不同国家、地区的歌曲特点，培养学生自主分析作品，能够准确概括作品的音乐特点及内涵，逐渐提高音乐修养，扩大知识视野。

现代很多流行音乐其实都加进了民族或古典的元素，有的是民歌，有的是民族乐器，还有的是古典音乐主题改编的。在日常教学中借助一些影视经典音乐来辅助教学。可以很好地引起学生学习兴趣并培养学生对民族音乐的热爱。欣赏民歌作品可以利用《天下无贼》片尾曲来分析“起承转合”曲式结构，欣赏莫扎特的古典作品可以从学生熟悉的歌曲《不想长大》一歌入手，以莫扎特为主线，有效地缩小学生与古典音乐间的距离，从而使他们亲近并喜欢古典音乐，对莫扎特有一定的印象。流行音乐的运用可以在很大程度上增强教学效果，从而在今后能够主动关注经典音乐作品，有利于提高音乐鉴赏能力。

经典与流行，在音乐教学过程中总会不经意地碰撞在一起。作为教师不要刻意避开流行音乐或者一概否定通俗歌曲，能够把二者结合起来并协调好它们的关系，从而合理地运用到教学中，这样的教学方法比我们避而不谈要好得多。教学是为学生服务的，必须针对当代学生的特点制定切实可行的教学计划，创设学生易于接受的教学情境，配合产生的教学效果也是我们意想不到的。

篇9

【关键词】 双排电子琴；流行音乐

一、双排键电子琴的产生与发展概述

电子琴最早是由美国发明家于上世纪20年代末发明，并于30年代制造投放市场的。1959年日本生产出世界上第一台立式双排键电子琴，取名Electone，它有三层键盘。

我们现在常见并熟悉的双排键电子琴是日本于1991年之后生产的EL 系列。日本是双排键电子琴的主产国，也是相应人才聚集的地方。它的演奏方式使其具有了多声部用不同音色同时演奏的可能，从而可以模仿庞大乐队的演奏效果。 听上去丰富复杂的音乐， 每一个音符却都是演奏者现场弹奏出来的。

双排键电子琴是由上键盘、下键盘和脚键盘三部分组成，还有一部分是电子软件合成部分，采用3.5英寸软盘或u盘，存入各种音色和节奏。他有上百种音色，如：西洋弦乐音色、铜管音色、木管音色、打击乐音色、中国民族管弦乐、古典音乐、流行音乐等各种不同的乐曲。双排键电子琴上下两层手键盘，一般音色都是以主奏乐器为主，如：小提琴、中提琴、大提琴、小号、单簧管、双簧管、长笛、铜管合奏音色、木管合奏音色、二胡、古筝等；脚键盘通常都是以低音乐器为主，如 ：低音提琴、定音鼓等。

二、流行音乐简介

流行音乐是根据英语popular music翻译过来的。按通常的说法，所谓流行音乐，是指那些结构短小、内容通俗、形式活泼、情感真挚，并被广大群众所喜爱，广泛传唱或欣赏，流行一时的甚至流传后世的器乐曲和歌曲。这些乐曲和歌曲，植根于大众生活的丰厚土壤之中，因此，又有“大众音乐”之称。但是，这样的界定有可能使那些本不属于流行音乐的音乐如《国际歌》、《义勇军进行曲》、《马赛曲》、《洪湖水浪打浪》、《歌唱祖国》、《东方红》《南泥湾》等，仅仅因为它们也在群众中广泛流传而都可被划归为流行音乐。另一方面，又把那些分明是流行音乐的音乐，由于它们流传不开，这在流行音乐中也为数不少而排除在流行音乐之外。显然，流行音乐不一定都流行，流行的音乐也不只是流行音乐。

准确的概念应为商品音乐，即以赢利为主要目的创作的音乐。它是商业性的音乐消遣娱乐以及与此相关的一切‘工业’现象。（见前苏联《音乐百科词典》1990年版）它的市场性是主要的，艺术性是次要的。

三、双排键电子琴与流行音乐的融合与相互促进

介绍了这么多流行音乐的知识，我们了解了许多流行音乐的知识，走出了许多误区，双排键电子琴也是现代社会应运而生的产物和流行音乐有着千丝万缕的联系，它和其他电子产品一样，随着电子技术的发展而更新换代的。双排键电子琴的产生与发展基础的动力是现代技术和反应当代思潮的流行音乐，尽管它的卓越性能可以胜任西方古典音乐的表演，但是应面向未来，并不是面向过去。他的任务是创造自己的一片天地，而不是单一繁荣光大古典音乐。一味地迎合古典音乐势必会限制乐器功能的研制和奏法技巧的开发，也忽视了电子乐器的创作和即兴演奏的特点，有悖于双排键电子琴音乐人才的培养目的与使命。所以双排键电子琴应该是反映时代特点并与时展共同进步的乐器。他应站在时代最前沿，完美的结合成流行音乐的代名词。

双排键电子琴作品其实很多都是流行音乐作品的改编，不乏很多艺术歌曲的再创造。简单的说歌曲的类型和唱法没有必然联系，不能认为艺术歌曲只能用美声唱法演唱，民歌只能用民族唱法演唱，通俗歌曲只能用通俗唱法演唱。首先，三唱法的划分本身就是不甚科学合理的，这一点己被音乐界所公认，没有任何音乐家会认为三唱法的划分是完全科学合理的；其次，唱法目前有三种（如果加上原生态唱法和童声唱法则有几种），但歌曲的类型远不止艺术歌曲、民歌、通俗歌曲二三种，还有颂歌、抒情歌曲、进行曲、队列歌曲、军旅歌曲、校园歌曲、讽刺幽默歌曲等多种类型；再次，音乐界无数事实证明，同一首歌可以用不同的唱法演唱。著名歌唱家刘秉义演唱过许多台湾校园歌曲，用的是美声唱法。香港歌星奚秀兰演唱过许多民歌，用的是通俗唱法。这样的例子举不胜举。

双排键电子琴演奏的流行音乐有着它独特的魅力，有着发展的强大动力，我想这与它以情动人的特点是分不开的。我们演奏乐器时也讲究以情动人。交响乐作为一种表现力丰富、对人的精神有极大影响的丰富多样的音乐体裁形式，诸如交响曲、组曲、歌剧序曲、音乐会舞曲、协奏曲等等，在音乐艺术形式中它是具有较高品位的高雅的音乐种类。交响乐的演奏需要用到多种乐器，包括钢琴、竖琴、木管、铜管、弦乐、打击乐等，而每种乐器的使用又都需要一定的演奏技巧，用来表现交响乐作品主题、风格及内涵，但不管演奏者使用哪种乐器，运用何种演奏技巧进行交响乐的演奏，都需要演奏者融入自身的情感，发挥情感在交响乐演奏中的作用。

从欧美流行音乐在上海的传播、在港台的传播、港台流行音乐在内地的传播，以及21世纪的欧美风等方面，论述了欧美流行音乐对中国流行音乐的影响。其中涉及到了欧美流行音乐，从上海滩传人后到20世纪三四十年代黎派音乐，所形成的中国流行音乐的第一次高峰。80年代港台音乐传人内地后，所形成的中国流行音乐的第二次高峰，无一不与欧美流行音乐的影响息息相关。

从欧美的爵士乐、新民歌，到崔健所创作的摇滚。从80年代内地的通俗演唱，到外国电影音乐的流传等，都充分体现了欧美流行音乐对中国流行音乐的影响之深刻，之久远。欧美流行音乐在世界上具有很高的价值，并占有领先地位。

随着时代的不断发展，我国的流行音乐也在不断发展。双排键电子琴不断 更新的流行元素也使乐器本身增添了许多现代气息，曲子中也融合了流行的风格，日趋像流行音乐的范畴发展。

参考文献

[1]2004年编著《双排键电子琴基本练习教程》

[2]修海林、罗小平.音乐美学通论.上海：上海音乐出版社.1999年版

[3]《双排键音乐技术的引进和对中国音乐发展的影响极其趋势走向》。

篇10

一、初中音乐课堂流行音乐教学的现状

首先，受到传统的音乐教学理念的影响，学生在课堂上学到的都是古典音乐和民族音乐，教材的内容就决定了流行音乐很难融入课堂教学。教师在教学过程中，很少教学生学习流行音乐。就算学生有类似的想法也会被扼杀在摇篮之中。其次，教师的教学理念十分传统，对流行音乐有一种偏见，认为流行音乐没有展现艺术性，演唱缺乏科学指导，流行音乐的旋律和歌词也没有古典音乐正式，那样振奋人心。因此，很难将流行音乐贯穿到音乐教学的过程中。最后，初中生学习流行乐的热情没有那么高，教师对流行音乐不了解，在教学过程中没有采取正确的手段对学生进行引导，会导致学生对流行音乐的理解偏差，在一定程度上影响学习的积极性和创造性。

二、流行音乐引入初中音乐教学课堂的重要性

（一）激发学生的学习兴趣

由于社会的发展，很多学生在很小的时候就听流行音乐，流行音乐在他们的心中已经有了一定的分量，这对引进流行音乐有一定的帮助。流行音乐在当今社会的传唱度比较高，音乐形式新奇，对初中生来说是一种全新的体验，接受起来也比较快。教师在将流行音乐引入初中教学的过程中，要进行合理的筛选，选择有积极健康的音乐元素的曲目，提高教学的质量，不断激发学生学习音乐的兴趣，挖掘他们的音乐潜能，让学生在学习流行音乐的过程中，不断提升主观能动性，充分提升学习音乐的积极性。

（二）提高学生的音乐素养

传统的音乐教学过于死板，教学模式单一，学生长时间受古典音乐等音乐形式的影响，禁锢了思维的发展。流行音乐的引入，将学生带入了一个新的音乐体验模式，激发了学生的潜能，让学生从不同音乐视角去鉴赏艺术，在全新的领域充分发挥想象力，提高学生的音乐素养。

（三）促进学生的全面发展

在初中教学的过程中，音乐虽然不是重点的学科，但是对学生今后的发展仍然有重要的作用。在素质教育的背景下，社会发展需要的是全面的人才，音乐教育提升的是学生的艺术修养和审美情趣。音乐是一种艺术形式，长时间的音乐熏陶能对学生产生潜移默化的影响。健康的音乐能促进人的性格朝积极的方向发展，不断提升学生的素质。

三、流行音乐在初中课堂教学中的策略探讨

（一）创新教学内容

流行音乐在初中教学中有重要的作用，流行音乐的引入改变了传统的音乐教育形式，激发了学生的学习兴趣。教师在教学的过程中适当引入流行音乐的教学模块，能提高学生的鉴赏能力。创新教学内容的手段有很多。首先，教师要根据初中生的特点，结合他们学习的实际状况，尊重他们在音乐学习中的意见，在教学中尽量引起和学生之间在情感上的共鸣，不断地进行音乐上的交流，在讨论中增进了解，提升课堂的效率。其次，在学生学习音乐的过程中，教师要注重对学生的引导，音乐知识的学习固然重要，但更重要的是在学习理论知识的过程中，培养学生的音乐思维，让学生能够自主进行创作，对音乐有自己的理解，能够从音乐中获取情感意志，在以后的学习和生活起到积极的促进作用。最后，由于初中生年龄的限制，他们的思想意识还不够成熟，对是非判断的能力还比较弱。这就需要教师在教学过程中对学生进行积极的引导，尽量引入一些有积极意义的旋律和歌词的流行音樂，这样让学生在学习的过程中能够跟作者产生情感上的共鸣，被作者的积极一面所影响。

（二）选择积极向上的流行音乐

随着社会的不断发展，流行音乐的形式也在不断改变，流行音乐应用的范围也越来越广。将流行音乐引入初中音乐教学的过程中，教师一定要对教学的内容进行筛选，选择有积极意义的流行音乐，引导初中生从音乐中寻找情感共鸣，今后积极地面对学习和生活、通过曼妙的音乐，潜移默化地对学生的思想和行为产生影响，形成正确的思想观和价值观，让学生在健康的环境里长大。同时，教师在音乐教学的过程中，要充分尊重学生的想法，听取学生的意见。如果双方在流行音乐的理解和选择上发生分歧，教师要耐心听取学生的意见，不能独断专行，这样才能让学生在交流发展中形成正确的价值观，激发学生的潜能，促进学生的不断发展。

（三）科学设置课程，打造高水平的教师队伍

在初中音乐教育中引入流行音乐，不是取代传统的音乐，而是二者在交融中发展，流行音乐符合时代的趋势，传统的音乐对人的艺术性的提升更不能忽视。因此，在课程安排上，要进行穿插，以传统音乐为主，流行音乐为辅。同时要提高音乐教师的整体素质，改变对流行音乐的偏见，采用合理的教学手段对两种音乐形式进行授课，全面提升学生的音乐素养，促进学生的全面发展。

（四）结合多媒体进行教学

多媒体教学是全新的教学手段，利用多媒体进行流行音乐教学，将音乐通过多媒体播放出来，在吸引学生兴趣的同时，激发学生的学习热情，加深学生对流行音乐的理解，充分展现流行音乐的魅力。

（五）选择符合学生心理的流行音乐

不同阶段的学生有着不同的心理特征，精神需求也不同。初中生的年纪处于叛逆期，心理上容易受一些波动。这时候青春向上的音乐更加适合他们，可以激发他们学习的热情和对生活的积极性，这样的歌曲旋律欢快，情感真挚，没有复杂的感情，适合初中生。

（六）运用形式要注意

每一首歌曲的背后都有一个故事，流行音乐也是一样，在创作的过程中作者是注入了一定的情感的。因此，教师在教授音乐的过程中，要帮助学生了解音乐背后的故事，这样才能更好地与作者产生情感上的共鸣，才能更好地理解流行音乐的内涵。