古典音乐特征范文

导语：如何才能写好一篇古典音乐特征，这就需要搜集整理更多的资料和文献，欢迎阅读由公务员之家整理的十篇范文，供你借鉴。

篇1

一、“主旋律”――泰国古典音乐的核心

泰国古典音乐中的主旋律最初由大围锣创作并演奏，其他古典乐器的旋律均以它为基础创作而成。主旋律是泰国古典乐队的旋律核心，固定的主旋律与依附于它之上的各声部运用支声原则形成了多声的

泰国古典合奏音乐。演奏中，主旋律是与其他乐器演奏旋律平行出现的存在于各个演奏者内心的音乐，并构成了泰国古典音乐的双层音乐模式。在实际学习泰国古典音乐的过程中，老师们不会刻意强调主旋律的重要性，主旋律已自然地融入了泰国古典音乐的传习、创作和演奏的过程当中，成为了泰国古典音乐的核心力量。

（一）“主旋律”的演奏乐器――大围锣

泰国音乐家认为“主旋律”就是由大围锣所演奏的旋律，是泰国其他古典乐器旋律的基础。大围锣是泰国古典旋律打击乐器中演奏速度最慢的乐器，在与其他乐器匀速演奏的情况下，大围锣一拍只需奏出一到两音，这使它成为了最适合演奏简洁又轮廓鲜明的主旋律的乐器，其他比大围锣演奏速度快的乐器再根据主旋律进行各自的旋律创作。

由于大围锣演奏了主旋律的缘故，泰国古典音乐的初学者都要首先学围锣，待熟练掌握大围锣演奏的主旋律后，再开始学习其他旋律打击乐器或根据自身天赋选择学习适合自己演奏的乐器。笔者在泰国乌东大学结识的泰国音乐家斯拉巴柴夫妇生长在传统的音乐世家，他们的三个孩子从小也跟随父亲学习泰国古典音乐。在父亲的严格要求下，孩子们每天都要练习各种乐器的演奏，并用大量的时间重点练习演奏大围锣。他们告诉笔者：“泰国的习惯是孩子们都先从大围锣开始学习，然后再学习其他乐器。大围锣的旋律记得越熟，其他乐器学起来也越容易。”[1]有了主旋律作为基础，学生很容易学习和记忆从主旋律创作而来的其他乐器的旋律，对每一件合奏中出现的乐器也非常熟悉，并且都会演奏两种以上的乐器。这种一人多技的现象在泰国精通古典音乐的艺人中十分普遍，无论演奏哪一种乐器，都能随时唤起演奏者内心对主旋律的回忆，正如三弦胡演奏者拉涵宁先生所说：“演奏三弦胡时，美妙的旋律将包围在你身边，而当初大围锣演奏的主旋律会清晰地浮现在眼前。有机会你一定要学围锣，这是泰国音乐的一把钥匙。”[2]

（二）“主旋律”在泰国古典音乐创作中的作用

与西方专业作曲的方式不同，泰国古典乐器的旋律创作不是通常意义上的以一个动机或乐思展开一段旋律的创作，而是在已有主旋律的基础上，对主旋律强拍部位骨干音以外的部分进行变化和填充。音乐学家泰瑞 米勒教授这样描述泰国古典音乐的创作过程：“作曲家其实是把创作的音乐记在脑子里，用大围锣演奏自己创作的曲子的基本旋律轮廓。其他不同演奏员按照作曲家演奏的旋律轮廓，用各自的乐器奏出相应的声部，由此，每一件乐器都会奏出同一内容不同的相应旋律。”[3]其中“基本旋律轮廓”就是指主旋律。潘尚教授[4]曾分别用大围锣和三弦胡为笔者演奏了主旋律与对应的三弦胡旋律：主旋律是十分简洁的旋律，多为四分音符与八分音符；三弦胡的旋律丰富了主旋律的节奏型，每一小节强拍上的骨干音与主旋律强拍上的骨干音一致，演奏中还加入了颤音、附点、滑音等三弦胡特有的演奏技法。其他泰国古典乐器旋律与主旋律的关联亦如此，一方面需要在骨干音上与主旋律保持一致，一方面却需要根据乐器的自然属性，利用各自不同的演奏技法，去填充和变化主旋律。

在泰国古典乐队中，不同的乐器根据各自的乐器属性扮演了不同的角色[5]：大围锣的角色是父亲，它的音色稳重而具有威严，最适合演奏主旋律；第一竹排琴（Ranad e）像一位英雄，有时与大围锣一起演奏主旋律；第二竹排琴（Ranatu）的角色则像顽皮的小孩，它自由地在以大围锣为基础的旋律上做加花变奏，演奏出具有诙谐幽默感的音乐；演奏三弦胡时的姿态一定要优美，因为三弦胡的气质就像一位高贵的女士；拉弦乐器的身份都为女性，它们用拉弦乐器特有的连弓和华丽的装饰音，将打击乐器清脆的音色装饰的柔美悠长。演奏泰国古典合奏音乐的乐器，可以分成以演奏主旋律为主的旋律打击乐器，如大围锣、竹排琴等；装饰主旋律、对主旋律进行加花变奏的吹奏乐器和拉弦乐器以及弹拨乐器，如泰国竖笛（klui）、皮、三弦胡、鳄鱼琴等。根据角色的分配，可以看出在整个乐队中，大围锣是乐队的核心；最接近主旋律的是竹排琴以及其他旋律打击乐器，它们负责配合巩固主旋律；其他吹奏、拉弦、弹拨类乐器，均围绕着主旋律形成了相对独立的旋律，并在此基础上进行自由的即兴演奏。从某种程度来说，其他乐器的旋律都是主旋律的变奏，每件乐器都根据自身的属性形成了各自的旋律创作的规律，因而从主旋律变化的程度和方式才会各有不同。

（三）“主旋律”在泰国古典音乐合奏中的支声原则

西方音乐在处理多声部音乐时，使用的是纵向思维，各声部之间依靠和声的功能排列在一起，烘托着音乐中具有完整意义的旋律主题，达到对整部作品的音响、情绪等的综合把握。泰国古典合奏音乐却是横向思维，每个声部都是一条可以用来独奏的完整旋律，每一条旋律都有它独自存在的意义，并通过每一层旋律与主旋律之间的关联将各声部结合为一个整体。各声部之间是按照支声的原则结合在一起。仔细分析各声部之间的关系，各声部均从自己的乐器性格和技能特点出发，旋律间互相交错、有繁有简又各自独立，但每进行到重要部位时各声部音调必然会重合：“它们在每小节的强拍上齐奏旋律骨干音，而在其余拍子上则各自进行发挥，从而造成时而协和，时而不协和的音响效果。”[6]由此可见它们之间具有某种亲缘关系，而这种关系都来自于固定的主旋律对于变奏衍生于它之上的各声部旋律的约束。

支声的合奏思维在我国传统的合奏艺术中十分常见，如工尺谱在演奏中只是一个基本框架，演奏时艺人在框架之上灵活地即兴创造出各个声部的旋律；又如江南丝竹的合奏，声部之间各自发展却又万变不离其宗。同样泰国古典乐队按照支声原则，各声部时而在强拍骨干音上汇合，时而又各自分离，加上贯穿整个演奏过程始终固定不变的主旋律，形成了纷繁多变又协和统一的音乐形态。在泰国古典音乐的发展中，创作与乐队演奏，练习与乐队演奏都是一体化的过程，这也是区别于西方专业音乐的特殊方式。许多流动的即兴因素需要与演奏同时进行，只有在乐队合奏中才能训练出支声的思维，达到每个声部的演奏者对主旋律和各声部旋律均能熟练把握的程度；也唯有参与了合奏，才能体验出以主旋律为核心的支声思维的重要性。

为了准备2012年中央音乐学院世界音乐周的演出，笔者参加了由五人组成的小型马荷里乐队，演奏泰国双面长鼓（Thon）和手鼓（Rammana）。乐队使用了四弦弹拨琉特（Kra-jub-pi）、三弦胡、泰国笛、双面长鼓和手鼓5种乐器，加上歌唱，旋律复杂多变。由于每个声部的旋律听上去均不同，笔者很难在正确的节拍上演奏出看似简单的8拍循环的鼓点节奏。而泰国乐手们却仿佛知道彼此的旋律，甚至能很快意识到对方演奏中的错误。在他们的帮助下，笔者认识到自己无法顺利演奏鼓的原因是不熟悉主旋律。乐队虽然没有大围锣演奏主旋律，但整个乐队的音乐是在演奏者内心主旋律齐奏的基础上进行的，因此在合奏中才能知己知彼、配合默契。不同乐器的演奏者需要在合奏中练习在倾听其他声部的同时灵活地对自己演奏旋律进行即兴调整的能力，泰国古典乐器的学习也需要在合奏的环境里、在和其他乐器的配合中完成，这些都是为了不断巩固主旋律在演奏者内心的熟悉程度以及培养不同演奏者彼此对主旋律共同把握的默契程度。

二、以“主旋律”为结构模式的泰国古典音乐创造与演奏

“主旋律”在长时间的学习、创作、演奏中已经潜移默化地成为了泰国古典音乐家的思维习惯，主旋律与依附于它之上的其他乐器的旋律共同构建出了泰国古典音乐独特的双层音乐模式。在这一模式里，主旋律与其他乐器演奏的旋律是同时进行的两条平行旋律，主旋律是内在的、不变的部分，其他乐器演奏的旋律是外在的、变化的部分。其他乐器旋律的变化都是基于主旋律的框架而产生的变化，而无论是版本的不同、后人的改变或演奏时的即兴发挥，主旋律都不再有任何变动。

对于主旋律和其他乐器旋律关系的理解，可参考我国《十六板》中，[八板]与[十六板]的关系：“[十六板]的每次变奏均与固定不变的[八板]相结合，[八板]在这里作为一种稳态的对应曲调，实际上是从纵向上制约着[十六板]的每次变奏，使其时时顾及到变奏与[八板]间的结合关系，即原型结合中就存的支声―派生关系。从而形成以[八板]为基础的固定旋律变奏。”[7]泰国音乐中的主旋律也同样是从纵向上制约着其他声部的旋律，并且形成了泰国古典音乐的双层的结构。如果只有由其他乐器演奏的外层面音乐而没有主旋律的存在，泰国古典音乐就不再完整。泰国的三个古典乐队中，真正有大围锣参与演奏的乐队只有皮帕特乐队，那么另外两个没有大围锣演奏的乐队是否就不存在主旋律了？答案正相反，在泰国音乐家看来：“没有大围锣演奏的乐队中，每一种乐器都好似在演奏主旋律。”[8]正因为其他乐器的旋律都来自于主旋律，更因为主旋律在长期的学习和演奏过程中已经深深地扎根于演奏者的心底，在没有演奏主旋律乐器的情况下，演奏者们完成了彼此内心对主旋律的齐奏，而各自演奏出的各声部旋律，则是在主旋律基础之上的变奏。因此在泰国古典音乐双层模式中的关键一点，是主旋律不再只以现实音响的效果出现，而是无论有没有大围锣或其他旋律打击乐器演奏主旋律，主旋律都以意识形态出现在演奏者的脑海中，这以意识形态存在的主旋律，才是真正的泰国古典音乐模式双层结构中的内在层面。

以主旋律为内在层面的泰国古典音乐模式，是在最初对大围锣所演奏主旋律的学习到之后对其他乐器的反复练习再到可以轻松地在主旋律上做其他乐器的旋律变化这样一个过程之上建立的。如果在这个运行过程中，脱离了对主旋律的学习而仅掌握所需演奏乐器的旋律和技巧，脱离了以主旋律为基础的创作方式而直接谱写其他乐器的旋律，脱离了在合奏中以主旋律为核心思想的演奏方式而仅以演奏各声部旋律为主，泰国古典音乐的核心也就不复存在。

“主旋律”体现了泰国古典乐器之间的联系与共性，给予了不同乐器泰国音乐的身份标识，让泰国古典音乐的创作和演奏成为个人风格与民族文化风格的共同产物。在泰国古典音乐的合奏中，演奏者将各声部的旋律化繁为简，以主旋律的形式将各演奏者的内心归于统一，最终到达平和、安宁的演奏境界，表现出泰国人民内心对平和的追求。也正因为如此，泰国古典音乐被泰国人民视为泰国传统文化的代表。

三、结语

“主旋律”的存在始终贯穿于泰国古典音乐的创作到演奏的全过程，是构成独具泰国特色的传统音乐思维模式不可缺少的环节。如今尽管泰国古典音乐在泰国社会仍十分活跃，但西方文化的冲击和现代化社会的进程还是给它带来了一些影响。部分学生跳过了学习主旋律这一步骤，直接记忆自己声部的旋律，虽可以快速加入乐队的演奏，但却降低了对主旋律和其他声部的熟悉程度。

“主旋律”容易被其他声部富有个性的旋律覆盖，往往在最初得不到很好的认识。对泰国或非泰国的、学习泰国音乐或刚接触泰国音乐的朋友来说，通过对主旋律的了解，均可以更好地理解泰国古典音乐的构造，更准确地把握泰国古典音乐的要领。这一过程对分析我国的传统音乐也有一定的借鉴意义。

泰国的学生尚且需要长时间潜移默化地学习主旋律，因而笔者短时间的田野工作不足以更深入和全面地去挖掘主旋律以及泰国古典音乐文化的内在，不足的地方还需在以后的研究工作中进一步地加强和改进。

注释：

[1][5]2012年10月26日笔者在泰国乌东大学拜访斯拉巴柴先生的录音整理.

[2] 2011年11月19日笔者在泰国马哈撒拉坎大学拜访三弦胡演奏者拉涵宁先生的录音记录.

[3]泰瑞・米勒.当代世界中的传统音乐：泰国和越南的两大对比模式[J]. 中央音乐学院学报.2006（02）.

[4]潘尚教授是泰国曼谷孙素楠塔皇家大学艺术系老师，也是笔者的三弦胡老师.

[6]俞人豪、陈自明.东方音乐文化[M]. 人民音乐出版社，1995：129.

篇2

    通俗古典音乐是当代新兴的音乐形式,是文化融合和音乐发展的必然结果。古典音乐文化底蕴深厚,旋律经典、优美,通俗音乐表达形式丰富,表达手段多样,因此集二者优点于一身的通俗古典音乐有着深厚的文化内涵和丰富的文化表达,是当前音乐发展和文化发展的主要趋势。下面本文将从通俗古典音乐的艺术特点和创编手法两个方面对通俗古典音乐所体现的文化融合和表现进行探析。

    一 通俗古典音乐的艺术特点

    1 融合两种音乐艺术特点的表达方式

    通俗古典音乐是以通俗音乐的表达方式对古典音乐进行重新演绎,因此通俗古典音乐具有融合两种音乐艺术特点的表达方式,这也是通俗古典音乐的基本艺术特点。古典音乐有着悠久的历史和深厚的文化沉积,在漫长的发展岁月中流传下来很多经典的音乐曲目。通俗音乐则是近展起来更加贴近人们生活的音乐表现形式,具有当前最广泛的听众基础。因此,融合了两种音乐艺术特点的通俗古典音乐在音乐艺术的表达方式上能够兼两者之长,以更加丰富的表现方式表达音乐中的各个经典。通俗古典音乐让古典音乐通俗化,让通俗音乐经典化。通俗古典音乐可以从通俗音乐中汲取更加丰富的表现形式,更具色彩的舞美效果,更具现代特色的时代气息,同时还可以从古典音乐中挖掘更具文化力量和内涵的音乐内容,从而在艺术表达方式上实现雅俗共赏的表达效果。

    《春江花月夜》原本是一首中国古筝独奏曲,在经过现代手段改编后,曲中添加了琵琶、笛子等其它中国民族乐器,成为了一首更具时代气息和古典韵味的中国民乐协奏曲。改编后的音乐由于增加了乐器从而使得音乐表现力得到了加强。此外,改编者还对原音乐节奏和衔接进行了更改,使得音乐更具动感的艺术表现力。通俗古典音乐便是在保留古典音乐主题思想的前提下对音乐进行从音乐内容到表现形式等方面的包装,使得这些古典音乐更加符合现代人的音乐需求和感知变化。当代着名小提琴手陈美便是对古典小提琴演奏进行了大胆的通俗化改革,并首先使用电子小提琴进行演奏,将融合两种音乐艺术特点的通俗古典音乐表达优势表现得淋漓尽致。她改编的《化蝶》既有古典音乐的婉转动人,又有现代音乐的激昂、壮美,将生死缠绵的爱情主题表达得更加彻底。改编后音乐在表现梁山伯与祝英台两人由相识到相爱的过程时曲风秉承中国传统古典音乐的舒缓、悠扬,喜悦、亲切,让听众如醉如痴而在表现两个人无法在一起时又采用电子小提琴激烈的演奏方式,将两个人与命运抗争的悲愤表现得壮烈、激昂。由于融合了古典音乐和通俗音乐的两种表达方式,因此这首改编后的《化蝶》一经推出便受到了音乐爱好者的追捧,其观众群体也包括了不同年龄段的音乐群体。由此可见,将古典音乐和通俗音乐融合而成的通俗古典音乐,在音乐表现方面并没有失去古典音乐的文化底蕴和流行音乐的表现能力,也没有失去两个不同音乐受众群体的观众。不同的音乐爱好者都能在通俗古典音乐中找到自己所钟爱的音乐元素,并且喜爱这种新型艺术的表达方式。

    2 对文化的多元化表达

    无论古典音乐还是通俗音乐,都是文化的重要表现形式和主要载体。即使单独分析古典音乐或者通俗音乐,不同地域的古典音乐和通俗音乐也都有着文化上的差异,例如,中国的古典音乐和欧洲的古典音乐就有着较大的文化差异,不同国家和地域的通俗音乐也都有着各自鲜明的文化特色。因此,将古典音乐通俗化过程中所进行的通俗古典音乐中可以看到更多对于文化的多元化表达。古典音乐通俗化的发展背后是世界各民族文化互相学习、交流和融合的结果,因此这个过程是对文化进行多元化表达和融合的过程。从层次上看古典音乐和通俗音乐属于不同的文化形态。古典音乐是不同民族传统文化或者古典文化的集中体现,例如,中国的古典文化便体现着中国传统文化中“天人合一”的道家思想。欧洲的古典音乐则体现着欧洲古典文化中对于礼教的规范和对科学的研究。而通俗音乐则表现的是在当前社会发展的状态下,普通大众人们的文化意识形态,即以各种音乐形式和文化形式来表达心中的情感,而不再过分强调表达的形式,打破形式上的束缚,是通俗音乐最主要的文化特征。

    通俗古典音乐则是以更加开放、自由的形式对不同文化的表达和致敬。中国年轻歌手李玉刚演唱的《新贵妃醉酒》从名称上看便是一首对古典音乐重新演绎的曲子。演员的服饰也深合中国古典文化的内涵。但在演唱的风格和唱法上,李玉刚则展现了在古典音乐和通俗音乐之间游刃有余的演唱功底。其中,无论是对于歌曲通俗唱法的叙述还是对于歌曲升华时中国传统旦角唱法的演唱,李玉刚都演绎得尽善尽美。这首对于文化多元化表达的古典通俗歌曲一经推出,便深受不同层次音乐爱好者的喜爱。通俗古典音乐的文化魅力可见一斑。美国着名的跨界歌手莎拉·布莱曼便是一位融合古典和通俗两种演唱风格于一体的着名歌手。北京奥运会上她演唱的主题曲《我和你》让全世界人们感受到古典音乐的空灵和现代音乐的激情完美融合的音乐佳作。而在演唱的背后,是莎拉·布莱曼音乐学习过程中对于两个层次的文化进行学习和理解的结果。通俗古典音乐对于文化的表达内涵和表达形式更加丰富和多样,是对文化多元化表达的体现。

    二 通俗古典音乐的创编手法

    1 编配手法改变

    在通俗古典音乐的创编手法中,编配手法改变是其最常用的创编手法。古典音乐虽然在创作的格式上不如通俗音乐那样自由和丰富,但其漫长的积累和沉淀是新兴的通俗音乐所无法相提并论的。古典音乐中经典、优美的旋律举不胜举,并且经过代代相传在人们心中留下了深刻的印象。因此,对于古典音乐中一些旋律的借用变成了通俗古典音乐创编的主要手法。例如,中国的古典音乐《茉莉花》原本是一首江苏民歌,因为其旋律优美,流传甚广,深受广大听众的喜爱,因此被中国乃至世界的众多音乐家重新编配出各种不同版本的《茉莉花》。同样迷人的旋律,因为编配手法的改变而使得音乐在不同的地区散发出不同的色彩。上文所述陈美演奏的《化蝶》从创编手法上看同样是一首用通俗的编配手法对古典音乐进行创编的过程。创编者对这首古典的曲目进行了深入的分析,通过编配手法的改变对曲子中的旋律情感进行加强,尤其在表达两个人在和命运进行抗争的旋律时,通过电子小提琴演奏的编配使得曲子的基调变得格外激昂、壮烈,这是传统旋律中所无法达到的艺术效果和文化效果。对于古典曲目创编手法的改变同样体现着不同文化在音乐表现上的融合。通俗音乐中自由、开放、丰富的创编方式体现着现代流行文化中对于情感表达的自由、开放和丰富。因此,对于古典音乐运用现代文化的创编方式进行重新编辑是现代文化对于古典文化重新解读和演绎的过程。例如,中国的传统音乐中多以单乐器表演为主,这源于中国传统乐器多取材于自然,因此单乐器演奏更能够表达人与自然的和谐关系和意境。而现代文化中多文化的交流与融合已经成为了文化发展的主流趋势和动力,因此人们在对古典音乐重新编配时,自然引入了更多的乐器来表现更加复杂的情感内容和文化内容。此前一些不曾有过的乐器搭配在新时期的通俗古典音乐创编中被全新地组合和搭配在一起。文化的融合为创编方式的融合提供了文化基础和动力。经过创编后的通俗古典音乐在保留原古典音乐文化内涵的基础上又增添了多元化的文化形式。

    2 音乐元素的融合

    通俗音乐中的音乐元素更加丰富,音乐表现上也更加注重对各种音乐元素的运用。灯光、舞美、音效、服饰等都被十分重视地运用到音乐表演中。在通俗古典音乐中,创作者通过对各种音乐元素恰到好处的改变,将古典与通俗两种音乐完美地融合在一起。如上文所述的莎拉·布莱曼在一场演唱会中为了突出“月光女神”这一主题,设计者用圆形的幕布将舞台四周围起,并通过灯光的变幻营造出一个神秘的宫殿氛围并且根据演唱的曲目而不断变化着场景。在演唱《月光》时,站在舞台中央的身穿黑色纱裙的莎拉的歌声在上空悠悠地回旋,舞台布景随着天籁般的音乐变成了一个广裹的夜空,上面点缀着星光。无不带给人以巨大的视觉冲击力。演唱会灯光的运用可谓是恰到好处地把握了音乐的脉搏,如同人的情绪一般非常好地调节了现场气氛。当音乐的旋律低缓时,灯光也变得暗淡。当莎拉演唱《今夜无人入睡》时,原先一直固定不动月亮形状的天桥这时开始旋起来,此刻身穿一身金光闪闪的演出服的莎拉站在天桥的顶端。当莎拉用她那极具难度的高音唱出歌曲最后一个音符的瞬间,舞台上所有灯光全部聚集在这位女神身上。完美的舞美、灯光和音响效果为这场融合古典和通俗音乐元素的演唱会画上了圆满的句号。一次完整的音乐表演是由各个音乐元素组成的,因此通过不同文化风格、艺术风格和音乐风格的音乐元素组合而成的通俗古典音乐对于音乐和文化的多元化表达起着十分重要的作用。其中古典音乐元素中的旋律和主题是灵魂,而通俗音乐元素中的舞美、灯光、音效等形式是躯体。两者的完美融合必然塑造出具有灵魂,表现充实的音乐文化作品。同时,不同音乐元素的融合也体现着多元化文化的融合,具有更具时代性的文化创作。

    3 音乐结构的改变

    对古典音乐结构进行大胆的创新和改变,创造出兼具古典音乐和通俗音乐结构的新型音乐是通俗古典音乐发展过程中的重要过程。每一首音乐的创作都源于那个时期特殊的文化背景和创作者的情感状态。在古典音乐发展的漫长岁月中,音乐人对于古典音乐尤其是一些经典音乐曲目只有传承而稍有创新,更不用说改动。代表着文化融合的通俗古典音乐由于丰富了音乐的创作手法,因此便开始了对古典音乐结构改变的创新式设计。例如,现代着名的钢琴演奏家理查德·克莱德曼便善长对古典音乐结构进行创新和改变。在他演奏的贝多芬《命运交响曲》中的《命运》不但承袭了贝多芬的庄严宏伟以及与命运顽强抗争的音乐精神,同时用动感而鲜明的节奏把贝多芬的这首乐曲“摇滚”化了。在演奏的开头,理查德·克莱德曼采用了猛烈的键盘敲击来表达命运所具有的壮烈、激昂等主题属性,之后又改用辽阔的旋律表达了与命运抗争胜利之后的安宁与喜悦。前后音乐结构的巨大反差将贝多芬的名言“如果这是命运,我要扼住命运的喉咙”表现得淋漓尽致。钢琴曲的原结构虽然同样用于表达贝多芬与命运抗争的主题,但强烈之中缺少变化,所以表达的情感虽然强烈却并不丰富。理查德·克莱德曼对这首乐曲结构的改变无论从情感的表现上,还是音乐的变化上都是十分成功的。由于融入了不同的文化内涵所代表的音乐结构,这首改编后的钢琴曲也成为了通俗古典音乐中一个重要的符号被广泛研究。

篇3

欧洲古典音乐泛指20世纪之前的欧洲音乐，它的第一个艺术大潮就是复音音乐。这类音乐通常分为模仿式复调和对比式复调。

模仿式复调是一个声部先出现一个旋律，另一个声部后面也出现这个旋律，形成同一旋律不同时间互相追逐模仿的音乐。著名的管弦乐曲《阿莱城姑娘》组曲就是这一类代表性乐曲。

对比式复调是同时出现的不同旋律互相对比（主要是节奏与旋律线）的音乐，如格林卡的管弦乐曲《卡玛琳斯卡娅幻想曲》。

我们在欣赏复调音乐时，首先是注意外声部，同时也注意内声部，也就是说要听出内声部来。否则，你将感受不到各声部之间的某种微妙的协和关系，及其在乐曲进行时所形成的某种对比，也就是感受不到这种对比所蕴藏的巨大推动力和感染力。复调音乐各声部间各自独立、平等，又协和又对比的关系，造成了音乐此起彼伏、你紧我松、你松我紧的曲趣和绵绵不断的风格。把复调音乐推向，使之趋于完美的境地并结束了这个时代的巨人是德国的巴赫。他创作了总数达几千部的音乐作品，其中《勃兰登堡协作曲》《十二平均律钢琴曲集》等是世界名曲，并为主音音乐的产生奠定了基石。

主音音乐又叫主调音乐。其显著的特点是一个声部为为旋律，其他声部起伴奏、陪衬作用，但却不可忽视和声，如果抱有这样的偏见，就不能很好地欣赏它了。事实上，从贝多芬的乐章直至今日的音乐，所有的旋律都是从和声导源而来的，且不说其中的很多旋律都是由和弦音加上和弦外音构成的。任何使你觉得优美悦耳的旋律，如果你对它进行和声的分析，都会发现旋律的进行是合乎和声规则的，旋律实际上正是和声美的表现。对旋律美敏感的人，之所以比感觉迟钝的人多有收获，就在于他对和声效果的敏感，或者说，他对旋律所包含的和声意义有一种不自觉的“觉识”。

由此可见，认识到旋律与和声的联系，不但会促使我们去注意和感觉乐曲中的和声效果，并且会使我们自觉地训练和提高我们对旋律（曲调）的欣赏能力。调查表明，凡是对和声效果敏感的人，对旋律的调性、调式以及乐曲进行中的各种对比色彩也会相当敏感，他们总能比常人赋予一段旋律以更多的、更令人信服的解释。

除了耳朵失听者外，大多数人都可以训练自己听多声部的能力，对音色的敏感也可以通过训练得到提高。而要掌握古典音乐家的音乐语汇，除了多听，别无他途。

篇4

关键词： 中职学校 古典音乐欣赏教学 本质 过程 审美特征

音乐欣赏是音乐教学的一个重要学习领域，音乐是听觉的艺术，音乐的创作、演唱、演奏最终是为了听。在学校音乐教学中，欣赏教学占十分重要的地位。各项音乐教学活动都是围绕着欣赏来进行的。

一个人只要有一颗敏感的心，而且对高尚的情操和丰富的感情有所追求，就能以这种“神交”的方式，在古典音乐中陶冶性情，不断充实自己。那么，如何才能更好地欣赏古典音乐，步入这个艺术殿堂呢？唯一的途径就是多听，而且以心灵聆听。音乐是诉诸人心的艺术，那是卓越心灵的天籁之音，必得用心灵感受。喜欢听是懂得欣赏的开始，多次欣赏同一部作品，必会触发、积累更多的心得。只要大家养成欣赏的习惯，产生欣赏的兴趣，同学们必定越来越深刻、细腻地领略音乐的意境。

音乐是诉诸听觉的一门艺术，通过有规律（高低、长短、快慢和强弱）的音响组合运动，形成音乐形象，利用“通”激起美感，以表达人的思想感情和反映社会现实生活的时间性表演艺术。要在音乐中获得审美体验、达到美感的愉悦，以期得到灵魂和心灵的进化、升腾，音乐欣赏是必不可少的中间环节。参照艾布拉姆斯在《镜与灯》中提出的“作家、作品、读者、世界”四维一体的艺术循环系统，音乐欣赏是音乐美感实现的最终环节，也是音乐实践的唯一目的。音乐家的创作动机虽然可能含有自我愉悦的成分，但根本目的还是希望观众能够接受作品，感受作品的美，并获得情感上的共鸣。美国音乐家默塞尔认为：“音乐欣赏在一定意义上是音乐活动的基本形式，是作曲家和演奏家创作的出发点和归宿。”音乐欣赏是沟通听众与音乐家的桥梁，了解音乐欣赏的审美特性能促进听众音乐审美能力的提高，也能指导音乐家积极创作。我将从音乐欣赏的本质、过程、审美特征三个方面加以论述，试图探求一条音乐欣赏的正确途径。

一、音乐欣赏的本质

首先，音乐欣赏本身就是一种音乐审美活动，它的主要意义在于对音乐美的判断和接受。

二、音乐欣赏的过程

在音乐欣赏教学中，我通过要求学生根据音乐的情绪想象歌曲的意境来降低音乐欣赏的难度，取得了较好的教学效果。我的具体做法是：首先，引导学生在欣赏乐曲时注意力集中，尽快地熟悉音乐旋律，体会音乐的情绪，想象不同的画面，可选择一些不同情绪的音乐，如《嘎达梅林）的引子，到“雄壮有力的”，如《卡门》中的“斗牛士之歌”；到“悲哀的”，如交响曲《英雄》第二乐章的第一主题；到“欢快活泼的”，如《加沃特舞曲》中的第一部分；再到“幽默滑稽的”，如组曲《培尔金特》第四乐章中的第一主题等。在学生听了这些音乐后，请他们根据不同情绪的音乐想象不同的画面。他们会根据《嘎达梅林》中抒情的音乐，想象蓝天白云，在一望无边的大草原上，有许许多多的蒙古包，草原上牛羊成群，牧民们过着自由自在的生活；根据《卡门》雄壮有力的音乐，想象出一个壮观的斗牛场面，仿佛看到英武的斗牛士，听到群众的欢呼声。

三、音乐的审美特征

篇5

中国古典音乐注重情趣和意境。“诗中有画、画中有诗”是说抽象的文字可以表达抽象的情趣。诗词是用文字来表达人的情感和动人的意境，而绘画则是用图画来描绘美丽的图景。正是受这种意境的影响，中国音乐有其独特的美学思想和艺术境界。音乐艺术本身就是一个文学、诗歌、美术的综合体。所有艺术都是在主观和客观相互关系之间建立起来的，中国艺术中诗与画能做到“互相启发，循环无端”，其实音乐与诗文，音乐与书法，音乐与诗画亦是如此。因此要很好地欣赏中国古典音乐，就要把握好中国自古以来一直追求的这种意境。在演奏和欣赏一些诗情画意的古代曲目时，我们可以结合诗与画的特征来演奏和欣赏它。那么，音乐和诗书画能够高度和谐统的原因有哪些呢？

一、几种艺术形式产生和发展息息相关

“宫、商、角、子、羽”是中国古代的记谱方法，包括《诗经》、《楚辞》、汉乐府、唐诗、宋词、元曲都是记谱的，有的用于吟唱，有的用于演奏，所以这些中国古典的几种艺术形式都只是用一种文学的形式流传下来。这直接导致中国古典音乐与中国的诗词歌赋有千丝万缕的关系，而且许多古典音乐的意境只是存在于某一特定的自然境界和生活场景中，也正是这种独特性，才影响了中国古典音乐的独创力和影响力。因此中国古代文学与古典音乐的融合成为中国古典音乐发展的一个特征。比如：

李白、杜甫、刘禹锡、王之焕、王维、柳宗元等诗人的著名诗篇有的被编成了民歌，有的则以琴歌形式被保存了下来，尤其是王维的《阳关曲》，更是成为了人们送别朋友经常演唱的曲目。

宋代时期都市经济逐渐繁荣，市民阶层日益扩大。社会音乐活动的重心由宫廷走向世俗。北宋已出现了市民音乐活动场所“勾栏”、“游棚”。适合于市民和文人趣味的诸如词调音乐、说唱音乐、戏曲音乐得到了尤为迅速的发展。在词体音乐方面，宋代堪称是我国词体音乐创作的黄金时代，按风格可分为婉约派与豪放派。婉约派多以男女之情为主，讲究音律与曲调的配合，而豪放派在词的内容上，打破了音律的束缚，风格雄健粗犷，代表词人有苏轼、辛弃疾、张寿祥、岳飞等。如俞之豹在《吹剑录》中所说，“学士（苏轼）词，须关西大汉，铜琵琶，铁绰板，唱‘大江东去’。”

二、几种艺术形式都受到儒道思想影响

中国的古代音乐家往往也都是以“文”和“画”闻名。受儒、道二家思想的影响，音乐和诗画一样是文人们对天地，对人生，对社会的一项价值观察与评判，是他们心境的艺术折射。文人们通过传统乐器传达出他们所积淀的优雅绝伦的文人精神品格。比如：从古琴曲《梅花三弄》、《阳春白雪》、《幽兰》等作品，我们就能看出它们象征一种人格的美好或道德、政治的寄托，而这些都是古代文人审美追求。这种风格所追求的意境自然是一种恬逸、闲适、虚静、深静和幽远的境界。《溪山琴况》）的唱奏处理方式，均是文人们为实现自己的道德理想和人格魅力，而苦心创造的艺术积累和艺术创造。《山水情》的画面我们能感受到那种很强烈的文人气质，影片选用古筝作为音乐的主要表现手法，也就更突显了影片中所要表现的古代文人所追求的人格美、意境美的审美境界。

三、几种艺术形式都有浓厚的中国韵味

意境通常我们叫“情景交融”也就是情与景的结合。意境的特点，主要是依据空间境象来表达作者思想感情。艺术是作者主观意识对客观现实反映的表现，但由于所表现的内容、题材、体裁、的不同，产生了不同的艺术性能效果。中国丹青不喜浓墨重彩，诗文讲究言由心生，音乐也注重清新淡雅。音乐与画都追求意境，意境与音乐、画之间的关系表现为：音乐产生意，画产生境。音乐和意是主观情感，画与境是客观的景象。主客观契合，即音乐中有画，画中有音乐，意中有境，境中有意。

如我国著名的乐曲《春江花月夜》就是一首典型的用其独具中国韵律的融诗、画为一体的优秀作品。这首乐曲很好地将诗情与画意融合在音乐中，并带有浓厚的中国韵味。乐曲开篇成功地将“春江潮水连海平，海上明月共潮生。滟滟随波千万里，何处春江无月明。”的意境表现得淋漓尽致。而这样的诗意又让人自然而然地联想到中国古代山水画那种清新秀丽的风格，使人眼前浮现出春江戴月、月潮共生的美丽夜色，它具有的“乐中有画，画中有乐：歌中有诗，诗中有歌”的强烈艺术感染力很好地体现了中国古典音乐中的诗画意境。而中国一首首赖人寻味的古曲就是在质朴的深沉、典雅的明丽、柔美的清逸、细腻的拙直中体现中国文化最为深厚的底蕴。

篇6

关键词：古典音乐；古典建筑；内在联系；风格；人性；

1 关于音乐与建筑

美国建筑大师莱特曾经说过：“所有的艺术都与音乐有关联。”赖特的父亲是一位有着很深音乐修养的的教会牧师，耳濡目染，莱特本人也会弹奏钢琴和大提琴，当年他在创办塔里埃森设计学校时，规定每个学生至少要会一种乐器。

音乐通过音的高低、强弱等表达人的思想感情；建筑通过形体、结构等提供美的造型艺术。音乐与建筑按照各自的要求和规律发展，看似毫无关系的两种事物其实却有着千丝万缕的联系。

从公元前8世纪古希腊罗马时期开始，一直到20世纪初浪漫主义结束，在这漫长的历史演变中诞生了一大批世界上最伟大的艺术作品，尤其是音乐与建筑艺术，被公认为是人类文明中最纯粹的艺术作品。

2 古典各时期音乐与建筑的对比

    古典时期按时间顺序分为古希腊罗马时期、中世纪时期、文艺复兴时期、巴洛克时期、古典主义时期和浪漫主义时期。在不同的时间段内，诞生了不同风格的音乐与建筑形式，接下来通过对这古典音乐与建筑的风格演变进行对比，找到音乐与建筑的内在联系。

2.1 古希腊罗马时期的音乐与建筑

2.1.1 音乐成就

   （1）在古希腊神话中，重神之王宙斯的9个女儿是负责掌管音乐等艺术门类的“缪斯”女神。因此古希腊人就用女神的名字“Mousa”（缪斯）作为“音乐”的代称，这也就是流传至今“music”一词的来历。

   （2）公元前6世纪，古希腊哲学家、数学家毕达哥拉斯首先提出纯律理论，他根据弦的长度计算出了当时所使用的一切音程，这是音乐理论方面的重大突破。

   （3）大约在公元前5到公元前4世纪时，融戏剧、音乐、舞蹈、诗歌为一体的综合形式——古希腊悲剧与古希腊喜剧出现了。

   （4）古罗马的音乐基本沿袭了古希腊音乐的形态。他们主要用于祭神仪式、婚宴典礼及军队凯旋仪式。

2.1.2 建筑成就

   （1）希腊：雅典卫城建筑群、帕提农神庙、伊瑞克提翁神庙、胜利神庙、山门、雅典娜神像。

   （2）罗马：万神庙、大角斗场、古罗马公共浴场、古罗马住宅、古罗马广场。

2.1.3 音乐与建筑的共同点

   （1）音乐：固定的调式，如多里亚调式、弗里吉亚调式。

   （2）建筑：固定的柱式，如多利克柱式、爱奥尼柱式、科林斯柱式。

   （3）共同点：固定不变。

2.2 中世纪时期的音乐与建筑

2.2.1 音乐成就

   （1）这一时期的音乐多以宗教目的为主，宗教类型的音乐泛指的是葛丽果圣歌，此为单音音乐的作品，一路发展下来就成了後来的弥散曲、安魂曲。

   （2）世俗音乐也有了巨大的发展，大部分的作者都是一些没落的贵族阶级，其实内容大部分都是与宗教有关，但并不是在教堂里演出。

   （3）连年的战争加上宗教的禁欲主义，音乐内容与形式以宗教为前提，在通俗音乐与宗教音乐夹杂抗争中发展。

   （4）中世纪的音乐发展无疑是整个音乐史发展中禁锢最多、最灰暗的一段。

2.2.2 建筑成就

   （1）罗马风：基督教堂、封建城堡、教会修道院。

   （2）哥特：比萨主教堂建筑群、佛罗伦萨主教堂、威尼斯的总督府、阿尔罕布拉宫。

   （3）拜占庭：圣索菲亚大教堂。

2.2.3 音乐与建筑的共同点

   （1）音乐：多为教会音乐，单音节、无和声、无伴奏、清唱、齐唱。

   （2）建筑：多为教堂建筑，理性、禁欲、有节制、朴素、多用厚重阴暗的半圆形拱门。

   （3）共同点：朴素禁欲。

2.3 文艺复兴时期的音乐与建筑

2.3.1 音乐成就

   （1）这个时期的结束比开始有更为明确的定义，不像其他的艺术类别。在15世纪初的音乐表现上没有明显变革，因此说文艺复兴时期的音乐特点是逐渐变化的。

   （2）早期文艺复兴音乐作品主要是对第三间隔的依靠作为和音。从12世纪开始的复调音乐在整个14世纪变得更为细致而不依靠声音来表述。15世纪初的音乐趋向简单，声音致力于平滑。

   （3）到15世纪末，复调宗教音乐又开始变得复杂起来，在某种意义上和当时发展极致的绘画有所关连；接下来到16世纪早期，音乐又开始简单化了。

   （4）在16世纪晚期的音乐，尤其是小曲，趋向于更加复杂和半音音阶的趋奉。此时在佛罗伦斯，音乐家也开始转向古典流派，他们试图通过挽诗的形式恢复古希腊的梦幻化的音乐形式。

2.3.2 建筑成就

   （1）早期：弗洛伦萨大教堂、鲁奇兰府邸。

   （2）兴盛：圣彼得堡大教堂、法尔尼斯府邸。

   （3）晚期：维琴察的巴西利卡和圆厅别墅。

2.3.3 音乐与建筑的共同点

   （1）音乐：提倡人文主义，描绘世俗生活情景、表现诗意的画面。

   （2）建筑：批判神权、肯定人性、把人的比例融入建筑，多用线条轻快的尖拱、造型俊秀的小尖塔、飞扶壁、彩窗。

   （3）共同点：人性解放。

2.4 巴洛克时期的音乐与建筑

2.4.1 音乐成就

   （1）巴洛克是一个时期，而不是一种风格，这个时期出产的音乐作品就称为巴洛克音乐，1600到1750年这150年间就叫做巴洛克时期。

   （2）巴洛克音乐带有很浓的宗教色彩，当时的宗教音乐在西方音乐的发展占很大的分量。

   （3）那个时期的器乐曲发展也很迅速，尤其是弦乐方面的发展，弦乐的音色更能体现出巴洛克的特色。

   （4）代表人物有：巴赫、维瓦尔蒂和亨德尔。巴赫是音乐之父，维瓦尔蒂凭着他的《四季》一举成名天下知，亨德尔是旋律大师，他的作品有一种优雅，他们所留下来的东西是巴洛克时期的一大笔财富。

2.4.2 建筑成就

   （1）早期：罗马耶稣会教堂。

   （2）中期：罗马波罗广场、圣卡罗教堂。

   （3）晚期：维也纳的舒伯鲁恩宫。

2.4.3 音乐与建筑的共同点

   （1）音乐：多用装饰音符、分声部和声、节奏强力跳跃、华丽、强调起伏和速度、表现壮观场面。

   （2）建筑：炫耀、多用贵重材料、追求新奇、装饰、色彩鲜丽。

   （3）共同点：装饰华丽。

2.5 古典主义时期的音乐与建筑

2.5.1 音乐成就

   （1）广义是指西洋古典音乐，狭义指古典主义音乐，是1750－1820年这一段时间的欧洲主流音乐。

   （2）因为这一时期的三位代表性人物：海顿，莫扎特，贝多芬的生活与创作主要都在维也纳，因此又被称为“维也纳古典乐派”或“维也纳古典主义音乐”。

   （3）“交响乐之父”海顿的小夜曲，“神童”莫扎特的奏鸣曲，以及“乐圣”贝多芬的 小提琴协奏曲。音乐的主题也从延续几个世纪的宗教音乐，逐渐变成富有丰富哲理内涵的古典音乐。

2.5.2 建筑成就

   （1）早期：维康府邸。

   （2）中期：卢浮宫东立面、凡尔赛宫。

   （3）晚期：巴黎残废军人新教堂。

2.5.3 音乐与建筑的共同点

   （1）音乐：严谨、典雅、端庄、像黑白电影和版画一样。

   （2）建筑：以古典柱式构图为基础，突出轴线、强调对称、注重比例。

   （3）共同点：理性主从。

2.6 浪漫主义时期的音乐与建筑

2.6.1 音乐成就

   （1）这个时期艺术家的创作上则表现为对主观感情的崇尚，对自然的热爱和对未来的幻想。  

   （2）强调音乐要与诗歌、戏剧、绘画等音乐以外的其他艺术相结合，提倡一种综合艺术。提倡标题音乐，强调个人主观感觉的表现，作品富于幻想性，描写大自然的作品很多，重视戏剧，作品具有民族特色。

   （3）在音乐形式上，它突破了古典音乐均衡完整的形式结构的限制，有更大的自由性。单乐章题材的器乐曲繁多，作曲家创立了多乐章的标题交想曲和单乐章的标题交响诗，这是浪漫主义音乐的重要的形式。

   （4）初期：舒伯特和柏辽兹。中期：门德尔松、舒曼、肖邦和威尔第。巅峰：柴科夫斯基、李斯特和瓦格纳。晚期：马勒、理查德·施特劳斯和拉赫玛尼诺夫。

2.6.2 建筑成就

   （1）前期：英国议会大厦、曼彻斯特市政厅。

   （2）后期：威斯敏斯特宫、圣吉尔斯教堂。

2.6.3 音乐与建筑的共同点

   （1）音乐：强调自由、奔放、像一幅水彩画和油画。

   （2）建筑：强调个性、自然主义、追求超凡脱俗、趣味和异国风情。

   （3）共同点：自然趣味。

3 古典时期音乐与建筑的内在联系

3.1 感性层面

在古典时期，往往是先出现新的建筑风格，然后再出现新的音乐风格，在一段时期内，音乐的风格与建筑的风格在表象特征上是基本一致的。

而在不同的历史阶段，古典音乐与建筑的风格会发生很大的变化，但是风格不管怎样变化，调子总是灰色的，充满信仰，压抑而厚重。

古希腊罗马时期风格是固定不变，中世纪时期风格是朴素禁欲，文艺复兴时期风格是人性解放、巴洛克时期风格是装饰华丽，古典主义时期风格是理性主从，浪漫主义时期风格是自然趣味，整个古典时期的音乐与建筑的风格就是从理性到感性，再从感性到理性，再从理性到感性的变化过程。

3.2 理性层面

先有建筑风格，后又音乐风格的原因不难理解，建筑往往是在创造一种生活，而音乐往往是在描绘一种生活。建筑师把对生活的理想用建筑语言的形式表现出来，当音乐家游走于一种新的视觉形象中时会有新的灵感来源，再通过音乐语言把这种灵感表现出来。

而在这么长的一段时间里的音乐与建筑的风格总是表现出厚重感的原因在于，西方文明一直处在一种宗教的氛围当中，不管是创作的起点还是终点，总有一端是与宗教联系在一起的，所以整体的风格不管怎么变化，仍然有很沉重的感受。文化或是文明是有惯性的，不可能从一个极端走向另一个极端，总体上虽有变化但仍是一种延续。

整个古典时期的音乐与建筑风格的转变呈现出这样一种特征的本质原因在于人性的变化。当人性过分的理性时，就需要一种解放，当人性过分的感性时，就需要一种束缚，人性的发展就是在两种变化之间徘徊前进。而音乐与建筑就是人性变化时的一种外在反应，人通过这些表象事物来抒发自己对新生活的理想。所以在整个古典时期，音乐和建筑会在一个时间段内，风格都极其相似，也可随着人性的变化而呈现出相反的特征。

结语

通过对古典时期音乐与建筑的特点进行对比，找到了它们在每一段时期内的共同特征和不同时期的变化规律，在同一时期内产生共同的特征是因为人们对生活共同的向往，在不同时期产生不同的甚至是相反的特征是因为人性的变化。不管是音乐还是建筑都是人的创造物，它是人在一段时期内内心愿望的外在表现，必然会在特征上表现出高度的相似性，这也就是为什么音乐和建筑在一定程度上可以相互转化，人性在其中扮演着重要的角色。

参考文献：

(德)谢林．艺术哲学．北京：中国社会出版社，2005． 

篇7

【关键词】运动训练；音乐类型；疲劳恢复

【Abstract】 Recently many athletes listen to music to recovery after sports training. There is little research about the differences for different types of music to relieve fatigue. The project has chosen three sports types， track and field， traditional sports， and calisthenics， to study the differences among light music， folk music and jazz for different sports players to relieve fatigue. Empirical research is adopted in this project， combining with qualitative research and quantitative research， in view of the representative types of sports and music， made a more comprehensive and detailed experimental data， which induces the soothing music selection with more universality rule， contributing to improving athletes’ training level and competitive level.

【Key words】sports training； music types； fatigue recovery

引言

音乐在现代社会与多学科领域相互交融， 在娱乐领域、医学领域、体育领域等都发挥出了更大的功能。音乐的妙用越来越受到人们的重视，音乐与体育的结合也日益紧密，现在许多体育项目已完全与音乐结合，音乐也成为这些项目的评分因素，如自由体操、花样滑冰、花样游泳、健美操、体育舞蹈等。

同时， 不少国家已经把音乐作为体育训练的一种辅助手段。例如，美国的跨栏运动员在音乐伴奏下进行训练，英国和意大利的田径训练场所都有音乐装置，而日本的教练员借助爵士音乐训练长跑选手，等等。实践和运动生理学、心理学证明：音乐在提高教学、训练效果、运动员赛前情绪调节，以及训练后疲劳的消除等方面，都具有一定的积极作用。〔1〕可见，以音乐疗法作用于现代竞技体育，充分发挥音乐在体育中的积极作用，日益成为体育训练的一个重要内容。因此加强对音乐疗法在体育训练中作用的研究，具有现实的社会意义。

然而，针对不同的体育项目，各种音乐旋律类型、节奏等因素在运动训练后疲劳舒缓方面的作用差异研究较少，尤其是针对民族传统体育项目的研究还不充分，无法系统地给出最适合该项体育项目的舒缓音乐。〔2〕

本项目将选择田径、民族传统体育、健美操三个运动项目，分别研究西方古典音乐、中国民族音乐和爵士乐对于各专业运动员训练后疲劳恢复作用差异。本项目将采用实证研究，结合定性研究和定量研究，针对代表性的运动项目和音乐类型，取得较为全面详尽的实验数据，从而归纳出具有较为普遍性的舒缓音乐选择规律，为提高运动员训练水平和竞技水平做出贡献。

1 研究对象与方法

1.1实验对象与分组

实验对象选取三组具有代表性的运动项目，分别是田径、民族传统体育和健美操三个项目，每组12人，共36人。

1.2音乐的选择

西方古典音乐主要选取西方音乐史上旋律优美、节奏舒缓、较轻松的经典音乐；中国民族音乐选取的是具有显著传统音乐特征的民族音乐，在旋律、节奏等要素上的要求同西方古典音乐；爵士乐选择的音乐可以是欧美流行的爵士音乐，也可以是具有爵士乐特征的中国流行音乐。〔3〕

播放音量控制在使人们听起来既不吃力又不刺耳的程度， 大约20分贝。放音音调高低频兼顾， 使用的音响频率为60Hz-20kHz。

1.3研究方法

主要采用文献资料法、实验法及数理统计法。

1.4测试前的准备

1.发放调查问卷，和受试者进行交流，全面了解受试者的情况。

2.准备了三种类型的音乐：西方古典音乐主要选取的是莫扎特的钢琴奏鸣曲慢板；中国民族音乐主要选取的是如《高山流水》类型的音乐；爵士乐选取的有张学友近些年编创的一些爵士风格的流行音乐。

3.向受试者介绍测试过程，帮助他们熟悉测试方法。

1.5实验内容和步骤

实验分三次进行。在实验测试正式实施前，先作基线测量工作。通过与教练和运动员的认真协商，使得每天的训练强度、训练时间和训练恢复时间等保持基本一致。在训练负荷和训练时间保持一致的前提下，在训练前测试运动员在安静状态下的疲劳程度、大小腿围、心率等数据作为实验的参考数据，并填写运动员疲劳问卷。每次测试结束后均填写简式POMS心境状态量表。〔4〕

1.6数理统计法

对调查所得的全部数据，根据社会学统计方法和原理，在计算机上运用EXCEL软件进行分析处理

2 实验结果

2.1第一次测试：实验对象是民族传统体育项目组（表中简称：民传）和球类运动项目（如表1），测试当天早上测量晨脉，运动前测量RPE值、大腿围、小腿围。训练中记录RPE值，运动结束后测量心率、大腿围、小腿围。测量结束后聆听爵士乐10分钟之后再次测量心率、大腿围、小腿围。如表1（R值单位为次，大、小腿围单位为cm，心率为次/分钟）。

通过第一次实验结果得知：运动员在运动前、训练中、运动结束后，利用西方古典音乐放松和利用爵士乐放松两组有明显区别，R值变小，心率也变小，大腿围和小腿围维度中，西方古典音乐放松组没有爵士乐放松组变化明显。因此，爵士乐对于促

进民族传统体育项目运动疲劳恢复的效果最好。

2.2 第二次测试：测试对象为健美操项目运动员，测试当天早上测量晨脉，运动前测量RPE值、大腿围、小腿围。训练中记录RPE值，运动结束后测量心率、大腿围、小腿围。测量结束后聆听中国民族音乐、西方古典音乐10分钟之后再次测量心率、大腿围、小腿围。如表2（R值单位为次，大、小腿围单位为cm，心率为次/分钟）。

通过第一次实验结果得知：运动员在运动前、训练中、运动结束后，中国民族音乐放松组与西方古典音乐组对比结果如下：健美操项目运动员利用西方古典音乐放松时，大腿围和小腿围在放松前后均有所扩大，R值较中国传统音乐组变小明显，因此，西方古典音乐对于促进健美操项目运动疲劳恢复效果较好。

2.3 第三次测试：实验对象是田径项目运动员、球类项目运动员、武术项目运动员。测试当天早上测量晨脉，运动前测量RPE值、大腿围、小腿围。训练中记录RPE值，运动结束后测量心率、大腿围、小腿围。测量结束后聆听爵士乐10分钟之后再次测量心率、大腿围、小腿围。如表3（R值单位为次，大、小腿围单位为cm，心率为次/分钟）。

第一次实验结果得知：球类运动员、武术类运动员、田径运动员在运动前、训练中、运动结束后，利用爵士乐进行放松，发现田径类项目运动员的大腿围、小腿围、R值与其他两个项目对比，田径类运动员变化最大，因此，田径项目运动员聆听音乐对于运动疲劳的恢复作用较好，音乐类型的影响差异并不显著。

3 分析与讨论

3.1 民族传统体育项目的运动员由于在长期的训练过程中接触到的民族音乐较多，运动后再给他们播放民族音乐会导致其有一定的紧张心理，不利于运动后疲劳的恢复。

3.2 健美操专业的运动员平常的训练音乐都是节奏感比较强的流行音乐，对于他们来说，节奏的规整显得尤为重要。西方古典音乐尤其是莫扎特的钢琴音乐结构规整，节奏也不复杂，同时又很轻松典雅，健美操专业的运动员在放松过程中更喜欢聆听这样的音乐。

3.3 田径专业的运动员平时训练比较单调和枯燥，对于他们来说，任何一种音乐都能够起到消除疲劳的作用，而且相对于其他项目的运动员，运动疲劳消除的效果更显著，但每种音乐差异并不是很明显，这就说明，对于田径运动来说，舒缓的音乐可以起到很好的消除疲劳的作用。

4 结论与建议

4.1 爵士乐对于民族传统体育专业的运动员具有较好的疲劳消除作用，因此，本项目的运动员可以多听一些西方古典音乐进行运动后的疲劳消除。

4.2 对于健美操项目运动员运动后的疲劳恢复，教练员可以多选择一些节奏规整的西方古典音乐。

4.3 音乐疗法可以广泛地运用在运动后疲劳恢复中，对于运动员具有很好的放松效果，并能从很大程度上提高运动员的竞技水平。

参考文献

〔1〕刘倩.音乐调节法对WCBA篮球运动员疲劳恢复的影响研究〔D〕.长春：东北师范大学，2007.

〔2〕李靖，王旭东.音乐对运动训练及运动性疲劳影响的研究述评〔J〕.体育学刊，2006，13（5）：57-60.

篇8

一、流行音乐课的积极作用

流行音乐中不乏积极的音乐元素,开设流行音乐课,让流行音乐的精华进入课堂,可以产生以下积极作用:

1.提高学生的鉴赏能力,拓展学生的视野。通过流行音乐的鉴赏,学生的欣赏水平不仅仅是停留于听几个歌星的演唱曲目,而是对流行音乐的发展状况,音乐的曲风、类型都有了较全面的了解,大大的提高了学生的综合素质和丰富了学生的音乐知识。

2.一些积极向上的、富有活力的曲风,能对学生形成正确的引导。如《我的未来不是梦》就激励了学生认真过每一分钟,心跟随着希望在动,鼓励学生踏踏实实,有希望有理想。

3.一些声誉好的歌手或乐手,他们积极从事慈善活动,勇敢面对生活困难,有爱心、有理想,也能对学生作出良好的榜样。

二、提高流行音乐课的实效

1.首先让学生正确地了解流行音乐的概念,以及中国流行音乐发展的状况

(1)流行音乐一般指结构短小、轻松活泼、通俗易懂的声乐或器乐作品。自20世纪50年代开始,流行音乐更多的则是指爵士音乐、地方流行音乐、摇滚乐、迪斯科音乐、探戈、伦巴等歌舞音乐、通俗歌曲和以爵士摇滚音乐的节奏手法改变的古典音乐等。

(2)中国流行音乐发展是从二十世纪三、四十年代,在上海舞厅、酒吧发展起来的带有爵士风格,以伴舞音乐风格为主,如《夜来香》、《夜上海》等。由于政治原因,在改革开放前,流行音乐在中国基本是销声匿迹。直到改革开放后,流行音乐才开始在中国大陆风行,从模仿港台歌星,慢慢发展到百花齐放、各具特色的现代流行音乐格局。

2.提高学生对流行音乐的审美情趣,取其精华,去其糟粕

流行音乐有不少是商业化的、格调低俗的庸俗作品,加上某些广告音乐、生活音乐、工业音乐、医疗音乐的应用和扩广,使家庭和社会的音乐生活,呈现出十分纷繁复杂的情况,良莠混杂、雅俗交织、美丑难辨。学生往往是“听而不择”,这在客观上造成不良的听觉习惯。所以老师必须在音乐教学中,积极加以纠正,引导学生听些积极健康的流行音乐作品。如《让世界充满爱》、《感恩的心》、《台》、《听妈妈的话》等等,让学生明辨是非,明白什么音乐适合聆听、什么音乐应该抵制,理性对待流行音乐,而不是盲目追求流行,提高学生对流行音乐的辨别能力。

3.师生互动,让流行音乐与高雅音乐有机结合起来,找出它们的音乐共同点

中学的音乐教育的主要内容,是以欣赏民族音乐和古典音乐为主的教学,那么在教学中,能有效地把流行音乐元素融合起来,多进行对比性的教学可以取得事半功倍的效果。如可以引用腾格尔的《天堂》作为教学内容,渐渐地引入到蒙古民歌的作品中去,韩红的《天路》引出民歌,并告诉学生许多流行歌曲的创作,都借鉴民歌的元素,如《好汉歌》大量应用了民歌《王大娘钉缸》的旋律。再如从周杰伦电影《不能说的秘密》,他所弹奏的肖邦曲目,引入古典音乐“钢琴诗人”肖邦,主要是让学生在喜欢的流行音乐和民族音乐、古典音乐之间找出共同的音乐特点,拉近师生的距离,师生互动,共同创造良好的课堂气氛,一句话“容纳流行,走进高雅”。

4.积极挖掘流行音乐校本课程

流行音乐是二十世纪新兴的音乐形式,到目前为止,相关的专业书籍并不多,主要是以介绍流派、歌手、乐手为主,而真正对流行音乐作品进行分析的书籍却少之又少。所以教师必须认真开展流行音乐进入校本课程这一工作,这是解决当前这一问题的最佳途径。

(1)重点是探究各流行音乐流派的发展状况和艺术特征。流行音乐校本课程的重点内容应该是介绍各流行音乐流派的起源、历程、风格特征,尤其对音乐特征包括节奏、旋律、曲式、乐器等的分析,让学生了解各流行音乐的发展历程。如《爵士乐》中,可以包括从蓝调音乐、布鲁斯音乐、迪克西兰到摇摆乐直至爵士交响乐整个发展的过程。

(2)结合古典音乐、民族音乐进行对比性教学。流行音乐中有不少的作品结合了古典音乐、民间的元素,如周杰伦的《乔克叔叔》使用了西班牙的弗拉明戈的音乐风格,s,H,E演唱的《不想长大》使用了莫扎特的第40号交响曲的主题作为副歌的旋律,所以在教学中进行对比性教学,更能够了解古典与流行的辩证关系。

(3)组织流行音乐讲座,开展流行音乐的研究性学习。让学生根据自己的兴趣爱好,可以设几个研究性的课题,如“中学生眼中的流行音乐”、“新民乐状况调查”、“流行音乐和高雅音乐的不同之处”等等,让学生自主发现问题,收集分析与流行音乐相关的信息,拓展学生对流行音乐的知识面。

5.开展课外兴趣小组,给学生一个展示音乐才华的空间

(1)组织通俗唱法兴趣小组。大多数学生在唱流行歌曲时,基本是听会而不是识谱学会,而且一味地模仿歌星的唱法,明明可以咬字清晰却故意含糊不清,没有自己的特点,而且选择不合适的作品。教师可以教他们一些声乐技巧和乐理知识,包括台风、表演、装束等,使他们在唱歌的时候,能有自己的特点,并且有中学生的朝气和模样。

篇9

关键词：茶艺表演；音乐选择；创新音乐

在茶艺表演中具有十分重要的作用和价值，音乐以其独特的方式和特征能够有效的诠释、渲染和表达茶艺所要展现的思想内涵和艺术境界，随着茶艺表演的流行与快速发展，茶艺表演中音乐的选择问题也逐渐突出，茶艺表演中适当合理的音乐选择不仅能够有效的增强茶艺表演与听众的情感互动和交流，而且还可以大幅度地提升茶艺表演的艺术魅力和思想情感。随着茶艺表演在内容和形式上的变迁和发展，音乐的选择如何更好的满足茶艺表演的需要，如何与时俱进的以创新的精神推进茶艺表演音乐选择，是非常值得研究和商榷的问题。本文在分析了现行茶艺表演中音乐选择的一般做法及其存在问题的基础上，结合茶艺表演注重思想性的特征，介绍了一种非常注重思想性的新音乐形态，指出了其与茶艺表演的内在契合性，并探讨了如何将之应用于茶艺表演之中的策略与方法。

1茶艺表演音乐选择的基本情况与问题

现行茶艺表演音乐的选择总体来看比较单一，多集中于中国传统古典名曲，在茶艺表演音乐选择时考虑的主要因素是根据茶艺表演的形式、品茶环境以及不同的茶艺表演习俗等，几乎所有的茶艺表演节目所要表达和演绎的内容基本上都聚集在古典和雅致层面，因此整体来看，看似缤纷多彩的茶艺表演在音乐的选择上却相对单一，缺乏应有的时代气息和创新精神，因而造成了相当一部分茶艺表演缺乏多元化、层次感以及特色。茶艺表演在音乐选择上相对单一的同时，还存在着搭配不合理的问题，诸如在节奏舒缓的茶艺表演节目中，搭配了节奏恢宏、气势磅礴的音乐，这种搭配很难让观众心静如水地欣赏茶艺的安静和谐之美；大多数的茶艺表演的节奏比较舒缓，节奏的变化幅度也相对较小，而实际上一些中国传统古典名曲的节奏变化却非常大，这使得茶艺表演者在表演中途很难跟上音乐的变化节奏，不仅茶艺表演者吃力，而且也给观众一种节奏散乱的感觉，这对茶艺表演本身而言是一种伤害；另外中国传统古典名曲的数量相对于多姿多彩的茶艺表演而言还是非常有限的，可供选择的余地也是十分有限，实际上影响茶艺表演音乐选择的因素很多，诸如茶类品种、民族习俗、演出环境、观众类型、天气特征等都对茶艺表演的音乐选择产生影响，单纯地为选择而选择地使用传统古典名曲，势必会伤害到其他需要考虑的因素；还有，考虑到大部分茶艺表演观众的艺术欣赏能力还不能有效的领略和欣赏古典名曲的意境和旋律，因此单纯的为了追求古典和雅致而使用单一的古典名曲势必会对一些年轻的观众在审美上人为地制造和产生一些障碍。

2一种注重思想性的新音乐及其与茶艺表演的内在契合

2.1一种注重思想性的新音乐

一种起源于上个世纪60年代、成熟于80年代中期的音乐以其对思想性的强烈关注和鲜明表达而被人们所广泛的接受、认可，这种音乐对于净化心灵、启迪思想、陶冶情操具有重要的帮助作用，引导人们在精神追求上返璞归真，走向自然，这种音乐在中国、印度、日本等东方国家也得到了广泛的认同和传播。与一般的轻音乐对轻松、简单的强调不同，这种音乐非常重视思想性，在创作上轻音乐多是建立在对传统古典音乐的改编上，而这种新音乐一直强调原创性，将思想、原创视为自己的灵魂。

2.2与茶艺表演的内在契合

2.2.1两者所要表达的美感和思想性是一致的

无论茶艺表演还是这种注重思想性、原创性的新音乐，两者所要表达的美感和思想性在本质上是一致的，表现在：两者都是让观众或听众获得内心平静，以淡泊明志宁静致远的心境与自己的内心世界进行沟通、交流，从而领悟人生、品位生活真谛，获得更加适从、恬静和愉悦的内心境界；两者在本质上都崇尚自然之道，追求抛却浮华之后的返璞归真，茶艺表演所要传达的茶文化是中国古老文化的一种结晶和集大成者，汇聚了儒释道等众多杂家的哲学，而上述新音乐也具有非常鲜明的民族文化色彩，以一种回归自然的追求实现人与自然的和谐相处；新音乐中有不少带有一些宗教信仰方面的色彩，透漏着庄严和空灵，能够让聆听者心灵得到快速的净化，在虔诚的音乐氛围中给人以美感、享受，这与茶艺表演的性质是一致的。

2.2.2这种新音乐拓宽了茶艺表演音乐选择的范畴

由于新音乐与茶艺表演两者在美感和思想性上是一致的，因此在茶艺表演中就可以采用这种新音乐作为背景音乐或伴奏音乐进行搭配，从而使两者交相辉映、相辅相成。由于新音乐相对于传统古典音乐而言具有更多风格和演奏形式，因此具有更为宽广的选择空间，这种新音乐的演奏形式非常多，既可以人声演唱，又可以电子合成，既可以器乐演奏，也可以作为环境音乐，还可以多种形式联合演奏，因此其在营造音乐氛围方面具有较多的优势；与传统古典音乐相比较，这种新音乐在保留了古典音乐典雅、民族等特征的基础上，还能够给人带来新的感觉和不一样的享受，民族元素在新音乐中通过民族旋律、民族式的调式、音阶、节奏等鲜明地保留了下来；随着现代社会人们物质生活的丰富，人们精神领域的需求开始注重思想性，注重对人生的反思、领悟以及对自然的倾听、贴近，而新音乐正好满足了这种要求，它在带给人们宁静、反思的同时，更能够有效的促进观众与茶艺表演之间的情感互动和交流；新音乐注重原创，而茶艺表演在艺术上也是追求独创性，因而可以采取为某个或某种茶艺表演单独设计一种音乐，这样能够更好地使两者交相辉映，创造出更美的艺术效果。

3茶艺表演中新音乐的选择与应用

3.1茶艺表演与新音乐搭配的实例

新音乐具有多种多样的风格和演奏形式，目前在国内比较具有影响力的新音乐作家其创作的音乐具有典型的中西方结合的特征，既富有西方古典音乐的气韵，又有着传统的中国特色和民族气质，《琵琶语》就是一首比较典型的符合上述特征的新音乐，在茶艺表演中以之作为背景音乐或搭配音乐，更能衬托和映衬出清爽的茶水、透明的玻璃杯等这种具有很强意象性的茶器，从而在音乐的浸染中使心灵得到清茶的滋润和涤荡，获得内心的安静与愉悦，在这首新音乐中使用了具有民族特色的乐器进行演奏，具有舒缓优雅的节奏，这对于展现和诠释茶艺表演的韵律和节奏都非常有益。藏族茶艺是我国多民族茶艺中的一枝奇葩，藏族茶艺表演近年来颇受关注和欢迎，藏族茶艺中引入的新音乐以梵语歌《万物生》最为著名，该音乐在音乐风格上具有典型的藏传佛教色彩，在藏族酥油茶茶艺表演中表演者身穿具有民族特色的服装，再加上具有神秘色彩的音乐风格，使用藏族原生态的方式进行演绎，可以很容易地将观众带入到茶艺表演所营造出来的神秘意境，在现代时代气息下感受古老的传统文明，从而创造了一种让观众容易接受和理解的方式来诠释和表达藏族茶艺文化。

3.2茶艺表演中新音乐选择与应用需要注意的问题

将新音乐应用于茶艺表演目前来说还处于尝试和探索阶段，新音乐相对于传统古典音乐来讲，其本身作为一种音乐形态，并不能改变茶艺表演中表演与音乐的不同步、不契合等问题。在具体的茶艺表演音乐选择中，应该根据实际情况，基于不同品种茶的茶性和品质来具体的选择和搭配具有较高内在气质契合性的音乐，如绿茶具有淡雅清幽的内在品质，相应的绿茶茶艺表演在风格上一般表现为明快简洁，这时可以考虑那些具有古筝元素的音乐；乌龙茶具有浓郁的香气，相应的乌龙茶茶艺表演音乐选择中就应该偏重那些具有较多中音的曲目，这样方能体现出乌龙茶的醇厚的香气与内涵。茶艺表演音乐选择在遵循表演主题与音乐风格相协调的前提下，具体到单个茶艺表演中究竟应该如何选择和定制音乐就成为了一个具有较高技术性和艺术性的精细化问题，选择一首音乐，可能它能够满足表达茶艺内涵的需要，但实际上它毫无独特性，相反，选择另外一首音乐，它与茶艺内涵、茶艺场所、环境、观众欣赏水平、氛围等十分契合，这之间就是精细度的差别。茶艺表演的差异性源于茶艺编创者想要向观众传达或展示的情感及文化内涵，其次才是音乐选择问题，因此在茶艺表演编创的过程中对于音乐的理解情况在很大程度上决定了选曲的契合程度，因此编创者要对音乐的内涵、创作背景、演奏风格、表现手段等进行全面的了解和把握，在更高的层次上追求茶艺表演与音乐选择的匹配，追求茶艺表演与观众更好的情感交流与互动。总之茶艺表演中音乐的选择创新既要注意吸取传统选曲方法的精华与合理做法，又要根据具体的茶艺表演环境、表演形式、观众欣赏水平，综合考虑所涉及的茶知识、茶文化、民族、历史等多种因素进行精细化的选择。

参考文献

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篇10

如何加强对地方高校大学生的审美素养培养？要加强大学生的审美素养培养，除了开设必要的“音乐素质教育课程”以外，还要从以下四个方面进行努力：

一是要激发学生的审美兴趣。著名音乐教育家卡巴列夫斯基说：“激发学生对音乐的兴趣，这是把音乐的魅力传递给他们的必要条件。”如果没有学习兴趣，再好的音乐也听不进去，对学生来说只是无意义的声音，根本谈不上接受音乐审美教育。因此，要培养学生的审美素养并进行审美教育，审美兴趣问题是首先要解决的问题。而解决这一问题最好的方法、最有效的途径，就是我们音乐教师的音乐审美教学。音乐教师要充分挖掘音乐作品中能引起学生兴趣的内容，寻求音乐作品内容和学生实际需求的最佳结合点，以激发学生的兴趣。如欣赏琵琶独奏曲《春江花月夜》，就是通过该曲优美动动人的乐曲和迷人的意境来激发学生对中国古典音乐的浓厚兴趣。教师要引导学生通过古曲中委婉细腻的旋律和流畅多变的节奏来领略曲调所描绘的江南水乡春江花月夜的迷人景色。尤其是琵琶独奏出的轻柔透明的泛音，把江南水乡的优美意境刻划得淋漓尽致。在欣赏乐曲时，可以使人们久久地沉静在月上东山，风回曲水，花草摇曳的迷人意境中，从而激发出对中国古典音乐的浓厚兴趣。

二是要引发学生的想象力。音乐教育的教学目的是“以审美教育为核心，培养学生健康的审美情趣和感受、体验、鉴赏音乐的能力，树立正确的审美观念”。因此，如何在音乐审美教学中激发学生的想象力便显得尤为重要，这也是音乐教育以审美为核心所必须解决的根本性问题。音乐审美的价值在于通过以聆听音乐、表现音乐和创造音乐活动为主的审美活动，使学生充分体验音乐中的美和丰富的情感，为音乐作品所表达的真、善、美的理想境界所吸引、所陶醉，并与之产生强烈的情感共鸣，从而培养学生丰富的想象力。如欣赏古筝独奏曲《渔舟唱晚》时，可以通过音乐优美典雅的曲调和舒缓的节奏，想象出乐曲所描绘的夕阳映照万顷碧波的动人画面。乐曲最后用渐次加快的先递升后递降的旋律，更可以使人想象出渔民满载而归，悠然自得的愉快心情。美妙的音乐、大自然的美景和渔民的喜悦心情和谐地交织在一起，令人顿生无限向往之意。

三是要掌握音乐审美的不同层次。音乐是一种表现艺术，它不能象文学作品那样用文字概念来描绘具体的人和事物，确切地表现一定的思想感情；也不能象摄影、绘画那样通过具体的视像来再现生活的瞬间；更不能象戏剧、电影一样几乎能表现生活本身的真实面貌。于是，当高低起伏。强弱交替、快慢不等的音乐响起来时，学生们不禁要问：“音乐表现了什么？”“怎样才能感觉到它的美？”其实，喜爱音乐的人们，大抵都能哼唱一些歌曲，而这些歌曲的曲调亦大多与哼唱者的情感相一致。一般是心情高兴时，大多哼唱一些表达愉悦感情的曲调；心情郁闷时，大抵哼唱一些表达悲伤情感的歌曲。这说明音乐是最善于表情达意的情感艺术。音乐是最足以引起人们情感的共鸣的艺术，最具有鼓舞人心、陶冶情感的特点。这就是为什么时，一首《义勇军进行曲》可以凝聚成千上万名中国人杀敌抗战的决心的原因。音乐不但能把人们的表情、语调加工提炼为音乐的旋律，使之全面音乐化，而且能常常换起人们情感的共鸣，产生丰富的想象和联想，以加深其艺术感受。这就是音乐成为宇宙之间共通语言的原因。正是由于上述两个原因，使得人们对音乐有早于对语言的认识。这个良好的开端，可以使人们稍作努力，便可跨进音乐审美的大门。由于跨进音乐审美的大门的快与慢，可以将学生们的音乐审美能力分为两个不同的层次。首先是体验感情的层次。音乐是一种善于描绘感情的艺术。当你沉浸在或清新、或幽雅、或喜悦、或悲伤、或激奋、或豪迈的音乐之中，你的内心会立刻涌出一股抑制不住的感情潮流。如欣赏古代歌曲《满江红》时，音乐中那感情淳厚、昂扬壮烈的音调，会使你精神陡然一振，令人不禁油然而生效法前贤献身祖国的崇高情怀。其次是美感的升华。在音乐审美中，美感的升华要求审美者在体验感情的基础上，提取出最能体现作品内容与情绪，最能反映生活本质的形象特征等典型的美感信息作为引申发展的依据，来陶冶自己的情感，并将之塑造成一种恒在的审美素养，并借此能在万千音乐中，能瞬间找到与此相应的音乐信息。同样以欣赏古代歌曲《满江红》为例，前一层次在欣赏时，会产生一种壮怀激烈的情感，而这种情感的产生，只在于音乐的氛围之中，而后一层次的欣赏，则不但会产生一种壮怀激烈的的情感，并且能在此一情感上，长久生发出一种爱国的激情，并逐渐把自己培育成与岳飞一样的人，即使未在音乐的氛围中，亦能想象这种音乐所产生的壮怀激烈的氛围，并油然而生发出一种长久效法岳飞，献身祖国的强烈愿望。所谓中国古典音乐审美素养的培育，进入到这一境界，便达到了我们所期望的教育目的。而对学生审美素养的培育，也正是基于有这样两个层次，才能采取分层次的循序渐进的方式，以圆满地达到最终目的。