商朝的文化艺术范文

导语：如何才能写好一篇商朝的文化艺术，这就需要搜集整理更多的资料和文献，欢迎阅读由公务员之家整理的十篇范文，供你借鉴。

篇1

基础知识：

夏商时期我国历法的形成。夏朝时我国最早记录了流星雨和日食。商周时我国已有了医学分科。甲骨文和金文。我国古代青铜艺术的特点及在中外文化史上的地位。夏、商、周时期我国音乐、舞蹈的发展。

思想认识：

1．通过讲述使学生认识到甲骨文是世界上最古老的文字之一，这是值得我们骄傲的；我国有文字可考的历史从商朝开始。

2．我国的青铜艺术，在我国和世界艺术史上历史悠久，占有重要地位。

能力培养：

通过启发学生回答“甲骨文的发现有什么重要意义？”这一问题，培养学生综合思维能力。

通过观察司母戊鼎和四羊方尊等青铜制品的图画，总结“商周的青铜艺术有什么特点？”这一问题，培养学生归纳问题的能力。

（二）教学过程

1．导入新课

引导学生阅读第6课课文提示，导入新课。

2．讲授新课

天文、历法和医学

1．天文：流星雨和日食的最早记录

无边的天际，浩渺的星空，变化多端，神秘莫测，充满了神奇的魅力，常引起我们无限的遐想，然而我国古代人民对天象的认识并没有仅仅停留在遐想之中，从很早的时候起，人们就开始注意观察天象以寻找其变化的规律了。传说在尧舜时代就有了观象的专职人员，人们不仅注意观象，而且注重记录。我国的古书上有一段记载说，夏桀统治时期的一个午夜“星陨如雨”，这是世界上最早的一次关于流星雨的记录。古书当中还记录过我国最早的观测到的一次日食，它不仅记录了日食发生的过程，而且还描述了当日食发生时，人们惊恐万状的情态。（引导学生看课本第35页第二段文字）这是世界天文史上关于日食的最早记录。

商朝的文字中，保存了许多日食、月食的记载。到周朝，天象观测更为精细，《诗经》中记载了公元前776年9月6日的一次日食，这是我国历史上第一次有确切年、月、日的日食记录。

随着对天象的观察，我国的历法发展起来。

2．历法：夏历和殷历

历法：简单说起来就是按照一定的规律计算年、月、日、节、候的方法。在我们的日常生活中，恐怕每个人每天都要接触到历法，一天过去你家的台历会被翻过一页，你们在翻过日历的时候是否注意过：一般的日历上在公历时间下面还注有农历的时日，你们知不知道“农历”还叫什么？（夏历）所以这样叫的原因是因为它源于夏朝的历法，提问：夏朝距我们现在有多少年了呢？（4000多年）那么也就是说我国历法发展的历史已很久远了。

夏朝的历法是在观察天象的基础上形成的，它根据北斗七星斗柄旋转的规律，确定一件为12个月，我们现在只能从后世的一些历书寻找夏代历法的痕迹了，然而有一点是可以肯定的，那就是夏历是中国历法之源。

如果说夏朝是中国历法初创时期的话，那么商朝应该是我国历法走向较为完备的时期了。商朝历法也叫“殷历”，商代人以月亮圆缺一次为1个月，以太阳的温凉寒暑的演变一次为1年，1年分为12个月，大月30天，小月29天，用设置闰月的办法调整阴阳之差，即3年设一闰月，凡有闰月的年份就叫闰年。

商朝人对年月旬日的概念，已经分得很清楚。商代历法中还有农事安排，告诉人们何时下种，何时收获，等等。由此可见，我国自古以来就十分重视农业生产的发展。

3．医学：医学的分科

我国人民很早就积累了丰富的医学知识，商朝的文字中记载了16种疾病，并对某些疾病进行了比较细致的分类。商朝人还能做简单的外科手术，用汤药治病的方法也是由商朝人首创的。到了周朝，医学有了较大发展，那时在周王室和政府中已设有专门的医疗机构，已经分科治病，有内科、外科、营养保健和兽医等科。

甲骨文和金文

文字的出现是人类文明发展的重要标志，我国文字出现很早，还在原始社会母系氏族繁荣时期，陶器上已经有了刻划符号，我们在一些夏朝的遗址中也发现过不少刻划符号（引导学生看书第35页：二里头遗址陶器上的符号），其中有些符号看起来已经非常接近于后来的文字。到商朝时，我国出现了较为成熟的文字，这种文字叫甲骨文。

1．商朝的甲骨文

商朝的文字因其刻在龟甲、兽骨上，所以得名甲骨文。这是一种相当成熟的方案，我们今天的汉字就是从甲骨文发展来的。后人是如何发现这些文字的？商代的人在龟甲、兽骨上究竟写了一些什么呢？

商灭亡以后，商朝的历史文物就随着岁月的推移淹没于地下，默默无闻了，久而久之对于商朝，人们了解知道的越来越少，以至于对于古代文献中的一些简单记述也众说纷纭，无物可证。这种状况经历了几千年，直到19世纪末，问题才得到解决。

提问：商王盘庚迁都到什么地方？（殷）殷是现在什么地方呢？（河南省安阳）殷商灭亡之后，这里渐渐成了废墟，后代称之为“殷墟”。19世纪末，人们正是在殷墟发现了甲骨文。

起初是安阳一带地区的农民们在种地时经常挖到一些“龙骨”，这实际是一些古代动物内骼化石。农民们当时一般都将这些“龙骨”拿到城里违卖给药铺。时间一长，“龙骨”上的刻划引起人们的注意。有些学者认为，这可能就是已经失传的中国古代文字。于是开始进一步的搜集和研究。最后，他们确定这些刻在龟甲、兽骨上的文字就是商代的文字。（引导学生看彩色图画5《河南安阳殷墟出土的甲骨》）

甲骨文是在原始社会晚期陶器上出现的一些刻划符号的基础上，经过二、三千年的孕育、萌生和发展，到商代形成的一种相当成熟的文字，甲骨文已具备了象形、会意、指事、形声、假借、转注等六种传说造字方法。从19世纪末到今天，商朝的甲骨文已发现了15万片左右，共计有单字4600多个，可见其文字已较丰富，为现在人所识别的已有1000多字。

甲骨上的文字主要记述的是商朝人占卜的事情和结果（占卜：引导学生看课本第36页注脚）由于当时的人很迷信，占卜的事很多，如年成好坏、战争胜负、风雨大小等事都要占卜，这就使我们得以从卜辞当中了解商朝社会的许多情况包括生产状况、阶级关系等，这就极大丰富了我国奴隶社会的历史。

甲骨文是商代人留给我们的实物，使用这种文字的时代，距离我们现在已有3000年左右。甲骨文是世界上最古老的文字之一，它的发现，说明我国有文字可考的历史是从商朝开始的。

提问：甲骨文的发现有什么重要意义？

在学生回答的基础上归纳总结。

2．商和西周的金文

除甲骨文以外，商和西周的一些青铜器上也铸刻有文字，叫作“金文”。（当时的“金”是指铜）和甲骨文相比，金文进一步稳定、规范、简化。（引导学生看书第36页：西周铜器上的金文）

关于金文，课本第37页还有一段小字，以提问的方式引导学生注意：

金文还叫什么？它和甲骨文的区别在哪儿？“大篆”这种文字样式是什么时候出现的？请同学们看书上的小字内容。

继续讲述：和甲骨文一样，金文也记载了当时社会的政治、经济情况，是研究商周历史的珍贵史料。

青铜艺术

首先让我们了解商、周青铜艺术的特点。

1．特点：

提问前面（第4课）我们已经学过什么是青铜，青铜器是怎么制造出来的，当时我们还讲到过商代有一件十分著名的青铜器，它叫什么？（司母戊鼎）

请学生把书翻到24页，看司母戊鼎图。

指出：今天我们要从另外一人角度看一看司母戊鼎，看一看它在艺术上有什么特点。

启发学生从鼎形的匀称和器表装饰花纹的精美两个方面回答。

引导学生看彩图4《商代的四羊方尊》，并简单介绍四羊方尊：在尊的四角，附着四支向外半伸的羊头和前肢，羊角蜷曲。器物四壁也有花纹作为装饰。启发学生找出其艺术特色，主要有以下几方面：造型雄奇、工艺高超，独具匠心。

引导学生看课本第37页《商朝的家尊、犀尊》图，启发学生找出其艺术特色：以动物、怪兽为造型，形态生动逼真。

提问：商周的青铜艺术有什么特点？锻炼学生归纳的能力，并在学生回答的基础上由教师作条理化的总结。并进一步指出：商代的司母戊鼎和四羊方尊是这一时期青铜艺术的精品、代表作。

2．历史地位：

从考古发掘的情况看，夏朝时人们就已经制造了青铜器，不过那时的青铜器显得较为古朴和简陋。商朝时，青铜艺术达到了高峰，和夏朝比，这一埋藏的青铜器式样美观多了。造型逼真，花纹、浮雕的水平很高，出现了不少精品，如我们前面提到的四羊方尊和司母戊鼎。西周继承和发展了商代的青铜艺术，青铜器的种类比商代多，器表的花纹也有所变化，逐渐趋向简朴。这样看来，夏商周以来青铜器的制造始终没有停止过。青铜器作为日常用具，作为祭祀时的礼器在当时有其实用价值。然而，它们更有艺术上的价值。它的设计、造型，反映了夏商周时代人们的审美情趣、审美意识。谈夏商周文化，不能不谈青铜艺术，青铜艺术是这一时期文化的重要组成部分。

同样，在世界上，我国的青铜艺术也是闻名于世的。中国的青铜艺术以其历史悠久，以其独特的民族特色，在世界艺术史上也占有十分重要的地位。

附带提出：除青铜器之外，商朝的玉器也有很高的艺术水平，引导学生看课本第38页，看《商代玉象》图。

音乐和舞蹈：

我国音乐舞蹈艺术的发展可以追溯到原始社会。考古工作者在父系氏族公社时代的许多遗址当中发现了陶埙，这时一种简单的吹奏乐器。原始社会的舞蹈比较简单，大多摹拟动物的动作。青海大通出土的一件彩陶盆上绘有15个人舞蹈的情景，给人以翩翩起舞的动感。

1．夏朝的“韶乐”

夏朝的时候，音乐舞蹈水平提高。传说夏王启创制了乐舞《九韶》，这是一种既歌唱同时又有伴舞的音乐。据说启即位第10年的时候，曾在大穆之野举行盛大的乐舞会，演奏《九韶》等音乐。后代史书中描述这次乐舞会时有“万舞翼翼，章闻于天”的赞誉之词，可见在当时这是一次规模很大，景象相当壮观的盛会。

现在看起来，“韶乐”在夏朝是最盛行的一种音乐。由于距离我们现在太远，我们已不能知道它的音调，但我们可以在史书中经常看到后人对它的赞美之辞，比如：春秋时候，孔子听到了韶乐以后，“三月不知肉味”，一直沉浸在优美乐声的回味中，而且他逢人就说：“想不到音乐能吸引我到这种程度！”由这个小故事，我们不是可以体味到韶乐之美妙的程度吗？

2．商代的乐器

商朝的时候，手工工匠已经能用金、石、竹、木、丝、陶等材料制成多种乐器，乐器种类增多以后，能产生更好的音响效果，也促进了音乐的发展。

商代的乐器中有打击乐器。如：磬，是由石或玉制成的；还有钟、鼓等。（引导学生看课本第38页《商代的石磬》图画）这样一些打击乐器的使用，增强了商代音乐的节奏感，并能烘托出音乐的气势。商代还出现了能发出各不相同乐音的编钟。

西周时，我国的乐舞有了明显的发展，周朝举行各种礼仪式必配有音乐，故常以“礼乐”并称。西周时，有了各种成套的乐器，那时候的歌舞，有很多表现历史事件的，表现大禹治水和武王伐纣的歌舞就都是在那时形成的。

西周的乐舞又分文舞和武舞两种，文舞执羽，武舞执干。（即古代武器：盾牌）均有多种乐器伴奏。请同学们想象，执羽的文舞必是轻盈柔美，执干的武舞，必是以粗犷、豪放为其特色了。

关于西周的乐舞还有一些内容，课上不讲，如果同学们想知道更多的话，请你们课下阅读课文第38页小字。

3．归纳小结

纵观一节课所讲内容，我们了解到，我国早在奴隶制时代，就在科学、文化和艺术方面做出过突出的成就：商代的甲骨文是世界上最古老的文字之一；商周的青铜艺术在世界艺术史上占有十分重要的地位；我国的历法已有4000多的历史，古代关于流星雨和日食的记载均是世界上最早的记录。中华文化真是源远流长，这一切是足以引起每个中国人自豪的。

讲到第6课，我国奴隶制时代的历史就基本介绍完了。著名历史学家曾形象地把历史比拟为一个人，他说“经济是历史的骨骼，政治是历史的血肉，文化艺术是历史的灵魂”，政治、经济、文化构成了人类历史的全貌，缺少任何一部分都不完整。前几节课，我们学习了奴隶制时代的政治、经济，今天我们又了解了这一时期的文化艺术。同学们，在你们的头脑中，关于我国奴隶制时代历史的影象应该是比以前更加清晰、更加完整了吧。

4．作业：

根据课文提供的练习题让学生当堂练，以起到巩固基础知识的作用。

篇2

关键词：古典家具；现代生活；设计风格；融入理念

中图分类号：TS666.2文献标识码：A文章编号：16749944（2013）02022902

1古典家具与现代生活概述

1.1古典家具的文化底蕴及现代属性

古典家具具有深厚的历史文化底蕴，跟其他的日用家具比较，古典家具所具有的文化底蕴和价值往往高于其使用价值，然而，长期以来人们往往将家具看做是实用品，而忽略了古典家具中所蕴含的传统价值及意义。随着社会的不断发展和人们生活认知水平及文化素质修养的不断提高，古典家具所具有的深厚的文化艺术底蕴和价值被越来越多的人所发掘和熟知，这对于中国传统文化及生活方式的保持是非常有益处的。从广义角度来说，中国古典家具指的是商朝和周朝以来各朝各代的家具，从狭义角度来说，中国古典家具主要指的是明清时期的家具，这主要因为明清式样家具是各朝各代以来中国古典家具的巅峰之作和代表之作，可以称得上是中国古典家具的一个标志和里程碑。中国古典家具的现代属性及特点主要有如下几方面。

（1）古典家具的材质坚实，纹理雅致。古典家具在选材方面充分发挥了木材原有的纹理特性，对木材的自然之美进行了充分的挖掘，因此红木是古典家具的最主要材质。

（2）古典家具的结构严谨，比例匀称。古典家具整体和局部的比例、结构和图案的形态关系都非常协调匀称，在适应功能要求的同时没有累赘，做到了刚柔并济和挺拔秀丽。

（3）古典家具在设计方面非常科学，制作工艺精良。榫卯结构作为古典家具非常典型的连接方式是极具科学性的，很多家具经过长时间的磨损，依旧非常牢固，具有珍贵的艺术存在价值。

（4）古典家具繁简适度，装饰非常合理。描、镂、雕、嵌等装饰手法，充分利用玉、石、竹、牙等材料，通过局部服从整体的原则，衬托出了古典家具的简洁之美。

1.2古典家具与现代生活融合的价值

古典家具因为具有悠久的历史底蕴而受到了很多人的喜欢，古典家具融入现代生活，首先能够促进古典家具在未来的创新和发展。例如将古典家具中由硬木制成的圈椅换成亚克力材质，因为其耐久性和耐酸碱性好，不会在长年累月中发生水解和泛黄的现象，且在保持亮度高、色彩艳丽的同时容易加工，易清洁且回收率高，充分做到了环保，这种利用现念来将古典家具与现代生活融合的方式，使得古典家具的使用环境有了创新和突破，对古典家具在未来的发展具有很大的促进作用。同时，古典家具所承载的传统文化和艺术价值对我们进行传统文化的继承和发扬是非常有意义的。现代室内装饰的设计应该对中国传统文化底蕴进行充分发掘，根据形式美的法则，运用现代的材料和工艺，创造出与中国传统文化紧密结合的家具形式。现代室内设计体现了一种生活态度和方式，而古典家具可以看做是现代人与传统文化交流的桥梁，通过这种方式能形成我们中华民族传统的生活风格，从而继承并发扬中国传统文化。

2古典家具融入现代生活的思路和理念

2.1古典家具的设计理念与现代设计理念的融合

创新活跃的古典家具的设计，其设计思路不是单一的，设计的风格、思想和方法也是多种多样的。中国古典家具文化价值的源远流长和中国古代传统文化的精深博大为中国古典家具的设计师们在设计家具时提供了非常丰富的灵感和素材。古典家具的设计理念应该充分与现代人的设计理念相融合，纵观中国传统艺术和文化的历史脉络，我们可以发现艺术和文化原本就是开放自由的，通过与现代新的意识观念和技术方法的不断碰撞和冲击，中国古典家具的设计思想和方法得到了拓展和创新，古典家具的精神和内涵是中华民族所特有的，是中华民族历史文化长时间沉淀的结果，也是中华民族传统文化的灵魂所在。中国古典家具蕴藏的历史文化内涵是非常深厚的，比如中国古代文人的价值理念、以人为本的设计理念、崇尚自然美的观念等，在古典家具的设计中应该充分使这些设计思想与现代先进的设计思想互相碰撞和融合，去除糟粕、吸取精华，从而将古典家具的民族特色发扬光大，不断进步。

2.2古典家具中的传统文化与现代艺术的紧密结合

在将传统文化与现代艺术紧密结合、形成传统与现代和谐并存的生活方式的过程中，古典家具是非常重要的载体。宋朝家具的朴实飘逸、明清家具的精细复杂等中华民族传统文化的气息，在古典家具的设计中，通过对尺度的适当调整以及材料的相应改变，使得中国古典家具更加具有现代化，在现代艺术气息中更好地服务人们。通过对古典家具中所蕴含的传统文化的进一步了解和认知，结合现代人的艺术审美和需求创新出富含传统韵味的古典家具，让传统文化的脉络得以保留和传承的同时，也对现代艺术进行了淋漓尽致的体现，比如古典家具中新结构和新材料的应用，可以解决古典家具中红木材料日益稀缺的难题，也克服了榫卯结构运输和销售不方便的难题。另外，新的人性化高效能的古典家具生产方式的应用让更多的人能够使用古典家具，了解古典家具蕴含的传统文化及民族特色，从而达到古典家具与现代生活充分融合的目的。现代艺术与古典家具中的传统文化并不是相互背离的，而是彼此相通的，通过将它们巧妙地融合起来，让现代生产的古典家具在保留自身传统气息的同时，与现代文化和艺术紧密结合，如此才能达到古典家具与现代生活的完美统一。

2.3通过古典家具来反映现代生活理念

在古典家具与现代生活融合的过程中，通过古典家具中的一些设计方法和结构形式来反映现代生活理念是一个重要的思路，比如古典家具连接方式中典型的榫卯结构使得很多家具经年累月历经沧桑但是整体结构依旧完好。而榫卯结构与中国传统古典建筑的功能和结构是异曲同工息息相关的，体现了极高的美学价值和浓厚的中国传统民族风格，如果让榫卯这一古典家具中的典型结构连接方法与现代生活理念相结合，不仅可以增加家具的寿命，使得家具更加牢固和严谨，节约了资源，与现代环保、低碳的艺术设计理念相适应，同时也让中国传统文化大放异彩。古今交融、和而不同，这样既对中国古典家具中的装饰文化进行了继承和保留，而且又进行了一定程度的创新，使得古典家具仿古而不拘泥，创新但不扭曲，充分体现了古典风韵与现代艺术的有效融合，也反映了推陈出新、古为今用的艺术设计原则。

2013年2月绿色科技第2期

陈建兵：古典家具融入现代生活的理念探讨工程技术

3结语

古典家具与现代生活的融合对于中国特色文化的保持、中国传统文化的继承和发展具有重大的意义。古典家具融入现代生活并不意味着简单设计元素的单纯堆砌，而是需要通过严谨地推敲，从美观、文化含义、功能等各方面综合考虑来使得古典家具与现代人的生活相适应。

参考文献：

[1]田家清.明清家具鉴赏与研究[M].北京：文物出版社，2003.

篇3

[关键词]长沙弹词 说唱音乐 音乐特征

“怀抱月琴,口吐圣贤”,这是长沙的酒肆茶楼,桥边柳下最常见的一道风景,也曾是传播湖湘民俗文化,最道地最民间最广泛的一种艺术形式,这就是长沙弹词。长沙弹词是中国湖南一个曲种,流行于湘江、资水流域。长沙弹词是城市曲艺的一种,它源于道情,因用长沙方言说唱,也称长沙道情。流行于长沙、益阳、湘潭等地。长沙弹词产生、兴旺到衰落已有200多年的历史了。

一、起源

关于长沙弹词起源的朝代、地域,现在学界仍有看法。

1.对长沙弹词起源于何时,现在学界一直还有争议。南宋淳熙七年(1180),辛弃疾任湖南安抚使时,与友人在长沙听过弹唱曲目后,作《贺新郎》词,其中有“听湘娥,泠泠曲罢,为谁情苦”。“愁为倩,么弦诉”。这段词表明,诗人和友人是听长沙女艺人弹唱的一段悲伤的爱情故事。起于南宋?

2.部分学者认为长沙弹词在清同治年间就已经形成。初以鼓板唱道情,清代戏剧家杨恩寿的《坦园文录》中,曾详细记述了长沙弹词先人张跛在1863年(同治二年)演唱《刘伶醉酒》时的情形:“以板鼓唱道情”、“惟妙惟肖”。根据艺人依其师承关系提供的情况,并参照有关的文字资料,另一说在清康熙年间就有弹词这一种曲艺形式问世了。1903年出版发行的《新湖南》中,杨笃生有这样的记述“……昔日遗黎所著,有《下元甲子歌》托于青盲弹词……读之令人痛心酸鼻,所谓呕起几根头发者,村农里妪,至今能呕吟之。”

3.1904年,长沙辟为商埠后,茶铺茶馆居全省之首;后,长沙茶馆仍有百余家。长沙人坐茶馆,不仅有香茶的诱惑,美点的享受,更为其乐无穷的是聊天和听书。当时长沙城里的说唱艺人有四五十个,有20多个茶楼设场,日、晚两场,每场听众百人。在所有书场中,以火宫殿书场最为有名,说书、弹词艺人在火宫殿搭棚演出,长沙弹词就渐渐形成。

4.20世纪20年代中期,长沙艺人周寿云、舒三和等进入茶馆茶社“坐棚”说书。50年代以后定名为“长沙弹词”。

二、音乐特点

长沙弹词初以鼓板唱道情,后来发展为一人自弹月琴说唱;后来有了两人对唱:一人弹月琴伴唱,一人以渔鼓筒板和小钱击节,二人对唱。早期都为街头流动演唱,内容多为“劝世文”和短篇故事,1927年后,开始进入书场、茶馆,坐棚说唱中长篇故事。曲本散文、韵文相间,说唱结合,以韵文的歌唱为主。说白又有散白、韵白两种。唱词多为七字句。早期的唱腔简单,只有板式变化。后来吸收民间小调和地方戏唱腔,成为板式变化体和曲牌连套体相结合的形式。具体说来为上下句结构的板腔体,有九板九腔。九板有平板、慢板、快板、散板、哭板等;九腔有平腔、悲腔、欢腔、柔腔等。不同的腔调分别用在各种板式中。平板是各种板式的基础,平腔是平板中用途最广的腔调。

1.曲式结构

长沙弹词是一种板腔体音乐结构。板腔体结构是一对上下句为基础,运用节奏节拍上的整散,速度、力度的快慢强弱派生出一系列不同板式的唱腔,并通过音区音域的不同运用,调式结构的变化,派生出反调和不同唱腔,然后用这些板式和腔调来组成各种唱段的音乐结构。

长沙弹词是一种风格鲜明的板腔体音乐,曲种特点主要有:

⑴变奏为音乐发展上的主要形式。

⑵有独特的唱腔,不同唱腔前标明不同的板式名称。

⑶旋律的组织形式和运用方法上比较灵活自由,各种节拍在该种音乐中运用自如。

⑷以一对上下句组成的段式为基本单位。韵文、唱句以七字和十句的对偶格式居多,节奏整齐,朗朗上口。

⑸段、句、节之间一般都有见走、过门相隔、顿歇清晰、唱句分明。

2.旋律特色

⑴节奏。由于长沙弹词是一种板式变化体音乐,因此节奏是鼓词变奏的关键。在鼓词中常见的节奏基本都可找到,切分、十六分、附点节奏常见于乐谱,弱起节奏则较少。

⑵音程。由于地方曲艺的旋律基本上是根据方言的音调走势来进行的。长沙弹词也一样,人声的特性所决定它的音程基本上是单音程,它的旋律行进多为小音程,大二度、大三度、纯四度、纯五度音程占主导地位,曲调婉转、平和、安宁,一般用板式变化表现矛盾冲突。

⑶人声。长沙弹词的人声基本独立于伴奏之外,男性常用的调为1=C,女性常用1=F或1=C,在双档演出中一般男女声之间相差五度。

3.伴奏乐器

长沙弹词的伴奏乐器主要由月琴、渔鼓筒板和小钱击节等。

渔鼓筒板(又称“唱词鼓”),是长沙弹词最原始的伴奏乐器,属打击乐器。在鼓词的早期演出时,艺人仅用月琴伴唱,小钱敲击发出响亮、清脆、悦耳,的击节声音。

三长沙弹词的现况与发展保护

长沙弹词,被誉为长沙历史文化艺术的“活化石”。而长沙弹词的传统长篇大书,从商朝的“封神演义”到清代的“三湘英雄传”,历朝无缺,且相对教科书,情节更集中,故事更生动,语言更通俗,对广大民众来说是一部生动的历史教材。长沙弹词的传统曲目中,有弘扬爱国主义的《岳家将传》、《杨家将传》,表现男女真挚爱情的《龙凤再生缘》,宣扬见义勇为的《花亭会》等;现代题材曲目大都是反映社会新风貌、新人物,如《一串项链》、《神兵天降》、《郭亮》、《雷锋参军》、《铁监传书》、《真情烈火》等。

长沙弹词是集弹琴、唱曲、表演于一人的艺术,它的演出不受时间、灯光、舞台条件限制,一个艺人背着一把月琴,就可以在社区、学校、农村和企业演出。近三十年来,彭延昆老先生,就是独自背着月琴,在城市和农村,唱长沙弹词,尤其他老人家的现场编唱,堪称一绝;还有八十年代,浏阳艺人刘海祥,四年走遍长、望、浏、宁四县的每个村,专唱计划生育好处多,同样受到了农民兄弟的热烈欢迎。长沙弹词,还通过电台、电视台制作曲目播出。八十年代,湖南人民广播电台和长沙人民广播电台,录制了彭延昆老先生演唱的《宝钏记》,连播二十天。《三湘英雄传》连播五十九天,男女老少,围坐在有线广播下收听,风雨无阻。形成了村村听唱《宝钏记》、《三湘英雄传》等节目的盛况。近年来,中央电视台、湖南卫视和长沙电视台也时常录播“长沙弹词”演唱节目,老艺人彭延坤老先生的演出,每次都赢得了观众雷鸣般的掌声。

2004年11月正式施行的《长沙市历史文化名城保护条例》中,明确要求搞好湘剧、花鼓戏、长沙弹词、长沙评书等等非物质文化遗产的普查、收集、整理工作。2006年,“长沙弹词”也被湖南省人民政府批准,列入了省级非物质文化遗产保护名录。同年长沙市政府投入资金15万元,由市文联组织进行了“长沙弹词”的保护工作。目前,长沙地区的一些高等院校也纷纷提出要求和邀请,共同实施保护和传承长沙弹词。如此举措,必将对湖湘文化,及中国民间文化艺术的研究,起到积极的作用。而长沙弹词申报国家级非物资文化遗产,不仅对研究湖湘文化和中华民族文化有重大意义,同时他还具有更深刻的社会现实意义。

如今,随着社会的发展,市场商品经济机制的建立,人们的生活节奏加快,各种新型传媒轰拥而来,蓬勃发展,人们,特别是年轻人,早已不适应以前品茶听书的习俗。八十年代。长沙市内曾经拥有近十个书场,到九十年代即已不复存在。人才方面,近二十年来已无人专门学习“长沙弹词”艺术。彭延昆老先生现已年逾七十高龄,近年来也收下了一些口传心授的徒弟,心想把自己的艺术传承后人,但现能达到他理想水平面的弟子尚无一人。彭延昆老先生现尚存有传统腹本两千多万言,已吐录文字本和录音曲目不过3%左右。他整理、创新的“长沙弹词”音乐九板八腔、方言十三辙和十八套曲及现场编唱的公式等都急待挖掘、整理,并渴望能通过文字和音像制品保存下来。在濒临灭绝之境抢救长沙弹词,已是燃眉之急!

值得欣慰的是,长沙市政府、市文化部门对“长沙弹词”的抢救和保护近年来十分重视,出台了一系列的法律法规和保护措施,在保护计划的实施方面,也做了大量的工作。长沙市文联,负责“长沙弹词”传承、保护等工作的落实,作为保护工作的组织单位,市文联也力争在保护费用上给予支持,对长沙弹词老艺人生活、保健等方面给予政策性补助;有计划的组织挖掘和纪录长沙弹词传统曲目;力争2年内培养出2-3名能基本独立演唱中、短篇长沙弹词传统曲目的弟子;还将继续在校园开展曲艺活动,推广以长沙弹词为代表的本土曲艺,以发现新苗;积极与湖南师大和湖南艺术学院联系,增设“长沙弹词”选科,培养长沙弹词艺术研究和表演人才。我们还将努力按照所制定的五年保护规划,认真的予以落实保护、传承的各项工作。

“水穷处,云还起”,我们有理由相信,有国家和政府的支持,有我们对民间艺术赤诚关爱,长沙弹词,必将在中华民族渊远流长的传统文化长河里,重现夺目的光彩!

参考文献:

[1]长沙市曲艺工作者协会.长沙弹词传统节目选.长沙市文化馆.

篇4

明末,随着西方殖民势力的扩张,西洋传教士来到中国进行传教活动,同时导致了西方的科技文化艺术在中国传播,出现了中国古代社会的中西文化交流的。清初,西洋传教士仍旧遵循本土化传教方针,将天主教教义与中国国情相结合①,同时帮助清政府修订历法、制造西洋火炮,清廷对他们采取了接纳和宽容的政策。然而,明清之际西方文化传播的过程中充满了曲折离奇的斗争,一部分固守封建传统的官僚士绅或文人,本能地意识到西方文化对中国封建文化是一种冲击,不利于封建的专制统治,遂群起反击。顺治年间安徽歙县布衣杨光先在辅政大臣鳌拜等人的支持下弹劾钦天监监印、天主教传教士汤若望,抨击天主教,他说“设天果有天主,则覆载之内四海万国,无一而非天主之所宰制,必无独主如德亚一国之理。独主一国,岂得称天主哉”?进而又说,汤若望等“非我族类,其心必异”②。清康熙初,清廷终于做出了禁止天主教传教士传教的决定。

清代雍乾时期,曾经作为清初中西文化交流主导的西方科学技术的传播和应用大为减弱,中西文化交流的重点转向艺术方面,西方的绘画、音乐、建筑艺术的引进对中国的传统文化艺术产生影响,意大利画师郎世宁等人融合中西画法创造“新体画”、圆明园的西洋式建筑都是出现在这一时期。西方园林艺术对中国园林的影响以这一时期表现最为明显。

一中西方园林艺术特点

世界园林主要可分为东方园林和西方园林两大类,前者以中国园林为代表,后者以法国园林为代表。中西园林作为供人游乐赏玩的艺术空间具有共性,然而由于自然观、审美取向的不同,两者的造园理论、造园布局及其审美情趣迥然不同。美国景园建筑学家西蒙德说:“西方人对自然作战,东方人以自身适应自然,并以自然适应自身。”③

1.西方园林的特点。

西方园林的造园艺术,深受西方自然观的影响,西方人信奉“天人对立,改造自然”的哲学观,强调人改造自然,从而形成有别于东方的美学思想。西方人将数和比例奉为美的最高境界,强调“美就是和谐,和谐有它的内部结构,这就是对称、均衡、秩序,是可以用简单的数和几何关系来确定的”。其总特点强调的是以人工改变自然,无论是建筑物还是山水树木都具有人工穿凿的明显印记,它是运用建筑法则而不是自然法则建造园林。最彻底地运用建筑原则的是法国园林,“它们照例接近高大的宫殿,树木是栽成有规律的行列,形成林荫大道,修剪得很整齐,围墙也是用修剪整齐的篱笆来造成的,这样就把大自然改造成为一座露_天的广厦”④。排列整齐的建筑,柱廊、花坛、草坪、雕像、喷泉等均是秩序分明,呈现出几何形状,充分体现了人工改造自然的力量。因此西方园林中处处呈现的平面的、立体的几何形,一切景物均以规整、匀称的形式出现,透视感强,平坦开放,一览无余,从而把自由的大自然纳入规整的建筑系统。

西方园林的基本布局体现严格的几何图案。平面布局以轴线展开,以建筑物为主体,一般以一座体积庞大的建筑物矗立于园林中十分突出的轴线的起点上,整座园林以此建筑物为基准,园林的主轴线是此建筑轴线的延伸。沿主轴线布置主要景观,两侧有次轴线,之间有直干道和斜干道相连。在纵横道路交叉上形成小广场,呈点状分布水池、喷泉、雕塑或其他类型的建筑小品。道路是笔直的,水面被限制在整整齐齐的石砌池子里,其池子被砌成圆形、方形、长方形或椭圆形,池中布设人物雕塑和喷泉。园林铺设大面积草坪,花草树木严格整形修剪成锥体、球体、圆柱体,草坪、花圃则勾划成菱形、矩形、圆形等图案,一丝不苟地按几何图形修剪、栽植,绝不容许自然生长形状,被誉之为刺绣花圃、绿色雕刻。“园艺要修剪、扶直树木,使每一株树的形状完全不同于处女林中的树木;正如建筑堆砌石块成为整齐的形式一样,园艺把公园中的树木栽成整齐的行列。总之,养花或园艺把‘粗糙的原料’加以改造、精制,是和建筑如出一辙的。”⑤为了突出人的力量,西方园林中广为布置人体雕塑,以显现人体美。园林布局不追求层次感,只有把游览视点提高,才能领略造园艺术的整体美。西方园林不仅布局对称、规则、严谨,就是花草树木也修剪对称方正,从而呈现出一种几何图案美。

西方园林艺术提出“完整、和谐、鲜明”三要素,体现出严谨的理性,集中表现了以人为中心,以人力胜自然的思想理念。

2.中国古典园林特点。

中国园林是一种自然山水式园林,追求天然之趣是中国园林的基本特征。中国古代士人对山水自然抱着敬畏、崇尚的态度,认为人只有顺应自然规律才能达到自己的目的;中国古代“天人合一”哲学观,强调人和自然之间的相辅相成,和谐统一。基于崇尚自然、“天人合一”的文化传承,中国园林以自然山水为造园的楷模,认为“自然者为上品之上”,“虽由人作,宛自天开”是中国园林创作的最高原则和审美标准。园林景观呈现的山环水抱,曲折蜿蜒,参差错落,花草树木自然之态,从而获得“不离轩堂而共履闲旷之域,不出城市而共获山林之性”⑥的理想生活境界。

中国园林在布局上以自然为宗,“今夫山者,天地之山也,天地之为是山也⋯⋯吾之为山也,非能学天地之山野,学夫天地之山之自然之理也”⑦。园林因地制宜,呈现不规则的平面布局,没有明显的轴线对称,最忌方塘石洫、一览而尽的做法,主张庭园重深,处处邻虚,曲径通幽。空间上讲求“隔景”、“藏景”,“合景色于草昧之中,昧之无尽;擅风光于掩映之际,览而愈新”⑧。要求循环往复,无穷无尽,“水欲远,尽出之则不远;掩映断其派(脉),则远矣”。在有限的空间范围内营造出无限的意趣。造园非常注重因地制宜,因山顺势,变化有致,曲折多端的手法。园林造景的山、水、建筑、花木这四要素的布置没有一定的程式,按照自然的形态灵活随意,“因阜垒山,因洼疏池。集宾有堂,眺远有楼有阁,读书有斋,燕寝有馆房,循行往还,登降上下,有廊榭、亭台、、村柴之属”⑨。建筑服从于周围的自然环境,与山水树木相互协调、融为一体,“随基势高下⋯⋯宜亭斯亭,宜榭斯榭”。亭台楼榭轻灵小巧,翘角飞檐,与周围环境互相穿插融合。植物和树木的栽种和修剪配和山水布置,“着眼在画意,高树和低树俯仰生姿。落叶树与长绿树相间,花时不同的多种花树相间⋯⋯没有修剪得像宝塔那样的松柏,没有阅兵式似的道旁树”⒑。传教士王致诚在写往巴黎的信中说,在中国园林里,“人们所要表现的是天然朴野的农村,而不是一所按照对称和比例的规则严谨地安排过的宫殿⋯⋯道路是蜿蜒曲折的⋯⋯不同于欧洲那种笔直的美丽的林荫道⋯⋯水渠富有野趣,两岸的天然石块或进或退⋯⋯不同于欧洲的用方整的石块按墨线砌成的边岸”1l。中国古典园林的建造正符合中国古代文人居山四法:“树无行次,石无位置,屋无宏肆,心无机事”

的理想园居环境。

而在审美情趣上,中国园林艺术的美,不仅体现在外在的形式美,而是更加追求意境美。“片山多致,寸石生情”,将客观景致与主观情感相结合,情景交融,借景物窥见自我的最深心灵的反映,从而使景物富有诗情画意与深刻哲理。“意境作为中国古典艺术的特构,无论是对于诗词、绘画、音乐,还是对于园林乃至盆景的创作来说,都能赋予灵魂,灌注生气,化景物为情思,变心态为画面,使作品近而不浮,远而不尽,意象含蓄,情致深蕴,从而以其特殊的美的魅力,引人入胜,耐人寻思。”⒓.是否强调审美意境的创造,是中国园林和西方园林、中国艺术和西方艺术、中国美学和西方美学的重要的区别之一。

中国园林是人和自然之间的一条联系的纽带,遵循“天人合一”的哲学理念,表现了人和自然的和谐与协调。

二西方园林艺术对中国园林的影响

明清之际的西方传教士带来了西方哲学、科学和文化艺术。园林建筑作为最重要的文化载体之一,自然成为其中不可忽视的一部分。传教士到中国,首先在传教地建立教堂。据档案记载,康熙时期全国各地的新旧教堂多达30座,分布于北京、山东、安徽、江苏、福建、江西、广东、广西、四川、湖北、陕西、河南等省份13.。北京宣武门教堂——南堂,是汤若望在顺治七年(1650年)春,依中国式建筑风格建造的,但“堂牖器饰⋯⋯亭池台榭,式仿西洋,极其工巧”。并设有喷水池,“左池水上高三四尺,石池水四道,上喷高四五尺”14.。教堂内的建筑装饰和喷水池带有西洋园林的特点。康熙五十一年(1712年),徐日升与闵明我将其改建成欧式。

1.私家园林艺术中的异质文化因子。

明清之际的江南私家园林受到西洋建筑的影响,在建筑小品的装饰和细部做法上模仿西方园林,如西式的石栏杆、西洋的套色玻璃和雕花玻璃等西洋异质文化因子悄然出现。

据袁祖志所写《随园琐记》中记载清代文人袁枚在南京的随园,“‘书仓’之东厢曰‘琉璃世界’,为室二重,窗嵌西洋五色玻璃,光怪陆离,目迷心醉”15。

扬州的“江园”,江方伯建于乾隆年间,乾隆二十二年(1757年)改为官园。园中有一幢五间的敞厅,乾隆皇帝赐名曰“怡性堂”,“堂左构子舍,仿泰西营造法”bq。堂前敞后荫,两面夹山,“左靠山仿西洋人制法,前设栏楣”,模仿意大利山地别墅园的逐层平台及大台阶的做法,“构深屋,望之如数十百千层,一旋一折,目眩足惧,唯闻钟声,令人依声而转。盖室之中设自鸣钟,屋一折则钟一鸣,关捩与折相应。外画山河海屿,海洋道路。对面设影灯,用玻璃镜取屋内所画影。上开天窗盈尺,令天光云影相摩荡,兼以日月之光射之,晶耀绝伦”16.。这是模仿当时盛行于欧洲的巴洛克式建筑的所谓“连列厅”以及用大镜子以扩大室内空间的“镜厅”做法。

扬州的“黄园”,为黄氏别墅,与“江园”相接。其中三层楼房的“澄碧堂”是模仿广州欧式建筑十三行的建筑立面,大量使用西洋建筑中的玻璃装饰,玲珑剔透。“盖西洋人好碧,广州十三行有碧堂。其制皆以连房广厦,蔽日透月为工。是堂效其制,故名澄碧堂。”17.

扬州的另一处园林景观“石壁流淙”,其一幢建筑物内“榻旁一架古书,缥缈零乱,近视之,乃西洋画也”。是由于墙上绘西洋壁画,绘画运用焦点透视法因而显得景物逼真,人仿佛可以走进去。徐履安“丁丑间(乾隆二十二年)为园⋯⋯作水法,以锡为筒,一百四十有二,伏地下,上置木桶,高三尺,以罗罩之,水有锡筒中行至口,口七孔,孔中细丝盘转千余,其户轴织具桔槔辘轳关捩努牙诸法,由机而坐,使水出高与檐齐,如趵突泉,即今之水竹居也”18。使用龙尾车操纵水源的方法制做西洋式喷泉。

西洋园林的元素在江南私家园林中基本上运用于园林的建筑装饰中,在园林建筑形制、建筑装饰中部分吸收外来因素。

2.皇家园林中的西洋园林。

受西洋园林影响最为显著的当属皇家园林,它不仅在建筑的局部采用西洋建筑手法,而且在园林的立意、布局、建造中照搬西方园林,甚至用西方人设计园林,大规模成群兴建西方风格的园林建筑。其中最突出的例子则是圆明园的西洋楼。乾隆皇帝从郎世宁进呈的西洋画中看到西方园林中的喷泉图样,很感兴趣,便征召西洋传教士修建,最后由郎世宁推荐传教士蒋友仁在长春园的北侧建成了第一座大型喷泉,“乾隆见而大悦。长春园中之其它欧式建筑及水法兴建约始于此时”19.。乾隆皇帝于是命郎世宁、王致诚、艾启蒙和蒋友仁等在长春园修造西洋楼。

西洋楼景区内欧式建筑、喷泉、迷宫、雕塑、绿篱、水池等西方园林要素一应俱全,从平面布局到各造园要素的具体形象均接近于法国古典主义造园风格。全园共有7组欧式建筑,从西向东依次为:谐奇趣、蓄水楼、养雀笼、方外观、海晏堂、远瀛观、观水法。平面布局体现轴线对称特点,景区的主要道路均为直线,主要景点的人工水池也都是规则的几何形状。建筑采用西洋建筑风格,高大的大理石建筑、跌落的台阶、华丽的装饰,充分体现了巴洛克和罗可可的建筑风格。建筑的平面布置、立面柱式、玻璃门窗、栏杆扶手等,都是西洋做法,细部装饰为西洋雕刻中夹杂着中国民族花饰。园区中心的“大水法”为西洋楼的主要景观,仿西方园林的喷泉,大水法主建筑为一巨型石龛,前面有狮子头喷水瀑布,成7级水帘。大水法的左右前方,各有1座大型喷水塔,塔身方形,共13级。并运用西洋机械引水。在绿化方面同样采用西方园林方法,修剪整齐的草木、花草铺成的花坛、建筑西方花园内常用的迷阵(Maze)景观——“万花阵”。“西洋楼”是西方园林在中国第一次较全面、较完整的引进,代表着18世纪东西建筑文化和造园艺术交流的成就,在东西文化交流史上,占有重要地位。在皇家园林建筑室内采用了西方建筑风格的装饰,据档案记载圆明园早在雍正三年(1725年)九月间,曾在圆明园后殿仙楼下安设了一樘楠木边双园玻璃窗cl,雍正五年在万字房(万方安和)对瀑布仙楼的窗户上,还用了长4尺4寸、宽3尺2寸5分的大块玻璃cm。并吸收西洋教堂天顶画、全景画的装饰手法而变通为中国式的建筑装饰手法——通景画cn,在清代皇家园林中的圆明园、紫禁城内的建福宫花园和宁寿宫花园内大量出现co,绘画采用了透视的画法,有极强的立体效果。

以上所说的私家园林和皇家园林现在虽已不复存在,而通过文献记载和园林遗迹可以看出,西方园林要素曾出现在明清之际的中国园林中。它的引入,拓展了国人的视野,令人耳目一新。同时,丰富了中国造园艺术手法。

三西方园林艺术对中国园林影响的探讨

随着西方建筑文化的传入,清代园林中出现了许多西式景观和装饰艺术。然而,这些异质因子一般都体现在园林细微之处,出现在建筑的局部装饰和园林的小品中,这并没有改变中国古典园林的基本格局,明清园林主体建筑及整体风格则是保持中国式的,即使是最完整、全面地模仿西洋园林的典范——圆明园中的西洋楼,也仅占圆明园总面积的百分之二,作为聚景园林中的一个景观。且被置于全园也就是圆明、长春、万春三园的东北角,并在它与园内其它中式景观之间加土丘以为隔绝,成为一个独立的景观。

这种艺术风格折射出中西方文化的交流与冲突。

其一,中国固有文化的传承性。几千年的中外文化不断交融,影响中国最大的外来文化,东汉末年的佛教和明清以来的西学,都没有影响到中国文化本体的根本改变。中国人从来都是以外来文化服务于中国的本体文化,也就是“中学为体,西学为用”,以实现自我的再生和创新。在明清中国人的眼中,西洋建筑就像西方的自鸣钟一样,属于“奇技巧”一类,仅仅作为赏玩的对象而已。西洋楼的建造很大程度上源于乾隆皇帝对西洋画中“水法”的兴趣。

中西文化由于伦理观、价值观等存在着本质的区别,当外来文化与中国传统文化发生严重冲突的时候,外来文化就必须让步,就像天主教在中国的传播过程中,利玛窦等人为了传教的顺利进行,改变了固有传教的方式,制定并推行了天主教儒学化以及科学传教的方针。在西方园林艺术的东渐过程中,当西方艺术与中国古典艺术出现相抵触的元素时,也不免要采取本土化的变通方式。西洋楼这样纯西式的建筑在细节处理上也不免使用中国古典园林的元素。西洋楼在主轴景观的处理上,并没设置成像西方庭园一眼望到底的直线,而是沿用中国传统的造园手法,被建筑物有节奏地分作三段,西洋楼建筑群同样地把一长条园景分成几个院落,避免拉丁庭园一望无际之感。西方古典主义花园中必不可少的人体雕像在西洋楼中却未出现,取而代之的是中国传统的祥禽瑞兽:大水法前的水池中的主雕是一只象征福寿的梅花鹿,谐奇趣和海晏堂前的主雕是寓意吉祥的翻尾鲤鱼,海晏堂正面的大水池左右两侧的铜铸喷水雕像则改用中国传统的12生肖。

其二,西学在中国的传播存在着很大的局限性。首先,传教士作为中西文化交往的桥梁和纽带,传播宗教是其目的,而科学文化的介绍只是实现其目的的手段。其次,文化交流的范围狭窄,产生的社会影响不大。由于闭关自守政策和文化专制制度,阻碍了文化交流的顺利进行。西学的传播仅限于上层文人,入清之后,更囿于宫廷之内,社会影响面较小。西方园林艺术的影响也仅限于部分地区的少数园林及皇家园林中。

其三,中西园林的造园思想和园林特点存在着根本的不同,西方园林强调改造自然,透视感强,平坦开放、一览无余。西方古典主义园林的审美标准,和当代的建筑一样,是以追慕古罗马严格的几何构图和宏伟的气派为原则。中国园林强调效法自然,遵循“虽由人作,宛自天开”造园原则,布局自由流畅,旷奥兼得,虚实相生。中国古典园林崇尚自然的造园原则及追求“诗情画意”美学意向,顺应了园林“可行,可望,可游,可居”的需求。而人工的、几何的、规则的西方园林不符合中国文人的“天人合一”、崇尚自然的审美裁判。

中国古典园林的自然性顺应了造园的要求,所以能为西方所接受,具有中国趣味“英中式”园林在17—18世纪英法等地出现。而西方园林的理性化,与中国园林“犹若自然”的造园理论相抵触。因此,明清之际,随着西方传教士的东来,西方造园的艺术亦影响到造中国古典园林的建造,但这种作用是表面化的,它没有从根本上改变中国古典园林的构思,没有在整体布局、设计上改变中国古典园林以自然为楷模的设计理念。

西方园林对中国园林的影响反映出中国文化对待西方文化的态度,也反映出中西文化的交流与冲突。

注:①汤若望说:耶稣“犹如商朝的创建者成汤,因为天旱祈雨,将自己当作牺牲,供奉求雨。他身为圣王,而如此受罪,

非但他的威望不减,反而至德益章,为万世所赞誉。成汤将自己当作牺牲供奉,耶稣被钉死于十字架,皆为利济

于民”。中国第一历史档案馆(以下简称一史馆)藏,《满文密本档》137卷。

②13杨光先《不得已》,一史馆藏《满文密本档》137卷。

③西蒙德《景园建筑学》,转引自章采烈编著《中国园林艺术通论》,上海科学技术出版社2004年版,第23页。

④黑格尔《美学》第3卷。

⑤10.12转引自金学智《中国园林美学》,中国建筑工业出版社2005年版,第93、94、273页。

⑥⑨(清)沈德潜《复园记》,《苏州历代名园记,苏州园林重修记》,中国林业出版社2004年版,第99、98页。

⑦叶燮《滋园记》。

⑧(清)笪重光《面筌》。

11.刘天华主编《十大名园》,上海古籍出版社1990年版,第203—204页。

14.黄表《远游略》。

15袁祖志《随园琐记》,陈植、张公池《中国历代名园记选注》,安徽科学技术出版社1983年版,第367页。

16.17.18《扬州画舫录》卷十二,中华书局2001年版,第268、270、285页。

19.《扬州画舫录》卷十四,中华书局2001年版,第333—334页。

20《教士书简》,《国立北平图书馆馆刊》第七卷第3、4期。

21一史馆藏《内务府造办处各作成做活计清档》,雍正三年九月十八日,木作。

22一史馆藏《内务府造办处各作成做活计清档》,雍正五年八月二十五日,玉作。

23聂崇正《故宫倦勤斋天顶画、全景画探究》,《区域与网络——近千年来中国美术史研究国际学术研讨会论文

篇5

关键词：泥塑虎面；青铜器饕餮纹；造型；形式美；相似

作为非物质文化遗产之一的凤翔泥塑主要分布于陕西凤翔城关镇的六营村，据当地村民传说：“明兴武五年间（公元1370元），明太祖朱元璋派李文兵在凤翔一带“兵屯”驻守，后来朝廷撒销了屯兵制，兵屯的第六营士兵没有走，遂在当地安顿下来，开荒种地，逐渐形成村落六营村。这些士兵中有些人非常擅长陶瓷手艺，闲暇时间便和土为泥，捏制成各种造型的“泥耍”添上颜色当做玩具。后来军士转化为这里的居民，利用当地非常有粘性的板板土，捏造泥人，制模彩绘，或送人或拿到庙会上出售，使之成为一门营生。当地老百姓置这种泥塑于家中，起到镇宅、辟邪、护佑、增岁，纳福的作用。然而学术界却认为凤翔泥塑这一艺术形式并不仅仅起源于明朝。凤翔位于关中西部，姜炎文化于周秦文明在这片土地上发源，据《凤翔县志》记载：“县境内发掘出土的春秋战国、汉、唐时期的古墓随葬物品中，有各种形态的动物、人物陶俑，如虎、牛、猪、狗、羊等，其形制相似于今日之泥塑。”由此可见其泥塑工艺历史之久。顺着历史的长河逆流而上，我们甚至可以从先秦青铜文明时期中找到凤翔泥塑的影子与雏形，例如宝鸡出土的西周青铜兽面马冠饰、当地出土的战国时期的秦国金虎符等，其中最能体现凤翔泥塑的特征的便是先秦文化中青铜器上的饕餮纹（兽面纹）。这些纹饰无论从形式到内容，都对凤翔泥塑起着深远的影响。在这里，我们从饕餮纹出发，来探讨凤翔泥塑对于这一古老纹饰的继承与发展。

饕餮，是传说中龙的第五子，是一种存在于传说、想象的神秘怪兽。古书《山海经》介绍其特点是：状如羊身人面，其目在腋下，虎齿人爪，其音如婴儿。而饕餮纹也叫兽面纹，是青铜器上常见的花纹之一，盛行于商代至西周早期。据多数学者考证其源自于红山、龙山、良渚文化中的玉琮。经历夏代之后发展成为殷商时期青铜器上的主要纹饰。饕餮纹是人们想象出来的一种贪吃无厌并具有神秘色彩的怪兽，生有角、爪、尾，其实是以常见的虎、羊、牛为原型创造的。类似与龙，麒麟等神话怪兽。它造型生动，极具冲击性的视觉美感。凶猛庄严中不失细腻严谨，境界高远，制作技法精巧，代表了青铜器纹饰图案的最高水平，达到今人无法比拟的高度。

提到饕餮纹的发展，我们就不得不探讨下作为其艺术载体的青铜器的发展历史。我国的青铜时代，主要源于夏朝，在商朝晚期、西周早期得到进一步的发展，形成了其最为灿烂夺目的鼎盛时期。“国之大事，在祭与戎”，青铜器在那个时代是地位、身份、宗教的象征，即是祭祀的神器，也是战争的武器。这一时期，人们信仰的是多神社会，认为君权神授，而青铜器便是君权和神权的象征。

青铜艺术的主体便是青铜纹饰，据现有的考古发现，基本上所有的青铜礼器上面都有纹饰，集中而又鲜明的体现了当时的审美面貌和艺术水准。这些纹饰往往造型夸张、神秘，构图绚丽、奇巧，营造出一种严肃、狞厉、冷峻的特殊美感。商代的青铜纹样主要分为几何纹饰和动物纹饰两种，兽面纹就是动物纹饰中非常重要的一支。饕餮纹饰的形象在自然界中其实不是真实存在的，它是创造者根据现实客观世界的动物所想象出来的一个艺术形象，体现的是对祖先和图腾神的崇拜和敬仰。饕餮纹的布局一般为：以鼻梁为中线，两侧作对称排列，成兽面形象，大眼、有鼻、双角，通常没有下唇。也有使用两个夔纹对称排列，组成饕餮形象的例子存在。饕餮的特征是，它把兽头表现为好像被从中一剖为二，两半各向一边展开，又在鼻子中央合一。以此兽作为纹饰，是古人融合了自然界各种凶猛野兽的特征，同时加以自己的想象派生出来的。饕餮的面部巨大的夸张，装饰性很强，常作为青铜器上的主要纹饰。我们在博物馆里观看和欣赏其具体形态特征时，不难发现其与凤翔泥塑中虎面挂片在一些方面具有一定的相似度。

一、造型上的相似之处

六营村的泥塑具有夸张和美观的造型艺术，靓丽鲜艳的色彩，深受人们喜爱。它是受历史民俗沉淀的影响，具有很强地域性特点；丰富的造型角色，各自也都有其特殊的寓意涵括表象。六营村的泥塑艺人虽然没有见过真实的老虎，却用自己丰富的想象力，创造出民间百姓们心目中最可亲可爱、最理想化，最美好的老虎形象。这离不开当地历史民俗文化对其几百年来的滋养与影响。一方水土养一方人，凤翔处于中华文明的发源和发展中心地带，周秦汉唐几千年来的历史文化沐浴了这块土地，孕育了凤翔泥塑这一独特的民间艺术精品。这与兴盛于西周时期的青铜艺术在地域上具有相同的本源，两者之间存在着某种契合。

虎面塑得惟妙惟肖，凶猛、威风间透着一种亲切、可爱的憨态。粗狂简练的艺术特色中又不是细腻淳厚的风格，于大红大绿的色彩间体现一种民俗地、质朴地民间艺术的精妙绝伦。挂虎的形象是暴额凸睛，色彩艳丽华美，头顶牡丹仙花，双眉细描对鱼。（对鱼的格式特点，主要来源于六千多年前的仰韶彩陶文化中鱼纹女阴生殖符号，代表生命繁衍长盛的意喻。）而鼻子为人祖，属阳。如此阴阳结合的造型纹饰，表现了阴阳结合，万物繁衍的吉祥心愿。头顶的王字为牡丹花所代替，意吉星高照，期望富贵有余。人族鼻子上饰有贯钱，意万贯利钱，是财富的象征。其他的纹饰，也多以五谷或自然中的花草，果实等巧妙加以缀饰，耳朵上的颤头缀以蝴蝶或婴童，是为了表现出生命绵绵不息，繁华如锦，果实累累的永恒主题。虎头上绘有宝葫芦，象征子孙昌盛，“瓜瓞绵绵”；如果我们耐心的加以理解，能体会出作者希翼生命绵延长久，子孙永享富贵太平的美好心意。所以，挂虎也被视为是生育繁衍，护佑健康的神物。虎面造型与青铜器兽面纹在造像上存在着很多相通点，同样符合对称美法则，造型相似，以鼻为中心左右对称排列，而两边的纹饰讲究绝对的对称美。凤翔泥塑在造型花饰上同样有很多讲究的，它们各自也都有其特殊的寓意涵括表象。色彩鲜丽，造型逼真。分彩绘和素描形式。塑得惟妙惟肖，凶猛、威风间透着一种亲切、可爱的憨态。粗狂简练的艺术特色中又不是细腻淳厚的风格，于大红大绿的色彩间体现一种民俗地、质朴地民间艺术的精妙绝伦。

二、同样的符合形式美法则。

造型风格多种多样的青铜器兽面纹追循对称统一美的形式美法则。它是商代艺术家自觉认识形式美的创作结晶。对称美是一切形式美的基础性特点。兽面纹严谨的对称性造型是它的一个显著特点。以鼻梁为中心线，两边对称排列，互为镜像的形式效果。对称的排列自然会给人以美得观感。兽面纹的面、眉、目、口、鼻、牙都大小均衡，产生了构图上的对称美感。在装饰效果上使人看到一种秩序性、稳定性的和谐美感。整个造型结构鲜明、夸张精妙，凶猛严肃，威风凛凛。纹饰错综复杂，以细云雷纹衬底。将人们引到了一个神秘莫测的艺术世界。非常能够引起人们的注意力，视觉美感很强。凶猛庄严中不失细腻严谨，制作技法之精巧，境界之高超，代表了青铜器纹饰图案的最高水平，达到今人无法比拟的高度。兽面左右互为相反的五官看起来在图形上具有形体内在张力，形成宽大而恢弘地气势的同时又见于精妙细微的表现技法。作为辅纹存在的云雷文、夔龙纹、凤鸟纹等纹饰在兽面主体空间位置以对称性排列。兽面纹的形式美还符合变化与统一、条理与反复、均齐与平衡、对比与调和、比例与权衡、节奏与韵律等特定形式上的美感。例如：兽面纹的面、眉、目、口、鼻、牙等造型各异的元素，都得到了恰如其分的组织安排，艺术家较好的处理了彼此在形体上的矛盾关系，在变化上不离统一的形式美。又如：兽面纹面部器官在表现技法上体现了刚与柔、方与圆的对比与调和之美等。兽面纹的造型原理具备一般的图形基本原理与形式美感。是商周时代艺术工匠智慧与手工技法的杰出表现。兽面纹饰也只是看起来相对的对称，一如人的面庞，左右都要对称、美丽才看起来好看。正是相对的不是绝对的，体现出的是一种生命的律动感。

凤翔泥塑中虎面形象，在吸取饕餮（兽面）纹的主要特像上，在装饰美感上做了非常大的夸张美化的功夫。在暴额凸睛，人祖鼻子，呲牙咧嘴的主要特征上，吸取原始彩陶纹饰人面双鱼纹的元素，威风凛凛的神态，獠牙狰狞外露，大红大绿浓烈鲜艳的色彩是为了表达祛凶、避恶、无病、无灾的对生命和生活无比热爱的美好意愿。凤翔泥塑与青铜艺术同样符合形式美法则，是民俗艺术家对艺术美的理解。凤翔泥塑的凸睛暴额为椭圆卵形，讲究绝对的对称，突出夸大了双目，表现了狰狞、凶猛的神情特点，此外设计者独具匠心的以鼻梁中线为对称轴，两边展开立体的视觉效果，以突出形式化的审美方向。夸大裂开的血红的大口与对视的集中于一点的圆瞪的双目，简化的獠牙是为了在夸张、对称、统一、简明、扼要的装饰美表现的技法基础之上，突出其威严与肃穆的神态特征。与青铜器不同的是它的暴额凸镜、

人祖鼻子，呲牙咧嘴虽然相似，但是凤翔泥塑在装饰特点上：1、更加形似、生动可爱的形象代替了古代青铜器凝重、肃穆的宗教祭祀器皿固有神秘氛围。2、它随心随意活泼的表现手法打破了一丝不苟的青铜艺术程式化造型规范造型。3、民俗化大红、大绿喜庆寓意的色彩（例如粉红鲜艳的牡丹花，多子多福火红吉庆的石榴花，红、黄、绿间色随意描画的贯钱等等），追求简约扼要的表现；代替了青铜器物单一、古朴、华丽繁重的装饰风格。

图一、收藏于2009年10月，凤翔泥塑挂虎。

三、寓意上的相似性与异同性

凤翔泥塑艺术在图形寓意上表达了对子孙绵长，富贵吉祥的美好期望。对鱼双眉，牡丹花抹额，花饰，点缀铜钱，石榴花等纹饰，是这些心愿最好的表现。这与古人使用饕餮（兽面）纹作为青铜器主要纹饰的原始祭祀用品的初衷心意是相通的，都是为了表达子孙繁盛，五谷丰登、财源无尽、生命健康永的祁愿，对永享美好生活的追求向往。

饕餮纹在夏、商、周青铜器文化上中常常被作为是最主要的纹饰，尤其是青铜鼎和簋上。青铜器的主要用途是作为古人祭祀器。“殷人重鬼”，在祭祀器上频繁出现的也具有相当丰富的宗教意义。商周两代的饕餮纹类型很多，有的像龙、虎、牛、马、羊、鹿；还有的像人凤、鸟、人。或做各种动物的夸张变形结合造型，威风庄严中透着不可冒犯的神威。饕餮纹这种名称并不是古时就有的，而是金石学兴起时，由宋人起名的。其装饰性特别强，美感神秘绝伦。图案庄严、凝重而神秘。将人们引到了一个神秘莫测的艺术世界。非常能够引起人们的注意力，视觉美感很强。凶猛庄严中不失细腻严谨，制作技法之精巧，境界之高超，代表了青铜器纹饰图案的最高水平，达到今人无法比拟的高度。

凤翔泥塑在造型上与青铜器兽面纹存在许多相似之处和不同之处，在使用用途上也存在异同点，虎面挂塑是民俗性的东西，是人们对生命、生活、平安的祈愿与祝福，而商周青铜器的主要作用是古人的祭祀器，它的使用者是贵族，具有某种宗教色彩。同样也都是人们迷信的产物，两者是矛盾中存在的统一。

篇6

在诸多的艺术门类中,音乐与舞蹈的关系最为密切。早期的音乐从舞蹈中产生，又附属于舞蹈，最后才独立发展。待音乐高度发展后，又回过头来提携舞蹈，舞蹈又受惠于音乐。总之，二者有往返可逆的关系。二者彼此配搭、彼此衬托，相互表现、相互促进，亲密结合才能创造出惊人的艺术业绩。舞蹈与音乐之间存在着共同点——节奏,节奏是舞蹈动作在力度、速度、幅度等方面的对比和变化,是构成舞蹈动作的基础。舞蹈节奏感是舞者对节奏作出的某种反映和感受能力,是凭借人的形体运动和动作组合体现出来的。舞蹈可以没有音乐陪伴,但却不能没有节奏,舞蹈动作的本质永远是有节奏的运动,舞蹈的神奇莫测和千变万化是由节奏创造出来的。节奏来源于生活,生活节奏要经过艺术化的转化方能成为舞蹈节奏。

关键词：舞蹈；音乐；节奏；节奏感

一、引言

1.1舞蹈艺术的形式美

舞蹈是表现人体美的一门艺术。如果说音乐是用声音描绘出来的时间的美，美术是用色彩和线条构成的空间的美，那么舞蹈就是由人的躯体产生的时间和空间的美。当人们走到剧场去欣赏舞蹈的时候，是要从中得到美的愉悦与满足，当演员对着镜子或在舞台上舞蹈的时候也是一种美感的抒发，在生活中说起舞蹈的时候人们也会自然产生美的联想。

美是舞蹈的本质特征。诺维尔甚至作了这样的论断：“舞蹈比所有美丽的语言更为优美。”芭蕾舞剧《欧根·奥涅金》中达姬亚娜与奥涅金的双人舞比普希金的诗句毫不逊色，而且更富于形象的感染力。而《天鹅湖》中奥杰塔与王子的双人舞，再美丽的语言也难以描述。刀美兰表演的舞蹈《水》像一首田园诗，但它却比抒情的田园诗更美丽。车尔尼雪夫斯基说：“美是生活”，而艺术是用生动的形象来反映生活，它就应该比生活更美。所以舞蹈必须讲究美，美的形象，美的动作，美的线条，美的舞姿，美的画面，美的旋律，美的服装。舞蹈就是要通过美的一切，给人以美感的享受，引导人们的美学趣味，陶冶人们的道德情操，净化人们的思想感情。所以美是舞蹈的本质与形式，如果失去了美的特质，舞蹈也会失去它基本的品格和艺术功能。

1.2舞蹈艺术的特征和节奏内涵

舞蹈是美的一种形式，是人体运动的一种艺术，它包括节奏、表情、构图（即造型）三个方面。舞蹈动作必须在节奏内进行，因为节奏是舞蹈形式美的一个重要方面。在舞蹈表演中，我们的动作是随着主观情感起伏的，因而我们身体上的动作，有快、有慢（速度）；有强、有弱（力度）；有重、有轻（沉浮）；有大、有小（幅度）；有虚、有实；有圆滑和顿着；有静和有动；有放和有收等不同节奏的对比。舞蹈正是通过巧妙安排的各种对比中去获得形式美的条件。观众在视觉上，就是从这种动的节奏形式上满足了对美的要求。

二、音乐节奏和舞蹈

2.1舞蹈艺术的发展过程中节奏的体现

有人说：“音乐是舞蹈的灵魂”，也许过于强调了“音乐”，但舞蹈作为空间和时间兼备的艺术离不开音乐，这却是千真万确的。乐曲是凭借声音创造听觉的形象，舞姿是凭借形体创造视觉的形象，二者合为一体，才构成了时间与空间相结合的舞蹈艺术形式，所以舞蹈如果离开了音乐（广义：包括节奏）几乎就不复存在了。舞蹈和音乐的表演都有一个时间过程，而一幅画会一下子便展现在我们面前。由于这种差别，舞蹈和音乐就被称做时间艺术。时间艺术总是离不开节奏，因为要用节奏来等分时间。“节奏”起源于劳动，又存在于大自然和人民生活中，如风、雨、雷、电的大、小、强、弱，人说话的抑、扬、顿、挫，走路的轻、重、缓、急，等等。表现在舞蹈中的则是节奏的快、慢、强、弱、起、伏、跌、宕。不同的节奏可以突出不同的思想情绪，所以说“节奏是表达人的感情力度的基础”，没有节奏，舞蹈将难以进行，有时虽然我们见到一些没有舞曲伴奏的舞蹈，但它同样有着音乐的节奏。

原始社会中的原始舞蹈，最初就是借人体动作打拍子的，现在的民间舞中还常见到这种遗迹，比如西班牙踢跶舞踏地有声、俄罗斯舞中有手拍靴子的动作，至于蹬地、鼓掌，更是多见。至今福建泉州人闹元宵时还要跳《拍胸舞》，男子赤膊赤脚，头扎草绳，手拍胸膛、腋窝、膝盖和大腿，蹲下跳起，极其热烈，节奏明快、舞容粗犷，把一种极其古老的舞蹈展现在人们面前。原始人舞蹈时，也曾把一些能应节作响的东西系在身上，以作伴奏。这也有遗风可寻，如南美洲的印第安人，跳传统舞时，或脚系一种能摇响的荚果，或手持一种椰果制成的响器（现已制成交响乐队中所使用的沙球）。南斯拉夫民间的《哑舞》，也是利用戴在手脚上的饰物摇动作响来协调舞步，而印度舞系上脚铃打拍子，可说是这种原始方式的高度发展吧。原始舞蹈后来有了真正的伴奏，即有节奏地敲击石、木伴舞。

我国古书上说的“击石拊石，百兽率舞”（《尚书·尧典》），就形象地再现了击、拊石器，造成强弱参差的节奏，为拟兽舞伴奏的情景。这种原始音乐，只有节奏而没有旋律。美国的现代美学家苏珊·朗格在《艺术问题》一书中有这样一段话：“杰出的音乐史家和舞蹈家克尔特·萨哈斯所著的《世界舞蹈史》中说道：今人十分不解的一件事实就是：作为一种高级艺术的舞蹈，在史前期就已经发展起来了。还在文明的初期，它就达到了其他艺术和科学所无法比拟的完美水平。在那个时期，人们过着野蛮的群居生活，人们所创造的雕塑和建筑还是极原始的，诗歌在这个时期还没有出现，然而却创造出了使所有人类学家都感到吃惊的，难度较大而又很完美的舞蹈艺术！他们在这个时期创造的音乐如果脱离了这种舞蹈，那就听上去什么也不是，只有伴随着这种舞蹈这种音乐才显得动听”。由此可见，音乐是从给舞蹈打拍子中产生的。新石器时代，“击石拊石”的石，经过加工制成了磬”（河南安阳殷墟出土）。随后又有了陶埙（山西万县出土），中空，吹奏能起共鸣，而且形制不同、音质有区别。商朝编磬已经不少见，这意味着有了音乐的旋律，音乐脱离了原始阶段。战国，出现了著名曾侯乙青铜编钟，音域达到五个半八度，几乎包括了一架钢琴的整个音域，其表现能力之丰富，也可想而知。《论语》里记载着，孔子对鲁国的司乐官说过：“乐其可知也。始作，翕如也，从之，纯如也，瞰如也，泽如也，以成。”大意是说：音乐是可以认识的，开始是调音，其后就有协和的旋律，分明的节奏，圆润熟练地演奏，直到告成。

2.2音乐和舞蹈的关系

舞蹈是一种形体的艺术,它以经过提炼组织和艺术加工的人体动作为主要表现手段,表达人们的思想感情,反映社会生活。其基本要素是动作姿态,节奏和表情。音乐是声音的艺术,它通过有组织的乐音所塑造的艺术形象表达人们的思想感情,其基本表现手段是旋律、节奏和和声。而在诸多的艺术门类中这二者的关系最为密切。古代有:"舞为乐之容"或乐之在耳曰声,在目者曰容"的说法。这两句的意思都是说,音乐是舞蹈的内容,舞蹈就是音乐的外观形态[1]。由此看来舞蹈是要与音乐共生共存,不存在没有音乐伴随的舞蹈,原始的舞蹈也有敲击出来的节拍或歌唱相伴和。舞蹈界甚至有这样的说法:"音乐是舞蹈的灵魂,舞蹈是音乐的回声。"前苏联著名舞剧编导和舞蹈理论家扎哈诺夫也说过:"音乐---这是舞蹈的灵魂。音乐包含了并决定着舞蹈的结构、特征和气质"。舞蹈总是不能离开音乐,二者总是交相辉映。

东周时，人们对乐理的探讨于此可见一斑。不过这时音乐基本上还是附属于舞蹈，那时的“乐”字，就是舞蹈、音乐的合意词，印度文“梵给陀”一词也是这个意思，坦桑尼亚人说的“思戈玛”，亦即指舞和鼓，可见，早期的音乐附属于舞蹈是普遍的现象。音乐在为多彩的舞艺伴奏中从单调进步到丰富，随后才摆脱了附属的地位而独立地发展，而到音乐高度发展后，它又回过头来提携了舞蹈。音乐对舞蹈的帮助，首先是使舞蹈更趋于抒情化、抽象化。舞蹈艺术，是人用自己的形体完成的，而人们对人体自身造型技艺缺乏经验时，便从摹仿野兽的动态开始了舞蹈创作，很长一段时间是，舞蹈主要在摹仿、再现动物。那情景，许多原始岩画所绘的拟兽舞中有着记录，音乐呢，它一开始就是抽象的、抒情的、表现的。舞蹈，现在人们把它和音乐一样地称做为表现性艺术，它已经能自如地用运动着的人的形体，充分地表现情感，这一方面是因为摹仿的再现艺术，在发展中总会向抒情的、表现的艺术转化。另一方面，也因为舞蹈受惠于音乐，而更快地摆脱了摹拟。

舞蹈是感情生活的形体的比拟，音乐节奏和旋律作为一种情感的力的表现，在舞蹈中也确能相应地体现。美国的铿迪·沙和士在《舞蹈和音乐的内在联系性》一文里介绍说，有人把现今世界原始部落的舞蹈和音乐作了对应的分类比较：东南澳大利亚人的舞蹈动作小而内敛，伴舞音乐则为“收敛式旋律”，只有两三个音的短形动作上升，不出四音程的狭窄音域。亚洲部分民族和印第安部落的舞蹈，则动作大而扩张，相应地伴奏音乐为“扩张式旋律”，有宽阔的音域和不规则节奏在这两者之间的，还有“嘈杂式旋律”、“渐次式旋律”等民族音乐，与某些细小动作、有序动作的民族舞蹈相对应。各种民族性格、情感都在这种乐舞结合的形式中得到了表现。音乐虽然可以脱离舞蹈独自表演，舞蹈却不能离开音乐，但对于音乐来说，有了舞蹈的解释，要更好些，不同样式的艺术的和谐统一，有更高层次的美。阿诺·理德《美学研究》中说：“统一性是我们所知道的一种最重要的内在价值，审美客体的重要性要依它能体现多少统一性而定。”舞蹈和音乐的统一，是不同表现方式的统一，视觉和听觉的统一、形体和幻象的统一，而且从总的发展过程来看，舞蹈和音乐可相互表现、相互促进，如上述的舞蹈可以解释音乐，音乐则可以为舞蹈展示氛围，加强风格特点，激励情绪，推进情节等。总之，两者有往返可逆的关系。音乐家、舞蹈家只有亲密合作，才能创造出惊人的艺术业绩。

2.3节奏—音乐和舞蹈的缔结者

舞蹈的基本要素是动作姿态,节奏和表情；音乐的基本表现手段是旋律、节奏和和声首先是节奏。这是舞蹈和音乐伴奏密切结合的基础。节奏化是舞蹈动作自身的美学特征之一,这一特点众所周知,几乎从舞蹈一诞生就开始具有了。最早的舞蹈并不是在旋律,而是在节奏伴和下进行的,这一特点一直延续到现代舞蹈中。可能正因为如此,我们可以说舞蹈或许是一种"无声的音乐"。德国艺术史家艾.格罗塞说:"舞蹈的一个显著标志就是动作的有节奏的程序。没有一种舞蹈是没有节奏的"[1]。节奏在舞蹈中不仅是"伴奏",而有着自身的感染和鼓舞力,是舞蹈艺术魅力的重要组成部分,舞蹈动作如果失掉了节奏也就丧失了给与人们的美感与。而节奏对于音乐来说更是必不可少的。节奏是音乐中出现最早的因素,是组织音响的必要手段。舞蹈和音乐都有节奏,舞蹈更需要音乐来强化节奏感。原始舞蹈之所以一开始就和舞蹈结合在一起,根本原因也就在于此。做为学习舞蹈的学生,也必须首先要对节奏有深刻的认识。学生第一次上练功房老师就已经给上了节奏的第一课。在把上训练及中间动作的基础训练时,最先接触的也是音乐的节奏训练。

三、节奏和节奏感

3.1节奏概念

节奏是构成舞蹈艺术的要素之一。任何舞蹈都是有节奏的，没有节奏便没有舞蹈。节奏是人们对时间的一种知觉，它是客观现象的延续性、顺序性和规律性的反映。节奏一般分为内在节奏和外在节奏两种。内在节奏是人的各种情绪和情感在人的肌体内部所引起的各种内在节奏的发展变化。外在节奏又可分为听觉的节奏和视觉的节奏。听觉的节奏，是听觉对象在时间上作有规律的变化，如音的高低、长短、强弱、快慢等。视觉的节奏，是视觉对象在空间上作有规律的变化，如线条的由长而短、形体由大而小、高低相间、曲直有序等。在舞蹈中节奏一般表现为舞蹈动作力度的强弱、速度的快慢、能量的大小。相同的动作由于节奏的发展变化，就可以表现出不同的情绪和情感，体现不同的、丰富的内容。

具体的来说，节奏是什么?首先,将时间划分为长短相等的单位"拍",再将"拍"组成为两个一组(二拍子)或三个一组(三拍子),再把长短不同的音符组织到拍子里来,就构成了有很强烈的艺术生命力的"节奏"。

3.2节奏感理解

舞蹈节奏感是舞者对节奏作出的某种反映和感受能力,是凭借人的形体运动和动作组合体现出来的

大自然有规律的周期性活动，人本身生理中的节律性活动，造就成人的心理世界中，具有一种本能的，而且很强的节奏感。在这个节奏感的主宰下，使人的一切行为，包括生活、劳动、工作、学习、讲话、做各种各样的事情，无一不处于一种有序的节奏中进行。节奏就是整个进行过程的支架。行为活动和时间就是从这节奏中流过。如你一句一句的讲了一小时课；一步一步的走了两小时路；一个动作一个动作的练了三小时功等等。你的行为都是在时间中完成的。但是要在一定的时间中完成一定的任务，就取决于你的行为节奏。如果时间长，行为节奏就可以放慢些；如果时间短，行为节奏就要加快些，节奏是支配运动在时间中进行的关键要素。所以说，节奏与时间有关系，可形成一定时间知觉。但更主要的是运动的知觉，我们从进行的节奏中感受到运动。

节奏感指乐曲的节奏性或对乐曲节奏的感觉能力，它是一种动态审美。舞蹈与音乐有着水融地关系,要好的理解舞蹈和音乐，需要好的音乐感受能力——"节奏感"，即"乐感"。"乐感"是要更全面的理解舞蹈音乐的内涵,包括旋律与曲式其中不仅包括听觉和视觉等外部感觉，而且还包括动觉和静觉等本体感觉以及更重要的主体感觉和自我感觉等）。这是因为音乐和舞蹈都是属于表演艺术，它不同于美术，画家创作的作品感觉很好，这个感觉指的是观众的感觉（视觉），因为美术作品本身是个死的东西，无论它是怎样的“栩栩如生”，它本身是不会产生感觉的；然而，一个音乐或舞蹈教师所创作的任何作品，都是由活生生的人即演员来完成的，人和演员都是有感觉的，这就是音乐感觉（乐感）和舞蹈感觉（舞感），这正是表演艺术的特征。这种感觉在现代音乐和现代舞中表现得尤为明显和突出。

四、节奏和舞蹈艺术关系及其重要性

4.1节奏及舞蹈艺术关系

舞蹈艺术的要素之一是节奏。何谓舞蹈节奏？舞蹈节奏就是舞蹈动作在力度的强弱、速度的快慢、能量的增减以及幅度的大小、浮沉等方面的对比和变化。舞蹈动作的运动必须是在一定的节奏下进行,必须通过节奏的速度、力度、能量及抑扬顿挫等听觉上的起伏多变,节奏的视觉化才能显现出来。节奏感正是舞者对节奏产生的某种知觉和反应,舞者只有对节奏有了感觉,才有可能创造出千姿百态的舞蹈来。如果没有对音响节奏产生感觉,观众甚至舞者自己也不可能直接从舞蹈动作上领悟出舞蹈作品中的深刻内涵。

舞蹈讲节奏,因为“舞蹈是身体的一种有节奏的运动”,“节拍自舞蹈产生之日起,便是它最可靠的伙伴”。“生命的机能是动,而舞便是节奏的动,或更准确点,有节奏的移易地点的动……”可见舞蹈与节奏有难解之缘。舞蹈还要讲究节奏感。舞蹈的节奏感必须凭借人的形体运动和动作组合去体现,所以它不仅具备形体美感,还要具备在节奏中韵律化了的律动美感。广义而论,一切形体活动都有舞蹈因素,或者都可以称之为舞蹈,但若作为舞蹈艺术来要求,恐怕仅有形体的节奏运动还不够,还必须有韵律化了的律动美感。律动美感与形体美感在韵律化中的节奏组合,恰恰是舞蹈艺术的精髓,所以说,没有节奏也就没有舞蹈。具体实践中,编排舞蹈动作时都要在节奏的延续中进行,往往大声地数拍子,通过计数来规则和明确动作节奏。既要依附节奏去组织发展动作,又要在乐感中巧妙地韵律化动作,使其达到形体美感与律动美感的和谐一致。

音乐的节奏与舞蹈节奏密不可分。因为音乐进入舞蹈本体是以节拍为主要标志,连同旋律、和声、复调等一起参与到舞蹈中来。音乐的节奏也有表情因素,譬如强弱、轻重等。音乐节奏的变化往往决定舞蹈节奏的变化,是舞蹈艺术不可缺少的“骨肉之亲”。不同的音乐节奏体现出不同的情绪和风格,这在不同形态的舞蹈中表现得尤为鲜明。人们常说,有什么样的音乐就有什么样的舞蹈。我们在编排、表演或学习某个舞蹈时,往往都是先从了解音乐、体会音乐开始,然后才逐步掌握舞蹈的节奏感,把握动作的韵律和韵味。现代舞中也有一些“无声的舞蹈”,如法国香榭里舍芭蕾舞团的《创始世纪》、美国现代舞《动作》、《边界》等,尽管它们没有音乐旋律和其他音乐要素,但仍然不可能失去存在于时间中的内在节奏。当舞蹈只用流水、刮风等自然音响陪伴时,它也是一种节奏现象。而人体运动本身就具有天然的节奏性,不过它被舞者融化在动作中了,成为舞蹈不可分离的重要因素。舞蹈中静止的形态也具有潜在的节奏感。一般来说,静止的形体难以产生舞蹈,如生活中的睡卧、沉思、读书、写作,等等,都不是舞蹈,但舞蹈并不排斥形体律动进行中的短暂静止的形体,为什么呢？因为这时的形体静止,只是系列律动中对比存在的瞬间状态,这种静止往往呈现在律动节奏之中,静中有动,静中又蕴涵着律动美感。如我们常见的舞蹈中的静止画面和舞蹈动作中的亮相等,这些雕塑性姿态并不是真的停顿,亮相和静止的画面实际上只是一种假象,是暂时的歇歇脚,起到了“驿站”的作用,动作的本质永远是有节奏的运动。他们正是在短暂的静止状态中,表现出一种独特的艺术美感,这是舞蹈中不可缺少的艺术表现手段,因为一个毫无静止、对比和变化的舞蹈,时间久了,观众是会感到烦躁不安或生硬乏味的。

4.2节奏对舞蹈艺术的作用

4.2.1节奏给舞蹈神奇莫测的千变万化创造出新的奇异的特殊形态

节奏好像色相单纯和规格化的色块,而舞蹈动作好比两股冷暖对比的色流,当色流在单一的色块间交叉流动时,就会产生这样或那样的色变,这些色变有时强烈、有时平淡,当这种色变在有规律的节奏中重复出现时,它会使人产生积极振奋的情绪。譬如我国各地的秧歌舞,不论是“陕北秧歌”,还是“东北秧歌”,或者是“山东鼓子秧歌”,尽管它们的舞步、舞姿、锣鼓点、乐曲各有不同特色,但在节奏与乐句不断重复、逐渐强化上都是完全相同的。绘画其实也讲节奏,主要体现在规律的线、墨、色的处理上,结构、构图、透视以及画家做画的内在气势等方面,也都有节奏感,只是绘画中的节奏感的表现不像舞蹈和音乐那样强烈感人。譬如《红绸舞》,绘画和舞蹈都是表现一种线条美,因为绘画是平面空间的静态艺术,它以固定的平面形式和有限的线条---红绸的律动变化来体现节奏;而舞蹈是用不固定的时间与空间形式和无限的线条---红绸的律动变化来表现节奏的。绘画给人的感觉是永恒和稳定的,而舞蹈给人的感觉却是多变而短暂的。可见它们虽然都讲节奏,都有节奏感,但它们因为各自的艺术形式和表现手段不同,他们的节奏表现形式和美感也各不相同。

4.2.2节奏可以加强舞蹈中的形象感

从当代一些舞蹈作品中不难发现,它们的创作动机和灵感来自大自然的节奏,换句话说,大自然的节奏给他们提供了形象。如波涛的流动、鸟翅的飞翔像人的手臂运动,引发了创作天鹅、大雁、波浪等舞蹈形象。还有的舞蹈借助某种道具的飘荡,想象波浪、海波有节奏的律动。民间传统舞中有不少是玩道具和乐器,节奏是它们的特性,如“花鼓舞”、“长鼓舞”、“腰鼓舞”、“花鼓灯”、“阿西跳月”、“英歌”、“芦笙舞”,等等,举不胜举。爱尔兰和美国的踢踏舞,舞者脚部做出轻快而又复杂的踢踏节奏,在这些节奏中透出它独有的机敏和欢畅。看过舞蹈《黄土黄》,人们就会感到它是依托敲打身上的胸鼓的节奏和动作,来展现黄土高原儿女们的那种“有一把黄土,就饿不死人”的朴素而深沉的中国农民的精神气质,“黄土情结”和“黄土文化”的魅力正是在激越的节奏之中爆发出来的。独舞《雀之灵》,创造性地发挥了肢体的表现力,以手臂、肩、胸、腰等有节奏、有层次的节律运动,形象地表现出孔雀的机敏、轻巧和高洁,塑造出集真、善、美于一身的傣族少女崭新的人物形象,具有无穷的魅力。同样双人舞《两棵树》,通过热烈的鼓声、巴乌独奏的旋律和模拟小鸟有节奏的叫声,以及双人舞诗化的动作造型,表现恋人如林中小鸟呢喃倾诉,它们动作的一刚一柔、一顿一挫、一张一弛,在节奏的不断变化中,渲染了舞中的主题,表现出“树与人”同根连理、不可分离的深刻含义。

4.2.3节奏对舞蹈表情相当重要

中国舞蹈一代宗师吴晓邦先生认为:“舞蹈表情有刚柔粗细、抑扬顿挫、轻重缓急之分,人的感情都是在这十二个字的对比中进行的。”表情必须放在强弱(力度)、快慢(速度)、动静、虚实、大小(幅度)的对比中进行,这种力度、速度、幅度的变化便是舞蹈的节奏。舞蹈表情之所以能有起伏变化,完全依靠节奏的作用,由于种种节奏的存在,才使舞蹈中的人物表情栩栩如生、形神兼备。节奏所产生的舞蹈律动,可以说是舞蹈表情的生命,也是舞蹈表演艺术中所要求的形式美的一个主要部分。

4.3节奏来源于生活,生活充满了节奏

生活节奏因地域等条件的不同而有所差异,其表现形式有快有慢、有舒有缓,但生活节奏与舞蹈节奏还不能等同。“日常生活必须靠某种艺术形式上的媒介体表现出来时,我们才称作节奏。在音乐上节奏是传达生活的韵律,在舞蹈艺术上节奏是靠人体运动作媒介去传达生活上的真实。”按照这一解释,不难找到节奏在舞蹈上的定位。从根本上说,舞蹈来源于生活,但还需从日常生活向舞蹈作艺术化的转换,这时的节奏便成为经过一番组织加工,注入了情感的、可以充分表达人的内心情绪的象征性因素。生活的节奏通过舞蹈的律动表现出来后,会产生不同的艺术韵味和效果。江南水乡的舞蹈节奏恬静而舒缓、西北高原的舞蹈节奏强烈而昂扬、草原民族的舞蹈节奏反映出勇敢豪爽的特色……尽管地域、民族、环境不同,但舞蹈节奏传达的情感却是相通的。

五、结论

“音乐是舞蹈的灵魂”，节奏是音乐的精髓。音乐要通过节奏和节拍限定舞蹈动作的时值和速度，进而通过生动的艺术形象及其包含的思想内容让演员进入角色和进行情感表达。节奏进行的过程是演员情绪展开的过程。在舞蹈艺术中，节奏有着至关重要的作用。

舞蹈与节奏的结合形成完整的舞蹈艺术。舞蹈所表现的动作和姿态是世界万物中最美、最能打动人的动作和姿态。当节奏的作用充分表现在舞蹈的优美之中，舞蹈将更加打动人心。千变万化的节奏用以表现多姿多彩的生活,舞蹈艺术的精髓永远闪烁着生命。

参考文献:

[1]朱立人,汪流等.艺术特征论[C].北京:文化艺术出版社,1984.