表演艺术实践报告范文

导语：如何才能写好一篇表演艺术实践报告，这就需要搜集整理更多的资料和文献，欢迎阅读由公务员之家整理的十篇范文，供你借鉴。

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【关键词】斯坦尼表演体系;布莱希特表演体系;“忘我”和“有我”的自控相结合;人物形象创造;矛盾统一体

“自我”与“忘我”作为表演艺术上的两大流派,早在上一个世纪,就已经有过火火热热的争议,其沸沸扬扬也是众所皆知的。

布莱希特表演艺术告诉我们:作为一个艺术表演家,我们的表演应该来源于生活而高于生活,不论在舞台上、银幕上,演员必须牢记住自我,发挥一个演员的主观能动性,表演艺术是生活的精品化,演员是通过自身的表演艺术去感化观众,所以艺术家必须掌握表演的尺度,把握“自我”才能达到表演艺术的社会教育效果。

但是,斯坦尼斯拉夫表演艺术,也明明白白地告诉我们:作为一个艺术表演家,我们要把自己溶入到社会生活中,舞台和生活一样,必须完全真实,演员如果没有全身心地溶化到角色之中,完完全全地走进角色的心中,取代他(她)们的位置,那么掺杂的假面孔,如果连自己也无法感动,在观众心目中是何等的苍白无力啊!因此,“忘我”便是塑造好一个角色的必要和首要条件。

“自我”和“忘我”之争,从上一个世纪走到了一个新的世纪,从舞台艺术到银幕艺术,从影视歌舞剧一直到地方戏剧的所有艺术领域,都有他们抗争的踪影,作为我们青年演员来说,虽然对斯坦尼体系和布莱希特体系知之甚少,但是,几年来的舞台表演艺术生涯,让我们有一些话如骨在喉,不吐不快,下面,我就斯、布两大派与高甲戏剧的关系谈一点自己的看法吧。

我认为:斯坦尼表演体系和布莱希特表演体系,作为两种完全不同的对立体系,他们都是艺术沃壤中的生命之树,都有很强大的生命力,既然他们都是艺术表演的结晶,也就具有他们生存的强大意义。所以,作为艺术表演家,可以不必拘泥于自己是属于哪一个艺术流派而去追索他们的真谛。尤其是地方戏剧表演艺术更不必去探求自己的表演方法,是斯系或布系。

一、“忘我”的表演和“有我”的自控相结合

我认为演员的表演艺术只有真正进入“忘我”的状态,才能在艺术上登堂入室,达到炉火纯青。斯坦尼体系要求演员“走进角色”,从自我出发培养角色的“种子”――性格特征,渐渐地与角色融为一体,并要求演员“忘我”、“自我超脱”。但是从我的戏曲表演感受中,我觉得,角色的体验与表现,既要求演员有设身处地地情感体验,也要有脚踏实地的舞台表演的实践感受。舞台表演的假定性,要求我们必须进入预定的角色气氛中去,但是,舞台表演它具有强烈的表演性,所以我们也要考虑到舞台上下的表演和观众的接受状态,以及各种细节。例如:在一次冬季的演出中,由于地点在农村的露天舞台上,时间正值隆冬腊月,剧情要求我们一位演员必须膀子表演一个输红了双眼的赌棍。为了表演的真实性,他了上衣,怕着凉还喝了几口酒,可是冷空气一激灵,他还是连打了三个喷嚏,一大把清鼻水直挂而下,打湿了在下的女演员。这是一个很爱干净的女演员,让别人的清鼻涕滴在脸颊上,委屈得眼泪都快掉下来了,于是就狠狠地白了男演员一眼。男演员本来很进入角色,但是被女演员这狠狠的一瞪,心里有点慌了,只好临时编进了一句台词:“我这老糊涂,一到沮丧头上,鼻涕眼泪一大把,不好意思得罪了大小姐”。如果不是这句临时台词救驾,恐怕女演员一撂腮帮子,戏就演砸了。所以“忘我”的表演和“有我”的自控相结合,以弥补舞台的意外,是有必要的,尤其是我们地方戏剧表演的过程中,非人为因素的干扰往往是在所难免的。

在戏剧表演中,往往有一定的“不溶性”,舞台艺术,尤其是地方戏曲表演,有很多程式化的东西,它既是表现人物内心世界的手段,也是人物情绪渲泄的障碍,比如高甲戏中有情殇激烈的抒发场合,本来演员可以面对观众淘号大哭,泪如雨下,这是很能打动观众心扉的,但是戏曲表演要求演员以袖遮面,碎步徘徊等一系列科步程式来表达。当然,我们不能说科步程式化和表情达意的直接流露是水火不相融的矛盾,但是,科步程式化确实拉开了与直接流露的表情达意的实际空档,造成了表演过程中“有我”情绪的表现。例如:电影《风暴》中,金山先生扮演大律师施洋在群众大会上为工人作报告,他上讲台时撩长衫、上台阶,其节奏感分明是裘派老生的迈步程式。金山先生是斯坦尼体系在中国的真传弟子,他能够把京剧徽班的科步程式,在电影表演艺术中加以发挥,不能不说是令人耳目一新的尝试。

三、以“忘我”的精神和感受,创造“忘我”和“有我”相结合的艺术形象,是地方戏曲的努力方向

不管斯坦尼斯拉夫体系或者是布莱希特体系,都是表演艺术的真谛和结晶。作为地方戏曲艺术,很有借鉴和利用这两种体系,来丰富和发展地方戏剧的人物形象创造的价值。所以,我觉得具有几百年文化传统的高甲戏,在文化积淀十分丰富的泉州戏苑这方沃土中,应该走出自己的一条崭新的艺术之路。那么,以“忘我”的精神和感受,创造“忘我”和“有我”相结合的艺术形象,这就是地方戏曲,包括泉州高甲戏剧发展的努力方向。

人是需要一点奉献精神的,作为一个演员,只有具备奉献精神,具有勤奋的毅力,通过自身素质的不断修炼,艺术潜质的不断发掘,才能达到“忘我”的思想境界。具备“忘我”的思想境界,是达到“忘我”的艺术境界的必要条件。但是,在艺术表演中“忘我”和“有我”可以是两个相辅相承的矛盾统一体,正确处理“忘我”和“有我”的辨证统一关系,恰到好处地运用“忘我”和“有我”辨证统一关系,就能在表演艺术中开辟出一个全新的天地,拿出一个自己独特的全新的表演方法,这就是我对“斯氏”“布氏”表演理论和高甲戏剧表演艺术的相结合的观点的一点理解,不足之处,与前辈和同行相互榷商,共同探讨。

参考文献

[1] 朱薇薇. 浅谈舞台戏剧表演与影视表演[J]. 黄梅戏艺术, 2009, (03)

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[关键词]博物馆 剧场 非物质文化 表演艺术

中图分类号：G281 文献标识码：A 文章编号：1009-914X（2017）03-0314-01

博物馆与剧院同为凝聚历史与艺术的空间，一个在静态的空间内向观众传达了艺术品的价值底蕴，一个在有限时空内向观众传达无限空间的艺术之美，随着时代的发展，世界各地越来越多的博物馆拥有自己的剧场并在博物馆空间内进行多类型的艺术表演，如纽约大都会博物馆分馆内，以教堂为背景定期上演中世纪音乐会，又如江户东京博物馆，也会定期举办日本传统音乐、落语及太神乐的表演等，我国如南京博物馆内别的古戏台，北京自然博物馆的“小剧场”戏剧演出等。不同与传统剧场的立场，博物馆环境下的剧场，以博物馆定位为主线并优先服务博物馆业务，与此同时履行着剧场的一般职能。

以国家博物馆剧场为例，自2011年3月起至2016年，国博剧场承办活动共计250多场次，其中表演艺术类型及场次统计如下：戏剧戏曲21场次、舞蹈4场次、音乐会24场次、传统艺术表演（含排演）106场次，共计155场次，非表演类活动类型及场次统计如下：讲座39场次、会议39场次、颁奖典礼4场次、论坛5场次、会3场次等，共计95场次。其演出更多是与博物馆展览及业务相关，在剧场活动中，馆内配套活动占84%，如为配合古代中国基本陈列展，在剧场演出的历史题材话剧《说客》及《霸王歌行》，又如在《大象中原--河南历史文化》展览的配套活动中，由河南博物院华夏古乐团在国博剧院上演的《华夏正声---音乐考古复原》的专场演出，向现代观众展示了中国上古华夏民族的音乐，又促进了观众与展览及展品间的互动。不同于传统剧场，国博剧场虽有自身条件限制，但却以服务国博为优先。

一.剧场艺术定位符合博物馆艺术定位，并以此向博物馆及公众服务

国家博物馆是以历史与艺术并重，集收藏、展览、研究、考古、公共教育、文化交流于一体的综合性国家博物馆。在国家博物馆环境下，剧场也以国博定位为基准，并符合国博对文物和艺术品收藏、陈列展览、公共教育、历史和艺术研究、对外文化交流的基本职能。

国博剧场也以历史与艺术并重，并有其非营利性及公益性质。从展览角度出发，国博剧场更像是流动着的博物馆，有着其展示的职责，向人们展示流动形态的“展品”――非物质文化。非物质文化遗产范围包括人类口头传统如诗歌等，传统表演艺术如戏剧、音乐、舞蹈、皮影、宗教表演等，在实际应用中，剧场对非物质文化的展演已占到剧场总活动的50%左右，对非遗的展示也凸显出其优势，也为呈现给博物馆多元化艺术形式。从公共教育角度上，国博剧场与学术报告厅同为博物馆公共教育事业提供场地并提供服务，剧场与学术报告厅为国博教育服务800多场次，如配合教委的“北京中小学生四个一工程”的讲座及国博3D宣传片放映以及不同的教育类活动等，将不同于学校的教育――启发式及体验式的教育带给不同年领及教育背景的人，让人们得以从不同思维角度亲近博物馆。

国博对外文化交流的职能亦体现在剧场在承接演出的选择上，更看重表演艺术的品质，如剧场曾与林兆华戏剧工作室合作，上演戏剧导演彼得布鲁克作品《情人的衣服》，与木心美术馆及单向空间合作《莎士比亚戏文朗诵会》此类等。国博的文化导向亦会得到演出方的亲徕，如以作曲家王立平先生为红楼梦所作音乐为原型，由国际知名作曲家改编的《红楼梦钢琴协奏曲》的全球首演亦选择在国博剧场上演，体现其对中国历史名著及音乐作品的尊重。在国家级文化交流活动中，各国使馆亦会欣赏国博的百年文化背景，选择在国博剧场举办多类型的艺术演出，自新馆开馆以来，来自法国、意大利、美国、泰国、韩国等多国瑰宝级的民族传统艺术都曾在国博剧场上演，剧场也为国家博物馆的国际知名度与影响力起到了一定的作用。

二.展示非物质文化的整体舞台，以博物馆资源为依托，最终向博物馆提供服务

可以说国博非物质文化展示的舞台不仅仅是限于国博剧场中，国博剧场、学术报告厅、演播厅、西大厅等博物馆内部空间又是展示非物质文化的“整体舞台”。而展示的方式多样而又灵活，国博报告厅、剧场、西大厅、演播厅空间都可作为非物质文化的现场展示的舞台，如在学术报告厅曾上演紫禁城室内乐团小型室内乐《高山流水觅知音》；在《阿拉伯之路―沙特出土文物》展览的开幕式上，艺术家在西大厅演奏当地传统音乐并向观众展示当地传统纹身艺术，又如国家大剧院举办的的5月公益演出季，国博西大厅平台也“转换”为音乐厅舞台，整个大厅空间也变为“观众席”，而观众可以是被邀请的，也可以是随机的观众，来自于当天来馆参观的观众；演播室也有其展示为物质文化的内部录制空间。

依托国博国际一流的硬件资源又为非物质文化的展示提供了支持。学术报告厅除作为一般意义上的学术讲座平台，其配备的3D数字放映机及电影荧幕亦可作为非物质文化遗产映像展示的平台；国博剧场作为主要的非物质文化的现场展示空间，其舞台建筑结构为镜框式舞台，剧场内配备的舞台机械、舞台灯光、舞台音响、舞台多媒体等设备可很好的支持各类型演出，作为剧场空间的另一重要部分---观众席，剧场的非营利性使其不以多数量的席位为目的，而以保证观演空间的适配度为优先，国博观众席均为纵向席位间隔1米的软席位，有着极好的舒适度，其观众厅的建筑声学设计空场中频混响时间为1.1秒，在空间布局上，从任何位置观看演出，都能有很好的视听效果；演播厅可进行现场的录制，其配有灯光设备、音响设备、导播设备及固定机位及流动机位，导播间除对演播厅的场内景M行导控外，也可直接作为剧场、报告厅、西大厅现场录制的导播台，录制后的影像可直接在后期间进行剪辑等后期处理，最后可留作储备资料或在学术报告厅进行播放。

除对非物质文化的展示，剧场与博物馆空间又形成统一的整体，丰富了博物馆职能下的多种配套活动。如在举办《罗马与巴洛克艺术展》的展览期间，利用国博西大厅空间举办开幕式，在学术报告厅中举办的新闻会以及以关于此次展览的国博讲堂，在国博剧场内举办的《当鲁特琴遇上琵琶》巴洛克文化交流音乐会，是以展品中由女性画家阿尔米斯蒂娅・ 简蒂勒斯基创作的《弹鲁特琴的圣切奇莉亚》油画为灵感而推出形成。这些使博物馆活动显得灵活而丰富，观众也可以通过不同的方式与渠道了解展品展览及博物馆，博物馆的空间也得以展现其特有的魅力。

三.结语

博物馆环境下的剧场与传统剧场有着诸多相似与不同，拉丁美洲博物馆剧场先驱者露西亚？托登曾指出：“博物馆剧场与商业剧场运用同样的表演技术，但博物馆剧场是为博物馆服务，与该博物馆的价值、目标与观众的关系密不可分”。博物馆环境下的剧场，是博物馆整体中的一部分，而剧场亦能为博物馆带来丰富多彩的文化体验，为博物馆的发展发挥其作用。如何挖掘剧场潜力，使其更好的为博物馆及大众服务，又是在工作实践中需要持续思考的问题。希望在日后的实际应用中剧场可以为博物馆带来更多的价值。

参考文献

[1] 刘婉珍.博物馆就是剧场.艺术家出版社.台北.2007.

[2] 王文章. 非物质文化遗产概论.文化艺术出版社.2006.

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【文章摘要】

艺术类图书作为图书出版的一个类别，其产品结构包括艺术书籍、艺术教材等。文章主要从艺术书籍、艺术教材的出版现状、市场容量及出版特点等方面入手，分析了艺术类图书出版的总体市场概况、发展前景与出版问题，并从规范意识、精品意识、人才意识及数字化意识等方向提出建议，以进一步开拓艺术图书市场的发展领域与发展空间。

【关键词】

艺术图书出版；艺术书籍；艺术教材；现状；特点；发展

从党的十六大以来，为了更好地落实《文化产业振兴规划》，新闻出版产业进行了实质性的体制改革，产业结构日趋优化，产业规模不断扩大，产业创新业态及战略发展空间逐步拓展，社会效益和经济效益也不断提升。新闻出版产业作为资源消耗低、产业链条长、发展领域广的文化产业的一个类别，已成为国民经济新的增长点，在国民经济发展的战略全局中凸显出重要的作用与地位。如2011年，全国新闻出版产业总产出超过1.5万亿元，实现营业收入14568.6亿元，较2010年增长17.7%；增加值4021.6亿元，增长14.8%，占同期国内生产总值（GDP）的0.9%（数据来源2011年新闻出版产业分析报告）。我们选取2009―2011年期间新闻出版产业各项经济指标数据（见表1所示），来观察新闻出版业发展的增长速度。

说明：资产总额、净资产（所有者权益）、纳税总额均未包括数字出版。

数据来源：2011年新闻出版产业分析报告

从表1中可以看到，新闻出版产业，从行业的增加值、营业收入、利润总额等方面都呈现出一种可持续发展的速度，整体质量与经济效益逐步提高。

1 图书出版的现状与产品结构

1.1 图书出版现状

图书出版作为新闻出版产业中的一个主要类别，与新闻出版产业主要类别的期刊、报纸、音像制品、电子出版进行比较，发展状况具有较大的优势。本文选取2011年新闻出版业主要类别出版物的相关指标数据，进行比较，来反映出图书出版物与各类别出版物的整体概况与发展现状（见表2所示）：

说明：未包括数字出版、 复制、 出版物及版权输出、引进。

数据来源：2011年新闻出版产业分析报告。

从表2中的数据可以看到，在图书、期刊、报纸、音像制品和电子出版物中，图书的品种最多，其后依次为录像制品、录音制品、电子出版物和期刊，报纸最少；图书出版与报纸出版在总印张、定价总金额、增加值、营业收入及利润总额中都占据主要地位；电子出版物作为新兴类别，相对传统纸质出版，还具有相当大的差距。

1.2 图书出版的产品结构

新闻出版业各类别出版物，都有着不同的产品结构。作为新闻出版业主要类别的图书出版，其产品结构主要包括：书籍、教材与图片三大类。

书籍指的是使用中国标准书号或统一书号，但不属于课本和图片的出版物，包括：“社会科学总类、哲学类、政治、法律类、经济类、文学类、艺术类、文化教育类、.医学类、农业科学类、交通运输类、综合性图书等22类出版物”。教材指的是使用中国标准书号或统一书号的教材及教材习题解答等书籍，包括：中学、小学、中专、技校、职校、大专以上高等教育机构及其他学校；图片等指的是各种印刷图片、绘画单片、折页及附录等。

本文选取2011年图书出版不同产品结构的一些指标数据，制作出表3，以更好地分析目前图书出版各产品结构的发行现状：

数据来源：2011年新闻出版产业分析报告。

在表3中，我们可以看到，书籍在图书结构中，无论是品种、定价总金额等方面都占据较大的比重，其品种数量占图书的78.6%，总印数占图书的54.8%，定价总金额占68.3%，均位居第一；其次是教材，位居第二。将2011年全国书籍和教材合计起来，分别占到图书品种的99.8%、总印数的99.9%、接近总印张的100.0%和定价总金额的99.9%。

2 艺术类图书的出版类别与出版现状

2.1 艺术类图书的出版类别

艺术类图书作为图书出版单位中的一个类别，其产品结构同样包括：艺术书籍、艺术教材与艺术图片。

1）艺术书籍：包括艺术专著、艺术画册、舞蹈音乐书籍、艺术设计专业书籍、艺术欣赏书籍、艺术课程辅导书籍（针对大学、大专、中专等艺术教学课程所编写的辅导书籍）、高考辅导书籍（针对各高校专业与考题方向所编写的辅导书籍）等；

2）艺术教材：包括中小学义务美术与音乐等艺术教材；普通大学、大专、中专等艺术教材；成人及函授大学、大专业余艺术教育教材；研究生教材。

3）艺术图片：包括绘画印刷品、年画、美术画片、摄影图片等。

2.2 我国艺术图书的出版现状

笔者从艺术类图书的三个类别：艺术书籍、艺术教材与艺术图片的出版概况来分析目前我国艺术图书的出版现状：

2.2.1 我国艺术类书籍的出版种类与出版概况

有关艺术方面的书籍主要分为：表演艺术、视听艺术、视觉表现三大类艺术书籍。

表演艺术书籍：有关音乐（声乐、器乐）、表演、播音主持等方面的书籍；视听艺术书籍：有关歌剧、戏剧、电影等方面的书籍；视觉表现艺术书籍：有关画册、艺术设计、书法、艺术教育理论、艺术欣赏等方面的书籍；其中“画册包括：素描，油画，雕塑，壁画，版画，国画，水彩画，水粉画，蛋彩画等；艺术设计包括：服装设计、广告设计、室内设计、建筑艺术设计、会展设计”等方面。

随着社会的发展，人民生活水平的提高，艺术书籍的出版得到快速发展。如：2011年在使用中国标准书号的22类出版物中，艺术类书籍印数为17468万册（张），占总印数的2.27%；艺术类书籍印张为1254779千印张，占总印张的1.98%；艺术类书籍与2010年相比，种数增长18.10%（初版增长11.14%），总印数增长24.91%，总印张增长26.94%，总定价增长28.21%”。

本文依据新闻总署的新闻出版业基本情况的统计数字，选取近五年的艺术书籍出版数据，可以看到我国艺术书籍出版的出版现状（见表4）：

数据来源：新闻出版总署统计信息2007――2011年全国新闻出版业基本情况

http：///govpublic/1003.shtml

2.2.2 我国艺术教材的市场容量及出版概况：

我国艺术类教材市场主要集中在艺术基础教育与艺术类高等教育方面，主要包括：普通小学、中学、高中的美术、音乐教材；中等职业学校艺术类教材；普通本、专科艺术类教材；成人本、专科艺术类教材；文学艺术类研究生教材等。可见，我国艺术类教材的市场容量与学生的在校学生数密切相关。为此，通过2011年我国普通小学、中学、高中在校学生数及高等教育艺术类在校学生数，能看出目前我国艺术教材的整体市场容量（见表5）。

数据来源：中国统计年鉴2011年

3 不同类别艺术图书出版的市场特点

3.1 艺术书籍的出版特点

近年来，艺术书籍的出版有着惊人的发展速度，艺术品种与艺术专业种类的数量剧增。但在这种繁荣的背景下，一部分出版机构从逐利的角度，还有一部分人从职称评定的现实方面出发，对艺术专业书籍的专业质量与精品意识，还是有着功利化、平庸化的一些情况出现。因而，各种类艺术书籍（视觉表现、表演艺术、视听艺术三大类）从出版评价标准、艺术学术规范以及专业艺术书籍的编写、编辑等方面，都有着自己的出版特点。

对于表演艺术、视听艺术、视觉表现三大类艺术书籍，要具有较强的专业指导性。另外，对于画册、艺术设计、艺术摄影等视觉艺术书籍，要有高清晰度的画面与准确的色彩还原度。在版式编排设计上要注重变化与对比，不落俗套，具有一流水平的专业内容。

3.2 艺术教材的出版特点

中小学基础教育阶段的艺术教材编写，应该严格按照教育主管部门的教学大纲，应体现出艺术课程的目标、性质、内容标准、基本理念及艺术价值。为了更好地培养学生的综合艺术素质，将学生的艺术素养和艺术能力整合发展，中小学艺术教材的编写已经逐渐走向美术、音乐与舞蹈等多学科的综合与联系，以形成美好的审美情感、审美观与基本艺术素养。

相对基础教育阶段的艺术教材来说，艺术类高等教育教材编写则有着比较宽松的出版环境与自主出版空间，此类教材目前受政府引导，但已经由出版社和院校主导决定，具有一定的开放性。但由教育主管部门主导的国家级及省级规划教材，如国家“十一五”、“十二五”规划教材，其申请与审批则非常严格。 高等教育阶段的艺术教材，要根据不同专业的特点，从基本概念、原理人手，注重内容以实践的联系度，要以专业表现与实践运用为导向。

4 艺术图书出版中的问题

随着物质条件的丰富，人们对艺术的需求与艺术教育得到迅速发展，进一步促使艺术图书出版的日趋旺盛。但在这种艺术图书繁荣的市场背景中，我们不难发现艺术图书发展中存在的一些不良状况，以帮助进一步探讨艺术图书的良性发展空间：

4.1 艺术图书市场不规范，产品同质化现象强，结构协调失衡

现在有很多艺术图书往往以商业利益为主，一味迎合市场的需要，另外也存在一些作者频繁参与各种艺术书籍与教材的编写，这些造成了艺术图书市场的出版现状混乱，艺术图书选题与内容的同质化。目前，艺术图书市场资源分散，存在着产业集中度低，资源配置不尽合理，产业结构整体规范较差，结构协调失衡，恶性竞争压力大等现象，这种现象造成许多出版机构处于一种发展不均衡及亏损的状态，使得艺术图书库存也逐渐增大，成为资产质量不断下降的不良资产，在一定程度上浪费了大量出版费用及出版资源。

4.2 艺术书籍的评价标准体系缺失，专业品质有待提高，创新能力不足

艺术书籍的品质，离不开一支高水平的专业作者队伍及专业编辑力量。由于现在许多出版社在艺术书籍出版时往往依赖某些专家，没有建立起完善、多层次、国际化的艺术专业作者队伍，造成了艺术作者队伍资源稀缺，结构比较单一。另外，当前艺术图书学术研究比较浮躁，可操作性的评价体系与标准缺失，且缺乏具有较强艺术学识水平与鉴赏力的专业编辑，加上出版社往往更多关注发行数量与经济效益，这一切都使得艺术书籍的水准差异较大，市场生命周期较短，降低了艺术图书出版的专业质量、独创性与含金量。还有，在这个新媒体时代，艺术图书内容的呈现形式应丰富多彩，应该更注重创新能力，注重结合新的载体来搭载不同的内容，以进一步拓展艺术图书市场的发展空间。

4.3 艺术教材的理论与实践脱节，系统化不够强

在高等教育大发展的时期，高校艺术教材不仅具有一定的专业理论厚度，能够率先反映学术界的研究动态，促进艺术教材出版领域的教师作者队伍的建设；另一方面，高等艺术学校的教材，在编写中，更应与社会艺术实践有一定的联系与结合。目前，高校艺术教材对于一般性专业理论有系统的阐述，但理论与社会实践需求、实践运用有一定的脱节性，需要更务实的艺术指导，需要把握艺术最新动态的新技术、新知识、新工艺等实践案例与运用表现，应系统化地将各艺术体系的理论与实践统一起来，才能更有利于培养学生的动手能力与开阔的艺术思维。

【参考文献】

[1]柳斌杰：《以时不我待精神引领产业大发展》[EB/OL].中国新闻网，[2010―01―06]，

http：///cul/news/2010/01-06/2055851.shtml

[2]蒋建国：《新闻出版业实现大跨越、大发展、大繁荣》[EB/OL].东方网，[2012―11―11]，

[3]《2009年全国新闻出版业基本情况》[EB/OL].新闻出版总署统计公报，[2010―09―07]，

http：///govpublic/60.shtml

[4]《艺术展览》[EB/OL].百度百科网，[2010―1―18]

[5]《什么是美术》[EB/OL].百度文库网

[6]《2011年新闻出版产业分析报告》[EB/OL].新闻出版总署统计信息，[2012―07―12]

[7]张乔：《综合的艺术史及其写作要素―解析和》[J].艺术教育， 2012，01 ，32―33页

[8]张乔：《综合的艺术史及其写作要素―解析和》[J].艺术教育， 2012，01，32―33页

[9]水明：《数字出版中的新媒体艺术语言》[J].西北美术，2010，01，18―19页

[10]孟耀：《高校学报发展数字出版的问题与对策》[J].航海教育研究，2008，04，112―114页

[11]郭丽杰：《网络环境下馆藏资源建设的思考》[J].图书馆学刊，2003，06，32―33页

[12]郑丽娟：《从电子出版物的特点看其发展》[J].绥化师专学报，第21卷第3期，2001，09， 134―135页

篇4

第二条非物质文化遗产指各族人民世代相承的、与群众生活密切相关的各种传统文化表现形式（如民俗活动、表演艺术、传统知识和技能，以及与之相关的器具、实物、手工制品等）和文化空间。

第三条中国非物质文化遗产可分为两类：（1）传统的文化表现形式，如民俗活动、表演艺术、传统知识和技能等；（2）文化空间，即定期举行传统文化活动或集中展现传统文化表现形式的场所，兼具空间性和时间性。

非物质文化遗产的范围包括：

（一）口头传统，包括作为文化载体的语言；

（二）传统表演艺术；

（三）民俗活动、礼仪、节庆；

（四）有关自然界和宇宙的民间传统知识和实践；

（五）传统手工艺技能；

（六）与上述表现形式相关的文化空间。

第四条建立国家级非物质文化遗产代表作名录的目的是：

（一）推动我国非物质文化遗产的抢救、保护与传承；

（二）加强中华民族的文化自觉和文化认同，提高对中华文化整体性和历史连续性的认识；

（三）尊重和彰显有关社区、群体及个人对中华文化的贡献，展示中国人文传统的丰富性；

（四）鼓励公民、企事业单位、文化教育科研机构、其他社会组织积极参与非物质文化遗产的保护工作；

（五）履行《保护非物质文化遗产公约》，增进国际社会对中国非物质文化遗产的认识，促进国际间的文化交流与合作，为人类文化的多样性及其可持续发展做出中华民族应有的贡献。

第五条国家级非物质文化遗产代表作的申报评定工作由非物质文化遗产保护工作部际联席会议（以下简称部际联席会议）办公室具体实施。部际联席会议办公室要与各有关部门、单位和社会组织相互配合、协调工作。

第六条国家级非物质文化遗产代表作的申报项目，应是具有杰出价值的民间传统文化表现形式或文化空间；或在非物质文化遗产中具有典型意义；或在历史、艺术、民族学、民俗学、社会学、人类学、语言学及文学等方面具有重要价值。

具体评审标准如下：

（一）具有展现中华民族文化创造力的杰出价值；

（二）扎根于相关社区的文化传统，世代相传，具有鲜明的地方特色；

（三）具有促进中华民族文化认同、增强社会凝聚力、增进民族团结和社会稳定的作用，是文化交流的重要纽带；

（四）出色地运用传统工艺和技能，体现出高超的水平；

（五）具有见证中华民族活的文化传统的独特价值；

（六）对维系中华民族的文化传承具有重要意义，同时因社会变革或缺乏保护措施而面临消失的危险。

第七条申报项目须提出切实可行的十年保护计划，并承诺采取相应的具体措施,进行切实保护。这些措施主要包括：

（一）建档：通过搜集、记录、分类、编目等方式，为申报项目建立完整的档案；

（二）保存：用文字、录音、录像、数字化多媒体等手段，对保护对象进行真实、全面、系统的记录，并积极搜集有关实物资料，选定有关机构妥善保存并合理利用；

（三）传承：通过社会教育和学校教育等途径，使该项非物质文化遗产的传承后继有人，能够继续作为活的文化传统在相关社区尤其是青少年当中得到继承和发扬；

（四）传播：利用节日活动、展览、观摩、培训、专业性研讨等形式，通过大众传媒和互联网的宣传，加深公众对该项遗产的了解和认识，促进社会共享；

（五）保护：采取切实可行的具体措施，以保证该项非物质文化遗产及其智力成果得到保存、传承和发展，保护该项遗产的传承人（团体）对其世代相传的文化表现形式和文化空间所享有的权益，尤其要防止对非物质文化遗产的误解、歪曲或滥用。

第八条公民、企事业单位、社会组织等，可向所在辖区文化行政部门提出非物质文化遗产代表作项目的申请，由受理的文化行政部门逐级上报。申报主体为非申报项目传承人（团体）的，申报主体应获得申报项目传承人（团体）的授权。

第九条省级文化行政部门对本行政区域内的非物质文化遗产代表作申报项目进行汇总、筛选，经同级人民政府核定后，向部际联席会议办公室提出申报。中央直属单位可直接向部际联席会议办公室提出申报。

第十条申报者须提交以下资料：

（一）申请报告：对申报项目名称、申报者、申报目的和意义进行简要说明；

（二）项目申报书：对申报项目的历史、现状、价值和濒危状况等进行说明；

（三）保护计划：对未来十年的保护目标、措施、步骤和管理机制等进行说明；

（四）其他有助于说明申报项目的必要材料。

第十一条传承于不同地区并为不同社区、群体所共享的同类项目，可联合申报；联合申报的各方须提交同意联合申报的协议书。

第十二条部际联席会议办公室根据本办法第十条的规定，对申报材料进行审核，并将合格的申报材料提交评审委员会。

第十三条评审委员会由国家文化行政部门有关负责同志和相关领域的专家组成，承担国家级非物质文化遗产代表作的评审和专业咨询。评审委员会每届任期四年。评审委员会设主任一名、副主任若干名，主任由国家文化行政部门有关负责同志担任。

第十四条评审工作应坚持科学、民主、公正的原则。

第十五条评审委员会根据本办法第六条、第七条的规定进行评审，提出国家级非物质文化遗产代表作推荐项目，提交部际联席会议办公室。

第十六条部际联席会议办公室通过媒体对国家级非物质文化遗产代表作推荐项目进行社会公示，公示期30天。

第十七条部际联席会议办公室根据评审委员会的评审意见和公示结果，拟定入选国家级非物质文化遗产代表作名录名单，经部际联席会议审核同意后，上报国务院批准、公布。

第十八条国务院每两年批准并公布一次国家级非物质文化遗产代表作名录。

第十九条对列入国家级非物质文化遗产代表作名录的项目，各级政府要给予相应支持。同时，申报主体必须履行其保护计划中的各项承诺，按年度向部际联席会议办公室提交实施情况报告。

第二十条部际联席会议办公室组织专家对列入国家级非物质文化遗产代表作名录的项目，进行评估、检查和监督，对未履行保护承诺、出现问题的，视不同程度给予警告、严重警告直至除名处理。

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关键词：高校 舞蹈教育 研究

中国舞蹈艺术历史渊源，博大精深，始于奴隶社会，秦汉之际已发展形成一定的特色。舞蹈艺术借助于身体、道具等在三度空间中伴随着一定的音乐伴奏，通过肢体的变化、展示等节奏性的动作传达和展示出艺术文学。因此，舞蹈在我国五千年的历史长河中，被用于社交、祭祀和礼仪等人类文化活动。舞蹈不仅可以强健体魄，能提高身体的柔韧性和协调性，增强身体素质，有助于快速睡眠，保持身体的美感。还可以陶冶人们性情，提高自身的艺术修养和舞蹈气质。怎样加强高校舞蹈教育，推动我国舞蹈专业课程的发展和改革？笔者结合多年来的高校舞蹈教学经验，浅析了对高校舞蹈教育的几点思考和研究。

一、高等院校舞蹈教育现状分析

（一）生源的舞蹈基础情况

在高校课程教学中，舞蹈教学由于本生具有的独特性。因此教学方法以传统的课堂式、讲座式教学存在很大的区别。对于高校舞蹈课程教学，还存在教学理念还不够先进、成熟，教学方法过于单一落后等教学现状。在加上舞蹈课程学习的学生在很大程度上的舞蹈基础和舞蹈能力过于低下，其中大部分舞蹈课程专业的学生都毕业于普通高中，从小并没有接受到良好的舞蹈训练和舞蹈艺术氛围的熏陶。又由于高考的应式教育的教学模式的影响，许多舞蹈课程专业的学生过分看重文化理论课程的学习，对舞蹈教学在学习态度、教学理念上都存在一定的误解，缺乏全面对舞蹈艺术的认知。潜意识里甚至认为舞蹈不外乎就是蹦迪、街舞等形式。另外，对于偏远山区家庭经济较为落后的学生，由于缺乏一定的条件和机会，没有见过真正的舞蹈表演，对舞蹈常识的认知不足等等多方面的因素都影响了高校舞蹈课程专业教学的教学效果。

（二）课时的设置情况

课时是课程教学的保障和基础。在一定程度上课时的多少直接影响了专业课程教学的进度和教学效果。研究表明，高校舞蹈课程专业在课时设置中存在一定的问题。现代大学教育的宗旨和目标主要是培养学生德智体美等全方面的综合能力，提高学生的心理素质、抗压能力、应变能力等多重综合能力。因此，在高校课程课时安排上，掺杂了如大学英语、思想政治教学、时事报告等多门性学科。然而，总共的大学教课时并没有相应地得以增加，因此，间接性导致了舞蹈课程专业教学课时大幅度的减少。很多教学老师为了完成相应地舞蹈教学任务，在教学活动中，过于追赶教学进度，教学环节缺乏必要的师生互动和教学演练，学生在教学中容易产生教学困惑和厌倦，大大降低了学生对舞蹈学习的热情和兴趣，从而影响了教学的有效性。另一方面，舞蹈教学具有很强的实践性，教师在对舞蹈教学理论知识教授之后，还需要对舞蹈动作进行系统化的分解和演示。对学生的肢体动作等也学要一对一行的指点和纠正，因此舞蹈课程教学的特殊性与课时设置存在很大的冲突矛盾。

二、高校舞蹈教学的几点对策

（一）切实制定教学目标

教学目标是教学内容的基本门类，也是课程教学的前提和基础。教学目标是指教学活动实施的方向和预期达成的结果，是一切教学活动的出发点和最终归宿，它与教育目的、培养目标等息息相关。教育部在学科教学的《课程标准》里，就要求每个参与基础教育教学工作者，在教学的过程中，要认真关注的内容。因此，作为一名高校的舞蹈课程专业教师，首当其冲的是要切实制定合理的教学目标。舞蹈课程教学目标的制定应当以大部分学生的舞蹈基础和学习状况作为出发点，紧密联系学生的实际情况，一切从实际出发，实事求是。舞蹈作为一门表演艺术，本身具有一定的艺术成分和价值美感，在教学过程中，还要加强对学生的审美意识、艺术气质的培养，树立学生对舞蹈艺术的本质、价值的全面领悟和理解。比如在课程教学目标的制定中，教师应当有意识的融入舞蹈审美、舞蹈艺术和舞蹈价值等元素，真正发挥出舞蹈课程其独特的教学功效。

（二）灵活运用教学方法

有效的教学方法是教学成功的有力保障，是教师和学生为了实现共同的教学目标，完成共同的教学任务，在教学过程中运用的方式与手段的总称。有效的教学方法不仅能够对教学起到降低难度的作用，能够使教学过程流畅更容易被学生接受，还能够融洽课堂气氛，使教师、学生发挥自己的创造性和主动性，达到事半功倍的教学效果。爱因斯坦有句至理名言：“兴趣是最好的老师。”孔子也说过：“知之者不如好之者，好之者不如乐之者。”因此，兴趣不仅是高校舞蹈专业课程的有力武器，也是人们的一种精神需要。在教学环节，教师应当激发学生对舞蹈学习的兴趣，转变学生对舞蹈教学的态度和认知。舞蹈教学具有很强的实践性，在教学中，教师在对舞蹈理论透彻的讲解和分析的基础上，还应当做到得体和足量的演示和训练，纠正学生常犯的舞蹈错误，提高教学的有效性。

（三）不断优化师资队伍

教育大计，教师为本。教师是教育事业的第一资源，是完成教学工作的基本保证，也是促进教学改革，全面提高教学质量的支撑点。加强教师队伍建设，促进学校和谐发展，是学校规范管理中的重要内容。和谐的教师队伍、雄厚的师资力量能够使教师们为学校团队的利益奋斗，有利于实现教学的宗旨和目标，培养良好的教学风气。我国高校舞蹈课程专业的师资力量与理工、文史类学科相比较，确实显得过于微薄。很多高校极度缺乏专业、优秀的舞蹈艺术教师。许多舞蹈老师不得不教授和管理诸多学生，因此缺乏相应的休息，造成老师教学时间过程过度疲乏，教学精力不足。因此加强对高校舞蹈课程教学的师资建设，不断优化师资队伍。具体可以提高对舞蹈艺术教师的表彰力度和待遇条件，定期派遣教师出国深造，开展教师之间对于舞蹈教学的学术研究等课题报告等活动。

参考文献：

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关键词：创意产业 统计数据 规范研究

创意产业统计对于创意产业的发展政策制定和国内学术研究具有重要影响。科学、规范的统计标准和统计管理，将为国民经济核算、城市创意产业度量与评价、地方资源配置与发展方向选择等提供详实、可靠的、系统统计数据支撑体系，对于推动国内创意产业发展和学术研究具有重要意义。

一、创意产业概述巾国创意产业学术统计数据规范现状

1．创意产业概述

经济发展的内外生要素不断的演进，当知识经济、信息经济、行为经济、创新经济尚未被人类完全理解和掌握时，创意经济和创意产业业已成为全球大都市的新兴经济形态。如果溯源，则创意经济并不是很时髦的名词，早在1912年经济学家Joseph Schuumpeter提出的创新理论认为“经济发展需要创造性的破坏过程”，包括：引进新产品、引用新技术、开辟新市场、开拓原材料的新供应源、实现新的企业组织。当然，

“创意产业、创意经济”名词的提出还是在1990年代，最初见于澳大利业(1994)在“创意国度(Creative Nation)”中提出的第一份文化政策，随后英国文化、媒体和体育部(Department forCulture，Media and Sport，DCMS)(1997)确定了“创意产业”的概念，进而提出了“创意英国”的发展计划。时至今日，英国、美国、澳大利业、韩国、丹麦、日本、荷兰、新加坡、法国等国家都在不停进行创意产业的理论研究和实践探索，以推动地方经济发展和提升地方竞争力。John Howkins于2001年指出全球创意经济每天创造220亿美元，并以5％的速度递增。

1990年代末，创意产业与创意经济在中国学术界的推动下，引起了政府的关注和重视。尤其是在北京、上海、广州、深圳、香港、台北这些大都市区，创意产业兴起不仅在大都市内城更新中起到和谐社区构建的功能，而且也促进了内城产业区复兴与产业结构升级。国内创意产业的发展，离不开政府推动、企业的战略远见和学术界理论研究指导。但是，目前国内政府、企业与学术界对创意产业并没有统一的界定，更没有相应的统计规范以支持学术研究和政策制定与决策。

创意产业内涵，在不同的国家或地区有着各自的阐释和统计范围。英国及英联邦成员认为“创意产业”是：源自个体的创造力、技巧和才能，通过知识产权开发和利用，具有创造财富和就业机会潜力的诸多活动；在英国包括广告、建筑、艺术品与文物交易、工艺品制作、时尚设计、设计、电影及影像制作、互动休闲软件、音乐制作、表演艺术、出版业、软件开发、电视广播共13个行业。韩国和德国称“创意产业”为文化产业，1998年韩国提出“设计韩国”，并于出台了《文化产业振兴基本法》(1999)、《文化产业发展5年规划》(2000)、《文化产业推进计划》(2002)与《技术开发促进法》(2005)，以协助文化、娱乐、内容产业发展。日本创意产业主要包括声像(含广告)、音乐和音响(含广告)、游戏、图书、报纸、图像、教材(含广告)，日本文化创意产业是以数字软件技术为支撑、以数字硬件产品为载体、以文化为内涵的产业。美国将创意产业称为版权产业，其中核心版权产业(即指直接创作享有版权的作品和生产受版权保护产品的行业)包括出版与文学、音乐剧场制作、歌剧、电影与录像、广播与电视、摄影、软件与数据库、视觉艺术与绘画艺术、广告服务等。

当前，上述各国对“创意产业”的界定都自成体系，但主要是依据英国或美国的相关定义及统计范围而本土化，诸种观点并没有实质性矛盾。

2．中国创意产业学术统计数据规范现状

中国最早出现的创意产业统计界定是台湾和香港，(1)台湾地区在2002年5月提出文化创意产业的三大范畴：①文化艺术核心产业；②应用艺术(在其他文件中有时用“设计产业”)；③创意支援与周边创意产业。不过，对于文化创意产业之产业的具体界定尚未定案。直到2003年3月，“文建会”经过内部讨论，发表初步规划的十大文化创意产业，分别为：视觉艺术、音乐及表演艺术、工艺、设计产业、出版、电视与广播、电影、广告、文化展演设施、休闲软件。(2)香港特别行政区政府于2003年9月制定《香港创意产业基线研究》中用“创意、知识产权、社会及意象的创作与交流和创意产业生产系统”界定和评估创业产业，主要包括广告、建筑、艺术品、古玩及手工艺品、设计、数码娱乐、电影与影像、音乐、表演艺术、出版、软件与电子计算、电视与电台。

中国内地较为典型的“创意产业界定”是上海市经济委员会与上海创意产业中心于2005年结合上海特色认为：上海创意产业是指以创新思想、技巧和先进技术等知识和智力密集型要素为核心，通过一系列创造活动，引起生产和消费环节的价值增值，为社会创造财富和提供广泛就业机会的产业，主要包括研发设计、建筑设计、文化艺术、咨询策划和时尚消费等五大类50多个行业；厉无畏在《创意产业导论》(2006年)中认为创意产业以创意为核心增长要素的产业或缺少创意就无法生存的相关产业，大致包含三个部分：一是通常所指的文化及相关产业；二是与通讯和网络相关纳软件、游戏、动浸等内容产业；三是与传统产业相关的各类设计、咨询策划等产业，包括工业设计、建筑设计和会展策划等内容，而且他认为我国目前国民经济统计规范中与“创意产业”概念最为接近的是“《文化及相关产业分类》”。张京成在《中国创意产业发展报告2006》中认为创意产业是指那些具有一定文化内涵的，来源于人的创造力和聪明智慧，并通过科技支撑作用和市场化运作可被产业化的活动总和，并根据国标GBT4754 2002，将工艺美术品制造、建筑装饰业、信息传输、计算机服务和软件业、企业管理服务、咨询与调查、广告业、知识产权服务、工程技术与规划管理、出版业、广播影视制作与传播、文艺创作与表演、艺术场馆、文物及文化保护、博物馆、体育组织于体育场馆、室内娱乐活动、健身娱乐、游乐园等。杨永忠2009年在《创意产业经济学》认为创意产业是源于个人和团队创造力，受知识产权保护，并往往表现出科学技术性和文化艺术性的产业，分类与上海市经济委员会基本相同，只是将一些业类归属作了调整。

中国内地对创意产业的内涵认识基本一致，对于其统计范围存在差异。创意产业的内涵界定主要是依据“创意的产业化”或“产业的创意化”，这两种路径本质上是一致的：创意的产业化是从微观角度解释了创意如何从单一的元素发展到具

体的产业及产业链；而产业的创意化则从更宏观的角度描述了创意元素存在、发展的环境，进而渗透到传统产业，并对其许多环节改造和升级。中国内地对创意产业的统计范围的认识差异主要表现在(1)产业部门统计口径的差异：如厉无畏将“文化及相关产业分类”统计范围等同于创意产业统计范围；而张京成依照国民经济统计标准，拓展了厉无畏的相关界定；杨永忠并未改变前两者的基本界定，只是从行业所属产业部门做以调整。但国家统计局制定的文化产业分类并不完全符合我国创意产业发展状况，例如设计类就未被包括，而随着经济发展，设计也越来越多地从传统产业中分离出来，成为创意产业的重中之重。(2)国家统计局现有统计指标指标主要围绕企业的经济类型、从业人员、总产出及增加值、资产状况；企业主要生产经营活动和生产能力、主要原材料和能源消耗、科技活动等情况；企业登记注册类型和规模等各种分组资料，而且上海市创意产业中心和北京科学技术研究院中国创意产业研究中心出版的年度《上海创意产业发展报告》、《中国创意产业发展报告》中国相关统计指标也未能突破国家统计局的相关指标。

二、创意产业学术研究的数据支撑体系及其面临的统计问题

1．中国研究创意产业的相关学科及其主要领域

国内对创意产业的研究主要集中在产业经济学、人文地理学、城市规划学、艺术设计、工商管理等学科，主要是(1)创意产业发展与城市经济社会转型，主要包括城市创意产业发展的影响因素、城市创意产业的经济学分析、城市发展创意产业对策、创意产业与城市竞争力提升、创意产业与城市经济转型、创意产业园规划建设；(2)创意阶层与城市发展；(3)创意产业与城市互动；(4)创意产业与城市再生(更新)，主要包括创意产业对城市再生(更新)的作用、途径、基本模式及其政策建议研究；(5)刨意城市研究，主要包括创意城市评价、中国创意城市建设策略、构建创意城市的文化政策；(6)创意产业区或创意产业集聚区研究，主要包括类型、发展动力与机制、内部空间组织、城市尺度范围内的空间布局等。

2．中国创意产业学术研究的统计数据需求

从国内创意产业学术研究的主要学科和领域，可知国内创意产业研究的数据需求主要集中在(1)产业经济学领域的创意产业诸行业宏观、中观层面数据；(2)企业价值链与管理的企业发展数据；(3)城市尺度创意园区规划与创意企业环境营造的数据；(4)城市竞争力、创意城市评价与城市发展政策制定及其支撑指标体系数据；(5)创意产业区研究的企业、社区、城市三个层面的观察与统计数据等，当然随着国内对创意产业研究的深入，所需求数据的层面、统计对像、统计标准、统计精度、数据来源方法等将不断的拓展和深化。这不仅需要国家统计局尽快出台创意产业统计规范，更要不断的挖掘数据统计方法，从而为国内创意产业的学术研究和政府政策制定提供详实的、可靠的、系统的数据支撑体系。

3．国内创意产业国民经济统计现状与学术研究需求的差距

创意产业学术研究的数据需求与官方统计现状的差距主要集中在：(1)创意产业官方统计规范缺失；(2)创意产业现有统计主要是企业或半官方的科研型事业单位做了初步统计方案及在中国上海、北京、广州等城市予以展开；(3)现有企事业单位自行统计方案中，只注重创意企业从业人员、产值、主营业务、注册地、税收等经济方面的统计，缺失了很多重要信息；(4)现有非官方统计方案，未形成时间序列和企业、行业、产业及其与行政管理匹配的多层面的系统数据。

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高师院校民族民间音乐教学仍旧是以传统课堂教学为主要授课形式，教师讲、学生听，以教师为主体。教师首先按照教材内容向学生进行理论讲授，然后放几段音乐让学生欣赏，在讲授和欣赏的同时要求学生做笔记。有些院校的民族民间音乐课程连音像资料都没有，上课只有教材，教师简单模仿学唱几段具有代表性的片段就算欣赏。学生较为被动，缺少积极的参与，这种单一、陈旧的教学方法和落后的教学手段，使学生在教学过程中始终处于被动地位，很难引起学生学习的兴趣和积极性。

二、改进高师院校民族民间音乐课程教学的对策

(一)提高认识，加强师资队伍建设

民族民间音乐作为高师院校音乐教育专业的必修课，其教学不仅是使学生掌握较为全面的民族民间音乐知识，更是了解和学习中国传统文化的重要渠道［3］。教师和学生都要高度认识到民族民间音乐在学校音乐教育中的重要性。学校要多渠道加强师资队伍建设。首先，配备具有较高综合素质和能力的专职教师任教。其次，有计划地组织担任民族民间音乐课程的教师到其他兄弟院校培训和学习，同时组织教学经验交流活动以及学术研讨活动;聘请国内知名专家学者来学校开展学术报告，借此来充分调动学生学习民族民间音乐的积极性。再次，邀请知名民歌演唱家、戏曲表演艺术家、民间艺术家到学校表演，使学生较为形象、直观地感受民族民间音乐的巨大魅力。

(二)完善教学体系，改变授课方式

组织各高师院校专业教师依据高师人才培养方案制定课程标准，制定兼顾理论知识与技能技巧的考核评价体系。编写较为统一的民族民间音乐课程教材，教材应该体现“通识性”“地方性”与“时代性”等特点［4］。教学内容中既要包括全国高师院校学生所必须掌握的通识内容又要包括体现各高师院校所在地域及民族特色的地方性内容，而且两者都不应该只局限于传统音乐作品的教学，还应包括具有时代性的、反映当代中国社会人们生产生活的优秀民间音乐作品，同时搜集编制出和教材相配套的音像、影像资料和多媒体课件。任课教师应从培养学生对民族民间音乐的兴趣出发，改变授课方式，尝试运用多种教学手段，使课堂教学包含理论与技能、欣赏与表演实践等多项内容，使课堂有趣、丰富，同时又具有创造性，全面培养学生的民族民间音乐综合素质［5］。首先，改变传统课堂教学“满堂灌”的教学方法。鼓励学生积极参与教学活动，既当学生又当老师，让学生自己搜集材料并在课堂上向其他同学讲述，表演自己感兴趣的内容，调动学生学习的积极性，使学习变被动为主动。其次，改变传统单一的讲述教学模式。教师不但要教学生在课堂中学唱民歌、戏曲、戏剧，学习演奏民族乐器，还应要求学生参与演唱、演奏与表演，增加学生的参与意识，让他们亲身感受民族民间音乐的艺术魅力。再次，在课堂教学中运用多种教学手段。充分利用多媒体音像资料辅助教学，提高课堂教学质量。

(三)鼓励学生积极参加课外艺术实践活动

高师院校的民族民间音乐除了课堂教学还应延伸至课外，即组织开展多种形式的艺术实践活动，并鼓励学生积极参与，通过活动提高学生对民族民间音乐的兴趣与认知，同时在活动中发展学生的想象力，增强学生的创造意识［6］。例如:在校内利用晚自习或业余时间组织学生编排丰富多彩的民族音乐节目，如演唱各地富有代表的民歌、戏曲选段;演奏民族器乐;表演民间歌舞;举办民族民间音乐专场汇报演出等。

(四)加大对民族民间音乐课程的保护力度与资金投入

高师院校应该尽快加大对民族民间音乐课程的保护力度，加大对该学科的教学、科研资金的投入。例如:高薪聘请民族民间音乐专业的学者教授来校任教;对任课教师撰写相关论文及编著著作要加大奖励力度;多渠道购置优质、专业的音像教学资料，加强教学硬件设施与设备的建设。同时调动全社会各界力量，使全社会认识和了解民族民间音乐课程，提高社会各界保护民间音乐文化遗产的自觉意识，营造有利于音乐文化遗产保护、传承的社会氛围。

三、结语

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す丶词:英国高等艺术教育；学位体系；学科分类；现状

中图分类号：G640文献标识码：A

“艺术教育”有两层含义，一是指以素质教育为目的的学校艺术教育，例国内三十年代提出的“以美育代宗教”等等；二是指以职业教育为目的的专业艺术教育，即以艺术专业的系统教学，使学生成为某一艺术行业从业者的教育。以各级各类的专业艺术院校为培养机构。本文的“艺术教育”是指后者。“高等艺术教育”是指以艺术各门类专业教育为主的各层次的中等后教育。根据英国高等教育质量保证署推出的学科基准，“艺术”大学科概念包括：音乐；舞蹈、戏剧和表演；艺术与设计；艺术史、建筑和设计；传媒、电影和文化研究；艺术治疗六大学科。英国高等艺术教育具有悠久的历史。中世纪末，音乐在牛津和剑桥大学已成为独立的学科，15世纪中叶的英国大学已明确规定授音乐学位，到了19世纪，出现了独立设置的单科艺术学院［1］，例皇家音乐学院、皇家艺术学院等。

一、英国高等艺术教育的学位体系

英国高等教育的性质在过去40多年中发生了巨大的变化，到2006年在大学和学院学习的学生超过2百万，还有198，000左右的学生在继续教育学院接受高等教育［2］；学生的入学年龄也发生了变化，从全日制的应届学生到部分时间制的成人学生；高等教育是“终身学习”的一部分。英国教育与技能部对高等教育的主要目的作了如下阐述：（1）提高个人能力和个人工作能力、并挖掘他们的潜力；（2）通过教学和研究推进知识和认知的领先；（3）为建立一个经济繁荣和文化多样的国家作贡献［2］。

根据英国国内高等教育发展状况，于1997年成立的英国高等教育质量保证署（简称QAA）制定出一套符合高等教育发展需要的学术基本准则，便于对多样化的高等教育进行质量审查，其中之一便是“英国国家学位资格证书框架”（Framwork for Higher education Qualifications）。学位资格框架对各层次学位和取得学位的资格作了分类说明。其中适于英格兰、威尔士和南爱尔兰的框架如下：

其中，证书水平的要求：具有稳固的学科基础概念知识，学会通过不同途径解决问题。能正确地进行交流，具备工作中需要的个人责任感。

中间水平的要求：具备对专业理论知识的良好理解能力，学会广泛地运用专业理论，用不同的合适的方法解决问题，学习具有一定职业倾向，能在选择的领域取得成效。具备工作所必须的个人责任心和作决定的素质。

荣誉证书水平的要求：能理解复杂的知识，其中有些是现时范围的学术理论。掌握分析技巧和解决问题的能力，并且能运用到不同种类的工作中。能通过对事实的估价、证明和假设获得稳定的判断和有效的交流。具备工作岗位需要的个人责任心，以及在复杂和不可预测的环境中作决定的能力。中间水平是一个庞大的系统，主要课程需要全时制三年学习，获得荣誉学士学位，如艺术学士学位、科学学士学位。在这个水平还有短期课程和专业换位课程，针对在读大学生，还有在其他领域获得毕业证书和毕业文凭的学生。

硕士水平的要求：能掌握学术或专业理论的前沿知识。学生能展示在应用知识时的独创性，能有系统有创造性地从事复杂问题的研究，并能显示承担和解决问题的独创性。具备在复杂和不可预测的专业工作环境中需要的稳定的判断力、个人责任感和创新能力。大部分硕士学位课程学习需要全时制一年教学型和研究型或混合型的学习，研究为基础的学习往往是针对哲学硕士学位。科学与工程学位需要获得荣誉学位证书一年以上才可申请。还有一些短期课程可获得研究生证书和研究生文凭。

博士学位水平的要求：能通过独创性的研究创造和诠释知识，拓展前沿理论。能对新知识进行概念化和工具化。具备对专业领域复杂问题的前期信息判断，以及在承担和解决问题中的革新能力。学位课程由一个研究组合构成，一般需三年全日制学习。

英国的高等艺术教育在这个框架下形成了多层次、多规格的院校办学模式。包括传统的单科专业院校、大学中的艺术学院、独立设置的多科艺术学院、继续教育学院内高等教育证书和学位课程学习。

1、传统的单科艺术院校。英国国内传统的单科艺术学院，如英国皇家音乐学院、英国皇家舞蹈学院、英国皇家艺术学院，均由皇家发起和经费支持，属于政府部门主办的学校。以英国皇家艺术学院为例。学院创办于1837年，在1967年，学院获得皇家许可与大学法定机构（是指通过“议会法案”设立，从而有一个满足法律需要的机构对某个特别领域的办学进行评审）商议获得学位独立授予权。学院目前提供的学位学习包括：艺术硕士（Master of Art）、哲学硕士（MPhil）和哲学博士(PhD)。为对应质量保证署的“研究生证书框架”，学院还提供两年制的“高级硕士”课程学习，可获得学院颁布的“艺术硕士证书(MARCA)”。

学院根据新定义的使命和学科教育政策要求，建立了多种类型的合作教育：与维克特里亚和阿尔伯特博物馆（V}A）签订政府协议，与皇家科学、技术和医学学院(ICSTM)建立合作项目，在合作期间，学生可以获得皇家艺术学院的艺术硕士学位或哲学硕士或哲学博士学位；学院工业设计工程学学部与皇家科学、技术和医学学院合作推出一个“双学位”,包括皇家艺术学院艺术硕士学位和皇家科学、技术和医学文凭；艺术设计史学部还与维克特里亚和阿尔伯特博物馆（V}A）合作提供皇家艺术学院艺术硕士学位和哲学硕士和博士的学习。在2001年，学院成为国家电影和电视学校的学位认证部门，学生在国家电影和电视学校学年专业课程，可以获得皇家艺术学院的电影和电视艺术硕士学位。

2、大学中的艺术学院。英国的大学是指由“皇家”“议会法案”或“枢密院”授权来开展其课程并具有学位授予权的独立自治性机构。英国的大学从中世纪后期就有记载艺术教学的情况，到中世纪末，音乐在牛津和剑桥大学已成为独立学科。如牛津大学（1431年）要求教师职位候选人学习“为期一年的音乐”。15世纪中叶的英国，大学已明确规定授音乐学位［3］。到19世纪，在其他一些大学（如伦敦、威尔士、曼彻斯特）常提供国立或市立教育机构所没有的音乐教学。下面以剑桥大学的音乐学院为典型，了解英国传统大学中的艺术学院。音乐学科学习在剑桥有悠久的历史。1464年世界首个音乐学士学位由剑桥颁发给亨利・阿比歌顿，儿童宗教音乐硕士学位给爱得沃德四世，在此期间，著名的音乐人如威廉姆・博尔斯等一大批音乐家都在剑桥学习或教学。在最近的十年间学院的智力中心已经从音乐历史学转移到音乐评论、民族音乐学和音乐认知学。目前剑桥大学音乐学院研究领域包括：音乐学史，音乐作曲，民族音乐学，科学和音乐。

3、独立设置的多科艺术学院。英国的多科艺术学院大部分是20世纪40、50年代从教师教育机构发展而成，一般以所属区域或创办者的名字命名，如“卢斯勃洛夫德学院”、“威斯敏斯特城市学院”等。多科艺术学院最显著的特点是服务于地方企业界，培养高技能人才，满足企业用人需求，并向各类学生提供一种开放式的教育［4］。进入20世纪90年代，多科艺术学院有的升格为大学，具有独立的学位授予权，但大部分学院仍保持多科技术学院的办学模式和特征。卢斯勃洛夫德学院成立于1951年，创办的目的是培训演员和教师。学院是“欧洲西部最大的和最综合的提供表演、实践和研究的专业学院。”［5］1976年在全国率先提供戏剧职业学位。学院提供一个宽泛的本科专业课程学习，在1996年，通过远程教育引入戏剧学位学习。学院提供的学位学习多种多样。荣誉学士学位有：表演、音乐表演、美国戏剧艺术、服装生产、导演、欧洲戏剧艺术、灯光设计、多媒体设计、音乐技术、戏剧研究（远程教育）、舞台效果艺术、舞台管理、剧院设计。其中，舞台管理、表演、服装生产、舞台效果艺术由国家戏剧培训协会认证，其他所有专业由大学认证。

4、继续教育学院中的高等艺术教育课程学习。英国的继续教育学院（Further education colleges）数量非常庞大，主要负责义务教育后的职业技术教育［6］。继续教育学院层次多样，有高级水平的多科技术学院，普通水平的技术学院，还有基础水平的夜校等。随着英国高等教育双重制的结束，继续教育学院也具备1989年教育改革法赋予多科技术学院和高等教育学院的自，满足学生和雇主对高质量继续教育的要求。目前，英国约有20万左右学生在继续教育学院学习［2］。英国的高等教育质量保证署对继续教育学院中的学科学习每隔5年进行一次学科审查（Subject review）,以保证继续教育学院的学习质量。下面以曼彻斯特艺术与设计学院为例作简略分析。曼彻斯特艺术与设计学院是英国第十七大继续教育学院，成立于1950年。学院提供500多种课程的不同程度的学习，学院在曼彻斯特城有5处校区，每个校区都设在教育和社会发展较弱的地区。学院提供的国家高等教育证书和文凭学习均受Edexcel的认证，学院的学术教学结构由15个课程部门组成。学院有关艺术类学科学习包括“艺术与设计”和“音乐”，学院提供的高等教育学习包括：A.荣誉学士学位学习：家具设计和制作(全日制)、家具修复和保护(全日和部分时间制)；B.高等教育证书学习：家具修复和保护；C.高等教育文凭学习：家具修复和保护(全时或半时制)；D.国家高等教育证书学习：乐器技术(全时、半时、短期)、动画设计(半时、短期)、音乐生产（部分时间制、短期培训）；E.国家高等教育文凭学习:乐器技术(半时制)、动画设计(部分制)。“艺术和设计”类课程由17名全日制教师和5名部分时间制教师担任，“音乐”类课程由5名全时制教师和7名访问学者担任。每个课程的所有学位课程模块是必修的，有一个范围的选修模块。根据Edexcel标准,完成10个单元可获得国家高等教育证书，16个单元可获得国家高等教育文凭。

二、英国高等艺术教育学科分类和专业设置

英国高等艺术教育系统中的艺术类学科的划分，依据英国高等教育质量保证署2002年开始颁布的国家高等教育学科基准的划分，包括(1)音乐(Music)；(2)舞蹈，戏剧和表演(Dance,drama and performance)；(3)艺术与设计(Art & design)；艺术史,建筑和设计(History of art,architecture and design)；(4)艺术治疗(Arts therapy)；(5)传媒，影视和文化研究(Communication,media,film and cultural studies)。2006年英国泰晤士报(Times)英国大学学科排名表，艺术与设计排名5；传媒，影视和文化研究排名14；戏剧，舞蹈和表演排名17；艺术史排名30;音乐排名45。(共58个学科参加排名)［7］

1、音乐

音乐是一种创造性的有教养的艺术行业，是一种表演艺术［8］。三种基础的学习包括:作曲\\表演和听觉训练。音乐学科基准列出了目前英国具有代表性的一些专业领域的学习，包括：

与音乐学科相关的专业设置还有很多并在发展和调整中，目前英国音乐学科荣誉学士学位的名称就有音乐学学士、科学学士、工程学士和音乐应用学士等，是一个可以与不同学科交叉学习获得学位的学科。

2、传媒、影视和文化研究

传媒、影视和文化研究，是指以文化和交流活动作为中心力量，能识别和领悟日常生活的社会和心理特征以及经济和政治活动的组织特征、公众文化的建构特征、创造力的新表现形式特征等等，都是专业实践的基础范围［9］。

这是一个正在发展中的学科,因此这个学科中的专业设置也是在实践和社会发展的过程中逐渐建立,目前较完整的专业设置包括:广播,传播学,文化研究,电影电视研究,记者,媒体制作,媒体研究,流行文化,公共关系,出版。此外还有一些正在发展的学科学习:

A.有些学位课程围绕着文化或传媒,其他的专注在某一实践领域如电影,摄像或记者;

B.有些侧重传媒和文化研究的技术因素，而另一些侧重它们的经济或商务应用，它们的工业的和管理的结构和程序，它们的社会应用或它们的符号学、审美学或有可能产生的影响。

C.有些包含历史成分，有些强调当展，有些侧重建立媒体和文化活动，有些侧重新的显现的传媒、文化或交流形式；

D.有些研究建立在人类交流的通常模式上（说和书写的语言、视觉和听觉交流，直接或间接交流，团体活动）；一些侧重在特定的媒体、文化、和审美系统中（例如印刷媒体、电影、电视、收音机、流行音乐或数字化形式和计算机媒介）；一些侧重物质文化和日常文化（例流行文化，公共和私人空间组织，文化机构如画廊、博物馆和剧院；以及正统的和流行的文化之间的关系。

E.有些首先关注专业实践和相关的生产、商务和管理，包括智力和技术能力；而还有一些既不提供与传媒、文化生产直接的经验，也不提供实践经验，类似评论或反馈。

传媒、影视和文化研究的学科学习，随着其在现代社会中扮演的角色的中心化，其学科专业实践需要系统性、批判性和反馈性的教育。目前英国有约60所大学开设这个领域的课程，有超过15，000名学生在这个领域学习。

3、舞蹈、戏剧和表演

舞蹈、戏剧和表演，在现代的英国高等艺术教育领域已经发生了变化，当前的学科学习范围包括：

A.舞蹈、戏剧和表演各领域的相关活动。包括传统的智力/表演实践、知识、技能和观念；

B.能组成这些学科学习活动的相关领域包括：影像、电影、电视、无线广播和各学科的表演；

C.融合各种表演和创作模式的工作：其他媒体和新技术，交叉学科和混合媒体的表演。特别是表演艺术的界限在新的实践中在现有观念的挑战下日益模糊。

因此，关于表演艺术的概念和实践的多样化和相互关联，并没有一个稳定的知识和技能体系，但因为社会挑战、政治和艺术的价值和实践而显得有独特的个性，是一个具有生命力的学科。这些多样化和不断的发展在英国的荣誉学位水平学习中有不同的反应，例：

A.有些高等教育机构提供专业职业培训，包括舞蹈、戏剧、歌剧、表演和艺术生产；

B.有些高等教育机构提供单个荣誉学位在舞蹈、歌剧、戏剧或表演，或相似名称的专业；

C.有些学院提供荣誉学位的交叉专业，使舞蹈、歌剧和表演结合，或舞蹈和表演与其他学科的结合；

D.有些学院提供还未有学位名称的交叉课程学习（如现代艺术）。这些课程各艺术形式的分类是模糊的，特别是当代的实践，已经导致舞蹈、戏剧和表演的结合，例视觉艺术、音乐和写作；

E.有些高等教育机构的行政部门承担命名和分类这些补充的部分，如英语和歌剧，戏剧、电影和电视研究，戏剧和媒体艺术。

与舞蹈、戏剧和表演相关的专业学习基本包括：

表演、训练和身体训练；表演人类学；剧场应用；艺术与文化政策，投资和管理；编写和创作；编舞和编舞术；社区表演；评论方法和文学分析；舞蹈实录分析和重组；教育；风格；舞蹈；创作；导演；舞蹈、戏剧和治疗；性别、性和表演；舞蹈、戏剧和表演中的健康和安全；历史、理论和美学；生活艺术和表演艺术；管理和生产；运动研究和剧场训练；音乐和音乐戏剧；表演理论和分析；表演和计算机；表演和社会和流行文化；表演实践和专业表演技能；剧本撰写，透视技法；影视戏剧和舞蹈；舞台管理；剧场技术；舞蹈、戏剧和表演理论。

4、艺术与设计，艺术史，建筑与设计

艺术与设计学科是英国的强势学科，本科毕业生就业率超过国家平均水平。“艺术与设计”应用在一个宽泛的、复杂和多样的学科范围。在英国，关于这个学科有不同的名称，从“实用美术”、“装饰艺术”、“艺术和工艺”、“美术和应用美术”，一直到20世纪后半期才被指定命名为“艺术与设计”。《英国高等教育质量保证署1998-2000学科概览报告（艺术与设计）》中指出：“艺术与设计”有9个不同的领域，时尚、纺织品；美术；图形设计；摄影、电影、电视；三维动画设计；普通艺术和设计；多科艺术和设计；媒体生产；学术研究和专业实践研究。英国高校招生部列出了涉及这个学科的至少170个不同课程［10］。艺术与设计学科由于运用新媒体和技术，特别是数字、透镜和时光媒体，同时还通过改变当代文化状态而重新定义学科。但大多数学生需要有一个艺术与设计的宽基础的学习，在本科学习前要有基本知识和技能，但有些专业不需要太专业的基础知识和技能，如：修复与保护；艺术博物馆和画廊管理和经营；教堂设计和管理；出版。

5、艺术治疗

艺术治疗属于英国保健卫生署（NHS）管理的保健专业.英国高等教育质量保证署与保健卫生署合作制定了保健专业标准，目的是建立或者恢复保健专业基本准则，制定有关学术和执业标准，提供一个不同背景的保健员工教育和培训框架［11］。

艺术治疗包括艺术治疗和艺术心理疗法，舞蹈运动疗法，戏剧疗法，音乐疗法四个领域。

A.艺术治疗和艺术心理疗法。

英国艺术治疗协会对艺术治疗和艺术心理疗法的定义是：是指在受过专业训练的艺术治疗师的引导下，应用艺术元素作自我表达及反思的活动。治疗师的最终目标是通过应用艺术元素使病人在一个安全和适宜的环境中产生影响和变化。病人和治疗者的关系是重要的中心环节，但艺术治疗和艺术心理疗法与其他心理疗法不同的是它涉及到三个因素：病人，治疗者和想像或艺术作品。

艺术疗法和艺术心理治疗是一个交叉(中间)学科和应用学科，进入该学科学习包括120天的临床实践，培训持续二年全日制学习或三年部分时间制学习，是属于硕士水平的学习。

B.舞蹈运动治疗。

英国舞蹈运动治疗协会定义该领域为：运用运动和舞蹈的心理治疗技术，通过治疗师的创造性活动推进病人的情感、认知以及身体与社会和谐相处［11］(ADMT UK 2002，P1)。

该学科已不仅仅把舞蹈当作听觉艺术,治疗师受现代的物理技术理论和心理治疗技术和治疗实践启示，以及舞蹈的多文化传统，身体运动和精神层面的发展,都不断地在国内和国际研究的基础上推进。

舞蹈运动治疗执业者的年龄必须满23周岁，并且需要应聘者有以下条件：有相关领域学习的本科学位，或专业资格证书，或多方面的相关经验；至少有二年持续的学习舞蹈和运动的经历，或者有多样的运动和舞蹈经历；有能力在双人或群体互动中运用运动进行即兴的叙述故事和交流；有至少一年相关工作经验(志愿或付费)；具备作为治疗者需要的个人训练相应的成熟度。

C.戏剧疗法。

戏剧疗法是指：以运用歌剧和戏剧的倾听艺术作为治疗主要过程的活动，是一种通过行动方式推进创造力，想像力，学习力，洞察力和身心成长的活动。

戏剧疗法从业者注册前的高等教育学习，包括至少100小时的戏剧临床实习，培训需要一年半至二年的全日制学习或四年部分时间制学习。

D.音乐疗法。

音乐疗法是指：建立在非言辞介入互动的基础上，提供给病人一种能表达自己，使情感交流和互动更容易的方式，主要以音乐创作为交流形式。

音乐疗法的高等教育学习,需要一年或二年全日制学习,或二年至三年但不超过五年的部分时间制学习。

英国高等艺术教育学位体系与学科分类，体现出以下一些特征。一是体现了高等艺术教育的一元体制下的多层次、多规格的学位体系。英国的高等艺术教育既有传统意义上的培养艺术精英的院校，又有适应时展的培养艺术大众化人才的院校，表现在扩大中间水平学位的设置，如基础学位、高等教育证书和高等教育文凭的设置等。二是体现了艺术学科领域的变化。英国艺术协会在《2006-2008年规划》中认为：文化消费已经不再是过去被限制在精英阶层，创意的工作也不再是专业艺术家的领域。英国的“创意产业”占其国民生产总值的5%以上，因此，艺术学科不再是传统意义上在审美领域和文化消费领域的学科。艺术学科正被重新整合、分化，与其他学科如物理、医学、工程技术交叉而生成新的学科和专业；有些艺术学科的领域的边界已逐渐模糊，例舞蹈、戏剧和表演的发展趋势是随着新媒体的介入将出现新的气象；有些艺术学科正在建设和发展中，例如传媒、影视和文化研究学科；学科名称也在不断更改中，例如“艺术与设计”学科名称，从“实用美术”、“装饰艺术”、“艺术和工艺”、“美术和应用美术”，一直到20世纪后半期才被指定命名为“艺术与设计”；等等。三是体现了英国高等艺术教育专业设置、人才培养方式与社会需求密切呼应的特征。英国高校外部质量保证传统上还存在着一个各种专业领域的外部鉴定和专业认证制度，这一制度是通过各种专业协会或法定机构对授予专业头衔的课程进行鉴定。这类鉴定保证了学生通过该课程的学习可以获得执业所必须的能力和认识。英国高等艺术教育“艺术与设计”学科名称的变化，艺术治疗学科的发展等都不同程度体现出学科、专业设置与经济发展互动的特征。（责任编辑：陈娟娟）

参考文献：

［1］戴定澄主编.音乐教育展望［M］.上海：华东师范大学出版社，2001.33.

［2］HighereducationintheUK2005［R］.NorthavonHouse ,Coldharbour.Lane.BRISTOL,BS16 1QD 2005.10.

［3］戴定澄主编.音乐教育展望［M］.上海：华东师范大学出版社，2001.33.

［4］杨晓波.英国多科技术学院政策述评［J］。比较教育研究，2007：（4）.75.

［5］Rose Bruford college (institutional audit)［R］.Southgate House,Southgate street,Gloucester GL1 1UB.2003.4.

［6］徐辉，郑继伟编著.英国教育史［M］.吉林，吉林人民出版社，1993,7.374.

［7］2006年泰晤士报Times 英国大学排名［N］。Http:the timesonline.co.uk.2007-10-22.

［8］Music ［EB/OL］.Southgate house, Southgate Stree.QAAAR055.2002.2.

［9］Communication,media, film and cultural studies［EB/OL］.Southgate house, Southgate Stree.QAAAR055.2002.2.

篇9

【关键词】商洛花鼓戏 音乐 审美特征 多元化 价值

商洛花鼓戏主要流行于我国陕西省的商洛区域，是一种具有浓郁商洛戏剧特色的地方小戏。商洛花鼓戏婉转动听、活泼欢快，成为广大群众喜闻乐见的一种戏剧形式。然而现代化文化的迁移给花鼓戏的发展带来了很大的挑战，随着文化文明的发展，我们一定要注重并加强商洛花鼓戏这一传统戏剧文化的艺术特色以及自身的文化价值，真正促进商洛花鼓戏的繁荣发展。

一、花鼓戏的音乐审美特征

（一）锣鼓艺术

传统商洛花鼓戏锣鼓分为武场和文场。乐队武场分为铰子、鼓板和锣，通常由三个人组成，位于整个舞台的右方，而文场仅有一把大筒进行演奏。传统意义上的锣鼓分为帮腔锣鼓、起板锣鼓以及身段锣鼓这三种形式，并且每一种锣鼓点子都具有自身独特的特性和使用区别。

传统形式的商洛花鼓戏中小调戏曲牌和八岔戏的演唱形式是角色干唱，锣鼓与后台众声相帮腔。因此，凡是帮腔一定有锣鼓，不同于筒子戏在花鼓戏中的伴奏随腔，是商洛花鼓戏的一大音乐特点。

（二）音乐艺术形式

合理的唱腔设计与戏剧音乐的统一性和完整性有着紧密的联系，可以说唱腔音乐进行戏剧布局的关键。它是刻画人物、塑造形象、表达与突出人物情感和性格的有效途径，与此同时，它还是一种地方独具特色的审美标志，而商洛花鼓戏在既有多种唱腔形式。

（1）独唱。独唱主要是指运用大段独唱对情境、身世、情节等人物基本的感情思想。资料显示，花鼓戏在宋代是尚处于萌芽时期，而当时歌谣主要以单一散装的表达形式，因此花鼓戏在演出形式上类似山歌号子一般，一个人领唱而众人在一旁帮腔，而这中表演形式一直保留到现在。

（2）对唱。对唱的表演形式最早出现在清朝，实质上也就是艺人之间的二人演唱形式。这种演唱形式对环境的要求非常自由，两三人简单着装，略施粉黛，哪怕一顶帽子，一方手帕也可以拿来作为道具，可以乐器伴奏，也可以徒歌清唱，表演者甚至可以在地垄庭院或者是山野田间进行即兴的表演。这种对唱的表演形式愉悦、欢快，感情比较细腻，通常被称为“打花鼓子”。

（3）三小戏。以小旦、小生和小丑这三个行当进行主要表演，并且戏剧的内容越来越丰富，包括演唱、念白等形式，但表演场地以小型舞台居多，并且不断增强和发展表演内容的戏剧性。

（4）舞台戏。舞台戏表演得主要是比较大型的戏剧作品，剧团是最主要的载体，是一种能够有效借鉴并吸收其他剧种精华的一种舞台表演形式，用商洛花鼓戏的传统调子加上话剧的表演模式，有效发挥灯光音响、舞台设计来强化舞台效果。可见，舞台剧不仅让商洛花鼓戏对传统意义上的表演风格有所保留，而且还充分体现和满足了现代化社会的审美需求。

（5）衬腔、虚词运用。因为不同语系以及唱腔的需要，所以花鼓戏中常常会在唱腔中夹带一些衬词和虚词，从而更好地体现出陕西地区楚汉文化交汇所产生的独特文化风格。此外，商洛花鼓戏在早期的表演中没有一定的表演模式，也没有行当上的划分，只是随意进行编演、扭唱，并且内容上多为言语和民间语言，所以在唱腔中会习惯加入一些虚词，例如哎、啊、呀伊呦等等。

（6）真假声运用。商洛花鼓戏在传统表演中对演唱嗓音有多种方式的运用，各具特色。其中，大筒子戏就属于板腔体戏曲的一种，并且在板路上比小调戏和八岔戏要丰富得多，并且艺人们在演唱的过程中会对板路进行各自的创造，所以大筒子戏比小调戏和八岔戏在戏剧情绪上有更强的适应能力。大筒子戏在演唱上通常会运用真假声结合的方式，以更好地适应强烈的情绪变化。而小调戏和八岔戏的音乐素材主要来自民间，因此旋律较平稳、音律适中，所以在进行演唱的过程中不需要使用假声，只要放开嗓子演唱即可，并且曲调中富有浓郁的生活气息，能够充分体现出商洛戏曲的戏曲韵味以及音乐美感。

二、花鼓戏的文化价值

（1）学术研究的价值。目前，商洛花鼓戏已经成为我国首批非物质文化遗产中的保护剧种，并且花鼓戏在商洛地区戏剧中占据着重要地位。不仅具有明显的地域文化特色，而且在某种意义上具有很高的历史研究价值。可见，商洛花鼓戏的保护工作对中国地方戏剧的发展研究具有相当大的学术发展价值，并且对陕西地方戏剧的产生和发展具有重大的发展意义。然后，商洛花鼓戏蕴含着巨大的民间文化精髓，因此对商洛文化、经济以及历史的发展提供了真实、可靠的资料。最后，商洛花鼓戏不管是从传播、文化还是社会的角度来看，都与商洛周边文化以及大众文化的审美有着更加广阔的发展空间和学术研究价值。

（2）艺术表演的价值。商洛花鼓戏是经过时间的发展和实践，从中积累了丰富的艺术传统和、成果，从而形成具有语言美、唱腔美和表演没等多种艺术特点。所以，从商洛花鼓戏中，观众不仅可以从中感受到商洛戏剧的语言艺术、表演艺术以及唱腔艺术，而且还可以从整个过程中亲身领略到陕西地区独特的民间艺术以及浓郁的民族风情。例如，脸谱、演出习俗、戏服装扮以及砌末道具等等们这些都可以说是珍贵的艺术品。

三、总结

综上所述，商洛花鼓戏自身具有独特的地方特色，具有文化艺术的多元创新与发展的潜力。但随社会进步、经济繁荣，各种文化艺术也在发展中产生着日益激烈的碰撞，作为传统剧中的商洛花鼓戏应该在寻求更还对发展吗，充分显示自身的艺术审美特征以及多元化的文化价值，做好商洛花鼓戏继承和发扬工作。

参考文献：

[1]李世鹏.商洛花鼓戏的历史与现代传承[J].中国戏剧.2007，（05）.

篇10

一、高校参与音乐类“非遗”保护与传承的意义

我国政府历来高度重视文化遗产的保护工作，在全社会的共同努力下，文化遗产保护工作取得了一定的成效。当前，随着经济的全球化和社会的现代化，我国文化遗产的传承与保护面临困境，现状不容乐观。为继承和弘扬中华民族优秀传统文化，推进社会主义先进文化建设，广东省的高校应发挥其不可替代的积极作用：高校教育是传承音乐文化的主要途径之一，教育能最大程度地影响大众。广东是中国高等教育最发达的省会之一，也是中国南方高校最密集的城市，仅广州市就有高等院校80余所。将广东省音乐类非物质文化遗产的保护与传承与高校教育相结合，不仅是贯彻落实《国家中长期教育改革和发展规划纲要（2010-2020）》和《广东省中长期教育改革和发展规划纲要（2010-2020）》目标和精神的需要，还能深化高等教育的教学改革。通过两者的结合，优化课程体系，更新教育内容，改革教学方法，推进人文教育与科学教育、理论教学和实践教学紧密结合；促进校内教学与社会实践互动，形成多样化的人才培养模式；以科学的发展观贯彻落实科教兴国、人才强国战略方针。

（一）理论研究方面

关于“非遗”这个概念，我们并不陌生，但具体涉及到音乐类“非遗”的类别划分、保护与传承的方式方法等问题，目前学术界还未有一种普遍认同的观点，有待进一步探讨。

有关广东省音乐类“非遗”的资源，因为传统音乐与其他艺术及文化门类的交叉性等原因，目前还未有比较权威的电子资料库或专著予以宏观、详细的说明介绍，而侧重于关注某一具体类型诸如客家山歌、粤剧等的研究。高等院校的专家学者们可以从高等教育、地域性非遗资源以及自己的专业角度出发，展开有关音乐类“非遗”保护的深层次的理论课题研究，提出相关概念，参与非遗的保护与传承。如，可比较研究不同专家学者们有关非遗分类的观点，提出广东省传统表演艺术类非物质文化遗产的概念，从整体、全面的角度对其进行梳理，有利于广东省艺术类非遗工作系统而深入地展开。通过对广东省内各地区的音乐类非物质文化遗产资源进行搜集、整理，加强数字化研究，有利于图文声像并茂地向学生介绍广东省内各地区、各类别的不同级别的音乐类“非遗”资源及传承人；深入挖掘和展现岭南文化的厚重底蕴与优秀精华，让非物质文化遗产在高校体现其教育价值。

（二）教学方面

高校不仅具有丰富的智力资源即专业师资力量，能为音乐类“非遗”的保护与传承提供充分的专业指导；配合政府、传承人做好实质性的宣传、教育等相关工作；同时通过相关的课程设置、教育方式方法的专业化、集约化能培养更多更好的非物质文化遗产保护、研究、传承等各类专门人才，可以在一定程度上解决文化传承人后继无人的局面。

立足广东，按照教育主管部门的规定，因地制宜开展音乐类非物质文化遗产教育活动，并将广东省音乐类非物质文化遗产代表性项目教育列为素质教育的内容。不但能够丰富高校音乐课程的教学内容，拓展教学资源，体现地方特色，还能够以此为契机，编写相关音乐类“非遗”普及教材，有效地传承广东省的优秀传统文化，促进音乐类非物质文化遗产在高校的保护与传承。在此基础上，进一步探索具有广东特色的课程体系和教学内容，建设精品课程以及教材革新，开设艺术类非遗特色专业。通过音乐类“非遗”丰富多彩的教学内容与形式，激发学生的学习热情，真正从素质教育的高度，朝着全面培养学生能力的方向发展，以文化传承的视野重新审视音乐学科的教学，探索出具体有效的有关音乐类“非遗”的教学形式和方法。

（三）传承方面

在社会文化急剧变迁的今天，传统文化极易丧失其保存、传承的生态环境。在高等学校艺术教育中对传统表演艺术文化的内在价值进行理解和发掘，在此基础上，对其传承模式进行深入探索与研究，有可能为广东艺术文化的保存、延续、发展提供一种校园形态的场所、方法与思路，并为其可持续发展创造新的生态环境。同时也能够通过营造浓郁的地域文化氛围，提升校园文化建设。

通过在高校进行广泛的宣传，使大家进一步认识非遗的地位、价值、作用，提高全民的保护意识，形成良好的氛围，利于深入探索建设中华传统文化在高校的传播体系。

二、高校参与音乐类“非遗”保护与传承的思路

高校参与音乐类“非遗”的保护与传承，旨在探索一条符合中国国情的、适合高校的、具有广东特色的艺术类非物质文化遗产保护与传承之路。通过研究广东省音乐类非物质文化遗产在高校进行保护与传承的实践方法，借鉴国内外专家学者在此方面的研究成果与方法，为广东省音乐类“非遗”保护做出教育传承的努力。

（一）广东省音乐类“非遗”现状的调研

目前，关于非物质文化遗产的分类体系众说纷纭，各有利弊，尚未统一。广东省非物质文化遗产是按照国家制定的分类标准、遗产名录予以公布的。广东省音乐类非物质文化遗产应包括传统音乐类、传统舞蹈类、传统戏剧类、传统曲艺类等类别。目前尚未有完整而系统的资料库或专著能够便捷地查找到相关资料，不利于相关内容的学习与研究，直接影响其保护与传承。

因此，首先应对广东省各级非遗名录进行搜集与整理，按照国家级、省级、市级等不同级别，珠三角、粤东、粤西和粤北四大区域，音乐、舞蹈、戏剧、曲艺四大类型把广东省音乐类非物质文化遗产依照不同的分类标准予以分门别类。通过搜集、整理、汇编，以此为基础，编写广东省音乐类非物质文化遗产保护方面的普及教材。其次，应对广东省内兄弟院校关于音乐类“非遗”保护工作进行学术调研，通过调查，了解“非遗”在高校传承的现状，总结各个高校在保护与传承方面的经验与不足，提出思考与建议，撰写相关调查报告。再次，可结合各自高校的地缘与师资条件，对本区域内代表性的“非遗”项目予以实地调查，通过文献资料搜集、田野调查系列报告会、田野调查多媒体展示等多种形式，积极展示和宣传广东省音乐类非物质文化遗产。

（二）音乐类“非遗”保护与传承的实践研究

在高校的音乐专业与非音乐专业中进行实践研究，从专业、普及层面做好音乐类“非遗”保护与传承的相关工作。在音乐专业方面，对专业课程设置进行改革，如将广东省音乐类非物质文化遗产纳入民族民间音乐课程教学范围，在音乐赏析、专业演唱、演奏等课程中渗透“非遗”文化，以求达到继承和保护的目的；将民间艺术家――非遗传承人作为“活性资源”请进校院、请进课堂，举办“非遗音乐进校园”活动，实现非遗的动态保护与传承。在非音乐专业，开设与音乐类“非遗”相关的选修课程，积极宣传教育；与校社团结合，积极开设校园“第二个课堂”，让学生身临其境地感受、认知、学习、研究“非遗”音乐，激发学生对音乐类“非遗”的兴趣与热爱。

筹备构建广东省音乐类非物质文化遗产研究基地，不仅对广东省的非遗工作保护和研究发挥着重要的作用，还有利于促进校园文化的发展。发挥高等院校资源充沛的优势，和其他学科建立共同研究的关系。重视“非遗”音乐传承的研究团队与教学团队的建设；与广东省其他兄弟院校进行广泛的交流与研究，从多角度探讨非遗音乐的传承模式。

面对前所未有的机遇和挑战，为进一步加强我国文化遗产的保护，努力贯彻构建广东省文化强省的总方针，广东省的高校有责任与义务承担保护与传承音乐类非物质文化遗产这一项光荣而艰巨的任务，努力探索，不断提高全省的文化软实力及对外文化影响力。

基金项目：

本文为2015年省级大学生创新创业训练计划项目《广东省音乐类非物质文化遗产在高校的保护与传承研究》的阶段研究成果之一。