古典音乐分析范文

导语：如何才能写好一篇古典音乐分析，这就需要搜集整理更多的资料和文献，欢迎阅读由公务员之家整理的十篇范文，供你借鉴。

篇1

为什么这一时期的音乐能有这么大的魅力和深刻的影响力？

首先，18世纪的欧洲处于激烈的社会政治变革中。工业革命与科技发展促使整个西方文明极大的进步，王权和神权面临危机，封建社会制度濒于破产的边缘。之前的欧洲音乐很大程度上属于上层社会，宫廷贵族和宗教仪式仍是音乐的主要消费群。自17世纪后期英国“光荣革命”后，资本主义经济迅速发展，资产阶级思想的逐渐兴起，市民阶层对精神文化需求大幅提升。艺术保护人制度逐渐衰落，大量中产阶级的崛起促进了艺术的普及。由于新兴资产阶级的参与，音乐生活空前活跃，各种类型的剧院和音乐厅兴起，各种乐谱出版和音乐社团的建立，为音乐的发展创造了良好的社会环境。

第二，启蒙运动更加强调人的感官直觉和追求自然的天性和本能。思想的变化导致生活方式的变化。18世纪的音乐更加通俗化、民众化。专业音乐家进一步从封建宫廷和教会束缚下走向市民阶层，音乐家摆脱了“仆役”的地位而成为自主创作的自由音乐家。“启蒙运动”中渴望社会平等、四海一家的人道主义理想深刻的影响了不少古典主义作曲家和他们的作品，比如贝多芬的《第九交响曲》和莫扎特的《魔笛》。

第三，印刷术的传播和普及也促进了音乐的发展。1450年前后，德国美因兹的谷腾堡受中国活字印刷的影响，用合金制成了拼音文字的活字，用来印刷书籍。这对文艺复兴的兴起产生了积极的影响，对思想解放下的音乐的发展起了推动作用。18世纪，雕版印刷术的发展提高了出版音乐书籍的效率。音乐作品的印刷出版大量增加，包括面向音乐业余爱好者的乐谱和杂志。在学术领域出现了第一本音乐史著作和第一本中世纪音乐论文集。富有开拓精神的出版商纷纷争先恐后地出版音乐期刊以满足人们的这种需求。

第四，乐器制造业的发展极大促进了提琴类制造技术的提高，键盘类乐器向现代钢琴过渡。这不仅促进了演奏技术的发展，同时，也促进了音乐创作意识的变化，导致音乐理论观念的发展。18世纪后期，音乐真正成为了一项国际贸易。极大改进的生产技术使得诸如钢琴这类的乐器越来越便宜，逐渐走进了上中层阶级家庭。尤其在英国，随着城市和企业公司的增长扩大，人们对公众音乐会和举办此类音乐会的场所的需求也是越来越大。1725年，巴黎出现了最早的公众音乐会。城市中，专攻市民欣赏的音乐会繁荣起来，听音乐会成为普通百姓甚至是贵族的一种时髦风尚。在酒馆、集市中，音乐娱乐性质的业余歌唱、器乐独奏和重奏异常活跃。

另外，这一时期古典音乐的发展还与音乐家和观众之间的互动关系密不可分。18世纪70年代，德国音乐理论家、作曲家福克尔举办了一系列公开演讲，这是旨在提高公众的音乐欣赏能力的最早尝试之一。观众也想更多地了解音乐家本人。这对音乐的发展无疑是极其有利的，在思想解放的背景下，音乐家更加贴近民众生活，将音乐的高雅、清新和民俗化发展壮大，人民也在欣赏音乐中不断提高自身修养，促进了音乐的发展。同时，启蒙运动让音乐家从宫廷和宗教束缚中解放，成为自由音乐家。作曲家传记的流行也说明了作曲家已经成为了一种文化标志。他们越来越独立于贵族赞助人，而更加注重为他们消费的大众群体。

但是，18世纪后半期的音乐仍然是针对宫廷和皇家贵族群体。某种宫廷音乐的种类和质量完全依赖于那些掌权赞助人的品味和能力。比如海顿，他的雇主是一位财大气粗的王室成员，可以支持他创作上乘的音乐作品。古典时期，维也纳作为音乐中心曾一度繁荣昌盛，那里聚集了众多贵族家庭，他们有实力也愿意拥有自己的私人乐队。同时，作为奥地利帝国的首都，维也纳是许多外国大使馆的大本营，各大使馆都使出浑身解数宣扬各自高雅时髦的音乐。年轻时期的贝多芬在维也纳成为贵族们炙手可热的音乐家，他们争夺贝多芬不仅是因为喜欢他的音乐，还是为了显示自己的文化品位和鉴赏力。虽然古典音乐的发展受制于赞助，但是贵族的赞助在一定程度上维护和促进了古典音乐的发展。

篇2

【关键词】古典音乐;大学生;重要性;推广途径

在当前乐坛上,流行乐充斥着每一个角落,不断刺激着我们的神经并且带动着潮流,让我们一直去追求新的歌曲、新的唱片。大学生作为时代潮流的追随者紧随其后,在日常的音乐学习过程中更多的人选择了流行音乐,忽略了古典音乐对其自身发展的重要性。但是,流行乐只能算得上是昙花一现,只有那些盛行一时的代表作才能成为经典。古典音乐就不同了,古典音乐是人类文化的结晶,经过了时间和世人的考验流传下来,并在乐坛上享有一席之地。相较于流行音乐的声音刺激,古典音乐在个人修养提高等方面具有重要作用。

一、古典音乐在大学生生活中的现状

据有关调查显示,绝大部分大学生对古典音乐的认识有限、态度迥异。大部分大学生认为古典音乐是高修养的人的专利,与流行音乐相比过于深奥,不太明白要表达的是什么,不太适合自己学习,而且古典音乐中的那些大型交响乐,歌剧,无形中给人一种心理压力;有时候听上去很舒服,但是却无法用恰当的词语表述出来,与当前社会的主流音乐显得格格不入,有点脱离现实。基本上大学生对古典音乐的态度是尊重的,但是在现实生活中却没有去关注,更谈不上主动去接触、去学习了。大学生对古典音乐的学习热情远远没有流行音乐学习热情高,主要原因在于大学生处在一个浪漫、萌动、容易接受和吸收新鲜事物的时期,提到大学生自然的与“时尚”“前卫”“个性”等名词联系起来。大学生既是潮流的引导者,又是潮流的追随者,他们追求新鲜刺激,拒绝平淡枯燥,古典音乐的平缓显然不能满足大学生对新鲜刺激的追求。

二、古典音乐在大学生人才培养中的重要作用

(一)古典音乐开拓了学生的视野

古典音乐的背后都有一段悠久的历史,每一部古典音乐作品都有着丰富的文化内涵,是一个民族的音乐历史文化。学习古典音乐可以使学生了解音乐背后的各个民族的历史文化,在学习过程中不仅增长了知识,开拓了眼界,而且通过欣赏不同时期的古典音乐,沿着古典音乐发展的轨迹,学生可以自由穿越于不同时期,了解到整个音乐的发展史。

(二)古典音乐丰富了学生对音乐的感受和体验

古典音乐与流行音乐相比有着丰富的内涵和历史底蕴。音乐作为一门富有情感的艺术,对音乐的情感体验不能仅仅局限于体验音乐的音响,也来自于音乐背后的那段历史。以中国古典乐里的《十面埋伏》为例,在具体的赏鉴过程中,学生除了感受到音乐的宏大之外,还可以从音乐中了解到楚汉相争的历史,看到两军交战的宏大场面,这样以来,古典音乐有助于学生置身其中,为音乐带来的画面所感动,丰富了学生对音乐的感受和体验。

(三)古典音乐促进学生创造力的提高

古典音乐是一个极富创造力的艺术,学生欣赏、演奏和演唱古典音乐的过程就是一个极富创造力的过程。此外,古典音乐的学习强调对音乐背后历史文化的理解,随着古典音乐的学习,有助于学生文化素养的提高。由于学生文化素养的提高,可以在具体的学习过程中处处体现出学生自身的创造力。

(四)古典音乐对学生的情绪情感具有积极作用

情绪往往决定着一个人的行为,具有好的情绪往往会看到事物积极方面,反之则只能看到消极的一面。古典音乐的平缓清淡有助于调节大学生的情绪,克服冲动冒进的缺点,提高其对自身情感的控制,对大学生的情绪情感具有积极的作用。

三、有效推广古典音乐学习的途径

(一)改变学生对古典音乐的认识

改变古典音乐学习现状,首先要做的就是改变学生对古典音乐的认识。以往学生对古典音乐的认识过于夸张,认为古典音乐是阳春白雪,是高修养的人的专利,不适合自己学习,要改变这种认识。古典音乐固然高雅但并非不可碰触,这样需要教师的引导作用,使学生明白只要了解相应历史文化,古典音乐也是通俗易懂、易于学习的。

(二)改变教师的教学方式

当前大部分学生之所以对古典音乐的学习望而却步,教师的教学方式也存在一定责任。拓展古典音乐教学,教师要改变以往的教学方式,在古典音乐教学过程中除了讲授基本的乐理知识外,要多讲解一下古典音乐背后的历史文化,通过引导学生对古典音乐背后文化的学习,加深其对古典音乐的体验,赋予其想象的空间,这样可以有效提高学生的古典音乐学习兴趣。

(三)社会媒体的支持

据有关调查显示,当前学生了解古典音乐的途径主要是借助于网络、电视等社会媒体。以近年来蜚声国际的青年钢琴演奏家朗朗为例,之所以能够打败其他音乐家被众多学生了解并且在中国大地上掀起一股“钢琴热”浪潮与媒体对他的跟踪报道和大力宣传时分不开的,由此可见社会媒体在学生学习古典音乐过程中的重要作用。所以,通过媒体的大力宣传,来增加学生对古典音乐的认识,引起其学习的兴趣。

(四)政府的支持

政府对古典音乐学习的支持也是在大学生中有效推广古典音乐学习的一个重要影响因素,政府的支持能够为赋予古典音乐更多展示的机会。政府支持可以为古典音乐带来权威性,得到人们和大学生更多的重视。具体的政府可以通过开设音乐剧院,开展“古典音乐进校园”等活动,让更多的大学生接触到真正的古典音乐。

综上所述,无论时代如何发展,古典音乐作为人类历史长河中的瑰宝,始终都是音乐的主流,对当代大学生的人才培养具有重要作用,需要得到人们的重视和薪火相传。如何改变人们对古典音乐的态度,将古典音乐大众化将是此后研究的重点。

参考文献

篇3

这实在太不可思议了，人们对古典音乐市场的固有印象一直是“它活得太艰难了”，古典音乐会的观众在不断流失。古典新人不得不拼命踮起脚尖儿才能像小提琴美女陈美(vanessa-Mae)或古典辣妹Bond组合那样冒出头来。总部在香港的拿索斯(Naxos)唱片公司主席克劳斯・海曼(Klaus Heymann)的体验却不是这样的，他在接受美国《新闻周刊》采访时说：“我和古典唱片界的人聊天时发现，每个人都在赚钱。”拿索斯是当今世界上规模最大的古典音乐领域的独立唱片公司。

互联网对音乐工业的巨大冲击已经是众人皆知的事实了，为何此时克劳斯-海曼却和众人唱出了完全不同的调调呢?原因很简单，与流行音乐遭遇互联网冲击日益唱衰的情形恰恰相反，古典音乐的在线收益显现出惊人的潜在空间。换言之，互联网正在或即将杀死流行音乐，却出现了救活古典音乐的迹象。以百代、索尼、华纳、环球这四大唱片公司为例，目前，这几家公司在数字音乐领域所获得的收益中，古典音乐占了约20％，是其他音乐种类的两到三倍。

应当说。这是1960年以来整个音乐工业最差的一年，却是古典音乐最好的一年――古典音乐的线上销售数字一路持续飙升，古典音乐迎来了数字时代的新纪元。

究其原因，古典唱片的录音品质难以被盗版，而古典音乐的忠实乐迷又有着挑剔的耳朵和精细的头脑，他们更愿意成批购买正版古典唱片。对于那些古典音乐的新听众而言，互联网为他们提供了认识这门“高深”艺术的可能。“古典音乐为自己在互联网上找到了传播的最大空间。”美国资深数字音乐分析师马克・穆利根这样评价到。

这是“长尾理论”在互联网商业领域的一次印证――一家公司的一项不错的生意长出了长长的尾巴，而其他音乐种类却在墨守成规的延续着主流模式。古典音乐却不同，消费者乐于为了录音品质费尽周折，纵情于一部作品不同版本间千差万别的演绎。拿索斯唱片公司目前为乐迷提供了146031部在线古典音乐作品，其中一半的下载量不到10人次甚至更少，但即便如此，这个数字在拿索斯2006年2600万美元的销售总额中占了四分之一。在线收益的持续增长抵消了传统唱片销量的衰减。20年前创办了拿索斯的克劳斯-海曼胸有成竹地说：“假如明天起我们不再卖传统唱片了，我们的日子依然可以过得很舒服。”

拿索斯这样的独立古典唱片公司已经成为互联网上的劲旅，而隶属于世界上最大唱片集团环球唱片的著名古典音乐厂牌Decca。其数字音乐业务在环球唱片的总收益中占去了五分之一。对流行音乐堪称致命一击的非法P2P下载并未对古典音乐造成什么伤害，低劣音质的文件常常被以小文件的形式上传到网上，如果你想听小甜甜的歌，这当然不是什么大问题。可对于巴赫的交响乐作品来说，这显然行不通，更何况，古典乐迷当然要欣赏整部作品而不可能是其中的某个乐章，与此同时，他们还希望了解作曲家、乐团、指挥家等背景资料，对善于“偷工减料”的非法P2P来说，这些实在难以面面俱到：而对合法下载来说，当然都不是问题。因此。一首流行歌曲的付费下载花99美分，而下载一段古典音乐作品，你得花10美元。

篇4

环球博览

古典音乐每况愈下，坊间遍传音乐会老龄化，古典音乐市场煽情听众乏术的消息。其实，古典音乐的实际状况比我们想象的要好得多。在2006年音乐销售整体下降了5%的情况下，独有古典音乐反上升了“巨大”的22%。naxos的董事长克劳斯·海曼（klaus heyman）说：“家家（音乐）公司都挣着钱了。”这个公司的总部设在香港，目前是世界上最大一家专营古典音乐的公司。

古典音乐凭什么独占了鳌头呢？答案就是：网络数码销售古典音乐，也称作“网络之惠”所有此类大公司年收入的20%均来自网上的数码音乐销售。这个量达到了它类音乐平均数的2~3倍！是极了不起的“领先”。

经营数码产品耗费低，却有存储和分发的双向盈利模式。尽管，2007年是自上世纪60年代始建音乐排行榜以来，音乐唱片销售最低迷的一年，但古典音乐的大公司们却仍显得方兴未艾、意犹未尽……原因是此种音乐颇适合数码时代，它的技术性方便消费者成“套”、成“系列”的购买，因而形成了总销量的大户。其网络特性又便于将音乐传进千家万户，无论青年人还是老少群体，都能悄悄、渐渐地成为增扩新消费群。“就开拓而言，古典乐界利用互联网利用得很棒。”森林人研究所的数码音乐分析师马克·穆里根（mark mulligan）说。

目前，naxos在线上共提供14万6千部乐曲，其中一半是成套（10曲左右一套）售卖的。这部分收入是公司去年8，200万总收入的1/4。而且网上的增长，正好抵消了传统cd销售的下降的数额。20年前创建了naxos的老板海曼说：“即使从今后再也不卖cd了，我们也能过上踏实日子。”

naxos的cd类产品现在仍占着销售的3/4。其他公司也都差不多。小一点的公司也在热门的艺术家的唱片销售。比如artek公司就是西雅图和利物浦交响乐团的“全权”；bis则是“专营”斯堪的那维亚与波罗的国家的唱片公司。在音乐商店里，这类音品虽得和其他的热门货抢货架子，在网上却可以“搭着”卖出一些——以丰富人们的选择。

indies是个和naxos一样“网瘾”最大的公司。即便是decca label group——这个世界最大的音乐公司universal的古典部门，其数码音乐的业务目前也占到了总销售额的5成之多。相比之下，他们的流行乐业务就惨不忍睹。

古典音乐的利润多半来自乐迷对“全集”的需求，他们甚至希望能下载到乐谱、注解以及音乐家的背景资料，甚至包括录音地点和作曲家的情况。流行乐迷花99美分就能高高兴兴地买走一首歌，而买一部古典乐曲差不多要花上10美元呢。价值之差由此可见。

naxos推出一部叫“乔安塔——美国制造”的曲子，为莱昂纳德·斯拉金（leonard slatkin）指挥国家交响乐团所录。这部美国作曲家的作品在古典排行榜的前100名里呆了一个多月，最高曾达到第47位，这意味着它已经卖出了几万张cd。尽管网上销售的利润要低得多，但仍可能是该公司当年最赚钱的项目之一。当然，古典音乐目前仍当不了音乐产业的救世主，尽管已达到了乡村音乐的4倍，却还只是摇滚乐的1/10。

不过，音乐公司算是找到了赚钱的新路子——和包装世界级的流行歌手相比，推古典“明星”要实惠得多，他（她）们人也多。且看，emi正在翻箱倒柜地“发掘”他们自己稀且贵的“历史录音”，比如玛丽亚·卡拉斯（maria callas）演唱的晚期歌剧；而decca还想在网上“复活”已“灭绝”许久了的老版本，像《argo and l’oiseau lyre》……郎朗，一个梳着“仙人掌”头的年轻中国钢琴家的“崛起”最鼓舞音乐公司。

篇5

关键词：幼儿教育 古典音乐教育 学习品质

【中图分类号】G613.5

“学习品质”指的是幼儿在幼儿园学习活动中表现出来的心理现象，“学习品质”的好坏直接关系着幼儿教育水平的高低以及幼儿能力的培养水平的高低。因此，良好的“学习品质”需要幼儿园高校的教学活动来进行，其中古典音乐教学就是有力的方式之一。

一、音乐对幼儿学习品质培养的思考

音乐与语言一样是人类重要的精神表现，而音乐又存在于每一个个体生命中。人类制造音乐的过程实际上便是感知自身生理、心理变化的过程，而这种感知能够受到基因遗传的影响。因此，音乐是生命本能。而对幼儿进行音乐的教育，有助于营造出一个健全的并能增进幼儿对音乐学习的环境，有助于培养幼儿对美的感知与创造能力，从而增强幼儿的自主精神、好奇心以及创新能力等。

二、如何进行古典音乐与幼儿学习品质的培养

（一）选择适宜的音乐材料，满足幼儿的兴趣与好奇心

人在幼儿时期会对周围的事物产生强烈的兴趣，尤其是在面对新的活动材料时更是如此，往往会表现出极强的好奇心及热情。而幼儿教师选用适宜幼儿的音乐材料便能促进幼儿音乐能力的发展，从而激发出幼儿的潜在英语素质。新鲜、丰富、有趣的音乐能够吸引幼儿的主动性。因此，在幼儿园的音乐教学中，必须要充分考虑到幼儿的兴趣、特点及需求，并遵循幼儿身心发展的特点，从而选择适宜幼儿的英语材料，为其营造一个良好的音乐学习环境。

在选择音乐时，不仅要注重幼儿的兴趣，还必须要有利于幼儿的身心发展，同时还要具有艺术性与教育性。而古典音乐就是一个很好的音乐材料选择，与其它音乐形式相比，古典音乐具有统一性、整体性及严谨性，也正是因为古典音乐具有的这些特征才使其情感得到了完整的诉说，对古典音乐来说其曲式结构的严谨、尾声的使用、音乐结构中的因子以及丰富的和声运用与配器技术共同构成了一个整体。而这样的整体则与幼儿的个体生命有着相似之处，虽然幼儿是尚未成熟的个体，但也是生命个体，同样也着自身的循环系统、呼吸系统等，因此幼儿也是具有整体性的。而在音乐教学中，古典音乐的完整性和有机性给了幼儿一个完整的印象，并为其塑造了良好的审美体验。如在进行古典音乐《加速度圆舞曲》的欣赏时，教师可以将音乐作为背景，并利用游戏或动作的演示，从而使幼儿能够借助游戏或动作的演示来想象，体现古典音乐中的倾听、辨析与互动的乐趣。

（二）创新音乐教学模式，培养幼儿的创造精神

幼儿园要为幼儿营造良好的音乐学习环境、条件，大力支持幼儿进行的音乐自发创造或表现。古典音乐作品与生命一样一直在持续的运动，其运动的过程既有缓慢的、也有快速的，而所有的这些都是生命形式运动的表现。因此，在幼儿园的音乐教学中，对幼儿的音乐教学需要保持运动的状态，同时还要关注音乐对幼儿生活的教育价值，以音乐来促进幼儿对生活的体验与观察，增强艺术与幼儿生活的联系，进而培养幼儿对美的感受与发现。如幼儿教师可以将《胡桃夹子》中的《玩具进行曲》引入到幼儿的音乐教学中，并根据音乐的表现形式，创作适合幼儿的舞蹈表演，将对音乐的欣赏和舞蹈充分融合在一起。伴随着滑稽、欢快、幽默的乐曲，幼儿大胆地利用舞蹈将其对乐曲的理解表现了出来。这些不断流动的音乐符号、旋律，能够唤起幼儿对音乐的表现，也能感知到艺术创造的美。

（三）捕捉幼儿学习音乐的关键期，培养幼儿的主观能动性

优秀的品质是建立在主观能动性基础上的，而幼儿便处于自主学习能力与主动学习习惯培养的重要阶段。在这一时期，幼儿开始对音乐感兴趣，并能用动作来表达其对音乐的态度。因此，针对幼儿学习音乐的关键期，教师引导给予幼儿不同的音乐教学，以此培养并激发幼儿对音乐的兴趣。在这一时期内培养幼儿的音乐兴趣，能使其对音乐产生良好的音乐感觉，从而开发幼儿的音乐天赋。

在进行音乐教学时，首先是要充分了解到每一个不同年龄阶段幼儿的特点，从客观的角度，细致的观察幼儿对音乐的需求，并据此予以正确的音乐教育。比如幼儿会对节奏感与声音较强的音乐表现出特别的喜爱，而节奏不仅存在于人的生命个体本身，还存在于音乐的节拍中，也正因为音乐有了与人生命相契合的节奏，才使得音乐能够打动人心。在古典音乐中同样具有节奏，而这种节奏是人为制造出来的，其从根本上服从的是音乐，强调的也是音乐，但是节奏却完全依赖于运动。如在《狮王争霸》中，狮王争霸的场面全部都是通过节奏的强弱起伏以及节奏的乐曲来展现的，在幼儿教育的过程中，这样的节奏同样能唤起幼儿无限的生命价值体验。

针对幼儿个性的特点以及音乐的规律，幼儿教师需要设计内容丰富多变的教学方式与内容，从而吸引幼儿对古典音乐的学习兴趣。如《狮王争霸》中，可以组织学生进行角色扮演，教师扮演狮子王，伴随着《狮王争霸》的音乐带领着幼儿威风凛凛的出场。这样的体验式教学方式，在一开始就让幼儿沉浸在音乐与表演的状态中，从中体验到音乐带来的内心感受。其次，教师还可以根据《狮王争霸》创设教学情境，让幼儿全部扮演成“狮子”，并进行“比比谁力气大”的比赛，从中选出真正的“狮王”，这样在游戏式的教学方式，能够让幼儿感受到古典音乐节奏的快慢、力量的强弱，进而深入的体验到古典音乐带来的深层次情感，达到精神上的满足。

结束语：

激发幼儿的创造力是幼儿实现自我思维能力与个性品质结合的重要基础。而培养幼儿的创造力则是一项复杂的工作，这就要求必须要先培养幼儿的音乐创造力，并创新音乐的教学模式来启发幼儿。古典音乐的价值是永恒的，也是被人们认可的。古典音乐作为一种与生命相契合的艺术表现形式必定能够幼儿的“学习品质”带来巨大的帮助，并促进幼儿的健康全面发展。

参考文献：

篇6

［关键词］艺术传播古典音乐文化产业

一、文化产业

文化产业之概念的发展，已经被西方学者如帕沃（DominicPower）、斯科特（AllenJ.Scott）、赫斯蒙达霍（DavidHesmondhalgh）、赫尔西（PaulM.Hirsch）、普莱特（AndyPratt）等人详细论述多次。①为研究其概念的发展及变革，笔者首先按年代顺序将其批判内涵分为三个阶段来讨论。第一阶段是法兰克福学派时期。“文化工业”作为一个从诞生起就饱含批判意义的概念，普遍被认为起源于法兰克福学派的代表人物阿多诺以及霍克海默的相关论述。阿多诺和霍克海默首先把“文化工业”定义为一种与“大众文化”相关联的概念，根据他们的著名论著《启蒙辩证法》所述，其当时的批判意义在于文化的商品化以及随之造成的艺术作品原有的乌托邦价值的丧失。该书指出，文化可以在文化工业化的语境下被赋予三个批判性意义：首先，文化正在向消费品转变，其特征是标准化和制式化的形式流通市场；其次，“大众文化”通过市场推广等商业手段可以轻易掌控社会文化审美水平；第三，所有的文化产品的目的都是直接投放市场并获得利益，艺术家变成了获取经济利益的工具从而丧失其满足人类欲望与本能的能力。总而言之，这两位学者认为产业化的发展过程使得大众文化被投放到商业领域，音乐因此变成了“为大众趣味定制的产品”，观众在接受与被接受的关系中完全处于被动状态。在西方古典音乐实践中，商业介入古典音乐的经验，已在音乐公司与机构身上有所体现。其突出表现在物（艺术品、音乐作品）的产量化（唱片公司、出版公司）和人（音乐家、艺术家）的商品化（经纪公司）上。第二阶段是指文化产业的批判性概念进入20世纪70和80年代之后伴随着政治、经济环境的变化而随之有所发展。米热什（BernardMiège）、甘汉（NicholasGarnham）等学者指出，早期法兰克福学派的理论有所局限，并提出“文化产业作为一个概念，其意义并非只是一个商业标签，而更可以理解为一个由其他原则所主导的说辞”。①这个时期的文化产业批评家，在新的经济环境之下把“文化产业”（cultureindustry）写成代表着多元的复数形式（culturalindustries），并随之赋予其实践性的意义。米热什与甘汉的定义可以被总结为三个不同的观点。首先，他们热衷于把阿多诺和霍克海默对文化工业的孤立的定义升级为一种包含文化各个领域的范畴，这个见解把较为模糊的文化产业的概念细化为多个产业的结合。其次，新的学者们重新思考，并对阿多诺和霍克海默对艺术商业化的认知提出了适度的商榷，从偏于乐观和积极的角度把技术、科学和创新的发展归功于文化产业的出现。也就是说，他们重新审视艺术的性格，并归纳出艺术的内在规律：它虽置身于社会的结构和关系之中，但也能在一定程度上脱离这些关系而体现一些自律性。第三，这些新涌现的观点一般认为文化产业处在一个艺术与商业不断对抗的动态系统之中，他们不完全同意法兰克福学派所坚持的为艺术而艺术的那种美学制高点，而更偏向于承认在新的社会及经济环境下，艺术的资本化实际上是其满足人类精神需要的结果。第三阶段是20世纪90年代，此时，从“文化产业”的概念中衍生出来的“创意产业”（CreativeIndustries）的概念逐渐开始为学界所接受。甘汉认为创意产业是“唯一可以被理解为在信息化社会出现”的“文化产业”的变体；霍金斯（JohnHawkins）认为创意产业可以被认知为文化经济或文化产业的衍生概念，根据他的理解，文化经济包括了广告、建筑、艺术、手工业、设计、时装、电影、音乐等行业。此时，“文化产业”与“创意产业”两个概念之间的区别还比较模糊，但已经清楚的一点是，“创意产业”更多地涉及对社会动力、社会关系的操作方面的意义，可以理解为对“文化产业”本意的一种带有策略色彩的、更有目的性的扩充，也是文化产业生存于新的信息社会中的形态。在1997年，英国工党在托尼•布莱尔的领导下，首先提出了“创意产业”的概念体系。当然，关于“创意产业”与“文化产业”的概念区别，目前仍有很多不同的解释以及争论。但是，普莱特把二者的相异之处归纳为两点。首先，“创意产业”是带有行政色彩的术语，当新工党拿下英国的管理权时，他们需要去除“旧工党价值”所解释的“文化产业”的性质。新工党建立“创意产业特别小组”（CreativeIndustriesTaskForce），以财政去支持那些“具有原创性的有转换成财富可能的个人创意、技艺和才能”。其次，英国主张，发展创意产业可以满足未来社会对知识经济的需求。普莱特对此写道：巩固知识社会的地位是最理想的缓解英国制造业下降的方式，英国需要用“知识”来获得竞争优势，在高科技技术、生命技术、制药产业的带动下，新的明星一定是“创意产业”。②

二、音乐产业

法兰克福学派起初批判文化工业，涉及音乐部分时，主要关注的是技术的发展对音乐的影响，特别是在当时刚刚出现的录音技术的应用。在阿多诺和霍克海默的理论基础上，当代学者如卡博尼、布恩内特等直接把西方音乐产业等同于录音产业加以论述，这是值得商榷的。相反，根据赫斯蒙达霍的看法，音乐产业并非独立的产业模式，而是与其他的文化产业类型紧密联系的：文化产业的组织者与拥有者正在发生巨大的改变。最大的文化公司已经不再只侧重于电影、出版、电视或录音等单一的艺术形式了，他们正在控制多元的文化产业形式。这些结合使得他们紧密地联系在一起，形成一种内部错综复杂的合作形式举个例子，古典音乐产业除了录音产业之外，还包括交响乐产业、歌剧产业、乐器产业以及音乐教育产业等不同形式，这些“产业”都存在着内在的联系性，从而参与到跨全球化的商业赞助及资本运作之中。这样看来，将音乐产业等同于录音产业是略显武断的。另外一个有力的证明是，音乐产业的出现，实际上早于音乐产业的概念的出现。在意大利，作为西方古典音乐中重要形式之一的歌剧，是最早的被市场化的艺术形式，被歌剧经纪人们所用。早在18世纪（此时“文化工业”概念远未出现），意大利歌剧就已经变为一种商品，并被投放到相对成熟的市场之中。约翰•罗塞利曾经写道：歌剧是一个产业。但是歌剧也是一种可以体现意大利社会结构和统治阶层发展的艺术形式……早在1780年，横贯19世纪，有一种观点认为歌剧产业刺激了意大利的贸易、旅游、货币流通等经济领域。①这段介绍清楚地表述了意大利歌剧早在录音产业出现之前就成了一种商业模式。而到了唱片业因盗版和非法下载的问题开始衰落的21世纪初，音乐产业的其他层面如现场表演、音乐出版等也是增长的。举例来说，美国唱片的销售额从1999年的380亿美元滑落到2004年的336亿美元，数据显示这样的衰落还在持续，但是音乐产业的其他领域的相对增长了保证当时美国整体的音乐产业总量维持在490亿美元的水平。音乐产业呈现出的多元性让其概念也理所当然地复杂化了，威廉姆森（JohnWilliamson）与克鲁南（MartinCloonan）在文章《重新反思音乐产业》中，提出了对音乐产业概念之误解的质疑：首先，音乐产业常常被看成一种独立的概念，这使其多样化的形式变得模糊。（如果音乐产业就是音乐产业，那么现场演出、音乐教育、乐器生产是否属于音乐产业范畴呢？）另外，正如刚才所提，音乐产业常被与录音产业并置。最后，如他们所宣称的，现在需要把音乐产业的定义“多元化”（pluralise）了，②因为这样才可以更加全面和准确地描述音乐产业的意涵。这种对音乐产业的定义进行重新解释和表述的提法，也与米热什和甘汉的观点相符。后两者的这些观点虽然主要是指向流行音乐的，但也同样适用于当今的西方古典音乐产业。

三、西方古典音乐的产业困境及其启示

篇7

欧洲古典音乐泛指20世纪之前的欧洲音乐，它的第一个艺术大潮就是复音音乐。这类音乐通常分为模仿式复调和对比式复调。

模仿式复调是一个声部先出现一个旋律，另一个声部后面也出现这个旋律，形成同一旋律不同时间互相追逐模仿的音乐。著名的管弦乐曲《阿莱城姑娘》组曲就是这一类代表性乐曲。

对比式复调是同时出现的不同旋律互相对比（主要是节奏与旋律线）的音乐，如格林卡的管弦乐曲《卡玛琳斯卡娅幻想曲》。

我们在欣赏复调音乐时，首先是注意外声部，同时也注意内声部，也就是说要听出内声部来。否则，你将感受不到各声部之间的某种微妙的协和关系，及其在乐曲进行时所形成的某种对比，也就是感受不到这种对比所蕴藏的巨大推动力和感染力。复调音乐各声部间各自独立、平等，又协和又对比的关系，造成了音乐此起彼伏、你紧我松、你松我紧的曲趣和绵绵不断的风格。把复调音乐推向，使之趋于完美的境地并结束了这个时代的巨人是德国的巴赫。他创作了总数达几千部的音乐作品，其中《勃兰登堡协作曲》《十二平均律钢琴曲集》等是世界名曲，并为主音音乐的产生奠定了基石。

主音音乐又叫主调音乐。其显著的特点是一个声部为为旋律，其他声部起伴奏、陪衬作用，但却不可忽视和声，如果抱有这样的偏见，就不能很好地欣赏它了。事实上，从贝多芬的乐章直至今日的音乐，所有的旋律都是从和声导源而来的，且不说其中的很多旋律都是由和弦音加上和弦外音构成的。任何使你觉得优美悦耳的旋律，如果你对它进行和声的分析，都会发现旋律的进行是合乎和声规则的，旋律实际上正是和声美的表现。对旋律美敏感的人，之所以比感觉迟钝的人多有收获，就在于他对和声效果的敏感，或者说，他对旋律所包含的和声意义有一种不自觉的“觉识”。

由此可见，认识到旋律与和声的联系，不但会促使我们去注意和感觉乐曲中的和声效果，并且会使我们自觉地训练和提高我们对旋律（曲调）的欣赏能力。调查表明，凡是对和声效果敏感的人，对旋律的调性、调式以及乐曲进行中的各种对比色彩也会相当敏感，他们总能比常人赋予一段旋律以更多的、更令人信服的解释。

除了耳朵失听者外，大多数人都可以训练自己听多声部的能力，对音色的敏感也可以通过训练得到提高。而要掌握古典音乐家的音乐语汇，除了多听，别无他途。

篇8

一、选择特殊的音响吸引学生的耳朵

在介绍古典主义作曲家莫扎特时，我先请学生听香港动画片《麦兜故事》的插曲，当稚嫩的童声用粤语唱出《土耳其进行曲》旋律时，学生都非常吃惊，老师紧接着抛出问题：这首歌曲的旋律用了哪位作曲家的作品？也许大部分学生都不能准确回答，但他们很好奇，很想知道问题的答案，那么，下面的学习将是主动而有效的；我也曾用《小星星变奏曲》来引出对莫扎特的介绍，效果也非常好。

二、选择精美的视频吸引学生的眼球

虽然音乐是声音的艺术，但久了听觉会疲劳，从而影响教学效果。因此，可以考虑选择合适的视频进行教学，如在介绍钢琴诗人肖邦时，我先播放了马克・西姆演奏的《c小调练习曲》视频，变幻的灯光、演奏家忧郁的眼神、帅气的表情顿时吸引了学生，当学生兴趣盎然地欣赏完这首作品后，我及时地提出问题：请大家谈谈对这首作品的理解。学生的解释五花八门：有的说“像是在庆祝一场胜利”，有的说“曲子的情绪比较嗨”，还有的说“这是一首现代风格的作品，抒发的是年轻人苦闷复杂的心情”……我都一一给予分析、解释，学生非常好奇，急于想知道作品的相关信息，当他们“想要学”的时候，教学将进行得非常顺利。

三、利用明星效应引起学生的共鸣

现在的高中生都非常喜欢明星，只要是他们崇拜的明星的作品照单全收。在欣赏浪漫乐派作品时，我先播放周杰伦的MV《琴伤》，班上气氛顿时非常活跃。在这首歌里，柴可夫斯基《六月―船歌》的主题旋律成了主线，学生立刻被那一缕淡淡的安然与怅然纠合的味道所吸引，乐曲始终徜徉在似有也无的景象和情绪之中，而当间奏出现的时候全班哗然，因为间奏恰恰是前面课上介绍过的莫扎特的《土耳其进行曲》旋律。接下来再让学生欣赏钢琴曲《六月―船歌》，这样，学生能够对浪漫派的音乐特点产生自发的兴趣。

四、借助影视情节可以引起更多关注

影视艺术是学生特别喜欢的艺术形式，有些剧目中在古典音乐的引用方面与剧情、主人公的表演、画面的处理等也非常巧妙，给人留下深刻的印象。利用这个特点，在进行古典音乐教学时，我曾做过这样的尝试，同一首作品可以选择不同的切入点：在介绍浪漫派作曲家――钢琴诗人肖邦时，我尝试了不同的导入方法：请同学们观看周杰伦导演并主演的影片《不能说的秘密》中“斗琴”片段，优美的旋律、娴熟的演奏技艺立刻引起了学生的轰动，“斗”字同时也解释了浪漫派的风格特点之一：炫技性；播放韩国影片《爱的阶梯》结尾男主角在海边弹奏肖邦的《第一钢琴协奏曲》；播放《一曲难忘》中肖邦刚到巴黎时演奏的《波兰舞曲》；同样是浪漫派作品的柴可夫斯基的《六月―船歌》则可以选择韩国电影《雏菊》中的片段，即杀手的角色配乐，《船歌》的旋律准确地刻画出杀手的性格和真实的内心世界：它放纵着听者的神思自由地游移于琴声勾勒的无限空间，唤起了他心底深藏已久的的莫名默契，触动了被岁月逐渐风蚀的那根心弦。此处也很好地解释了浪漫乐派的另一风格特点：强调个人主观情绪的表现；在学习古典乐派时，奠基人海顿的《小步舞曲》可以从韩剧《来自星星的你》切入，这也是在我国收视率很高的电视剧，剧中有很多段落的配乐都来自海顿的《小步舞曲》和贝多芬的 《致爱丽丝》；学生很乐于接受这样的欣赏方式。另外，名人传记的电影也是课堂上经常涉及的内容，《钢琴家》《闪亮的风采》《她比烟花寂寞》《贝多芬住在楼上》等都大量地使用名曲，只要选择和运用恰当都将成为课堂的亮点，给学生留下深刻的印象。

五、选择不同的演奏形式增强学生对作品的兴趣

经典的作品会吸引国内外著名的艺术家用自己的方式去诠释它，同一首作品会有不同的演奏形式和版本。教学中除了使用出版社提供的素材外，我们还可以寻找其他演奏版本，从资深大师到年轻的国际大赛获奖者，并兼顾国内外的演奏家。如鲁宾斯坦、霍洛维茨、阿格里奇、瓦莲京娜、马克・西姆、郎朗、李云迪等。鲁宾斯坦严谨中透着幽默，《一曲难忘》中的演奏配音即是由他担任的；马克・西姆帅气、洒脱；郎朗陶醉又投入的肢体语言等无不给学生提供更多的选择，开阔学生的视野，引发学生更多的思考。

篇9

关键词：古典音乐；钢琴演奏；演奏技巧

中图分类号：J624.1 文献标志码：A 文章编号：1007-0125（2014）03-0086-01

一、古典音乐的概况

古典音乐是由18世纪下半叶的西方国家发起的，这是一个新旧社会交替的过程，西方作为贵族生活享受的内容一音乐欣赏，开始发展至中产阶级之中。同时提出了新的文化要求。音乐内容和思想也开始由崇尚优美典雅和精美细琢的艺术趣味向质朴化和平民化转变。

二、古典时期音乐的特征

古典时期的音乐崇尚理性，在注重感情约束及和谐的同时加入了道德观念。主调音乐成为了当时音乐的主流，它的涵义是以一个曲调为音乐思维的主导性的线条并辅之以相应的和弦、和声。这一时期，富于动力性的奏鸣曲成了最重要的形式结构。随着基于奏鸣曲式的题材的基本定型，从而也使现代钢琴代替了古钢琴。也形成了以海顿、莫扎特、贝多芬为代表的“维也纳古典音乐派”，在当时达到了当时音乐文化的高峰。体现出了严谨，手法简单的形式和爽朗明快、淳朴自然的主调音乐风格，同时实现了艺术思想内容和形式的完美结合。

三、钢琴技巧的训练

古典主以是一个时代的风格，这一时期的钢琴旋律以主调音乐为主流；大小调体系得到了充分的发挥，和声手段达到了一个很高的水平；低音及和声做伴奏使用。奏鸣曲式成为了这一时期的代表音乐结构形式且是最具发展的音乐结构形式。由此总结出了这一时期钢琴作品的一些演奏技巧。

（一）五指使用技巧

1.音阶的奏法。正确的摆放手型和灵活的运用手指活动，已达到音阶弹奏的轻盈、流畅那个和用力均匀的要求。其中拇指是谈好音阶的关键。在钢琴作品中存在曲式宽广的音阶和分解和弦的技巧，此技巧需要运用拇指的穿插法来达到演奏效果。着一阶段对于拇指的训练至关重要。

2.琶音练习。琶音分为短琶音（一个八度之内的分解和弦进行及转位）和长琶音（超过一个八度的分解和弦进行及转位）两种。琶音练习在拇指穿指是要注意手腕和手指的协调性，及时做好手腕和手臂的带动准备，以保证音量和音色的均匀一致、干净清晰。

（二）双音、和弦、分解八度和八度音练习的技巧

双音要求弹奏时两个音的整齐性，这是练习技巧就要求手臂、手和手指的形状和运用方法适当灵活。分解八度的弹奏则要求手型合适，肌肉放松可以连续弹奏。

（三）古典作品中装饰音的训练技巧

1.震音。震音主要包含相邻手指的震音和三只手混合使用的震音。其训练技巧需注重音量和音色的均匀和精确。这便要求手腕的平静和柔软，手指和琴键的距离尽可能的接近，手臂和手指的位置尽量平齐。

2.颤音。颤音分单音和双音两种。此音需运用手腕和手臂来完成成琴键的律动。颤音的训练采用中速较宜。

3.阿尔贝蒂低音。此音弹奏方法要求节奏均匀。此时要训练手指的独立性，可以单手联系前臂和手腕的平面摇动，为了使手臂习惯这种旋转运动。

4.连音和回音。连音分上波音、下波音。存在单一和复合两者情况，要求手腕平静和手指敏捷轻巧。

（四）手指相互交替使用的技巧

手指交替使用的形式主要是体现在同音换指（同一键上不发音）和同音轮指（同一键上的反复音）两种。

1.同音换指。在手腕放松的情况下采用不同的手指来快速准确的触键，并方便后续旋律的进行，同时还可以达到连奏的效果。

2.同音轮指。要求手腕保持柔软放松和灵活来练习同一键上的反复音。可采用同一手指在同一键上反复弹奏或是不同手指在同一键上反复交替触键的方法进行训练来达到手臂和手指的协调性，同时还提高了手指的灵敏性和准确性。

篇10

摘要：幼儿音乐教育既有基础理论性知识，也有极强的操作实践性知识，充分考虑了不同层次学习者的学习要求，集课内与课外、能力培养与职业素质训练为一体，强化了幼儿园音乐教育实践。分析幼儿音乐教育与音乐教育在本质上的不同，针对幼儿音乐能力的发展特点，倾听与欣赏、歌唱、节奏、韵律、音乐游戏在幼儿园教育实践中的指导方法，以供学习者学习掌握。

关键词：幼儿音乐教育 素质教育 基础理论 潜能开发

幼儿的音乐教育是素质教育的重要方面，是幼儿园教育五大领域的有机组成部分。幼儿音乐教育的内容非常广泛，像我们熟悉的乐器、歌曲等等类型。然而相关幼儿教育科学研究揭示：经典音乐对幼儿的整体素质的提高具有特殊的意义。

广义的经典音乐也称古典音乐。是指西洋古典音乐，那些从西方中世纪开始至今的、在欧洲主流文化背景下创作的音乐，主要因其复杂多样的创作技术和所能承载的厚重内涵而有别于通俗音乐和民间音乐。

而狭义的经典。典音乐是指古典主义音乐，是1750～1820年这一段时间的欧洲主流音乐，又称维也纳古典乐派。此乐派三位最著名的作曲家是海顿、莫扎特和贝多芬。经典典音乐不同于流行音乐的地方是它内涵深刻，能发人深思，更能使人高尚，免于低俗。 经典音乐是历经岁月考验，久盛不衰，为众人喜爱的音乐。经典音乐是一个独立的流派，艺术手法讲求洗练，追求理性地表达情感。当我们听到优美的经典音乐时，它带给我们的不仅仅是优美的旋律，充满意趣的乐思，还有最真挚的情感，或宁静、典雅，或震撼、鼓舞，或欢喜、快乐，或悲伤、惆怅……

古语说：幼儿养性、童蒙养正，少年养志，成人养德。可以看出，一个人的性情、性格、智慧、爱心，一定要在幼儿和童年的时候去完成他。一个人，特别是幼儿心里，一定要常常充满着优美的感觉，一个人心中有美，身边的环境自然不脏乱，他的生活就很有乐趣，所有美好的事物都能在他的心里生根发芽，开花结果。一个人如果心中无美，那么他的心理就很枯燥，就会很肤浅，无聊，生活就很无趣。这都是一个人心灵的教育。如果能够给幼儿那些优美的、高雅的、丰富的古典音乐，那么这些优美的、高雅的、丰富的声音幼儿一样耳濡目染，全盘吸收，堆积在他生命的深处，将来慢慢的发酵，这些优美的、高雅的、丰富的声音就会成为她们生命的背景，在这种环境下长大，自然性情优雅，性格温和、乐观自信、聪明有爱心。至少她们这一生过得比较有乐趣，就比较有可能成为一个为社会创造幸福的人。相反如果是那些噪音、繁杂的声音，那些《奥特曼》《七龙珠》，那些“亲爱的你慢慢飞”，靡靡之音，暴戾之气的话。在这种环境下长大的孩子，自然暴躁、肤浅，就很容易迷失自我。这一生，就可能给自己制造很多的烦恼。

家长都希望自己的孩子聪明，现代汉语词典解释为：智力发达，记忆和理解能力强。“听远为聪，见微为明”。耳，用于听；目，用于看；聪明就是耳聪目明的意思。目前科学上一般从五个方面开发孩幼儿的智力、使幼儿变得聪明，即对视觉、听觉、嗅觉、味觉、触觉五个方面的良性刺激。第一种是视觉刺激，也就是刺激我们孩子的眼睛，婴儿很小的时候孩子买各种各样五颜六色的玩具，这些颜色能够充分的刺激我们孩子的视觉；第二种刺激是听觉刺激，听各种各样的声音，胎儿有了听觉以后就可以听到大自然中各种各样的声音，只要母亲能听到的声音胎儿就能听到，因为胎儿的听觉神经很灵敏；第三种是嗅觉刺激，也就是从鼻子方面刺激孩子的脑细胞，孩子能辨别出来的气味越多就说明他的脑细胞激活的越多，激活的脑细胞的多少，第四种刺激是味觉刺激；第五种刺激是触觉刺激，幼儿触摸各种各样的东西，市场上出现很多启智类的玩具，像积木啊、拼图啊，这些东西的确有启智作用，因为孩子经常接触这些东西经常摸这些玩具，不但可以锻炼孩子的动手能力，更主要的是能刺激孩子的大脑细胞丰富、全面的发展！

在这五种良性刺激当中有两种是最主要的两种是视觉和听觉。最佳的听觉刺激是丰富的声音、优雅的声音，因为丰富的声音刺激孩子脑细胞丰富的成长；而优雅的声音可以调和孩子优雅的性情。最佳的选择就是那些跟我们的心跳、脑波、血液循环等相吻合的古典音乐，那些音乐节拍和节律都跟人类生理现象相和谐的古典音乐。而节奏太快或太慢的音乐即使艺术价值很高，都不适合当作我们的教材。

原国务院副总理李岚清，退休以后致力于古典音乐的宣传和推广，先后到全国各大高校做讲座，他说，经典音乐的魅力在于能使：学习更有时效，思维更有创意；工作更有效率，领导更有艺术；生活更有情趣，人生更加丰厚！他说我国大学生的基础知识和基础功课并不比西方国家的学生差，但问题可能就出现在全面素质上，而音乐对我们综合素质的提高是非常重要的！

关于幼儿听赏古典音乐的方法问题，以幼儿的无意听赏为主，因为无意注意是幼儿时期的主要注意方式。比如在家里，家长可以把音乐开到轻轻的音量，作为一种背景音乐使用，孩子在玩耍、在读书、在吃饭、在睡觉的时候都可以无意识的听，因为儿童的吸收能力是很好的。当然这种效果不是马上看到的，但是我们今天不给幼儿听赏优美的音乐，也许就会有一些不适合与幼儿的成人的音乐占领他们的心灵，也会给幼儿带来伤害！

还可以让孩子以经典音乐“配乐”学习，也是很好的听赏方法。研究表明：在有经典音乐配乐的学习过程中，可以把人的注意力提高到这样的新水平，孩子能养成在音乐中思考问题、阅读或写作的良好习惯。因为音乐有掩蔽性，可以阻挡外来声音对大脑的干扰，也可以阻止大脑内部其它信号的传递，提醒孩子不要分散精力。孩子在认真思考问题时，可能根本没有听到音乐，虽然它是那样悠扬地在耳边流淌过。当孩子渐渐感受到音乐的力量时，就会有一种美的感受，而这种感受并不妨碍思考或写作。 经典音乐声波是一种美的信息，能通过声波刺激中枢神经，使孩子产生良好的情绪，这种良好情绪可以焕发精神，促过其潜能开发的进展。很多经典音乐都是有格式、有规则、组织严密的艺术圣品。在听赏经典音乐的过程中，它给大脑以规范性的影响，使孩子在音乐声波中有节奏地深度呼吸，不但可使身体充满活力，而且可使智能和大脑充满活力。通过有节奏地深度呼吸，人可以使自己与大自然一起和谐地振动，同时开发出自己的潜能。

参考文献：

[1] 张天军.略论经典音乐与提高幼儿整体素质的关系[J].音乐时空.2011.6

[2]张乘风 等.谈室内设计批评教育[J].大众文艺.2010.15